NATURE DU CROQUIS : Cours de fondations pour débutants

1. 1 Intro: [MUSIQUE] Avez-vous déjà voulu commencer un carnet de croquis de voyage ou un journal de la nature ou peindre des paysages magnifiques et inspirants où que vous alliez, mais vous ne savez pas exactement comment commencer ? Si c'est le cas, vous êtes au bon endroit. m'appelle Sarah et je suis une artiste à temps plein dans les Highlands écossais. Je me spécialise dans la peinture de paysage et je dessine la nature depuis des années, documentant la beauté que je trouve dans le monde entier. Pour moi, dessiner la nature est bien plus qu'un simple passe-temps. C'est une grande partie de ma joie personnelle et pratique artistique qui contribue à mon travail plus vaste ici en studio. Mais j'adore aussi parcourir mes vieilles pages de carnet de croquis. Ils me rapportent tant de souvenirs incroyables. Lorsque vous commencez votre voyage artistique par vous-même, il peut être très écrasant. De quels matériaux avez-vous besoin ? Quelles compétences devriez-vous commencer à apprendre ? Comment continuez-vous à vous améliorer ? C'est pourquoi j'ai fait ce cours sur les fondations. C'est le cours de départ idéal pour tous ceux qui souhaitent commencer leur propre parcours artistique. À l'école d'art, vous commencez souvent vos études avec une année entière consacrée aux fondements de l'art. Mais comme la plupart d' entre nous sont très occupés, j'ai conçu ce cours pour vous présenter les bases de ce dont vous avez besoin pour commencer. Dans trois heures, je vais partager ce qui m'a mis plus de cinq ans à comprendre par moi-même. Vous apprendrez un fondement de connaissances qui continueront de vous servir pendant des années à venir. Je vais vous présenter les bases du croquis, de la peinture à l' aquarelle, théorie des couleurs, de la perspective et bien plus encore d'une manière encourageante et sans stress. Ce cours ne consiste pas uniquement à copier ce que vous voyez à l'écran. Il s'agit d'acquérir une compréhension plus approfondie de la façon de voir votre monde du point de vue d'un artiste et de le traduire dans le journal. En plus des leçons vidéo, vous pourrez télécharger un guide de devoirs qui vous guide étape par étape pour suivre ce que vous avez appris dans ce cours et l'appliquer à votre propre parcours de carnet de croquis. De plus, vous recevrez mes guides PDF pour commencer à utiliser l'aquarelle et la gouache avec des détails sur les différents outils et techniques dont vous aurez besoin. Donc, si vous êtes prêt à commencer votre voyage artistique, cliquez sur le lien ci-dessous et préparez-vous à une aventure. [MUSIQUE] 2. 1.1: [MUSIQUE]. Bonjour à tous et bienvenue. [RIRES] Cette leçon consiste à vous préparer à ce cours et à définir vos intentions. Avant de vous lancer là-dedans, je veux juste vous donner un aperçu rapide de qui je suis et pourquoi je fais cela. J'ai tendance à déambuler un peu, donc je vais l'éditer, couper pour qu'il soit facile à comprendre et que je ne perds aucun de votre temps. Mon parcours de peinture a débuté il y a environ six ans. Avant cela, je vivais à Denver et j'étais dans l'industrie du design d'intérieur. Avant cela, je suis allé à l'école de design d' intérieur et avant cela, je suis allé à l'école d'art. J'ai obtenu un diplôme général en dessin et céramique et j'ai également doublé avec le graphisme. J'ai toujours eu l'œil sur une carrière artistique et une vie artistique. De plus, lorsque je vivais à Denver, je dirigeais une entreprise de photographie à temps plein et je me spécialisais dans les allotissements de montagne et les mariages. C'était vraiment merveilleux. Mais quand j'ai découvert la peinture, tout a changé. C'était aussi le moment de ma vie où j'essayais sortir davantage et de me plonger dans la nature. Je me suis rendu compte que je ne suis pas une citadine. [RIRES] Je vivais à la périphérie de Denver, qui est une immense ville du Colorado et c'était vraiment dur pour moi mentalement et physiquement. Plus je suis entré dans la nature, j'ai ressenti ce désir interne de la capturer. Pas seulement avec une caméra, une vidéo ou quelque chose comme ça, mais parce que j'avais des antécédents en dessin et que j'avais toujours dessiné toute ma vie, cela me semblait très naturel. J'ai commencé à dessiner dehors. Plus je faisais ça, plus il est devenu addictif. [RIRES] J'ai réalisé que c' était juste une merveilleuse façon de se connecter à la nature et de se connecter à ce qui était vraiment important pour moi. Lentement, j'ai commencé à incorporer des aquarelles. J'ai acheté un petit kit aquarelle et j'ai commencé à aller les jardins botaniques de Denver presque tous les deux jours en été. Cela a fait boule de neige et a continué, puis j'ai acheté un kit de peinture à l'huile et j'ai rapidement avancé jusqu'à maintenant. Je vis en Écosse et peinture est ma carrière à plein temps. C'est ce que j'ai fait. La raison pour laquelle j'ai suivi ce cours est que, au six dernières années, alors que j'ai continué à développer mes compétences et mon entreprise, j'ai eu de plus en plus de gens qui voulaient savoir comment commencer leur voyage comme je l'ai fait. Si vous n'avez pas d' expérience artistique, cela peut être encore plus intimidant. Au cours des dernières années, j'ai donné beaucoup de cours et de tutoriels, mais c'est la première fois que je fais un cours complet sur les fondations et il s'adresse à quelqu'un qui ne le fait pas savoir exactement par où commencer, qui n'a peut-être aucune formation artistique. Mon objectif dans ce cours est de [RIRE] non seulement de vous enseigner les bases, mais aussi de vous encourager à entrer dans un voyage tout au long de la vie, une relation à vie avec vous-même, avec votre art et la poursuite de se connecter à la nature. Si vous regardez cela, je suis sûr que vous aimez être l'extérieur ou que vous aimez déjà vous connecter avec la nature, et cela va donc vous donner un moyen supplémentaire de vous immerger dans la nature et capturez-le et mettez votre propre petite touche artistique dessus. On peut le faire maintenant ou pendant le cours à n'importe quel moment ou après le cours, mais l'une des premières choses que je suggère est d' écrire vos objectifs artistiques et cela peut être n'importe quoi, je veux apprendre à dessiner un arbre [RIRES] ou je veux m' améliorer dans les montagnes, les rivières ou autres. C'est peut-être le cas, j'ai envie de faire des croquis tous les jours ou de faire des esquisses dehors une fois par mois. Tout le monde va évoluer à un rythme différent et cela va évoluer au cours de votre vie. Ce cours est censé être une introduction à tous les principes de base. Mais encore une fois, ce voyage va durer toute une vie et je veux que vous en profitiez. Je le dis tout le temps, mais je ne veux pas simplement vous apprendre à copier quelque chose que vous voyez à l'écran. Le but, la façon dont j'ai conçu ces leçons, est d'inculquer un bon fondement des bases afin que vous puissiez prendre ces choses et les modifier à votre guise. Ils vont certainement évoluer au cours de vos études, mais c'est censé être un petit coup de pied, une petite étincelle, quelque part pour commencer ou si vous avez déjà commencé, peut-être pour vous amener au niveau supérieur ou simplement vous montrer comment je fais les choses. [RIRES] Nous sommes sur le point de sauter dans les cours, mais j'ai une petite histoire que je veux vous raconter. Quand j'étais à l'école d'art, j' étais à la fin de l'adolescence, au début de la vingtaine. [RIRES] Je n'avais aucune idée de ce que je faisais de ma vie. J'étais juste excité à l'idée de faire de l'art. C'est drôle parce que je peux revenir là-dessus maintenant, mais à l'époque, j'étais juste obsédé par tout absorber. J'ai suivi des cours dans tout. Même si je mettais l'accent sur la céramique et le dessin, j'ai pris le soufflage de verre, la conception de meubles et la conception d'éclairage. Toutes ces choses folles et tout cela résumées en une leçon très importante, c' est-à-dire être débrouillards. Si je ne sais pas comment faire quelque chose, je trouverai un moyen de le savoir. Je vais trouver un moyen de le faire. [RIRES] Cela nécessite des recherches. Cela demande du temps et beaucoup d'efforts. Mais cela m'a bien servi au cours de ma vie. Tout au long de ma vie, j'ai moi-même appris tant de compétences artistiques différentes basées sur ce concept et vous pouvez le faire aussi. Même si vous commencez tout juste, je veux que vous commenciez à vous mettre dans cet état d'esprit de débrouillardise. Je veux vraiment vous inculquer cette leçon aussi. [RIRES] L'une des meilleures choses que vous puissiez faire pour vous-même en tant qu'être humain et en tant qu'artiste est de ne jamais cesser d'apprendre. C'est peut-être votre première classe ou votre 20e classe, j'espère juste que cela vous aidera à passer à prochaine étape que vous espérez. Mais nous ne pouvons pas seulement nous concentrer sur la destination, nous devons vraiment profiter du voyage. Nous ne savons jamais quand ce voyage va se terminer. Pour ne pas être morbide, mais c'est vrai. Nous devons en profiter chaque jour, chaque fois que nous prenons notre carnet de croquis ou que nous peignons sur la toile. C'est là que se trouve le vrai bonheur dans la vie. J'espère que ce cours est amusant pour vous et que vous apprendrez beaucoup. Commençons. 3. 1.2 Peindre à la position: [MUSIQUE] Tout d'abord, qu'est-ce que le plein air ? Peindre en plein air, comme diraient les Français, c' est simplement peindre à l'extérieur, peindre en plein air. Les impressionnistes ont fait cela pour observer vraie couleur et la lumière dans le paysage. À l'époque, c'était le seul moyen pour les artistes apprendre à peindre ce qui se passe réellement dans la nature. La lumière change constamment et les bienfaits de la peinture à l'extérieur sont nombreux. n'y a rien de mal à peindre à partir de photos de référence. Nous le faisons tout le temps, surtout lorsque la météo n'est pas en notre faveur, mais les photos ont des limites. Tout d'abord, les caméras sont des machines. Lorsque vous prenez une photo, l'appareil photo décide de ce qu'il faut faire avec les informations qui se trouvent devant elle. Il essaie de capturer tout en détail du mieux possible, mais à moins d'utiliser techniques classiques de photographie cinématographique, il est vraiment difficile de capturer ce qui se trouve en face de vous. surtout lorsqu'il s'agit d'éclairage. nos jours , la plupart des caméras sursaturent les couleurs, et elles vont aussi sous ou surexposer nos hautes lumières et nos ombres. Ces domaines sont là où se trouve une partie de la magie et comment nous pouvons réellement donner vie à nos peintures. d'étudier les effets de la lumière en personne est très important d'étudier les effets de la lumière en personne à l' extérieur en plein air. Je comprends, c'est un défi de peindre à l'extérieur. [RIRES] C'est très humble. Même si vous êtes un peintre très compétent en studio, au moment où vous sortez, tout change. Mais honnêtement, c'est parfois une bonne chose d'être humilié. Mais mon meilleur conseil est de le prendre lentement et d'essayer de ne pas entrer dans l'état d'esprit de devoir produire un chef-d'œuvre chaque fois que vous sortez dehors. Au lieu de cela, ce que j'aime faire, c'est simplement m'immerger dans la nature et essayer de capturer de petites notes de couleur. Il peut s'agir de mélanger quelques couleurs que je vois devant moi et de poser sur une petite feuille de nuancier ou d' essayer de peindre une scène. Mais la plupart du temps, c'est juste esquisser, essayer d'aller un peu plus loin dans ma compréhension, puis, plus tard, en studio, je peux appliquer ce que j'ai appris. Lorsque je suis assis devant un écran d'ordinateur en regardant une photo de référence, j'essaie de revenir à ce moment où j'étais dehors et j' essaie de me souvenir des vraies couleurs que j'ai vues, surtout dans le les reflets et les ombres là où la caméra a tendance à se trouver. Pour m'encourager à sortir et à peindre plus souvent, je garde un sac près de la porte. Je l'appelle mon sac à peinture, ce qui signifie que je peux juste l'attraper et y aller. Il contient tout ce dont j'ai besoin pour une journée de croquis à l'extérieur. Cette stratégie a changé la donne pour moi. Je suis le genre de personne qui va trop réfléchir aux choses, et si je commence à penser à quel point il est difficile de peindre dehors ou peut-être où se trouvent mes matériaux, je vais juste trouver des excuses pour ne pas le faire. Le sac est toujours là près de la porte qui appelle mon nom en disant : « Allez, allons-y. » Parce qu'au fil des ans, lorsque j'ai commencé à peindre de plus en plus à l'extérieur, j'ai constaté une amélioration drastique ma compréhension de la couleur et lumière et de ma capacité à la peindre. Je sais donc à quel point c'est important, mais j'ai parfois besoin d'un peu d' encouragement. [MUSIQUE] Commençons par ma configuration principale, est-à-dire tout ce que j'aime apporter avec moi presque tous les jours. C'est ma configuration incontournable lorsque je peins à l'extérieur. À cette époque de ma vie, j'ai beaucoup envie de dessiner avec divers médiums, peindre à l'aquarelle et à la gouache et parfois à l'encre. Mon objectif avec cette configuration est d' avoir un peu de tout. Au début, ça peut sembler fou, ça va être beaucoup trop, mais laissez-moi vous montrer. En fait, c'est très facile à gérer. Cela signifie que lorsque je suis à l'extérieur, si l'ambiance touche un média en particulier, c'est juste là, prêt à partir. [MUSIQUE] Tout d'abord, ne quittez jamais la maison sans crème solaire ou collations. Je garde également un chiffon ou une serviette en papier et je finis par l'utiliser plusieurs fois. Ce siège pliable, imperméable et thermique m'a sauvé les fesses tant de fois, littéralement. plupart du temps, je marche ou fait de la randonnée des kilomètres avant de trouver un endroit à peindre. Je ne veux donc pas porter une grande chaise même si c'est l'une de ces chaises de camping parce que ça devient lourd après un certain temps. Mon sac à dos n'a rien de fantaisiste. En fait, je pense que c' était environ 15 livres en vente quand je l'ai acheté et maintenant il est abandonné. Mais j'ai en fait quelques options pour les sacs à dos. Si j'emporte mon équipement photo avec moi et que je filme mes scènes de drone, j'apporte généralement mon autre sac à dos pour appareil photo plus professionnel, qui peut également contenir beaucoup de fournitures artistiques. [MUSIQUE] J'utilise un rouleau de pinceau en bambou vraiment bon marché pour protéger mes pinceaux, mais aussi pour m'assurer que je peux les trouver très faciles lorsque je suis l'extérieur de la peinture et que mes pinceaux changent constamment. Je vais donc jeter ceux que j'ai envie utiliser ce jour-là dans mon rouleau de pinceau avant de sortir. Il en va de même pour mes ustensiles de dessin. J'aime en garder au moins un de chacun. Donc, un crayon, un stylo, un pinceau, un marqueur blanc, ou peut-être un stylo pinceau ou quelque chose de similaire. J'ai acheté deux de tous mes ustensiles de dessin préférés, donc je peux toujours en avoir un dans mon sac et un en studio. Je garde également quelques pinces ou pinces dans mon sac à dos parce que j'aime plier mes pages ou les maintenir ensemble quand il y a vraiment du vent. Le prochain est peut-être un peu moins connu. C'est ce qu'on appelle un viseur, et il est utilisé pour vous aider à affiner une composition. J'aime l'utiliser surtout lorsque je fais esquisses urbaines parce que cela semble beaucoup plus compliqué. Je le soulève donc et je le déplace jusqu'à ce que je m'installe sur une composition que j'aime vraiment. [MUSIQUE] Passons maintenant aux trucs amusants. Parlons de peinture et de palettes. Maintenant, c'est comme la chose la plus personnelle de tous les temps. Prenez-le donc avec un grain de sel, et je ne suis parrainé par aucune entreprise. Toutes mes recommandations proviennent donc d'années d' exploration et de pratique et d' essais d'une tonne de configurations différentes. Je peux dire honnêtement que depuis que j'ai commencé à utiliser Portable Painter et Portable Painter Micro, mon expérience en plein air s' tellement améliorée et voici pourquoi. [MUSIQUE] Je me déplace beaucoup quand je peins dehors. Je m' assois parfois pendant une minute, deux minutes, cinq minutes, 10 minutes ou plus d'une heure. Cela varie totalement en fonction de la météo, mon emplacement et de la raison pour laquelle je suis là. Parfois, je prends simplement de petites notes de couleur ou je regarde des formes spécifiques, puis je passe au site suivant. J'ai donc besoin d'une configuration très, très portable. Ces petits peintres portatifs sont bien nommés. Ils sont incroyablement rapides et faciles à installer et ils ne pèsent presque rien. Cela rend donc toute l' expérience beaucoup plus accessible pour moi. [RIRES] Il me faut honnêtement plus de temps pour trouver un endroit où m'asseoir et sortir toutes mes affaires de mon sac que pour installer mon peintre portable et commencer à peindre. Ce que je recherche dans une configuration de gouache est très similaire à mon installation d'aquarelle. Il doit être léger, très rapide et facile à installer. Après des tonnes et des tonnes d'expérimentations, j'ai enfin trouvé une configuration que j'aime vraiment. Vous vous souviendrez peut-être que j'ai utilisé cette boîte de palette d'aquarelle hermétique pour ma gouache. une époque, c' était la configuration parfaite pour moi, car j'utilisais plus de couleurs dans une seule peinture. De nos jours, je ne peins qu'avec une palette limitée et il y a beaucoup de raisons à cela, dont je parle dans de nombreuses vidéos. Cette boîte à palettes est majoritairement exagérée pour moi. Au lieu de cela, j' apporte juste 5 à 8 tubes de gouache avec moi et je l'utilise frais du tube, ce qui est idéal pour la façon dont j'aime utiliser la gouache. Mais bien sûr, j'ai besoin de quelque chose pour mélanger la gouache, c'est là que cette petite palette entre en jeu. ne s'agit que de deux morceaux de plastique qui s'emboîtent pour créer une palette hermétique. Si vous le souhaitez, vous pouvez ajouter une éponge Stay-Wet et du papier pour palettes, mais je mélange simplement directement sur le plastique car comme je l'ai mentionné, j'aime beaucoup me déplacer. Je ne suis donc jamais vraiment à un seul endroit assez longtemps pour avoir besoin de l' éponge et du papier. Une autre chose qui change beaucoup, c'est mes carnets de croquis. J'essaie constamment de nouveaux carnets de croquis, nouveaux papiers, de toutes sortes de tailles et de formes différentes. Mais pour la plupart, j'en garde un ou deux dans mon sac en tout temps. Si je tombe amoureux d'un carnet de croquis, j'en achète un tas. Comme j'aime utiliser une variété de supports, je garde généralement un carnet de croquis pressé à froid , pressé à chaud et , pressé à chaud et mixtes dans mon sac en tout temps. J'ai également une mini planche à dessin que j'ai découpée à la taille souhaitée pour me donner une surface plus stable. Combien pensez-vous que cela pèse ? Il est à peine trois kilogrammes ou environ six livres et demi. C'est tout ce dont j'ai besoin pour une journée complète de peinture et de croquis en plein air. [MUSIQUE] Mais qu'en est-il des jours où j'ai encore moins d'énergie ou où je vais juste promener rapidement dans le quartier ? C'est là que ce sac banane super élégant entre en jeu. Je le porte généralement comme un sac à bandoulière et je peux le balancer vers l' avant pour prendre mes fournitures. Je me suis assuré d'en acheter un imperméable ne pas avoir à m' inquiéter de la ruine de mes carnets de croquis lorsque je suis pris sous la pluie, ce qui est assez courant en Écosse. Pour ce kit, j'ai une version épurée de ce que je vous ai montré auparavant. Voici mon petit carnet de croquis en papier gris Hahnemuhle de quatre pouces par six pouces. Je vais juste fixer quelques-uns de mes ustensiles préférés à l'extérieur avec ce petit pince-pinceau, et je vais choisir un pinceau et un ou deux stylos à emporter avec moi. Pour la peinture, j'utilise le Portable Painter Micro. Tout cela peut être tenu dans ma main pour que je puisse me tenir debout et dessiner, ce qui est vraiment pratique lorsque je fais juste des promenades rapides. Mais surtout, il est très léger et facile à installer et à ranger très rapidement. [MUSIQUE] Rien de tout cela n'est gravé dans pierre et je prends parfois une configuration complètement différente juste pour tout ça, juste pour mélanger les choses. De plus, je pense que j'évolue constamment, et mes besoins changeront au fil du temps. Par exemple, je ne prends plus mes fournitures de peinture à l'huile à l'extérieur. La principale raison en est que la façon dont j'aime travailler avec les huiles est beaucoup plus grande avec les couteaux à palette et j'ai besoin de beaucoup d'espace de mélange, et j'aime vraiment prendre mon temps et superposer les choses et s'en éloigner et y revenir après un certain temps. C'est juste une façon de travailler totalement différente. Mais je vais rapidement vous montrer ma configuration de peinture à l'huile pour ceux d'entre vous qui s'intéressent à cela. [MUSIQUE] J'appelle cela ma grande configuration parce que cela demande beaucoup plus de temps et d'efforts. Que je peigne avec de l' huile ou de la gouache ou autre, une boîte en pochade est vraiment idéale pour contenir tout ce dont vous pourriez avoir besoin pour une séance de peinture. La plupart d'entre eux ont un espace de rangement à l'intérieur pour que vous puissiez le fermer et partir. J'ai deux boîtes de pochade. L'une est assez grande et pèse près de six livres en elle-même. Mais c'est une trousse incroyable. Mais je ne l'utilise que lorsque je fais du camping ou que je peins près de ma voiture parce que je ne vais certainement pas faire de randonnée avec celle-ci. Ma plus petite boîte pochade et celle que j'utilise le plus souvent est la Guerrilla Painter Thumbox de six pouces par huit pouces. Cette chose est si robuste qu'elle pèse environ 3,5 livres ou 1,7 kilogrammes. Mais laissez-moi vous dire que ce petit gars a beaucoup survécu au fil des ans. J'ai laissé tomber cette chose dans cascades et les falaises et elle a tellement survécu et protégé ma peinture et mes fournitures à l'intérieur. Même s'il y a d' incroyables boîtes de pochade sur le marché que j' aimerais essayer, cela ne vaut pas la peine d' investir autant d'argent dans un kit que je n'utilise pas très souvent parce que encore une fois, je suis beaucoup plus de un artiste portable quand je suis dehors. Mais à la rare occasion où je sais que je vais rester assis au même endroit pendant un certain temps, avoir une boîte pochade est agréable de pouvoir poser tous vos matériaux et d'avoir une surface plus stable. Il m'a fallu des années pour construire mes matériaux et trouver des choses qui moi, m'ont vraiment aidé dans mon voyage plutôt que de m'entraver. des ans, j'ai gaspillé beaucoup d'argent Au fil des ans, j'ai gaspillé beaucoup d'argent sur des choses dont je n'avais vraiment pas besoin simplement parce que j'ai vu d'autres artistes les utiliser. Je vous encourage donc à commencer petit. Un carnet de croquis, un stylo, un crayon, un petit kit aquarelle. Vous n'avez vraiment pas besoin de quoi que ce soit de trop chic. Au début, vous vous concentrerez probablement sur le simple fait de prendre l'habitude d'aller dehors. 