Mixage de musique pour les auteurs-compositeurs - du débutant au producteur

1. Intro: Si vous pensiez que le processus créatif de production d'une chanson s'arrête une fois que chaque morceau a été enregistré, vous vous trompez complètement. Le mixage est l'un des processus les plus amusants, créatifs et essentiels qu'un producteur puisse apprendre. Il s'agit de découper et de mouler un morceau pour lui donner la forme de votre signature sonore. Avec quelques effets simples, je peux faire passer un enregistrement d'un son faible , dur et désordonné à un son net, plein et professionnel. Dans ce cours, vous allez apprendre à faire exactement cela. Salut les amis, comment ça va ? J'espère que tu passes une bonne journée. Bienvenue dans mon guide pour débutants sur le mixage de musique. Je m'appelle Mike. Je suis musicien à plein temps et professeur de musique au Royaume-Uni. Je joue, j'écris et je produis de la musique depuis 13 ans, et je codirige également une association musicale primée à plusieurs reprises appelée TIME. Nous organisons des sessions de musique et des ateliers pour des personnes de tous âges, de toutes capacités et de tous horizons. Je suis également l'un des meilleurs professeurs sur Skillshare, et j'ai eu beaucoup de plaisir à donner des cours ici ces dernières années. Dans ce cours, je vais vous apprendre tout ce que vous devez savoir sur le mixage de musique pour créer des morceaux aux sonorités incroyables. Ce cours sera adapté aux débutants, donc même si vous êtes totalement novice en matière de mixage, vous feriez mieux de suivre et de vous débrouiller. Nous allons commencer par une préparation simple pour que les choses soient propres et faciles à utiliser. Nous allons ensuite en apprendre davantage sur la mise en scène des gains et l' équilibrage du volume pour nous assurer que tout est clair et équilibré. Je vais vous apprendre à utiliser la compression pour que chaque morceau soit percutant et sûr. Nous passerons ensuite à l'apprentissage de l'égalisation pour courber, façonner et nettoyer nos enregistrements. Nous allons décomposer le panoramique, la réverbération et le delay pour créer un espace 3D dans lequel notre chanson pourra exister. Je vais également vous apprendre à gérer ces effets grâce l'automatisation et aux bus pour donner une véritable qualité professionnelle au mixage. Enfin, nous allons nous plonger dans le monde des effets créatifs tels que la distorsion, les excitateurs et les chorus pour ajouter de l'éclat et de l'intérêt à notre morceau. Tout au long du cours, je mixerai moi-même une chanson afin que vous puissiez voir exactement comment nous intégrons chacun de ces sujets dans un mix. La seule chose dont vous aurez besoin pour ce cours est une compréhension de base d' une station de travail audio. Je vais utiliser la logique aujourd'hui, mais je me suis assuré que cette classe est appropriée, quel que soit le DAW que vous utilisez. Le mixage peut sembler un sujet très intimidant et déroutant Mon objectif pour ce cours est donc de vraiment décomposer chaque sujet en petits morceaux, et de faire en sorte qu'il soit le plus simple possible pour quiconque d'acquérir et d'apprendre les bases. J'ai vraiment hâte de créer des médias musicaux, j'espère vous voir en classe. 2. Projet du cours: Salut les amis, comment ça va ? Merci beaucoup de m'avoir rejoint ici pour mon cours de mixage. J'espère vraiment que cela vous sera utile et que vous repartirez avec de très bonnes informations sur le mixage de votre propre musique. Avant de passer au mixage, je voudrais très rapidement parler de notre projet de classe. À la fin de ce cours, vous allez apprendre une tonne de trucs intéressants sur le mixage, que vous pourrez appliquer à vos propres chansons et enregistrements, et j'adorerais savoir ce que vous allez trouver. Tout ce que vous implémentez à partir de cette classe dans votre propre travail, n' hésitez pas à l'envoyer dans notre projet de classe. Ce sera un espace d'apprentissage sûr où nous pourrons tous publier nos chansons ou nos petites idées, et cela peut être n'importe quoi, qu'il s'agisse d'une chanson mixée entièrement produite avec environ 100 titres, tous publier nos chansons ou nos petites idées, et cela peut être n'importe quoi, qu'il s'agisse d'une chanson mixée entièrement produite avec environ 100 titres, ou d'un son de réverbération vraiment agréable que vous avez créé pour une guitare. d'un son de réverbération vraiment agréable que vous avez créé pour une guitare. Tout ce qui se trouve dans cette stratosphère, n' hésitez pas à le publier dans ce projet de classe, et pourtant, si un auteur-compositeur et un producteur sympas peuvent en parler. Je répondrai à chaque projet envoyé, donc si vous avez besoin d'aide ou si vous souhaitez obtenir des conseils, n' hésitez pas à me le faire savoir. Tout ce que vous avez à faire est de télécharger votre son ou votre piste sur un site comme YouTube ou SoundCloud. Vous pouvez également créer un lien privé si vous le souhaitez , au cas où vous ne voudriez pas que quelqu'un d'autre l'entende, puis publiez simplement ce lien dans le projet de classe, parlez-moi un peu de votre chanson ou de ce sur quoi vous aimeriez faire part de vos commentaires, et je vous répondrai dès que possible. S'il vous plaît, n'ayez pas peur d'y publier. que musicien ou artiste, c'est très important En tant que musicien ou artiste, c'est très important de recueillir commentaires et de discuter avec d'autres artistes et producteurs de ce que vous créez. Cela signifie que vous progressez beaucoup plus rapidement et que vous apprenez beaucoup de choses intéressantes. N'hésitez pas à y poster, et je suis vraiment impatiente de savoir ce que vous allez proposer. 3. Mix enseignements importants: Avant de nous plonger dans les détails du mixage et d'autres choses, je dois simplement passer en revue quelques leçons très importantes qui seront essentielles pour vraiment comprendre et tirer le meilleur parti de ce cours. La première leçon est de bien l' enregistrer. Nous pouvons faire une tonne de trucs sympas pendant le mixage pour améliorer le son et la qualité d'un enregistrement. Mais il est indéniable qu'enregistrer un son dès le départ sera vital pour vraiment tirer le meilleur parti de ce son. Supposons que pendant que vous enregistrez vous écoutez certaines choses en retour, et que la pièce sonne un peu bizarre ou qu'il y un bourdonnement étrange, ou peut-être que vous n'avez tout simplement pas obtenu la prise que vous recherchiez. Honnêtement, passez le plus de temps possible dans cette phase d'enregistrement obtenir le meilleur enregistrement possible. Deuxième leçon : écoutez ce cours avec une bonne paire d'écouteurs ou des haut-parleurs semi-décents si possible. La plupart des exemples que j'ai donnés avec E Queuing sur la compression seront si difficiles à entendre depuis un haut-parleur de téléphone ou un haut-parleur d'iPad. Pour en tirer le meilleur parti, je recommande vivement de porter des écouteurs. Leçon numéro 3, 1 % à la fois. La plupart des exemples que nous allons examiner ne seront pas nécessairement révolutionnaires lorsque nous commencerons à les modifier. Mais mon état d'esprit derrière le mixage est que nous ne faisons qu'une différence de 1 % à la fois. Si nous passons suffisamment de temps sur une piste, nous gagnons un peu 1 % ici, un peu 1 % là-bas. En quelques heures, nous en aurons assez de ces petits ajustements, ces petits pourcentages, et cela fera une énorme différence. La prochaine leçon, si vous le pouvez, me suivre sera beaucoup plus facile que simplement regarder ce cours et d'essayer vous souvenir et de reproduire certaines choses plus tard. Si vous pouvez prendre un morceau ou un enregistrement, et pendant que je parle de mise en file d'attente électronique ou quelque chose comme ça, si vous pouvez vous amuser avec tout cela en même temps, vous absorberez tout cela bien plus rapidement que si vous regardiez simplement les vidéos. S'il s'agit d'une chanson qui vous tient à cœur, enregistrez-en une copie pour vous amuser complètement et faire des expériences, et vous pourrez toujours revenir à votre chanson par défaut si vous vous perdez un peu. La prochaine leçon sera la ayez une intention derrière tout ce que vous faites. Ce que nous allons faire dans ce cours, c'est vraiment apprendre à quoi sert chaque technique de mixage. Ce que je veux vraiment, c'est que tu te demandes , quand tu t' apprêtes à te lancer dans un mix, qu'est-ce que je veux y changer ? Par exemple, si vous mixez une guitare, plutôt que de simplement y appliquer de nombreux effets simplement parce que vous pensez que vous devriez le faire, écoutez-la très attentivement et réfléchissez à écoutez-la très attentivement et réfléchissez à la question de savoir comment améliorer ce son. De quels outils ai-je à ma disposition pour l'influencer comme je le souhaite ? Le mixage consiste à écouter un morceau de musique, à identifier ce qui doit être modifié pour obtenir un meilleur résultat, puis à utiliser les outils appropriés pour les modifier. Pour me contredire, la leçon suivante est qu'il existe pas vraiment de bonne façon de mélanger. C'est un processus très créatif, tout comme l'écriture d'une chanson. Je me souviens que lorsque j'ai appris à mixer pour la première fois, j'étais très frustrée par les professeurs parce que je voulais juste savoir quels réglages de compresseur dois-je régler sur ma batterie ou quelle réverbération dois-je appliquer à ma guitare, mais ce n'est tout simplement pas ainsi que les choses fonctionnent. Je dis que c'est comme un processus artistique et créatif en soi. façon dont un compresseur fonctionne sur une batterie sera complètement différente de celle d'une autre, et cela dépend beaucoup du type de chanson que vous recherchez. Nous savons que si vous créez une piste de voix et de guitare, la façon dont vous compressez et mixez cette piste sera très différente de celle d' un groupe de 10 musiciens. Encore une fois, il s'agit de vraiment savoir à quoi servent tous ces outils. Comme nous l'avons dit plus tôt, analyser ce qui doit changer et le changer. Mais je sais que ça peut être un peu effrayant de penser, oh, je n'ai pas de limites ni de choses auxquelles m'accrocher vraiment. Mais je pense que c'est là qu'on peut devenir vraiment bizarre et expérimenter. Comme je l'ai dit, il n'y a pas de bonne façon de mixer. Souvent, les morceaux les plus cool viennent de ceux qui repoussent vraiment les limites et qui ne respectent pas les règles et tout le reste. Par exemple, l'un de mes albums préférés de tous les temps, For Emma, Forever Ago de Bon Iver a été enregistré dans une cabane en bois. Aucune installation sonore, aucun studio approprié, un micro assez bon marché et une porte très, très basique. L'album est plein de bourdonnements étranges, de craquements et de bruits ambiants, et cela irait totalement à l'encontre d'une méthode très professionnelle d'enregistrement d'un morceau. Mais je l'adore, et c'est toute cette bizarrerie qui lui donne du caractère. Une fois que vous savez comment utiliser les outils, utilisez-les de la manière qui vous convient le mieux. Je vais vous donner quelques paramètres très basiques à utiliser. Mais comme je l'ai dit, faites des expériences. Vous voulez vraiment savoir quel producteur et quel ingénieur de mixage vous êtes personnellement, tout comme quel type d' auteur-compositeur vous êtes personnellement. Tout le monde aura des goûts différents en matière de musique et d'écriture de chansons, tout comme chacun aura des goûts différents en matière de mixage. Pour poursuivre sur cette lancée, je sais que cela peut sembler cliché, mais c'est en s'entraînant que l'on devient parfait. C'est assez difficile d' expliquer les sons avec des mots. Parfois, il n'y a tout simplement aucun moyen d'expliquer quelque chose verbalement sans vraiment entrer et essayer ces choses par vous-même. Comme pour toute autre chose, plus vous le ferez, plus vite vous serez en mesure reconnaître les fréquences qui ne vous conviennent pas ou les réglages de compresseur que vous préférez pour les voix. La seule façon de le découvrir est de pratiquer. Mon plus gros conseil pour couronner cette leçon est de faire en sorte que tout ce processus soit super amusant. Ne le prenez pas trop au sérieux, amusez-vous à vous balader dans les choses. Ne vous forcez pas à essayer de mixer tout de suite comme le meilleur ingénieur. Prenez le temps dont vous avez besoin pour vraiment comprendre chacun de ces outils, ce qu'ils font, quels sons ils créent. Amusez-vous, faites-le régulièrement et vous deviendrez un pro absolu en un rien de temps. Ça suffit, le yap run-on Passons maintenant au mix. Je te verrai dans la prochaine leçon. 4. La chanson que nous allons mélanger: Pour démontrer tous les éléments de mixage dont nous allons parler aujourd'hui. Je vais mixer une section d'une chanson sur laquelle j'ai travaillé avec des amis, donc pour vous donner une bonne idée du morceau que nous allons mixer aujourd'hui. Je vais juste y jouer jusqu'au bout. Nous allons juste mixer la partie centrale. Juste pour que ce ne soit pas si accablant. Juste pour que vous soyez au courant de la chanson que nous allons mixer. Je vais te le jouer maintenant. Ensuite, il commence à entrer dans une section légèrement différente. Mais c'est sur ce premier élément, l'argent, ce point intermédiaire sur lequel nous allons nous concentrer aujourd'hui. Maintenant, cela vaut la peine de dire que ce n'est pas du tout mixte. Si vous pouviez voir que les volumes sont omniprésents, de nombreux instruments peuvent même être entendus. En fait, quel est le meilleur moyen de jouer ça aussi, parce que c'est juste un peu le bordel. Mais j'espère que cela vous donnera un aperçu du genre de la chanson et de la direction que nous allons prendre. Entrons dans le vif du sujet et commençons à régler un peu ce bordel. Sherry, je te verrai dans la prochaine leçon. 