Maîtrise audio 101 : un guide pour les débutants en matière de maîtrise de la musique moderne

1. Introduction: Avez-vous entendu parler du mastering mais vous ne savez pas de quoi il s'agit ? Avez-vous toujours entendu parler de Martians, d' une sorte de note magique plus sombre ou vaudou Des garçons ont dormi pour vous ou avez-vous essayé le master et un résultat final incohérent et vos chansons sonnent à plat et compressées. Enfin, souhaitez-vous utiliser mastering pour créer une chanson au son fantastique ? mastering était certainement quelque chose de mystérieux lorsque j'ai commencé à en apprendre davantage à ce sujet. Dans ce cours, nous allons donc démystifier le mastering en vous enseignant mes fondamentaux masculins. Donc, si vous souhaitez en savoir plus sur les principes fondamentaux du mastering moderne, ce cours est fait pour vous. Je m'appelle Darin Smith, mais appelez-moi Smudge Je suis ingénieur de mastering et éducateur professionnel basé au Royaume-Uni. Et dans ce cours, je vais vous enseigner certaines des techniques et principes de base utilisés tant qu'ingénieur de mastering professionnel. Dans ce cours, vous apprendrez ce qu'est le mastering. Les termes courants associés au mastering moderne. Les principes de base de la normalisation du volume et la manière dont les plateformes de streaming traiteront vos chansons. Limitation et utilisation du limiteur dans un contexte de mastering, égalisation et de comptes qu' il a équilibrés dans votre chanson. Compression. Avez-vous besoin d'utiliser un compresseur et comment l'utiliser pour obtenir les meilleurs résultats en termes d'exportation et de conversion automatique et quels fichiers vous devez vraiment en afficher Après le cours, vous apprendrez les connaissances de base et maîtrise qui vous aideront à créer des chansons prêtes à être publiées. Si vous participez au cours, vous serez en mesure de démontrer votre compréhension de ce qui est maîtrisé et d'expliquer la terminologie de base. Appliquez vos connaissances sur la façon dont les plateformes de streaming ont modifié le volume de vos chansons. Et utilisez ces connaissances pour obtenir les résultats les plus percutants. Utilisation efficace du limiteur pour obtenir l'équilibre optimal entre le volume et la plage dynamique. Tirez le meilleur parti d'un égaliseur en utilisant larges mouvements d'égalisation pour définir vos chansons, comprenez le rôle de la compression dans le mastering et utilisez Compressor pour ajouter de l'équilibre et la cohésion à vos chansons et exporter vos chansons originales dans le monde entier. J'espère que vous avez apprécié ce cours et j'ai hâte de voir vos résultats dans la galerie de projets. 2. Projet du cours: Dans ce cours, j'ai créé un projet de classe dans lequel j'aimerais que vous maîtrisiez une chanson. Il peut s'agir de l'une de vos propres chansons ou d'une autre, nous sommes donc autorisés à l'utiliser. Mais si vous n'en avez pas , ne paniquez pas. De nombreuses chansons sont disponibles via la technologie musicale techno de Cambridge, votre site Web. Ce site Web propose des tonnes de chansons sur lesquelles vous pouvez vous entraîner. Je n'ai pas vraiment besoin de trouver quelque chose avec un micro démasqué. Téléchargez le fichier, puis vous pourrez utiliser cette chanson comme chanson pour votre projet de classe. Une fois que vous aurez trouvé une chanson d'eux, aimez-vous à maîtriser la chanson en utilisant les compétences acquises dans ce cours. Mais n'oubliez pas de vous donner votre propre personnalité. La maîtrise est un processus très créatif et je veux que vous utilisiez les conseils et les techniques que je souhaite vous montrer dans ce cours à titre indicatif. Donnez-lui votre propre personnalité et apposez-y votre propre empreinte. Mais surtout, fais confiance à tes oreilles. Une fois que vous avez maîtrisé l'été, nous n'avons pas utilisé la soumission de deux fichiers, l' un étant la version principale et l'autre la version préliminaire. Avant tout traitement, vous pouvez utiliser la section galerie de projets de cette classe pour télécharger vos chansons. Et j'aimerais que vous soumettiez quelque chose, peut-être St., comme un lien Google Drive ou Dropbox ou quelque chose de similaire. Vous pouvez également utiliser système de partage de fichiers de votre choix. Nous transposons généralement une bonne option ici, car vous pouvez transférer des fichiers d'une taille maximale de 2 Go gratuitement dans le cadre de leur plan tarifaire gratuit Je ne recommande pas l'utilisation liens YouTube et YouTube car le traitement YouTube affectera la qualité globale et le son de votre chanson. En plus des liens d'automne, ce serait bien de pouvoir rédiger une brève description dans la section de la galerie de projets sur façon dont vous abordez le mastering. Donne-moi une idée de tes intentions. Lorsque vous écoutez le morceau pour la première fois. Quelles ont été vos premières impressions ? Sur quoi avez-vous ressenti le besoin de travailler ? Que vouliez-vous améliorer dans cette chanson ? Est-ce que c'était quelque chose dont tu n'aimais pas le son ? Et qu'avez-vous fait pour arriver au résultat final ? Cela me permettra non seulement de comparer leur master à l'original, mais cela vous donnera également une idée du son que vous recherchez. Cela me permettra ensuite vous donner un feedback plus significatif, qui vous aidera tout au long de votre parcours de maîtrise. Mais n'oublie pas de t'amuser. Le mastering est avant tout un processus créatif et artistique. Alors amusez-vous bien. Amuse-toi bien. Faites confiance à vos oreilles et j'ai hâte de découvrir les résultats dans la section de la galerie de projets. 3. De quoi ai-je besoin pour ce cours ?: coût du point d'entrée pour la production de musique moderne diminue avec le temps. Il n'a donc jamais été aussi simple ni aussi rentable de créer de la musique. Mais certains équipements deviennent assez techniques. Je l'ai donc décomposé en quelques étapes simples pour tirer le meilleur parti de ce cours Vous aurez besoin de quelques éléments . Vous aurez besoin d'un ordinateur, d'un Mac ou d'un PC, d'un ordinateur de bureau ou d'un ordinateur portable ou d'un outil de recherche de règles. Certains logiciels auront une configuration minimale requise ou des recommandations sont recommandés pour que certains logiciels fonctionnent correctement. Assurez-vous donc de vérifier que les spécifications techniques de l'ordinateur vous utilisez sont compatibles avec une station de travail audio numérique. La plupart des ordinateurs modernes conviendront parfaitement. Vous aurez besoin d'une station de travail audio numérique ou d'un logiciel DAW pour masteriser votre chanson. Ce logiciel servira d'application principale et d' éditeur pour masteriser votre chanson. Cette classe est indépendante de la DAW, vous n'avez donc pas besoin d'une certaine DAW pour suivre cette classe. Utilisez-en un qui vous inspire pour créer de la bonne musique. La plupart des DAW sur toutes les plateformes. Alors, que ferons-nous à la fois sur Mac ou sur PC, quelques exceptions près. Si vous êtes nouveau dans le monde des DAW, je vous recommande d' essayer Caucus Reaper, car il existe une période d'évaluation entièrement fonctionnelle de 60 jours. Vous bénéficierez ainsi d'un accès complet pendant 60 jours gratuitement. Mais j'utiliserai Studio One pour ce cours. C'est mon logiciel de prédilection, mais vous n'êtes pas obligé d'utiliser Studio One pour suivre ce cours. En plus de la DAW, vous aurez besoin de plugins, d' un limiteur, d'un égaliseur de compresseur et d'un indicateur de niveau. Ces plugins seront généralement inclus dans votre DAW. Assurez-vous donc que votre DAW inclut ces quatre plugins. Ils sont tous inclus dans Cocoa Reaper. Si votre DAW ne possède pas ces plugins, de nombreuses options tierces sont disponibles. Je vous suggère également de vérifier que votre indicateur de niveau est capable de lire les mesures L UFS, qui peuvent apparaître sous la forme d'un préréglage modal EBUS R1 28. Si ce n'est pas le cas, je vous recommande de télécharger soit le plugin DP Meter Five TB Pro Audio, soit le plug-in Eulerian Loudest meets a, tous deux gratuits. En tant que hub audio principal de votre configuration, vous aurez besoin d'une interface audio. Expliquer le rôle d' une interface audio est un sujet assez complexe qui pourrait constituer une classe à part entière. Cependant, en termes simples, nous avons besoin d'une interface audio pour diffuser un son de meilleure qualité et pour connecter nos appareils de surveillance. L'interface vous permettra de connecter des écouteurs et des moniteurs de studio et de passer toute la journée du numérique à analogique afin que vous puissiez écouter votre chanson depuis votre ordinateur. Il n'est pas recommandé de connecter un casque directement à la prise casque de l'ordinateur, directement à la prise casque de l'ordinateur, car cette qualité ne sera pas suffisante pour reproduire une représentation précise de votre chanson. Enfin, vous aurez besoin d'un casque ou haut-parleurs de studio pour écouter une chanson. Encore une fois, il s'agit d' un autre vaste sujet qui comporte de nombreux facteurs qui dépassent franchement le cadre de ce cours. Dans un monde idéal, nous aurions tous des espaces de studio dédiés avec de nombreux traitements acoustiques sur mesure, afin de créer un environnement d' écoute optimal. Mais nous ne vivons pas dans un monde idéal. Donc, à moins que vous n'ayez une épice d'écoute dédiée, elle est traitée acoustiquement. Je recommande d'utiliser un casque pour ce cours. Les écouteurs se présentent sous toutes les formes et tailles et présentent leurs propres défis. Il suffit de recommander d'utiliser des écouteurs de studio Assessor, qui sont surdimensionnés et, de préférence, à dos ouvert pour une expérience d' écoute plus optimale. Mais le plus important ici est de ne pas laisser l' équipement vous gêner. Il existe de nombreux exemples de chansons fantastiques de Santos créées avec un équipement loin d'être optimal. Ne vous laissez donc pas décourager si vous ne possédez pas l'équipement le plus récent et le plus performant. 