4. 1.3 Trouvez votre style: L'une des questions les plus courantes que je me pose est de savoir comment trouver votre style artistique ? Je déteste le dire, mais j'ai l'une des pires réponses. Je dis toujours aux gens que vous ne trouvez pas votre style. Votre style est déjà en vous. La seule façon de faire ressortir votre style pour le comprendre est de faire le travail. C'est à mettre dans le temps de peindre après la peinture. La raison en est qu'au fil du temps, plus vous faites de peintures, plus la façon dont vous aimez peindre ou dessiner sera évidente , ce qui signifie quels outils vous aimez utiliser ou ne pas utiliser, comment vous J'aime les utiliser ou ne pas les utiliser. Au fur et à mesure que nous grandissons, nous imitons souvent différents styles que nous voyons en ligne ou dans des livres et en le faisant, nous réalisons si cela nous plait ou non. N'importe qui peut apprendre à copier quelque chose qu'il a trouvé en ligne ou dans un livre. Mais si vous voulez vraiment exprimer votre style artistique intérieur, votre esthétique intérieure, vous devez vous poser une question très importante. Quel est votre pourquoi ? Votre raison est ce qui vous motive. C'est ce qui vous enthousiasme à l'idée de prendre le crayon ou le pinceau et de commencer à créer, que ce soit des portraits ou des animaux croquis urbains ou des paysages, vous devez puiser dans cela combustible intérieur qui allait permettre à votre feu de traverser toutes les nombreuses heures d'étude dont il a besoin. Pour les artistes autoguidés ou les artistes qui ne vont pas à l'école d'art ou qui ne suivent pas de longues études, il est vraiment important d'en tirer parti car cela va vous aider à concevoir votre cours d'étude. Cela vous permettra probablement d'économiser des centaines d'heures de concentration si vous avez un plan d'auto-apprentissage plus axé sur l'objectif, et si vous savez déjà quel est votre style et où vous voulez le prendre, c'est génial. Mais pour ceux d'entre vous qui n'en ont aucune idée, j'ai quelques conseils pratiques. Ouvrez votre application de sauvegarde de photos préférée. Pour moi, c'est Pinterest. Il est si facile de naviguer et trouver de nouvelles choses vraiment intéressantes là-dessus. Quoi qu'il en soit, j'ai créé un album intitulé Inspiring Artwork et, au cours de quelques mois, j'ai commencé à sauver des choses qui vraiment sauté et m'ont inspiré en ce moment. Après un certain temps, je suis entré et j'ai regardé ce que j'avais. Je me suis rendu compte que c' était très révélateur. La réponse se trouve dans les chiffres. La majorité des œuvres que j'ai enregistrées étaient extrêmement expressives et parfois assez abstraites. Oui, il y a quelques valeurs aberrantes ici et là , mais quand je regarde la majorité, et que je distille tout ce que je vois, c'était tellement évident ce que mon esthétique intérieure me criait dessus. C'est dire que Sarah, soyez simplement expressive, soyez vous-même et j'ai donc commencé à changer ce que j'ai étudié. Je pense qu'il est important d'étudier le réalisme et les rôles artistiques et tout cela et c'est pourquoi vous êtes ici dans cette classe. Mais j'ai commencé à expérimenter beaucoup plus. J'ai commencé à me dégourdir les jambes artistiques, si vous voulez. J'ai commencé à embrasser mon amour pour les paysages presque abstraits. Plus je me suis penché sur ce qui me ressent vraiment, j'ai commencé à attirer des gens partageant les mêmes idées, gens qui non seulement aimaient mon style mais aussi mon état d'esprit et c'est génial pour les affaires, mais surtout, Je suis vraiment content. Chaque jour, je me réveille enthousiaste à l'idée de créer et c'est parce que je n'ai pas essayé de me forcer à peindre dans un style spécifique. Je me suis laissé le temps d' expérimenter, de voir ce que j'aimais et que je n' aimais pas , puis, en apprenant à me connaître au fil du temps, j'ai réalisé quelles sont mes vraies passions, où je veux aller avec mon art, ce que j'adore créer et partager. Le but de cette histoire est simplement de vous encourager à cesser d'essayer de rentrer dans une étiquette ou une boîte spécifique et à simplement apprendre à vous connaître vous-même. Laissez-vous le temps d'explorer et d'expérimenter. Plus vous apprendrez à vous connaître vous-même et à ce qui vous attire naturellement, plus vous aurez de clarté dans vos études. Cela signifie que vous pourrez regarder n'importe quel tutoriel de n'importe quel artiste et choisir les pièces qui s'appliquent à vous et ce que vous aimez faire. 5. Les bases du dessin 2.1: [MUSIQUE] Pour commencer, vous aurez besoin de papier. J'utilise simplement du papier d'ordinateur parce qu'il est vraiment bon marché et facile à trouver. [RIRES] Quelque chose à dessiner, comme un crayon mécanique ou votre ustensile préféré, une gomme, un peu de thé et votre imagination. Pour les besoins de cette leçon, je vais utiliser du charbon juste parce qu'il est moins réfléchissant et que je ne veux pas que vous ayez du mal à voir ce que je fais. Parlons d'abord du poids de la ligne parce que chaque ustensile aura un poids différent, ce qui signifie l'épaisseur ou l' épaisseur de la ligne. J'adore dessiner avec des crayons mécaniques, mais si vous regardez la pointe, vous pouvez voir qu'elle est minuscule. Comparez cela à mon charbon de bois, et vous pouvez voir que le charbon de bois va me donner un poids de ligne beaucoup plus polyvalent. Le poids de trait est important dans le dessin de paysage, car une ligne épaisse indique un arête d'ombre et une ligne fine indique une arête de surbrillance, ou du moins c'est comme ça que j'aime le faire. Nous allons donc simplement dessiner une forme de base pour le démontrer. Supposons que notre source lumineuse provienne du côté supérieur droit, ce qui signifie que le côté inférieur gauche sera dans l'ombre. Sans faire d'ombrage, je peux l'indiquer en assombrissant le bord inférieur gauche. J'utilise une ligne sombre très épaisse avec une forte pression sur le papier. Alors qu'il se rapproche du côté supérieur droit, je le laisse rester très léger et fin. Par conséquent, avec un effort très minimal, nous pouvons commencer à communiquer de la lumière sur nos formes. L'une des raisons pour lesquelles il est vraiment pratique et amusant d'utiliser un crayon à charbon de bois ou même des crayons graphite est que vous avez techniquement autant de matériaux à utiliser. Vous n'avez pas seulement la pointe, mais aussi ce long côté plat. Faisons donc un exemple. Si je n'utilise que la pointe, je peux obtenir une belle ligne solide et uniforme, ou je peux commencer à la tourner légèrement sur le côté et à la rendre un peu plus épaisse, ou je peux appuyer sur tout ce bord le long de la surface du papier et obtenez une belle ligne épaisse. Si vous avez un crayon mécanique ou un stylo où il ne s'agit que d'une petite pointe, vous pouvez toujours obtenir un effet similaire. Nous avons notre cercle très désordonné. En haut à droite , c'est la lumière, donc ça va rester comme ça. Mais ensuite, en bas à gauche, nous devons simuler cette épaisseur de ligne en le remplissant. Maintenant, nous pouvons revenir et rendre ça beau et mince. J'ai exagéré un peu l'épaisseur pour que vous puissiez encore la voir car il est beaucoup plus léger que le charbon de bois, mais vous comprenez l'idée. Comment pouvons-nous utiliser le poids de ligne dans un paysage à notre avantage ? Dessinons un rocher assis dans de l'herbe. Si je veux indiquer qu'une zone de la roche est mise en évidence, j'utiliserai des lignes lumineuses très fines et dans mes zones d'ombre, j'utiliserai des lignes sombres ainsi que des fissures et des crevasses, etc. Je ne vais pas utiliser d'ombrage ou de mélange doux ; je n'utiliserai que des lignes et des hachures, dont nous parlerons bientôt. Voici mon petit rocher assis dans l'herbe. Tout simplement en rendant ces lignes beaucoup plus épaisses et foncées ainsi que certaines de ces fissures et motifs sur la roche, le spectateur va apercevoir la lumière frapper de ce côté. Ensuite, si vous voulez aller plus loin, vous pouvez ajouter un peu d'éclosion. Vous n'avez donc pas besoin de tout sortir avec un mélange et un ombrage parfaits. Vous pouvez utiliser une forme d' esquisse abrégé comme celle-ci pour communiquer clairement votre sujet, mais en une fraction de temps. Maintenant, j'ai un stylo avec une pointe d'un millimètre et vous pouvez voir que les lignes sont relativement épaisses. Il est très important de connaître votre outil et les types de marques que vous pouvez créer. Parfois, je trouve amusant de me mettre au défi. Je vais sortir avec un stylo, et c'est tout ce que je dois travailler. Je dois donc très bien connaître cet outil pour pouvoir atteindre mon objectif. Prenez quelques morceaux de papier ou une page dans votre carnet de croquis et jouez simplement avec les types de repères que vous pouvez créer. Comparons le graphite au stylo. Un autre cercle grumeleux. Mais encore une fois, nous devrions simuler cette ligne plus épaisse sur le côté gauche. Imaginons que ce n'est qu'un morceau de Platon, car ce n'est certainement pas un cercle parfait. Il est vraiment difficile de dessiner un cercle parfait, alors ne vous laissez pas tomber sur vous-même si vous avez du mal avec ça. Je ne sais pas comment j'ai fait ça aussi circulaire. Quoi qu'il en soit, je préfère vraiment une façon très stylisée de dessiner. J'ai tendance à faire une version de hachures qui ressemble à des lignes parallèles. Beaucoup de lignes parallèles. Si je veux aller plus loin, il est facile de changer légèrement l'angle et de faire le croisement. Bien sûr, je peux continuer cela aussi longtemps que nécessaire afin représenter le niveau d' ombrage que je cherche. Disons que nous avons encore un rocher. Donc, si j'allais ombrager ce rocher, je pourrais faire quelque chose comme ça. Il s'agit là encore d'une version très abrégée de l'esquisse. Ces lignes sont toutes parallèles, elles vont toutes dans la même direction, et la proximité est ce qui indique la quantité d' ombre qu'il y a là. Si j'étale les lignes comme juste là, c'est un peu plus léger et bien sûr la zone blanche est mon point culminant. Je peux le faire sous n'importe quelle forme. Mais le but est de simplement vous montrer que vous n'avez pas besoin d'en faire trop. Lorsque vous êtes à l'extérieur de la peinture, vous faites des esquisses en déplacement, parfois vous avez quelques minutes pour capturer ce que vous essayez de capturer, vous n'avez pas d'heures. donc très utile de trouver des moyens de communiquer dans un laps de temps relativement court sera donc très utile de trouver des moyens de communiquer dans un laps de temps relativement court. Encore une fois, si vous voulez aller plus loin et faire croisements pour le rendre un peu plus détaillé ou indiquer une ombre un peu plus, allez simplement dans la direction opposée. Il y a aussi une chose amusante que vous pouvez faire, appelée éclosion de contour. Disons que c'est le contour de notre rocher. Au lieu de rendre mes lignes si parfaitement droites, je commençais à les courber autour de la surface. Quelque chose comme ça, et c'est une version très extrême, je dirais. Mais de retour avec des angles différents, alors amusez-vous simplement avec ça. Il suffit d'aller jouer avec certaines formes et de commencer à l'ombrager. Finalement, vous vous installerez sur un type de croquis abrégé que vous aimez, que vous trouvez vraiment agréable. Nous reviendrons sur notre page de charbon de bois pour que je puisse démontrer des ombres douces et mélangées. On y va. Ce que j' aime généralement faire, c'est utiliser le gros bord de mon graphite ou de mon charbon de bois, peu importe ce que j'utilise, et remplir autant que possible avec cette plus grande surface. Mon doigt fait baisser la pression sur le crayon juste ici. Je vais juste essayer de remplir une bonne quantité uniforme de graphite pour commencer. Ne vous inquiétez pas si vous sortez de vos lignes, vous pourrez toujours l' ajuster plus tard. Ce n'est pas de l'encre. [RIRES] Évitez d'utiliser la pointe car la pointe exercera plus de pression sur le papier et créera une ligne plus solide qui peut ou non être amovible ultérieurement. J'utilise une pression plus légère ici parce que je sais que ce sera mon point culminant. Mes lignes vont toujours dans la même direction, mais nous allons changer cela dans une seconde. Une pression un peu plus forte ici pour le rendre plus sombre, et une pression plus légère pour montrer le point culminant. Si vous le souhaitez, vous pouvez immédiatement revenir nettoyer les bords avec une gomme à effacer ou vous pouvez le faire à la fin. Je ne vais pas y toucher parce qu' il va juste se frotter partout, mais je vais tourner mon papier à 90 degrés de cette façon. Je fais encore plus de pression sur le côté de l'ombre, me rappelant que c'est mon point culminant. À ce stade, je pourrais simplement tourner mon papier dans tous les sens et essayer d'obtenir des angles différents et de remplir un peu plus de cette ombre. En tout temps, ma main va dans la même direction en diagonale parce que je suis en train de pivoter au niveau de mon coude. Je n'utilise pas vraiment mon poignet comme ça, il bouge là où se trouve mon coude. Je peux donc obtenir des marques très uniformes répétables au lieu de pressions et d'angles plus chaotiques, si j'essaie d'utiliser mon poignet. Si vous voulez aller plus loin, vous pouvez utiliser une serviette en papier enroulée autour de votre doigt et vous pouvez le mélanger. J'utilise un petit mouvement circulaire. Ensuite, vous pouvez revenir à nouveau avec une autre couche et continuellement l'accumuler. C'est à vous de l'amener aussi loin que vous le souhaitez, mais c'est l' idée générale de l'ombrage doux. Cela prend certainement beaucoup plus de temps, mais vous pouvez obtenir des résultats vraiment sympas. Certains se demandent peut-être : « Eh bien, comment savez-vous où mettre le point culminant et où mettre l'ombre ? » Cela vient de l'observation de la vie. Si vous avez besoin de vous entraîner avec ça, regardez plus de choses. Ne vous contentez pas de regarder, observer [RIRES] et de le regarder et essayer vraiment de remarquer où la lumière frappe le plus fort, où les ombres commencent à se former, là où elles deviennent les plus sombres. Vous pouvez mettre une orange ou une pomme devant vous et l' allumer sous différents angles et commencer à vous entraîner de cette façon. Mais vraiment, remplir votre bibliothèque visuelle interne avec toutes sortes de formes différentes et toutes sortes d' éclairages différents sera votre meilleur professeur. 6. 2.2 Habitudes du carnet de croquis: [MUSIQUE] Je crois fermement que mon carnet de croquis est la principale raison pour laquelle j'ai pu grandir aussi rapidement que je l'ai fait ces dernières années. Dans cette leçon, je vais partager mes habitudes de carnet de croquis et expliquer pourquoi il est important d'avoir un carnet de croquis avec vous aussi souvent que possible. J'ai peut-être un peu d' obsession pour les carnets de croquis. Je ne vois pas ça comme une mauvaise chose. carnets de croquis sont un endroit à expérimenter, à explorer sans craindre d'être jugés. La plupart du temps, personne ne verra ce qu'il y a à l'intérieur de votre carnet de croquis à moins que vous ne le vouliez. Le choix d'un carnet de croquis est tellement personnel. Pour moi, c'est l'équivalent d' acheter des vêtements. La taille, la forme et même la couleur du papier dépendent de vos besoins en tant qu'artiste. C'est un carnet de croquis que j'ai réalisé moi-même en utilisant mon papier aquarelle préféré. Je n'ai pas fait le meilleur travail avec la reliure, mais elle répond à mes besoins. J'ai tendance à conserver des matériaux spécifiques dans des carnets de croquis spécifiques. Avec un carnet de croquis doté très beau papier aquarelle de haute qualité, j'ai tendance à me déplacer dans de nombreux supports différents qui sont plus utilisés pour médias mixtes, bien que la plupart des gens qui me suivent sur les réseaux sociaux, je ne vois vraiment que mes tableaux. La plupart de mon temps à m'entraîner est consacré à de nombreux matériaux différents, donc pouvoir les explorer librement dans mes carnets de croquis est crucial pour ma croissance en tant qu'artiste. Il y a cette chose que j'ai fait que j'ai vu d'autres artistes faire, c' est-à-dire retarder le démarrage d'un carnet de croquis parce qu'ils ont juste peur de gâcher. J'y suis allé de nombreuses fois. La façon dont je m'en occupe est d' utiliser les deux premières pages pour tester de nombreux matériaux différents. Non seulement c'est vraiment très utile, mais il devient également votre référence pour l' avenir de votre carnet de croquis. À chaque fois que vous travaillez, vous souhaitez passer à un nouveau support, vous pouvez simplement regarder rapidement votre feuille de référence et voir comment ce matériau va se comporter. C'est un excellent moyen de surmonter la peur de gâcher votre première page car ces pages de référence sont désordonnées [RIRES]. Cela lui donne un but au-delà de quelque chose qui a l'air joli. Deux de mes objets préférés à esquisser sont les rochers et les arbres. Ce carnet de croquis est dédié à ces deux sujets. Si nous l'ouvrons d'un côté, c'est la section rocheuse [RIRES]. Je l'ai appelé The Many Secret Lives of Rocks. Ils ont leur propre langue. C'est juste plein d'expérimentation, d'essayer de dessiner différentes formes, de s'amuser beaucoup avec elle parce que pourquoi pas ? Mais beaucoup de choses ont pour but de m'entraîner à dessiner et à ombrer toutes les différentes facettes des roches. Cela n' arrive pas seulement du jour au lendemain. Il m'a fallu beaucoup de temps pour en arriver là. que je recommande vivement, c'est de porter un petit carnet de croquis comme celui-ci avec vous, de le mettre dans votre voiture pour qu'il soit toujours avec vous en déplacement. Si vous attendez 15 minutes pour un rendez-vous quelque part, vous pouvez simplement le retirer et commencer à esquisser. Plus vous le faites, plus vous construisez votre mémoire musculaire. La plupart d'entre eux sont simplement inspirés de l'imagination. Je vais commencer par une forme de symbole et à partir de là, j' essaie de visualiser ce qui se passe en 3D dans l'espace, mais là encore, c'est sa propre compétence qui vient avec le temps, qui vient avec la pratique. Je passe aussi beaucoup de temps au bord de la rivière et j'aime bien équilibrer les pierres. C'est une activité difficile, mais je trouve cela très relaxant. Un jour, quand j'étais là-bas, j'ai commencé à les esquisser. Si nous retournons le carnet de croquis, retournez-le, nous avons la section des arbres et je l'ai appelée The Many Ways of Trees et leurs rêves. Tout comme pour les rochers, il s'agit tellement d' expérimentation. Beaucoup de fois, je commencerai par dessiner juste un geste très lâche d'un arbre, presque comme si je faisais du dessin de figure gestuelle. Parfois, je vais sortir ça dans la forêt et puiser vie et d'autres fois c'est juste par imagination et j' aime vraiment me mettre au défi devenir créatif avec mes arbres. Ce que je fais pour m'entraîner à dessiner des arbres est de faire ces formes très simples, puis d' essayer de les rendre de manière plus 3D. En commençant par une simple forme de S, que puis-je faire pour que cela ressemble à un peu de volume ? Beaucoup de fois, avec mes arbres, on peut voir le squelette de mon croquis jusqu' à la dernière étape. Personnellement, cela ne me dérange pas de pouvoir voir toutes ces petites lignes directrices, j'aime bien ça. Vous pouvez également voir ce style d'hachures de lignes parallèles dont je vous ai parlé. Prenez un petit carnet de croquis, faites-en votre meilleur ami. [RIRES] 7. 