5. Mélanger la préparation: Salut les amis, bon retour. Dans la prochaine leçon, nous allons parler de préparation mixte, ce qui peut sembler nul. Mais croyez-moi, cela rend l'ensemble du processus beaucoup moins fastidieux et, en général, permet de mixer et de rebondir sur le morceau beaucoup plus rapidement et plus facilement. J'aime toujours décomposer les choses en étapes pour les rendre aussi simples que possible. Numéro 1, cela peut sembler évident, mais choisissez vos meilleures prises. J'ai déjà fait la plupart de ces tâches parce que cela prend un peu de temps. Vous voulez juste passer en revue et sélectionner toutes vos meilleures performances. Il peut y avoir un couplet où la première section vocale vous a plu plus que la seconde. Ou vous pouvez couper chaque ligne vocale si vous voulez vraiment vous en sortir bien. Ensuite, la deuxième étape semble évidente, mais supprimez simplement tout ce dont vous n'avez pas besoin. Toutes les mauvaises prises, peut-être certaines idées que vous expérimentez et qui n'ont tout simplement pas tout à fait fonctionné, allez-y et supprimez-les. Ensuite, nous allons étiqueter correctement chaque piste. Il est très facile de tomber dans le piège de la guitare 1, de l' instrument 1 entrée audio 5 ou quoi que ce soit d'autre. Cela signifie que vous devez constamment vous rappeler quel morceau est quoi. Passez juste un peu de temps à tout parcourir et à donner à chaque chose son nom propre. Tout comme Factor, c'est bien, et Lead , guitare, harmonie, etc. Juste pour que tout soit vraiment clair et j'aime aussi changer l'icône. Encore une fois, c' est un endroit agréable, une façon agréable et facile de parcourir la piste. En toute logique, vous pouvez cliquer avec le bouton droit de la souris et sélectionner vos icônes à partir de là. Je vais juste passer une minute à le faire. Nous avons une idée beaucoup plus claire ce qu'est chaque morceau. Je suppose que c'est un peu comme [inaudible] ici avec toutes ces voix différentes. Mais ce que nous allons faire plus tard, c'est comme les empiler dans un dossier. Je n'ai pas l'impression d'avoir besoin de trop les étiqueter. Mais encore une fois, des choses comme les guitares, les voix principales et tout ce genre de choses sont bien étiquetées maintenant. Ensuite, organisez simplement les pistes dans un ordre qui vous convient le mieux. C'est différent pour tout le monde. Certaines personnes aiment le chant au sommet, d'autres aiment la batterie au sommet, puis la basse et la guitare et ils jouent comme ça. Regroupez-les simplement de la manière qui vous convient. Je viens juste de placer tous les instruments principaux vers le haut. Ensuite, toutes les voix se situent plus en bas. Mais pour les déplacer, vous pouvez simplement sélectionner ceux que vous souhaitez, puis les faire glisser de haut en bas. Ce serait assez similaire sur n'importe quel Doyle que vous utilisez. Vient ensuite le code couleur. Comme vous pouvez le voir ici, la plupart des pistes sont bleues, ce qui est bien. Mais ce que nous pouvons faire pour nous faciliter la tâche, c'est de les coder toutes par couleur. Ce sera un peu différent pour chaque Doyle. Vous devrez peut-être faire un peu de recherche sur Google par vous-même si vous voulez le faire. En ce qui concerne la logique, nous passons à Logic Pro, paramètres et à l'affichage. Ensuite, nous passons à Tracks. Ensuite, nous pouvons attribuer automatiquement une couleur 24 ou une couleur 96 selon ce que vous voulez. Et c'est ici que nous pouvons nous plonger dans d' autres paramètres afin de traiter chaque piste comme une couleur différente. Si vous le voyez, c'est que nous l'avons sélectionné. Ensuite, chacun va attribuer une couleur différente. Maintenant, si nous voulons regrouper tout cela d'une manière très simple, nous pouvons simplement les sélectionner tous, cliquer avec le bouton droit de la souris, puis accéder à la couleur de la bande son. Nous pouvons simplement les modifier tous par groupes. Toutes ces sessions vocales étranges nous le savons, sont toutes regroupées. Nous pouvons simplement parcourir la piste et la colorier comme bon nous semble. Ensuite, nous allons regrouper les instruments et créer des piles de pistes. C'est vraiment utile si vous avez une tonne de piles vocales sur lesquelles vous travaillez , comme ce morceau. Ou bien souvent, si vous enregistrez un kit de batterie dans lequel vous avez utilisé 10 micros différents, vous pouvez les regrouper , les traiter comme un seul fichier spécifique et les cacher afin de ne pas constamment faire défiler des tonnes et des tonnes de morceaux. Quand il s'agit de travailler uniquement sur la batterie et le chant, vous suffit de plonger dans ce dossier il vous suffit de plonger dans ce dossier et tout s'ouvre pour vous. Dans cet exemple, je vais utiliser cette étrange pile vocale. Ce sera un peu différent sur chaque Doyle, mais vous devriez pouvoir empiler dossiers, quel que soit le Doyle que vous utilisez. Dans Logic, nous voulons simplement sélectionner toutes les pistes. Nous voulons que les groupes se réunissent. Cliquez avec le bouton droit Ensuite, nous voulons passer à Create Track Stack. Cela va nous donner deux réglages différents. La pile de dossiers ne fera que les regrouper tous ensemble afin que nous puissions faire ressortir le dossier et le réduire à nouveau, ce qui est parfait pour l'organisation. Mais une pile de sommation nous permet essentiellement de créer des effets ou de régler le volume sur l'ensemble de la pile. C'est très utile sur des batteries similaires si vous voulez baisser le volume de la batterie dans son ensemble, plutôt que de baisser le son de chaque personne, nous pouvons tout faire en même temps. Si vous utilisez la logique, je vous recommande d'opter pour Summing Stack, si vous voulez ajuster quoi que ce soit. Nous pouvons voir ici que toutes ces voix ont été regroupées dans un seul morceau que nous pouvons ouvrir et travailler ou fermer, puis nous avons un aperçu légèrement plus net ces voix ont été regroupées dans un seul morceau que nous pouvons ouvrir et travailler ou fermer, de la chronologie. Nous pouvons également nommer cette pile, comme des piles vocales étranges. Alors oui, nous pouvons régler le volume sur ceci ou sur le gain ou importe où, et c'est beaucoup plus facile. Nous pourrions faire de même pour chacun d'entre eux. Je sais que ce ne seront que des harmonies de vers. Je peux créer une pile de pistes, des harmonies vocales en vers. Cela ne fait que réduire le nombre de choses que nous avons dû parcourir. Cela simplifie simplement les choses et cela me semble plus logique maintenant. Ensuite, nous allons supprimer le son vide. Dans de nombreux enregistrements comme celui-ci, par exemple, il s'agit de guitare acoustique. En fait, il n'y a aucun son jusqu'ici. Encore une fois, pour que chaque instrument entre et sort très clairement, j'aime supprimer tous les sons vides, sans rien faire pour le morceau. Si vous aimez un petit grondement bas de gamme ou quelque chose de bizarre, n'hésitez évidemment pas à le laisser de côté. Mais j'ai aimé, oui, supprimer autant de sons vides que possible. Cela peut être aussi simple que de réduire, d' attirer et de trouver où cela s'arrête. Il existe souvent un moyen plus simple de contourner ce problème. Si nous sélectionnons la piste, nous voulons éliminer le bruit. Ensuite, en termes de logique, nous passons aux fonctions et supprimons le silence de la région audio. Encore une fois, il y aura un peu différence sur chaque Doyle, mais ce devrait être quelque chose de similaire. Ensuite, nous voulons simplement ajuster le seuil afin de supprimer le silence. Maintenant, vous pouvez évidemment devenir vraiment comme ça. Cependant, je vous recommande d'être aussi lâche que possible, afin de ne pas supprimer la bonne résonance. À peu près, c'est bon, ça coupe à peu près le silence. Nous allons appuyer sur OK et vous pouvez y voir que c'est juste terminé avec ce silence [BRUIT] pour nous. Je vais simplement passer en revue et faire même pour chaque instrument qui contient ce silence ou nous pouvons utiliser le raccourci, la flèche et le x, deux solutions faciles pour accéder à cette question et les parcourir très rapidement et régler les problèmes. Je recommande de le faire un par un juste pour vous assurer de ne rien supprimer sur Wanted et que tout est vraiment précis. Encore une fois, cela me semble beaucoup plus clair maintenant. Maintenant, en plus de cela, nous pouvons créer des fondus croisés et, en général, et effacer des éléments. Par exemple, certaines choses peuvent apparaître un peu soudainement, comme cette guitare, comme cette guitare solo, par exemple , qui se coupe évidemment Au lieu de nous arrêter soudainement sur la logique, nous pouvons appuyer sur Shift Control, puis tracer une ligne et cela créera un fondu. Pour cela, par exemple, il faut ou même s'estompe un peu plus tôt pour s'arrêter là. Nous pouvons simplement le réduire, puis appuyer sur Shift and Control et tracer une ligne qui disparaîtra. Vous voyez que cette ligne va détruire et qu'elle va disparaître plus naturellement que de simples terminaisons soudaines. Nous pouvons passer en revue et faire la même chose à chacun d'entre eux si vous le souhaitez. N'ayez pas l'impression d' avoir besoin de tous les morceaux, mais n'importe lequel a un peu de découpage ou fait simplement apparaître un peu comme s'il s' agissait d'un morceau mais n'importe lequel a un peu de découpage ou fait simplement apparaître lorsque vous les ajoutez. C'est une guitare qui gratte, par exemple, on pourrait juste en faire un peu la rendre un peu plus agréable. Mais ce que nous pouvons également faire, c'est du crossfade. Si vous avez déjà deux prises et que vous essayez de les assembler et qu'il y a un étrange croisement, qu'il y a comme un pop ou que cela ne passe tout simplement pas d'un type à l' autre très naturellement, nous pouvons créer un fondu croisé avec exactement la même technique, donc Control Shift et nous pourrions simplement y mettre un petit fondu croisé et il en d'un type à l' autre très naturellement, nous pouvons créer un fondu croisé avec exactement la même technique, donc Control Shift et nous pourrions simplement y mettre un petit fondu croisé et il en faudra une et vers le bas pendant que les autres remontent. Ils vont très bien se rencontrer. Il suffit de donner un son très naturel. Pour nous faciliter encore plus les choses, vous pouvez souvent simplement appliquer un fondu croisé par défaut. Si vous accédez à la piste, vous souhaitez insérer vos fondus croisés dans les fonctions d'accès , puis appliquer le fondu croisé par défaut. Cela appliquera tous les fondus croisés là où ils sont nécessaires. Ensuite, nous pouvons créer des sections en haut de notre morceau, afin de pouvoir très facilement connaître le couplet, le refrain et les ponts. C'est une option très facultative, mais encore une fois, elle vous aide à rebondir et à accélérer les choses. Logiquement, nous voulions montrer les titres mondiaux ici, puis vous pouvez voir ce marqueur d'arrangement afin que nous puissions toucher plus et vous pouvez dire que cela ajoute un marché pour une intro pour nous afin de savoir que l'intro s'arrête là. Nous pouvons simplement l'étirer , puis appuyer à nouveau sur Plus et ce sera par défaut un couplet. Nous pouvons simplement continuer comme ça et les renommer pour les adapter à n'importe quel costume. C'est comme une section de vers à écouter pour moi. Nous continuons comme ça et cela permet de rebondir très facilement sur la piste. Si vous le souhaitez, vous pouvez également vous en débarrasser. Nous pouvons donc cliquer avec le bouton droit de la souris et supprimer le tempo. Le marqueur de signature supprimera également cela afin que nous puissions simplement avoir les sections de somme en haut. Maintenant, en regardant cette piste telle qu'elle est, je trouve que c'est beaucoup plus clair que ce que nous étions au début. Ce sera juste beaucoup plus amusant et accessible d'y aller maintenant et peaufiner les choses plutôt que de simplement se battre entre des noms de morceaux vraiment confus et des trucs comme ça. Tout cela semble très beau , mais il y a encore une étape que j'aime faire lorsque je prépare un mix importer un morceau de référence. Un morceau de référence nous sera très utile au fur et à mesure du mixage. Lorsque vous écoutez , il est très facile de vous habituer encore et encore au son que vous avez produit. À moins que nous ne comparions vraiment les va-et-vient à une chanson qui est un standard de l'industrie, il est assez difficile de rester sur bonne voie et de rester conscient de vos objectifs. Réfléchissez au genre ou au style que vous essayez de reproduire ou vers lequel vous essayez de travailler . Il est souvent utile de sélectionner deux ou trois titres , mais pour aujourd'hui, je vais juste en choisir un. J'opte pour un style Bon Iver, Phoebe Bridges avec ce morceau, et l'une des chansons qui m'a vraiment inspirée en écrivant cette chanson est Blood Bank de Bon Iver. J'ai téléchargé cette piste de référence et je vais juste faire glisser vers le bas ici. Évidemment, éloignez-le de la piste pour qu'il ne plante pas, mais juste pour que vous puissiez vous arrêter et écouter revenir à la vôtre. Mais gardez à l'esprit que votre morceau de référence est souvent masterisé au volume le plus élevé possible. Il donc toujours être équilibré et le volume de la piste de référence correspond à celui du morceau sur lequel vous travaillez. Ne vous inquiétez pas trop si vous voulez atteindre le même volume tout de suite. C'est le but de More Mastering, mais un morceau de référence sera très important au fil du temps. Mettons-leur la trace de la vôtre et une fois que vous serez prêt, passons à la leçon suivante. Je te verrai là-bas. 6. Gagner la mise en scène: Salut tout le monde, bon retour. Dans la prochaine leçon, nous allons parler de la mise en scène du gain. Mais avant d'entrer dans le vif du sujet, qu' est-ce qu'un gain ? Tu vois des gains, le fait de se faire complètement bluffer comme moi. Non, je plaisante. gain est essentiellement le niveau d' entrée du son. Maintenant, il est très souvent confondu avec le volume, qui est la sortie du son. Maintenant, ils peuvent sembler très similaires, mais le volume et le gain sont en fait deux choses différentes. J'aime penser que c'est comme une guitare. Si vous branchez une guitare à l'ampli, vous avez un cadran de gain, et si vous augmentez complètement ce gain, vous obtiendrez une guitare au son déformé. Vous ajustez le niveau d'entrée de manière ce qu'il soit surdimensionné. Mais vous pouvez contrôler le volume de cette guitare à l' aide d'une molette de volume. Vous pouvez créer une guitare au son déformé à faible volume. Bien que peu de guitaristes puissent le faire avec Rocky Distorted, c' est comme ça que j'aime penser. volume contrôle le volume, tandis que le gain contrôle la tonalité et l'entrée du canal. L'entrée gagne, la sortie fait monter le volume, si cela a du sens. Dans cette optique, qu'est-ce que le gain staging ? La mise en scène du gain permet de régler correctement l'équilibre des gains pour chacun des instruments de notre morceau. Il s'agit d'ajuster le gain à la hausse ou à la baisse. il atteint donc un certain point idéal, ce qui minimise le bruit et la distorsion. Mais cela garantit également que vous obtenez le meilleur son possible pour cet enregistrement. C'est aussi très agréable, car si nous donnons à tous nos morceaux le même point idéal, cela signifie que tous nos instruments sont placés au même niveau, donc c'est beaucoup plus agréable et plus rapide lorsqu'il s'agit de mixer et de régler les volumes. Il est très important de faire cette étape avant de procéder à un mixage, qu'il s'agisse d' une compression , d'un égaliseur ou quoi que ce soit , de procéder à la mise en scène des gains d'autre, de procéder à la mise en scène des gains et d'avoir une très bonne base de travail. Avant de commencer à régler le gain de chaque piste, nous voulons nous assurer que tous les volumes sont réglés à zéro dB. Comme vous pouvez le voir ici, nous voulons simplement nous assurer que ce nombre est à zéro ou, si nous travaillons à partir de là, nous voulons nous assurer qu'ils sont tous neutres à zéro dB. Nous voulons également nous assurer qu' aucun des instruments n'est panoramique, donc ce cadran que nous utilisons pour le panoramique, nous y reviendrons plus tard. Mais oui, nous allons juste nous assurer que tout est central et que tout est au même niveau. logique, pour régler le gain de n'importe quelle piste, il suffit de cliquer sur la piste, régler le gain, d' appuyer sur ce petit bouton i, En toute logique, pour