Le Masterclass complet de musique

1. Introduction: Bonjour à tous, bienvenue à la masterclass complète de mastering. Je suis tellement heureuse d' avoir enfin ce cours en direct. Il me faut beaucoup de temps pour faire en sorte que je veuille vraiment faire les choses correctement. Et je suis très heureuse d' être sur le point de le sortir. Si vous ne me connaissez pas, je m'appelle Jay Allen. J'ai créé plus de 100 cours maintenant, plus d'un million d'étudiants dans mes cours en ligne sur Internet. Et je suis très heureuse que tant de personnes aient trouvé mes cours si utiles. J'ai des nouvelles de lui tous les jours et j'adore ça. Je suis titulaire d'un doctorat en musique avec une spécialisation en musique électronique et d'une maîtrise en informatique musicale. fait maintenant quelques années que je produis, que j'écris et que je compose. J'ai travaillé sur certains disques qui ont figuré dans les meilleurs classements du CMJ. J'ai été reconnu par la Grammy Foundation pour certains de mes travaux éducatifs. Et j'ai produit, mixé et masterisé des tonnes de morceaux. Mais le plus important, c'est que j'adore parler ce genre de choses et être un nerd. Donc, si cela vous ressemble, vous êtes au bon endroit. L'une de mes activités préférées est de me lever le matin, lire toutes les questions que j' ai dans les cours et répondre à chacune d'entre elles chaque matin. C'est le moment que je préfère de ma journée. Dans ce cours, nous allons approfondir le mastering. Tout ce que vous devez savoir sur mastering se trouve dans ce cours Nous allons parler des types de mastering, la théorie qui sous-tend la maîtrise de ce que nous essayons d'atteindre. Et bien sûr, comment le faire. Nous allons nous lancer dans les mauvaises herbes et maîtriser une piste. Le titre que nous allons maîtriser est en fait un parcours étudiant que j'ai invité quelqu'un à soumettre. Nous allons maîtriser cette piste tout au long ce cours et je vais vous expliquer chaque étape horrible de ce cours. Je vais parler de tous les effets dont vous avez besoin, tous les outils dont vous avez besoin, manière de créer votre chaîne, des détails sur ce que vous recherchez et de ce que vous devez soumettre à Spotify et aux autres services de streaming. Comment contrôler l'espace tridimensionnel lequel nous travaillons, en ajoutant des édulcorants supplémentaires. Et puis, bien sûr, le rendu vers les différents types de fichiers et quels devraient être vos paramètres Perfect Render pour qu'il soit accepté par les services de streaming. Enfin, je vais parler de ce que vous pouvez faire pour vous faciliter le processus de mastering à long terme et de la façon d'obtenir des emplois en tant qu'ingénieur de mastering. Alors, sans plus tarder, plongeons-nous dans le vif du sujet et commençons à le faire. Il est important pour moi de dire que vous pouvez le faire dans à peu près n'importe quel logiciel, n'importe quel logiciel audio. Si vous utilisez Pro Tools, Logic, FL Studio, Reaper, les outils dont nous avons besoin pour créer un masque. C'est juste pour sortir du lot. Moi et moi avons arrêté de faire Dequeue. Alors d'accord, ce que nous avons fait ici, c'est que nous avons vraiment insisté. Mais ce n'est pas ce que nous voulons faire. De toute évidence. Ajustez notre ratio temps d'attaque et de sortie ici, d'accord, pour que tout fonctionne de la même manière une interface légèrement différente. Voici notre version, non ? Nous pouvons donc régler la compression, nous heurter à ce plafond. Ça va se déformer. C'est ce qu'il fait. Donc, celui-ci possède cette fonction de clip souple. Donc, tant que nous ne nous écrasons pas trop fort, cela nous laissera un peu de distorsion, mais c'est en fait une bonne distorsion. Alors c'est bon. 2. Qu'est-ce que le Mastering ?: OK, alors, qu'est-ce que le mastering ? Allons-y très rapidement pour nous mettre sur la même longueur d'onde. Passons donc en revue le processus que nous suivons pour créer une piste. OK, en sautant la partie la plus difficile, qui est l'art même de créer la piste. Tu t'assois pour faire de la musique. Vous créez une piste avec n'importe quel logiciel Hourra, vous avez écrit la musique, vous en êtes content. Cool. Maintenant, que se passera-t-il ensuite ? Et c'est la chose typique qui se produit ensuite. Une fois que vous avez écrit le morceau, les gens se contentent généralement de dire : «  Super, j'ai écrit un bon morceau, j'en suis content maintenant il est temps de le mixer. Vous allez donc passer beaucoup de temps à mixer pour obtenir tous les niveaux parfaits, établir la relation entre un son et l' autre, et faire en sorte que le son sonne exactement comme vous le souhaitez. Les chefs s'embrassent. Donc vous l'avez fait, d'accord, j'ai un cours séparé sur ce processus. Une fois que vous avez fait cela, vous passez au processus de mastering. Vous prenez donc votre mélange et vous l'exportez à partir de votre colorant. Vous l'exportez sous forme de pistes audio stéréo. Donc deux chaînes à gauche et à droite, celle que nous diffusons, celle que nous entendons. On ne peut pas dire que c'est terminé là-bas. Et parfois les gens le font. Parfois, les gens disent : « C'est mon mix ». Ça a l'air génial. Je vais l'envoyer à Spotify, et ça va être génial. Cependant, vous ne pouviez pas effectuer cette dernière étape et vous devriez effectuer cette dernière étape. Vous devriez vraiment masteriser vos morceaux ou les faire masteriser par quelqu'un d'autre. mastering est donc la dernière étape que nous effectuons afin de préparer les morceaux pour le streaming, pour l'enregistrement. J'en parlerai dans une seconde, mais c'est quelque chose qui doit se produire. Mettre un CD, le jouer dans votre voiture ou jouer sur des haut-parleurs pourris, planifiant de bons haut-parleurs. C'est un moyen de vous assurer que votre morceau sonnera bien et dans autant de lieux différents que possible. C'est un moyen de s'assurer que lorsque votre morceau est diffusé à la radio, personne ne touche le cadran pour le monter ou le baisser. Cela correspond parfaitement à la musique diffusée sur la station de radio. C'est une façon de s'assurer qu'il n'y a pas de bizarreries dans le morceau, comme tout un tas de que vous n'avez pas entendus dans le mix ou des trucs bizarres de Hi que vous n'avez pas entendus dans le mix. Juste pour mettre en valeur le tout et s'assurer qu'il fonctionnera sur toutes ces plateformes. Et ça va sonner. C'est mieux. C'est ce qu'est le mastering. La principale chose que je veux que vous retiennes de cette première vidéo est que le mastering signifie que nous travaillons avec une piste stéréo, k, deux chaînes comme celle-ci. Comme regarder ce morceau ici. Il s'agit de deux chaînes, vous pouvez le voir. Et tout cela ne fait pas partie d'une seule séance. Il s'agit de 1234567 pistes individuelles. Ce n'est pas une seconde. J' ai juste intégré sept titres ici pour vous montrer quelque chose dont nous parlerons dans quelques minutes. Mais ce sont des morceaux complets que j' ai en session et que je suis en train de masteriser. Donc, on regarde celui-ci, il est stéréo, il y a deux fichiers. Ce n'est pas le mélange. Si vous maîtrisez quelque chose, vous en avez terminé avec le mix. Tu n'es plus en train de le mixer. C'est parti. Notre mix est donc gravé dans la pierre. Nous l'avons fait rebondir sur une piste stéréo, et maintenant nous passons à la phase de mastering. C'est donc ce qu'est le mastering et c'est ce que nous allons apprendre à faire dans ce cours. 3. Une note sur la terminologie: OK, un petit mot sur la terminologie avant d'aller trop loin, je voulais juste aborder cette question. Dans le domaine de l'ingénierie audio, il existe un mouvement visant à arrêter d' utiliser le mot mastering, car certains le considèrent comme un langage oppressant. Je suis tout à fait d'accord avec cela. alternatives proposées concernent la finition et la maximisation. Ces deux termes sont excellents et fonctionnent bien. Et j'essaie de le faire . Je suis en train d' ajuster mon langage pour dire qu'il faut utiliser ces deux termes dans l'intérêt des gens qui comprennent de quoi je parle. Je vais principalement continuer à utiliser le terme mastering pour le moment. Mais il se peut que je revienne en arrière dès que l'un de ces deux termes perdure et que je réédite tout ce cours pour utiliser le nouveau terme. Mais pour l'instant, la plupart des gens savent ce qu'est le mastering. Je dois donc m'en servir pour ce cours afin que ce cours afin les gens comprennent vraiment de quoi je parle. D'autres mots et langages qui sont en train d'être repensés dans le domaine audio. Il y en a en fait beaucoup. Par exemple, lorsque nous avons deux périphériques matériels qui fonctionnent ensemble, comme un magnétophone et une horloge, ou un ordinateur synthétisé ou annoté. Je suis que cette relation est toujours appelée relation maître-esclave. Nous sommes en quelque sorte en train de nous débarrasser de ces termes également. Mais juste pour que vous le sachiez, vous entendrez peut-être des gens parler de la maîtrise comme finition ou de la maximisation, ou peut-être même d'autre chose. Tout cela signifie essentiellement la même chose. Je préfère terminer que maximiser, car pour moi, maximiser est un élément de la maîtrise, mais pas l'ensemble de l' administration de toute façon. Nous y reviendrons plus tard. Je voulais juste le publier afin que , lorsque vous entendez ces termes, vous compreniez de quoi nous parlons. Cool. Passons à autre chose. 4. Recommandations sur les logiciels et matériels: D'accord, parlons des outils que nous allons utiliser maintenant. Vous pouvez utiliser beaucoup de choses différentes pour le mastering. Beaucoup de personnes insistent sur le mastering du matériel et il existe du matériel vraiment cool pour le mastering. Mais ce que je veux faire dans ce cours, c'est que nous allons en tenir principalement aux logiciels, ou nous allons nous en tenir uniquement aux logiciels de ce cours. Mais vous allez comprendre comment fonctionne le matériel. Nous en reparlerons quand ce sera le cas. Je vais donc utiliser Ableton ici, mais c'est important pour moi de le transmettre. Vous pouvez le faire dans à peu près n'importe quel logiciel, n'importe quel logiciel audio. Si vous utilisez Pro Tools, Logic, FL Studio, Reaper. Ensuite, les outils dont nous avons besoin pour maîtriser nos égaliseurs et compresseurs, peut-être quelques autres choses, mais tout programme audio intègre ces outils. Vraiment, c'est complètement fermé. Je suis presque sûr. À chaque fois, vous pourriez probablement faire une grande partie de ces tâches dans GarageBand si vous le deviez vraiment. Il ne s'agit pas tant d'accéder aux outils que de les utiliser avec précision. C'est ce qui fait un bon maître. Donc, quelles que soient les données dont vous disposez, elles seront correctes, même si vous n'avez pas de chien, vous le faites dans le cadre d' Audacity, un programme gratuit ? peux, tu peux le faire. Ce sera un peu plus difficile, mais vous pouvez très bien maîtriser Audacity. Ainsi, tout ce dont vous avez besoin pour bien maîtriser quelque chose doit déjà être intégré à votre logiciel. Alors ne vous laissez pas décourager par mon utilisation d' Ableton. Si vous ne l'utilisez pas, tout ira bien. Vous avez juste besoin de bien comprendre comment utiliser votre logiciel. Vous devez comprendre comment utiliser vos compresseurs et vos égaliseurs. Nous en reparlerons une fois sur place. Vous n'avez donc pas besoin