2.3 Formes simplifiées Partie 1: [MUSIQUE] Tout ce qui se trouve dans le paysage peut être divisé en formes très simples. Si vous commencez à vous entraîner voir ces formes dans votre environnement, vous vous préparez à les dessiner. Le fondement de nos peintures, en particulier lors de l'utilisation de l'aquarelle, sera de solides compétences en dessin. J'aime imaginer ces formes comme le squelette de notre peinture. Si le tableau a de bons os, il peut mieux communiquer son sujet. Dans cette leçon, je vais vous montrer comment je simplifie les formes dans le paysage. Mais si vous voulez plus de détails sur dessin ou la peinture d' arbres ou de rochers, j'ai deux autres cours complets sur ces sujets. Mais pour l'instant, commençons par les bases. Bonjour à tous ceux qui viennent du nord-est très froid de l'Écosse. [RIRES] Pour cette leçon, je vais vous guider tout au mon processus de marche à l'extérieur et regarder des objets comme des roches ou des branches et de les simplifier jusqu'à leur cœur géométrique simplifié. formes. Nous allons utiliser du papier informatique et un Sharpie. La raison pour laquelle j'utilise les fournitures les plus basiques c' est parce que j'ai l'impression que c'est très important lorsque vous commencez à surmonter la peur de gâcher. Si vous utilisez un carnet de croquis coûteux, fournitures coûteuses, parfois cela seul vous arrêtera. En plus d'un sharpie, avec un marqueur, vous ne pouvez pas effacer [RIRES], vous devez donc immédiatement lâcher votre peur de faire une mauvaise marque ou de gâcher une ligne. N'oubliez pas que chaque fois que vous commettez une erreur, vous en apprenez. Si vous avez des preuves d' erreurs sur votre toile ou sur votre papier, ce n'est qu'une leçon apprise et vous allez en faire une meilleure la prochaine fois. Je vais juste me promener dans ma maison, promener dans la cour. Si vous vivez en ville, vous pouvez vous rendre dans un parc local ou simplement marcher la rue et trouver un endroit calme loin des gens. [RIRES] Il n'y a aucune excuse quoi qu'il arrive. Vous pouvez aller à l'extérieur, trouver un rocher ou une branche et faire des croquis. Voyons ce que nous pouvons trouver. quelques mètres de ma porte, c'est un rocher. [RIRES] Esquissons-le. Quand je m'assois pour dessiner ce rocher, la première chose à laquelle je pense est la forme géométrique de base avec laquelle je commencerais. Est-ce que ce serait un cercle, un cube ou quelque chose comme ça ? Dans ce cas, je vais dire sphère ou cercle légèrement aplati. C'est à sa forme la plus basique. C'est ce que je commence. Cependant, vous pouvez voir que le fond de cette roche est au sol, il est plat. Ce n'est pas une balle qui roule. Nous pouvons simplifier cela en aplatissant le fond. Déjà, il ressemble beaucoup plus à la roche, mais on peut voir que certains angles sur la roche ont un peu plus un bord plat ou même une indentation. Essayons lentement de le faire étape par étape. Sur le côté gauche, je vois qu' il y a un peu un bord plat. C'est la première chose que je vais faire, alors je vais aplatir ce bord. L'avant du rocher vient vers moi , puis de nouveau. Il y a un coin très arrondi à l'avant. Dans ce cas, nous ferions descendre un peu cette ligne plate vers nous , puis nous la renvoyons. En remontant, ce côté droit est encore un peu plus aplati. Au lieu d'un bord rond, je l'évoquerais un peu plus plat. Ensuite, le sommet du rocher est assez plat et il y a un peu de cône arrondi. Je ne vais pas aller complètement à plat, mais je vais l'arrondir un peu. Comment trouver où l'ombrager pour lui donner un aspect plus 3D ? Eh bien, puisque le soleil ne frappe pas directement ce rocher et qu'il n'y a pas reflets ou d'ombres super forts, je peux le décider moi-même. [RIRES] Partout où il y a un peu d'ombre de ce côté ici, je peux simplement choisir cela car mon côté ombre et ce côté supérieur droit seront mon côté culminant. Si vous repensez à la leçon d'esquisse, je vous ai montré ma stratégie pour les hachures, qui est comme ces lignes parallèles, ou le croisement, ce qui fait la même chose, mais par-dessus tout, vous allez dans l' opposé. direction. C'est à vous de décider comment vous voulez l'ombrager. Mais je vais utiliser ma méthode normale et je vais ajouter l'ombre à ce côté gauche. Tout d'abord, je vais poser une partie de cette première couche. Une chose que je remarque, c'est le bord supérieur de l'ombre parce que la roche a ce grand sommet plat. [RIRES] Il se rétrécit vers ce coin avant. Mon ombrage va s' incliner vers ce coin avant. Il y a également un peu d'ombre sur la face inférieure de ce côté droit du rocher. Je vais continuer ça là-bas. Nous avons une forme rocheuse basique. Si nous voulons lui donner encore plus de caractère ou rendre un peu plus détaillé, nous pouvons ajouter plus d'ombrage ou de croiser ou dessiner n'importe laquelle des lignes et autres marques que nous voyons. Peut-être que j'aurais un peu d'ombre ici parce qu'il y a un petit plongeon ici dans le rocher. Il y a peut-être une ligne brisée qui traverse le rocher ici et là parce qu'il y a beaucoup de fissures sur ce rocher et de nombreux motifs intéressants. Même s'il s'agit d'un rocher léger, si vous regardez de près, vous pouvez le voir. Si vous le souhaitez, vous pouvez en laisser la forme de base. Ce serait notre rocher très simplifié. [RIRES] Voyons ce que nous pouvons trouver d'autre ici. [BRUIT] Nous avons quelques branches que nous pourrions dessiner. Nous avons un autre rocher, en fait un tas de rochers ici. Installons et dessinons deux de ces rochers. Apportez avec moi avec l'éclairage parce que lorsque je soulève mon papier, cela va rendre la vidéo un peu plus sombre, et quand je l'abaisse, la vidéo deviendra beaucoup plus lumineuse. Tout d'abord, nous devons décider quel rocher nous allons dessiner. L'un des rochers qui me démarque vraiment, c'est celui-ci parce qu'il a beaucoup de formes cool. Mais la première chose que je remarque, c'est ce grand haut plat. Il a également des bords verticaux plats des deux côtés et un grand plongeon ici. Dans ce cas, il est un peu plus logique de le considérer comme un cube et un cube que nous regardons vers le bas. La première chose que je ferais est de dessiner un cube juste pour me donner un point de départ. Si nous commençons par un cube, ce serait mon cube de base. Oh mon Dieu, c'est tellement tordu. [RIRES] Si vous n'êtes pas très familier avec le dessin de cubes, ils peuvent se sentir un peu compliqués au début. J'ai fourni des modèles que vous pouvez regarder et même tracer juste pour vous lancer. Mais comme vous pouvez le voir, le devant de ce cube est un grand carré plat, puis les côtés et le haut reprennent un peu au loin. Mais le problème avec ce point de départ, c'est que ce rocher, pour la plupart, n'a pas une grande place avant que nous fixons. Si quoi que ce soit, le sommet du rocher préséance et c'est ce que je devrais commencer. Ce que je ferais à la place, c'est dessiner un cube que je regarde vers le bas. N'oubliez pas, ne vous inquiétez pas si vos lignes sont toutes désordonnées, car ce n' est que de la pratique. Je regarde ce cube en bas. Donc oui, nous aurions des bords comme celui-ci. C'est un peu un meilleur point de départ pour mon rocher. Une chose vraiment utile est d'essayer imaginer en 3D pour que vous puissiez l'imaginer, vous pouvez voir à travers cela, si vous le souhaitez, vous pouvez dessiner des lignes pointillées à l'intérieur. façon dont j'ai dessiné ce carré avec les lignes 3D c'est que j'ai regardé cette forme et j'ai regardé la hauteur de cette ligne, et j'ai dessiné ceci, la hauteur de cette ligne. Je l'ai copié ici, mais je l'ai fait en pointillés. C'est à peu près la même hauteur que cela, et une fois que j'ai fait cela, je pouvais simplement connecter les lignes et connecter les lignes. On y va. Je sais que tout le monde ne pense pas aux formes et à l' environnement de cette façon. Je pense que c'est juste à cause de mes antécédents en design. Je pense souvent aux choses d'une manière plus architecturale. Cela m'aide à visualiser les choses. Mais si vous n'en avez pas besoin, c' est très bien, vous pouvez l'ignorer. Mais nous utilisons cette forme comme source d'inspiration. Commençons par le haut. Je vois que le bord arrière de la roche n'est pas incliné, mais en diagonale. Cette diagonale descend donc vers la gauche, celle-ci légèrement à droite. Commençons par le bord arrière et il n'est pas complètement plat, mais nous allons commencer par une version simplifiée. Je vois que tout le sommet de ce rocher n'est pas un carré parfait, il y a une autre divot ici et il y a un retrait [RIRES] là où il a été cassé et s'incline vers ce coin arrière. Cependant, il y a quelques lèvres, quelques bords ici que je ne veux pas ignorer. On dirait ça. Nous avons ces arêtes puis il s'incline en arrière. De cette façon, il sort et puis descend et ce côté ici est un peu plus droit. Celui-ci est un peu droit et celui-ci sort et descend. Ensuite, j'ai pu voir où ce bord s'incline vers l'arrière. Il y a une ligne, il y a une zone ici. Il y a ici un grand visage plat que je veux capturer, qui ressemble à ça. Il y a un peu de losange ici. Je vais le faire et simplement les relier. Il s'agit d'une version très simplifiée. Si nous le voulons, nous pouvons essayer d' ajouter plus de lignes et de facettes. Faites-en autant que vous ayez besoin pour vous aider à le comprendre. [RIRES] Mais pour faire de la roche, comme je dirais, c'est pour que cela ressemble davantage à un rocher, je vais le dessiner à nouveau, mais je vais un peu ruguer les bords. Maintenant, je m'en sers comme guide et je vais me tromper. Je dessine encore cette forme supérieure, mais je le fais un peu plus déchiquetée. Il suffit de simplifier cela. Maintenant encore une fois, nous n'avons pas de points forts ou d'ombres, donc cette fois, je vais totalement établir mes propres règles. Je vais imaginer le soleil qui vient de cette direction. Si c'est le cas, le soleil frapperait ce sommet, il frapperait un peu ici, mais tout ce côté sera dans l'ombre. Une façon vraiment amusante utiliser cette technique d' hachure dont j'ai parlé où vous avez toutes ces lignes parallèles est de suivre, vous pouvez les utiliser de manière directionnelle. Si j'ai une face verticale, je peux utiliser des hachures verticales. Si j'ai une forme diagonale ou horizontale, je peux utiliser le même angle. Juste en effectuant ces lignes directionnelles faciles, nous pouvons commencer à communiquer la direction ou les facettes de la roche. Il y a peut-être un peu d'ombre ici et un peu ici. Si je veux communiquer moins d'ombre, je répand mes lignes un peu plus. Je vais laisser le bord supérieur tranquille parce que j' ajoute ou peut-être un petit peu d'ombre. [RIRES] Brisez-le un peu. Vous pouvez jouer totalement avec les directions des lignes. C'est la base de la façon dont je dirais cela en formes simplifiées et que je construirais lentement le réalisme vers une forme rocheuse. Maintenant, allons voir quelques branches d'arbres. Je me tourne littéralement vers la droite et nous allons regarder cet arbre. J'adore cet arbre. Mes chats adorent ça aussi. Comme vous pouvez le constater, ils ont commencé à le gratter juste là. L'une des choses intéressantes de cet arbre, c'est qu'il y a plusieurs troncs qui sortent de la base racinaire. Voyons cela comme notre premier exemple. Pour les arbres, plutôt que de penser aux carrés ou aux cercles, je pense aux cylindres. Par cylindre, je veux dire, ce cylindre très simplifié. C'est la forme que je vais garder à l'esprit en tout temps. Ces longs tubes sont pour moi les plus semblables aux troncs et aux branches d'arbres. Pour commencer, lorsque nous regardons cela, nous pouvons constater qu'il y a une base singulière et il y a plusieurs troncs qui sortent de celle-ci sous différents angles. L'une des premières choses que vous pouvez faire pour vous ancrer est de penser à la base et aux nombreux troncs d'arbres que vous souhaitez dessiner. Pour passer à l'étape suivante, ce que je ferais, c'est dessiner tubes ou des cylindres comme vous voulez les voir. sa forme la plus basique, nous pouvons le voir ainsi. Comment faire passer cette forme simplifiée au niveau supérieur ? Bien sûr, lorsque vous regardez cela, vous pouvez voir que ceux-ci sont assez inclinés, ils sont assez étalés, alors que l'arbre lui-même est un peu plus vertical. C'est parce que vous ne pouvez pas voir tous les malles sous cet angle. [RIRES] Ce coffre principal est juste à l' avant, puis vous en avez un un un peu derrière, puis il y en a un derrière derrière tout ça. En fait, il faudrait avoir un coffre principal, puis les autres seraient légèrement en retard. Pour ce faire, je commençais par un tronc principal et je les écrasais un peu plus pour que vous ne puissiez plus voir la base de ce coffre. C'est derrière le coffre principal. Ensuite, il y en aura un ici que vous ne pourrez même pas tout voir. Comme ça, bien que cela soit évidemment extrêmement simplifié. Mais nous avons pris ce que nous avions avant qui était assez étalé et nous l'avons écrasé un peu ensemble et nous avons rendu l'angle un peu plus vertical. Maintenant, pour passer au niveau supérieur et peut-être lui donner un peu d'ombrage, ce que je ferais, c'est essayer voir le contour réel de cet arbre. Au lieu de simplement des cylindres parfaits, je vois qu'il y a un peu de bord rugueux. Il y a des morceaux ici et là. [RIRES] Les racines du fond descendent vers le côté et dans le sol. Une des premières choses que je ferais, c' est dessiner un peu plus un bord dentelé pour représenter cette forme grumeleuse. Puis, en bas, je le ferais sortir, légèrement en bas. Vous pouvez vraiment exagérer cela et c'est amusant de dessiner des racines super exagérées. Ensuite, le tronc d'arbre derrière lui, nous pourrions le lumpifier un peu. Gardons les choses simples et commençons par ça. Je pense que nous aurions aussi un peu de lèvre sur cette racine ici, mais c'est derrière l'arbre principal. Je vois ici qu'il y a point culminant sur le côté droit de l'arbre, de sorte que le côté gauche de l'arbre sera plus dans l'ombre. Vous pouvez voir qu'il ne s'agit pas d'une ligne parfaitement droite. Je laisse cela avoir beaucoup de variations. Ils sont assez proches les uns des autres parce qu' il y a une bonne quantité d'ombre. Celle-ci a un certain point fort, mais ce n'est pas autant. Je vais donc couvrir celle-ci en éclosion. Encore une fois, nous ne nous efforçons pas de rendre quoi que ce soit parfait. Nous examinons simplement le formulaire de base et essayons de capturer les choses rapidement et plus simplement. Je vais ajouter un peu de croisement ici pour assombrir ça. On y va, un tronc d'arbre très basique. Si vous souhaitez ajouter les troncs d'arbres qui trouvent au-delà de l'arrière, ils sont tous dans l'ombre. Je ferais probablement quelque chose comme ça là où tout est dans l'ombre. Juste pour vraiment souligner le fait que c'est dans l'ombre. Lorsque vous n'avez que deux valeurs, soit le blanc et le noir, c'est le genre de chose que nous faisons pour simplifier. [RIRES] Nous prenons des décisions très fortes concernant les points forts et les ombres. Examinons maintenant les branches. Regardons cette branche principale ici. Regardons celui-ci et quelques-uns d'entre eux qui sortent du côté. Tout d'abord, réfléchissons à cette branche principale. Encore une fois, nous allons le considérer comme un cylindre ou un tube. Je vais le dessiner à cette légère diagonale. Si vous voulez vous aider à comprendre les angles des choses, un conseil vraiment utile est de tenir votre pinceau ou votre crayon et d'en faire correspondre l'angle. Vous tenez votre stylo ou votre crayon et, sans bouger mon poignet, je le maintiendrais jusqu'à mon papier. Maintenant, je sais que c'est l'angle. Ma main est pressée contre le papier pour qu'elle n'ait pas bougé. Mais maintenant, je sais que c' est l'angle dont j'ai besoin. Il y en a un. [RIRES] Nous avons fait une branche simple en sortant de cela. Comme vous avez pu le voir, j'ai commencé avec un cylindre. Si vous le souhaitez, vous pouvez dessiner les extrémités dessus et essayer de l' imaginer comme un cylindre. Comme ça. Nous avons cette succursale qui sort. C'est bon, si vos lignes passent par vos autres lignes, n'oubliez pas que cela n' est que pratique pour simplifier les formes. Vous pouvez également essayer de l'imaginer comme un tube afin qu'il ait un bord arrondi lorsqu'il se fixe à la branche principale. En venant vers nous, vous seriez en mesure de l' imaginer comme un tube. Vous pouvez continuer à le faire pour toutes les branches. Vous pouvez en ajouter autant que nécessaire. S'ils se trouvent à l'avant de la branche face à vous, vous pourrez voir un peu de courbe à l'endroit où ils se fixent. S'ils sont à l' arrière de la branche, vous ne verrez pas cela parce qu'ils viennent de derrière la branche. [RIRES] Bien sûr, si vous faites un dessin réel, vous ne montreriez pas ces lignes traversant la branche. Vous l'esquissiez très légèrement et, à la fin, lorsque vous encriez tout ou que vous le peigniez, vous n'incluez pas cette ligne traversant la branche évidemment. Je vois qu'il y a un peu de surbrillance sur le bord supérieur des branches, à droite. Le dessous va être un peu plus sombre. Dans ce cas, j'ajouterais l' éclosion tout en dessous. Je sauterais cette branche pour l'instant. Je devrais choisir quel côté de la branche a une ombre. Dans ce cas, le côté droit a un point culminant donc j'ajouterais un peu d'obscurité sur le côté gauche, mais la plupart sont en surbrillance. Il en va de même pour celui-ci. Juste un peu. Habituellement, quand je dessine des branches, celles qui sont derrière, j'éclose. Si nous regardons cette branche, nous pouvons voir qu'elle se courbe très bien. Toutes les aiguilles ou feuilles de pin, peu importe, sont à droite. Si je dessine ça, je vais voir comment c'est plus horizontal, puis ça va presque totalement à la verticale. Il s'enroule ici , puis il est totalement vertical. C'est presque comme la forme d'un F. Il monte , puis tout se déplace vers la droite ou vers la droite. Pour simplifier cela, j'ai ma branche principale, puis cette petite branche courbée apparaît comme ça. Une fois qu'il se lève assez haut, il commence à se courber vers la droite. Toutes les petites branches font la même chose. Ils ont même leurs propres petites branches et ainsi de suite. Mais pour simplifier tout ce feuillage, au lieu de dessiner ici chaque petit détail, je le dessine en grappes. Puisque ces feuilles sont épineuses, ce ne sont pas vraiment de grosses vieilles feuilles, je les regarderais comme ça. Des grappes d'aiguilles très simplifiées. Ils vont tous vers la droite. Comme ça. Vous pouvez en dessiner autant que vous le souhaitez. Nous pouvons ajouter un peu d'ombre à la partie inférieure de cette branche. C'est ainsi que j'essaie de simplifier les formes dans le paysage. Mais revenons au studio en parler un peu plus. 8. 2.3 Formes simplifiées Partie 2: Je revisite souvent ces bases et j'essaie de continuer à développer mon habileté à voir des formes de base dans le paysage. Comment commencer par un cube, un cercle, une sphère ou un cylindre, puis le transformer en un objet plus crédible. Quand il s'agit de créer des objets crédibles, ombrage est en fait très important. Si vous voulez passer au niveau supérieur, je vous recommande vraiment de pratiquer tous les différents types d'ombrage. Un exercice vraiment amusant consiste à pratiquer l'ombrage avec des marqueurs. Ce que je vais faire, c'est obtenir un point culminant, un ton moyen et un ton d'ombre. Je ne me permets pas non plus de les mélanger ensemble. Ce que je dois faire, c'est réfléchir à ce qui est mon point culminant, mon milieu et mon ombre. Ces termes font référence au spectre de la lumière à l'obscurité. À un bout, nous avons nos sombres sombres, qui est notre ombre. Le milieu de cette section est le ton moyen et la zone la plus lumineuse est notre point culminant. Vous pouvez attribuer n'importe quelle tonalité ou couleur à ces sections, car au final elles sont toutes relatives les unes aux autres. Je peux déjà prévoir des gens regardent ça qui pensent, mec, c'est un style tellement bizarre ou un style très lâche. Ce n'est pas la tasse de thé de tout le monde, ce que je comprends totalement. Je suis sûr que lorsque vous commencerez à regarder d'autres cours sur ce sujet, vous trouverez toutes sortes de styles différents et, éventuellement, l'un d'eux va résonner avec vous. Plutôt que de me concentrer sur l'aspect de mes résultats finaux, je veux que vous réfléchissiez plus profondément au processus. Comment intégrer les formes de base et les méthodes de base d'ombrage dans un style qui vous convient vraiment ? Dans ce cours, nous nous concentrons évidemment sur les étapes de base très minimales que vous devez prendre pour dessiner des rochers et des arbres. Il y a tellement d'autres choses dans le paysage que nous devrons apprendre mais la raison pour laquelle je me sur les rochers et les arbres en particulier, c'est parce que si vous comprenez comment les dessiner, vous peut apprendre à dessiner à peu près n'importe quel élément du paysage. Tout commence par des formes basiques. Même si dans un petit moment, je vais vous apprendre à peindre aussi des rochers et des arbres, je tiens également à souligner qu'il y a tellement d'autres façons de le faire. Dans l'autre classe que j'ai sur les rochers, c'est le style que nous couvrons et c'est le style que nous couvrons dans la classe des arbres. Mais tout vient de la même technique de simplification des formes dans le paysage en premier. Cela dit, parlons davantage des arbres. Quand il s'agit de dessiner des arbres, j'aime garder les choses beaucoup plus fluides et organiques. Je commence par une ligne gestuelle. Je veux dire par là, j'essaie simplement de créer une ligne très douce et fluide sans angles durs ou maladroits. Ce sera le tronc ou le point central à partir duquel toutes les branches vont pousser. J'utilise la courbe de tri pour mon tronc mais si je dessinais un pin très haut et droit, j'utiliserais certainement plus une ligne droite. Mais ça ne le rendrait probablement pas parfait. J'imagine même parfois que mes arbres comme les gens comme les branches d'arbres sont des bras qui atteignent le ciel. Une fois que j'ai compris la forme de base ou la structure sous-jacente de mon arbre, je peux ajouter la peau comme je l'appelle [RIRES] mais cela signifie essentiellement la forme réelle de l'arbre et la l'écorce et tous les autres petits détails. La plupart du temps, j' essaie d'ajouter un peu de texture ou de rugosité au contour de mon arbre car écorce est généralement un peu plus rugueuse. Oui, il y a des arbres lisses, mais cela contribue simplement à ajouter un peu plus de caractère. Quand je dessine ces lignes, je ne suis pas très inquiet de rendre quoi que ce soit parfait. Je veux que les choses soient très organiques, parfois un peu étranges. Parce que si vous sortez et vous promenez dans la forêt, vous trouverez tellement d'arbres fous. Honnêtement, parfois je pense que plus c'est fou, mieux c'est donc j'ai tendance à bouger mon crayon ou mon stylo assez rapidement. Cela m'oblige à prendre des décisions rapidement et à ne pas trop réfléchir à une ligne ou à un seul domaine. Parce que lorsque je fais ça, j'ai tendance à rendre les choses maladroites et raides. Vous pouvez voir parfois que je dessine des lignes directrices pour moi-même, comme montrer à quel point quelque chose est rond ou peut-être mettre l'accent sur la texture de l'écorce ou l'une des grosses fissures d'un arbre. Bien sûr, un peu d' éclosion ici et là pour certaines des zones les plus ombragées. Si vous vouliez que cela soit visible dans le tableau final, vous utiliseriez un marqueur ou des lignes très sombres mais vous pouvez également le faire avec un crayon très léger. Ensuite, lorsque vous peignez dessus, il est à peine visible, alors utilisez autant ou moins de lignes que nécessaire pour vous aider à vraiment voir la forme et les détails de l'arbre. Examinons rapidement la forme des branches. Je les visualise toujours comme des tubes. La façon la plus simple de commencer consiste à dessiner le point de départ et le point d'arrivée, puis à les relier, mais nos branches ne sont généralement pas parfaitement droites. Dessinez quelques points et entraînez-vous à les relier. Plus vous vous entraînez à visualiser les branches de cette façon, moins vous avez besoin de dessiner la structure sous-jacente pour vous-même, mais si vous êtes tout nouveau dans le dessin d'arbres, je trouve que cet exercice aide vraiment à briser la complexité d'une grande masse de branches. Tout comme avec le cube et le rocher, nous pouvons nous entraîner à faire les reflets et les ombres. Si nous imaginons que le soleil se trouve à nouveau en haut à gauche, le côté surligné sera plus proche du soleil et l'ombre sera l'autre côté de la branche. Imaginer le tronc et les branches comme des tubes facilitera un peu la tâche en matière d'ombrage. Si vous trouvez que cette méthode donne des branches un peu trop rigides, vous pouvez essayer la méthode spirale ou la méthode slinky. J'ai commencé à dessiner un gros tourbillon et décrire cela avec la peau ou l'écorce de l'arbre. Je trouve que c'est un excellent moyen de dessiner grosses branches torsadées comme sur un chêne. Cela mène à des résultats vraiment géniaux [BRUIT] et cela peut vraiment vous aider à vous détendre et à rendre les choses un peu plus organiques et à éviter ce syndrome raide des branches. Comme je l'ai dit, vous n'aurez plus besoin de passer en revue tout ce travail pour chaque dessin. Mais commencer par ces exercices est un excellent moyen de consolider cette connaissance, tout ce concept dans votre esprit. Je vous encourage vraiment à prêter attention à ces détails lorsque vous sortez dehors. La prochaine fois que vous allez quelque part, gardez un œil sur des rochers, des arbres et des branches. Commencez à reprendre les petits détails que vous voyez. Plus vous remplissez votre bibliothèque visuelle interne, plus vous serez meilleur. Nous savons que les arbres ne sont pas que des troncs et des branches, il y a quelque chose qui se passe avant tout. Les feuilles, le feuillage ou la