régler le gain de n'importe quelle piste, il suffit de cliquer sur la piste, de régler le gain, d' appuyer sur ce petit bouton i, et vous verrez qu'il existe une option pour régler le gain. Ou si vous le souhaitez, vous pouvez vous rendre dans la section de mixage, et nous pouvons ajouter une unité de gain ici, si nous voulons l'utiliser sous forme de plugin. Mais j'aime bien l' utiliser lors de ce voyage, c'est donc ce que je vais faire aujourd'hui. Pour gagner de la scène, nous devons régler le gain de manière ce que le son atteigne une certaine zone audio idéale. Nous pouvons maintenant trouver ce point idéal de deux manières différentes. Le meilleur moyen est d'utiliser ce que l'on appelle un compteur dBVu. Je laisserai un lien de téléchargement gratuit vers celui-ci dans la description. Vous pouvez également utiliser le curseur de volume de votre DAW pour avoir une idée de la position du volume et le faire de cette façon. Bonjour, je suis en train de modifier. Je vais juste intervenir ici et là pour ajouter un peu plus de contexte à ce que je dis. Juste pour développer un peu les décibels, les DBF et ce genre de choses. Les dBFS et les dBVu ne sont que des méthodes différentes de mesure du volume. DBFS est la version numérique moderne. DBVU est plutôt une méthode analogique de mesure du volume à l'ancienne . Parce qu'ils sont basés sur des systèmes différents, ils fonctionnent un peu différemment. Mais tout ce que vous devez vraiment savoir, c'est qu'il s'agit simplement d'une méthode de mesure du volume, et la méthode analogique à l'ancienne, dBVu, a tendance à être la référence absolue à atteindre pour activités telles que la mise en scène de gain. Mais lorsque nous travaillons avec des DAW modernes, nous travaillerons presque exclusivement en décibels ou en dBF. Il convient également de noter que si nous dépassons zéro décibel, nous atteindrons un pic de signal, ce qui produit souvent des distorsions et des sons désagréables. Nous ne voulons presque jamais dépasser zéro décibel. Si je joue de cette guitare, par exemple vous pouvez y voir le compteur de volume. Il s'agit d'une lecture en décibels ou en dBFS. un peu technique, mais nous examinons essentiellement les chiffres et les lectures du compteur de niveau ici. l'ai dit, le moyen le plus précis d'atteindre cette zone audio Comme je l'ai dit, le moyen le plus précis d'atteindre cette zone audio idéale est d' utiliser un dBVu. Nous pouvons le télécharger gratuitement en ligne. Au moins, ils sont gratuits en ce moment. Ils ressemblent un peu à ça. Ce que nous essayons de faire, c'est de faire en sorte que le son soit à zéro dBVu. Encore une fois, si je joue de cette guitare, on peut voir que c'est assez proche. Mais si nous voulons régler cela, nous pouvons simplement cliquer sur la guitare et passer au gain. Nous voulons juste augmenter légèrement le score pour atteindre ce zéro. Encore un peu. évidence, toute évidence, le volume de n'importe quel instrument va monter et descendre. C'est exactement la nature de tout instrument. Ce que nous cherchons vraiment ici, c'est de le rapprocher le plus possible de ce dBVu zéro. Si ça dépasse un tout petit peu, ce n'est pas grave. J'ai tendance à le maintenir en dessous de zéro si je le peux. Mais c'est assez proche de moi. Je n'ai eu qu'à y faire un léger ajustement à 1,6 décibels. C'est tout ce que nous faisons, c'est parcourir chaque piste et ajuster le gain pour qu'il soit le plus proche possible de ce zéro dBVu. Maintenant, si vous n' arrivez vraiment pas à mettre la main dessus, ou si vous êtes dans une situation difficile, beaucoup de personnes conseillent également de viser moins 18 dBFS, ce que nous pouvons voir sur notre compteur de volume. Je trouve que la plupart du temps, nous essayons de trouver équilibre qui se situe autour de moins 18, et c'est notre maximum à moins dix. Cela tend à être une plage similaire à ce zéro dBVu. Si nous jetons un coup d'œil ici, nous examinons plutôt notre compteur de volume cette fois-ci. Nous pouvons voir que nous en voyons vers 18 ans, un peu plus de muscles atteignant un pic vers 10, ce qui correspond à peu près à cela. C'est un très bon niveau pour moi. Gardez cela à l'esprit. Nous visons environ zéro dBvu, soit un pic à moins 10 dBFS. Je vais sélectionner toutes nos pistes ici et je vais faire apparaître le compteur dBVu sur chacune d'elles. Juste comme ça. Je vais juste le parcourir un par un et ajuster ce jeu pour qu'il atteigne environ zéro dBVu. Pendant ce temps, nous voulons mettre en boucle la partie la plus bruyante du morceau pour nous concentrer. Vous pouvez voir ici, avec la basse, que nous allons bien au-delà. Nous voulons éliminer ce jeu. Maintenant, évidemment, chaque instrument va être un peu différent. Maintenant, avec des instruments très dynamiques, en particulier des batteries qui produisent des sons percutants et soudains, nous devons monter sur scène d'une manière légèrement différente. Par exemple, cette droite n'atteint pas tout à fait ce zéro dBVu. Nous penserions à le reprendre, mais si nous regardons notre indicateur de niveau, nous captons le signal, ce qui signifie que nous allons avoir une distorsion et que le son ne sera tout simplement pas très bon. Cela va également sembler très déséquilibré par rapport à tout le reste. Nous ne pouvons pas le faire atteindre un pic, ce qui signifie que nous devons le réduire et c'est très bien. Tous les instruments ne seront pas en mesure d'atteindre ce point idéal numérique sur ce VU-mètre. Dans un cas comme celui-ci, je vais de nouveau regarder l'indicateur de niveau et essayer de le placer autour de moins 18, pic à 10 à la place. Mais encore une fois, si nous pouvons le rapprocher le plus possible de zéro dBVu, c'est également formidable. [BRUIT] C'est bien, il fait environ 18 heures et ils culminent à environ moins 10. Je suis cool. Malheureusement, je ne peux pas connaître cet endroit idéal, mais c'est très bien. Ça marche plutôt bien là-bas. Il y a aussi de l'orgue dans les parages, ce qui est bien. Pour chaque instrument, comme cette guitare, il est un peu difficile de déterminer exactement où elle se trouve. Je regarde constamment entre mon indicateur de niveau et mon compteur dBVu, j'essaie de le régler le plus près possible. Mais cela ressemble en grande partie à une science douce. Il n'est pas nécessaire que ce soit exact. Nous cherchons juste un bon niveau de jeu. La plupart des chansons y ont donc été gagnées sur scène. Maintenant, nous n'avons plus qu'à ces harmonies vocales, mais ce que nous pouvons faire, c'est quelque chose d'assez cool pour gagner un peu de temps sur des instruments qui ne vous tiennent pas trop à la tête comme des sons de fond ou des harmonies, en particulier ceux comme ceux-ci qui ne sont qu' une ou deux lignes, gagner de la mise en scène , ce n'est pas aussi vital. Ce que nous pouvons faire, c'est ce que l' on appelle la normalisation audio. Cela va essentiellement ajuster le gain de chaque région afin qu'elle atteigne un certain point culminant. Si nous sélectionnons tout ce que nous voulons ajuster, accédez aux fonctions et appliquez ici le gain de région normalisé. Ensuite, nous pouvons choisir si nous voulons pistes individuelles ou des régions individuelles Nous allons choisir des régions parce que nous avons sélectionné des régions amour et puis, comme nous le disions tout à l'heure, nous visons un pic d'environ moins 10 points de pointe, [RIRES] si c'est un mot. Nous pouvons donc taper ici moins 10 et appuyer sur Appliquer, puis toutes ces petites régions seront ramenées à environ moins 10. Vous voyez, ils y ont tous été élevés à un assez bon niveau. Maintenant, ce que nous pouvons faire, c'est revenir à un compteur et voir comment cela fonctionne. On peut donc dire que c'est beaucoup trop fort. Nous pouvons donc recommencer exactement ce processus, mais en le réduisant un peu. Peut-être que nous allons plutôt passer à moins, disons moins 16. Essayons plutôt moins 13. C'est un équilibre baissier. Nous pouvons donc jouer avec cette fonction de gain normalisé sur le fond, les instruments ou comme un gros kit de batterie avec une tonne de sons différents. Cela semble un peu long. Encore une fois, c'est bien pour placer notre son dans cette zone idéale. Maintenant, la question qui se pose souvent est : tous les instruments doivent-ils être mis en scène ? Eh bien, pas vraiment, mais cela vaut la peine d'y réfléchir. Ce que je veux dire par là, c'est que vous voulez absolument obtenir des morceaux de scène avant et très présents, comme des guitares, des voix , des bases, mais des instruments comme un petit shaker ou un tambourin ou bruit de fond, des trucs comme ça. Ne vous inquiétez pas trop, mais atteindre le bon niveau signifie simplement qu'il vous sera difficile de mixer facilement et facilement. Tant que vous êtes dans la bonne direction , c'est très bien. Devriez-vous passer à Stage Midi ? D'une certaine manière, oui. Comme par exemple, nous avons les cordes de l'amidi. Maintenant, comme l'amidi, c'est comme si les informations audio n'étaient pas comme un enregistrement, elles n' ont pas exactement le même gain, mais nous pouvons souvent utiliser les plug-ins comme ceux que nous avons ici et ils fonctionnent souvent comme une molette de volume ou un moyen de régler la sortie. Nous pouvons le placer au point idéal, juste pour qu' il s'adapte parfaitement aux autres instruments ou, à défaut, si vous branchez et que vous n' avez pas de curseur de volume, vous pouvez ajouter un plug-in de gain, comme nous l'avons vu plus tôt, donc simplement en ajoutant un gain utilitaire, en l'ajoutant aux effets et vous pouvez régler le gain à partir de là. Maintenant, vous pouvez peut-être entendre que les choses sont légèrement plus équilibrées, simplement en ajustant ces gains, tout se situe à un bon niveau et vous pouvez entendre la plupart des choses. En créant cette base pour nous-mêmes, il est si facile d'apporter petites modifications et d' équilibrer le mix que vous souhaitez. Cela crée simplement une base de travail parfaite et nous permet de tirer le meilleur parti de tous nos enregistrements et de tous nos instruments. Ensuite, nous allons travailler sur la balance et les volumes. De plus, je vous verrai dans la prochaine leçon. 7. Équilibrage de volume: Ensuite, nous allons travailler sur l'équilibrage des volumes. C'est exactement ce à quoi ça ressemble. Nous allons juste jouer avec les volumes et assurer que tout est vraiment à un bon niveau. Nous pouvons tout entendre clairement et nous sommes satisfaits de l' équilibre du morceau. C'est là que notre piste de référence sera également très utile, car nous pouvons simplement comparer les volumes et voir car nous pouvons simplement comparer les volumes et où tout se trouve avec une référence. Décomposons à nouveau cela en étapes, afin que ce soit vraiment facile à comprendre. La première étape sera de mettre en boucle la partie la plus bruyante du morceau. Ensuite, nous allons sélectionner chacun de nos instruments. Tout cela, et nous allons baisser tous les curseurs de volume à zéro, que vous puissiez tout entendre. Nous allons maintenant choisir notre instrument le plus important. Il s'agit généralement de la voix, mais évidemment, selon le style dans lequel vous travaillez, cela peut être différent. Vous travaillez peut-être en lo-fi, qui n'a pas de voix, auquel cas vous pourriez avoir une mélodie très forte. Nous allons choisir le son principal de notre chanson, qui sera composé de voix pour ce morceau. Nous allons l' amener à une température d' environ moins -5 dB. Vous voyez, dans le passé, les climats les plus bruyants étaient -6 ou -5 ronds-points, c'est bon. Ensuite, nous allons choisir deuxième instrument le plus important et l' adapter de manière à ce qu'il corresponde parfaitement à ces voix. Je pense que pour moi, c'est probablement la guitare principale. Il va arriver en deuxième position . C'est ici. Ensuite, nous allons simplement continuer de cette façon, en choisissant l'instrument le plus important suivant et l' instrument le plus important suivant et en les mélangeant aux instruments déjà présents. Après cette guitare solo, il y a probablement la guitare rythmique pour moi . Vient ensuite la base. Nous sommes juste en train de parcourir chacun de ces morceaux et de les mixer un par un. Il va sans dire que vous pouvez évidemment revenir à chaque instrument. Vous allez le modifier pour l'ensemble du morceau, j'en suis sûr. Mais nous voulons nous en approcher le plus possible, suspendre le temps le plus possible. Continuez simplement à écouter cette même section et à vous rapprocher autant que possible de ces volumes. Cela vaut la peine de dire que si vous jouez la chanson du début à la fin, certaines parties du début ou la fin peuvent ne pas sembler correctes, mais nous allons corriger cela un peu plus tard. Mais pour l'instant, nous voulons juste que la partie la plus forte de la chanson sonne bien et équilibrée et nous reviendrons le reste de l'été un peu plus tard. Assurez-vous également de faire une pause. Donne-toi une augmentation et repose-toi. Allez-y, prenez une tasse de thé ou allez simplement faire autre chose, puis revenez-y une demi-heure plus tard avec une boisson légèrement plus fraîche. Continuez également à rebondir entre votre piste de référence. Je peux résoudre ici que je pense que j'ai besoin d'un peu plus de guitare principale. Un peu plus de punch aussi. Je pense que je suis plutôt content de l'équilibre. C'est un peu intimidant d' essayer de filmer en faisant ça, mais je pense que ça me va. J'en suis content pour le moment. Je vais probablement penser différemment [RIRES] dans une demi-heure, mais c' est cool pour le moment. Si nous jouons cette chanson du début à la fin, vous penserez probablement que les choses semblent un peu déséquilibrées dans certaines sections. C'est très bien. C'est normal. Nous allons résoudre ce problème avec ce que l'on appelle l'automatisation un peu plus tard. Certaines personnes aimeront peut-être automatiser légèrement à ce stade, ce qui est totalement cool. Mais pour moi, je vais le faire un peu plus tard, simplement parce que je sais qu'avec l'égalisation et compression, les sons peuvent être un peu différents. Mais ensuite, nous allons parler des bus. Je vous en dirai plus à ce sujet dans la prochaine leçon. Merci, les gars. 8. Busses: Salut les gars, bon retour. Dans la prochaine leçon, nous allons parler des bus. J'ai longtemps été confuse par les bus, mais c'est en fait très simple. Le vieux dicton dit un peu comme ça. Imaginez que vous vouliez faire venir un groupe d'enfants à l'école. Le moyen le plus simple d' amener tous ces enfants au même endroit est de les envoyer dans un bus pour se rendre sur place et c'est exactement à cela que ressemble le bus audio. Disons que nous avons une sorte de batterie avec plein de micros et de batteries différents, et que nous voulons tous obtenir de la réverbération, nous voulons les envoyer vers une réverbération. Plutôt que de les envoyer individuellement, nous pouvons les envoyer tous en même temps. Pourquoi faisons-nous cela ? Tout d'abord, cela permet de gagner beaucoup de temps. Plutôt que d'appliquer de la réverbération à chaque piste, nous pouvons simplement créer une réverbération qui nous plaît, puis envoyer une tonne d'instruments différents à