d'acheter des plug-ins sophistiqués pour faire ce genre de choses. Cela étant dit, s'il y a un plugin sophistiqué à acheter, je parlerai plus en détail de la façon dont je l'utilise plus tard. Mais ce serait des isotopes, l'ozone, ça ressemble à ça. Ozone est un plug-in de mastering. Tu n'en as pas besoin. Je ne saurais trop insister sur ce point. Tu n'en as pas besoin. Vous pouvez faire un grand maître sans elle. Cependant, il fait très bien certaines choses que votre chien fait probablement aussi. Mais l'ozone va agir différemment et l'utilisation de l'ozone présente certains avantages. Nous en reparlerons plus tard. Ne sortez pas pour l'instant acheter de l'ozone. Peut-être que vous voudrez l'acheter à la fin de ce cours. Je vais donc principalement utiliser ce matériel intégré à Ableton à la toute fin de ce cours Je vais vous montrer certains avantages de l' ajout d' ozone à notre chaîne. Mais en attendant, utilisez, utilisez ce que vous avez. N'importe quelle porte sera parfaite pour cela. 5. Types de maîtrise: Encore une mise en garde avant d'entrer dans le vif du sujet. C'est ce que j'ai en quelque sorte mentionné il y a une minute lorsque je parlais de ce qu'est le mastering. Mais je veux juste m' assurer de bien comprendre qu'il existe différents types de mastering. Et ce que nous faisons dans ce cours, c'est du mastering numérique. Nous sommes en train de masteriser un morceau pour le préparer à la distribution numérique, c'est-à-dire le diffuser sur un site Web, le mettre sur SoundCloud, sur Spotify, etc. Il y a des choses comme le mastering de vinyles. C'est un animal complètement différent. Je ne sais pas vraiment comment faire du mastering sur vinyle. Il faut vraiment être un professionnel pour maîtriser quelque chose pour le préparer à l'impression sur vinyle. Si cela vous intéresse, vous devriez contacter quelqu'un The Vinyl Pressing Planet qui s'en charge. C'est un tout autre processus. Certaines choses sont similaires, mais il reste encore beaucoup à faire. C'est, c'est bien plus une science. Le type de mastering que nous allons faire dans ce cours est donc mastering que nous allons faire dans ce cours est vraiment axé sur la diffusion de nos morceaux dans tous les genres, qu' ils soient acoustiques ou électroniques, orchestraux, etc. Je les prépare pour les plateformes de streaming, les fichiers numériques. C'est sur cela que nous nous concentrons ici. Vas-y. Très bien. 6. Vocabulaire: Alors que je décrivais ce cours et je me demandais comment j' allais l'enseigner. Je me suis rendu compte que de nombreux termes allaient apparaître, de nombreux termes techniques, dont certains vous sont peut-être déjà familiers et d'autres, si vous avez suivi mes autres cours, comme le mixage et certains d'entre eux seront totalement nouveaux pour vous. Donc, lorsque ces termes seront abordés, je vais m'arrêter pour les présenter et les définir. Mais j'ai aussi pensé qu'il serait utile que vous ayez une petite liste de vocabulaire à laquelle vous référer. Dans le prochain petit segment, je vais vous donner un PDF qui est ma liste de vocabulaire. Ne vous inquiétez pas de le lire et de le mémoriser. Je vous le donne maintenant au début du cours, en espérant que vous pourrez peut-être l' imprimer et le placer à côté de votre ordinateur ou le garder sous forme de fichier ouvert sur votre bureau. Ainsi, lorsque je parle de ces choses, vous pouvez faire référence à cette liste. Je vais donc parler de chacune de ces questions dans leur contexte lorsqu'elles seront abordées. Certains d'entre eux ne le seront pas avant un moment, mais je veux que vous ayez juste cette liste, en serviez comme référence. Vous pouvez écrire dessus, annoter comme bon vous semble pour mieux comprendre le concept. OK, donc, dans la liste de vocabulaire suivante, puis nous allons nous plonger dans le détail. 7. Être fort et clair: Bon, parlons un peu de la théorie qui sous-tend Mastering. Et nous allons principalement parler de nos objectifs en matière de maîtrise. Pourquoi avons-nous fait cela ? Pourquoi avons-nous suivi tout ce processus ? La façon dont j'y pense ? Le mastering a deux objectifs. Deux choses que nous essayons de réaliser. La première consiste à faire en sorte que notre morceau soit aussi fort que possible. Maintenant, il y a quelques réserves à ce sujet et nous en reparlerons dans une minute. Mais la deuxième place est claire. C'est ce que nous voulons que notre morceau soit si fort et clair. Et c'est quelque chose qui entre en ligne de compte dans le processus de mastering. Ainsi, lorsque vous mixez ce que vous faites sur un morceau, vous écoutez les différentes couches du morceau, tous les instruments. Et vous les comparez les uns aux autres et vous obtenez la meilleure combinaison. Donc, vous voulez, disons que vous avez votre batterie et ensuite votre guitare, n' est-ce pas ? Donc vous, ce que vous voulez faire, c'est écouter cette piste de batterie et ensuite vous procurer votre guitare. Peut-être que vous voulez qu'elle soit un peu plus forte que la batterie, peut-être un peu plus silencieuse que la batterie. Peut-être y écrire. Mais tu vas mixer ça en fonction de la batterie ou quel que soit ton morceau de départ ou de référence, n'est-ce pas ? Ensuite, vous allez ajouter votre base et vous allez mélanger ce relatif. Ensuite, vous allez ajouter, dans n'importe quel sens ou n'importe quoi d'autre, des voix. Tu vas mélanger tout ça ensemble. Ils sont tous relatifs les uns aux autres. Quand tu en auras fini avec ça, tu te diras : « Sweet, j'ai un super mix ». Je suis content de mon mix. Et peut-être que c'est un mix bon et fort. Peut-être, mais peut-être que ce n'est pas le cas et ce n'est pas grave si ce n'est pas le cas, le travail du mixage n'est pas de faire le mixage le plus fort. Vous voulez que votre mix soit aussi fort que possible, mais il ne sera pas aussi fort qu'un mix masterisé, car nous faisons des choses spéciales. Du mastering pour le rendre un peu plus fort, nous y reviendrons dans une minute. Vous mixez donc par rapport à tous les autres instruments de la pièce de musique. Mais vous maîtrisez par rapport à toutes les autres pistes que l'auditeur est susceptible d'écouter. L'exemple de la radio, je crois l'avoir déjà mentionné, mais lorsque nous écoutons un titre à la radio, nous ne voulons pas en écouter un qui soit plus silencieux que tous les autres. Si nous le faisons, quelqu' un saisira le cadran et l'activera. OK, s'ils augmentent le volume, alors le morceau suivant sortira, il sera très fort et ils en auront alors le morceau suivant sortira, il sera très fort et les oreilles, n'est-ce pas ? Ils ne veulent pas faire ça. Nous voulons donc que notre mix soit aussi fort que tous les autres qui passent à la radio. Peut-être que la radio est un mauvais exemple de l'ère moderne. J'écoute toujours la radio, mais Spotify, tous les titres de Spotify, nous ne voulons pas d'un titre plus silencieux ou plus fort que les autres. Si c'est plus fort, c'est probablement une distorsion. Si c'est plus silencieux, vous allez l'augmenter. Ou pire encore, si c'est vraiment silencieux, Spotify appliquera algorithme qui augmentera automatiquement le volume , ce qui déformera et le sonnera mal, accord, donc le volume compte. L'autre chose que nous voulons, c'est de la clarté. Donc, ce que nous allons faire, c'est écouter les fréquences problématiques. Y a-t-il tout un tas de trucs de base qui s'accumulent ? Y a-t-il tout un tas de trucs délirants ? Et il y a une certaine fréquence de sonnerie. Nous allons juste les éliminer et nous en occuper. , nous pourrions même postuler si la piste en a besoin. Un peu de ce que nous appellerions des édulcorants, un petit truc supplémentaire juste pour le rendre brillant, juste pour le faire briller un peu plus. Nous parlerons de tout cela plus tard. Mais nos deux objectifs principaux, haut et fort. 8. Il n'est plus que simplement transformer le volume: OK, alors quand j'ai appris à faire ce genre de choses, j'ai toujours pensé que le bruit était un peu étrange. Alors laissez-moi vous expliquer si vous êtes confus, comme je l'étais autrefois à ce sujet. Parce que pourquoi ? Comme fort, je peux augmenter le volume d'un morceau simplement en augmentant le volume, n'est-ce pas ? Par exemple, pourquoi ne pas simplement augmenter le volume, n'est-ce pas ? Ce n'est pas de la science des fusées. C'est bien plus compliqué que ça. Et laissez-moi vous expliquer pourquoi j'avais l' habitude de comparer cela à ce que vous avez déjà vu dans des publicités sur la bière où l'on dit que nous avons la bière la plus froide. Et vous vous dites que ce n'est tout simplement pas le fait que la fonction n'est pas la froideur d'une bière, mais la fonction du réfrigérateur dans lequel vous la mettez. Il suffit de le refroidir, laisser au réfrigérateur plus longtemps ou de le mettre au congélateur si vous le voulez vraiment froid. Je ne comprends pas cela. Je ne comprends toujours pas que la froideur de la bière soit annoncée. Mais avec le son, ce n' est pas pareil. Ce n'est pas simplement comme si vous pouviez simplement le refroidir ou, dans notre cas, rendre plus fort en augmentant le volume. D'accord. Laisse-moi te montrer pourquoi. Regardons cette piste. C'est un morceau terminé et il est assez bruyant. Nous pouvons constater qu'il y a une certaine marge de manœuvre ici, c'est-à-dire un peu de place en haut des pistes, mais pas beaucoup. C'est vraiment mixé , aussi fort que possible. D'accord. Faisons le plus fort. OK, donc je vais passer à mes compteurs , c'est sur cette piste. Faisons en sorte qu'ils soient beaux et grands pour voir ce que nous faisons ici. OK, voici ce morceau. C'est en solo. C'était comme si nous avions tout vécu. Des hauts et des bas. Je suis immobile quand mon chien ne sent pas bien les foules, je peux garder ma boutique. C'est ainsi que tout se déroule jusqu'à son apogée , comme nous l'avons fait jusqu'à présent. Est-ce que je porte toujours mon chien ? C'est bien Le zéro, c'est le robinet. On ne peut pas dépasser zéro. Nous en reparlerons plus tard, mais nous ne pouvons pas dépasser zéro et cela passe à moins 0,02. Cela signifie que c'est juste au sommet. C'est mélangé tout le long du chemin. C'est super. C'est aussi bruyant que possible. Donc, si nous le voulions plus fort, nous pouvons simplement augmenter le volume. C'est comme si nous l'avions fait. Mais les hauts et les bas, quand mon chien est là, je n'oublie pas les foules. Je peux m'en tenir à ce genre de petite monnaie. C'est exactement comme ça. Je ne me suis pas fait beaucoup d' étrangers, d' amis proches et de Salama. D'accord. C'est vrai. Alors je l'ai augmenté plus fort et que s'est-il passé ? Ça s'est déformé. Nous ne pouvons donc pas simplement le monter plus fort parce que cela va se déformer. Si nous dépassons ce point zéro ici, nous déformerons le résultat jusqu'à 5,91. Ok, il faut monter à zéro. N'est-ce pas déjà parfaitement maîtrisé s'il culmine à moins 0,02, c' est-à-dire le plus proche de zéro, n'est-ce pas ? Eh bien, pas vraiment, car c'est là que le mastering entre en jeu. Regardons la forme d'onde, non ? Voici donc un endroit aléatoire dans la forme d'onde. C'est juste ici. C'est tout le chemin jusqu'au sommet. Cela va jusqu'à zéro ou moins 0,02. C'est aussi fort que possible. On ne peut donc pas le faire plus fort. Mais ce n'est pas le cas. Cela peut être plus fort. Cela peut être plus fort. Cela peut être plus fort. Et allons-y encore un peu plus près. Cela peut être