4. Qu'est-ce que le master ?: Eh bien, première leçon, parlons brièvement de ce qu' est le mastering dans la production musicale moderne Nous pouvons généralement décomposer le processus de création d'une chanson en actions définissables. Ces actions sont généralement les suivantes. écriture de chansons, où nous écrivons la somme que nous voulions créer, l'enregistrement et la production, où nous enregistrons la chanson avec l'instrumentation nécessaire pour créer le corps de la chanson. Mixage et édition de tous les morceaux dans une version équilibrée de la chanson. Un mastering où nous apportons la touche finale et préparons les morceaux pour la sortie. Et enfin, la distribution où nous diffusons votre musique dans le monde entier. La maîtrise est une partie très importante de la chaîne qui peut être décomposée en quatre actions principales. Contrôle de la qualité, où nous sommes à l' écoute des bruits et des clics, coupures, des distorsions et de tout autre problème. Écoute objective. Eh bien, nous nous assurons que la police de caractères de Sam correspond à l'intention de l'artiste. Amélioration créative : nous avons amélioré l'ensemble des chansons, en créant une version finale soignée, et une présentation informelle dans laquelle nous augmentons le volume global des morceaux lorsque le niveau est approprié pour le support que nous avons choisi. En phase pour assurer une transition en douceur entre les chansons. Ajoutez des informations de métadonnées à des fins de crédit et de redevances, si nécessaire, et créez les fichiers nécessaires à la publication. mastering est souvent considéré comme un ajout au processus de mixage, mais il présente en fait des différences uniques qui distinguent du processus de mixage. Tout d'abord, nous travaillons généralement avec une seule chute stéréo correspondant à une piste d' instrument individuelle. Nous examinons donc la présentation officielle de la chanson dans son intégralité par rapport à des éléments individuels. mastering est également plus largement axé sur le spectre de fréquences dans son ensemble plutôt que sur l' instrumentation individuelle. Nous avons donc généralement tendance à penser davantage à larges plages de fréquences qu'à des fréquences individuelles dans Master. Et nous examinons également comment les chansons pourraient être traduites pour votre public. Étant donné que votre public peut écouter des chansons sur une multitude d'appareils, nous devons nous assurer, dans le cadre du processus de mastering, que la chanson est traduite sur autant d'appareils que possible. Enfin, nous devons également nous assurer garder un état d'esprit objectif afin de nous assurer que le son étranger correspond à l'intention de l'artiste. Tous ces éléments constituent ce que l'on appelle l'état d'esprit de maîtrise et une clé qui vous permet de vous séparer du mix et de créer une chanson finale prête à être publiée. Pour résumer, le mastering est une partie importante du processus de production musicale Nous nous sommes concentrés sur quatre domaines principaux, contrôle de la qualité de l'ensemble de la chanson, écoute objective pour atteindre l'intention de l'artiste, l' amélioration créative pour créer une chanson prête à être publiée et la présentation formelle, y compris le volume, des métadonnées et la création de fichiers audio. Dans notre prochain cours, je vais vous montrer les termes courants associés au mastering de mods vous aider à comprendre la terminologie que vous rencontrerez lors du mastering de votre chanson. 5. Termes de maîtrise: Avant d'entrer dans le corps du cours, je voudrais partager avec vous certains des termes courants associés à la maîtrise. Cela vous aidera vraiment à comprendre certains des termes clés que vous rencontrerez lors du mastering de votre chanson. Je ferai référence à ces termes tout au long du cours. Certains d'entre vous le savent peut-être, mais d' autres sont davantage associés au mastering qu' au mixage ou à l'enregistrement. Les termes clés associés au mastering moderne, notre niveau le plus élevé. Niveau maximal réel, plafond numérique, écrêtage numérique, hauteur libre, plage dynamique et unités de volume L UFS par rapport à l'échelle réelle. Le niveau maximal est une mesure qui indique le niveau instantané d'un signal audio. niveau maximal fluctue en fonction du volume de la chanson, mais mesure également le pic ou la partie la plus forte de la chanson. Le niveau maximal est mesuré en décibels ou, plus précisément, en décibels à pleine échelle ou en dBFS. Le niveau maximal réel est similaire au niveau maximal, mais c'est une mesure beaucoup plus précise. Pourquoi ça ? Un indicateur de niveau de pointe intégré à un DAW mesure en fait la recréation numérique du son. Nous enregistrons donc le son dans la DAW et les convertisseurs analogique-numérique intégrés à nos interfaces recréeront numériquement un fichier audio. Mais pour entendre le fichier audio de la DAW, nos interfaces doivent ensuite reconvertir ce signal numérique en signal analogique afin que nous puissions l'entendre via des écouteurs ou des moniteurs de studio. Lors de la reconstruction du numérique vers l'analogique, il peut y avoir une variation du niveau entre la création de lecture numérique et analogique. Par conséquent, le niveau maximal réel mesure la recréation analogique et constitue la mesure la plus précise une fois que le signal a été reconverti en analogique, car c'est ce que nous entendons. Le pic est également mesuré en décibels. Le plafond numérique est le niveau maximal autorisé avant que la distorsion ne se produise. la plupart des cas, le plafond numérique peut simplement être appelé zéro dBFS. En termes simples, l'écrêtage numérique est une distorsion sonore indésirable qui se produit lorsque le niveau maximal tente de dépasser le plafond numérique. C'est un son indésirable et nous devons l'éviter. La hauteur libre est la mesure de différence entre le niveau maximal à la partie la plus forte de la chanson et le plafond numérique. Donc, par exemple, si je l'autorise, ce pic est de moins cinq dBFS. Et avec la scène numérique et ces dBF nuls, nous aurons alors une marge de manœuvre de cinq dB. La plage dynamique est un terme assez technique à exprimer et peut avoir nombreuses significations pour de nombreuses personnes, car il n'y a pas de véritable signification directe de la plage dynamique. plage dynamique du soleil peut faire la différence entre les sommets les plus forts et les plus faibles d'une chanson. Pour certains, cela peut être la différence entre nous permettre une mesure moyenne. Mais sans entrer dans les aspects techniques, en général, la plage dynamique est un terme utilisé pour décrire les variations entre la partie la plus calme et la partie autorisée d'une chanson. Un son plus compressé aura une plage dynamique plus faible qu' un son moins compressé. Ce sera plus dynamique. Pour plus de commodité, je ferai référence aux plages dynamiques ou plage d' intensité, car c'est ce qu'il découvre sur le DAP Meter Five que je vais utiliser dans ce cours. Les unités de volume par rapport à l'échelle complète, ou EFS, sont un concept relativement moderne utilisé pour mesurer le volume perçu. Le volume perçu est en fait très important. Et en termes simples, représente plus précisément la façon dont nous écoutons en tant qu'humains et la façon dont nous percevons le son. Cela tient donc compte de la perception humaine. Les Efs ou les amours se mesurent généralement de trois manières différentes. À court terme, notre UFS, qui mesure les 3 secondes ou le son les plus récents pour représenter une intensité sonore plus moyenne et moins dépendante des événements. Momentary L. Ufs mesure les 400 millisecondes de son les plus récentes afin de mesurer le volume instantané. Et le LFS intégré mesure le volume perçu du début à la fin et est utilisé pour mesurer le volume perçu de l'ensemble de la chanson. Récapitulons maintenant ces termes de mastering courants. Niveau de pointe, véritable niveau de pointe. Plafond numérique, écrêtage numérique, hauteur libre, plage dynamique, un L UFS, unités de volume par rapport à l'échelle réelle. Et la brièveté, c'est beaucoup d' informations à prendre en compte ici, mais ne vous inquiétez pas, je ferai référence aux termes au fil du cours. Vous verrez comment ces termes sont appliqués dans la pratique. Mais n'oubliez pas que vous pouvez toujours revenir à ce cours pour vous remettre à niveau. Et les termes les plus prédominants que j' utiliserai dans le cadre de ce cours sont les unités de niveau maximal et d'intensité sonore réelles par rapport à l'échelle réelle sur la mesure intégrée. Des amours intégrées, ce qui sera d' une grande importance lors de notre prochain cours sur la normalisation du volume. 