cette même réverbération. Cela rend les choses beaucoup plus rapides et plus faciles de toutes les manières possibles et réduit également considérablement la quantité d' énergie dont votre ordinateur a besoin pour tout faire fonctionner. De plus, comme nous pouvons l'utiliser pour appliquer même effet à un groupe d'instruments, cela permet de les coller ensemble, comme la réverbération par exemple. Plutôt que chaque réverbération soit légèrement différente, si nous pouvons envoyer un grand nombre de nos pistes le même bus de réverbération, elles sonneront comme si elles étaient jouées dans le même espace et les colleraient parfaitement ensemble. De plus, si vous souhaitez régler la réverbération plus tard, encore une fois, plutôt que d' avoir à entrer dans chaque piste individuelle et à l'ajuster, nous pouvons simplement régler le bus de réverbération que nous avons défini pour nous-mêmes et nous pouvons le faire avec tous les effets que nous voulons, comme la réverbération, le retard, la compression, l'égaliseur. Parfois, il est agréable d'égaliser l'ensemble de la batterie plutôt qu'individuellement. Encore une fois, cela aide à les coller ensemble. Nous n'avons pas nécessairement besoin de configurer tous nos bus maintenant, mais tout comme nous abordons la section où nous parlerons de choses comme les effets et la réverbération de compression, gardez à l'esprit que vous pouvez intégrer choses comme les effets et la réverbération de compression, ces effets sur un bus pour vous faciliter la vie. Pour l'instant, apprenons simplement comment installer un bus nous-mêmes. Prenons cette voix principale par exemple. Disons que nous voulons l'envoyer vers un bus de réverbération plutôt que de mettre une réverbération sur cette piste. Nous pouvons accéder à cette petite section ici et sélectionner le bus auquel nous voulons l'envoyer. Toutes ces chaînes ne seront que des chaînes vides et vacantes. Nous pouvons prendre le bus 5 et vous pouvez voir ici sur Aux 4 Cela a créé un nouveau bus pour nous, donc c'est le bus 5 ici. Nous pouvons le renommer en bas, reverb et c'est notre bus de réverbération maintenant. Sur le bus de réverbération, je vais installer un plug-in de réverbération. À ce stade, nous pouvons configurer la réverbération comme bon nous semble. Nous y reviendrons un peu plus tard, mais nous pouvons déterminer la quantité d' effet que nous voulons ajouter à notre morceau. En gardant à l'esprit la voix principale, nous pouvons utiliser ce cadran pour modifier la quantité de signal envoyée à ce bus, ce qui signifie que nous pouvons toujours quantité de réverbération ou effet que nous voulons sur chaque canal. Nous avons cette réverbération qui passe par le bus 5, et je peux augmenter ce bus si vous voulez beaucoup de réverbération baisser et la baisser pour obtenir un bon niveau de réverbération. Maintenant, supposons que nous voulions ajouter des harmonies vocales à cette même réverbération. Nous avons juste besoin de sélectionner cette piste et transférer à la réverbération Bus 5, et nous pouvons les jouer ensemble et faire exactement de même pour ajuster la quantité de réverbération que nous voulons sur le backend. Ils émettent tous les deux la même réverbération, nous n'avons pas à régler ce canal de réverbération deux fois et à modifier tous les réglages, nous pouvons simplement obtenir un son de réverbération qui nous plaît, puis régler la part du signal qui entre dans cet effet. Nous pouvons également régler l'intensité du bus à l'aide du curseur. C'est tout ce qu'est le bussing Le simple fait d'envoyer différents instruments par le biais d' un seul effet nous facilite les choses et crée une belle cohésion entre les morceaux amuserons avec cela et je vous verrai dans la prochaine leçon. Merci les gars. 9. Compression: Salut, mes amis. Bon retour. Dans la prochaine leçon, nous allons parler de la compression. compression est l'un des composants les plus importants du mixage Il est donc très important de la comprendre et de l'apprendre. Mais avant de commencer à parler de compression, nous devons comprendre ce que l'on appelle la plage dynamique. Qu'est-ce que la plage dynamique ? Il s'agit essentiellement de la différence entre la partie la plus forte et la plus silencieuse d'un enregistrement Prenons donc l'exemple de l'enregistrement d'un chanteur. Maintenant, naturellement, lorsque vous enregistrez quelque chose comme des voix, ce sont des parties plus fortes que les autres. L'interprète peut se rapprocher du micro, simplement crier, aligner [BRUIT] ou chuchoter, aligner [BRUIT], et cela créera certaines parties bruyantes et certaines parties plus calmes dans l'enregistrement, ce qui est excellent pour les performances, cela lui donne de la vie et lui donne une apparence humaine. Mais cela pose un petit problème au niveau du mixage, car si nous essayons équilibrer le volume en fonction des parties les plus fortes, les parties les plus calmes chanteront assez faiblement et un peu trop loin, mais de même, si nous équilibrons le volume, les parties les plus fortes seront beaucoup trop fortes. C'est là que la compression entre en jeu. compression permet essentiellement réduire les parties les plus fortes d'un enregistrement, de sorte que l'ensemble de l'enregistrement soit plus cohérent. Nous pouvons contrôler le fonctionnement de ce compresseur, ce qui nous permet de contrôler essentiellement la plage dynamique d'un enregistrement, ce qui crée un niveau de volume plus constant Beaucoup de personnes disent que cela ajoute présence et du punch à une piste. Mais nous devons faire attention, car si nous compressons trop un signal, il peut souvent s'éteindre pendant une performance et le rendre assez plat, inorganique et assez traité. C'est ce que fait la compression simplement d'obtenir un niveau de volume plus constant pour n'importe quel enregistrement. Écoutez ces voix avant et après leur compression, et remarquez à quel point les voix non compressées semblent peu sûres d'elles-mêmes et assez peu confiantes. J'espère que vous pouvez entendre que le son vocal compressé est beaucoup plus confiant, constant et plus fort dans l'ensemble. Mais comment utiliser la compression ? Chaque compresseur est composé de plusieurs éléments de cadrans différents. Le premier est le seuil. Nous définissons le seuil auquel nous voulons que la compression commence. Si nous prenons cet exemple, nous avons ici notre signal audio et nous voulons en compresser les parties les plus fortes Vous devez donc vous concentrer uniquement sur cette partie audio la plus forte. Nous avons défini le seuil auquel nous voulons que la compression commence. Ainsi, si nous définissons le seuil ici, tout ce qui se trouve au-dessus de celui-ci sera affecté. ce seuil est bas, plus le signal sera compressé. Nous pourrions fixer le seuil ici, mais cela produirait une compression très intense Nous voulons donc obtenir un niveau qui sonne bien et organique, idéalement, à moins que sonne bien et organique, idéalement, vous ne préfériez opter pour batteries compressées ou quelque chose comme ça. Ensuite, nous avons le ratio. Le ratio détermine le niveau de compression au-dessus du seuil. Si nous compressons tout ce qui dépasse ce seuil, cela semble un peu plat et organique Nous ajustons donc le ratio pour déterminer le niveau de compression qui se produit au-dessus de ce seuil. Je pense que c'est un peu comme un filtre placé au-dessus du seuil, et nous pouvons soit ouvrir ce filtre vers le haut et laisser passer une partie de ce signal, ce qui donne un son un peu plus naturel et organique, soit fermer ce filtre vers le bas, augmenter ce ratio pour créer un style de compression beaucoup plus intense. Plus le ratio est élevé, plus la compression est élevée, plus le rapport est bas , moins la compression est importante. Voici quelques jalons de ratio très simples pour vous donner une idée plus claire. Ensuite, nous avons l'attaque. attaque est le temps nécessaire au compresseur pour commencer à fonctionner. Un temps d'attaque plus rapide produit un son épais et serré, tandis qu'un son d'attaque plus lent donne tandis qu'un son d'attaque plus lent un son plus percutant et organique. En général, des temps d'attaque plus lents sont plus agréables à entendre. Comme vous pouvez le voir sur cet écran, avec un temps d'attaque rapide, dès que le signal dépasse le seuil, le compresseur directement et insère immédiatement le signal dans le compresseur. Alors qu'avec un temps d'attaque lent, dès que le signal atteint le seuil, le compresseur commence à fonctionner, mais le déclin est beaucoup plus lent, comme vous pouvez le voir ici, et avec un temps d'attaque plus lent, cela signifie qu'une partie de ce signal initial va juste émettre un peu plus, donc certaines lignes auront un impact important, donc les rendre un peu plus plus percutants car ils ne détectent que le début de la compression. À l'autre bout du fil , il y a la sortie. Si l'attaque engage le compresseur, le relâchement libère le compresseur C'est donc le temps qu'il faut au compresseur pour relâcher la compression. Les temps de déclenchement rapides ont tendance à sembler plus naturels et les utilisateurs ont tendance à se tourner un peu plus vers ces temps de déclenchement rapides Vous pouvez donc voir ici qu'une fois que le signal revient en dessous du seuil, c'est le signe que le compresseur cesse de fonctionner. Les reliefs déterminent la rapidité avec laquelle le compresseur passe du mode de fonctionnement à l'arrêt. Vous pouvez voir ici qu' avec un relâchement lent, le compresseur revient lentement, mais avec un relâchement rapide, dès que le signal passe en dessous du seuil, le son revient directement à son niveau normal. Ensuite, nous avons le genou. Le genou correspond à la transition entre la réduction complète du signal par le compresseur et l'absence de réduction du signal, mais en termes simples, je pense que cela dépend essentiellement de l'agressivité du compresseur. Un genou plus haut se traduira par une compression plus subtile, tandis qu'un genou plus bas sera légèrement plus ferme et agressif. Mais c'est assez subtil, alors ne vous inquiétez pas trop pour celui-ci. Mais encore une fois, pour vous donner une idée approximative, vous pouvez voir un genou souple ici, tout comme la compression de Ben rend plus subtil et plus doux, alors qu'un genou dur sera beaucoup plus direct et plus net. Enfin, il y a le gain de maquillage. Lorsque nous utilisons la compression, nous réduisons le signal en diminuant les parties les plus fortes. Nous utilisons le gain de compensation pour simplement le réajuster en fonction de la perte de signal, afin de le ramener à un niveau qui nous convient. De plus, dans la plupart des compresseurs, vous aurez un style mixte, et c'est essentiellement la différence entre sec non compressé et un signal compressé humide. Vous pouvez simplement le régler si vous souhaitez réduire l'avantage d'un compresseur convient également de mentionner la réduction du gain. La compression est mesurée en réduction du gain, car elle réduit le signal et le rend plus silencieux, réduisant ainsi le gain Si vous regardez un compresseur, vous verrez un cadran ou un graphique, et c'est ce qui indique l' ampleur de la réduction de gain en cours. nous donnent une idée très claire Ces mesures nous donnent une idée très claire du degré de compression du signal. C'est un gros enjeu, n'est-ce pas ? N'hésitez pas à relire cette leçon autant de fois que nécessaire, mais nous allons maintenant voir comment nous utilisons réellement compression dans le son lui-même. Je te verrai dans la prochaine leçon. 10. Utilisation de la compression: Salut les gars, bon retour. Dans la prochaine leçon, nous allons utiliser ce que nous avons appris dans la dernière leçon sur compression et l'appliquer aux enregistrements de notre chanson. Dans cet exemple, je vais utiliser des voix. Maintenant, si nous écoutons cette piste vocale, vous verrez que certains mots, dans certaines parties, semblent un peu faibles et peu confiants. Ce n'est pas du tout la faute de Harriet, la chanteuse. C'est une chanteuse incroyable, et il est tout à fait naturel qu'une chanteuse chante certains mots plus fort, d'autres plus doucement. C'est ce que nous voulons. Nous voulons une véritable performance vocale. Mais nous voulons simplement être en mesure de contrôler cette plage dynamique afin que le son ne soit pas trop faible ou trop confiant. Si nous pouvons écouter. J'espère que vous pouvez y entendre que le début est assez fort. Mais ces dernières parties, qui manquent de sensation, semblent assez peu confiantes. Maintenant, si nous devions jouer en solo, ça sonnerait bien. Mais lorsque nous avons autant d'autres instruments et d'autres sons, pouvons facilement enterrer les parties les plus fortes. C' est exactement pourquoi nous utilisons la compression. Je vais passer à la voix, et je vais y mettre un compresseur. Vous pouvez voir ici tous les cadrans dont nous avons parlé dans la dernière leçon. Maintenant, nous n'avons pas du tout ajusté cela. Il s'agit simplement du paramètre d'usine par défaut. Mais vous pouvez voir cette limite. Il s'agit de creuser dans le signal et d'appuyer simplement sur les parties les plus fortes, cette ligne tracée ne fait que creuser dans le signal. Maintenant, même si vous savez à quoi servent tous ces cadrans, il peut être vraiment difficile de regarder ce compresseur et de savoir ce que vous faites. Encore une fois, j'aime simplement le décomposer en plusieurs étapes à suivre à chaque fois, et cela semble toujours très bien fonctionner pour moi. Tout d'abord, nous voulons simplement nous assurer de ne pas être seuls. Nous essayons de mélanger les compressions de manière à ce que cela fonctionne avec le morceau, non pas qu'il fonctionne seul. idéal, nous aimerions mixer en même temps que le morceau, mais nous pouvons rebondir entre les solos juste pour entendre exactement ce qui se passe. De plus, cela me permet de m'expliquer plus facilement. Pour commencer, j'aime fixer le seuil à environ trois pour un, afin que nous sachions qu' il y a une bonne quantité de compression. Ensuite, je vais ajuster le seuil jusqu'à ce que je remarque une certaine compression. Je vais ramener le seuil à zéro. Je vais le placer sur le compteur, et je vais abaisser ce seuil jusqu'à ce qu' il commence à comprimer le signal. Une compression plus douce et plus subtile se situe normalement entre deux et quatre décibels de réduction, tandis qu'une compression plus forte se situe plutôt vers moins six et moins 10. Mais ça ne m' inquiéterait pas trop. Chaque instrument est tellement différent, et j'aime juste ajuster le seuil jusqu'à ce que je constate une certaine compression, et que cela me convient. Vous pouvez voir que nous flottons en quelque sorte autour de moins cinq, ce qui me semble plutôt sympa. Cela ne semble pas trop agressif, cela semble juste agréable et subtil. Vous n'y remarquerez peut-être pas une énorme différence. Mais si vous écoutez très attentivement, vous pouvez avoir l'impression que tout est un peu plus équilibré, plutôt que cette plage dynamique qui rend certaines parties plus silencieuses. Nous pouvons rendre cela très agressif si vous le souhaitez. Si j'augmente le ratio, abaisse légèrement le seuil . C'est avec une forte compression, et j'espère que vous