plus fort, et ceux-ci peuvent être plus forts. Les hauts sont au sommet, mais les plus bas peuvent monter, non ? Et c'est là que la science de tout cela entre en jeu, n'est-ce pas ? Je veux que ces aigus restent aussi élevés que possible, mais je veux que les niveaux les plus calmes augmentent. Eh bien, c'est ce qu'on appelle la plage dynamique. La plage dynamique est la distance entre le point le plus élevé, le plus fort, et le point le plus faible. Et ce que nous allons faire, c'est y mettre fin. Nous allons utiliser des outils spéciaux pour y remédier. Le tout est donc plus fort. Nous allons le faire d'une manière qui ne gâche pas la musique. Cela nous amène à quelque chose dont je m'en voudrais si je n'en parlais pas. Il y a ce qu'on appelle la guerre du bruit. Et c'est quelque chose que vous devez aborder lorsque vous parlez de mastering. Passons donc à une nouvelle vidéo et parlons-en. 9. Les guerres de clarté: Nous avons un peu d'histoire. Revenons aux années 80, par exemple, c'est censé se produire depuis les années 70, sans doute les années 60. Mais disons que nous sommes dans les années 80 et que vous écoutez de la musique. Vous écoutez de la musique à la radio parce que c'est ainsi que beaucoup de gens écoutaient de la musique à l'époque. Vous écoutez la radio et vous entendez deux chansons côte à côte et l'une sonne plus fort que l'autre. Certaines études ont montré que celui qui sonnait le plus fort se vendait mieux. Les gens ont donc commencé à essayer de rendre la musique de plus en plus forte en utilisant les techniques dont nous parlons, soit réellement plus forte, soit perçue comme plus forte. À un moment donné, le volume dépend du cadran, du bouton de volume de votre voiture ou autre. Mais tu peux appuyer très fort sur ce bouton. Et c'était très difficile à faire dans les années 80. Les gens ne faisaient donc que l' expérimenter. Parce que nous travaillions toujours avec des cassettes et des signaux analogiques. Une fois que nous avons obtenu le disque compact, le CD, qui a été inventé en 1981, mais qui est devenu le moyen standard vente et de consommation musique au tout début des années 90, je crois. Nous avions maintenant des signaux numériques et ceux-ci peuvent être manipulés avec plus de soin. Les gens ont donc commencé à vraiment insister là-dessus. Comment pouvons-nous faire en sorte que notre morceau soit le plus fort possible ? Parce que si cinq titres passent à la radio et un d'eux est mixé ou masterisé très fort, il se démarque des autres. Il se vendra mieux. Nous le savons. C'est ainsi qu' a commencé cette étrange petite guerre appelée la guerre du bruit, où tout le monde essayait de faire entendre sa musique le plus fort possible. Et nous sommes toujours dans cette petite guerre. D'une certaine façon. Certains artistes s'y sont opposés en disant qu'ils ne voulaient pas y participer , car certains soutiennent qu' en produisant un morceau aussi fort que possible, nous finissons par réduire cette plage dynamique. Et cela lui enlève toute sa musicalité. Il y a quelque chose de perdu dans les qualités délicates de la musique. Lorsque nous le faisons, les artistes qui ont dit que nous allions avoir maîtres discrets ont tendance à se plier à des artistes qui n'ont pas à se soucier des ventes d'albums ou des streams autant que nous autres. Nine Inch Nails en est un très bon exemple. Je ne me souviens plus quel record. Je pense que c'était presque l'année zéro. Je pense que c'est là qu'il a sorti deux versions de cet album. L'un d'eux a été appelé, je crois qu'il l'a simplement appelé le mix fort ou peut-être les micros radio. Et c'était bruyant. Il a été maîtrisé à voix haute comme on pouvait s'y attendre. Mais il y a eu une version de fichier audiophile qui n'était pas maîtrisée à voix haute. Il a été maîtrisé avec une plage dynamique beaucoup plus large et c'est ainsi qu'il l'a aimé. C' est ainsi que les artistes le souhaitaient. Mais cela n'allait pas très bien se passer à la radio ou sur les services de streaming . Il a donc créé deux versions. La guerre du volume se poursuit donc d'une certaine manière. Nous essayons toujours de trouver des moyens de rendre le master plus fort. Mais j'ai l'impression que nous avons atteint une limite supérieure au point que nous n'allons pas la pousser beaucoup plus loin. Parce que les services de streaming nous limitent dans une certaine mesure. Ils ont des normes qu'ils exigent. Et ils ne laisseront pas la musique dépasser ces limites. Et il y a une limite à ce que vous pouvez faire pour les affronter avant de créer un étrange mur de sons. Mais le volume reste important. Assurez-vous donc que vos morceaux sont suffisamment maîtrisés pour être comparables ceux que votre public est susceptible de vous écouter. C'est ce qui est le plus important. du volume a donc bien d'autres La guerre du volume a donc bien d'autres aspects : si vous la recherchez sur Google, vous pouvez trouver l'histoire d' artistes étrangers qui s'y sont opposés, des albums qui marquent des jalons ou les guerres du volume au fil des ans. Donc, si vous voulez en savoir plus à ce sujet, allez-y. Mais passons à autre chose. 10. Questions de genre: Un petit mot sur le genre avant de partir, parce que le genre compte dans ce genre de choses. Vous devez tenir compte du genre dans lequel vous travaillez pendant que vous maîtrisez et que vous réfléchissez à l'intensité sonore. Nous voulons notamment réfléchir à l'importance de la plage dynamique. Alors fais-le pour moi. La prochaine fois que tu conduiras en voiture. À l'écoute de votre station de radio pop commerciale locale. Écoutez de la musique sur cette station pendant une minute. Ensuite, je veux que vous tourniez le cadran le plus rapidement possible pour vous rendre à votre station de musique classique locale. D'accord ? Il est fort possible que lorsque vous arrivez à votre station de musique classique, vous n'entendiez rien. C'est si calme qu'on n'entend rien. Vous devez augmenter le volume de votre voiture pour entendre la musique et la station de musique classique. Comme la musique classique n' est pas maîtrisée à voix haute, la gamme dynamique de la musique classique est importante, elle est fondamentalement importante pour écouter et apprécier cette musique. Nous n'écrasons donc pas cette plage dynamique. En Mastering, lorsque nous écoutons de la musique classique, nous ne le faisons tout simplement pas. Nous en avons peut-être un peu, un tout petit peu, mais les personnes qui maîtrisent la musique classique sont très spécialisées et je n' ai pas beaucoup d'expérience dans ce domaine. Mais je porte cela à votre attention pour vous rappeler que le genre est important. Si vous maîtrisez la musique de danse, vous voulez que cette musique soit aussi forte que possible, car vous voulez qu'elle fasse vibrer le club. Si vous maîtrisez la pièce pour piano solo de Brahms, vous ne voulez pas qu'elle soit poussée jusqu'au sommet. Vous voulez qu'il soit silencieux, et il est permis d'être bruyant. Vous voulez qu'il remplisse vraiment cet espace. Vous ne voulez pas qu'il pompe à fond. Ce n'est pas le but de cette musique. Si vous maîtrisez, comme le pop punk, vous voulez que ce soit assez percutant , n'est-ce pas ? Mais si vous maîtrisez la musique folk acoustique, vous voulez peut-être un peu plus d'ampleur, et vous ne voulez pas qu'elle atteigne le sommet. Cela peut sembler étrange si vous maîtrisez cela très fort. Mais vous voulez le faire entendre aussi fort que possible. Pensez donc toujours au genre dans lequel vous travaillez et à ce qui convient à ce genre, à ce genre. Dans quelques minutes, nous vous expliquerons comment utiliser guides pour vous y aider. Les pistes de référence sont des éléments que nous utiliserons lors la session de mastering pour rester connectés à ce qui se passe autour de nous. Nous en reparlerons donc une fois que nous aurons entamé notre première grande session, ce que nous ferons bientôt. Mais je veux parler des outils que nous allons utiliser pour ce processus ensuite. 11. Le travail de fréquence: OK, nous avons beaucoup parlé volume et peu autres éléments liés au mastering, principalement du travail sur les fréquences. Je voudrais donc consacrer une minute à ce sujet, car il est assez courant que lorsque nous parlons de mastering, nous parlions de volume et que nous négligions ces autres aspects importants de celui-ci. Donc, lorsque nous parlons de travail sur les fréquences, nous parlons de la question de savoir s' il y a des fréquences problématiques ? C'est le principal. Ça peut être bas, ça peut être haut et ça peut être juste au milieu. Il se peut qu'il y ait une étrange sonnerie. Il se peut que des basses fréquences s'accumulent. Il se peut que vous ne l'ayez pas vu lorsque vous mixez le morceau. Mais en utilisant les outils de mastering, vous pouvez les voir. Est-ce que je n'étais même pas quelque chose que tu ne peux même pas entendre. Mais vous pouvez les voir sur nos compteurs. Et tu te dis : « Waouh, il y a un gros problème à monter au plus bas de l'échelle. Maintenant, pourquoi est-ce important ? Disons que vous faites comme si vous mixiez comme un gros morceau de danse, n'est-ce pas ? Et vous avez quelque chose qui possède cette pompe et cette base, comme boum, c'est vraiment génial et vous avez l' impression que c'est un excellent mélange ». Supposons que vous ne compreniez pas en mastering qu'il y a un tas de sons graves qui se produisent en dessous de ce que vous pouvez entendre sur vos haut-parleurs ou vos écouteurs. Donc tu ne fais rien à ce sujet. Ensuite, vous allez dans un club avec cette piste, un club qui possède un énorme système de sonorisation et des subwoofers géants. Vous jouez ce morceau et vous entendez un son vraiment terrible. C'est parce qu'il était là, mais vos haut-parleurs ne l'ont pas capté. C'est donc le genre de choses que nous avons essayé de comprendre lors du mastering, et c'est un exemple assez extrême. Mais ce genre de choses peut se produire lorsque vous entendez quelque chose sur un autre ensemble d'enceintes. Et ça a l'air totalement différent. Et nous essayons d' éliminer cela lors mastering en recherchant ces fréquences problématiques. C'est pourquoi, lorsque vous êtes dans un studio spécialisé dans le mastering, vous verrez souvent toute une gamme de haut-parleurs, n'est-ce pas ? Parce qu'ils vont avoir de très bons haut-parleurs. Ils vont avoir des haut-parleurs vraiment bon marché. Ils ont peut-être un ensemble de haut-parleurs de voiture. Ils peuvent avoir des écouteurs bon marché, toutes sortes de choses différentes. Ils vont avoir un petit interrupteur. Ils peuvent donc passer d' haut-parleur à l'autre et simplement écouter l'une de ces fréquences problématiques. Ensuite, travaillez dessus. Hein ? C'est donc ce qui entre en ligne de compte dans la fréquence. Travaillez. Plus d'informations à ce sujet bientôt. Bien, passons maintenant aux outils du métier. Nous allons commencer par nos trois principaux outils. reparlerons plus tard, mais ce sont là nos principaux outils. 