6. Normalisation de la clarté - les bases: Plus que de la morphine. Et avec l'introduction des nouvelles technologies, support de loin le plus populaire pour écouter de la musique de nos jours est de loin la plateforme de diffusion de virus. Pensez à Spotify ou Apple Music, Tidal, etc. Aujourd'hui, l'un des plus grands défis des plateformes de streaming si l'on considère qu'elles proposent des millions de chansons sur leur plateforme, est qu'elles doivent s'assurer que toutes les chansons sont écoutées à un volume constant, ce qui crée une meilleure expérience d'écoute pour le public. Alors, comment s'y sont-ils pris ? Ils appliquent une normalisation du volume à toutes les chansons sur leurs plateformes dans le but de créer un volume constant pour toutes les chansons écoutées. Pour situer les choses dans leur contexte, vous avez peut-être entendu parler de l'expression « guerre du bruit ». En termes simples, les guerres du volume se rapportent à une époque où les gens voulaient faire de la musique aussi forte que possible. En tant qu'êtres humains, nous percevons plus fort comme étant meilleur. Il y avait donc de la concurrence pour que les chansons soient plus fortes que celles des concurrents. L'opinion était que si nous faisions nos chansons plus fortes que le public ne le penserait, ce serait mieux. C'était particulièrement le cas dans l'industrie de la radiodiffusion. Nous avons des stations de radio et même des publicités télévisées qui utilisent l'intensité sonore comme un outil pour se faire concurrence les unes aux autres stations et marques. Cependant, l'industrie de la radiodiffusion a rapidement pris le contrôle de la situation. Deux lois importantes ont été présentées. Union internationale des télécommunications, UIT, ou B, S 17, 70, et Union européenne de radiodiffusion, EBU, R1, 28. existe d'autres, mais ce sont les principales législations des États-Unis et de l'Europe et une législation généralement adoptée dans le monde entier. Ces lois ont créé un cadre visant à garantir que tous les médias diffusés diffusent du son à un niveau réglementé et cohérent. Mais comme vous le savez peut-être, cela s'applique aux médias audiovisuels. Seul a ne s'applique pas réellement aux plateformes de streaming. En fait, en 2023, aucune réglementation ne s'applique à notre normalisation du volume pour les plateformes de streaming. Les plateformes de streaming reprennent toutefois certains des principes de ces législations. Mais comme ce n'est pas réglementé, il existe encore des incohérences entre les différentes plateformes de streaming et la manière dont elles appliquent la normalisation. Quels principes ont-ils donc adoptés ? Ici, nous devons nous référer à notre échelle de mesure, qui correspond aux unités d'intensité sonore par rapport à l'échelle complète. Plus précisément, les mesures intégrées. plateformes de streaming utilisent la mesure intégrée UFS pour calculer le volume perçu des chansons sur leurs plateformes. Et le volume normalise les chansons à un niveau constant. En outre, ils appliquent également une véritable recommandation de niveau maximal dans le but de garantir qu'aucun découpage numérique ne se produise pendant les processus de téléchargement et d'encodage. Alors, qu'est-ce qui n'a pas été adopté ? En termes simples, aucune cohérente des amours, intégrée ou mesure cohérente des amours, intégrée ou des personnes réelles n'a été adoptée par les plateformes de streaming. Regardons cela en pratique. Nous avons ici le site loudness penalty.com, qui est un excellent outil pour découvrir les impacts de la normalisation du volume sur les principales plateformes de streaming. La normalisation du volume sera utilisée soit pour baisser le volume de votre caisson, soit peut-être même pour augmenter le volume afin créer le volume constant recherché par le public. Nous pouvons utiliser ce site Web pour analyser une chanson et il nous indiquera les impacts de la normalisation du volume les principales plateformes. Juste une remarque, le nom Loudness pregnancy est un peu trompeur car il suggère qu'une maîtrise trop forte compromettra ou pénalisera la chanson. Ce n'est pas vraiment l'intention cela suggère simplement que nous pourrions créer plus de dynamique en maîtrisant fort tout en étant moins lourd avec un limiteur. Plus d'informations à ce sujet suivront dans la classe limitative. Ici, j'ai téléchargé la chanson que j'ai récemment MasterCard où tous les anges cet effet sfumato ont album colonial pour utiliser leurs chansons pour ce cours. J'ai masterisé une chanson qui mesurait un UFS de -12,6 L intégré comme mesure du volume perçu. Après avoir examiné les résultats, YouTube, Spotify, Tidal et Amazon réduiront cette chanson de 1,4 dB en mode standard et la normaliseront à environ -14 l UFS intégré. Apple, nous allons baisser une chanson de -3,4 dB et la normaliser à environ -16. Lof est intégré et diesel réduira le son de -2,4 dB, normalisé à environ -15 ou intégré à l'UFS. Vous pouvez voir à quel point cela peut être confus. Il existe également d'autres irrégularités concernant les véritables recommandations de niveau maximal pour chaque plate-forme. Ils proposent également différents modes de normalisation du volume, et la variance dépend des préférences de l'auditeur. L'un des mythes les plus courants concernant le mastering est qu'il existe un niveau sonore cible pour les plateformes de streaming, le chiffre étant souvent cité comme étant de -14 l UFS intégré. Comme vous pouvez le constater, il n'existe pas de cible, car il n'existe pas de niveau de normalisation réglementé pour toutes les plateformes de streaming. Il s'agit d'un sujet très dense et technique, mais les principaux points à retenir concernent les plateformes de streaming. Nous utilisons la normalisation du volume pour garantir une expérience d'écoute cohérente au public. La normalisation du volume sera même utilisée pour augmenter ou diminuer potentiellement votre chanson. La normalisation du volume est basée sur le volume perçu. Le rire intégré est donc utilisé comme mesure de mesure. Mais ils tiendront également compte du niveau maximal réel du fichier musical afin de minimiser les risques de clip numérique, que ce soit lors de la phase de téléchargement ou du processus d'encodage lorsqu'il s'agit de télécharger les fichiers sur les plateformes de streaming. Encore une fois, il y a beaucoup à apprendre ici, mais je vais vous montrer quelques exemples pratiques. Lorsque nous arriverons à la classe des limites, nous pourrons commencer à voir ces connaissances réellement mises en pratique. Mais pour l'instant, passons au cours suivant, qui consiste à préparer une session de mastering. 7. Comment configurer une session de maîtrise: Pour notre premier cours pratique, je vais vous montrer comment préparer une chanson pour le mastering. Préparez-vous pour une session de mastering réussie. L'été que j'utiliserai pour ces cours est la chanson Born to be free de Tomato Effect, qui m'a gentiment autorisé à utiliser sa chanson pour ces cours. C'est quelque chose que je maîtrisais et qui est disponible sur toutes les principales plateformes de streaming. Si vous souhaitez écouter l'ancienne version principale. L'une des premières choses à aborder est l'importance d' avoir une session de mastering dédiée pour maîtriser votre chanson. On me demande souvent si je peux masteriser la session de mixage. Je recommande toujours d'avoir une session de mastering dédiée pour masteriser une chanson, car il est important d'adopter un état d' mastering plutôt qu'un état d'esprit de mixage. Si vous essayez de masteriser la session de mixage, vous serez toujours tenté de vous concentrer sur des individus, donc sur des éléments plutôt que sur la chanson dans son ensemble. Et lors du mastering, nous accordons une grande importance à la présentation générale de la chanson plutôt qu'à des éléments individuels. Nous devons également tenir compte du fait que tout le monde n'a pas un ordinateur puissant. Et si vous avez un mix dense avec un grand nombre de pistes et de plugins, ajout de plug-ins supplémentaires peut créer un stress supplémentaire sur votre ordinateur. Cela pourrait créer un goulot d'étranglement. Une fois que nous avons une session vide, nous devons nous assurer que la session DAW correspond à la chute de la chanson en termes de fréquence d' échantillonnage et de profondeur de bits. Je ne vais pas trop m'attarder sur fréquence d'échantillonnage et la profondeur de bits, car ce sont des sujets approfondis qui dépassent le cadre d' un cours individuel de maîtrise. Mais si vous souhaitez approfondir vos connaissances les taux d'échantillonnage, je vous recommande de faire des recherches sur le sujet du théorème de Nyquist, qui détaille les taux d'échantillonnage. Mais vous devrez connaître la fréquence d'échantillonnage et la profondeur de bits de votre chanson Foil et régler les sessions DAW de manière à ce qu'elles correspondent. Dans Studio One, je peux modifier la fréquence d'échantillonnage et la profondeur de bits via l'onglet Sun et en choisissant la configuration des chansons. Mais ce processus sera différent en fonction de la DAW que vous utilisez. Une fois qu'une session DAW a la fréquence d'échantillonnage et la profondeur de bits correctes, nous pouvons procéder à l' importation de notre fichier. Ce processus varie en fonction de la DAW que vous utilisez. Mais en général, les options de saisie d' automne se trouvent dans l' onglet automne de la plupart des DAW. Mais la tablature des chansons dans Studio One. de notre dernier changement de session, nous devons nous assurer que taille de la mémoire tampon de l'interface audio est aussi élevée que possible. La taille de la mémoire tampon est contrôlée par le pilote de notre logiciel d'interface. Pour Mastering, nous avons besoin d'une hypothèse pour réduire le stress sur nos ordinateurs. La mémoire