pouvez y trouver des sons traités, un peu plats et un peu ennuyeux. Nous voulons nous adapter pour éviter cela. Mais dans certains genres, comme le heavy metal ou la batterie à compression, les gens aiment parfois un signal fortement compressé. Mais avec cette voix, je veux conserver cet élément naturel, donc je vais la réduire. La troisième étape serait de ramener ce gain de maquillage au niveau que nous avions atteint auparavant. Nous voulons simplement ajuster ce gain de compensation, allumer et éteindre le compresseur et le ramener au niveau où nous l' avions auparavant. Pour rendre cela encore plus facile, nous pouvons simplement regarder le niveau de réduction du gain qui se produit sur notre graphique, et nous pouvons ajuster le gain de compensation en fonction de cela. Si le compteur indique une réduction de gain moins cinq, nous pouvons ramener le gain de compensation à un gain de plus cinq, afin de le ramener au niveau où il se trouvait auparavant. Ensuite, nous pouvons régler le ratio pour que les choses sonnent bien et soient cohérentes. S'il y a beaucoup de plage dynamique, vous pouvez augmenter légèrement le ratio. Si certaines lignes vous apparaissent vraiment, c'est le signe que vous devez augmenter légèrement ce ratio, afin de pouvoir le réduire. Mais j'aime bien fermer les yeux et tourner ce cadran de haut en bas jusqu'à ce que je trouve le bon endroit. Pour l'instant, je vais supprimer ces harmonies. OK, donc je suis très content de ce ratio. Je l' ai juste légèrement réduit pour le rendre un peu plus subtil. Cela me semble plutôt bien. Ensuite, nous allons lancer l'attaque. C'en est une autre où j' aime juste fermer les yeux et ressentir cela. Encore une fois, comme je l'ai dit lors de la dernière leçon, le problème réside dans la rapidité avec laquelle le compresseur va s'enclencher. Plus nous le réglons lentement, plus le signal initial sera transmis. Oui, des temps d'attaque plus lents ont tendance à être plus agréables. Nous allons juste voir à quel point ça peut être lent sans que ça paraisse trop bizarre. J'espère que vous pouvez entendre que le temps d'attaque plus rapide semble plus rapide. Le plus lent. Je le veux, tout ce que tu avais maintenant. Voyez à quel point le plus lent semble un peu plus naturel. Encore une fois, c'est très subtil. Tu dois vraiment l' écouter. Je le veux, tout ce que tu avais maintenant, je m'ennuie et cette sensation me manque. Harriet n'avait pas vraiment de grandes répliques où elle a soudainement crié. Nous n'avons pas besoin de régler la vitesse d'attaque trop rapidement. Si vous voyez un mot crier soudainement, et si cette attaque devient trop lente, elle ne sera pas ajoutée pour la compresser correctement, mais comme le chant de Harriet était assez fluide ici nous pouvons la régler assez lentement et cela ne pose pas trop de problème. Dire que le temps d'attaque est trop rapide peut très souvent ruiner une performance ou donner l' impression à un instrument qu'il est plus éloigné, mais avec un temps d'attaque plus lent il sera simplement un peu plus percutant, naturel et organique. Mais les temps d'attaque lents ne sont pas ce qu'il y a de mieux pour contrôler des instruments très dynamiques comme une batterie ou des chanteurs très forts qui crient soudainement de nulle part. Je le veux, tout ce que tu avais maintenant, je m'ennuie et sensation me manque. [inaudible]. Ensuite, nous allons ajuster la version. Nous avons appris que c'était au moment de lâcher le compresseur. Si la sortie est trop rapide, ça va sonner un peu agité, comme si ça montait et descendait très rapidement, mais si c'est trop lent, ça sonnera un peu trop bas et terne. Je commence à fermer les yeux et à le remplir et vous entendrez où les choses commencent à devenir un peu bizarres. Il s'agit d'un temps de sortie très lent. Je le veux, tout ce que tu avais maintenant, je m'ennuie et cette sensation me manque. Vous pouvez voir sur le graphique que le compresseur lâche très lentement compresseur lâche mais si nous réduisons ce temps de relâchement beaucoup plus rapidement. Je le veux, tout ce que tu avais maintenant, je m'ennuie et cette sensation me manque. Vous pouvez voir à quel point ça a l'air plus agité, n'est-ce pas ? Nous pouvons simplement le placer dans un endroit qui semble naturel. Je veux tout ce que tu avais maintenant, je m'ennuie et cette sensation me manque. vert brillant Coléoptère vert brillant du parc Forester d'août à septembre. J'ai l'impression d'avoir environ 30 ans. Maintenant, j'ai oublié de dire que lors du réglage du déclencheur, nous cherchons essentiellement à ce que le compresseur laisse passer les mots ou les sons. Dans ce cas, le chant, si vous frappez Harriet en chantant. Je veux qu'il soit partout, dans ce petit espace. Idéalement, nous voulons que le compresseur cesse de fonctionner et recommence à s' activer lorsqu'elle recommence à les chanter. Si tu écoutes. Je le veux, tout ce que tu avais. J'espère que vous pouvez y voir, peu près dès qu'elle arrête de chanter, la compression baisse et que le graphe est ramené à zéro dB ce qui crée un son naturel agréable, une compression qui ressemble presque à une respiration au rythme de la musique. Nous voulons ajuster le déclencheur de manière à ce qu' il lâche compresseur entre les lignes ou les sons, mais en fin de compte, il faut faire ce qui sonne bien. Peu importe qui s'en soucie. Enfin, le nom. Encore une fois, cela va être très subtil. Tout ce que nous devons vraiment savoir, c'est que plus cette valeur est faible, plus la compression est agressive et vice versa. Plus il est élevé, moins il est agressif. Encore une fois, remplissons-le avec nos oreilles. Je le veux, tout ce que tu avais maintenant, je m' ennuie et je suis absent. Encore une fois, faisons un avant et un après si vite. Genou bas. Je le veux, tout ce que tu avais. J'ai préféré un genou plus haut. Je le veux, tout ce que tu avais. Ramenez-le avec le reste de la piste. Je le veux, tout ce que tu avais maintenant, je m'ennuie et cette sensation me manque. C'est notre voix compressée. Je vais en faire quelques-unes avant et après maintenant et j'espère que vous entendrez mieux la différence. Je le veux, tout ce que tu avais maintenant, je m'ennuie et sensation me manque. Il s'agit simplement de rendre ces voix plus présentes et de les faire ressortir un peu plus. Certaines de ces lignes plus calmes qui semblaient disparaître et qui sont maintenant beaucoup plus présentes et que vous pouvez les entendre beaucoup plus clairement. Je sais que c'est beaucoup de choses à affronter et je vous recommande vivement de vous y rendre maintenant, de vraiment jouer avec tous ces cadrans écouter et ressentir ce que chacun fait. Désormais, vous n'avez plus besoin d'ajouter de la compression à chaque instrument. Demandez-vous encore une fois : qu'est-ce qui doit changer dans un son ? Écoutez une guitare ou une batterie et demandez-vous s'il y a des notes qui s' estompent un peu ou si certaines parties ressortent trop. Si vous souhaitez contrôler cette plage dynamique, vous devez utiliser un compresseur, mais il arrive très souvent que des instruments tels que les guitares, les basses, voix et les batteries soient tous très dynamiques Pouvoir contrôler ces instruments orientés vers l'avant est donc ces instruments orientés vers l'avant souvent une bonne chose à faire. Ensuite, nous allons parler d' EQ. Je te verrai dans la prochaine leçon. 11. égaliseur: Ensuite, nous allons parler d'EQ. EQ signifie égaliseur et est essentiellement un moyen d' ajuster les fréquences de n'importe quel son. Si vous avez déjà utilisé une table de mixage basique ou une guitare, vous avez peut-être déjà vu des basses, médiums et des aigus. Nous pouvons utiliser ces cadrans pour régler les fréquences d'un son. Peut augmenter le haut de gamme avec les aigus ou abaisser la base avec la base, la forme ou le son. Tout ce qu'est un égaliseur est essentiellement une façon beaucoup plus précise d'utiliser ces trois cadrans. Nous pouvons utiliser de nombreux outils différents pour mieux définir la fréquence émise par un son. Il peut être utilisé pour améliorer certaines fréquences. Disons que si vous voulez un peu plus de sons scintillants haut de gamme, nous pouvons augmenter le haut de gamme de la même manière s' il y a un bruit ou une résonance étrange dans la pièce n'aimez pas, vous pouvez également le supprimer en utilisant l'égaliseur. Nous pouvons également l'utiliser pour faire de la place pour d'autres instruments. Disons que, comme une guitare rythmique contient un peu trop de basses, nous pouvons esquiver une partie de la basse et faire de la place pour le kick et la basse et façonner nos instruments de cette manière pour qu'ils puissent être entendus un peu plus clairement. n'est pas comme s'ils se battaient dans la même bande de fréquences. Je pense que c'est comme sculpter un son. Léonard de Vinci façonnant la statue de David. Mais dans ce scénario, c'est un son de caisse claire pourri au lieu d'un morceau d'herpès. Il existe plusieurs plages de fréquences différentes dont on parle souvent dans EQ. Nous avons les basses, les médiums graves, les médiums aigus et les aigus. Chaque instrument d' un mix aura sa propre gamme de fréquences. Mieux nous les comprendrons, mieux nous pourrons prendre des décisions éclairées sur ce qu'il convient de faire avec un QE. Une technique très courante dans un mix chargé consiste à concentrer l'égaliseur sur le modèle d'égalisation naturel de l'instrument. De cette façon, ces autres fréquences n' interfèrent pas avec les autres instruments du mixage. Pour l'exemple d'aujourd'hui, je vais utiliser un égaliseur sur notre guitare rythmique. Voici à quoi ressembleront la plupart des plugins EQ lorsque nous jouerons sur piste. Vous voyez où se forment les fréquences. Nous en avons beaucoup dans la zone médiane inférieure. Maintenant, vous pouvez évidemment utiliser n'importe quel plugin EQ fourni avec votre porte. Mais si vous êtes débutant et que vous essayez de comprendre à quoi ressemble chaque bande de fréquences et d'avoir une idée très claire de ce que nous faisons ici. Je recommande vraiment se procurer quelque chose d'un peu comme celui-ci, qui est le neurone de l'égaliseur, suffit de payer un peu d'argent pour cela. Mais essentiellement, cela vous permet de faire plein de choses différentes. Mais je pense que le plus pratique, c'est qu'il peut vous montrer une bande de fréquences en solo. Si nous jouons en solo, vous pouvez voir toute cette zone blanche Voici la zone qui est en solo. Vous pouvez entendre très clairement le son de chaque fréquence. Vous pouvez entendre une fois que nous avons dépassé les 60 hertz, 60 en bas, il ne peut y avoir qu'un très faible grondement. Nous savons qu'il n'y a pas beaucoup d' informations dont nous avons vraiment besoin. concerne les fréquences les plus élémentaires, je veux dire que le corps principal se trouve toujours entre 3 000 et 1 500. Nous avons vraiment choisi où ce son se disait. Parce que les choses ici ont une jolie petite connotation. Mais c'est en grande partie difficile et nous n' avons probablement pas besoin de grand-chose au-delà de ce haut de gamme. Mais essentiellement, c'est à cela que ressemble chaque fréquence. Chaque fois que je crée, je me lance dedans et je remplis vraiment un instrument et comment passe chaque fréquence ? Il existe différentes manières de mouler et façonner un égaliseur et nous le faisons avec plusieurs filtres différents. Le premier est un filtre passe-haut. Un filtre passe-haut ressemblera à ceci. High-Pass va faire exactement ce qu'il dit. Il va laisser passer toutes les fréquences les plus et supprimer les plus basses. Comme vous pouvez le voir ici, toutes ces basses fréquences vont disparaître. C'est vraiment utile pour éliminer les bruits ambiants indésirables ou Bulinus et nous pouvons également ajuster la pente. C'est comme si la baisse était dramatique par rapport au passé, elle peut donc la rendre vraiment dramatique et faire en sorte que tout dépasse 299 hertz. Si cela devient assez spectaculaire, ou si nous pouvons niveler légèrement la pente et la rendre un peu plus naturelle. Encore une fois, nous pouvons le jouer en solo pour vraiment savoir quel domaine nous affectons. À l'autre extrémité du spectre, nous avons littéralement un filtre passe-bas, qui se situera juste au niveau du passage haut, mais en sens inverse. Nous pouvons nous débrouiller seuls sans ces bruits stupides et aigus. Nous pouvons toujours créer des effets assez low-fi avec ces deux. C'est vraiment bon pour éliminer les bruits aigus vraiment étranges ou les saignements de symboles et de la place. Ensuite, nous avons des cloches. Elles ressemblent à ceci. Ils étaient utilisés pour augmenter ou réduire une zone très spécifique. Si nous voulons vraiment cibler une fréquence en particulier, nous pouvons utiliser une cloche pour cela. Ce que nous pouvons également faire, c'est ajuster une file d'attente. Et cela élargit ou rétrécit le nœud en fonction de la fréquence que nous voulons affecter. Si nous pouvons l'affiner, si nous voulons simplement obtenir une basse étrange ou simplement une fréquence vraiment gênante depuis la pièce ou quelque chose comme ça, nous pouvons cibler très finement avec un Q. élevé ou nous pouvons l'élargir beaucoup plus. Nous voulons simplement ajouter un peu plus de haut de gamme à cette guitare. Nous pouvons faire un Q assez large et augmenter cette jolie fréquence à la guitare. Disons que j'aime bien guitare Scratchy Been et ses désirs et plus que ça dedans. Nous pouvons utiliser une cloche pour nous concentrer sur cette gamme de fréquences. Enfin, nous pouvons utiliser une étagère. Une étagère va cibler une zone plus large que les ventres et va tracer une ligne plate sur une certaine plage de fréquences. C'est plus facile à montrer avec la chose elle-même. Si nous optons pour une étagère haute ou basse, tout comme les filtres passe-haut et bas , et lorsque nous abaissons une étagère, vous pouvez voir qu'elle découpe une ligne de fréquences. Supposons que nous voulions simplement en réduire la base, mais que nous ne voulions pas nous en débarrasser complètement avec un passage haut. Nous pouvons utiliser une étagère pour chronométrer le bas de gamme. Dès qu'il y a du maïs bas de gamme, c'est aussi intense. Mais nous pouvons vraiment le chronométrer en abaissant cette étagère. Encore une fois, nous pouvons ajuster la file d'attente, modifier la forme et la façon dont cela affecte leur fréquence. Voici donc une brève introduction à EQ. Dans la leçon suivante, nous allons apprendre comment utiliser l'égalisation pour mieux façonner nos instruments et expliquer ce que nous devons faire lorsque nous essayons d'égaliser un instrument ou un son. Je te verrai là-bas. 12. Utilisation de l'égaliseur: Salut, les gars, bon retour. Dans la prochaine leçon, nous allons apprendre comment utiliser ce que nous avons appris sur l'égalisation dans notre morceau et découvrir réellement ce que nous devons faire et ce que nous devons rechercher, et à quel moment utiliser l'égaliseur. Encore quelques étapes pour faire en sorte que les choses sonnent bien. Comme nous l'avons dit plus tôt, tout ce que nous faisons avec l'égaliseur c'est d'augmenter les fréquences que nous aimons, couper celles que nous n'aimons pas et de laisser de la