12. Outils : le DAW: Bon, parlons des outils et commençons par le chien. Ce n'est pas vraiment l' un des outils, mais je veux juste en parler très rapidement. Nous allons travailler dans un moule. Vous n'avez pas vraiment besoin de travailler dans une matrice. Parce que nous n' allons vraiment travailler qu'avec un seul titre à la fois ici. Comme une session de mastering classique. Ça ressemble à ça. On dirait qu'il y a un morceau sur lequel nous allons travailler. Vous pouvez donc le faire dans n'importe quel type d'éditeur audio, même Audacity, jusqu'à Pro Tools. Peu importe. Je vais utiliser Ableton. Vous pouvez utiliser le logiciel de votre choix. Tant que vous avez accès aux outils et aux plug-ins dont nous parlerons dans les trois prochaines vidéos. D'accord ? Alors ne t'en tiens pas là. J'utilise Ableton. Ableton n'a rien à voir avec ce processus. C'est vraiment ce qui me retient la trace. Eh bien, je lui fais ces choses. Mais vous avez besoin d'un programme dans lequel vous pouvez charger un seul fichier audio et y appliquer des effets. C'est ce dont nous avons besoin. Et il devrait avoir un très bon compteur, est la première chose dont nous allons parler. Passons donc à une nouvelle vidéo et parlons-en dès maintenant. 13. Outils : le compteur: OK, notre premier outil, le plus important et le plus pétillant de tout ce processus, est le compteur. Vous avez probablement pensé que j' allais dire compresseur. Si vous avez de l' expérience dans ce et que le compresseur est très important, nous en reparlerons ensuite. Mais c'est le compteur qui va nous montrer ce qui se passe réellement. D'accord ? Donc, en direct, je dois passer à cette vue pour vraiment voir le compteur. C'est le compteur, non ? Cela s'affiche sur la base d'une vérification pour moi, d' accord, maintenant il y a quelques éléments différents dans le compteur. Votre compteur peut sembler différent, mais voici ce dont nous avons besoin pour être en mesure de le voir. Nous devons pouvoir voir le sommet. Pour moi, ça apparaît juste là. Donc, si je clique dessus, il y une valeur infinie négative, ce qui signifie que c'est très cérébral, mais cela signifie simplement qu'il n'y a pas encore d'informations. Et si je joue le morceau, il sera mis à jour pour montrer sur quoi se base mon niveau le plus élevé Vérifiez pour moi et ça ne baissera jamais. Il va toujours être poussé vers le haut, haut, vers le haut. Et puis il va enfin dire : « OK, rien de plus fort que ça ne s'est produit ». D'accord ? Et vous pouvez cliquer dessus pour le réinitialiser. Quel que soit le logiciel que vous utilisez, il sera important de pouvoir voir ce niveau maximal. Parfois, il apparaît dans le compteur ou parfois il apparaît ailleurs. Mais tant que vous pouvez le voir, cela fonctionnera très bien. OK, l'autre chose que nous devons voir, c'est le RMS. Ok, vous remarquerez maintenant que lorsque je clique sur Play sur ce morceau, il y a deux barres vertes ici. Eh bien, permettez-moi de clarifier cela un peu plus. Nous avons une piste stéréo que nous jouons ici et il y a un côté gauche et un côté droit. Vous devriez voir que vous allez voir deux côtés différents du compteur et c'est ce que nous voulons voir. Mais en plus de ces deux côtés, vous allez voir deux couleurs différentes monter et descendre, d'accord ? Et dans mon cas, vous allez voir un vert foncé et un vert clair après mon contrôle, sauf si vous avez un MIA. D'accord. Cela nous montre donc deux manières différentes de regarder le volume. D'accord ? Le vert foncé est donc notre niveau maximal, c'est-à-dire quel est le son le plus fort que nous voyons à un moment donné ? D'accord ? C'est utile. C'est essentiellement ce qui apparaît ici. D'accord ? Mais le plus important pour nous est, dans mon cas, le volume vert clair, qui est le volume RMS. C'est le niveau RMS qui nous le dit. Cela nous montre en quelque sorte le volume perçu que nous entendons. Rms est l'abréviation de la moyenne quadratique. Un truc de maths. En gros, il calcule un volume moyen toutes les 300 millisecondes environ. C'est donc dire que voici l'intégralité de notre volume des 300 dernières millisecondes. Quelle en est la moyenne ? Ensuite, tracez un nombre et demandez, pendant les 300 prochaines millisecondes, quelle en est la moyenne ? Mais ils se chevauchent, non ? Donc c'est comme ça. Tu n'as pas vraiment besoin de comprendre ça. Comprenez simplement que c'est une meilleure façon regarder le volume perçu que nous entendons. Le vert foncé est le volume maximal et cela apparaît également ici. Je ne vais donc pas trop m' occuper du volume maximal de mon compteur, car je vais m'en occuper ici. Au lieu de cela. Le vert, le vert est notre valeur RMS. Et c'est ce que je vais garder à l'œil pendant que je regarde notre signal global. Il est également important de savoir que vous avez deux places différentes. Vous pouvez voir votre niveau. Vous l'avez sur la piste et vous l'avez sur le master. Si tu es dans le noir. Nous voulons maintenir nos réglages de volume à zéro. Nous n'allons pas modifier cette tendance dans tout ce processus. C'est pareil ici. Chez notre maître. Nous allons garder ce crétin juste à zéro. Nous n'allons pas les toucher. Notre niveau de piste et notre niveau principal, notre master fader, seront donc les mêmes. D'accord, nous n'allons ajuster aucun niveau sur la piste. Nous allons uniquement ajuster les niveaux dans nos outils. Cool. Apprenez donc à connaître le compteur que vous utilisez. Nous voulons nous assurer de voir la valeur RMS et la valeur maximale. 14. Outils : le compresseur: OK, le prochain est le compresseur. Et le compresseur sera le couteau militaire suisse du processus de mastering. Nous allons dépenser beaucoup de temps et un compresseur. Souvenez-vous d'une vidéo où j'ai dit, il y a quelques jours, que nous avons nos sommets ici, mais que si nous regardons notre forme d'onde, il y a des points faibles. Et si nous pouvons augmenter ces points faibles , laissez-moi recommencer. Si nous regardons cette forme d'onde, que nous zoomons , nous pouvons voir que oui, ce truc est en haut, mais pas celui-ci. Alors, comment pouvons-nous rendre ce truc plus fort sans l' affecter ? C'est en grande partie ce que fait un compresseur. Il le fait d'une manière légèrement différente de ce que je viens de dire. Le rôle principal d'un compresseur est réduire la plage dynamique, n'est-ce pas ? Nous avons donc parlé de la plage dynamique, c' la distance et du son le plus faible, du son le plus fort. Un compresseur va le comprimer . Alors ça se passe comme ça. Cela va donc rendre les sons bruyants plus silencieux et les sons plus forts, n'est-ce pas ? Pour que celles-ci, cette distance soit plus petite. Donc ça va se passer comme ça, mais ensuite ça peut améliorer un peu plus le tout . Il existe de nombreux types de compresseurs et pratiquement n'importe lequel d'entre eux fonctionnera. Ainsi, quel que soit le logiciel que vous utilisez, vous pouvez utiliser le compresseur intégré. Vous pouvez vous procurer un plug-in qui est un compresseur sophistiqué si vous le souhaitez. Ils vont tous bien. Le principal outil d'un compresseur est le seuil. Il doit y avoir une quantité de maquillage. Idéalement, nous allons jouer avec notre temps d'attaque et de libération. Le ratio n'a pas d'importance. Tous les équipements standard d'un compresseur. Ainsi, pratiquement n'importe quel compresseur fonctionnera. Donc, si vous avez un compresseur intégré, vous pouvez très bien vous en sortir. Nous aborderons bientôt de manière beaucoup plus détaillée le fonctionnement des compresseurs et ce que nous devons en faire. Mais je veux juste vous présenter le compresseur. 15. Outils : le limiteur: OK, la prochaine étape est un limiteur. J'espère que vous avez un limiteur intégré au logiciel que vous utilisez. Sinon, vous pouvez obtenir un plug-in qui est un limiteur. Vous pouvez en trouver des tonnes aux alentours. Un limiteur est en fait un outil assez simple. Ce qu'il fait, c'est fixer un plafond, un plafond de volume. Et puis nous disons : vous ne devez pas aller au-delà de cela. Donc, ça dit simplement qu' aucun son ne passe au-dessus d'ici. Nous pouvons donc entrer et dire, alors voici un limiteur simple. Nous pouvons dire que zéro est notre plafond. Maintenant, on peut être super. Bien sûr. Aucune fréquence ne sortira en douce et ne dépassera ce plafond. C'est le top. Nous n'allons pas tout laisser aller au-delà de cela. Maintenant, vous pourriez trouver une raison de le rendre inférieur à zéro, moins 0,3, par exemple nous allons donc laisser un peu d'espace en haut. Cela peut aller, il y a de bonnes raisons le faire et nous en reparlerons plus tard. Mais il ne fait que fixer une limite stricte et dire que si le signal augmente et atteint ce plafond, il ne doit pas passer. C'est ce que fait un limiteur. 16. Outils : l'égaliseur: OK, encore un , deux autres outils dont je voudrais parler juste pour les présenter. Celui-ci est l'EQ. Maintenant, si vous avez suivi mon cours de mixage, si vous avez déjà travaillé sur la production ou enregistré, vous savez ce qu'est un égaliseur. Mais juste pour nous remettre dans le giron, examinons un simple égaliseur. Ce que nous avons lorsque nous examinons un égaliseur, c'est que le volume va dans cette direction et la fréquence dans cette direction. Et quand c'est cette ligne que nous affectons. Donc, si c'est zéro, vous remarquerez que c'est 06120, moins six, moins 12. Donc, si nous sommes sur le zéro, cela signifie que nous ne modifierons pas du tout les fréquences. Si je choisis cette voie, j' amplifie ces fréquences, en l'occurrence les basses fréquences. Si je choisis cette voie, je réduis ces fréquences, en l'occurrence les basses fréquences. Donc, si j'ai un son juste au milieu, peut-être autour de trois K, je vais monter ici. Et je vais dire que je veux plus de ce signal ou je veux moins de ce signal. Donc, comme vous le savez peut-être grâce à mes autres cours, nous voulons très rarement amplifier un signal avec un égaliseur. Nous utilisons principalement des égaliseurs pour couper. Donc si c'est le cas, si nous trouvons une fréquence problématique ici, nous allons la baisser. Nous pourrions le rendre très étroit. Et disons que c' est juste, il y a une petite fréquence qui m'embête et qu'on peut la supprimer comme ça. Nous allons faire beaucoup de réglages avec les égaliseurs. Avec ça. Si vous avez un égaliseur qui a une vue plus large, cela vous montrera vraiment ce qui se passe. Cela peut être utile. Celui-ci, si je touche cette petite flèche, il devient beau et gros. Et je peux le rendre vraiment grand comme ça. Et vous pouvez voir la fréquence réelle du morceau que je vous écoute pendant que je le joue. Sur la base d'un chèque pour moi. Oui. Exact. Je peux donc voir ici cette fréquence de visionnage, jeu après jeu, jeu le vendredi et vous aurez la répétition. Si je décide que la fréquence pose problème, je pourrais travailler un peu avec elle, mais cela me montre en quelque sorte toutes les fréquences. Je peux voir ce qui ressort, ce qui est vérifié par C. Donc, là, ça a l'air bizarre. Alors, vérifiez pour moi. OK, donc cela supprimerait cette fréquence, pas complètement, mais cela la réduirait considérablement. Apprenez donc à connaître un bon EQ. 17. Outils : vos oreilles: Enfin, je veux que vous vous souveniez toujours qu'il s'agit d'un outil très important, j' aurais probablement dû commencer par celui-ci comme notre outil le plus important. Mais l' outil le plus important, c'est votre oreille. Parce que le mastering est un art. C'est un art très délicat. Il faut beaucoup d'écoute, beaucoup de concentration, beaucoup de pratique, beaucoup d'entraînement pour vraiment réussir. Alors ne soyez pas frustré. Si vous maîtrisez quelque chose pour la première fois, cela ne brille pas vraiment comme certains de vos autres morceaux préférés, cela demande de la pratique. Il y a des gens qui sont payés beaucoup d'argent pour mastertracks. Ce n'est pas aussi simple que lancer un compresseur, d'activer un égaliseur, de le rendre et de le qualifier de bon. C'est un art qui demande une bonne oreille et beaucoup de pratique. Ainsi, la maîtrise des patients nécessite également des patients. Bien, cela étant dit, passons à la section suivante, en nous préparant à maîtriser voie que nous allons suivre. Et j'ai deux pistes d' étudiants en attente pour que nous puissions les maîtriser. Et nous allons parler de ce que nous devons faire pour les préparer à masterisés et de ce qui rend un morceau prêt à être masterisé ? C'est parti. 