tampon de l'interface est généralement réglée assez bas lorsqu'il s'agit d'enregistrer. En effet, une taille de mémoire tampon élevée peut entraîner une latence. La latence est un défi pour l'enregistrement, car il s'agit d'un délai entre le signal qui entre dans la source d'enregistrement, un microphone et le signal qui revient. Freudien suffit à des fins de lecture. En matière de mastering, nous n'enregistrons pas. Nous pouvons régler la mémoire tampon aussi haut que possible pour réduire la tension et réduire notre ordinateur. Enfin, nous pouvons ajouter nos plugins dans la session avant tout processus et nous le ferons pour faciliter la consultation, je recommande d'ajouter les plugins directement sur la piste qui contient un single fall. Dans de nombreuses DAW, nous pouvons placer plugins soit directement sur le morceau Foil, sur la piste contenant un morceau, soit sur un canal principal qui contrôle les sorties finales vers vos écouteurs ou haut-parleurs. Pour des raisons de simplicité, je recommande d'ajouter les plugins à la piste qui contient un single fall, comme illustré ici dans ce cours. L'ordre dans lequel nous ajoutons nos plugins est important car cela crée notre chaîne de mastering. Et chaque plugin modifiera la chanson qui traverse la chaîne. Par conséquent, il est recommandé d'ajouter d'abord le compresseur, puis le limiteur de l' égaliseur. Ensuite, je vais mesurer le volume ou le niveau. L'important ici est que la limite soit ajoutée après notre compresseur. Un égaliseur. Comme un limiteur doit être le dernier en ligne, contrôlez une sortie formelle de tout traitement. Notre volume répond à certains besoins en se situant après notre limiteur, afin qu'il puisse lire le téléphone ou le volume. J'ai également inclus un spectromètre à des fins de démonstration, mais ce n'est pas essentiel. Donc, pour récapituler, afin de configurer une session de mastering, nous devons créer une session de mastering vide dans notre DAW. Modifiez la fréquence d'échantillonnage et profondeur de bits en fonction de la chanson sur laquelle nous travaillons. Importez le fichier dans notre session, modifiez les paramètres de la mémoire tampon de l'interface et ajoutez les plugins. Nous l'utiliserons sur la piste qui contient le fichier de la chanson. Pour notre prochain cours, nous examinerons le site de contrôle qualité et le mastering. 8. Contrôle de qualité: Dans ce cours, je vais vous expliquer les aspects du contrôle de la qualité et du mastering, mais aussi mesurer le volume de la chanson avant que le traitement principal ne prenne note de ce qui, selon nous, doit être amélioré ou contrôlé. Examinez également le concept de marge de manœuvre et la manière dont cela affectera toutes les décisions de maîtrise que nous prendrons. Pour ce faire, je vais jouer la chanson du début à la fin. Au cours de la partie, nous serons attentifs aux éléments suivants. Y a-t-il des claquements et des claquements audibles ? Elles proviennent généralement d'une surcharge du système informatique pendant la phase d'enregistrement. Mais il peut aussi s'agir de sons de clic et de pop capturés par les voix à l'aide de sons de souris. Nous devons également y prêter attention. Est-ce trop de frères et sœurs par rapport à la voix, qui sont ces sons durs en S qui sont exprimés par Mike. La chanson a-t-elle un découpage numérique ou un ordre ? Tout signe d'écrêtage ou distorsion indésirable ne sera pas seulement recherché, ce moyen étant de lire le niveau de débit maximal. Mais en écoutant des sons déformés ou cardiaques, le mixage sonne-t-il dans un ordre naturel, tous les sons qui sortent vraiment du lot et qui ne correspondent pas à la chanson Cela nous permettra ensuite de prendre une décision plus éclairée quant à savoir s' il existe des recommandations visant à réexaminer la combinaison. En plus du contrôle qualité , je vais également prendre quelques notes pour répondre aux questions suivantes. Y a-t-il des sons qui surgissent lorsque vous écoutez la chanson ? Si c'est le cas, ont-ils un son naturel ? Et tu entends tous les instruments ? Pensez donc à toutes les parties individuelles de la chanson. Pensez à la batterie, à la basse, à la guitare , aux guitares, au chant, etc. La chanson est-elle équilibrée et la gamme de fréquences est-elle correcte ? Pensez donc au son. Est-ce trop de contenus en fréquence de base ? Les fréquences de base complètent-elles le reste du tronc ? Puis j'ai posé les mêmes questions pour les fréquences moyennes et les hautes fréquences. Sont-ils tous complémentaires ou y a-t-il un déséquilibre ? Enfin, le son global correspond-il à l'intention de l'artiste ? Si vous êtes l' artiste et l'ingénieur, est-ce le son que vous recherchiez lorsque vous avez écrit la chanson ou est-ce qu'ils travaillent sur quelque chose sur lequel ils travaillent ? Ce sont toutes des questions auxquelles vous pouvez répondre pour vous aider à améliorer votre chanson en utilisant le master et votre état d'esprit. Mais c'est aussi une bonne idée mentionner que si vous participez aux projets de classe et masterisez votre propre chanson, ce serait formidable si vous pouviez écrire une note détaillée dans les informations suivantes. Lorsque vous avez écouté le morceau pour la première fois, quelles ont été vos premières impressions ? Sur quoi avez-vous ressenti le besoin de travailler ? Que vouliez-vous améliorer lors de la création de la chanson ? Est-ce que c'est quelque chose que tu n'as pas aimé ? Le son de. Ce sont toutes les informations que vous pouvez noter à ce stade particulier du processus de mastering. Alors sans plus tarder, vérifions les listes de chansons. Je vais ouvrir la marque la plus bruyante de nous. Nous pouvons donc le voir en action. Berlin toujours en hausse en hausse et en taille. C'est donc l'océan. Encore une fois. Flamboyant. Sois à l'aise avec le travail de notre vie. Mais les escaliers volent comme si c'était le cas. Non. Donc, du point de vue du contrôle qualité, la chanson sonnait bien. y a pas eu de clics ni de claquements commandables et il n'y a pas eu de découpage ni de distorsion. Vous avez peut-être entendu un léger clic, que je vais vous montrer. Maintenant. Ce clip a été créé par un logiciel de capture d'écran lors de l'enregistrement ce cours et ne figure pas dans la chanson. Nous sommes donc tous bons du point de vue du contrôle qualité. En ce qui concerne mes notes de maîtrise, il y a eu quelques observations. Je pensais qu'aucun mixage ne sonnait bien, mais je pensais que c'était possible. Écoutez plus d'énergie globale. Le contenu de base sonne bien et définit la saga : écoutez de la basse, guitare et de la batterie, mais je ne me suis pas sentie seule. Les fréquences moyennes semblaient assez étouffées et boueuses. J'ai remarqué quelque chose dans la chanson qui m'a donné impression qu'il y avait peut-être une distorsion. Mais en écoutant de plus près, je remarque qu'il y avait des éléments percussifs en arrière-plan et que la distorsion de Nasir a attiré mon attention. Je trouve également que l'équilibre général des fréquences sonnait bien, mais nous pourrions peut-être envisager de faire ressortir les fréquences moyennes et d' écouter davantage et peut-être donner à la chanson un peu d'éclat dans les hautes fréquences pour faire ressortir la voix. Mais qu'en penses-tu ? C'est là que le mastering peut devenir créatif et qu'il n'y a pas de bonne ou de mauvaise réponse. Juste des décisions créatives basées sur ce que nous entendons. Mais n'oubliez pas de tenir compte des intentions de l'artiste et d'être objectif dans vos décisions. est le type de considérations qui vous aideront à donner vie à votre chanson. Assurez-vous donc de vous entraîner. Cela fait partie de la maîtrise et met vraiment l'accent sur le renforcement de vos capacités d'écoute. Avant de passer à la discussion sur la marge de manœuvre, je voudrais partager avec vous un excellent conseil pour développer vos compétences d'écoute. Si vous sentez que vous pouvez entendre que quelque chose ne sonne pas bien, mais que vous ne pouvez pas le situer dans la gamme de fréquences. Il existe un plugin gratuit et une technique qui peuvent vraiment vous aider à développer vos compétences d'écoute. Ce plugin s'appelle TD ANOVA par une société appelée Tokyo Dome Labs. Ce plugin est un type de plug-in appelé égaliseur dynamique. Nous n'utiliserons pas ce plugin dans la classe. Mais l'avantage de ce plugin est que vous avez la possibilité jouer en solo sur différentes bandes de fréquences. C'est génial car vous pouvez utiliser les bandes pour vous déplacer vers différentes parties de la gamme de fréquences et en solo uniquement sur ces fréquences. Vous pouvez ainsi savoir quels instruments occupent certaines parties de la gamme de fréquences. Voici un bref exemple, n'est-ce pas ? Cette technique peut également être généralement utilisée avec un autre type de plug-in appelé compresseur multibande. Tant qu'il dispose d'une fonction de groupe solo, vous n'avez pas besoin de modifier les paramètres, sauf pour modifier les fréquences que vous souhaitez entendre. Nous passons maintenant à la marge de manœuvre, qui est très importante en matière de mastering. Comme indiqué dans les termes courants, la marge de classe est une différence de volume entre le plafond numérique, en l'occurrence zéro dBFS, et le niveau de pointe le plus élevé. Nous avons également discuté du fait que le véritable niveau de racine est plus précis que le niveau maximal. Si nous y jetons un coup d'œil, toutes les sonorités nous permettent de constater que cette chanson a un véritable niveau maximal de -4,4 