place à d'autres instruments dans le mixage. Avant de commencer à faire des mouvements avec l'égaliseur, encore une fois, je dois écouter le son, réfléchir à ce qui doit être changé et commencer à prendre des notes mentales sur ce que vous voulez faire pour le modifier. Si nous travaillons sur cette guitare, écoutons-la et déterminons ce que nous voulons changer avant de changer quoi que ce soit. Juste pour mettre en contexte le fait de travailler avec cette guitare, deux choses me viennent à l'esprit. La première, c'est qu'il y a beaucoup de basses dans cette guitare, et que la basse fait une grande partie du travail dans cette zone très grave, donc je peux juste dire que nous n'avons pas vraiment besoin de beaucoup de basses, et nous pouvons vraiment faire ressortir la guitare un peu plus en supprimant certaines de ces fréquences et que la basse fait une grande partie du travail dans cette zone très grave, donc je peux juste dire que nous n'avons pas vraiment besoin de beaucoup de basses, et nous pouvons vraiment faire ressortir la guitare . Je peux aussi entendre un tout petit sifflement dans le haut de l'écran. Rien de tout cela n'a trop d'importance parce que vous pouvez à peine vraiment l'entendre, mais cela pourrait simplement aider à l'obtenir et à en retirer un tout petit peu. C'est presque comme un bruit électrique, mais c'est tellement subtil. De plus, je veux garder un peu de ce bas de gamme, mais il n'est pas nécessaire que ce soit aussi bruyant. Nous pouvons simplement chronométrer ce bas de gamme et le réduire. De plus, il y a une certaine fréquence, comme une moyenne, une fréquence plus élevée. Je veux augmenter légèrement les fréquences de sonnerie parce que je trouve que ça sonne très bien. Cette fréquence. abord, je vais utiliser un filtre passe-haut juste pour me débarrasser d' une grande partie de ces bruits de basse superflus. Encore une fois, nous pouvons entendre qu'il se passe beaucoup de choses ici. Je ne veux pas trop le supprimer . Je vais peut-être me déplacer dans cette zone, la descendre un peu plus bas. Tous ces trucs vraiment bassy ont été remplis par la basse. Nous voulons laisser un peu plus de place à la basse, il est donc logique de la supprimer. Contrairement à tout le reste, il est très important toujours activer et désactiver un effet, en solo et de le dissoler afin de dire exactement quel effet il produit dans le contexte d'une chanson. Essentiellement, vous ne voulez pas vraiment faire mouvements s'ils ne font aucune différence Vous devez donc toujours être vraiment conscient de ce que vous faites et vous voulez vraiment toucher égalisation le moins possible. Ensuite, je veux juste réduire un peu ce bas de gamme. Je vais utiliser une étagère pour réduire tout ce bas de gamme. De plus, ce qui est bien cet égaliseur, c'est que vous pouvez simplement l'activer et le désactiver pour entendre facilement ce que vous faites. Encore une fois, si je mixais cette guitare toute seule, beaucoup de ces fréquences sonnent plutôt bien. Nous ne voudrions peut-être pas tous les supprimer. Mais comme je sais que j'ai une basse et que j'ai plusieurs autres instruments qui remplissent ce bas de gamme, je suis à l'aise avec l' idée de l'emporter. Ensuite, nous avons parlé de la suppression de ce super haut de gamme. Certaines de ces fréquences inutiles n' fréquences inutiles y ajoutent rien. Nous pouvons donc utiliser une autre passe, une passe basse et simplement incliner Nous pouvons donc utiliser une autre passe, une passe cette sortie très haut de gamme. Maintenant, ce que beaucoup de gens aiment faire dans EQ, c'est supprimer les bourdonnements indésirables ou simplement les fréquences désagréables. Beaucoup de gens suivent cette règle qui consiste à émettre un Q très étroit et à écouter un son jusqu'à ce que vous entendiez une fréquence désagréable. Ensuite, une fois que vous aurez trouvé cette mauvaise fréquence, abaissez-la maintenant et supprimez-la. Maintenant, cela fonctionne bien s'il y a un certain bruit que vous pouvez entendre et dont vous voulez vous débarrasser lorsque vous l' écoutez simplement. Mais le problème, c' est que si vous écoutez une fréquence que vous n'aimez pas, lorsque vous augmentez les fréquences à ce point, toutes les fréquences peuvent sembler désagréables. Ensuite, si vous supprimez cela, vous infligez plus de dégâts au cours du processus au lieu d' apporter des améliorations. Vous devez vraiment écouter et déterminer ce que vous voulez changer avant de commencer à déplacer ces questions. Mais disons que nous avons eu un crépitement étrange ou quelque chose comme ça. Nous pouvons l'utiliser pour déterminer où se trouve ce son étrange, puis nous pouvons le localiser et supprimer cette fréquence du son. Mais il vaut la peine de dire que si vous utilisez cette technique de découpe, il est toujours judicieux d'utiliser un Q assez étroit, car nous ne voulons pas supprimer trop de supprimer trop de fréquences agréables qui composent ce son Nous voulons donc vraiment réduire la fréquence exacte que nous voulons avec un Q. très étroit Cependant, en revanche, si nous Je veux donner un coup de pouce à n'importe quelle zone, par exemple, je voulais essayer de réduire cette belle fréquence de la guitare, ce son presque maladroit et grinçant. Mais lorsque nous l'utilisons, nous voulons faire en sorte que le Q soit assez bas. Nous ne voulons pas que ce soit trop radical, car cela sonnera un peu anormal faut donc que le Q soit assez large. Le vieux dicton dit de couper étroitement et de développer large. C'est exactement ce que nous allons faire ici. Cela permet juste de faire ressortir un peu plus ce grattage rapide. Beaucoup de gens aiment suivre la règle qui consiste à réduire le renforcement chaque fois que possible, ce avec quoi je suis d'accord dans une certaine mesure. Je pense que vous devez vous concentrer principalement sur la suppression des fréquences désagréables et sur la mise en forme du son pour qu'il fonctionne avec les autres instruments. Cependant, si vous voulez ajouter un peu de haut de gamme ou simplement accentuer une certaine fréquence, plutôt que d'avoir à enregistrer à nouveau une guitare et à régler l'ampli, simple fait d'apporter ces petites différences à l'égaliseur peut simplement l'augmenter . Écoute de la piste de référence. Il est en fait un peu plus présent au milieu que le mien. Encore une fois, revenons en arrière et ajustons peut-être un peu cela. C'est le truc, vous pouvez expérimenter et ajuster au fur et à mesure. Vous pouvez ajuster ces éléments autant que vous le souhaitez. Écoute-le maintenant, je veux peut-être un peu plus de fréquence. Il convient également de dire que les gens n'ont pas tendance à devenir trop fous avec les boosts. Une fois que nous aurons atteint plus de 10 points de gain et que nous aurons atteint ce niveau, les choses vont commencer à sembler un peu étranges. Souvent, les gens aiment amplifier le son de manière assez modérée et simplement apporter petits ajustements au son. Donc, pour vous donner un avant et un après. Maintenant, je sais que cela peut sembler subtil, surtout quand on a écouté tout le reste. Mais comme je le disais tout à l'heure, c'est environ un pour cent à la fois. Une fois que nous aurons ajusté tout le reste, il y aura une différence beaucoup plus perceptible. Encore une fois, c'est comme découper une chanson, et plus on peut découper d'instruments avec un peu d'égalisation, plus chacun d'eux deviendra clair. Par exemple, nous voulons laisser un peu de place cette guitare parce qu'elle est assez difficile à entendre Nous pouvons donc couper certaines fréquences du son d'orgue et du son de basse. Et tout à coup, cette guitare va devenir un peu plus claire. Continuez à apporter de petits ajustements à l'égaliseur de chaque instrument. peut que vous deviez revenir à certains instruments , à l'égaliseur, à d'autres, car les fréquences changent constamment au fur et à mesure que vous égalisez. Je te verrai dans la prochaine leçon. Merci, les gars. 13. Déterminer: Salut les gars, bon retour. Dans la prochaine leçon, nous allons parler du panoramique. Le panoramique est très simple. Il suffit de déplacer nos instruments vers la gauche ou droite pour créer une scène sonore plus large pour notre mixage. Si vous allez voir un groupe jouer en direct, les membres du groupe seront répartis sur la scène de gauche à droite. Ils ne seraient pas tous debout l'un en face de l' autre parce que ce serait vraiment bizarre, n'est-ce pas ? Cela semblerait également assez étrange, n'est-ce pas ? Tous ces sons qui viennent d' une direction étroite, ça ne sonne pas bien. C'est comme essayer d' écouter un mix dans un tube. Ce que nous pouvons faire avec le panoramique, c'est disperser nos instruments dans le champ audio pour créer un son plus étalé et équilibré à notre mix et donner beaucoup de profondeur et d'effet 3D à notre mixage. Cela facilite également l' écoute, car plutôt que les choses ne se chevauchent dans le même espace, nous pouvons déplacer certains éléments ici, autres là-bas, et placer chaque instrument autour de l'auditeur plutôt que de le placer tous devant. Nous pouvons maintenant utiliser le panoramique comme bon nous semble. l'espace qui convient le mieux à chaque instrument peut être un processus assez créatif Trouver l'espace qui convient le mieux à chaque instrument peut être un processus assez créatif. Mais il y a quelques règles de base sensées à suivre. La première consiste à garder les véritables instruments de base ou les instruments de basse lourds au milieu. Comme la batterie et la basse, si elles sont mises de côté, parce que c'est un son tellement dominant, vous pouvez avoir l'impression d'être déséquilibré à certains égards. Il en va de même pour le chant ainsi que pour la ligne vocale principale. Vous ne voulez pas vraiment le déplacer vers la gauche. Vous voulez que cela soit au premier plan. Ce sont les instruments que vous voulez vraiment garder entre les deux. Mais avec la plupart des autres, nous pouvons vraiment jouer avec le panoramique. Une autre bonne règle de base est de toujours garder cet équilibre à l'esprit lorsqu' il s'agit de panoramique. Si vous imaginez une balance, nous ne voulons pas surcharger un côté, car encore une fois, le son sera un peu déséquilibré Essayez donc de vous assurer qu'il y a un équilibre entre les instruments à gauche ou à droite. Sur Logic, il est très facile de trouver le panoramique Il suffit de ce cadran pour que nous puissions aller vers la droite ou vers la gauche. Comme vous le voyez, nous pouvons l'emporter à 64 endroits différents. Beaucoup d'espace de travail. Pour cette guitare solo, je vais la retirer vers la droite. Vous pouvez déjà l'entendre un peu plus clairement maintenant, c'était difficile dans le mix avant, mais c'est beaucoup plus clair. Je suis d'accord avec ces piles vocales. Je vais juste faire des expériences et les déplacer un peu partout. Ça va ressembler à ce calme cool qui nous entoure. Je viens de parcourir la plupart des instruments de cette section un peu partout. Je pense que ça sonne plutôt bien comme ça. Ça a l'air cool. Certains d'entre vous ont peut-être remarqué qu'ici, j'ai trois voix principales. Cela semble un peu bizarre, n'est-ce pas ? Pourquoi les ai-je fait ? Une autre chose que nous pouvons faire avec le panoramique qui est vraiment cool, c' est ce que l'on appelle le double suivi. Il s'agit essentiellement d'enregistrer deux des mêmes enregistrements et de déplacer l' un vers la gauche et l'autre vers la droite. Cela se fait souvent avec une guitare acoustique, ainsi qu'une guitare rythmique. Cela lui donne une scène sonore beaucoup plus large et remplit réellement le champ stéréo au lieu d'une seule piste qui vous parvient au centre. En faisant passer deux choses, chaque enceinte a un son énorme et large. Maintenant, c'est génial avec la guitare et, pour être honnête, n'importe quel instrument que vous voulez vraiment élargir fonctionne également très bien. Maintenant, en ce qui concerne les voix, c'est une technique plus courante qui consiste à déplacer l'un vers la gauche et l'autre à droite, tout en gardant l'un centré. Essentiellement, trois titres ont tous été enregistrés légèrement différemment. Idéalement, le plus fort veut être au centre, puis nous allons le déplacer vers la gauche et la droite. Tu peux aussi devenir fou avec ça. Beaucoup de gens, comme Billie Eilish, superposent des tonnes et des tonnes de pistes doubles différentes et les diffusent un peu partout, et cela produit un son vocal énorme et gras. Pour moi, je vais garder une voix centrée, une à gauche et une à droite. Maintenant, ça ressemble à ça. Comparé à ça. Maintenant, si nous écoutons cela dans le contexte d'un mix. Maintenant écoutons-le sans la double piste. Tu vois à quel point on se sent beaucoup plus seul avec un seul. Maintenant, encore une fois, vous l'utilisez comme vous le souhaitez. Dans le premier couplet, je voulais que ça sonne un peu plus seul, alors j'ai juste choisi une voix pour cette section basse. Mais dans la version à double piste, avec tous les instruments, j' ai simplement fait ressortir la voix et leur a donné un peu plus de confiance, donc c'est du panoramique. Juste comme si vous changiez, faites fonctionner ces instruments dans différents espaces de nos écouteurs ou de nos haut-parleurs et créez ainsi une belle scène sonore large. Merci les gars. Je te verrai dans la prochaine leçon. 