canopée, comme vous voulez l'appeler. Nous allons faire un exercice simple pour que lorsque vous sortez et que vous verrez un arbre que vous souhaitez dessiner, vous pouvez commencer par des formes simples, puis construire lentement les détails. Nous commencerons par un chêne, qui a généralement un gros tronc qui se divise en différents morceaux. Commençons par trois boîtes. Dans le premier, dessinez deux ou trois cercles qui se chevauchent. Dessinez ensuite quelques ovales en dessous qui se connectent à un seul point. Vous pouvez soit dessiner cela à nouveau dans la deuxième zone soit simplement utiliser cette première zone comme référence. Mais cette fois, au lieu de répéter les mêmes formes simples, je veux que vous dessiniez des lignes pointues qui décrivent ces cercles. Essayez ensuite de dessiner un tronc plus organique et naturel qui représente ces ovales originaux. Vous pouvez voir que j'ai ajouté une branche supplémentaire à la mienne. Dans la troisième case, nous allons affiner un peu plus cela et commencer ajouter un peu d'ombrage , mais nous allons tout de même rester simple. J'utilise cette hachure directionnelle simple que je vous ai montrée plus tôt pour représenter les ombres. Si j'imagine que le soleil est au-dessus de l'arbre, les ombres vont apparaître sous les feuilles ou sur la face inférieure de la canopée. Même chose sur le tronc et les branches. Il y a au moins de grandes ombres qui tombent sur l'arbre depuis la canopée au-dessus. Vous pouvez utiliser cette méthode pour commencer par des formes très simples et travailler lentement jusqu'à un dessin plus détaillé avant de commencer à peindre. Cela peut vous aider à vous familiariser avec les arbres que vous regardez et à faire quelques courses d'entraînement avec la composition, les ombres et les reflets. quel point quelque chose est clair et sombre ou les valeurs seront si importantes lorsque nous commencerons à peindre. S'habituer à ces petites études rapides et esquisses de valeur sera très utile plus tard. Je vais vous montrer comment j' aime dessiner mes feuilles. Je commence généralement par une forme d'œil de chat ou peut-être un citron légèrement aplati [RIRES]. Lorsque je dessine des grappes de feuilles, j'essaie de créer de nombreuses formes et tailles différentes. Je ne veux pas que rien paraisse trop uniforme ou qu' il répète sensiblement un seul motif. Mais même avec quelques-unes de ces formes simples qui se chevauchent, nous pouvons rapidement représenter une grappe de feuilles, mais parfois je n'entre même pas dans les détails. Au lieu de dessiner chaque feuille, je vais dessiner ces grappes tordues, que je ne fais que décrire la forme de toutes ces feuilles individuelles. Je vais peut-être lancer quelques lignes ou cercles et juste pour le briser un peu. Vous n'avez pas besoin de connecter chaque ligne. Vous pouvez laisser beaucoup d'espace là-dedans car lorsque vous peignez ceci, ce ne sont que des suggestions sur le contour des feuilles et la douleur ou les couleurs que vous ajoutez expliqueront le reste. Dessinons ensemble un arbre très basique. Nous allons commencer par nos lignes de gestes et dessiner ces branches d'arbres qui se déplacent vers le haut et vers l'extérieur à partir de ce point central. Comme vous pouvez le voir, j'ai déplacé mon crayon assez rapidement et je n'ai pas vraiment soulevé du papier, donc j'ai beaucoup de lignes connectées esquissées. C'est juste la structure sous-jacente et nous allons faire de l'encre sur le dessus. Pour représenter les feuilles ci-dessus, nous allons commencer par dessiner des cercles très simples. En passant, le terme approprié pour cette immense zone de feuilles au-dessus du tronc est la cime de l'arbre. La cime de l' arbre est souvent beaucoup plus large que la base ou le tronc de l'arbre. Chaque type d'arbre est différent comme vous le verrez, plus vous dessinez à partir de photos de vie ou de référence. Lorsque je commence à dessiner avec mon stylo, j'essaie de le maintenir un peu lâche. Encore une fois, j'essaie d'éviter créer des branches rigides et maladroites . D'une certaine manière, j' essaie de me surprendre par la direction dans laquelle je fais circuler les branches. J'ai une idée générale de l'endroit où je veux qu'ils aillent, mais pour le moment, j'essaie vraiment de le rendre imprévisible. En général, j'essaie simplement d'éviter de nombreux angles parfaits. Certaines branches sortiront de l'avant du coffre et certaines seront derrière. Comme je l'ai déjà mentionné, nous n'avons pas à nous asseoir ici et dessiner toutes les feuilles de la couronne de l'arbre, mais en utilisant ce cercle ou ce guide sous-jacent que j'ai dessiné, je peux commencer à placer certaines feuilles. puis connectez-les de manière simplifiée. Non seulement le faire autour la partie extérieure de la couronne, mais aussi vers l'intérieur, là où les branches montent dans la couronne. Certaines de ces feuilles simplifiées se trouvent derrière les branches et certaines sont dessinées en haut de la branche où elles disparaissent derrière les feuilles. J'ai tendance à alterner mes formes entre plus circulaires et plus pointues. Cela dépend simplement du type d'arbre que je dessine et de l'aspect rugueux que je veux qu'il soit. J'utiliserai mes marqueurs pour démontrer comment je verrais les valeurs de cette étude. Toutes les feuilles que j'ai dessinées derrière les branches de l'arbre auront un peu d'ombrage. Il n'est pas nécessaire qu'il s'agisse de la zone la plus sombre au début, nous pouvons commencer par notre ton moyen. L'ajout de quelques marques simples dans la couronne de l'arbre aidera à rendre la couronne un peu plus pleine. Ce ne sont que des marques simples imitent le contour que j'ai utilisé. Maintenant, en repensant à cette petite étude que nous avons faite plus tôt, réfléchissez à la façon dont les feuilles au-dessus jettent une ombre sur les branches. Comme nos troncs d'arbres sont souvent plus foncés que les feuilles ci-dessus, j'ai tendance à utiliser une couleur plus foncée et des valeurs plus foncées. En utilisant un gris plus foncé, je peux commencer à ajouter certaines de ces ombres. En ce qui concerne les valeurs, tout est relatif. Vous comparez constamment une valeur à une autre. Si je pense à la façon dont les feuilles d' un arbre sont souvent beaucoup plus légères que le tronc, je ne veux pas qu'il reste du blanc pur sur le tronc. Si j'assombrit un peu le tronc, les feuilles ci-dessus auront l' air beaucoup plus brillantes. Une bonne tâche de devoirs consiste à dessiner quelques types d' arbres différents avec la méthode simple. Pour un pin, je pourrais commencer par une forme de cône plutôt qu'un cercle, et le tronc sera beaucoup plus droit. Puisque les pins ont des aiguilles de pin, j'utilise un autre type de marque lorsque je dessine la canopée. Au lieu de ces citrons aplatis ou de feuilles circulaires [RIRES], je vais dessiner de longues marques épineuses. s'agit d'une méthode simplifiée et très simple pour dessiner des grappes d'aiguilles de pin. L'ajout d'un peu d' ombre sous ces marques contribuera à donner de la profondeur à la canopée. Encore une fois sous la couronne, j'ajouterai une ombre plus foncée sur le tronc. Cela force le tronc vers l'arrière dans l'espace et donne impression qu'il est assis sous cette grosse couronne. C'était une longue leçon et nous avons beaucoup abordé, mais c'est l'une des leçons les plus importantes qui se répercutera sur tout ce que nous faisons. Je vous encourage vraiment à remplir un tas de pages dans vos carnets de croquis en pratiquant ces techniques. Si cela vous aide, j'ai inclus des modèles et des photos de tout ce que j'ai fait dans les ressources de la classe afin que vous puissiez y référencer. 9. 2.4 Études de valeur: [MUSIQUE] Avant de parler de composition, parlons de valeurs. Parce qu'en fin de compte, les valeurs sont la chose la plus importante dans nos dessins et peintures, et sans comprendre l'importance des valeurs nous ne pouvons espérer comprendre la composition. Maintenant, vous le savez probablement déjà, mais les valeurs en matière d'art signifient à quel point quelque chose est clair ou sombre. Nous avons tendance à y penser sous la forme d' un spectre allant de votre lumineux lumineux à votre obscurité la plus sombre. Cela peut varier en fonction des matériaux que vous utilisez. Dans le cas de ce dessin, nous avons ici notre obscurité la plus sombre et notre brillante est en fait le papier. Tout ce qui se trouve entre les deux se situe dans un spectre entre ces deux-là. Quelque chose que je trouve vraiment utile, c'est de faire un croquis Notan. Notan est un mot japonais qui signifie harmonie clair-sombre. Lorsque nous dessinons, nous essayons de trouver l'équilibre parfait entre la lumière et l'obscurité. C'est vraiment un excellent exercice, surtout lorsqu'il s'agit de concevoir la composition de nos dessins et peintures. Mais prendre une photo de référence et la transformer en un simple dessin en noir et blanc peut être un défi. Je vais utiliser cette photo que j'ai prise dans la voiture comme exemple. Parfois, cela aide à désaturer nos références. Parlons de passer de ça à ça. Les valeurs peuvent aider à communiquer ce qui est important dans un dessin. L'œil humain est attiré par le contraste. La principale chose à laquelle je pense lorsque je fais mes études de valeur, c'est que cette zone attire ou non l'œil ? Parce qu'en fin de compte, c'est ce qui est important. En tant qu'artiste, nous créons notre propre petit monde sur notre papier et nous avons le pouvoir d' attirer l' attention de notre spectateur où nous le voulons. Bien sûr, nous devons savoir quelles sont nos intentions. Dans ce cas, j'ai été vraiment attiré par les belles lignes qui m'ont ramené dans le paysage. Pour capturer cela dans mon dessin, je vais me concentrer sur la création de ces lignes, que ce soit à travers des buissons, des arbres, clôtures ou la différence de couleur dans les champs eux-mêmes. Mais dans l'esquisse Notan, nous avons deux valeurs, noir ou blanc, ou dans ce cas, gris. de me forcer à simplifier choses dans ces deux valeurs contribuera à créer une structure de valeur vraiment forte dans le tableau final. Réaliser ces croquis rapides de Notan est également une excellente occasion de jouer avec différentes compositions. Par exemple, je modifie ici l'angle des lignes qui me ramènent dans le paysage. la photo de référence, ils sont beaucoup plus horizontaux, ce qui est correct, mais je ne l'ai pas trouvé aussi intéressant. Pour tout simplifier dans ces deux valeurs, je clignote les yeux sur la référence. Cela réduit la saturation, qui élimine une certaine distraction. Il simplifie toutes les formes et toutes les valeurs. Dans mon esprit, je traduis ce que je considère comme des formes sombres en noir pur et tout ce qui est plus clair que cela est représenté par la couleur du papier ou par ma valeur lumineuse. esquisses Notan sont conçues pour être rapides et lâches et un moyen de simplifier les valeurs. À partir de là, nous pouvons aller plus loin dans une étude de valeur plus détaillée. Je vais maintenant utiliser une combinaison de la photo de référence et de mon croquis Notan. Si je n'ai pas aimé quelque chose dans le croquis Notan, c'est maintenant ma chance de le changer. Un conseil rapide est que tout ce qui se trouve au loin tendance à être un peu moins contrasté. Ainsi, dans notre échelle de valeur, les choses au loin peuvent tomber quelque part vers le milieu. Si le noir est notre noir le plus sombre et que le blanc est notre plus brillant, le milieu aura tendance à être gris moyen. Une fois encore, une étude de valeur comme celle-ci n'a pas besoin d'être détaillée. Vous pouvez voir que j'utilise une forme très simple d' esquisse et d'ombrage avec lignes verticales pour mes arbres et au premier plan lorsque je fais les herbes, je peux peut-être en utiliser un peu plus formes diagonales ou même horizontales. Mon objectif avec une étude de valeur est de me donner un guide ou une petite carte sur la façon dont je vais peindre les choses. Ce faisant, je pense couleurs que j'appliquerai à ces zones plus tard. Mais bien sûr, je parlerai de la couleur une fois que nous aurons pris les cours de peinture. À ce jour, dans le croquis, je me suis presque collé avec un gris moyen et bien sûr le blanc du papier. L'œil coule peut-être déjà dans le paysage à cause de ces lignes diagonales, mais je peux mieux orienter l'œil vers l'endroit où je veux plus de concentration. Quand je commencerai à assombrir les graminées de premier plan et à leur donner plus de contraste et une valeur plus profonde, l'œil va y être dessiné. Une erreur très courante chez les débutants, ou peut-être juste une leçon apprise, et j'ai vécu cela aussi, est que nous avons tendance à ne pas utiliser suffisamment d'obscurité, contraste, que ce soit dans nos aquarelles ou dans nos dessins. Il y a une hésitation qui peut se produire. Mais plus vous vous poussez à essayer ces sombres sombres, plus vous serez récompensé. Essayons ça ici. Allons encore plus sombres dans ces zones de premier plan et voyons quelle différence cela fait. Je tourne mon crayon sur le côté pour obtenir une marque plus large et j'utilise beaucoup plus de pression pour vraiment mettre ce graphite sur la page. Soudain, notre premier plan prend le devant de la scène. Ce contraste intense attire notre attention. C'est particulièrement visible lorsque vous comparez l'avant et l'après. 10. 2.5 Introduction à la composition: Il est vraiment utile de connaître les règles avant de les enfreindre ou de créer les vôtres. Commençons par la règle des tiers, car je pense que c'est la plus accessible et la plus facile à comprendre, et la plus facile à utiliser dans n'importe laquelle de vos œuvres d'art. Voici un mouvement classique pour débutants. Au fait, je suis le débutant dans ce cas. C'est l'un de mes paysages antérieurs. Dans cette scène, l' accent est mis sur la cascade. J'ai placé la cascade directement au centre. C'est à peu près ce que font la plupart des débutants , car c'est ainsi que notre esprit fonctionne. Le centre de la peinture ou de la photographie est le plus important. Eh bien, ça peut être le cas. Mais l'un des problèmes avec cela est qu' il crée une peinture plus statique. Ce qui signifie que notre œil est concentré sur le centre et n'a pas vraiment de raison d'aller ailleurs. C'est une composition très naturellement confortable pour que les yeux humains restent au même endroit. Toutefois, si vous essayez de créer une peinture plus dynamique où vous voulez que l'œil du spectateur se déplace dans toute la scène, nous pouvons utiliser quelques astuces. La règle des tiers signifie simplement que la toile est divisée en tiers, horizontalement et verticalement. Idéalement, vous voulez que quelque chose de focalisé, un élément important tombe là où ces lignes se croisent. Il y a quatre domaines qui pourraient se produire. Comme vous pouvez le constater, je n'ai rien d'important dans ces domaines. Essayons de recadrer et de déplacer un peu les choses et de voir si nous pouvons faire en sorte que cela fonctionne. recadrer environ la moitié du tableau m'a donné ce résultat. Maintenant, la cascade et les arbres en bas à gauche tombent dans ces intersections. Si nous les comparons côte à côte, nous pouvons constater quelques différences majeures. Dans la première image à gauche, la majeure partie de la toile est prise par tout sauf le focus. Parfois, c'est bon. Mais dans ce cas, de nombreux éléments retirent l'attention de la focalisation. Par exemple, au premier plan, nous avons une vaste étendue d'herbes et de champs sans trop se passer. Dans le ciel, nous avons une chose intéressante qui se passe avec le zigzaguage des montagnes, mais c'est aussi prendre l'accent et envoyer notre œil hors du bord de la toile. La nouvelle composition recadrée fournit un peu plus de direction au spectateur. Qu'ils le sachent ou non, ils sont contrôlés par la façon dont les éléments apparaissent les uns à côté des autres. Par exemple, ces puissants éléments diagonaux verticaux se répètent de manière très uniforme. De plus, la majorité de ces motifs répétitifs ne sortent pas de la toile à un seul endroit, sorte que l'œil a tendance à rester autour de la zone centrale et de la mise au point. Pendant que je parlais de la règle des tiers, vous m'avez peut-être entendu lancer en d'autres termes comme le motif et le mouvement. Il y a tellement d' aspects différents de la composition. Il est vraiment difficile de se concentrer sur un seul élément, car ils jouent tous un rôle important. Mais parlons d'un autre que je trouve très accessible, qui est une composition tonale ou contrastée. Dans ce cas, je parle contraste comme dans ce qui est clair et sombre. Lorsqu'un élément clair et un élément sombre se rencontrent, cela crée un contraste élevé. C'est très attrayant pour l'œil humain. C'est un tableau que j'ai fait il y a quelques années, c'est en fait un remake de ma toute première peinture de paysage. Mais de toute façon, quand j'ai réalisé ce tableau, je ne pensais pas vraiment à la composition autant que à la couleur. Cependant, une des choses vraiment intéressantes que je me rends compte maintenant , c'est qu'en raison de toute la pratique que j'avais pratiquée , ces éléments étaient toujours dans mon esprit. Ils sont sortis par mon subconscient. Lorsque je disséque ce tableau, il y a certainement des erreurs que je pourrais corriger et probablement faire beaucoup mieux maintenant. Mais parlons de certaines des façons dont fonctionne la composition. Lorsque vous jetez un coup d'œil au tableau pour la première fois, votre œil est probablement allé directement vers le ciel ou peut-être certaines des grandes formations rocheuses. Alors que vous commencez à laisser vos yeux errer, vous voyez certains détails subtils au premier plan. Peut-être remarquez-vous même le motif en zigzaguage qui vous ramène du premier plan au loin. Mais malgré tout, même si nous enlevons la couleur de cette peinture, la pièce la plus attrayante, l'accent, est le contraste élevé où ces formations rocheuses rencontrent les nuages. C'est pourquoi l'œil y est si fortement attiré. Lorsque vous combinez cela avec la couleur, il est encore plus puissant. Lorsque nous entrerons dans la leçon de peinture, je parlerai de la théorie des couleurs, je mentionnerai les couleurs complémentaires. Les couleurs gratuites tombent l'autre côté de la roue chromatique, et elles sont très attrayantes lorsqu'elles sont placées l'une à côté de l'autre. Je ne veux pas dire qu' ils sont beaux, je veux dire qu'ils attirent le regard. Mais comme vous pouvez le constater, il est difficile de parler d' un élément de design ou composition sans parler d'autre chose comme la couleur. Dans la peinture de paysage, lorsque nous parlons de composition tonale, il est important de comprendre que chaque couleur a une valeur inhérente ou un ton. Certaines couleurs sont foncées, et lorsque ces couleurs sont placées à côté d'autres couleurs sombres, elles semblent avoir un contraste très faible. J'utilise cette idée au premier plan. Mes choix de couleurs sont très similaires en termes de valeur tonale, et ils ne créent donc pas un contraste élevé et n'attirent pas autant l'œil. Vous vous demandez peut-être, eh bien, qu'en est-il de la règle des tiers ? Je pensais que c'était important. Eh bien, toutes ces règles ou concepts ne sont que des outils. Ils sont là pour vous aider à créer des compositions dynamiques si vous en avez besoin, mais vous n'avez pas à tenir religieusement à aucune des règles. Cependant, recadrons ce tableau pour qu'il soit conforme à la règle des tiers et voyons ce que nous pensons. Mais avant de le faire, admirez ce vaste paysage. En ce moment, vous vous tenez loin de ces formations rocheuses, vous pouvez voir beaucoup de détails au premier plan, des rochers et des herbes, et vous admirez ce grand ciel. Si nous cultivons de manière à ce que la formation rocheuse se trouve dans l' une de ces intersections, cela crée une composition très agréable. Cependant, nous perdons un peu ce sentiment d' expansion que nous avions au début. C'est juste quelque chose auquel j'aurais pu penser lorsque j'ai conçu la peinture originale afin créer un paysage légèrement plus dynamique. Non seulement la formation rocheuse tombe sur l'une de ces intersections, mais la ligne d'horizon suit toute la longueur de cette ligne. Cela crée un bel équilibre agréable. Le ciel large, lumineux et coloré occupe la majorité de la peinture, mais il est équilibré par les éléments de contraste plus sombres et plus élevés cette intersection en bas. Je suis sûr que certains d'entre vous aiment mieux le tableau original et d'autres aiment cette version recadrée. Comme nous le savons, la beauté est dans l'œil du spectateur. Tant de gens s'accrochent au concept de création de la composition parfaite. Ou bien ils pensent aux règles géométriques de composition, comme la règle des tiers ou la moyenne dorée. Pour un débutant, ces règles peuvent être intimidantes et contraignantes et vous ôter une partie de la joie que vous ressentez lors création parce que vous craignez de ne pas faire les choses correctement. Il y a des centaines, voire des milliers de livres écrits sur ce sujet. Bien qu'ils puissent être des outils utiles, j'aime aborder ce sujet de manière très différente. Au lieu de penser aux règles de composition, j'essaie simplement de créer une scène qui garde l'œil en mouvement. Je peux utiliser différentes méthodes telles que la couleur, contraste, l'échelle, et si je fais bien les choses, je peux attirer l'œil sur n'importe quel point de la page, mais surtout je pense à la façon de diriger l'œil à travers le tableau. et continuez à bouger. Je ne veux pas que les yeux de quelqu'un restent coincés dans une zone sans raison. Pour moi, tout est une question d'équilibre. Mais à mesure que vous créez et visualisez davantage d' art et que c'est important, regardant de l'art, vous devenez plus sensible aux compositions réussies. Au début, cela peut sembler un peu aléatoire, mais souvent, un artiste prend des dizaines de décisions pendant le processus de peinture pour créer un équilibre agréable. Examinons quelques exemples et j'expliquerai cela au fur et à mesure. Mon objectif avec ce tableau était de créer un paysage vaste et d'attirer l'attention à travers le tableau comme vous ou celui de la voiture en voyage. Le chemin du nom jusqu'à nulle part donne cette idée, mais j'ai quand même dû utiliser le design pour faire passer le point. Pour garder l'œil en mouvement dans le tableau, j'ai décidé d'emprunter une route tordue et venteuse, qui en réalité est exactement ce que c'est dans les hautes terres. Mais dans l'ensemble, cette route vous mène du premier plan de la peinture jusqu' à l' arrière et au-delà. J'imite cet effet en faisant disparaître les montagnes au loin. Mais j'utilise aussi la perspective et l'échelle. Les montagnes deviennent plus petites à mesure qu'elles reculent au loin et que la route devient plus petite et plus maigre. La valeur joue également un rôle dans cette conception. Le ciel est lumineux avec ces nuages brumeux, et cette luminosité est imitée au premier plan, juste à l' endroit où vous entrez dans le tableau sur la route. Alors qu'il monte et tombe dans les petites vallées et descend au loin, il y a un petit point culminant au sommet de chacune de ces monts ou collines. L'utilisation de la valeur de cette façon et la création ces formes répétables permettent ramener l'œil au loin. que j'aime aussi penser, c'est que je ne veux pas l'œil du spectateur s' envole du bord de la page pour quelque raison que ce soit. Parfois, cela peut se produire lorsque vous laissez un grand espace ouvert sur l'un des bords ou que vous n'avez pas chemin évident pour que leur œil reprenne le focus. Dans ce tableau, l'accent est en fait négatif sur l'espace. Il s'agit de lumière qui coule dans la forêt. J'utilise ces puissants rayons de soleil lumineux en diagonale pour faire descendre l'œil du spectateur à travers le tableau. Mais pour garder l' œil du spectateur dans cet espace, j'assombrit les bords du tableau avec ces arbres sombres et puissants. Ces éléments verticaux puissants contrecarrent le mouvement diagonal des rayons du soleil. Lorsque cela se combine, vous obtenez un bon flux entre tous les éléments de la peinture. Je sais que penser à tout cela pendant une seule peinture peut être très écrasante, surtout au début. Mais sachez que tout n'arrive pas en même temps. Au fil du temps, plus vous faites de peintures, plus vous visualisez de peintures et plus vous découvrirez ce que vous aimez dans une peinture, ces choses deviennent naturelles au cours du processus. C'est là que ces études de valeurs dont nous avons parlé sont utiles. Utilisez-les comme des occasions d'explorer différentes compositions. Essayez de placer des arbres dans différentes zones et voyez ce que cela fait. Est-ce que cela fait circuler votre œil dans la peinture ou vous coincez-vous sur certains éléments ? Ces petites pistes d'entraînement sont excellentes avant de sauter dans un tableau. Mais rappelez-vous, vous apprenez avec chaque tableau, alors sachez qu'avec le temps, vous vous améliorerez. 