18. Configuration d'une session de maîtrise: Dans cette section, nous allons parler de la mise en place de notre session. Et tout cela s'inscrit dans le cadre de cette grande rubrique qui consiste à se préparer à maîtriser certaines choses que nous voulons nous assurer de bien maîtriser avant de nous lancer dans la piste. Nous allons donc, dans cette section, examiner le morceau que nous allons réellement maîtriser. Nous allons nous assurer que tout est prêt à être maîtrisé. Et nous allons commencer à faire quelques petites choses. Des trucs de premier niveau que nous devrions faire sur n'importe quel projet de mastering. OK, donc d'abord, parlons de la mise en place de notre session maintenant, quelle que soit la poupée que vous utilisez, de quelques choses que vous devriez faire juste pour vous assurer d'avoir une feuille blanche. Nous voulons nous assurer que notre alimentation ne traite pas cette trace de quelque façon que ce soit tant que nous ne le lui avons pas demandé. Tout est très délicat ici. Nous voulons donc une piste très propre. En gros, nous voulons juste imiter comme un magnétophone, n'est-ce pas ? Comme si c'était juste ce que c'est. Aucun effet, rien. OK, donc la première chose que je vais faire, me débarrasser de tous les morceaux que je ne vais pas utiliser. J'en veux une qui soit une piste audio stéréo. C'est tout ce que je souhaite pour cette séance. Ensuite, je vais y aller, je vais m'assurer qu' il n'y a aucun effet sur ce morceau. OK, donc c'est là que mes effets apparaîtront. n'y a rien là-bas. Je vais regarder mon master track. Assurez-vous qu'il n'y a aucun effet sur le master. vais regarder mes envois, pour m'assurer que je n' envoie rien. Ils sont en baisse et ils vont le rester. Tout le traitement des effets que nous effectuons en mastering, nous allons le faire directement sur la piste. Je sais maintenant qu' au cours des étapes de production et même des étapes de mixage, nous avons parlé de l' application de certains effets via le bus, tels que des effets temporels tels que des retards et des réverbérations. Et il est parfois préférable de les utiliser dans un bus et de les appliquer ensuite à l'effet. Et c'est toujours vrai, mais cela ne fait pas partie du mastering. le mastering, nous allons tout faire en haut de la piste. D'accord ? La prochaine chose que je vais faire c'est éteindre mon réseau. Vous pouvez donc voir ici, je suis sur une grille de mesures complètes de ce que je regarde ici. OK, donc tout ce dont votre chien a besoin pour désactiver cette grille, car nous voulons une résolution très précise. Le plus simple est de désactiver complètement le réseau. Donc, pour moi, je vais cliquer sur Contrôle, désactiver la grille fixe. Maintenant, j'ai des lignes pointillées, mais je peux faire preuve de n'importe quelle fidélité et je ne suis enfermée dans aucune sorte de grille. Cool. OK, maintenant je vais effacer mon suivi. C'est donc le morceau que nous allons maîtriser. Je vais le déposer et le remettre ici. D'accord. Ça a l'air plutôt bien. Écoutons simplement ce que nous avons. Voici la partie la plus forte, c'est que c'est un peu comme une chanson rock. Il nous reste encore une grande chose à faire, et je voulais juste en entendre un peu plus pour le démontrer. Alors on y va. D'accord. Donc, vous ne connaissez pas cette piste, comme idée, c'est une piste étudiante. Et ce que je sais que vous ne savez pas, c'est que c'est beaucoup plus vaste, capable de le planifier aussi rapidement. Donc, si vous êtes dans Ableton, vous devez désactiver le warping, et c'est très important. Donc, ce que le warping fait pour les utilisateurs finaux, c' est qu'il analyse essentiellement le tempo du morceau, puis essaie de jouer le morceau au rythme de notre session. Il essaie donc de faire correspondre le tempo de ce morceau au tempo de notre session, qui est actuellement de 96 ppm. Nous devons donc lui dire de ne pas le faire, le jouer à son rythme réel. Je vais donc double-cliquer, accéder à mes paramètres de distorsion ici et désactiver la déformation. D'accord. Maintenant, je vais jouer ce morceau et ça va sonner très lentement. D'accord ? Il s'agit du tempo réel du morceau. OK, ce n'est pas l'autre. Le tempo rapide m' a plu en fait, et j'aime bien, mais ce n' est pas mon morceau, ce n'est pas à moi de prendre la décision. Nous allons donc dire que c'est bien. C'est là que les artistes l'ont créé et c' est le bon morceau. OK, donc nous avons désactivé le warping, nous avons éteint notre réseau. La dernière chose que je veux faire ici est de m'assurer que tous mes niveaux sont réglés à zéro. D'accord ? Alors je vais y aller. Voici mon niveau de volume principal et c'est vraiment difficile à lire. Il est écrit zéro ici, donc je peux le déplacer de haut en bas. S'il est à une valeur autre que zéro et que cela est possible, vous pouvez simplement cliquer dessus et appuyer sur Supprimer pour le remettre à zéro. Mais si vous voulez le voir un peu mieux, vous pouvez accéder à Session View ici. C'est un peu ainsi que nous considérons les compteurs à Ableton. Faites-les aussi grands que possible, c'est ça. Et voici mon niveau. C'est essentiellement la même chose que je regardais encore et avant de passer à cette vue. Alors le voici. Je vais juste m'assurer que c' est parfaitement et exactement à zéro. Je vais également m' assurer que mon master fader est parfaitement activé, exactement à zéro. D'accord ? Ne t'en fais pas pour le moment. Ce petit indicateur de pointe. Nous nous en occuperons plus tard. OK, la prochaine chose à faire est de regarder de près notre prémaster sur la piste que nous venons d'arrêter ici, voir s'il y a quelque chose à régler tout de suite. Passons donc à une nouvelle vidéo concentrons-nous sur cette version de ce morceau et assurons-nous qu' elle est prête à être masterisée. 19. Le pré-maître: D'accord. Alors, quel est ce fichier que nous avons extrait et comment nous assurer d'avoir un bon fichier prêt à être maîtrisé ? OK, donc ce que nous cherchons, c'est d'abord que le morceau soit assez bien mixé. Nous espérons être satisfaits du mix. Si vous n'êtes pas satisfait du mix. Ou si vous travaillez sur le morceau d'un autre artiste et qu'il n'est pas satisfait des micros. Ne le maîtrisez pas. maîtriser, c'est comme penser à mixer comme réunir tous les ingrédients du gâteau. Et le maîtriser, c'est comme le mettre au four et le cuire. D'accord ? Une fois que vous avez cuit ce gâteau, vous ne pouvez plus ajouter d'ingrédients au mélange, n'est-ce pas ? C'est fait. À la sortie du four. C'est fait. On ne peut pas y retourner. Ne maîtrisez donc pas quelque chose pensant que vous allez ajuster quelque chose dans le mix plus tard, car une fois que c'est maîtrisé, c'est bien fait. Bon, notre mix est donc finalisé. Nous savons que nous sommes satisfaits de notre mix. Maintenant, ce dont nous avons vraiment besoin, c'est de fichiers audio de qualité complète. Nous avons besoin d'un fichier WAV ou AIFF. Et idéalement, c'est un appareil qui a une marge de six dB, six à dix dB de marge. OK, voici ce que cela signifie. Il y a de l'espace libre là-haut. Distance entre le pic le plus fort, le point le plus bruyant de la piste, et zéro. C'est la marge de manœuvre. D'accord ? Nous pouvons donc voir la hauteur libre ici. C'est notre hauteur libre. D'accord ? Et nous pouvons être un peu plus scientifiques à ce sujet si nous examinons quel est notre pic : à l'heure actuelle, notre pic est négatif moins sept. Nous espérons que cela ne sera pas plus que négatif. est bon, bien. C'est moins six. Donc moins 6,18, c'est à peu près parfait. D'accord ? Vous voulez donc mélanger ce niveau à environ moins six, ce qui nous donne une certaine marge de manœuvre pour travailler. Nous pouvons insister là-dessus pour le rendre plus fort et plus fort. Nous pouvons également y travailler, travailler sur les fréquences, ce qui nous laisse un peu de marge de manœuvre, car vous ne voulez pas créer un morceau mixé jusqu'à zéro, ce que nous appelons le mixage à somme nulle. endroit où vous mélangez correspond absolument à zéro. Si vous avez un morceau mixé aussi fort, vous pouvez le maîtriser, mais cela ne vous laisse pas beaucoup de place pour travailler et vous allez devoir le calmer, rendre plus silencieux avant de pouvoir le rendre plus fort. Je sais que ça a l'air bizarre, mais c'est un peu comme ça que ça fonctionne. Il est donc préférable d' avoir une piste mixée à moins de six dB. Si vous avez suivi mon cours de mixage, je pense que c'est la norme que nous avons établie. J' espère que vous avez choisi un mixage à moins de six dB comme point le plus élevé. Donc moins six à moins dix, c'est ce que nous voulons. Nous allons nous assurer que nos taux d'échantillonnage sont les mêmes. Il s'agit d'une étape importante. Donc, si le fichier que vous avez est à une fréquence d'échantillonnage de 4041, soit 44 100 échantillons par seconde. Si c'est ainsi que cela a été rendu, c'est cool, c'est bon. Vous devez vous assurer que votre session de mastering est soit à la même fréquence d'échantillonnage, soit exactement le double. même taux d'échantillonnage est probablement excellent. Donc, cette piste que je viens de saisir ici est à une fréquence d'échantillonnage de 48, 48 000 échantillons par seconde. Il est très courant de l'enregistrer 48. C'est très bien. Je dois donc m'assurer que ma session se déroule également à 48 K ou à quelle fréquence ? 96, 96 K. Très bien, exactement, ou double avantage majeur, dans ce cas, de le doubler. Nous ne voulons tout simplement pas que notre ordinateur fasse le calcul nécessaire pour trier 441248. Cela va créer des artefacts et des sons. Nous ne voulons pas de sons potentiels que nous ne voulons pas, alors essayez simplement de les maintenir à la même fréquence d'échantillonnage. Enfin, comme je l'ai déjà mentionné, assurez-vous d'avoir un fichier WAV ou AIF. Nous avons besoin d'un fichier audio de qualité complète ici. Je tiens juste à souligner ici ne pas maîtriser un fichier MP3 n'est pas assez fidèle. Vous n'allez pas vraiment en tirer ce que vous voulez. J'essaie de justifier le fait de ne pas être un snob audio à ce sujet, mais je ne le fais vraiment pas. Quelqu'un vous envoie un MP3 et vous demande : « Pouvez-vous le maîtriser ? Répondez-leur et dites « oui », mais pouvez-vous m' envoyer un fichier Wave ? Et j'espère qu'ils ne convertiront tout simplement le fichier MP3 WAV, car ce ne sera pas très bon non plus. Ils doivent utiliser leurs micros. Ils doivent à nouveau exporter sous forme de fichier wav de qualité complète au format 4041 ou 48. OK, cool, cool. Très bien, ensuite, inspectons notre forme d'onde et voyons ce qu'il y a à l'intérieur de cette ventouse. 