dBFS, ce qui signifie que notre espace libre est de 4,4 dB. Il existait un mythe courant selon lequel maîtriser les lois de l'Est 60 valent une héroïne avant de maîtriser le traitement. Le chiffre de moins 6 dB provient d'une époque antérieure aux stations de travail audio numériques, lorsque certains appareils de capture se déformaient avant le plafond numérique. Par conséquent, il était toujours possible de laisser manœuvre supplémentaire pour minimiser le risque de cette distorsion. Passons maintenant au vieux yo moderne avec les DAW. Il n'est pas vraiment nécessaire de laisser beaucoup de marge de manœuvre, Il n'est pas vraiment nécessaire de laisser car nous pouvons ajuster le niveau de la chanson de manière non destructive au niveau de notre choix, à condition que le mixage ne soit pas un découpage numérique. Si la musique n'a pas au moins 0,1 dB de marge, nous pouvons régler le volume avant le traitement principal. Si nous revenons maintenant à notre chanson à 4,4 dB, où se trouve la marge de manœuvre, cela peut également créer quelques défis au niveau du processus de mastering. À savoir que cela pourrait entraîner une contrainte de traitement supplémentaire pour le limiteur, ce qui pourrait entraîner un risque de distorsion due à la surcompression. Discutez-en davantage dans notre prochain cours sur les limites. Mais une bonne règle de base est de laisser une marge de manœuvre de deux dB dans notre traitement principal. Cela signifie que nous devons augmenter le gain de notre chanson d' environ 2,4 dB. Ou nous pouvons y parvenir en augmentant le gain et le morceau ou à nouveau chaque année, plugin Dans Studio One, cela se fait manuellement en faisant glisser le suivi de la chanson jusqu'aux quantités requises. Sinon, la plupart des DAW ont entendu un plug-in de gain capable d'obtenir le même résultat. Ce plug-in doit être placé tout en haut de notre chaîne de mastering. La raison pour laquelle je recommanderais deux dB pour chaque espace libre est due à la normalisation du volume de la plateforme de streaming, qui nécessite dans la plupart des cas un niveau maximal réel ne dépassant pas moins un dB, ce que nous prendrons en compte lors de l'utilisation d'un limiteur. Le dB supplémentaire de marge de sécurité est dû à l'écart entre le niveau maximal qui augmente la DAW et le niveau maximal réel de notre compteur. N'oubliez pas que l' augmentation manuelle du gain de la chanson dans votre DAW sera mesurée en termes niveau maximal et non de pic réel. Il est important de bien définir les paramètres avant de commencer à limiter, c' est-à-dire la prochaine classe. Donc, pour résumer, nous devons écouter la chanson dans son intégralité, mettre en évidence et corriger les éventuels clips, bruits, distorsions ou crépitements. Prenez des notes de mastering qui savent clairement ce que nous devons faire et réglez la marge de manœuvre à moins deux dB avant notre traitement principal. Parlons maintenant de la limitation. 9. Limiter 101: Pour ce cours, je vais vous montrer comment utiliser le limiteur pour obtenir un bon équilibre entre volume et dynamique. Mais vous pensez peut-être à Smudge. Si le limiteur est le dernier plugin de la chaîne de traitement, alors pourquoi commencer par le limiteur ? L'un des plus grands défis est de réussir à maîtriser il essaie d' obtenir un son d'une sonorité compétitive, mais sans les chansons semi-plates ou sans manque d'énergie. D'après mon expérience en tant qu'éducateur et les discussions que j'ai eues avec de nombreux novices, j'ai remarqué que beaucoup d'entre eux commencent par compression et l'égalisation et obtiennent un bon équilibre tonal. Mais dans le cas de l'énergie dynamique perdante, une fois qu'elle commence à se limiter, je trouve que cela est généralement dû à deux problèmes principaux. Ils sont transférés en fonction du niveau sonore, cela ne correspond pas à la chanson et sont donc trop limitatifs. Ou ils appliquent une compression trop importante à partir du compresseur Mastering avant qu'il n'atteigne le limiteur. L'utilisation d'un limiteur est le premier processus. Augmenter l' intensité sonore globale à un niveau compétitif réduit considérablement les risques de surlimitation ou de compression préalable. La principale raison pour laquelle le limiteur est parfois difficile à utiliser est qu'il s'agit essentiellement d'un compresseur, mais d'un compresseur très agressif. Le rôle du compresseur est de lisser un signal audio dynamique en réduisant le niveau des pics alléliques tout en augmentant le niveau des pics de qualité, afin d'obtenir un son plus équilibré et plus uniforme. Un compresseur classique possède de nombreux réglages, l' un en particulier étant le réglage du rapport. Le ratio du compresseur est utilisé pour déterminer la quantité de sortie audio par rapport à la quantité d'entrées. Ainsi, par exemple un compresseur dont le rapport réglé sur deux pour un signifierait que pour chaque tranche de deux dB de signal entrant dans le compresseur, seul un dB de signal sera émis. Car un rapport de quatre à un pour les B d' entrée signifierait un dB de sortie et ainsi de suite. Un limiteur est cependant un compresseur qui, en termes généraux, a un rapport infini. C'est pourquoi vous pouvez les appeler des limiteurs muraux, car ils sont conçus pour limiter fortement le signal sortant afin minimiser les risques d' écrêtage numérique au niveau du plafond distal. Mais en plus de fournir un tampon de sécurité puisqu' il s'agit d'un compresseur, il augmentera également le niveau des porcs les plus silencieux et augmentera ainsi le volume global. Mais nous devons être prudents car cela réduira également la plage dynamique. Comme nous avons tout maîtrisé et nous limitons son jeu qui consiste à trouver un compromis entre atteindre le niveau sonore tout en maintenant une plage dynamique adéquate. Mais jetons un coup d'œil à un limiteur allumé. Passez aux fonctionnalités de base avant de vous montrer un moyen simple mais efficace faire appel à un amateur pour votre mastering. fonctionnalités des limiteurs varient légèrement , mais il existe généralement quelques composants de base. J'utilise les limites de stock ici, dans un studio, et de gauche à droite, nous avons un contrôle de gain, un paramètre de plafond, un nouveau contrôle de maintien. Enfin, nous avons les paramètres d'attaque et de libération. Les paramètres les plus courants se trouvent sur un limiteur ou une commande de gain et une commande de plafond. La commande de gain vous permet d'augmenter le volume en passant dans le limiteur. Ainsi, plus vous augmentez le gain, plus le son sera fort. Le plafond. D'autre part, l' accès à la barrière dans le but d'empêcher le découpage numérique. Cela signifie que nous pouvons régler le plafond au niveau souhaité et que nous pouvons ensuite l'utiliser pour contrôler le volume jusqu'à ce que le signal atteigne le plafond. Une fois que le signal atteint le plafond, le signal commence à limiter et à comprimer les pics. Plus vous poussez le gain dans le plafond, plus vous obtenez de compression. Poussez-le trop loin et vous surmonterez pression et commencerez à déformer le son. Ensuite, nous avons la commande de seuil, qui ne se trouve pas dans tous les limiteurs, mais qui est courante dans de nombreux plug-ins de type compresseur. Le seuil agit de manière très similaire au plafond et définit le seuil auquel vous souhaitez que le compresseur commence à comprimer. Ainsi, lorsque nous avons le plafond, c' est-à-dire la dernière ligne de défense, le seuil peut être utilisé pour définir le point de départ où vous souhaitez que la compression commence. Supposons, par exemple , que nous ayons un fils avec cinq dB. Que nous utilisions la marge de manœuvre et que nous utilisions les limiteurs, contrôlons le gain de deux à cinq dB, cela vaut la peine. Encore une fois, nous pouvons utiliser les plafonds pour fléchir la dernière ligne de défense. Et si nous prenons le cas de la normalisation du volume en streaming, où nous voulons nous assurer que le niveau maximal réel ne dépasse pas le pic réel de moins un dB. Nous pouvons fixer le plafond à moins un dB, ensemble de limites strictes du signal à moins un dB. Mais le seuil peut être utilisé pour abaisser le point de départ décimal. Supposons donc que nous voulions que la compression commence à moins deux dB tout en utilisant la même valeur que la dernière ligne de défense. Ensuite, nous pouvons fixer un seuil à moins deux dB. Le signal commence à être compressé au niveau de la base de données de surveillance. Et un plafond peut alors contrôler tout autre signal que le seuil de compression ne capte pas. plus important, c'est que nous disposons des commandes nécessaires à une seconde libération, et ces systèmes contrôlent la vitesse à laquelle le compresseur réagit et se relâche. Un exemple pour montrer le fonctionnement de l'attaque et du relâchement est que notre doigt de la main, où ma main est complètement ouverte, fait pas réagir un outil en tant que seuil, à supposer qu' il n'ait pas été atteint par les pics audio. Mais lorsque le pic audio atteint un seuil ou un Caelian, l'attaque règle la vitesse à laquelle ma main se ferme, puis le relâchement définit la vitesse à laquelle elle se rouvre. Nous pouvons donc définir différentes combinaisons d'espaces fermés et ouverts fonction de vos besoins particuliers et obtenir des résultats de compression différents. Cela dit, je souhaite vous montrer moyen simple d'utiliser une limite définie pour obtenir résultats les plus percutants sans compromettre la dynamique. Pour ce faire, nous allons nous concentrer sur les