11. 2.6 Introduction à la perspective: [MUSIQUE] Nous allons nous concentrer sur deux types de perspectives pour les paysages, dont l' un sera la perspective linéaire et l' autre sera la perspective atmosphérique, également connue sous le nom de perspective aérienne. Nous parlerons de la perspective aérienne ou atmosphérique dans la leçon de couleurs du module 3, mais je vais vous donner bref aperçu pour que vous ayez une idée. Fondamentalement, la perspective atmosphérique est la science qui explique pourquoi des éléments plus éloignés de nous peuvent paraître bleus, plus clairs, moins détaillés, parfois même brumeux. Il s'agit de la façon dont la couleur se déplace dans le paysage et interagit avec l'atmosphère. Entre nous et ces éléments lointains, il se passe beaucoup de choses. En ce qui concerne le dessin, vous pouvez le faire en gardant ces éléments éloignés plus légers et moins détaillés. En peinture, nous pouvons le représenter encore plus facilement parce que nous pouvons davantage pencher nos couleurs vers l'extrémité bleue du spectre. Mais encore une fois, nous en parlerons dans la leçon de couleurs. La perspective linéaire est beaucoup plus technique. Il existe trois types de perspective linéaire un point, deux points et trois points. Si vous suivrez une formation formelle, vous passerez probablement beaucoup de temps à développer cette compétence. Je sais que tout cela va paraître très technique, mais je vais vous donner des exemples de tout. Avoir une compréhension de base de tout cela est vraiment tout ce qu'il faut pour commencer. Je vous recommande vivement de passer un peu de temps dans votre carnet de croquis à les explorer. Il est important de comprendre les bases de perspective avant de nous plonger dans le paysage. Comme lorsqu'il s'agit de peindre des ombres, ces ombres tombent du soleil en tout temps. Nous pouvons utiliser la perspective pour comprendre les angles sous lesquels les ombres peuvent tomber. Si le soleil est derrière certains arbres, nous pouvons dessiner des lignes directrices qui aideront à déterminer où les ombres vont tomber. Bien que les paysages soient un peu plus indulgents, il sera particulièrement important de comprendre les bases de la perspective en matière d'esquisse urbaine. merveilleux, c'est que même si vous n' utilisez pas de directives ou de règles ou quoi que ce soit de ce genre, vous pouvez toujours créer une perspective crédible et des peintures intéressantes. Au-delà de ces règles de base à un, deux et trois points, nous avons quelque chose d'autre très important en ce qui concerne la perspective, et c'est la taille. La taille est importante dans ce cas. Jetons un coup d'œil à cette ancienne illustration à titre d'exemple. Imaginez que vous marchez dans la forêt et que vous rencontriez ce chalet de sorcière enchanté. Lorsque vous approchez de la porte de la lune, vous entendez un chaton bruisser dans les feuilles voisines et vous sentez quelque chose qui torréfie au-dessus du feu. Tous ces petits détails que j'ai inclus racontent une partie d' une histoire, mais j'ai dû utiliser perspective pour rendre cela quelque peu crédible. Le concept de la taille ou de la taille des objets les uns par rapport aux autres m'a pris beaucoup de temps à comprendre par moi-même, et ce n'est que lorsque j'ai suivi un cours de dessin de figure que j'ai réalisé le l'importance de cela. Si vous avez déjà dessiné une figure humaine, alors vous savez que la main est aussi grande que le visage, et si elle est plus proche du spectateur que devant la figure, elle apparaîtra encore plus grande que Parfois, tout le corps. C'est la même chose dans les paysages. Ici, nous avons ce feu et si nous comparons le feu à la taille de la maison et à la distance, évidemment dans la vraie vie, un feu ne serait pas plus grand qu' une maison ou du moins pas ce type de feu, Un chat ne serait pas aussi grand que la porte, mais de petits indices visuels comme celui-ci, même dans un paysage fantastique, aideront vraiment à raconter l'histoire et à la rendre plus crédible. Lorsque nous parlons de perspective, nous devons comprendre ce qu' est une ligne d'horizon et un point de fuite. Une ligne d'horizon est une ligne imaginaire qui existe au loin. C'est fondamentalement notre niveau d'œil dans n'importe quelle scène donnée. Dans ces dessins, je le représente avec cette couleur rose. Notre point de fuite existe sur la ligne d'horizon. Dans une perspective d'un point de vue, nous avons un seul point de fuite. Dessinons cela au centre de notre ligne d'horizon pour commencer. Puisque la ligne d'horizon dicte la façon dont nous regardons la scène, si nous dessinons des choses en dessous de la ligne d'horizon, on aura l'impression debout au-dessus d'eux en les regardant vers le bas. Si nous dessinons des choses au-dessus de la ligne d'horizon, on dirait que nous fixons les objets. Si nous dessinons des choses devant notre ligne d'horizon ou des choses qui se croisent, il semblerait que nous les fixions directement. Nous allons dessiner quelques boîtes à titre d'exemple. Avec une perspective à un point, je trouve qu'il est plus facile de commencer par dessiner le devant d'un objet et, dans ce cas, le devant de la boîte. Dessinons en dessous, puis au-dessus, puis devant la ligne d'horizon pour que vous puissiez voir la différence entre ces perspectives. Ensuite, nous allons utiliser une règle et connecter tous les coins de ces objets au point de fuite. J'utilise une couleur verte pour qu'il soit évident que ce sont nos directives. Une astuce rapide et facile est de placer votre crayon sur le point de fuite, appuyer sur la règle contre la pointe du crayon, puis d'aligner l'autre coin avec la règle et de dessiner le ligne. Maintenant, nous pouvons dessiner les côtés de nos boîtes. En utilisant les lignes directrices que je viens de dessiner, j'utiliserai une ligne parallèle verticale pour faire le dos de la boîte , puis me connecter à l'avant. J'utiliserai la même méthode en haut, même si le haut sera évidemment une ligne horizontale. Juste pour s'amuser, essayez la même chose avec une ligne pointillée pour montrer le dos de la boîte comme si nous regardions la boîte à rayons X. Puisque j'ai fait tous les côtés de la boîte à peu près la même profondeur, ça ressemble plus à un cube, mais que se passe-t-il si on veut quelque chose de plus allongé ? Il suffit de tirer le dos de la boîte plus loin, plus près du point de fuite. La même méthode peut être appliquée si nous voulons une boîte très maigre. Retirez le dos de la boîte plus près de l'avant de la boîte. Vous pouvez voir que lorsque l'objet se trouve devant la ligne d'horizon, vous ne pouvez pas vraiment voir le haut ou le bas de l'objet. C'est comme si nous regardions plus directement l'objet. Que diriez-vous d'un cylindre ? Commençons par un cercle, et en utilisant notre règle, nous allons ignorer les directives. Nous allons placer la règle sur le bord supérieur et le bord inférieur de ce cercle, et les dessiner aussi loin que nous le voulons. Si nous le voulons plus longtemps, ils se rapprocheront du point de fuite et nous imiterons cette même courbure à la fin des lignes que nous avons dessinées. Je vais l'ombrager pour que tu puisses avoir une idée de l' arrondi [BRUIT]. Nous pouvons utiliser cette méthode pour n'importe quelle forme que nous voulons. Essayons de dessiner quelque chose de vraiment loufoque. Utilisez quelque chose avec des courbes et des points, puis nous verrons comment nous pouvons nous connecter à eux. Pour faciliter les choses, je connecte généralement abord les bords extérieurs, et cette fois je vais les dessiner jusqu'à la ligne d'horizon pour vraiment souligner la forme bizarre. [RIRES] Je dessine principalement des lignes partout où il y a un point. Si j'ai une forme plus courbe ou un bord incurvé, je n'ai pas toujours besoin de tracer une ligne, parfois cela peut être représenté uniquement par un ombrage, que je vais vous montrer dans un instant. Ici, je montre un peu d'ombrage au lieu de dessiner une ligne solide et ça fait le point sur le fait que c'est un bord courbé doux. [BRUIT] Maintenant, la perspective à deux points devient un peu plus délicate, mais c'est très amusant. Avec une perspective à deux points, nous avons généralement un coin d'un objet face à nous. Nous vous verrons dans une seconde ce que je veux dire. Tracons deux points de fuite cette fois, un à chaque extrémité de notre ligne d'horizon. Je vais dessiner des formes géométriques carrées et je vais en dessiner une au-dessous, au-dessus et devant la ligne d'horizon. Pour que cela reste simple, commençons par une seule ligne représentant chacune de ces formes. Ensuite, tracons quelques lignes directrices allant des bords supérieurs et inférieurs de ces lignes aux deux points de fuite. S'il est plus facile de garder les choses droites dans votre tête, sans jeu de mots, [RIRES] essayez d'abord de tracer toutes les lignes directrices à un point de fuite , puis passez de l'autre côté. Comme avant, nous allons d'abord dessiner les côtés de nos boîtes. En suivant nos directives, nous dessinerons à nouveau les lignes parallèles , puis nous les connecterons au coin avant. [BRUIT] Essayez de répartir ces lignes parallèles et voyez jusqu'où vous pouvez remonter au loin. Il crée un bord plus allongé. [BRUIT] Faisons quelques lignes directrices pour nous aider à compléter nos formes. abord, je vais relier le côté droit de ma boîte au point de fuite gauche. [BRUIT] Ensuite, je connecterai le côté gauche de mes boîtes au point de fuite droit. Maintenant, je peux juste retracer la forme que je viens de créer. [BRUIT] Encore une fois, vous pouvez voir que les objets situés en face de la ligne d'horizon n' affichent pas vraiment le haut ou le bas. Passons maintenant à la perspective en trois points, la plus compliquée mais celle qui mènera au plus réalisme. Je vais coller un morceau de papier à l'arrière de ce papier afin me donner plus de place pour éloigner le point de fuite supérieur. Vous verrez ce que je veux dire dans une seconde. Nous pouvons commencer par une perspective à deux points en dessinant deux points de fuite à chaque extrémité de notre ligne d'horizon. Ensuite, nous allons ajouter un autre point de fuite au-dessus aussi loin que possible. Pour cette démo, je vais dessiner une tour. J'aime commencer par dessiner le bas de ma tour, et pour que ça reste très simple, je vais juste faire une petite marque pour le coin inférieur avant de ma tour, puis je vais dessiner mes lignes directrices de ce coin inférieur avant de la tour jusqu'aux points de fuite qui existent sur ma ligne d'horizon. Ensuite, j'utiliserai mon troisième point de fuite et je le relierai au coin inférieur avant de ma tour. Maintenant, en suivant ces directives, je peux dessiner la base de ma tour. Où qu'ils s'arrêtent, je relierai ensuite ce point à mon troisième point de fuite. Il ressemble presque à un sapin de Noël. Ensuite, je peux dessiner le bord arrière de ma tour. Je ne le dessine pas jusqu' à ce troisième point de fuite, je m'arrête court, et je tracerai aussi la ligne centrale ou le coin avant de ma tour. Le haut de cette ligne sera un peu plus grand que ceux que je viens de dessiner. Pour trouver le bord supérieur de notre tour, nous commençons par notre crayon tout en haut du coin avant que nous avons dessiné, puis nous le relions à l'un de ces points de fuite inférieurs, puis tracez cette ligne directrice pour créer le bord supérieur. Ici, vous pouvez voir que j'ai des lignes excédentaires au-dessus du sommet de ma tour, c'est parce que j'ai sauté un peu devant et je n'ai pas dessiné toutes mes lignes directrices au début. Au fil du temps, il devient beaucoup plus facile de dessiner les différentes perspectives sans les directives, et vous pouvez vous amuser beaucoup et même les exagérer parfois, mais ces règles entrent généralement en vigueur jouez lorsque vous voyez des bâtiments ou clôtures ou toute autre forme de type géométrique dans votre paysage. Quand il s'agit d'arbres et d'autres formes organiques, c'est beaucoup plus indulgent. 12. 3.1 Introduction à la théorie des couleurs: [MUSIQUE] La valeur fait tout le travail et la couleur obtient tout le crédit. Mais pourquoi est-ce que c'est ? Pourquoi la couleur est-elle si puissante ? Eh bien, c'est un sujet énorme en soi et quelque chose que vous pourriez probablement passer années à étudier seul, mais je vais vous donner une introduction à la théorie des couleurs qui va au moins obtenir vous avez commencé sur le chemin de l' esquisse de la nature. Mais parlons rapidement de la façon dont la couleur peut changer notre perception du monde qui nous entoure. Dans le monde du design, nous avons étudié comment les occupants d'un espace sont affectés par les couleurs que vous choisissez. Si vous voulez évoquer une énergie intense ou une passion, utilisez le rouge. Si vous voulez évoquer la paix, l'harmonie et le sentiment de calme, utilisez le blues et les verts. Mais quand il s'agit de peindre des paysages, d'une part, se peut que vous souhaitiez mélanger des couleurs précises et représenter ce qui se trouve devant vous d'une manière magnifique ou vous voudrez peut-être utiliser vos propres couleurs que vous inventez. créez votre propre sens de l'humeur ou racontez une histoire spécifique. Souvent, dans les illustrations d'œuvres fantastiques ou de livres de contes, les artistes utilisent une variété de couleurs que l'on ne trouve jamais dans le monde réel, mais ils utilisent la couleur pour raconter leur histoire. Parlons de la façon de mélanger les couleurs dans un paysage. Avez-vous déjà vu ça ? C'est une roue chromatique, et beaucoup de gens ont créé différentes versions de cette roue et vous pouvez en trouver une tonne partout sur Internet. Celui-ci en particulier est organisé de manière à représenter une idée extrêmement importante dans la peinture de paysage. Il y a quelque chose connu sous le nom de température dans les couleurs. Sans être trop scientifique ici, il s'agit essentiellement de la chaleur ou de la fraîcheur d'une couleur. Comme vous le savez peut-être, chaque couleur est composée de longueurs d'onde différentes, et ces longueurs d'onde rebondissent sur les objets de notre environnement et frappent nos globes oculaires. C'est ainsi que nous percevons quelle couleur. ils le sont. Lorsque nous prenons le spectre naturel des couleurs et que nous l'enveloppons dans une forme de roue ou un cercle, c'est ce que nous obtenons. Pourquoi ai-je souligné le rouge, le jaune et le bleu ? Eh bien, c'est ce que l'on appelle les primaires. Les couleurs primaires signifient simplement les couleurs à partir desquelles toutes les autres couleurs du spectre peuvent être mélangées. Si vous avez du rouge, du jaune et du bleu dans votre palette, vous pouvez mélanger à peu près n'importe quelle couleur. Il y a beaucoup de jaunes différents, beaucoup de bleus et beaucoup de rouges différents. Vous pouvez voir que lorsque vous mélangez rouge et le jaune, vous obtenez de l'orange, jaune et du bleu, ce qui vous donne du vert , du bleu et du rouge, et il y a tellement de variations dans ces mélanges que vous pouvez créer. Retour à la roue chromatique sur les couleurs chaudes et froides, comme vous pouvez le voir, le rouge et le jaune sont du côté chaud et le bleu est du côté frais. Quand il s'agit de mélanger les couleurs, plus vous ajoutez de bleu à un mélange, plus la couleur sera fraîche. Plus vous ajoutez de jaune, plus il est chaud. Cependant, cela devient un peu plus déroutant lorsque vous comparez deux jaunes l' un à côté de l'autre, l' un chaud et l'autre qui est frais, ou deux rouges, un rouge froid et un rouge chaud. Mais si le rouge est du côté chaud du spectre, comment peut-il être considéré comme frais ? Eh bien, la couleur est toujours relative. Donc, si vous comparez deux rouges ensemble, l' un d'eux apparaîtra plus chaud et l'autre apparaîtra plus cool. C'est juste la façon naturelle dont nos yeux fonctionnent. Nous comparons toujours les couleurs. Si vous entendez quelqu'un parler d'un bleu chaud ou d'un bleu froid, c'est la raison. Habituellement, un bleu chaud est parce qu'il y a un peu plus de rouge mélangé dedans. Il nous semble toujours bleu, mais il a un peu plus de rouge. Pour la plupart, dans un paysage, vous serez préoccupé par l'utilisation des couleurs qui se situent entre les primaires, très rarement vous aurez besoin d'une couleur primaire pure. Parfois, vous voyez cela dans des objets ou des fleurs ou des animaux artificiels, mais beaucoup plus souvent, nous utiliserons tons plus sourds, des gris ou des bruns, ce qui m'amène à savoir comment vous pouvez utiliser le nuancier pour déterminer quelles couleurs vous devez mélanger. L'une des raisons pour lesquelles les gens fabriquent ou achètent une roue chromatique et la gardent avec eux dans leur studio ou à l'extérieur est qu'ils peuvent rapidement regarder une couleur, regarder le côté opposé de la roue chromatique, et voyez lequel est gratuit. Les couleurs gratuites tombent de l'autre côté de la roue. Le rouge et le vert sont des compliments. Lorsqu'ils sont placés l'un à côté de l'autre, ils se font paraître plus vibrants. Il y a une vibration qui se produit entre eux. C'est un sujet fascinant à lui seul, vous pouvez aller lire à ce sujet. Mais ici, faisons une petite expérience. Je veux que vous vous concentriez sur ce point blanc. Pendant que je parle, il suffit de regarder ça aussi fort que possible. Essayez de ne pas cligner des yeux et essayez de voir s'il bouge. Eh bien, le point blanc lui-même ne bouge pas, mais vous avez peut-être l'impression vos yeux commencent à s'agiter un peu. Certaines personnes disent que leurs yeux se contractent à une petite échelle, mais il s'agit simplement d'une vibration naturelle qui se produit. Presque terminé, continuez de regarder le point blanc et c'est parti. Maintenant, vos yeux voient probablement un peu une ombre là où se trouvait le point blanc. Quel est l'intérêt de cette expérience ? Honnêtement, je voulais juste vous montrer qu'il se passe beaucoup plus en coulisses, ce que nous pouvons à peine percevoir comme des humains. Si vous souhaitez approfondir la théorie des couleurs et le spectre et tous ces sujets étonnants, je recommande vivement Nathan Fowkes sur schoolism.com. C'est quelqu'un qui m'a fait sauter l'esprit quand j'ai commencé à apprendre la couleur. Mais pour l'instant, replongeons dans la peinture de paysage. Connaître vos couleurs complémentaires est extrêmement utile. Mélanger deux compléments ensemble vous donnera une version beaucoup plus silencieuse de cette couleur. Si vous souhaitez peindre plus de verts en sourdine, ajoutez-y un peu de rouge. Pas trop, juste un petit indice qui réduira automatiquement ce dynamisme. Il créera un vert beaucoup plus agréable, un vert beaucoup plus naturel qu'un vert super brillant tout droit sorti du tube. Avez-vous déjà remarqué que les objets lointains au loin de nos paysages comme les montagnes ou les forêts, ce qui se rapproche de l'horizon tendance à paraître un peu plus bleus ou brumeux ? Il a tout simplement un aspect différent de ce qui est le plus proche de nous. C'est ce qu'on appelle la perspective atmosphérique. Tout au long de l'histoire, cela a également été connu sous le nom de perspective aérienne. Mais je voulais appeler cela une perspective atmosphérique pour vous rappeler que ce qui se passe dans l'atmosphère qui nous entoure fait une énorme différence dans les couleurs que nous voyons. longueurs d'onde rebondissent entre les objets et nos yeux. S'ils doivent voyager plus loin dans l'atmosphère, particules et d'autres choses se gênent parfois. Cela est particulièrement exagéré lors d'une journée brumeuse ou brumeuse. L'eau dans l'air bloque physiquement ces longueurs d'onde de se déplacer loin loin vers nos yeux. Les artistes italiens et européens de la Renaissance ont été les premiers à l'utiliser dans leurs peintures. Ils ont compris que pour obtenir cette apparence d'un paysage vaste, ils devaient non seulement utiliser une perspective linéaire, à quel point les objets sont grands ou petits les uns par rapport aux autres, mais ils ont dû utiliser leurs couleurs à bon escient. Vous pouvez voir dans les éléments lointains de leurs peintures, il y a beaucoup moins de contraste, moins de saturation et les couleurs penchent davantage vers l'extrémité bleue du spectre. J'en parlerai un peu plus tard dans les démonstrations de peinture. Supposons que nous ayons une boule brune qui représente notre arbre. Ce brun est la couleur locale ou la couleur réelle de l'arbre. Notre arbre est à l'extérieur. Nous avons un ciel et nous avons une belle herbe verte, et nous avons aussi un soleil, une source de lumière, et c'est un petit soleil heureux. Ce soleil brille sur notre arbre et crée un point culminant. Dans ce point culminant, vous pouvez voir qu'il est un peu plus chaud brun, un peu plus léger. Il a un effet qui a changé notre couleur locale, et il projette également une ombre sur l'herbe. Le soleil brille sur cette herbe et il va rebondir toutes ces particules vertes tout autour, et ces particules vertes vont rebondir et se