14. Réverbe: Salut les gars, bon retour. Dans la prochaine leçon, nous allons donc parler de réverbération. Donc, si vous êtes musicien depuis un certain temps, vous savez probablement déjà exactement ce qu'est la réverbération, c' est l'un des effets les plus utilisés de tous les temps. Mais si vous ne savez pas ce qu'est la réverbération, c'est essentiellement comme le son d'une pièce. Par exemple, si vous jouez dans une grande cathédrale, le son de votre voix votre guitare résonnera et rebondira dans la pièce d'une manière très différente que si vous jouiez de la guitare dans une petite pièce. Nous utilisons donc un effet de réverbération numérique pour essayer de recréer l'impression qu' un instrument se trouve de recréer l'impression qu' dans une pièce . Cela donne une performance, une tonne de vie, donne l'impression que c'est réel et qu'il est joué dans un espace naturel. Mais cela peut aussi créer l'illusion que l'instrument est plus éloigné de l'auditeur. Cela signifie que nous pouvons réellement retarder le mixage en utilisant la réverbération plutôt que de régler le volume. Cela a davantage d'impact atmosphérique. Donc, si vous vous souvenez de notre leçon précédente, plutôt que de mettre une réverbération sur chaque piste, je vais créer un nouveau bus. Je vais en faire notre sonorité de réverbération principale. Pourquoi est-ce que je l'appelle Lead Reverb ? Donc, comme je le disais il y a une seconde, nous pouvons soit utiliser la réverbération pour ajouter caractère, soit pour remettre les instruments dans le mix. Personnellement, ce que j'aime faire, c'est créer un bus pour une sorte de réverbération principale. Nous allons donc faire ressortir nos instruments principaux grâce à cette jolie réverbération. Mais il en va de même pour ceux que nous voulons utiliser, comme les effets ambiants et les repousser dans le mix. En fait, je vais créer une réverbération légèrement différente pour celui-ci. Je vais créer un nouveau bus pour que cela continue. Ainsi, chaque plugin de réverbération aura un aspect un peu différent. J'utilise simplement le plugin de réverbération standard de Logic. Cela semble un peu effrayant avec tous ces différents cadrans, mais c'est en fait beaucoup plus simple qu'il n'y paraît. Mais examinons chacun de ces cadrans afin savoir exactement avec quoi nous travaillons. Tout d'abord, nous pouvons souvent modifier les sons de la pièce. Comme je le disais il y a une minute, nous pouvons choisir n'importe lequel de ces différents espaces pour créer un son cool. Alors jouons un peu. J'entends le son de cette réverbération de chambre. Je vais m'en tenir à ça pour le moment. Maintenant, si nous descendons ici, vous verrez qu'il y a un curseur sec et humide. Donc, tout cela vous permet de régler la quantité de signal sec et humide qui sort de cette réverbération. Le sec est juste l'enregistrement sans aucun effet sur celui-ci, et le signal humide est le signal affecté. Donc, celui sur lequel nous avons une réverbération. Vous voyez, au fur et à mesure que nous montons, cela devient de plus en plus efficace. Nous pouvons ainsi équilibrer la mesure dans laquelle la réverbération affecte le signal. Maintenant, parce que nous l' utilisons comme voix principale. Je voulais avoir beaucoup de signal sec entrant, et je voulais avoir une réverbération. Mais encore une fois, je ne veux pas être trop mouillée car cela me ferait trop reculer dans le mix. Mais dans ma réverbération ambiante, je vais en faire un canal beaucoup plus humide. Vient ensuite le temps de décroissance. Il s'agit donc essentiellement de la durée de la réverbération, mesurée en secondes. C'est donc très facile à comprendre. Si on augmente le taux de dégradation. Vous voyez la longueur cette traînée de réverbération. Alors qu'avec le resserrement, cela s'estompe beaucoup plus rapidement. Encore une fois, pour un instrument principal, je le choisirais plus court, et pour plus d'ambiance , je mettrais un peu plus d'ambiance, et à part ça, c'est vraiment une question de goût. Encore une fois, jouez toujours en solo et racontez ces choses de temps en temps pour voir la différence que vous faites. Ça a l'air plutôt bien. Nous pouvons également cliquer sur ce bouton et ajouter nombre de mesures pour lesquelles nous voulons que la voix dure. Nous pouvons donc l'utiliser un peu plus en mathématiques si nous le voulons. Je pense que la prochaine chose la plus importante est le délai préalable. Le pré-délai est donc essentiellement le temps qu'il faut pour que la réverbération se déclenche. Dans cet exemple, lorsque Harriet commence à chanter, la réverbération ne se déclenche pas immédiatement quelques millisecondes avant le début de la réverbération, et c'est là que se situe le pré-retard. Donc, plus on augmente plus le délai est long, ce qui va vraiment exagérer la réverbération et la rendre plus perceptible. Encore une fois, nous pouvons l'augmenter pour obtenir une réverbération plus ambiante, mais si vous voulez qu'elle soit un peu plus proche de la voix normale, je vous recommande de passer en dessous de 15 millisecondes. La plupart des réverbérations seront également livrées avec un paramètre EQ. Ce truc ici, et cela vous permet essentiellement façonner l'égaliseur de la réverbération. Nous pouvons le faire à la fois pour le signal entrant et le signal sortant. Dans l'ensemble, nous ajustons le signal EQ entrant. Sur les détails, nous ajustons le signal EQ sortant. Ne vous inquiétez pas trop à ce sujet si vous êtes débutant. Tout ce que cela nous permet de faire, c'est prendre ce que nous avons appris sur l'égalisation lors notre dernière leçon et de l'appliquer à la réverbération et à son fonctionnement. Nous pouvons utiliser un filtre passe-haut pour réduire l'un de ces sons boueux ou nous pouvons utiliser un filtre passe-bas pour obtenir une réverbération plus sombre , ou nous pouvons faire les deux et obtenir une réverbération intermédiaire vraiment concentrée. Ensuite, nous pouvons également entrer dans les détails et faire de même avec la réverbération qui sort. Mais je ne vais pas trop m'attarder là-dessus aujourd'hui. J'ai l'impression que c'est tellement difficile à prendre en compte. Nous allons donc nous concentrer sur ces cadrans pour le reste de la leçon. Voici les cadrans que vous voyez ici et ici. Votre réverbération ne les contient peut-être pas, mais au cas où c'est le cas, je vais les passer en revue très rapidement. Le premier est l'attaque. Maintenant, plus l'attaque est rapide, plus les reflets de réverbération s'accumulent rapidement. Mais si nous ralentissons, ils s'estomperont davantage au fil du temps. C'est tellement subtil. Cela sera plus visible sur les réverbérations ambiantes en solo. La taille est assez explicite, car elle influe vraiment sur la taille de la pièce. C'est assez subtil, surtout dans cette chambre car c'est une pièce assez petite que nous reproduisons. La densité contrôle la quantité de reflets, qui rebondissent. Donc, si vous imaginez qu' un son est émis et qu'il rebondit sur les murs, demandez combien de fois il est réfléchi. Encore une fois, toutes ces choses sont très subtiles et la distance est la distance perçue entre vous et l'instrument joué. Encore une fois, pour ce morceau d'ambiance, si vous voulez repousser quelque chose dans le mix, nous pouvons augmenter cette distance, mais avec un instrument principal comme celui-ci, nous voulons faire mais avec un instrument principal comme celui-ci, écho un peu plus près. Comme toujours, commencez à l' écouter en même temps le morceau normal et mixez-le pour obtenir le meilleur son. Cool. Qu'est-ce qui est génial ? Si je veux régler l' intensité de cette réverbération dans les voix, je peux simplement utiliser ce style de petit bus ici. Et si je voulais en faire plus ? Maintenant, je peux utiliser toutes ces connaissances pour créer un autre bus de réverbération, dont je peux créer la réverbération ambiante. Je peux créer un canal où les réverbérations sont vraiment exagérées et cela va légèrement faire reculer les choses dans le mix. Mais cela va tout de même leur ajouter beaucoup de caractère. Ce qui sonne vraiment bien avec des chœurs ou tout autre instrument de style ambiant. Maintenant que je les ai dans mes bus, je peux simplement passer en revue chacun de ces instruments et choisir le bus vers lequel les envoyer. Alors, par exemple, allons-y pour ce coup de pied. Ajoutons le bus et nous voulons en faire une sonorité de réverbération principale, car elle sera très présente. J'ajuste le style. C'est donc notre leçon sur la réverbération. Je te verrai dans la prochaine leçon. 15. Décalage: Salut les amis, bon retour. Dans la prochaine leçon, nous allons parler du délai. Le delay est souvent confondu avec la réverbération et c'est pour une bonne raison car ils sont tous deux assez similaires, mais ils sont en fait un peu différents. réverbération émule les ondes sonores réfléchies services pour créer un espace tridimensionnel, tandis que la fonction Delay crée une copie du son tel qu'il est émis et le diffuse, mais à certains intervalles pour créer un effet d'écho, comme si vous parliez dans une grande grotte ou quelque chose comme ça, puis ces reflets vous reviennent. C'est ce que fait le retard. Je pense que c'est comme une extension de la réverbération, nous ne faisons qu'ajouter de l'espace et de la dimension à un son. Ce qui est vraiment bien avec les retards, c'est que c'est très simple. Encore une fois, pour nous faciliter la tâche, je vais réduire le délai. Oui, la vie est beaucoup plus facile pour moi. Il y a du retard. Passons maintenant à la logique, il y a quelques retards différents. Maintenant, je ne vais pas m'étendre trop longuement sur le sujet. Je ne vais en utiliser qu' une petite partie sur ce morceau. Il existe ce plugin d'écho de base, qui est très facile à utiliser, mais qui nous donne tout de même un bon contrôle sur le type de retard qui se produit. Je vais le mettre sur les voix et désactiver la réverbération des voix pour que vous puissiez vraiment entendre clairement ce que les retards se produisent ici. Comme vous pouvez l'entendre, c'est comme si vous faisiez rebondir ces ondes sonores sur nous , à la manière d'une pêche universitaire. Avec ces cadrans, nous pouvons simplement contrôler la façon dont cela fonctionne. Le mélange sec et humide, comme nous l'avons déjà expliqué, ne sont que les niveaux affectés. Le cadran ne fait que déterminer le nombre de répétitions qui résonnent et à quels intervalles elles se produisent. On peut devenir complètement fou avec ça. Nous pouvons faire les échos en triplets ou en pointillés. a juste un quart de temps, ou on peut aller directement à l' autre bout et partir à la seizième place. C'est beaucoup plus rapide. Ou on peut opter pour un triplet. Nous ne faisons que choisir ce qui semble vraiment intéressant. C'est plutôt sympa de trop s'aligner sur le timing de votre chanson. Vous ne savez pas grand-chose sur les rythmes pour savoir comment cela fonctionne, il suffit d'activer votre match. Ce huitième correspond à notre chanson, mais si nous la transformons en triplet, vous verrez que c'est parce que nous n'écrivons pas en triplet, c'est un peu plus contraire à la réalité. C'est arrivé à point nommé, mais cela crée un effet différent. C'est bien plus exagéré comme ça. J'ai beaucoup aimé le son du One Huitième. Ça me semblait plutôt bien. Je vais juste baisser un peu le signal humide. C'est juste la durée du délai. Il y a des tas d'échos qui nous parviennent là-bas. Mais si on le baisse à droite, c'est beaucoup plus court. Nous contrôlons simplement la quantité de retard, et enfin, la couleur aura une incidence sur la plage de fréquences occupée par les retards. En général, en cas de retard, vous pouvez obtenir un indice haut et bas pour déterminer l'origine de ces retards, mais ce cadran couleur nous facilite encore plus la tâche. Nous pouvons simplement choisir la zone du spectre de fréquences sur laquelle nous voulons nous concentrer. Plus bas ou plus haut. Exagérons-le et optons d'abord pour le haut de gamme. Ces retards se produisent davantage dans le haut de gamme, mais également, si nous parvenons à les réduire. Ces retards se font désormais de plus en plus rares. Encore une fois, jouons simplement une chanson et équilibrons celle-ci jusqu'à ce qu'elle sonne bien. En ajoutant juste un léger délai, je ne veux pas que cela soit trop apparent Cela remplit simplement un espace entre les lignes et ajoute simplement les effets de les lignes et ajoute simplement pièce que nous créons avec la réverbération. C'est aussi simple que cela, et c'est à peu près tout. Nous pouvons travailler sur n'importe quel instrument dont nous voulons simplement prolonger la durée de vie, faire une expérience et voir de quoi vous aimez le son, et je vous verrai dans la prochaine leçon. 16. Automatisation: Ensuite, nous allons parler de l'automatisation. Dans le domaine de la musique, l'automatisation consiste à modifier certains effets ou volumes à certains moments d'une piste. Qu'est-ce que je veux dire par là ? Disons que vous avez équilibré le volume de votre morceau et tout sonne bien et équilibré dans le refrain, mais que vous jouez le couplet et que tout à coup, la guitare devient beaucoup trop forte. Ce que nous faisons, c'est automatiser le volume, de sorte que le couplet soit un peu plus faible, puis qu'il reprenne vers le refrain afin de mieux équilibrer les volumes sur l'ensemble du morceau, mais nous pouvons utiliser l'automatisation pour tous les effets. Disons que sur le chevalet, nous voulons simplement imprégner les voix de réverbération. Nous pouvons l'automatiser pour que la réverbération augmente et nous donne une tonne de réverbération agréable sur un chevalet, ou disons que vous voulez vraiment capter la distorsion dans un solo de guitare. Encore une fois, nous pouvons simplement automatiser la distorsion à détecter au cours de cette section. Maintenant, il convient de dire que cette partie du mix est très cruciale. Vous devrez passer beaucoup de temps à automatiser les volumes pour que tout soit vraiment bien équilibré. Avant de vous lancer dans l'automatisation, il vaut consacrer beaucoup de temps l'équilibrage des volumes et de vous assurer que vous en êtes vraiment satisfait, car il est désormais beaucoup plus facile de modifier les volumes et les bits. Accordez-vous une pause de 24 heures, revenez avec des oreilles fraîches, retrouvez l'équilibre des volumes, accordez-vous une autre pause, puis revenez et commencez à automatiser ces volumes, mais ne vous inquiétez pas trop. Nous pouvons toujours régler le volume après une automatisation, cela devient juste un peu plus délicat. Il s'agit d'une automatisation de l'accès basée sur la logique, nous pouvons simplement sélectionner la piste à laquelle nous voulons ajouter une automatisation et appuyer sur A. Maintenant, nous pouvons zoomer et vous pouvez y voir cette légère ligne grise. C'est notre ligne d'automatisation. Maintenant, si nous regardons en arrière vers la piste, nous verrons que les différentes barres sont apparues. Il s'agit d'un paramètre d'automatisation. Nous pouvons cliquer dessus et modifier l'effet utilisé sur l'automatisation. Nous pouvons régler la compression ou l'égaliseur, mais nous allons nous en tenir au volume pendant une minute. Si je joue le morceau de la première section, nous n'avons pas encore mixé la chanson jusqu'à présent, ces voix sont juste un peu fortes avec cette guitare. Je tiens également à rendre toute la section un peu plus silencieuse avant que tous les instruments n'entrent en car si nous augmentons le volume, lorsque tous ces éléments entrent en jeu, lorsque tous ces éléments entrent en jeu, cela créera un peu d'excitation. Je veux que la première section du couplet soit un peu plus calme. Tout ce que j'ai à faire est de cliquer sur la barre, de cliquer à nouveau pour créer ce nœud. Nous pouvons déplacer ce nœud de haut en bas. C'est ce qui va modifier le volume. Je viens de le réduire de moins 2,5 dB dans le couplet, puis je vais simplement cliquer sur un autre nœud et sur un autre ici, et je vais juste le ramener là où il était à plus 1,7. Nous pouvons passer à ce cadran et vers le haut et vers le bas pour être vraiment précis. Ramenez-le à 1.7 et c'est assez clair visuellement. Nous sommes juste en train de le baisser pour cette section , puis le volume augmente. Lorsque la voix revient pour cette section chorale, elle a été renforcée. Je vais également le faire avec la guitare Manne. Je veux qu'il soit descendu, puis je veux l'intégrer lentement au refrain. Maintenant, cela vaut la peine de dire que pour quelque chose comme ça, où le son est constant, nous n'avons pas de pause où nous n'avons pas de pause où la hausse du volume sera très perceptible, nous voulons rendre la courbe assez subtile parce que vous ne voulez pas monter soudainement parce cela va sembler un peu étrange comme ça. Si je trouve d'où vient le refrain, c'est là que nous voulons que se trouve notre prochain nœud. Nous voulons qu'il atteigne ce volume au fur et à mesure que nous entrons dans le chœur. Je veux faire une pente très douce et je vais juste baisser un peu cette guitare. Vous pouvez voir que le volume augmente très doucement là-haut et que cela crée presque de petites barres. Vous pouvez à peu près remarquer que le volume augmente et que quelque chose est sur le point de se produire. Comme je l'ai dit, il est vraiment essentiel que si vous mixez une chanson entière, automatisez autant que possible et chaque section soit équilibrée . Passez beaucoup de temps ici et étudiez attentivement la façon dont ces volumes sont tous équilibrés, mais nous pouvons également faire preuve d'un peu plus créativité grâce à l'automatisation. Par exemple, cette guitare grinçante que j'ai ici sonne bien, mais je pense que ce serait vraiment cool si ce son était diffusé au fur et à mesure qu'il est joué. Je pense que cela ne fait qu'ajouter de l'espace 3D et je trouve que j'ai l'air cool. Si nous passons au volume, nous pouvons plutôt sélectionner le panoramique. Soyons absolus. Ensuite, je vais le démarrer complètement à gauche et je vais l'automatiser vers la droite. Comme précédemment, nous allons choisir un nœud. Je vais le déplacer de cette façon, puis à la fin, je veux qu'il se retrouve de l'autre côté. Il commence en fait par la droite et va sur le côté gauche. La suite commence ici, donc je vais juste m'y attarder un peu. J'espère que vous y entendrez que la guitare a été déplacée autour de notre tête. À quoi cela ressemble-t-il maintenant ? C'est vraiment cool. Passez beaucoup de temps ici, faites preuve de créativité et voyez quels effets sympas vous pouvez créer avec ce mixage et votre mix sera absolument génial. Je vous le garantis. Notre mix est presque là. Nous allons parler de quelques effets intéressants dans la prochaine leçon, alors je vous y verrai. 