paramètres de gain et de plafond et ignorer complètement le seuil en le réglant à zéro. Pourquoi faisons-nous cela ? En utilisant le seuil pour réduire le point de départ de la compression. Où compromis et dynamisme instantanés avant d' atteindre le plafond. Et nous avons tous des limiteurs qui ont un rapport infini. Il s'agit d'une approche musclée qui ne donnera pas les résultats escomptés si l'on ne porte pas une attention particulière aux détails. Une fois que nous aurons défini notre limite, nous atteindrons un plafond. Si nous avons besoin d'une compression supplémentaire, nous pouvons alors utiliser notre compresseur, dont nous parlerons plus en détail dans notre prochain cours. Commençons par un plafond. Un bon point de départ est le plafond à moins un dB. Ce chiffre de moins un dB correspond à celui de nombreuses plateformes de streaming qui exigent un niveau de pointe réel ne dépassant pas moins un dB. Une fois que nous avons commencé à ajouter le gain et qu'il atteint l'hypothèse, nous devons principalement ajuster les plafonds pour nous assurer de maintenir le niveau inférieur à un, car certains signaux pourront toujours être analysés à propos du coelome. Une fois la sauvegarde en place, jouons cette chanson et ajustons le gain jusqu'à obtenir les résultats souhaités. Quels sont donc les résultats souhaités ? Vous pensez peut-être qu'il y a deux choses que je recherche. En particulier, je souhaite augmenter le volume à un niveau qui sonne bien avant qu' il ne commence à être trop limité, à se décomposer ou à se déformer. Maintenant, une fois que nous montrons que le dernier niveau atteint au moins -14 UFS intégré. Comme toujours, il ne suffit pas d' y aller et d'ajouter de l'argent au bébé pour atteindre au moins -14 LU fs au risque que la chanson la chante trop doucement sur les plateformes de streaming. Il suffit de pousser le gain à neuf dB pour obtenir le son. Les coupons du magasin pendant plus d'années représentent environ 46 DVD qui valent à nouveau une augmentation. Vous avez peut-être remarqué une utilisation plus intentionnelle des mots, moins en ce qui concerne la dimension -14. Oui, UFS. Comme nous l'avons indiqué dans la classe de normalisation du volume, il n'existe pas de valeur cible L UFS cohérente sur toutes les plateformes. Par conséquent, y -14 l UFS s'intègre, il n'est pas considéré comme la cible. En fait, la réalité est que nous n'avons même pas à nous soucier du niveau UFS tant qu'au moins -14 ADFS sont au moins -14 ADFS intégrés, car ce sont les plateformes de streaming ont un son normalisé. Nous n'en avons pas besoin. Tout ce que nous avons à faire est de nous concentrer sur le niveau sonore du logiciel qui sonne bien et qui ne soit pas trop compressé ou déformé. Je recommande toujours d'atteindre au moins -14 LU FS Integrated car les plateformes de streaming bloquent les chansons, mais ne les augmentent pas toujours. Pour ce faire, ils utilisent un simple processus d' atténuation en réduisant le niveau maximal pour obtenir un niveau L UFS constant sur les chansons que vous écoutez. Ainsi, dans notre exemple, en utilisant le site de pénalités le plus bruyant, nous avons pu voir de combien ils réduiraient le volume de la chanson. Mais ils ne peuvent pas toujours monter la chanson. Comme nous l'avons déjà indiqué, les plateformes de streaming besoin d'un niveau maximal réel d' au moins un dB pour garantir l' absence de découpage pendant le processus de téléchargement et d'encodage. Donc, si nous maîtrisons une chanson à un niveau plus faible que -14 avant fs -16, notre UFS. Mais si je maintiens le niveau maximal réel à moins un dB, il ne sera pas possible d' augmenter le volume de la chanson sans l'écrêter. Ils ne se tourneront donc pas du tout vers une application. Et il y a des chansons qui sonnent doucement, et d'autres sur leurs plateformes. Il y a tellement de variables en jeu ici nous devons simplement nous concentrer sur l'atteinte du niveau qui convient et laisser la chaîne de plateformes gérer le processus de normalisation. Chaque chanson est différente, alors entraînez-vous à nouveau dans les limites, comme indiqué dans les réglages, pour obtenir un volume qui vous convient. Mais assurez-vous d'atteindre un niveau d'au moins -14 ou intégrer l' UFS et maintenir le niveau maximal réel de moins un dB. Enfin, si vous avez la possibilité de régler les paramètres d'attaque et de libération, voici à quel moment vous pouvez commencer à expérimenter la limitation du son. L'attaque et la libération doivent être considérées conjointement car la raison pour laquelle elles réagissent ensemble vous donnera des sons différents. Une attaque rapide et une libération lente peuvent atténuer le son qui peut créer une cellule de citrouille, comme indiqué ici. Cette citrouille émet un son plus soutenu que la pompe. Cela se produit une fois que les porcs sont relâchés. Pixar attaque alors qu' il le soutient et le relâche ensuite. Mais une fausse attaque de phosphorylase permettra à Craig pomper moins mais de gagner en assurance de réduction. Mais avec une attaque et un relâchement lents, vous pouvez également obtenir un son de citrouille, mais il est moins soutenu qu'avec un temps plus rapide. Pour écouter, cliquez ici. Perte de tout, avec une attaque rapide, un relâchement lent, vous pourriez réduire le pompage, réduire le nombre de matchs de football, limiter les pinces sur les cochons rapidement. Ce sont de nombreuses variables avec lesquelles vous pouvez jouer, afin que vous puissiez expérimenter avec votre son. Mais cette chanson ou ce son d'une attaque moyenne permet de ne pas atteindre les sommets aussi rapidement, associés à un relâchement rapide. La limitation n'est donc pas maintenue. Cela permet de garder un son plus naturel à mes oreilles. Récapitulons donc brièvement son cours sur la limitation. Le limiteur I est un compresseur dont le rapport est illimité. Le limiteur est utilisé pour atténuer la dynamique d'une chanson et augmenter le volume global. Il agit également comme une barrière de sécurité pour empêcher l'écrêtage. Un limiteur possède une commande de gain et une commande de transfert qui sont utilisées ensemble pour augmenter le volume. Le plafond est réglé à un niveau qui maintient la mesure maximale réelle à moins un dB. Le gain augmente le volume en poussant le niveau vers le plafond. Nous voulons obtenir un volume ou un UFS intégré d'au moins -14 l sans la chanson ne soit trop compressée ou déformée et laisser les plateformes de streaming normaliser une chanson. Nous pouvons utiliser les paramètres d' attaque et de libération pour modifier le style ou le son de la limitation fonction du Soleil que nous maîtrisons. Pour notre prochaine leçon, nous examinerons un compresseur et répondrons à la question. Faut-il utiliser un compresseur pour le mastering ? 10. Compression - Ai-je besoin d'un compresseur ?: prochain cours, nous examinerons le rôle d'un compresseur dans un contexte de mastering et répondrons à la question suivante : ai-je besoin d'un compresseur pour le mastering ? Et la réponse est, peut-être. Comme nous l'avons vu dans notre dernier cours, le limiteur est également un compresseur avec un rapport illimité. Nous avons donc déjà appliqué certains traitements dynamiques. Mais la façon dont les limites fonctionnent est très agressive et se concentre davantage sur le contrôle des pics et du volume. Alors qu'un compresseur classique permet un niveau de compression beaucoup plus subtil qui peut aider à sculpter le son global. compresseur I aura à peu près la même apparence et aura généralement les mêmes commandes, le limiteur, mais surtout, le limiteur, mais surtout, un meilleur contrôle du ratio. Et c'est la subtilité du ratio qui nous permettra de mieux contrôler le son. Pour en revenir à notre question, ai-je besoin d'un compresseur pour le mastering ? Si vous êtes satisfait de la dynamique de la somme des champs limites et d' un bon équilibre énergétique global , la réponse est peut-être non. Mais si je reviens à mes notes de mastering, je veux ajouter un peu plus d'énergie à la chanson et la compression peut être un excellent outil pour générer de l'énergie adénine. Avant de nous plonger dans le compresseur, vous remarquerez qu' il s'agit du premier plugin de la chaîne de mastering. Le compresseur est interchangeable avec l'égaliseur. Vous pourriez donc avoir l'égaliseur avant le compresseur. Mais en général, j'aime contrôler la dynamique avant d'égaliser, mais n'hésitez pas à expérimenter car votre TA vous donnera des résultats légèrement différents. Mais ils doivent tous deux se trouver avant le limiteur de la chaîne. Ici, soit arrêtez de compresser celui de studio qui a une disposition assez typique pour un compresseur. En général, un compresseur est doté de commandes pour le rapport de seuil, l' attaque, le relâchement et le gain de compensation suivants . Nous avons déjà discuté de l' impact du système de seuils d'attaque et de lancement sur la classe limitante. Je ne vais donc pas entrer dans les détails, mais je tiens à mentionner le gain de maquillage avec un limiteur. Nous nous sommes concentrés sur le volume et l'équilibre de la dynamique en poussant le gain au maximum . Cela nous donnerait une chanson plus forte tout en limitant les sommets. Mais son compresseur typique fonctionne toujours en sens inverse, ce qui permet de rendre la chanson plus silencieuse. Si nous revenons à notre discussion sur le ratio, selon laquelle il contrôle le niveau de sortie fonction de la quantité que nous saisissons. Un ratio difficile et un pour un produira toujours un résultat inférieur à celui