refléter hors de notre arbre. Nous appelons cela la lumière rebondissante, mais elle ne s'arrête pas là. Le soleil envoie également de la lumière à travers le ciel et cette couleur bleue va également être envoyée rebondissant, jetant sur notre surface de l'arbre. Nous obtenons une partie de cette lumière bleue qui rebondit sur notre couleur locale, ce qui lui donne un peu une teinte bleue. Cela ne se produit pas seulement en lumière directe, il peut également se produire dans une scène de lumière plus ambiante comme au crépuscule ou la nuit, lorsqu'il n'y a pas une seule source de lumière directe mais que la lumière brille dans le ciel. Il rebondit encore toutes ces couleurs partout, et ces couleurs vont être jetées sur notre couleur locale, les teintant légèrement et rebondissant n'importe quel objet ou surface à proximité. zone comme l'herbe. Bien sûr, vous pouvez plier et modifier ces règles au besoin pour votre paysage, mais l'utilisation de la lumière rebondie peut vraiment ajouter beaucoup d'intérêt et de profondeur à nos peintures. Quelle que soit votre couleur locale, vous pouvez toujours jouer avec cette idée. Ici, j'ai utilisé un bleu foncé comme couleur de base, puis je rebondis ces tons ombragés du côté ombre et les tons chauds du côté lumineux. Je sais que tout cela est beaucoup à prendre en compte. Pour l'instant, ramenons-le un peu sur Terre et parlons de mélanger les couleurs. Je vais vous montrer quelques nuanciers qui facilitent la vie. Parce que sans vraiment savoir quelles couleurs nous pouvons mélanger avec les tubes que nous possédons, nous aurons du mal à appliquer l'un de ces concepts de couleur dans nos paysages. La première chose à faire lorsque vous achetez peinture est de faire une feuille d'échantillon. Il s'agit d'un exercice simple pour découvrir les couleurs que vous possédez. Parfois, la couleur imprimée sur le tube ne ressemble pas à ce à quoi elle ressemble sur du papier et les noms peuvent souvent être trompeurs. Avoir une feuille de nuance comme référence sera très important jusqu'à ce que vous vous familiarisiez vraiment avec vos couleurs. Finalement, cela devient une seconde nature et vous n'avez pas besoin de les référencer aussi souvent. Les feuilles d'échantillons nous montrent à quoi ressemble notre couleur directement sortie du tube. C'est un bon point de départ pour s'habituer à vos couleurs avant même de vous lancer dans le mélange. Afin de voir plus de variété de ce qui est possible avec une couleur directement sortie du tube, je vais généralement mouiller le papier abord, puis utiliser un pigment lourd sur un côté et le laisser lentement saigner et être plus dilué à l'autre extrémité. Je vois à quoi ça ressemble, très pigmenté et très dilué. Je fais exactement la même chose pour ma gouache. Une fois que j'ai mes feuilles d'échantillons, il est temps de mélanger les couleurs. J'ai un type de tableau de mélange de couleurs que j'aime plus que tout autre type et qui est en fait l' un des plus utiles. C'est ce qu'on appelle un graphique bicolore. Fidèle à son nom, cela signifie que nous mélangeons deux couleurs ensemble, mais d'une manière qui nous montre la vaste gamme de mélanges nous pouvons réaliser entre ces deux couleurs. Nous commençons par une couleur d'un côté. C'est de la quinacridone magenta. La deuxième couleur que j'utilise est appelée bleu anthraquinone. Oui, un nom assez fou, mais c'est vraiment un bleu profond. Je commence d'un côté en utilisant principalement magenta et chaque coup de pinceau, j'ai introduit juste un tout petit peu de bleu. Au fur et à mesure que je me fraie un chemin vers le côté droit, j'ajoute de plus en plus de bleu et finalement le coup de pinceau final sera bleu pur. En cours de route, je peux diluer la peinture si je veux avoir encore plus de variété visible, car c' est quelque chose que nous faisons dans nos peintures actuelles. L'objectif global est d'avoir un beau spectre entre les deux couleurs et de montrer autant de variété que possible. Si c'est un peu trop pour vous, vous pouvez faire quelque chose de petit comme ça. C'est ma version voyage. Ce n'est que quelques couleurs, mais regardez la large gamme de couleurs que je peux mélanger. Ayant cela sous la main quand je suis dehors, surtout sur la côte où j' essaie constamment de mélanger une grande variété de couleurs, je l'utilise constamment. [ARRIÈRE-PLAN] 13. Les bases de la peinture: Quand je peins dehors, je suis peintre hybride. J'utilise l'aquarelle et la gouache de manière interchangeable, et j'utilise une variété d'autres matériaux tels que crayon, stylo, encre et marqueurs. Ma philosophie est d'utiliser tout ce qui est nécessaire pour faire le travail. J'aime travailler rapidement et de manière expressive, donc je préfère les médiums aquatiques lorsque je peins à l'extérieur car ils sont très portables et ils sèchent rapidement. Pour les besoins de ce cours, je parlerai de ces matériaux. En ce qui concerne mes matériaux, j'aime utiliser une configuration minimale avec une qualité maximale. J'achète les fournitures de qualité maximale que je peux me permettre, mais je n'ai pas besoin d'une tonne de couleurs différentes ni d'une tonne de pinceaux différents. En fait, je préfère beaucoup une sélection limitée de couleurs et un ou deux pinceaux vraiment jolis et si je vais faire des folies sur quoi que ce soit, ce sera mon papier, car le papier fait une énorme différence dans performance. Si vous avez déjà utilisé papier aquarelle bon marché et mal à faire les techniques de base, ce n'est pas de votre faute. En fait, le papier fait une énorme différence avec l'aquarelle. La principale chose à retenir est que le meilleur papier aquarelle sera fabriqué avec 100 % de fibres de coton. Cela rend le papier plus absorbant et en fonction de l'entreprise et de la façon dont elle finit le papier, il sera beaucoup plus performant et vous permettra de réaliser toutes les techniques que vous pouvez imaginer avec de l'aquarelle. Différentes techniques comprennent le mouillage dans l'eau et le vitrage et la brosse sèche. Je vais parler de ces techniques afin que vous puissiez avoir une meilleure idée de la façon d'utiliser les matériaux lorsque vous êtes à l'extérieur. Mais tout d'abord, parlons de palettes parce que vous en avez besoin lorsque vous peignez à l'extérieur. Vous pouvez revenir en arrière et découvrir tous les matériaux que j'aime utiliser dans la leçon précédente sur la peinture à l'air libre. Mais permettez-moi de mentionner rapidement que mes approvisionnements sont en constante évolution. J'essaie toujours de nouvelles choses et au fil du temps, j'ai réalisé que certaines choses réalisé que certaines choses qui fonctionnaient très bien pour moi ne me servent plus. J'essaie simplement de garder l'esprit ouvert à ce sujet et d'utiliser ce qui me convient en ce moment. En studio, j'utilise cette palette de syllabes pliables, qui contient 18 couleurs et comme j'aime mélanger mes propres couleurs, beaucoup d'entre elles sur cette palette sont en fait mes couleurs mixtes personnalisées. Vous pouvez économiser de l'argent si vous achetez les couleurs primaires et mélangez vos propres verts, violets et oranges. Je vais vous donner un aperçu rapide des fournitures que j'aime utiliser en studio. J'aurai généralement une poignée de pinceaux de toutes les formes et tailles différentes [RIRES]. En général, j'aime utiliser des pinceaux ronds et pointus pour l'aquarelle et les pinceaux plus plats pour la gouache. Mais parfois, je change ça. Il est également très utile d'avoir des essuie-tout ou des chiffons réutilisables pour essuyer vos pinceaux et absorber l'excès d'eau pendant que vous peignez. Vous pouvez même utiliser de vieux t-shirts découpés. Nous avons besoin d'un bateau à eau quelconque. J'utilise le même depuis quatre ans et, bien sûr, notre peinture et notre papier. Si vous utilisez de l' aquarelle ou de la gouache séchée dans une casserole comme celle-ci, il est vraiment utile de laisser tomber l'eau dessus pour qu'elle puisse ramollir 5, 10 ou même 15 minutes avant de commencer à peindre. J'essaie de ne pas le noyer dans l'eau, mais je dois en utiliser suffisamment pour qu'il le recouvre complètement et puisse s'imprégner de ce pigment. Les aquarelles de haute qualité peuvent être mouillées et réutilisées encore et encore. Le mien sèche entre les séances de peinture tous les soirs et je l'ai remouillé le lendemain et c'est prêt à partir. La première technique que je vais démontrer est mouillée dans eau et plus précisément comment créer un dégradé. Nous utiliserions un dégradé à l'arrière-plan de nos peintures, surtout dans un ciel. Pour ce genre de choses, j'aime utiliser mon support pour iPad et incliner le papier à un angle de 45 degrés. Cela permettra au pigment de s' écouler naturellement avec la gravité et cela crée un dégradé plus doux. Une règle de base typique avec l'aquarelle est que la peinture veut couler où que se trouve l'eau. Que vous mettiez le papier mouillé en premier ou que vous mettiez de l'aquarelle et que vous souhaitiez en ajouter davantage, quel que soit le bord de l'eau, la peinture veut s'y écouler. Pour un dégradé, j' aime avoir un peu d' eau sur le papier pour que la peinture commence instantanément à couler et créer un effet très doux. aquarelle sèche plus léger, et l'une des erreurs les plus courantes des débutants et pas seulement pour les débutants, je le fais toujours parfois est de ne pas utiliser assez de pigment. Lorsque vous commencez à mélanger votre flaque de pigment avant de l'utiliser, il semble qu'elle soit vraiment brillante. Mais une fois qu'il sèche, vous remarquez souvent que ce n'était pas suffisant. Mais c'est là que la pratique intervient. Avant de me lancer dans un tableau, je vais faire une séance d'entraînement comme celle-ci où je m'entraîne à mélanger mes flaques d'eau et remarque vraiment à quoi elles ressemblent sur je remarque vraiment à quoi elles ressemblent sur la palette avant de l' appliquer sur le papier. De cette façon, lorsque je saute dans mon tableau final, je suis mieux informé. En fait, je vous montre ce qu'il ne faut pas faire avec un dégradé. En général, nous voulons travailler un peu plus vite que cela. Si nous ne superposons pas nos couleurs les unes dans les autres assez rapidement, nous finirons avec trois couleurs distinctes qui ne font que trier ensemble. Bien sûr, cela peut être utile pour certaines choses. Mais dans un ciel, nous ne voulons généralement pas voir de grandes rayures de couleur comme celle-ci, mais c'est un excellent exercice d'apprentissage. Refaisons-le de la bonne façon. Cette fois, je ne prémouille pas mon papier parce que je veux démontrer que vous pouvez toujours atteindre cet effet sans le faire. Cette fois, nous allons commencer par une couleur et introduire lentement la couleur suivante à chaque coup de pinceau. Après avoir posé mon jaune, je commencerai lentement à introduire le plus petit morceau de rose et à faire un ou deux coups de pinceau, puis un peu plus rose et en faire un ou deux de plus. Je vais continuer cette même stratégie tout le dégradé, concentrant vraiment sur l'introduction lente de ma couleur. Cela va finalement aboutir à un dégradé beaucoup plus lisse. Il faut s'entraîner et s'y habituer. Mais encore une fois, faites un peu d' entraînement comme ça avant de vous lancer dans un tableau final et vous serez beaucoup mieux loti. Un conseil rapide consiste à essayer de ne pas déranger la peinture une fois que vous avez terminé un coup de pinceau. Vous pouvez passer au même endroit une ou deux fois, mais pas une fois que les pigments commencent à se déposer dans le papier. À ce stade, si je revenais et essayais d'ajuster tout ce que j'ai fait, je finirais par des stries et toutes sortes de taches bizarres et de choses que je ne veux pas. Mais vous pouvez voir que le dégradé que j'ai fait la deuxième fois est un peu plus lisse. Mais le rouge rosé et le bleu sont encore un peu visiblement séparés visuellement, ce qui n'est pas idéal, donc je prendrais soin faire dans un vrai tableau de ciel. En fait, je n'utilise pas cette technique spécifique pour les dégradés lorsque je peins mon ciel, je préfère être un peu plus lâche et expressif. J'adore laisser couler le pigment rapidement et saigner naturellement sur le papier. Cette spontanéité est ce que j'aime avec l'aquarelle. Faisons un dégradé que j' aime faire dans mon ciel. Cette fois, je vais commencer par le bas et me frayer un chemin vers le haut. La raison en est que cela va conduire à un flux de pigment beaucoup plus actif. La gravité fait son truc ici et parce que vous posez déjà du pigment, tout ce que vous mettez dessus et au-dessus dans ce cas va couler rapidement dans le papier. Parce que rappelez-vous cette règle que j'ai dit sur la façon dont aquarelle aime couler partout où elle est déjà mouillée. Oui, vous pouvez vraiment le voir au travail ici. Je suis également devenu un peu plus sombre parce que je sais que ma peinture va sécher beaucoup plus légère. Vous pouvez déjà voir à quel point ces deux exemples sont plus clairs et pastel. Maintenant, pour une technique de pinceau sec, qui est l'une de mes façons préférées de créer une texture intéressante. j'aime avec les médiums humides c'est que vous pouvez combiner cette belle couleur douce avec une couleur plus rugueuse et plus contrastée. Pour créer une texture de pinceau sec, nous essayons de créer un équilibre parfait entre avoir suffisamment de pigment sur notre pinceau et pas assez d'eau pour que lorsque nous faisons un coup de pinceau, seul le le pigment se détache. Fondamentalement, vous laissez le pigment se poussière sur la surface de ce papier rugueux parce qu'il y a moins d'eau, il ne s'imprègne pas instantanément dans les fibres. Il se trouve un peu plus sur le dessus. Cela est exagéré lorsque vous utilisez papier très rugueux ou pressé à froid, qui a une tonne de texture sur la surface et si vous superposez beaucoup de pinceau sec ensemble, vous pouvez créer un tel intérêt. effets. Pour moi, les peintures à l' aquarelle les plus intéressantes combinent un bel équilibre entre cette texture douce , humide et sèche. Comme je l'ai mentionné, j'aime utiliser gouache et l'aquarelle ensemble. Certains additifs rendent la gouache opaque et sèche complètement mate, elle n'aura donc aucun reflet, ce qui est idéal pour les travaux d'illustration qui doivent être photographiés ou numérisés transformé en image numérique par la suite. Mais c'est aussi si beau en personne. Pour moi, c'est presque comme regarder pastels liquides si c'était quelque chose. Comme l'aquarelle et la gouache partagent un liant similaire, ils peuvent être facilement mélangés. En général, j'aime commencer une peinture avec de l'aquarelle ou une version diluée de la gouache si je n'ai pas mon aquarelle avec moi. Alors que j'accumule la profondeur de la scène, je continue d'ajouter de la gouache plus épaisse et plus épaisse. C'est génial pour ajouter des détails et tant de textures intéressantes et comme je l'ai dit, j'adore l' apparence de la gouache quand elle sèche. Les prochaines leçons, nos démonstrations dans diverses situations où je peux utiliser de l'aquarelle ou de la gouache ou les deux, afin que vous puissiez voir la variété possible. Bien sûr, au fur et à mesure que je parlerai des démonstrations, je parlerai également de toutes les autres choses que j'ai mentionnées dans les leçons précédentes. Allons-y. 14. Démo 3.3 : rochers à l'aquarelle: [MUSIQUE] Pour cette première démo, j'utilise mon carnet de croquis à froid Etchr, qui contient un papier assez rugueux. Il y a beaucoup de texture sur ce papier. Comme je l'ai mentionné, il est beaucoup plus facile d'obtenir de belles textures de pinceau sèches lorsque vous avez un papier plus rugueux. Quand il s'agit de peindre des rochers, j'adore utiliser du papier presse à froid. Lorsque vous peignez à l'aquarelle, rappelez-vous toujours que la valeur la plus brillante avec laquelle nous devons travailler est la couleur du papier. Vous devez laisser passer cette couleur du papier si vous souhaitez mettre en surbrillance. Généralement, je vais commencer mes rochers en plaçant un peu de couleur et en y touchant d'autres couleurs pour qu'elles saignent et coulent ensemble. Les roches ont beaucoup de variations de couleur. Commencer donc par une couche multicolore comme celle-ci est la première étape vers la réalisation d' une partie de ce réalisme. Parce que ce papier est 100 % coton, il me donne assez de temps pour jouer avec mes couches. Je peux revenir et lisser les choses ou ajouter plus de couleur, mais une chose que j'aime faire est toucher aussi légèrement mon essuie-tout à la surface de l'aquarelle et de prendre une partie de la couleur. Ici, vous me voyez toucher le bord supérieur des rochers et cela lui donne ce petit point culminant. Si vous regardez de près, vous pouvez toujours voir un peu de couleur en dessous de l' endroit où je ai ramassé avec l'essuie-tout. C'est parce que certaines couleurs sont plus colorées que d'autres. Au moment où vous les mettez sur le papier, ils tachent ces fibres de papier. C'est quelque chose que vous apprendrez au fil du temps et que vous effectuerez beaucoup de tests dans vos propres peintures, vous découvrirez quelles couleurs font cela et celles qui ne le font pas. L'autre technique que j'aime utiliser avec les roches est le vitrage. Nous allons donc laisser sécher et ensuite nous ferons une autre couche sur le dessus. Cela va sécher beaucoup plus léger qu'il n'y paraît en ce moment, ce que vous verrez dans un instant. Ensuite, la deuxième couche, nous pouvons commencer à accumuler la profondeur dans les parties ombragées de la roche. Mais d'abord, je vais toucher des couleurs herbacées autour des rochers. J'ai attendu un peu que la peinture sèche, elle commence à s'immerger dans les fibres maintenant. Mais quand j'ajouterai la couleur de l'herbe, elle va saigner un tout petit peu dans mes rochers. Le moment est, bien sûr, important. Si vous ne voulez pas qu'il s' écoule dans votre couleur roche, vous devez attendre un peu plus longtemps. Mais j'aime bien que mes rochers interagissent un peu avec ce qui se trouve à proximité. Donc, dans ce cas, ils sont assis sur le sol, ils sont assis sur l'herbe. J'aime le fait qu'il va saigner ensemble. Au fur et à mesure que nous effectuons la deuxième et même troisième couche de la texture rocheuse, elle augmentera la profondeur et aidera à donner l'impression que les rochers sont assis sur le dessus de l'herbe et pas seulement une partie de le sol. Pour référence, je vais laisser tomber les trois couleurs que j'ai utilisées dans ce tableau jusqu'à présent. C'est vraiment un excellent exercice lorsque vous commencez, afin que vous puissiez vous souvenir de ce que vous utilisez pour peindre quelque chose. Une fois que la peinture est sèche, je peux faire la deuxième couche sur les rochers. Je ne veux pas utiliser une couleur trop sombre ici, je vais en fait utiliser une couleur très similaire à celle du premier calque. Mais ce qui est cool, c' est qu'une fois que vous commencez à superposer l'aquarelle, elle devient exponentiellement de plus en plus sombre. La couleur en dessous va s' afficher un peu et ajouter à la couleur et aux valeurs plus profondes. C'est la magie du vitrage. Si vous repensez à la leçon de dessin où nous avons parlé de dessiner des pierres, je veux m'assurer de choisir un côté qui sera mon côté culminant et ensuite, bien sûr, l'autre côté sera le côté ombre. Je place une plus grande partie de la deuxième couleur du côté de l'ombre et près de la base du rocher. Je n'ai pas besoin d'utiliser de gros coups de pinceau lourds et solides. Je peux utiliser des petits qui sont brisés ici et là. En fait, je pense que cela contribue à prêter au réalisme. Maintenant que nous avons une petite étude hors du chemin, je veux vous montrer comment j'ai mis ces choses ensemble dans une scène plus grande, de sorte que si vous voulez sortir peindre un champ ou des collines ondulées avec des rochers ou Quoi qu'il en soit, vous avez une stratégie en tête. Tout d'abord, commencez par un croquis de base. Si vous devez commencer par des structures simples en blocs, des cônes ou des sphères, ce qui vous aide à faire dessiner ces roches, il suffit de le faire. Ne vous inquiétez pas à quel point il semble bizarre et dessinez suffisamment de lumière pour pouvoir dessiner la structure finale sur le dessus, et cela n'a pas vraiment d'importance si le crayon apparaît à la fin. S'il s'agit simplement d'une étude comme celle-ci, je pense qu'il est vraiment utile de voir la ligne fonctionner plus tard car elle me rappelle ce que j'ai dû dessiner pour réaliser la peinture. Je pense que c'est en fait des informations précieuses plus tard. Vous pouvez voir quand je dessine ces rochers, ma main bouge assez vite et la principale raison en est que je ne veux pas trop y penser. Chaque fois que je m'assois pour dessiner rochers ou des arbres ou tout ce qui est plus organique, si je pense trop à mes lignes, je dessine les mêmes formes, les mêmes tailles, et tout semble très rigide et contre nature. Je laisse le crayon couler, et si je finis avec des lignes supplémentaires ici et là, c'est très bien. Vous pouvez simplement les effacer ou les ignorer lorsque vous peignez. Mais la principale chose à laquelle nous pensons avec l'aquarelle est de savoir où seront nos points forts car le papier est notre couleur de surbrillance. C'est le plus brillant que nous puissions obtenir dans le tableau. Dès le début, réfléchissez à l'endroit où se trouve la lumière dans la scène. Quel côté du rocher va être le point culminant ? Ceux-ci resteront les zones les plus lumineuses et vous pourrez lentement accumuler l'obscurité qui les entoure. Je vais utiliser un mélange de bleu, un peu de rose et un peu de noir. J'aurai donc un ton grisâtre, et ma première couche est très diluée avec de l'eau. Après avoir peint cette couleur de base, je commencerai à toucher des variations ici et là avec la même couleur, juste un peu moins d'eau pour que vous puissiez voir qu'elle est un peu plus sombre. Je vais laisser ça couler et saigner ensemble parce que je veux cette variation naturelle. Alors que je fais cela, je me souviens qu'il va sécher plus léger, donc je ne m' inquiète pas encore du côté de l'ombre et de l'ombre. Ce sera juste la sous-couche, et je peindrai les ombres plus tard. Pour l'instant, il suffit de penser à obtenir une belle variation de la couleur sous-jacente. Les rochers peuvent varier ici et là. Ils ne doivent pas tous avoir exactement les mêmes couleurs. Même les rochers proches l'un de l' autre ne correspondent pas toujours. Afin d'éviter d'avoir une ligne dure à la base des rochers, je vais utiliser une brosse propre et balayer une ligne en dessous et laisser cette couleur saigner. Il va juste s'estomper dans l'endroit où l'herbe va se trouver, et il est très léger, donc ça n'a pas d'importance. C'est très amusant de jouer avec différentes couleurs dans nos rochers. Dans ce cas, j'ai décidé d' ajouter un peu de ton chaud. Je suis en train de mélanger un tout petit peu de rouge vénitien dilué. Les pigments vont lentement saigner ensemble et se déposer