20. Inspecter la forme d'onde: La prochaine chose que nous allons faire est de regarder cette forme d'onde de très près. OK, donc je vais descendre ici, zoomer un peu. Et ce que je recherche , c'est tout ce qui sort vraiment du lot. Je vais écouter ça plusieurs fois. Soyez toujours à l'écoute tout au long du processus. N'oubliez pas vos oreilles, l'outil le plus important dans ce processus. Mais ton œil n'est pas si mal non plus. Donc je vais regarder en profondeur, je vais chercher tout ce qui saute vraiment aux yeux. Donc, en ce moment, je vois ceci, ce petit pic. Il n'y a pas beaucoup de sommets tout autour, mais c'est juste au début de tout cela. Alors écoutons ce que c'est. C'est un coup de pied, donc ça va. Ça ne me saute pas vraiment aux yeux, c'est probablement un autre coup de pied. Je suis donc en train de tout voir. Ça a l'air plutôt cool. La dynamique est donc une bonne chose que nous avons, probablement ce coup de pied qui sort ici, ou peut-être que c'est une caisse claire, des coups de pied et des collets peuvent ressortir. Je cherche tout ce qui a l'air d'être placé au hasard, comme une grosse pointe bizarre. Et je ne vois rien me sauter dessus. Tout a l'air plutôt bien. Je remarque que le canal droit semble un peu plus grand que le canal gauche. C'est peut-être une illusion d' optique. C'est possible. OK, et nous allons descendre et sortir. OK, donc rien ne me saute vraiment aux yeux. S'il y avait juste un gros pic ici, alors je dirais : d'accord, c'est quoi ça ? Et nous l'avions écouté à quelques reprises. C'est peut-être un problème de rendu. Cela pourrait être comme un son émis lors du rendu de la piste. Si tel était le cas, le meilleur moyen de s'en débarrasser serait de revenir à la session de mixage et de le rendre à nouveau pour le récupérer. Vous ne voulez pas essayer de les éliminer en les coupant ou en les coupant. Tout cela va dégrader le système ou le fichier. Donc, si vous pouviez simplement revenir au mix et le réexporter, ce serait bien mieux et plus rapide. Pour être honnête. S'il ne s'agit pas d'un problème de rendu, il se peut que ce soit juste un problème de mixage. Donc, avant d'aller trop loin, nous voulons simplement nous assurer remédier à tout ce qui est étrange , afin de ne pas aller jusqu'au bout. Et puis dites-vous : « Oh, voici ce problème que je ne peux pas résoudre. Et c'est maintenant dans le master. Donc, si vous constatez des problèmes dans la forme d'onde, et certainement si vous les entendez, la solution la plus simple et la meilleure est toujours de revenir à la session de mixage et de les corriger là. Si vous pouvez le trouver , corrigez-le ici, réexportez une nouvelle version puis chargez-la pour qu'elle soit maîtrisée. n'y a pas de piste audio spéciale pour se débarrasser de ces choses. Retournez à la section mixage, corrigez-la, revenez ici. Mais celui-ci a l'air bien. Je ne vois rien qui sorte du lot. OK, donc ce que je vais faire maintenant, c'est que tu ne t'assois pas à me regarder faire ça, mais je vais juste l' écouter deux ou trois fois. Je vais juste m'assurer de commencer à vraiment le ressentir. Hum, et rien ne me tient à cœur dans le mix. Et ça me fait du bien. OK, donc je vais l'écouter plusieurs fois. Ensuite, je reviendrai et nous passerons à l'étape suivante. OK, j'y vais. 21. Démarrer la piste: OK, donc j'ai écouté ce tas de fois et tout va bien. Je suis plutôt content d'aller de l'avant avec ça. Donc, la prochaine chose que nous allons faire est de faire trois petites choses rapidement. Je ne veux pas les appeler des modifications, mais des modifications du fichier. Juste pour m'assurer qu' il est configuré pour qu'il sonne bien. À la fin. En gros, nous allons simplement couper les cheveux jusqu'au début et à la fin. Ce sont des choses très simples. OK, donc d'abord, regardons le tout début de la piste, zoomons jusqu'au début de la piste. OK, alors voici ce que nous avons. Ableton, ça me donne automatiquement un tout petit effet. Et c'est cool. Nous voulons ce tout petit fondu. Nous allons régler ça dans une minute, mais pour l'instant je vais m'en débarrasser. Vous voyez donc que cette piste commence tout de suite. C'est juste un n. D'accord ? Ce n'est pas génial car certains services de streaming proposent un peu de fondu croisé. Et certains appareils ont un petit cache, ce qui permet de mettre en réserve un peu de mémoire avant de commencer à jouer. Nous voulons donc prévoir un peu de temps avant le début de la piste. Donc, une bonne pratique est de 100 millisecondes, ce qui est à peu près juste là. D'accord ? Nous devons donc nous rappeler que lorsque nous afficherons cela, nous allons afficher tout cela, y compris cet espace vide. Une chose que vous pouvez faire, si vous le souhaitez, c'est simplement insérer le silence ici. Ou ce que j'aime faire parfois, juste pour m'assurer de le faire, c' est que vous pouvez contrôler, cliquer sur tout cela, puis la commande J y insérera ce silence. D'accord ? Maintenant, je peux tout de suite remettre ça dessus. OK, cool. Maintenant, j'ai configuré mon morceau avec ce silence supplémentaire. Donc, avec cette commande, j' ai écrit essentiellement ce temps vide jusqu'au début. Elle s' appelle consolider. Donc, si vous envisagez de consolider, si vous n' en êtes pas capable, ils peuvent appeler cela lieu de rendu ou quelque chose comme ça. Assurez-vous simplement de le rendre lorsque vous le faites à la fréquence d'échantillonnage maximale, ce qui est le cas par défaut. OK, maintenant nous voulons un peu de fusion. Et ce petit fondu peut faire tout le chemin jusqu'ici. Mais profitons de ce temps libre pour passer à la vitesse supérieure. On dirait donc que ça va être un grand effacement. Et, mais souvenez-vous que c' est la fin du silence et que cela ne dure que 100 millisecondes. C'est comme un dixième de seconde. OK, c'est assez rapide. Vous n'allez donc pas vraiment entendre tout cela, mais ce petit fondu est important. Et voici pourquoi nous devons nous assurer de réussir lorsque nous créons un passage à zéro. C'est ce qu'est un passage à zéro. Si nous regardons notre forme d'onde, voyons que la ligne passe par le milieu. Vous pouvez penser à cette ligne comme à votre enceinte immobile. Ensuite, au-dessus de la ligne, vos haut-parleurs sortent en dessous de la ligne, vos haut-parleurs reviennent et vos haut-parleurs font toujours cela, n'est-ce pas ? Ainsi, lorsque votre enceinte se trouve juste là ou directement sur la ligne, cela s'appelle le passage à zéro, franchissement de ce point zéro. D'accord. Maintenant, si vous dites à la piste de démarrer lorsque vos haut-parleurs sont éteints, elle fera un petit clic parce qu' elle devra disparaître puis s'éteindre, n'est-ce pas ? C'est-à-dire que cela fait un tout petit clic, mais ce n'est pas ce que nous voulons. Nous ne voulons pas ce tout petit clic. Même chose s'il revient. Le moyen le plus simple de créer un passage à zéro est donc d'en utiliser un tout petit peu délavé. Parce qu'ici, il n' y a aucun son. Il va donc y passer à zéro. C'est pourquoi nous aimons faire un petit fondu au début et nous allons en faire un à la fin. Également. C'est juste pour passer à zéro. Tu ne vas pas entendre ça. En fait, si nous faisons un zoom arrière , vous ne pourrez même pas le voir. OK, alors voici à quoi ressemble le début. Maintenant, écrivez que tout ce travail que nous venons de faire est totalement inaudible. Mais quand c'est sur un service de streaming ou quelque chose comme ça, je serais content qu'il soit là. C'est une bonne pratique. Donnez-vous 100 millisecondes, puis notre petit fondu avant le début de ce morceau. Maintenant, il y a encore une chose que je vais souligner à ce sujet avant de passer à autre chose. Si vous avez une piste qui s'estompe, cela peut être un peu plus délicat. Donc, si cela s'estompe, vous pourriez même vous donner 100 millisecondes avant que vous n'ayez prévu d'entendre quoi que ce soit. Ensuite, laissez entrer vos pieds, suivez un peu. Tu peux l' intégrer un peu. S'il le faut. Supposons que personne n'entende quoi que ce soit avant 100 millisecondes. Mais vous avez une idée façon dont vous voulez que cela s'estompe au climat. C'est un peu plus compliqué et ça s'estompe. Bon, passons à autre chose et occupons de la fin de la piste. 22. Terminer la piste: OK, maintenant nous allons faire la même chose à la fin du morceau. Et cela peut être un peu plus difficile car presque toutes les pistes disparaissent d'une manière ou d'une autre. Si la musique ne s'estompe pas, il se peut qu'il y ait un anneau symbolique qui s'estompe. C'est peut-être une toute petite décoloration. Je ne suis qu'une réverbération ou un effet, mais il y a presque toujours quelque chose qui s'estompe. OK, alors zoomons ici et jetons un coup d'œil. Vous pouvez voir que celui-ci le fait aussi, écoutons à quoi cela ressemble. D'accord ? Ce que nous devons faire ici, c'est nous assurer qu'il n'y a pas une tonne d'espace vide supplémentaire. Nous voulons donc que cela disparaisse. Nous voulons qu'il fasse ce que le créateur de cette chanson veut qu'il fasse. Mais nous ne voulons pas que cela entre dans les poumons. Nous devons donc utiliser notre fondu out car nous devons tout de même y ajouter un fondu out. Parce que nous voulons atteindre le point zéro à la fin. Nous voulons forcer cela à être là. Nous allons donc faire un fondu. Mais parfois, vous pouvez simplement surfer sur la tendance qui existe déjà. Comme si c'était en train de disparaître. Et c'est vrai, ce tract s' estompe très bien jusqu'à la fin. On dirait que le son est totalement éteint. Dans les parages. Regardons notre compteur. Voyons si nous pouvons déterminer exactement où le son est totalement émis. Alors, retournez ici. Je vais regarder mon compteur ici. Oui, ça passe tellement vite, mais en gros, c'est fini. Nous allons donc simplement refléter le destin de la fin avec ça pour nous retrouver au plus bas de l'échelle. Donc, il n'y a pas vraiment d'espace supplémentaire à couper ici. Nous n'avons pas besoin d'ajouter d'espace à la fin. Ce n'est pas nécessaire. Et nous devons juste nous assurer qu'il n'y a pas trop de silence à la fin. S'il ne reste que quelques millisecondes avant le silence, c'est bien. Mais nous voulons juste nous assurer de nous évanouir de force jusqu'à la fin. D'accord. Écoutons-le maintenant. C'est plutôt bon. Je pourrais le rendre plus agressif si je le voulais, mais je ne veux pas modifier ce qu'a fait l'artiste qui l'a mixé, n'est-ce pas ? Comme s'ils voulaient que ça dure aussi longtemps. Je vais laisser ça de côté aussi longtemps. Et ce n'est pas grave. D'accord. Donc, ce que nous avons fait ici, je l'ai dit plus tôt, nous allons faire trois choses. Les trois choses que nous sommes mettent un peu d'espace au début, puis un fondu au début, puis un fondu à la fin. Ce sont les trois choses que j'ai faites pour préparer notre morceau en vue du mastering. Très bien, nous y sommes maintenant, nous sommes en train de masteriser ce morceau, nous y travaillons. Je vais donc enregistrer ma session. J'aime toujours les garder au fur et à mesure. Je garde donc ce cours pour le master en tête-à-tête, parce que c'est ainsi que j'ai appelé ce cours pendant que je le filmais. Assurez-vous donc d'économiser en cours de route, n'est-ce pas ? Finalement, à la toute fin de ce cours, je vais parler de la façon de configurer comme un modèle pour vous faciliter la tâche afin de ne pas avoir à le faire à chaque fois à partir de zéro. Mais je veux que nous le fassions ensemble à partir de zéro cette fois pour que vous puissiez vraiment voir ce que je fais et pourquoi je le fais. Mais j'aime enregistrer des sessions pour qu'elles restent des sessions de mastering. Ils sont assez petits. Ce ne sont en fait qu'un seul morceau. Ils ne prennent donc pas beaucoup de place. J'ai donc un petit dossier de morceaux que j'ai masterisés pour moi ou pour d'autres personnes, juste au cas où j'aurais besoin d'y retourner et de le masteriser à nouveau, ou s' il y a un problème ou quoi que ce soit d'autre. Il est donc bon de les conserver comme s'ils étaient propres. Très bien, ensuite, parlons un peu du référencement des morceaux et de la façon dont nous pouvons les utiliser pour rendre notre processus de mastering un peu plus fluide. 