des nouvelles entrées. Nous utilisons les limiteurs pour prendre le contrôle pour contrer et, encore une fois, réduisons les limites, ce qui a fait sonner notre chanson plus fort. Mais si le compresseur atténue le son de la chanson, la commande de maquillage est utilisée pour compenser gain ou le volume que nous perdons en compression. Vous remarquerez également que le gain de maquillage est un contrôle secondaire et le seuil est un contrôle plus permanent. Comme nous n'avons pas de plafond. Avec un limiteur, nous n'avons pas utilisé le seuil que nous utiliserons avec le compresseur. Les commandes se concentreront sur le ratio de seuil, l' attaque, la libération, le gain de maquillage. Le seuil sert point de départ à partir duquel nous voulons que la compression commence. Le ratio détermine la quantité de niveau sortie par rapport à la quantité en entrée. L'attaque contrôle la rapidité avec laquelle le compresseur réagit. Et un relâchement détermine le moment où la compression se relâche avec le gain de maquillage, ajoutant ainsi toute perte de volume. Commençons par un ratio. Dans un contexte de mastering, nous n'utilisons généralement pas un ratio très élevé, car compression agressive associée à limitation peut donner un son plat à vos chansons. Une bonne règle de base est de régler le ratio entre 1,5 pour un et deux pour un. La compression est donc un subtil équilibre de la dynamique. Une fois le ratio défini , vous devez abaisser le seuil pour définir le point de départ du début de la compression. Alors allons-y maintenant. Mais cette chanson, j'aime bien ton ratio de 1,6 pour un avec un seuil d' environ monocytes en dB. Et c'est ici que vous pouvez expérimenter. Plus vous abaissez le seuil, plus vous obtiendrez de compression. Et plus le ratio que vous utilisez est élevé, plus vous obtenez de compression. Il s'agit donc de trouver un équilibre entre le seuil et le ratio pour obtenir le résultat qui vous convient le plus, le son. N'oubliez pas les mauvaises règles ici. Il est donc essentiel d'écouter les résultats de la compression. Je cherche généralement à atteindre un maximum de deux dB et à réduire les fréquences de base pour donner de l'énergie à la chanson, comme nous le souhaitons . En ajoutant un peu de compression, vraiment monter les fréquences de base pour donner de l'énergie à la chanson. Mais un compresseur agira différemment en effet, différentes chansons de différentes manières. N'oubliez donc pas d'écouter attentivement référer à vos notes pour vous assurer d'obtenir les résultats souhaités. Une fois que nous avons défini nos sessions de ratio de seuil, les paramètres de l'attaquant peuvent réellement être ajustés à votre goût. Les résultats sont ici beaucoup plus subtils. Je préfère généralement une attaque plus lente et un relâchement plus rapide grâce à ma compression de mastering. Mais cela peut varier d'une chanson à l'autre. Il faut expérimenter et écouter comment la compression affecte l'équilibre de fréquence global. Enfin, nous devons compenser le volume perdu en utilisant comme règle générale le contrôle du gain de maquillage, qui utilisait le compteur de réduction du gain pour indiquer le volume réduit par compression, puis augmenter le gain de maquillage d'une quantité similaire. Mais je recommande toujours d'utiliser les tableaux comme guide et d'utiliser la fonction de contournement du plugin pour détecter les résultats, car nous voulons nous assurer qu'il existe un volume constant avant et après la compression. En effet, tout changement de volume peut avoir un impact sur le niveau entrant dans le limiteur. Pour récapituler la leçon, nous avons appris qu'un compresseur contrôle la plage dynamique, mais qu'il n'est pas aussi agressif qu'un limiteur. Un compresseur nous permet de contrôler le ratio pour contrôler la sortie par rapport aux entrées. Un compresseur permet de réduire les volumes. Nous utilisons donc un contrôle du gain de maquillage pour équilibrer le volume perdu. Dans un contexte de mastering, nous utilisons généralement un ratio de 1,5 pour un pour deux pour un. Souhaite que le ratio soit défini, le seuil soit réduit pour définir les points de départ de la compression. Plus vous réduisez le seuil et augmentez le ratio, plus vous réduirez le gain. Les sessions d'attaque et de relâchement sont utilisées pour goûter afin de modifier le son de la compression. Et enfin, nous utilisons le maquillage pour équilibrer le volume. la prochaine leçon, nous examinerons les utilisations créatives de l' égalisation lors du mastering de notre chanson. 11. Amélioration de péréquation: Nous avons maintenant examiné l' égalisation et la manière dont nous pouvons utiliser les mouvements d'égalisation à grands traits pour améliorer notre chanson. Mais avant de passer à l'égalisation, prenons un moment pour nous souvenir de nos notes de mastering. Permettez-vous de mélanger n'importe quel excellent mélange, mais je pense que cela pourrait apporter un peu plus d'énergie globale. Nous avons expliqué comment nous pouvions ajouter plus d'énergie notre dernier cours et de notre dernière séance de compression. Le contenu de base avait l'air bien défini. Je peux donc bien entendre la basse sur la batterie, mais j'ai senti les basses et moyennes fréquences être assez étouffées et boueuses. Je trouve également que la fréquence globale est bonne. Nous pouvons peut-être envisager de faire ressortir un peu plus les fréquences moyennes et peut-être donner à cette chanson un peu d'éclat dans les hautes fréquences pour faire ressortir la voix. Donc, compte tenu de mes notes, ce seront mes domaines d'égalisation prioritaires. Ici, j'ai le plug-in EQ d'origine intégré à celui de studio, et nous pouvons utiliser ce plug-in pour améliorer ou retirer quelque chose d'une section de fréquences spécifique. Un égaliseur est généralement défini avec des points d'égalisation mobiles spécifiques dans différentes zones de la gamme de fréquences, certains points ayant des utilisations différentes des autres en raison de formes d'égaliseur variables. Trois formes de file d'attente sont les plus courantes dans l'égaliseur. Parmi les suivantes, il s'agit d'un filtre coupe-passe conçu spécifiquement pour supprimer les grondements bas de gamme ou les informations trop nombreuses. Une étagère. Ce filtre présente courbe moins abrupte qu' un filtre coupe-passage, mais peut ajouter ou supprimer des contenus indésirables à basse ou haute fréquence. Et puis une courbe en cloche, qui est le plus souvent associée aux basses, moyennes et hautes fréquences. Et c'est une forme plus ciblée. Outre les différentes formes de courbe d' égalisation en général, nous pouvons également ajuster la largeur de la courbe via la commande Q , puis utiliser la commande de gain pour augmenter ou atténuer cette fréquence spécifique. Maintenant que nous en savons un peu plus sur un égaliseur, comment utiliser l'un des contextes de mastering alors que nous compressons la maîtrise ? Nous ne recherchons généralement pas de grands changements audacieux, mais de subtiles améliorations le mix au lieu de le remplacer. Par conséquent, vous verrez rarement des ingénieurs de mastering annuler la plage de fréquences du booster de plus de trois dB, souvent de moins d'un dB, juste pour augmenter certaines zones. Il est également courant de se concentrer sur les mouvements à grands traits avec un réglage Q large compris entre zéro et 5,2. Ainsi, tout mode EQ Move capturera une section d'égalisation plus grande et créera une amélioration plus naturelle par rapport à tout changement chirurgical. Alors écoutons. En ce qui concerne tout traitement de mastering, je ne recommande pas de faire quoi que ce soit juste pour le plaisir de le faire. Car chaque chanson, comme nous en avons déjà parlé, aura des besoins différents. Mais une chose que je vérifie sur chaque chanson, c'est s' il y a trop de bas de gamme. Nous parlons ici de fréquences très basses , entre 20 et 30 Hz, le tout sans plage basse, avec une réduction de gain d' environ un dB en jeu, la chanson fruit et bypass toutes les quelques secondes. Pendant que j'écoute He He is en utilisant l'étagère basse, j'ai l'impression de nettoyer la chanson. Il y a une chanson, plus claire ou plus claire, ou est-ce que ces fréquences ajoutent quelque chose à la chanson ? Si la chanson sonne mieux avec ces fréquences, je ne les ai pas laissées. Si ce n'est pas le cas, nous utilisons une étagère basse pour supprimer une partie de ce bas de gamme indésirable. Ensuite, je veux me concentrer sur les basses fréquences moyennes qui semblent un peu boueuses ou étouffées. Cela est généralement dû à un croisement des fréquences de la guitare basse et des guitares électriques dans ce genre particulier. Mais des fréquences vocales et ivres sont également présentes. Il peut donc rapidement s'accumuler dans la zone basse et moyenne et les abandonner à un point Q à basse et moyenne fréquence, ou rechercher une fréquence de 200 à 5 350 Hz, où la chanson sonne le plus sourd. Et je vais commencer à supprimer certaines fréquences. Dans cet exemple, j'ai découvert que supprimer uniquement les dB des sous-vêtements avec un écart 0,87 Q à 272 Hz faisait l'affaire. maintenant aux fréquences moyennes, et nous devons être un peu prudents lorsque nous augmentons dans la plage des 2 kHz. Cette zone a-t-elle tendance à être sensible aux airs ? Après quelques recherches entre 1 kHz, 3 kHz. Souvent, ce dB augmentait d'environ 1,4 kHz, augmentait la gamme complète sans avoir l'air trop dur et donnait au piège plus de corps et d'équilibre. Juste l'augmentation du dB avec un système