où ils veulent, et je pense que c'est là que l'on peut vraiment commencer à voir cette texture apparaître à travers. J'utilise un pistolet thermique pour accélérer le processus de séchage, et je vais en fait accélérer un peu la vidéo afin que vous puissiez voir à accélérer un peu la vidéo afin que vous puissiez quel point il y a un changement de valeur qui passe de mouillé à sec. Encore une fois, je vais faire petites notes de couleur pour me rappeler quelles couleurs j'ai utilisé pour peindre cela. Maintenant que la sous-couche de mes rochers est sèche, c'est l'heure de l'herbe. J'utilise un vert très dilué et je vais peindre autour de mes formes rocheuses. Il faut un peu de diligence pour le faire, mais avec un joli pinceau pointu, c'est un peu plus facile. C'est très bien si je chevauche un peu les rochers ici et là, mais je veux surtout m' assurer que je ne chevauche nulle part où ce sera un point culminant sur les rochers. Mais même quand même, je travaille assez rapidement pour obtenir de jolies marques cassées et expressives ici. Vous pouvez voir que je peins jusqu'au fond de la roche, et que cette couleur verte chevauche un peu la couleur de base des rochers. Rappelez-vous quand j'ai balayé mon pinceau sous la roche et que j'ai laissé cette couleur saigner et s'estomper en rien, c'est pourquoi. Il crée un bon flux entre la couleur roche et le sol. Ici et là, je toucherai un peu plus de pigment ou je modifierai légèrement le pigment en ajoutant peut-être des tons plus chauds comme jaunes ou des tons plus froids comme le bleu et j'essaierai simplement de briser cette grande zone d'herbe. J'aime particulièrement ajouter des jaunes et des oranges aux couleurs de mon herbe pour les éclaircir un peu et les faire sentir un peu plus chauds, comme si le soleil tombait sur l'herbe, puis je contrecarre cela avec bleus dans le vert du côté ombragé des rochers. Je vais faire un peu de cela dans la première couche humide, donc c'est un effet mouillé en mouillé, puis une fois que ça sèche, je peux revenir avec des tons encore plus ombragés et accumuler cette profondeur. Une chose que je veux mentionner à propos de la couche humide en couche humide c'est que si vous utilisez une tonne d'eau, vos couleurs risquent de saigner trop ensemble. C'est un bon équilibre qui consiste à obtenir suffisamment de pigments et d'eau pour que la peinture coule, mais ne passe pas par-dessus bord, de sorte que vous vous retrouvez avec un gros désordre aqueux. Pour ce qui est de mon style de coup de pinceau, j'utilise un pinceau très pointu et je balaie la couleur vers le haut pour imiter les brins d'herbe. Maintenant, je vais rompre les grandes formes rocheuses avec quelques ombres supplémentaires cette fois-ci en utilisant un noir très dilué. gros, c'est gris pur. Une partie de cette couleur sous-jacente va apparaître, surtout plus le pigment est dilué, mais je tiens à vous mettre en garde contre l'utilisation du noir dans vos peintures. Le noir est fin et c'est en fait un excellent mélange de couleurs, mais il désature et neutralise automatiquement votre couleur. Si vous souhaitez réduire la saturation ou créer des tons plus sourds, c'est parfait. Mais si vous essayez simplement d'assombrir vos valeurs, gardez à l'esprit que vous allez perdre une partie de cette saturation. Vous pouvez utiliser un bleu foncé, violet ou même un rouge, ou une variété de ces couleurs mélangées ensemble pour assombrir vos valeurs au lieu de simplement le noir. Mais dans ce cas, je voulais aller avec une couleur plus neutre. Mon objectif avec ces coups de pinceau est de briser ces formes solides et donner un peu plus de dimension aux rochers. Dans cette scène, la lumière vient de l'arrière gauche, donc la majorité de ma couleur d'ombre se trouve à l'avant droite. Je pourrais probablement laisser le tableau ici et en être content, mais je vais vous montrer une couche de plus. Donc maintenant, vous pouvez voir à quel point cette couche a séché. Je pense que cette peinture pourrait bénéficier d'un autre calque d'ombre. Dans l'ensemble, cela portera ma couche totale sur la roche à trois couches. Cette fois, j'utilise une couleur bleuâtre, noirâtre, grisâtre, très diluée, mais je ne vais concentrer que là où je veux que mes sombres soient plus sombres. la plupart des cas, ce sera en bas à droite du rocher ou à l'endroit où le rocher touche l'herbe, ce qui aidera à moudre un peu plus les rochers. Parce qu'à l'heure actuelle, ils flottent et se fondent un peu trop dans l' herbe. Parce que j'ai fait cette étape supplémentaire et ajouté des ombres sombres aux rochers, je pense que cela aidera à ajouter un peu plus d'ombre aux herbes qui se trouvent juste à côté de la roche. Une ombre sera donc projetée sur le sol juste en dessous du rocher. J'utilise la même couleur verte que j'avais utilisée au début, mais cette fois un peu plus de pigment, un peu moins d'eau pour qu'elle soit un peu plus sombre. Je ne veux pas que mes herbes soient plus foncées que les rochers eux-mêmes, je veux juste ajouter un peu plus de profondeur à la scène. Encore une fois, j'utilise une technique de pinceau sec et épousse ce pigment sur le papier, laissant passer cette texture du papier, ce qui fonctionne vraiment très bien pour les graminées. Alors, nous avons presque fini. Lorsque vous essayez cela vous-même, je vous recommande de commencer par un rocher, peut-être deux rochers, puis développer lentement la complexité de vos scènes. Il y a beaucoup de pas et cela deviendra plus facile avec le temps, mais cela peut être un peu écrasant au début. Oui, en commençant par une scène très basique pour prendre le coup de ces marches et augmenter lentement ce kilométrage de brosse. 15. Démo 3.4 : arbres à l'aquarelle: [MUSIQUE] Pour cette démo, je veux que vous repensiez à la leçon sur la simplification des formes dans le paysage. Commencer par des cercles ou des carrés est le moyen le plus simple. Mais avec les arbres, j'utilise le plus souvent des cercles. Commençons par dessiner un cercle. Nous allons essayer d' imaginer notre source lumineuse ou le soleil en haut à gauche. cette raison, l'ombre sera projetée vers le bas à droite. Je vais ombrer dans mon ombre juste avec ma version simplifiée de hachures en utilisant les lignes parallèles que je vous ai montrées auparavant. Nous allons lui donner un petit coffre et oui, je suis conscient que ça ressemble essentiellement à une sucette. Ensuite, nous allons utiliser cette forme comme guide pour dessiner notre arbre à côté. Au lieu de dessiner ce cercle, utilisons la version simplifiée de notre auvent feuillue. si pointues et pointues lignes si pointues et pointues qui s'enroulent autour de la forme circulaire. Au lieu de faire une zone ombragée en demi-lune en bas à droite, je vais utiliser une ombre brisée. J'essaie d' imaginer très clairement où se trouveraient tous ces grappes de feuilles. Juste en le brisant un peu ici et là , cela lui donne un peu plus de réalisme. Bien sûr, il s'agit d'une version super simplifiée, mais je veux juste que vous commenciez simplement et ensuite nous progresserons vers le réalisme. Quand je dessine le coffre, je lui donnerai aussi quelques branches supplémentaires. Ce type d'esquisse rapide est parfait avant de vous lancer dans un tableau, juste pour que vous puissiez comprendre les formes globales de l'arbre. Ensuite, nous allons nous lancer dans le tableau et nous suivrons la même stratégie. Sur la gauche, nous allons faire notre cercle simplifié avec l'ombre demi-lune, puis à droite, nous ferons notre arbre avec un peu plus de détails. Mais bien sûr, c'est encore très simplifié. abord, je vais mettre ma couleur de surbrillance, qui est un vert chaud. Par vert chaud, je veux simplement dire qu'il y a beaucoup plus de jaune que de bleu dans ce mélange. Vous pouvez voir qu'il s'agit d'un vert jaunâtre brillant, presque oliveté. Ensuite, je vais toucher un peu de mon vert ombragé, qui a beaucoup plus de bleu dedans. Mais je vais seulement toucher ça à droite et en bas. Je vais juste laisser ça saigner naturellement ensemble. J'utiliserai la même stratégie sur l'arbre du côté droit. Cette fois-ci, bien sûr, je vais suivre le bord effrayant de l'arbre, [RIRES] donc ce ne sera pas un cercle parfait. Un conseil rapide pour peindre ces auvents feuillus simplifiés consiste à utiliser la pointe du pinceau pour les bords pointus, les côtés pointus des feuilles. Un pinceau rond avec un peu de pointe est parfait pour un arbre car vous pouvez utiliser la pointe beaucoup plus tranchante, beaucoup plus pointue pour créer ces feuilles pointues. Mais la base de la brosse, la partie grasse de la brosse contient beaucoup d'eau et de pigment, de sorte que vous n'avez pas à recharger constamment. Vous pouvez donc voir que je pointe généralement le bout de mon pinceau vers le bord extérieur de ce cercle de cet arbre pour créer ces formes pointues de feuilles. La partie grasse de la brosse reste près du milieu de ce cercle. Pour mon ombre, encore une fois, je vais y mélanger un peu plus de bleu pour qu'il soit plus frais et que je m'en tienne au bord droit et en bas. Il est tentant d'ajouter une grande partie de l'ombre, mais n'oubliez pas qu'elle va saigner dans votre autre peinture humide. Essayez donc d'être un peu limité au début et voyez à quelle vitesse il s'écoule. Nous voulons quand même qu'une partie de ce vert chaud et lumineux s'affiche à la fin. Je ne vais pas attendre que ça sèche avant de peindre mon tronc parce que personnellement j' aime quand l'arbre s' estompe dans le tronc. Mais vous voulez être prudent lorsque vous faites cela, car si votre zone supérieure, si votre vert est encore très humide, vous risquez d' avoir une grande partie du brun qui saigne dans cet arbre. Il est important de connaître votre papier et de savoir à quel point il est humide lorsque vous faites cela. Je commencerai par un peu de rouge vénitien anglais, qui est un rouge très orange, et j'ajouterai un peu de violet juste pour le couper légèrement. Ensuite, je vais le peindre et le laisser sécher naturellement. Si vous souhaitez encourager votre peinture à couler dans une certaine direction, vous pouvez également soulever et incliner votre papier. Faisons la même chose avec un pin. En commençant par une forme de cône très simplifiée, puis en dessinant une version pointue et effrayante , nous indiquerons la forme de l'arbre, comme je l'ai démontré dans la forme simplifiée. une leçon quand j'ai parlé d'arbres. Cette fois pour la couleur, je vais commencer par un vert légèrement plus frais. Cela est principalement dû au fait que lorsque on observe la différence de couleur entre les arbres à feuilles caduques et les arbres à feuilles persistantes, les arbres à feuilles persistantes se penchent un peu plus sur le côté plus froid du vert. J'utilise Diopside Genuine comme vert de base et c'est vraiment un beau milieu de la route vert. Mais quand j'ajouterai mes ombres, je vais me mélanger cette fois dans mon bleu plus foncé, appelé bleu anthraquinone. Il lui donnera ce ton très profond et sombre. Pour l'arbre de droite, une fois de plus, j'utiliserai la pointe de mon pinceau pour créer ces branches épineuses. Dans ce cas, il s'agit d'une version très simplifiée des aiguilles de pin. Mes coups de pinceau ont tendance à commencer par le centre de l'arbre, puis devenir de plus en plus larges vers la base. Ici et là, je vais devoir ramasser plus de pigments, mais quand je fais cela, j'essaie de travailler rapidement pour que lorsque j'ajoute le nouveau coup de pinceau, il se fonde facilement dans l'ancien. Encore une fois, l'avantage du papier 100 % fibre de coton est qu' il vous donne un peu plus de temps pour jouer avec vos couleurs, pour jouer avec vos lavages et vos coups de pinceau. Il ne sèche pas immédiatement et il ne vous pose pas autant de problèmes avec les coups de pinceau visibles à la fin, bien que je mentionnerai que c'est aussi un choix de style. certaines personnes aiment vraiment voir des coups de pinceau individuels. Mais si vous aimez avoir ce style dégradé très doux, vous voudrez utiliser du papier 100% coton. Le papier pressé à froid est également un peu plus indulgent. papier pressé à chaud a tendance à montrer plus de coups de pinceau même s'il est 100 % coton. C'est juste quelque chose à garder à l'esprit lorsque vous achetez votre papier. Maintenant, qu'en est-il d'une scène avec beaucoup d' arbres qui se touchent ou se chevauchent ? C'est un genre de scène que je rencontre constamment en Écosse et j'adore peindre des champs bordés d'arbres. abord, je vais vous montrer comment je simplifierais cela en un amas d'arbres, puis je vous montrerai un peu plus de zoom sur ce que je ferais dans une scène où je peins le champ et les arbres qui bordent les bords du champ. Je vais commencer par les mêmes formes circulaires. Ici et là, je peux jeter un pin, qui, bien sûr, est plus en forme de cône, et je pourrais essayer de varier légèrement la forme comme les aplatir ou les écraser un peu. Mais le plus important, c'est qu'ils se chevauchent. Si faire une grosse grappe d'arbres est un peu intimidant, commencez par deux puis ajoutez-en un autre puis un autre. Commencez donc très petit, très simple, puis remontez vers un tas d'arbres qui se chevauchent. Apprenez aussi de mon erreur et donnez-vous un peu plus de place pour dessiner vos arbres. J'ai écrasé mes arbres au bord de ma page ici, mais c'est bon, ça a fini par s'arranger. Je trouve qu'il est beaucoup plus facile de dessiner les arbres de premier plan puis les arbres de fond, parce que vous savez où vous devez arrêter vos lignes, afin qu'elles ne coulent pas à travers les arbres de premier plan. Mais quand il s'agit de peindre, j'ai tendance à peindre d'abord mes arbres de fond. Je ne pense pas qu'il y ait une meilleure façon de le faire, je l'ai fait dans les deux sens, mais cela fonctionne mieux pour moi. C'est juste que j'aime savoir où seront mes arbres de fond avant de peindre dans mes arbres de premier plan. Cependant, vous constaterez peut-être qu'il est beaucoup plus facile de peindre d' abord vos arbres de premier plan. Je suggère d'essayer les deux et voir lequel fonctionne le mieux pour vous. Depuis que j'ai commencé avec mon pin, j'ai utilisé un peu plus une couleur verte plus fraîche, puis j'ai touché le ton d'ombre, qui était encore une fois mon ton bleu froid, et j'ai laissé ce saigner et couler dans le arrière-plan. Une chose à retenir est que l'aquarelle a tendance à sécher plus léger. Si vous mettez votre tonalité d' ombre et qu'elle finit par sécher très légère, elle peut toujours fonctionner dans votre scène. En fait, il est agréable d'avoir des éléments d' arrière-plan doux et fanés au loin. Cependant, si vous utilisez la valeur et le contraste à votre avantage, fait que cet arbre d'arrière-plan soit un peu plus sombre, sorte que l' arbre de premier plan apparaisse contre lui, vous devez en ajouter un peu plus. pigment. Vous devez être un peu plus courageux et vous assurer ajouter suffisamment de pigments lors de ce premier lavage. Bien sûr, vous pouvez toujours revenir et assombrir vos couches avec un autre lavage de couleur, mais personnellement j'aime tout faire en une seule fois. J'adore l' apparence de ce saignement doux sans revenir et gâcher avec elle. Si jamais je fais une erreur ou que je ne fais pas assez sombre les choses, je l'utilise simplement comme leçon apprise et je passe à autre chose. En parlant de passer à autre chose, j'utilise un pistolet thermique pour sécher cette première couche, sorte que lorsque je fais mes arbres de premier plan, la peinture ne saigne pas dans ces arbres de fond. Pour mes arbres de premier plan, je commence par un vert chaud et je vais peindre dans toute cette zone actuellement vierge. J'essaie de faire attention à ne pas chevaucher l'arbre d'arrière-plan, mais cela arrive juste parce que j'ai travaillé rapidement. Cela va donner un léger contour car lorsque ces couleurs se chevauchent et sèchent les unes sur les autres, elles assombrissent leurs valeurs, et c'est juste quelque chose qui arrive, donc si vous êtes inquiet à ce sujet, il faut être très prudent sur ces bords. Je voudrais également profiter de cette occasion pour discuter de mes leçons apprises. Dans cette scène, personnellement, je n'ai pas beaucoup de profondeur. Ce n'est pas grave pour un croquis rapide, et c'est quelque chose que je ferais pour prendre des notes de couleur lorsque je suis dehors ou simplement pour me donner une excuse pour peindre par beau temps, mais quand c'est le cas. vient au réalisme ou à la création d'une scène qui a beaucoup de profondeur , c'est un peu plat. Une chose que je pourrais faire pour résoudre ce problème est revenir avec plus de couches de peinture et d'accumuler un peu plus le contraste ou les couleurs profondes, juste pour séparer le premier plan de le fond un peu plus, et si je le faisais, j' utiliserais probablement un outremer ou un bleu très dilué, quel que soit le bleu que vous avez. Tout simplement parce que je pense personnellement que les ombres sont agréables quand elles ont un peu une teinte bleue. Mais quand vous commencez, il s'agit de prendre lentement. Si vous décidez de continuer à toucher la peinture dans votre tableau, faites-le petit à petit. Observez comment les choses sèchent et à quel point les objets sombres ou clairs sèchent, quantité d'eau que vous avez à chaque coup de pinceau. Ce sont les choses qui vont vous aider à progresser après chaque peinture. Une chose que j'ai faite pour séparer un peu plus le premier plan et l'arrière-plan, c'est d'ajouter un peu plus de saturation dans les arbres de premier plan, surtout dans les troncs d'arbres, ils sont beaucoup plus chauds. et plus lumineux et plus saturé. En parlant des leçons apprises, j'ai l'impression que c'est l'une des choses les plus importantes que vous puissiez faire lorsque vous grandissez en tant qu'artiste, c'est de finir une peinture et de prendre notes mentales ou même physiques. des notes sur ce que vous avez appris. Les avantages et les inconvénients de la peinture et de l'expérience, c'est quelque chose que je fais après la plupart de mes peintures. Revenons à ce tableau. Nous allons maintenant faire une version légèrement agrandie de cette scène, afin que vous puissiez voir comment j'aborderais un paysage simplifié où j' ai un champ avec beaucoup d'arbres, et quand je disons simplifié, je veux dire vraiment simplifié. Beaucoup de fois, lorsque je suis à l'extérieur de la peinture, et je l'ai déjà dit plusieurs fois auparavant, j'ai quelques minutes. Je suis peut-être assis là pendant 5 à 10, 15 minutes, et avant de le savoir, la lumière a changé. Si je veux peindre un champ ensoleillé, je travaille rapidement. Si je finis avec plus de temps et que je peux faire une autre peinture, alors c'est génial. Mais parfois, je n'ai pas cette chance. Il y a deux choses sur lesquelles je me concentrerais sur cette scène. L'un serait de simplifier nombre de champs que j'ai et ce à quoi ressemblent les arbres. Pour la plupart, je regrouperais beaucoup d'arbres, mais ils sont tellement éloignés qu'il n'y a aucun moyen que je leur ajoute autant de détails. D'une certaine manière, ils deviennent presque de petits blobs. Quand je le dessine, on dirait petits cailloux assis sur une colline. Dans le tableau, je peux lui donner un peu plus de contexte en peignant dans le ciel. Avec un bleu outremer très dilué, je vais balayer de longs coups de pinceau horizontaux, mais m'assurer de peindre autour des formes d'arbre. C'est principalement pour que je puisse peindre quelques reflets sur ces bords d'arbres, si je le veux, et ne pas m'inquiéter du vitrage de peinture sur la couleur bleue. Je vais également balayer une variété de légumes verts chauds et frais sur les champs eux-mêmes, et généralement j'utilise un vert chaud pour un champ, puis un vert frais pour le champ à côté insister sur le fait qu'il s'agit de champs distincts. C'est une chose très courante ici, en Écosse. Vous voyez ces champs vert vif à côté de champs vert foncé. Ensuite, j'attendrai que ça sèche. Ensuite, avec un pinceau beaucoup plus petit, je vais commencer à poser dans les grappes d'arbres. Je peux soit utiliser un vert plus foncé, puis y ajouter un peu de vert chaud, soit je peux commencer par un vert plus clair, puis y ajouter un peu de vert frais. Mes coups de pinceau sont rapides et très lâches. J'essaie de ne pas trop penser à quoi que ce soit, j'essaie juste de le garder très organique. Si vous voulez aller vraiment en détail, vous pouvez même peindre dans de petits troncs d'arbres, et parfois j'ajouterai longues ombres balayantes ou même des moutons. Cela dépend totalement de la façon dont je vais aller. Mais j'espère que vous avez maintenant l'idée que vous pouvez commencer par vous avez maintenant l'idée que vous pouvez commencer ces formes très simplifiées et augmenter lentement la profondeur. Juste pour vous donner plus d' idées ou d'inspiration, voici quelques-unes de mes peintures de cartes postales que j'ai faites dans le passé où j'ai mis l'accent sur ces grappes d'arbres sur les bords des champs, parfois un peu plus détaillés et certains sont presque abstraits. 