23. Qu'est-ce qu'un parcours de référence ?: Salut tout le monde. D'accord. Passons au référencement. Tout d'abord, je m'excuse pour le changement d'éclairage. Je sais que ce n'est pas l'idéal, mais j'enregistre cette vidéo très tôt le matin et il fait encore nuit. Les joies de faire cela alors que vous avez un jeune enfant à la maison. Je dis donc que c' est quelque chose qui va entrer en ligne de compte dans notre processus un peu plus tard, mais je voulais le présenter maintenant afin que nous puissions nous habituer à voir et savoir ce que nous recherchons. Ensuite, nous commencerons à l'utiliser. Nous allons l'utiliser tout de suite. Je vais vous montrer comment l'utiliser dès maintenant. Ce sera un outil encore plus puissant plus tard. Donc, en faisant référence à ce dont je parle ici, vous pouvez utiliser un autre morceau masterisé terminé pour comparer votre session de mastering. Il est donc très courant que si vous vous rendez, si vous engagez quelqu'un pour masteriser l'un de vos morceaux, si vous le souhaitez, envoyez un e-mail à un studio de mastering et vous dites : «  J'ai besoin de ces cinq titres, Master ». Ou même simplement comme un morceau a été masterisé. Ils vont répondre par une citation, disons, nous savons que nous facturons autant de bulles bla. Ensuite, ils peuvent vous demander une piste de référence très, très courante. Ils disent quel type de son vous recherchez ici. Donne-moi une idée de ce que tu veux. Donne-moi une référence. Vous pourriez donc dire, eh bien, que mon parcours s'inscrit dans la lignée de 21 pilotes. Et plus précisément cette chanson. Cela ne signifie pas que votre chanson sonne nécessairement comme si c'était une chanson. Mais c'est peut-être un style similaire. Et vous aimez vraiment le mix et le master de cet autre morceau vous avez vraiment aimé la façon dont il s'agit d'un son général. C'est un peu ce que nous recherchons ici. C'est donc une piste de référence. Et ce que nous allons faire, c'est charger cette piste dans notre session. Et nous allons y aller à l' AB de temps en temps. Donc AB signifie cela. Cela signifie que je vais y aller en solo. Ensuite, je vais jouer l'autre en solo. Je vais en faire un en solo, comme celui-ci est a, c'est B. Je vais passer de l'un à l'autre juste pour voir si j'ai une ambiance similaire, non ? C'est très utile dans l'espace de volume pour savoir si mon volume se situe dans la même fourchette, si je pousse aussi fort que cette piste. Mais aussi, juste pour la réponse en fréquence, car je propose le même genre de choses que l'autre piste propose. Il n'y a pas grand-chose que vous puissiez faire dans cette région. Dans la partie mastering. C'est plutôt mitigé, mais il y a beaucoup de choses que vous pouvez faire avec des égaliseurs et en vous assurant de contribuer à mettre les choses en ordre. Trouvons donc une piste de référence pour cette chanson et ajoutons-la à notre session. 24. Trouver une piste de référence: D'accord, alors souvenez-vous que ce que nous recherchons ici est quelque chose qui a une ambiance similaire à ce que nous voulons. Maintenant, cet artiste ne m'a pas donné de titre de référence. Je vais donc en trouver un par moi-même. Je cherche ce que je pense être, nous écoutons pour le moment. C'est dangereux car cela va apporter une grande partie de mon propre parti pris. Mais ce n'est pas grave. Je pense que cela donnera quand même quelque chose bien et je pense avoir trouvé quelque chose de bien qui fonctionnera. Voici donc notre morceau, juste pour nous le remettre dans la tête. J'y ai donc réfléchi pendant quelques minutes. Je me suis dit : « Ce qui est quelque chose », c'est que j'ai vraiment aimé le son général, l'ambiance générale de ce hard déformé, mais pas comme du Screaming Metal, mais qui mais pas comme du Screaming Metal, a un, a une croûte. Qu'est-ce qui correspond à ce genre de genre ? Et je parcoure en quelque sorte ma playlist de trucs. Quand c'est arrivé, c'était sourd, un poney blanc. Maintenant, j'utilise un MP3 ici, ce qui n'est pas idéal, mais c'est ce que j'ai. Je vais donc simplement l' importer directement dans ma session. Je vais désactiver le warping. OK, maintenant, je n'ai pas vraiment besoin de les aligner sur quoi que ce soit. Ce sont des pistes totalement différentes ou elles ne figurent pas sur une grille. Ce ne sont pas des distorsions, elles n'ont pas besoin d'être alignées. Mais une chose que j'aime faire, c'est placer la section bruyante là où se trouve l'autre section bruyante. Vous pouvez donc voir que la section autorisée commence ici, et c'est une sorte d'introduction. Et dans ce morceau, il y une intro et une section bruyante. Je m' inquiète donc surtout pour une section à haute voix ici. Je ne m'inquiète pas, mais je me concentre un peu sur la section des prêts. Je vais donc aligner ça comme ça. Ce n'est pas nécessaire, je n'ai pas besoin de remplir l'espace. C'est bon et tout cela va bien. Mais on peut voir cette piste. C'est bon et bruyant. Il y a un plongeon ici, sorte de pont ou quelque chose comme ça, ce qui est génial. Mais c'est bruyant. C'est de la peur. Si vous ne connaissez pas cette chanson, je ne devrais probablement pas la jouer, mais en voici un petit avant-goût. D'accord ? Donc, si je compare les deux, AB, les deux, vous pouvez entendre tout de suite. La différence, c'est que ça va être évident dans le volume, non ? Allons-y D'accord, ils sont donc très différents en termes de volume. C'est donc quelque chose de facile et d' intangible avec lequel je peux travailler. Je peux jouer avec mon compresseur et obtenir des volumes plus cohérents les uns avec les autres. Mais il y a d'autres éléments ici que nous utiliserons pour y faire référence un peu plus tard. OK, alors voici ce que je vais en faire. Pour l'instant. Je vais juste le désactiver et le laisser traîner. Je pourrais même le réduire comme ça. Et ce que j'aime faire, et tu n'es absolument pas obligée de le faire, mais ce que j'aimerais faire, je ne sais pas vraiment pourquoi c'est placé au sommet. J'aime que cette référence soit un peu mise à l' écart le plus possible. Mais chaque fois que j'ai vraiment envie de l'entendre, je peux juste monter ici, le prendre, l' allumer. Je peux le regarder. Il est là quand j'en ai besoin, mais pas sur mon chemin. C'est un peu comme ça que j'aime que tout soit configuré. D'accord, maintenant vous vous demandez peut-être cela crée un problème de droit d'auteur ? Passons à une nouvelle vidéo et parlons-en. 25. Copyright et pistes de référence: OK, donc les problèmes de droits d'auteur et les pistes de référence, vous n' avez pas vraiment à vous inquiéter. Et voici pourquoi. Pour deux raisons. Vraiment. La première est qu'aucun son de ce morceau ne figurera dans notre export principal, notre version masterisée, où nous n'allons rien y mettre . Nous allons nous assurer qu'il est désactivé ou supprimé lorsque nous l'exporterons. n'y a donc aucun élément indiquant que cela va y arriver. C'est donc en quelque sorte la raison pour laquelle aucun son ne sort de cette piste dans notre produit final. La deuxième raison est que vous ne pouvez pas protéger un mix et vous ne pouvez pas protéger un master. Comme le processus utilisé par quelqu'un pour maîtriser quelque chose qui n' est pas protégé par le droit d'auteur. Et nous ne savons pas quel procédé ils utilisent pour maîtriser cela. Nous essayons juste d'en imiter le son pour obtenir une sensation similaire. C'est comme écouter une chanson Death Camp for Acuity. Et en réalisant que vous avez beaucoup aimé Death Camp for Acuity et en étudiant leur musique pour comprendre comment ils écrivent de si bonnes chansons. Il n'y a aucun problème de droit d'auteur tant que vous ne copiez pas réellement leur musique. Donc c'est pareil ici. Aucun problème de droit d'auteur. Le seul problème de droits d'auteur auquel nous sommes confrontés en faisant cela, c'est que je vous joue cette chanson de Deaf Tones dans cette vidéo. Mais cela tient davantage à la façon dont je vends ces cours et non à la façon dont nous maîtrisons les choses. Vous n'avez donc pas à vous en préoccuper. Ce n'est pas nouveau. Vous pouvez donc intégrer ce que vous voulez à votre session sans aucun problème de droits d'auteur, condition qu'aucune de ces informations n'entre en ligne de compte dans votre session finale et qu'il n'est pas rare d'avoir plusieurs pistes de référence. Vous pouvez y mettre deux ou trois pistes. Je suis empilé les uns après les autres comme ça. Tu peux tout à fait le faire. Je n'aime pas, j'aime juste travailler avec un seul. Ajouter plusieurs. C'est un peu compliqué pour moi et je voulais juste me concentrer sur ce son. Mais si cela fonctionne pour vous, vous pouvez tout à fait le faire. Mais ce n'est pas mon truc. Cool. Nous allons donc laisser cette trace de référence là-dedans. Nous allons l' utiliser. Nous n'allons pas l'utiliser tout de suite. Mais une fois que nous aurons terminé, après avoir maximisé, après avoir fait notre file d'attente E, après avoir construit toute notre chaîne d' effets sur cette base. Ensuite, nous allons revenir, écouter et comparer avec la référence. Vous pouvez l'écouter et le comparer à la référence dans son intégralité quand vous le souhaitez. OK, alors n'aie pas peur de l'allumer et de l'écouter. Mais dans ce cours, nous allons surtout l'utiliser en fin de compte pour l' utiliser comme un moyen de vérifier notre travail et de nous assurer que nous sommes dans la bonne direction. Et il y a une raison, non ? Rappelez-vous que ce que nous avons dit au début ressemble à une analogie radiophonique, n'est-ce pas ? Vous conduisez votre voiture, vous écoutez la radio si cette chanson sourde retentit. Et puis notre chanson, que je devrais appeler par son nom, s' appelle Black Shirt. Notre chanson intitulée Black Shirt tombe juste après. Nous ne voulons pas que quelqu'un saisisse le cadran et doive le monter ou le baisser. Nous voulons que cela soit comparable à ces sons sourds chantés. Nous voulons que le son sonne comme s'il avait été enregistré dans le même studio le même jour, peut-être même par le même groupe. C'est donc là que ces pistes de référence sont vraiment utiles, n'est-ce pas ? OK, passons à autre chose. 