17. Déoration, excitation et chœur: Hé, mes amis. Bon retour. Dans la prochaine leçon, nous allons parler de quelques effets vraiment intéressants que nous pouvons ajouter à notre morceau pour simplement ajouter un peu d'intérêt. Cela vaut la peine de dire que vous pouvez vous arrêter ici si vous le souhaitez, nous avons parcouru la majeure partie du mix. Mais il n'y a que trois effets en particulier qui ajoutent une touche de vie à notre mix et ils sont très faciles à utiliser Je vais donc les passer en revue rapidement maintenant. La première est la distorsion. Un effet très populaire, vous en avez probablement déjà entendu parler. Il ajoute du caractère, la chaleur et du cran à un morceau. Il est beaucoup utilisé dans les guitares, les espaces, les batteries, les publicités, un peu plus d'agressivité et un peu plus de punch sur un morceau. Mais la distorsion peut brouiller un mixage si nous l'utilisons de manière excessive Nous devons donc faire attention à la quantité de distorsion que nous appliquons à quelque chose. Pour moi, je veux ajouter un peu de distorsion à cette guitare solo. J'ai ajouté un plugin de distorsion, très simple à utiliser, nous ne faisons que régler l'avant-jeu, le drive et la tonalité. n'y a pas de bonne ou de mauvaise façon de l'utiliser, suffit de jouer avec ces cadrans jusqu'à ce que vous obteniez le son qui vous convient. Encore une fois, nous voulons être comme si nous jouions en solo, en allumant et en éteignant, en écoutant avec le morceau et sans. Chaque réseau social sera un peu différent, mais cela y ajoute un peu de cran. C'est avant et après. Je le conduis un peu plus. Je baisse un peu le volume, c'est très subtil, mais j'ai juste ajouté un peu d'intérêt. Ensuite, il y a un excitateur. Un excitateur va essentiellement ajouter des sons plus harmoniques pour attirer. Cela rendra les choses plus lumineuses, plus vives et plus scintillantes. Il amplifie essentiellement une grande partie des hautes fréquences, il peut ajouter beaucoup de clarté pour attirer. Pour sauver quelque chose qui est enfoui dans le mix, ajout d'un excitateur peut le faire ressortir un peu plus. Il est très souvent utilisé pour des choses comme le chant, qui peut également ajouter beaucoup d' énergie à la batterie, en particulier avec les symboles et d'autres choses de ce genre. C'est exactement ce que je vais faire. Je vais ajouter une touche d' excitation à notre ascension. Encore une fois, c'en est une autre très simple. Avec cela, nous ajustons simplement plage de fréquences dans laquelle nous voulons que l'excitateur fonctionne, et nous ajustons ces harmoniques pour que vous puissiez entendre le son. Les harmoniques sont l' intensité de l'excitateur, et ce curseur va nous permettre de nous concentrer sur la fréquence que nous voulons exagérer. Avant, après, c'est très excitant, je vais jouer avec le morceau et le mixer. Cela donne de l'éclat à ce manège , l'aide à se démarquer dans le mix et ajoute une belle touche de haut de gamme au son général du mix. Un excitateur peut ajouter un peu de dureté et trop de luminosité au mélange. Encore une fois, gardez cela à l'esprit, vous ne voulez pas en abuser, vous voulez l'équilibrer pour qu'il sonne bien. Nous ne l'utilisons pas sur trop de choses, car le mix serait alors très dur. Le dernier est le chœur. Encore vous avez peut-être entendu parler du chorus une fois, vous avez peut-être entendu parler du chorus. Il s'agit essentiellement d'un effet audio sympa qui ajoute de l'épaisseur et de la profondeur à un son, mais il est très caractéristique et va ajouter une dynamique très différente à un instrument, et il sonne un peu comme ça. Avant, effet très célèbre était utilisé sur de nombreux morceaux du Nevada, si vous l'aviez remarqué. Encore une fois, il n'y a pas vraiment de bien ou de mal à cela. Nous pouvons simplement ajuster ces trois jours jusqu'à ce que cela semble correct. La droite sera la rapidité avec laquelle ces fréquences ne vacillent pas. L'intensité, qui s'explique d'elle-même, et le mélange s'explique également de lui-même. En utilisant le refrain, nous élargissons l'image stéréo afin que la guitare occupe un peu plus de place dans le mixage. Il ajoute également des effets de spirale, ce qui donne couche intéressante et intéressante au son. Il est très souvent utilisé avec des voix une bonne épaisseur et peut améliorer les voix. Mais pour aujourd'hui, je vais juste le laisser sur cette guitare d'élite, je trouve que ça a l'air cool. Mais encore une fois, il est important de ne pas exagérer, car trop de refrains sur trop de choses peuvent créer beaucoup de boue dans le mix. C'est l'occasion pour vous de vraiment vous amuser avec ces effets sur différents instruments et de voir quels sons créatifs vous pouvez créer. Nous avons presque terminé maintenant. Il y a quelques points que je voudrais aborder lors de nos dernières vérifications afin de m'assurer que ce mix soit aussi bon que possible Je vous verrai donc dans la prochaine leçon. 18. Vérifications finales: Notre mix devrait sonner plutôt bien maintenant. Nous avons passé beaucoup de temps à analyser et à ajuster tous ces différents éléments pour que tout sonne le mieux possible, et nous avons également apporté notre propre touche artistique au mix. Le moment est venu de vraiment réduire la taille. S'il y a quelque chose qui ne nous plaît pas ou si nous voulons changer quelque chose, c'est le moment de revenir en arrière et d'apporter ces petites modifications pour vraiment le peaufiner. À ce stade, je me donne au moins 12 heures, voire 24 heures, pour faire une pause, laisser tes oreilles se réadapter au monde normal plutôt que d'entendre la même chanson encore et encore. Lorsque vous reviendrez au mixage un jour ou deux plus tard, vous vous contenterez de sélectionner éléments qui ne vous conviennent peut-être pas ou que vous n'aviez pas remarqués auparavant lorsque vous reviendrez au mixage du morceau. J'écoutais la chanson du début à fin et je prenais des notes sur tout ce qui se passait. Plutôt que d'essayer de l' ajuster au fur et à mesure que vous l'entendez , prenez simplement de nombreuses notes, , prenez simplement de nombreuses notes, puis après avoir écouté la chanson une ou deux fois, c'est le moment de revenir en arrière et de parcourir la liste que vous avez faite. N'oubliez pas votre piste de référence, comparez-la toujours aux deux pistes de référence que vous avez définies. Ils seront vraiment votre étoile polaire, car ils ont été mixés et conçus par des personnes très probablement très professionnelles. Donc, le fait de toujours faire des allers-retours entre cette piste de référence et la vôtre cette piste de référence et la vôtre vous permettra de mieux comprendre ce qui doit changer ou la position que vous souhaitez attribuer à chaque instrument ou à chaque son. Vous devez également garder à l'esprit que si vous avez modifié un excitateur, une distorsion ou tout autre effet, cela peut très bien changer la façon dont vous égalisez un instrument en particulier. Par exemple, si vous avez ajouté un peu de distorsion à quelque chose et que cela semble un peu trop dur, vous pouvez simplement revenir directement à cet égaliseur et peut-être en extraire un peu le haut de gamme. Ou si vous avez ajouté de la compression à quelque chose, cela peut le rendre un peu plus silencieux. Vous devrez peut-être revenir en arrière et régler le volume. Il est également très important d'écouter votre mix dans autant d' environnements différents que possible grâce à différents haut-parleurs dans différentes pièces et à différents écouteurs. Écoutez le mix dans votre voiture, trouvez le haut-parleur le moins cher et le pire que vous puissiez trouver. Vous mixez peut-être très bien des écouteurs ou des haut-parleurs spécifiques, mais vous devez garder à l'esprit que le système audio de chacun sera différent. Vous voulez donc vraiment créer un mix qui fonctionne le mieux dans de nombreuses pièces, haut-parleurs et autres choses du genre. Très souvent, les ingénieurs de mixage ont un haut-parleur pourri sur leur bureau, sur lequel ils écoutent le morceau et décisions de mixage sur ce très mauvais haut-parleur, car c'est souvent avec ce haut-parleur que les gens écoutent de la musique. C'est aussi une bonne idée de demander l'avis d'autres personnes. Si vous avez des amis ou famille qui s'y connaissent un peu en musique, voyez ce qu'ils en pensent, ce qui leur semble ne pas tout à fait correct. Quelqu'un d'autre que vous qui aura une oreille complètement nouvelle sur un morceau entendra les choses très clairement. Si vous n'avez aucun ami musicien capable vous donner cette analyse critique, hésitez pas à l'envoyer dans ce projet de classe. Comme je l'ai dit plus tôt, j'écoute et réponds à chacune d'elles. Si vous avez besoin d'aide ou de conseils ou si vous voulez juste que j'aille voir votre groupe ou quoi que ce soit d'autre, n' hésitez pas à le publier dans cette description, j'adore vraiment entendre ce que les gens proposent. Si votre mix sonne vraiment bien et que vous en êtes vraiment content, le point suivant est souvent le mastering. Le mastering est l'art de mixer le morceau dans son ensemble. Plutôt que d'équilibrer le volume chaque instrument ou d'ajouter compression à chaque instrument individuel, mastering affecte le morceau dans son ensemble. Nous exportons souvent le mix tel quel, puis nous l'intégrons dans un projet distinct afin de ne pas modifier les niveaux. Maintenant, je pense que le mastering mérite vraiment sa propre classe. Nous n'allons donc pas en parler aujourd'hui, mais si vous en êtes à un stade où vous souhaitez publier cette musique, vous pouvez télécharger des programmes comme Ozone 9. C'est un programme que j' utilise tout le temps et utilise essentiellement l'IA pour masquer votre trace. C'est super facile. Vous pouvez également envoyer votre piste à des entreprises hautement professionnelles comme LANDR, maîtriseront votre piste avec certains des meilleurs ingénieurs et les meilleurs équipements du monde, souvent à un prix très bas. Cela ajoutera vraiment la cerise sur le gâteau à votre chanson, son complet et prêt à être diffusé. Nous avons presque terminé. Je vais dire quelques derniers mots dans la prochaine leçon, donc je vous y verrai. 19. Leçon finale: Salut les amis, bon retour, alors vous l'avez fait. Vous êtes ici à la fin du cours et merci beaucoup d'être restée avec moi tout au long de ce cours J'espère vraiment que cela vous a été utile et que vous retiré de nombreuses informations utiles. J'espère que vous vous sentez un peu plus à l'aise maintenant lorsqu'il s' mixer et de façonner la chanson, comme vous l'aimez. Cela va sans dire, mais il reste encore beaucoup à apprendre sur le mixage. C'est un peu comme un art obscur. Il y a tellement de techniques, de façons de faire les choses, plugins et d'effets différents avec lesquels jouer. C'est l'une de ces matières que vous apprendrez toujours et tout le monde fait les choses différemment mais il est fondamentalement impossible de vraiment entrer dans ce domaine sans d'abord connaître les bases manière prophylactique et approfondie, comme vos connaissances sur l'égalisation et la compression et tout nous avons parlé dans ce cours. J'espère vraiment que ce cours a jeté des bases vraiment solides pour vous. Mais cela vaut la peine de dire que les sujets que nous avons abordés dans ce cours suffisent à eux seuls à obtenir des sons vraiment professionnels à partir d'un mix. Il y a tellement de choses différentes à apprendre et à savoir sur le mixage. Si vous implémentez ce que vous avez appris dans ce cours dans vos propres pistes, pensez à l'envoyer dans ce projet de classe. Honnêtement, j'adorerais savoir ce que vous faites. Honnêtement, l'une de mes choses préférées dans la création de cours, c'est que l'interaction avec les personnes qui envoient leur personnel légitimement me fait toujours plaisir quand j'en vois une fenêtre contextuelle. Si vous souhaitez partager ce sur quoi vous travaillez ou si vous souhaitez avoir des commentaires et des critiques à propos d'un projet, n' hésitez pas à l'envoyer sous forme de projet Stack Class En général, j'adorerai savoir ce que vous avez fait. De plus, si vous avez des questions, hésitez pas à nous contacter. Je réponds à chaque question envoyée du mieux que je peux. Vous pouvez soit les envoyer aux discussions dans le cadre de la page du cours, soit m'envoyer un e-mail ou m'envoyer un DM sur Instagram. Je sais qu'ils peuvent avoir l'impression d'être un peu déconnectés des professeurs et des cours en ligne mais sincèrement, je suis ici pour vérifier mes discussions et mes e-mails comme tous les jours. N'hésitez pas à nous contacter et à nous contacter si vous le souhaitez. J'adorerais t'aider si je le peux. Enfin, si vous avez apprécié ce cours ou si vous en avez tiré de bonnes informations une critique positive est honnêtement très appréciée. Ils ont un impact énorme sur les personnes comme moi qui organisent ces cours. Cela aide vraiment plus que vous ne le pensez. Si vous avez le temps, je vous en serais vraiment très reconnaissante. Je sais que vous êtes très occupé et que vous avez beaucoup de choses à faire, mais si vous avez deux minutes pour simplement cocher une case positive et dire « merci Mike », vous n' imaginez pas à quel point cela m'aide et merci d' avance si vous en avez l' occasion. Ça met fin aux choses. Merci beaucoup d'être restée dans les parages. Si vous voulez rester en contact, n'hésitez pas à m'ajouter sur Instagram ou à consulter ma chaîne YouTube si vous le souhaitez et je vous recontacterai très bientôt. Merci encore. Passe une bonne journée. Au revoir.