Q d'un seul suffira. Enfin, en ce qui concerne les hautes fréquences, je ne voulais pas rendre la chanson trop claire, mais simplement en ajouter un peu trop pour amplifier les hautes fréquences ou recommander une courbe en étagère. Et encore une fois, une augmentation subtile d' environ un dB a bien amélioré le haut de gamme. La fréquence, je l' ai dit, était d'environ 9 kHz, ce qui a permis de capter le haut des voix et les symboles sans créer déséquilibre avec le reste de l'instrumentation. Passons maintenant à une écoute avant et après avec l'égaliseur contourné puis activé. La clé pour utiliser l'acuité à des fins de maîtrise est d'effectuer mouvements subtils grâce à un réglage Q large pour ajouter des améliorations sociales améliorer des zones spécifiques. Réfléchissez bien en termes généraux, traversez toute la gamme de fréquences. Est-ce que la chanson est équilibrée ou y a-t-il quelque chose qui manque ? Ensuite, essayez d'identifier où se trouve cet élément manquant, puis améliorez-le ou retirez-le pour obtenir les résultats souhaités. C'est là que l'entraînement auditif et l'écoute de nombreuses musiques de vos artistes préférés peuvent s'avérer très utiles. Vous avez écouté beaucoup de musique, faites-vous une idée du son de vos chansons préférées. Et je les ai comparés à votre maître. Qu'est-ce qui semble différent ? Et en y réfléchissant, puis-je créer un mouvement d'égalisation pour ajouter ou retirer de la chanson afin de me rapprocher de ma référence ? Ne vous enlisez pas dans des instruments individuels en essayant d' égaliser spécifiquement et d'avoir une vision plus large avec vos mouvements d'égalisation. Récapitulons donc la leçon REQ. Ayez toujours un plan clair à partir de vos notes de maîtrise et de ce que vous voulez réaliser avec un égaliseur. Utilisez un filtre sectionné ou un filtre passe-plat, particulier dans le cas d'un filtre haut de gamme bas de gamme. Utilisez des courbes en cloche pour les basses, moyennes et hautes fréquences. Pensez toujours à l'amélioration plutôt qu'au changement en essayant de maintenir un égaliseur à moins de trois dB. Concentrez-vous sur les raisons pour lesquelles les paramètres de file d'attente se situent généralement entre zéro et 0,5 pour obtenir des modifications générales. N'oubliez pas d'acheter fréquemment un plugin partiel ou EQ pour voir si vos mouvements d'égalisation ont atteint les résultats souhaités. Et utilisez vos chansons ou références préférées pour comparer votre masque et améliorer vos compétences d'écoute afin d' atteindre votre équilibre égaliseur. C'est tout pour notre leçon d'égalisation. Passons maintenant à l'exportation ou au rendu final avant de sortir vos pièges du monde. 12. Exportation et rendu final: Pour sa part, je vais suivre les dernières étapes du processus de mastering afin de préparer notre chanson en vue de sa sortie dans le monde entier. Mais avant de le faire, écoutons une dernière fois des chansons. Nous pouvons le faire avant et après la vérification de notre processus de mastering. Je vais également faire une comparaison avec et sans limiteur. Je te le dis. Comme vous pouvez le constater, nous n'avons que des plugins gratuits et un traitement simple. Nous pouvons créer un son exceptionnel dans master track prêt à être diffusé dans le monde entier. Pour une dernière vérification, je recommande de jouer la chanson du début à la fin afin d'obtenir une lecture précise de la mesure des amours intégrée. Comme vous pouvez le constater, j'ai maîtrisé cette version du morceau à -12,8 l UFS intégré. Mais lorsque notre processus supplémentaire au niveau maximum réel est légèrement augmenté. Je peux donc maintenant revenir au limiteur et ajuster le réglage du plafond pour régler la véritable mesure maximale à moins un dB. Une fois que nous sommes satisfaits du master général, nous pouvons procéder à la découpe de la piste et ajouter des combats inutiles. Pour cette chanson, il y a un peu de piquant au début et à la fin du morceau. Alors découpons-les maintenant. Bonjour, c'est la réponse ici. Et depuis Checkers, je vais m'en tenir à l'écoute. Ensuite, nous devons voir que la chanson a besoin d'un fondu pour que la transition entre les chansons soit fluide . L'artiste a déjà ajouté une photo à la fin que je crée, donc j'en suis content. Mais écoutons pour commencer. Le début. En fait , je trouve que c'est une police intentionnelle avant que les guitares ne se mettent en Si vous vouliez ajouter de la phase à votre master, plupart des DAW ont des flèches dans les coins supérieurs qui attirent les zones où vous pouvez faire glisser et qui s' estompent, comme indiqué maintenant. Enfin, avant d'exporter et d'effectuer le rendu de l'automne, il est parfois conseillé de mettre la chanson en boucle et d'utiliser la plage de boucles pour l'exportation. Dans Studio One, je peux faire glisser la barre de boucle bleue en haut de la chronologie du début à la fin et activer le mode boucle dans le panneau de transport. Mais cela varie en fonction de la DAW. Nous avons maintenant la chanson de notre Maître qui a été découpée et mise en boucle et prête à être exportée. Passons maintenant à nos paramètres d'exportation. Dans Studio One, j'utilise la page des chansons pour ce master ou je peux accéder à l'onglet chanson et exporter la sélection du mixage. Mais la plupart des DAW auront un paramètre d'exportation ou de rendu dans l'onglet Fichier. Une fois que vous êtes dans les paramètres d'exportation, nous pouvons modifier le nom final de la piste et choisir où enregistrer le fichier d'exportation votre fichier, ainsi que choisir le sommet par défaut dans lequel nous voulons placer le Master final. Si vous diffusez votre chanson via une plateforme de streaming, vous devez vous assurer de choisir un format sans perte de la plus haute qualité. Dans presque tous les cas, il s'agira d'un fichier WAV. Veuillez ne pas choisir le format MP3 car un fichier MP3 est un codec avec perte qui dégradera la qualité de la chanson. La plupart des distributeurs numériques, sinon tous, n' accepteront de toute façon que les fleurs sauvages. Utilisez donc l'option Wife Fall comme type de fichier préféré. Vous remarquerez peut-être également que nous avons la possibilité de modifier la profondeur de bits et la fréquence d'échantillonnage du Master final. Si vous diffusez vos chansons sur les plateformes de streaming via un distributeur numérique, il est important de vérifier les quatre exigences qu'ils peuvent avoir. La plupart acceptent désormais les fichiers d'une profondeur de 24 bits. Et comme la chanson Fall est un fichier 24 bits, nous devons nous assurer que l'exportation finale correspond à la chanson Fall en 24 bits. Et je recommande également de conserver la même fréquence d'échantillonnage. Si votre distribution numérique nécessite un fichier très endetté en 16 bits, nous devrons nous assurer que l'exportation finale se fasse via un div, un processus si la chanson démarre faussement à 24 bits. En termes simples, l' application intentionnelle d'un bruit de faible niveau est introduite pour supprimer distorsion de quantification qui se produit lors de la réduction de la profondeur de bits d'un fichier audio en studio, une différente est appliquée automatiquement par défaut. Mais si votre DAW comporte une case à conseils vous demandant si vous souhaitez appliquer la livraison, vous devrez vous assurer que cette case est cochée avant d'exporter votre chanson. Une fois que vous êtes satisfait, vous pouvez exporter votre chanson et vous avez maintenant une chanson masterisée terminée et peaufinée. 13. Conclusion et clôture: Eh bien, les gars, comme je l'ai dit, c'est un Rab. Tu es arrivée à la fin. Bravo d'avoir suivi ce cours, car ce fut un plaisir absolu d' organiser ce cours. Et j'espère que vous serez capable d'utiliser ces techniques pour créer un son exceptionnel dans les masters. Et merci d'avoir partagé votre temps avec moi et avoir assisté à mon cours individuel de mastering audio. Cela signifie vraiment beaucoup pour moi et j'espère que vous avez trouvé ce cours bénéfique. La maîtrise peut être une discipline très typique, mais le fait de suivre quelques techniques simples peut devenir un outil très puissant pour réellement modifier le lysosome. Nous abordons beaucoup de sujets dans ce cours. Nous avons abordé l'aspect théorique de la normalisation du volume. Nous avons donc même examiné les termes courants pour introduire une configuration simple de jalons. C'est facile à faire et reproductible pour vraiment vous préparer au succès. Ensuite, nous nous sommes penchés sur la limitation de la compression EQ et sur la manière dont nous pouvons utiliser ces outils pour vraiment vous améliorer. Au niveau suivant, il y a une chose je ne veux surtout pas que vous retiriez de ce cours. Et c'est ce simple message. Gardez les choses simples. Faire confiance, c'est être créatif. Amusez-vous à faire de la bonne musique. Vous pouvez suivre ce cours avec vos propres projets de classe en téléchargeant votre chanson masterisée dans la galerie de projets. N'oubliez pas d'inclure des liens vers la version principale et la version préliminaire, ainsi qu'une brève note sur la façon dont vous maîtrisez cette chanson. Écoutez ensuite votre chanson principale et donnez-vous des commentaires qui vous aideront tout au long de votre parcours de mastering. Enfin, si vous avez apprécié le cours, n' oubliez pas de laisser la critique du cours. Je pourrais vous montrer comment suivre mon profil Skillshare car j'en ai plein à l'avenir. Merci encore une fois, après ce cours, est une grande perte pour moi.