16. Démo 3.5 : aquarelle à l'air plein air: [MUSIQUE] Vos compétences et votre patience seront certainement testées une fois que vous commencerez à peindre à l'extérieur. Je le fais personnellement parce que j'aime la nature. J'adore être plongé dans ces beaux endroits sauvages, et pour moi, c'est un moyen de se connecter plus profondément à la terre. Mais je dois admettre que j'ai beaucoup de mal quand je peins dehors. La principale raison pour laquelle il est plus difficile de peindre de la vie à l'extérieur est, tout d'abord, que les éléments changent constamment. La lumière changera au cours de la même séance, sorte que le soleil se cache derrière quelques nuages ou il commencera à pleuvoir. Vous avez du vent et tout ce mouvement qui se déroule autour de vous, et vous devez également transformer ce qui se trouve devant vous, qui est 3D, en une peinture 2D sur papier. Vous fixez devant vous ces objets 3D et vous devez d' une manière ou l'aplatir et distiller tous les détails et toutes les informations sur les couleurs. Faites un choix sur la façon de mélanger cette couleur et de la mettre sur le papier. Mais cela dit, parlons de quelques stratégies de réussite. Commencer par quelques esquisses de lignes, quelques esquisses de valeur, jouer avec différentes compositions et simplement se familiariser avec votre emplacement d'abord vous aideront vraiment. L'une des plus grandes difficultés que je trouve est que la lumière est en train de changer. Quand je suis arrivé ici pour la première fois, il faisait beau et ensoleillé. Pendant la séance de peinture, le soleil s'est caché derrière quelques nuages pendant puis vers la fin, le soleil est revenu, sorte que les ombres et les couleurs que je voyais changeaient constamment. Mon plus grand conseil, peu importe où vous peignez ou quel que soit le temps, est de décider dès le début si vous allez vous en tenir à ce que vous voyez quand vous arriverez là ou si vous allez le modifier à n'importe quel moment. S'il fait beau quand vous arrivez, faites un croquis très rapide qui représente les lumières lumineuses, les ombres, et tout le reste et tenez-vous à cela tout au long de la peinture quoi qu'il arrive. Prenez également quelques photos de référence de cet état de lumière. Parfois, je gagnerai du temps et saute un pas. Comme vous pouvez le voir ici, j'ai commencé par une peinture de pigment violet pur. Je l'utilise pour peindre une étude de valeur de ma scène, mais je ne suis pas devenue super sombre dans les zones sombres. C'était plutôt un moyen pour moi de bloquer les formes principales et de commencer à les formes principales et réfléchir à l'endroit où se trouveraient mes ombres. J'ai un peu d' ombre sur les rochers, un peu sur l'eau et les montagnes bien sûr. J'utilise aussi des coups de pinceau très minimaux et je ne suis pas très détaillé nulle part dans le tableau. Il s'agit plutôt de capturer le mouvement de l'eau, certaines des couleurs que je vois en personne, mais même là, je les exagère ou les modifie un peu. Lorsque je pense aux différents éléments de ma scène, j'ai essayé de les utiliser comme source d'inspiration pour les types de marques que je fais. Peut-être que les herbes et toutes les choses qui poussent autour de l'eau seront des zones très douces, et je laisserai les couleurs saigner naturellement ensemble. Les roches elles-mêmes seront un peu plus géométriques. Ils auront des bords plus durs, et pour la plupart, c'est là qu'un peu plus de mon ombre sera également. Mes zones les plus brillantes de la peinture seront les points forts de l'eau, et comme c'est une cascade et que je veux capturer cette sensation de mouvement, j'utiliserai des coups de pinceau directionnels rapides pour imiter le mouvement de l'eau. Mais avant cela, j'essaie juste de mettre une partie de la couleur roche. Cela va sécher et ensuite je reviendrai plus tard avec quelques couleurs d' ombre. Pour ajouter un peu plus de profondeur à mes montagnes, je vais utiliser une version très simplifiée des ombres et des reflets. Sur le côté droit de la montagne où il descend en cascade, j'ajoute un violet un peu plus foncé. Donc la même couleur, juste un peu plus de pigment, et je le balaie vers la gauche. Mais en haut et à gauche de ces sommets, je partirai tranquille. Cette sous-couleur se montrera un peu et imitera l'apparence d'un point culminant sur la montagne. La majorité des herbes la vallée sont plus terreuses, peut-être un peu plus chaudes comme le jaune orangé. J'ajoute un peu de cela à la couleur de base de la montagne alors qu'elle est mouillée pour qu'elle ait juste un saignement doux. Cela permettra à la montagne de se sentir plus ancrée et connectée au premier plan. Puisque je travaille mouillé et beaucoup de mes couleurs saignent ensemble, il y a un potentiel pour créer ce que les gens appellent des couleurs boueuses. Lorsque vos couleurs commencent à saigner et à se mélanger ensemble sur le papier et qu'elles finissent par se transformer en boue, comme un ton brunâtre ou gris, vous perdez une partie de cette couleur initiale, partie de l'éclat. C'est certainement une possibilité lorsque vous travaillez mouillé dans l'eau. Mais comme je connais mieux mon papier, je sais combien de pigment je peux ajouter, quelle quantité d'eau je peux ajouter, et je m' assure que tout ne se contente pas de saigner et de devenir une grosse goutte. C'est seulement à cause de cette expérience que je sais ce que je peux faire à mon journal. Au fil du temps, vous le découvrirez également avec vos papiers préférés. Jetons un coup d'œil à l'eau en mouvement. Si vous regardez exactement là où se trouve la cascade, vous pouvez voir que l'aquarelle est un peu verdâtre, parfois même un peu brunâtre. Ce n'est pas seulement bleu, il n'est pas noir, il n'est pas blanc pur. Il y a de la couleur ici. J'ajoute un peu de cette couleur à l' endroit où se trouvent les cascades de ma peinture. Comme je l'ai mentionné, j'aime modifier les couleurs, exagérer un peu les couleurs de mes œuvres d'art, donc j'utilise ici une palette de couleurs très stylisée. Mais si vous essayiez de peindre cela de façon plus réaliste, votre aquarelle se pencherait probablement davantage vers le bleu grisâtre. La couleur de l'eau est beaucoup plus discrète. Dans les zones d'eau en mouvement rapide, vous pouvez voir un peu plus de couleur, mais cette eau semble surtout un peu plus grise. Si jamais j'ai du mal à voir la vraie couleur ou les valeurs de ce qui se trouve devant moi, une petite astuce est de retenir un objet d'une couleur que vous savez pouvoir mélanger. Donc, soit blanc pur, noir ou même gris moyen, quel qu'il soit. Comparez ensuite ce qui se trouve devant vous à cet objet avec cette couleur. C'est comme si un interrupteur s' éteint et vous pouvez soudainement voir à cause de cette comparaison la couleur de cet objet. Mais je savais dès le début que je voulais utiliser un bleu très foncé comme couleur d'ombre, et j'utilise souvent le bleu, le violet foncé ou rouge brunâtre foncé comme ombres comme mes sombres sombres. Parce que pour moi, avoir une ombre colorée est tout simplement plus intéressant. Je vais appliquer cette couleur plus foncée le côté droit des rochers, donc sur le côté ombragé des rochers, et n'importe où sur l'eau qui n'est pas en mouvement rapide. Comme nous l'avons mentionné dans une leçon de composition, si vous voulez attirer l'attention du spectateur, contraste est un excellent outil. Si j'utilise cette couleur foncée directement à côté des zones lumineuses de l'eau en mouvement, cela attirera l'œil. Quand je mélange ma peinture, je le fais petit à petit. Je ne veux pas passer par-dessus bord avec le contraste car il est plus difficile de l'enlever, mais j'essaie de me rappeler que l'aquarelle va sécher un peu plus léger. heure actuelle, j'ai ajouté un peu de violet au côté ombragé de mes rochers juste pour leur donner un peu plus de séparation visuelle entre l'eau elle-même. La dernière étape consistera à assombrir certains buissons au bord de l'eau. Cela aidera à les séparer des montagnes au loin. 17. Démo 3.6 : forêt à la gouache: Les scènes forestières sont complexes. Ils peuvent être très intimidants car il se passe tellement de choses. Puisque je dessine et peint des tonnes de forêts, c'est un peu plus facile pour moi de nos jours. Cependant, je continue de me pousser à essayer de nouvelles scènes, nouveaux types de forêts et arbres et de compositions différentes, et je commence toujours de la même façon. J'utilise un crayon très léger pour commencer à cartographier mes principaux arbres. La plupart du temps, je finis par peindre sur mon dessin et changer beaucoup de choses avant la fin du tableau. Mais ça me fait au moins commencer. Lorsqu'il s'agit d'utiliser l' aquarelle et la gouache de manière interchangeable, nous n'avons pas trop à nous soucier de préserver nos points forts. Une fois mes arbres généraux et tout mappé, je peux commencer par le calque d' arrière-plan. Parfois, je vais peindre une couleur sur l'ensemble, donc j'ai une belle sous-couche, ou je vais faire quelque chose comme ça où je commence tout juste à peindre les zones les plus lumineuses. Dans ce cas, j' ai une lumière vive qui traverse la forêt, et j'utilise un vert jaunâtre vif comme couleur brillante. Puis, quand il sera encore humide, je commencerai à peindre plus de choses ombragées. C'est une façon d'expérimenter le placement de mes principaux points forts et ombres, car tout cela peut être modifié ou caché si nécessaire. Je voulais vraiment montrer ce tableau en particulier parce qu'il montre quel point il est sauvage et désordonné dès le début. Cela montre que vous pouvez être plus spontané dans vos tableaux. Je vais l'accélérer un peu pour que vous puissiez voir à quel point c'est désordonné. Ensuite, je suis prêt pour ma première couche de courge. J'utilise du blanc, du jaune citron, du bois brûlé, du magenta quinacridone et du bleu de Prusse. Palette très limitée, mais je vais pouvoir mélanger tout ce dont j'ai besoin avec ces couleurs. Comment allez-vous passer de cela à cela ? Parlons-en lentement. Tout d'abord, je n'avais pas une vision très claire de la façon dont ce tableau allait se produire lorsque je me suis assis pour le peindre. Je n'ai eu qu'une seule idée. J'ai eu l'idée de peindre un sentier qui va d' une partie ensoleillée de la forêt à une partie plus sombre et effrayante de la forêt. Pour y parvenir, j'utiliserais des légumes verts chauds plutôt que des légumes verts frais. Sur le côté gauche où le soleil coule à travers la forêt, j'ai utilisé beaucoup plus de jaune. Sur le côté droit, qui est beaucoup plus sombre et plus effrayant, j'ai utilisé beaucoup plus de bleu. Si vous repensez à la leçon sur mélange des couleurs et la théorie des couleurs, j'ai parlé un peu façon dont si vous utilisez une palette limitée, vous avez beaucoup plus de contrôle. C'est un exemple parfait car j'utilise trois couleurs primaires pour mélanger la plupart des couleurs que vous voyez ici. Ces trois couleurs apparaîtront au moins quelque part dans chaque partie du tableau. Même si je passe d'une lumière ensoleillée à une lumière sombre et effrayante, ça n'a pas d'importance. L'atmosphère générale du tableau restera liée. Je possède beaucoup de jaunes, de bleus et de rouges différents. Si j'avais utilisé beaucoup de différentes pour mélanger ces couleurs, l'ensemble du tableau pourrait rapidement devenir déjoint, et je perdrais une partie de cette harmonie. Parlons de stratégie. Puisque j'avais déjà fait mon petit croquis et que je savais où se trouveraient la plupart de mes grands arbres et le sentier lui-même, il ne s'agissait que de poser certaines des couleurs de base de ces grands arbres. éléments. Quand je commence à peindre, vous verrez que je bloque la couleur de fond comme un gros gâchis vert. Même si la gouache est opaque et que je n'ai pas besoin de peindre autour un seul élément comme un tronc d'arbre, je le fais quand même parce que j'ai tendance à utiliser ma gouache très diluée au début. La première ou les deux premières couches seront édulcorées de gouache, puis au fur et à mesure que je construirai la profondeur de la scène, j'utiliserai moins d'eau et plus d'une couche de gouache épaisse. Je me concentre davantage sur le fait d'ajouter la variété à cette zone d'arrière-plan. Je vais faire une variété de marques. Qu'ils imitent des troncs d'arbres feuilles, des herbes ou des rochers, il y aura beaucoup de fines couches les unes sur les autres. Mon expérience générale avec la gouache est que lorsque vous commencez par une couche épaisse, il est beaucoup plus difficile de poser plus de gouache dessus. Contrairement aux autres supports de peinture, gouache n'est pas permanente. Même en 10 ans, si vous laissez tomber de l'eau sur un tableau à la gouache, vous pouvez réactiver la peinture et déplacer ou la fondre dedans, et c'est en fait quelque chose que j'adore . capacité à s' y fondre autant que je le veux, même s'il me faut des jours pour réaliser une seule peinture. Mais les pigments eux-mêmes peuvent se tacher. Si vous l'utilisez plus édulcoré pour les deux premières couches, en substance, vous teignez votre papier, il est donc un peu plus difficile de déplacer les choses. Par conséquent, j'aime utiliser des lavages plus fins pour mes sous-couches afin qu'elles soient un peu plus permanentes, et je peux facilement y ajouter de la gouache plus épaisse et plus épaisse. Pour l'instant, je peins autour de mes arbres, mais vous verrez plus tard que j'y ajoute beaucoup plus d'obscurité, de tons ombragés et de profondeur. C'est aussi un moyen d'éviter faire des couleurs boueuses là où je n'en veux pas. Le vert et le rouge sont des couleurs complémentaires. Ils sont opposés l'un de l' autre sur la roue chromatique. Cela signifie que si je les mélange ensemble, je finirai avec du brun ou même un gris selon les pigments eux-mêmes. Ici, dans cette scène forestière, si je peignais un bloc solide de vert comme couche d'arrière-plan et que je ne laissais pas ces espaces vides pour les troncs d'arbres, plus tard quand je reviens avec mes tons brunâtres, qui penchent un peu plus vers le rouge, j' ajouterai essentiellement du rouge sur le vert. Parce qu'avec la nature de la gouache, elle va se fondre en elle-même, ces couleurs complémentaires vont se mélanger, et je pourrais finir avec des couleurs que je ne veux vraiment pas. Mon style de coup de pinceau est, eh bien, ce que j'appellerais gros. C'est un style que j'adore. Les coups de pinceau épais signifient que je ne me concentre pas sur la peinture de chaque feuille ou de chaque forme que je vois, j'utilise des marques audacieuses pour représenter les choses dans leur ensemble. Un seul coup de pinceau ou quelques coups de pinceau ensemble représentera un buisson ou le feuillage d'un arbre. Cela implique une certaine foi. Vous devez faire confiance au processus, sachant par expérience que lorsque vous commencez à superposer tous ces différents éléments, ce sera une scène forestière très intéressante. Maintenant que j'ai un peu plus de choses à faire, je peux commencer à penser à ces arbres. Je vais commencer par des versions très douces de mon brun, ma couleur locale. C'est un ton brunâtre grisâtre. Il y a d'autres choses qui se produisent également, comme les roches et le sentier, commencer par la couleur de base des roches comme un ton bleu très grisâtre. Sachant que plus tard, je reviendrai et je leur ajouterai des textures mousseuses. Lorsque je peins les ombres sur les troncs de mon arbre, je pense à ce qui ferait ressortir encore plus la lumière dans cette zone. Qu'est-ce qui renforcerait ce contraste pour attirer l'attention là-bas ? En mélangeant un peu de mon bleu prussien avec mon brun et même un peu de rose, je peux créer un ton profond et frais. Lorsque j'utilise une couleur de surbrillance plus chaude, elle se démarquera encore plus. je vais sombre avec mes ombres, Plus je vais sombre avec mes ombres, plus les reflets apparaîtront brillants. Pour imiter l'effet de lumière tamisée que nous trouvons souvent dans la forêt, j'utilise un ton chaud et neutre et je le dépoussiére la surface de l' écorce sur certaines zones. Pas sur le tout, juste en parsemant ici et là. Pour peindre dans certaines ombres sur les arbres et les rochers, j'utilise une version cool des couleurs que j'ai déjà utilisées. Un vert frais pour les ombres sur le sol et un gris bleuté frais pour les ombres sur les rochers. Peut-être même un peu de violet. Je fais la même chose sur le sentier parce que le matériau de la voie est très différent de celui de l'herbe. C'est comme une meute sur Terre. Afin de faire cette séparation visuelle en utilisant des couleurs légèrement différentes, cela aidera vraiment. Vous pouvez voir que je dépousse très légèrement la couleur de l' autre côté du sentier. C'est un ordre de lui donner un effet pinceau très cassé ou un aspect rugueux par rapport à certains des éléments logiciels qui l'entourent. Comme je l'ai mentionné précédemment, si je veux que mes points forts se démarquent, je dois les mettre à côté d'un ton sombre. Ajouter une ombre plus foncée aux troncs de mon arbre sur le côté qui se trouve loin de la source lumineuse va vraiment faire apparaître la section surlignée. Je ferai la même chose pour certains éléments de premier plan comme les rochers qui sont plus proches du spectateur et certains rochers du côté du sentier. Mais ici, je commence par une couleur de base neutre gris très noirâtre, puis je reviendrai en plus de cela avec des mousses vertes et d'autres cultivateurs. Le côté gauche n'est pas encore terminé, mais je vais commencer à travailler du côté droit afin d'avoir une image plus complète de mon état actuel de progrès. Je vais commencer par ajouter un peu plus bleu foncé à cette zone d' arrière-plan. Je construirai la profondeur avec plus de troncs d'arbres et d'autres choses devant ça plus tard. Plutôt que de me mélanger dans une couleur foncée ou noire dans ma couleur pour la rendre plus foncée, j'utilise une version diluée de mon bleu de Prusse. Cela signifie que mes tons ombragés seront toujours très colorés et vibrants, au lieu d'être plus désaturés si j'avais utilisé du noir. Un petit conseil que j'ai au sujet de la couleur dans les sentiers forestiers est que souvent si le sentier est plutôt un matériau de terre ou de la terre, aiguilles de pin, tout ce genre de choses, il n'est pas seulement une voie verte. Si vous avez cette couleur de base d'un ton brunâtre, l'utilisation d'un ton violet comme ombre vous fera vraiment sentir vivante. Cela le rendra plus lumineux. Oui, c'est une ombre, mais elle a encore beaucoup de couleurs dans la vie et si vous allez étudier ces couleurs en personne, vous constaterez que ces ombres sont souvent pourpre bleuâtre. C'est l'heure d'une pause-café. Voyons où nous en sommes. Jusqu'à présent, nous avons commencé beaucoup d' ombres et de points forts, mais nous pouvons encore beaucoup faire avec les détails et pousser le contraste partout où nous voulons nous concentrer. Sur le côté droit, qui va être plus ombragé, je peux vraiment aider à faire sortir ces arbres de l'ombre en assombrissant l'arrière-plan. En faisant cela d'une manière où je peins réellement le feuillage, les cultivateurs qui se trouvent derrière ces arbres, plutôt que de simples marques solides, plutôt que de simples marques solides aideront vraiment à faire en sorte qu'il se sente plus comme une forêt pleine, une forêt très luxuriante. Encore une fois, j'utilise toujours ce style de gros coups de pinceau. Mon pinceau se déplace assez rapidement sur le papier, mais c'est principalement pour éviter de faire des marques répétitives. chose avec lequel j'ai du mal, c'est de rendre les choses trop uniformes, et c'est ce que je veux vraiment éviter dans une scène forestière, surtout si elle veut se sentir très sauvage et envahie. Une stratégie pour rendre la forêt plus luxuriante et plus pleine consiste à utiliser des variations de la même couleur, peut-être un vert ou un bleu pour superposer de nombreux arbres qui se chevauchent. Qu'il s'agisse de plantes ou d'arbres, il suffit de superposer lentement ces différents éléments. Il faut beaucoup de patients. J'admets que j'ai abandonné une grande peinture forestière après avoir été tellement agacée par le temps que ça prenait, j'ai besoin de pratiquer mes propres patients. Mais quand je le fais, j' adore toujours les résultats. Une stratégie rapide pour peindre des plantes différentes consiste à commencer par une tige centrale ou une tige centrale, puis à l'aide d'un pinceau plat, il suffit de faire des petites marques qui représentent les feuilles de fougère qui viennent. hors de cette tige centrale. Les superposer l'une sur l' autre aidera vraiment à remplir une zone de votre peinture et à la rendre très luxuriante. Je vais m'efforcer de me concentrer à nouveau vers le chemin. Pour ce faire, j' ajoute une ombre aux côtés de mes rochers situés près du sentier. Oui, votre vue va s' écouler à travers le tableau. Mais là où vous avez ce contraste élevé, cela va certainement attirer l'attention. Cet équilibre constant d' ombres sombres et de reflets lumineux est quelque chose que j' adore dans une scène forestière. En travaillant petit à petit, je peux saupoudrer un peu de texture de pinceau sec sur mes troncs d'arbres et mes rochers d'une couleur vert vif et lui donner cet éclat de lumière. Si vous repensez à la leçon de théorie des couleurs lorsque j'ai parlé de lumière rebondie, c'est particulièrement amusant à utiliser dans une scène forestière. Si le côté droit de ma peinture est plus ombragé et a beaucoup plus de tons bleus, cela va projeter ou faire rebondir lumière vers l'autre côté du tableau. Épousseter un ton bleuté sur le côté ombragé de mes arbres vifs va aider à rendre cet équilibre entre chaud et frais et cela donne mes ombres l'impression qu'elles ont beaucoup de couleur et de vie pour elles. L'une des dernières touches que je fais pour mes arbres est avec un pinceau de détail très minuscule, je fais de longues lignes sinueuses avec un reflet ou une couleur d'ombre. Cela ne fait que briser certains des plus gros morceaux de couleur et ajoute un peu plus de profondeur à l'écorce. Alors que j'approchais de la fin de ce tableau, j'ai senti que le chemin n'était pas assez remarquable, alors j'ai décidé d'y ajouter un peu plus de tons rose-rouge. Je l'ai mélangé, mais j'utilise aussi une texture de pinceau sèche. Le vert et le rouge sont des couleurs complémentaires. Chaque fois qu'ils apparaissent l'un à côté de l'autre, ils se sentent un peu plus vibrants. Le chemin s'est naturellement démarqué après que je l'ai fait. Mais vous vous souvenez de l'idée du changement de dessin Eh bien, si j'accélère un peu le tableau, regardez à quel point le chemin devient sombre une fois qu'il sèche. Comparez cela à cela. Vous pouvez le voir tout au long de la peinture que cela va se produire. C'est pourquoi j'aime aller lentement et construire mes couches petit à petit. 18. Projet de 4 cours: [MUSIQUE] Ce cours de fondation a couvert une grande variété de sujets. Je sais que lorsque vous commencez, tout cela peut être très intimidant. En tant que projet de classe, je veux vous encourager à commencer très simplement. La première chose à faire est de commencer votre propre carnet de croquis nature. Considérez-le comme votre nouveau meilleur ami. Emmenez-le partout avec vous. Décorez la couverture, écrivez des citations inspirantes à l'intérieur, faites tout ce que vous devez faire. Mais surtout, essayez de mettre de côté quelques heures par semaine pour vous entraîner. J'ai fait cette feuille de triche pour les devoirs pour que vous puissiez suivre les étapes que je vous ai montrées dans ce cours pour développer votre compréhension du paysage et prendre autant de temps que nécessaire pour chacun de ces éléments. sujets. Il est en fait assez courant dans une école d'art de consacrer plusieurs semaines à chacun de ces sujets fondamentaux. Mais plus tôt vous développerez cet amour pour l'apprentissage et l' expérimentation et que vous commencerez vraiment à observer le monde qui vous entoure, plus votre voyage tout au long de votre vie sera agréable. Au sein du gars aux devoirs, il y a beaucoup de suggestions pour aller de l'avant, ainsi que des modèles que vous pouvez utiliser pour commencer. N'oubliez pas que j'ai des tonnes de vidéos sur YouTube que vous pouvez regarder gratuitement. Tout sur mon aventure de planificateur, comment j'aime dessiner la nature et partager certains des hauts et des bas en cours de route. Si vous décidez de partager vos devoirs ou simplement vos futurs croquis, j'aimerais bien les voir. Assurez-vous donc d'utiliser mon hashtag, SARAHBURNSTUTOR, car je le vérifie fréquemment sur les réseaux sociaux et cela illumine vraiment ma journée. Si vous avez apprécié le cours et que vous avez appris quelque chose, j' apprécierais vraiment que vous preniez un moment pour laisser un commentaire également. Je vais également ajouter quelques liens dans la description de mes autres cours de paysage. Mais mon espoir le plus profond est que vous sortiez et que vous aimiez dessiner la nature et n' oubliez pas de profiter du voyage. [MUSIQUE]