26. Maîtrise des chaînes d'effet: Il est maintenant temps de commencer à effectuer certains traitements. D'accord ? Donc, la première chose dont je veux parler est la chaîne d'effets. Vous voyez des gens parler de la chaîne d'effets tout le temps. Laissez-moi donc vous expliquer ce qu'est une chaîne d'effets. Vous pouvez trouver la diapositive si vous recherchez sur Google, par exemple, qu'est-ce que la chaîne d'effets vocaux de Lady Gaga ? C'est quelque chose que les gens recherchent. Et ce qu'ils recherchent lorsqu'ils saisissent cela c'est la série d'effets tels que celui-ci, puis cet effet et cet effet que les ingénieurs utilisent lorsqu'ils mixent la voix de Lady Gaga, n'est-ce pas ? Vous, vous pouvez trouver des chaînes d'effets populaires pour les guitaristes populaires, n'est-ce pas ? La chaîne d'effets est donc une série d'effets. La distorsion, l'écho, la réverbération dans cet ordre sur ces réglages créent la chaîne d'effets que tel ou tel aime pour sa guitare ou sa voix. OK, donc ce que nous allons faire, c'est créer une chaîne d'effets de mastering. Maintenant, une fois que vous avez une chaîne d'effets principaux que vous aimez vraiment, vous pouvez l'enregistrer et l' utiliser à tout moment. Tu ne seras jamais capable de le mettre sur un autre morceau et de dire : « Chérie, j'ai maîtrisé ce morceau et je m'en vais. Il faudra toujours le peaufiner et l'utiliser. Mais je vais vous donner tout de suite, dès le départ, le squelette de ma chaîne d' effets principaux. OK, donc voilà quand je maîtriserai quelque chose, je vais y ajouter ces trois éléments tout de suite sans même y penser. Et puis j'ajouterai peut-être d'autres choses. Ensuite, il s'agit de le composer et de le peaufiner. Ce fait de le composer et de le modifier. C'est là que le véritable art entre en jeu. Et n'oubliez pas ce que je crois avoir dit au début , c'est que tout cela est un art. Et c'est un art très précis. Cela demande donc de l'expérience et du temps. Donc, si vous n'obtenez pas de son, vous le voulez tout de suite. Ne t'inquiète pas, tout ira bien. Mais c'est là que l'art commence vraiment à entrer en jeu lorsque nous combinons ces effets. Mais plus d'informations à ce sujet dans une minute. Passons à la chaîne d'effets Skeleton , puis nous verrons comment l' intégrer et quels sont réellement ces paramètres. 27. La configuration de la chaîne d'effet de master de base: OK, on y va. Donc, la première chose que je veux, c'est un égaliseur. Donc je veux ton meilleur égaliseur. Vous avez besoin d'au moins huit bandes. Un égaliseur graphique vraiment sympa avec lequel vous pouvez travailler. J'aime bien l'EQ Eight d'Ableton, mais n'importe quel plugin EQ fonctionnera également très bien. OK, et nous allons remettre les choses sur la bonne voie. N'oubliez pas que c'est un bon exemple de la raison pour laquelle nous allons le faire directement sur la piste et dans le bus principal Vous verrez certaines personnes effectuer tout leur mastering sur le bus principal. Et il arrive un moment où effectuer votre mastering sur le bus principal ou le canal principal est une bonne idée. J'en parlerai de cette façon à la fin de ce cours. Mais si je l'aime bien, nous allons le faire directement sur la piste, c' est à cause de notre piste de référence. Hein ? si je l'inscrivais sur le master auquel j'ai accédé, je me rends compte que ce morceau de référence est affecté par mes effets. Également. Je ne veux pas ça. Nous allons donc garder notre maître propre, sans aucun effet sur lui. Nous allons le mettre directement sur la bonne voie. J'ai donc un égaliseur ici, nous allons le laisser plat. Nous n'allons rien en faire. L'une des choses que j' aime dans cet égaliseur c'est que je peux appuyer sur ce bouton ici, l'ouvrir et obtenir une belle interface graphique. Je vois ici la fréquence, le ton et les décibels que je regarde. Tout cela rend tout cela vraiment agréable. Il ne montre que quatre groupes ici. La bande A correspond à chacun de ces points, mais j'en ai jusqu'à huit. Je peux les allumer ici, peux aussi les appeler. Plus précisément avec cela. C'est donc un bon égaliseur, mais encore une fois, n'importe quel plugin d'égalisation professionnel fonctionnera très bien. OK, après notre égaliseur, nous avons besoin d'un compresseur. Et le compresseur que je vais utiliser est cette dynamique multibande. D'accord ? C'est un peu comme un égaliseur et un compresseur combinés. Il s'agit de trois compresseurs différents. La mise en page et les graphismes de celui-ci sont un peu confus. Nous verrons comment cela fonctionne plus tard, ne vous inquiétez pas. Mais en gros, cela va nous permettre de compresser différemment les éléments faibles, les bons et les éléments les plus élevés. Donc, si j'ai beaucoup de base, je peux la compresser différemment de celle des hautes fréquences, n'est-ce pas ? Il s'agit donc essentiellement de trois compresseurs en un. Mais cela va faire le gros de ma compression. OK, et je vais remettre ça sur la piste pour qu'il tombe après mon égaliseur. Alors, laissez-moi faire encore une chose, puis je parlerai du flux de signaux ici. D'accord ? Ensuite, mon troisième sera un autre compresseur, mais légèrement différent. Je vais utiliser ce compresseur de colle. Il s'agit donc d'un autre compresseur. Vous pouvez utiliser le compresseur de votre choix ici. Mais si je mets celui-ci ici, c'est parce qu'il me donne un limiteur. Donc, si vous n'êtes pas à Ableton, vous pouvez placer un limiteur ici au lieu d'un compresseur. Ce compresseur en particulier. C'est ce qu'on appelle un compresseur de colle car il utilise un algorithme censé aider à coller des objets ensemble et à leur donner l'impression qu'ils ne font qu'un. C'est une idée un peu abstraite. Mais il contient ce très joli limiteur de découpage doux que j'aime beaucoup. Votre troisième solution devrait être soit un compresseur avec un limiteur intégré soit simplement un limiteur. OK, maintenant, je vais également ajouter d'autres éléments. Hein ? Il y aura des occasions où j'aurai besoin de réverbération ici. Ce n'est pas très fréquent, mais parfois un peu de réverbération D&C est utile. Et il se peut que je le veuille ici. Il existe également un plugin appelé ozone que j'aime utiliser. Je n'en ai pas toujours besoin, mais parfois j'en ai besoin. Nous les ajouterons plus tard. Alors considérez cela comme votre chaîne d'effets squelettiques. Vous pouvez utiliser un égaliseur, une dynamique multibande et un limiteur. En gros, ce sont trois choses dont nous avons besoin pour faire avancer les choses. Nous pouvons en ajouter d'autres si la piste l'exige. Mais en gros, chaque morceau sur lequel j'ai travaillé a besoin de ces trois éléments. La dernière chose que je vais dire à ce sujet est ne faut pas oublier que le flux du signal est important. Et cela signifie que l' ordre de ces signaux audio arrive ici et qu'il se déplace dans cette direction. Il va donc passer par cet égaliseur plutôt que par ici. Et il va passer par cette dynamique, le compresseur dynamique multibande. Et puis ça arrive ici. Ensuite, il va passer par ce limiteur, ce compresseur ou ce Slash LTR. Ensuite, il va aller ici et il est envoyé le canal principal d' où il est diffusé. OK, donc cela signifie que cet arrangement que j'ai maintenant sera très différent de celui-ci. Hein ? Nous allons maintenant le compresser, puis l'égaliser. Cette chose en particulier ne sera peut-être pas radicalement différente, mais elle le sera. Nous voulons que cela reste dans cet ordre. D'accord. Vous pouvez voir ce que je veux dire par ce flux criminel. Si j'appuie sur Play dessus. Il y entre certainement, puis il y va. Encore une fois, il n'y a rien. Aucun de nos effets n' a encore vraiment d'effet, mais c'est la prochaine étape. OK, donc à partir de là, je veux composer ces trois numéros. Commençons donc par notre égaliseur, premier passage de notre égaliseur. 28. Comment fonctionne un égaliseur: Donc, pour notre UQ, nous nous souvenons de ce que fait un EQ. Nous avons parlé d'EQ et de mon cours de mixage. Nous avons parlé d' égalisation et de production, mais la version courte de ce que fait un égaliseur se trouve sur le côté gauche, les basses fréquences, sur le côté droit, les hautes fréquences. Ensuite, vous pouvez voir ici qu'il est écrit 06120 moins six, moins 12e. OK, donc si vous regardez les chiffres 101 K, dix K, OK, donc si je passe à 100, je passe à six. Cela signifie que tout à cette fréquence à 100, je vais augmenter de six dB. C'est un peu beaucoup. Je vais donc l'amplifier, mais aussi les fréquences qui l'entourent, non ? Donc, cette zone autour de cette fréquence centrale, appelée file d'attente, indique sa largeur. Si je vais ici, et c'est avec ça que je travaille ici. Voici la file d'attente. Voyons voir, je suis dans le groupe 3123, dans la file d'attente. Je peux l'augmenter pour le rendre plus étroit, ou l'abaisser pour l'élargir. OK, ce sera important plus tard. Très bien. Donc, si je veux augmenter les sons faibles, je peux faire quelque chose comme ça. Je veux renforcer le personnel de haut niveau. Je peux faire quelque chose comme ça. Maintenant, il est rare qu'on veuille augmenter avec un égaliseur ? Nous voulons presque toujours réduire. Je peux donc arranger les choses de cette façon, non ? Donc, si la ligne est à zéro, nous ne faisons rien. Cet égaliseur ne fait rien jusqu'ici, mais nous en reparlerons dans une seconde. Suzy Q ne fait rien. Si nous descendons en dessous de zéro, nous réduisons cette gamme de fréquences. Cette bande de fréquences. Si nous dépassons zéro pour augmenter cette bande de fréquences. D'accord ? Vous pouvez donc voir la chanson complète sur cet égaliseur. La plupart des égaliseurs ressemblent à une telle pente. On dirait que oui, je ne peux pas vraiment le faire manuellement ici, mais ils sont généralement inclinés de cette façon parce que nos sons les plus bas sont plus forts que nos sons les plus élevés. En général, faites quelque chose comme ça. Je ne le suis pas toujours et cela ne veut même pas vraiment dire quoi que ce soit et ce n'est pas quelque chose que vous devriez utiliser comme base, mais juste quelque chose que vous trouverez. Vous ne voulez pas essayer de niveler les choses. Vous ne voulez pas augmenter pour que tout soit uniforme . Ce n'est pas ce que tu veux faire. Vous allez voir les choses s' incliner un peu comme ça et c'est très bien. C'est ainsi que cela devrait fonctionner. D'accord. Donc je vais remettre tout ça à zéro en appuyant simplement sur Supprimer sur tout ça pour le remettre à zéro. Ensuite, faisons un peu de retrait de la file d'attente. Nous devons donc procéder à des étapes d'égalisation ménagères , puis à la première série de sonneries. Alors allons-y, allons-y. 29. Points de départ bas de gamme: OK, la première chose à faire pour faire le ménage, c' est de le faire sur chaque piste. Nous allons couper nos chapeaux Lowe's, alors nous allons aller ici. Nous allons regarder ce premier groupe. Je vais le remplacer par un filtre passe-haut. OK, donc si je descends ici, votre égaliseur peut être différent, mais en gros, ce que fait un filtre passe-haut, c'est qu'il crée un support comme celui-ci, de sorte que toutes les hautes fréquences peuvent passer et les basses, il est supprimé. D'accord ? Cela ressemble à ça. Ou si je veux être plus extrême, je pourrais le faire comme ça. Ne faisons pas ça. Faisons preuve d'un peu plus de douceur. OK, donc ce qui se passe ici, c'est partout où je place ça, tout ce qui se trouve en dessous, en dessous de ce point, qui s'appelle la fréquence de coupure. Tout ce qui se trouve en dessous sera jeté et tout ce qui se trouve au-dessus sera laissé passer. Maintenant, je ne veux pas faire ça. C'est un peu trop extrême. Mais je veux le mettre autour de 25 Hz environ. Nous pouvons donc regarder ici et voir que 25 Hz est juste là. D'accord ? Pourquoi ferais-je ça maintenant ? Nous entendons donc des fréquences, souvenez-vous, allant jusqu'à environ 20 Hz et jusqu'à environ 20 000 Hz. D'accord ? La lecture de ces lignes verticales est donc un peu trompeuse, mais c'est 100. Techniquement, c'est zéro, mais ça augmente de façon exponentielle. Il s'agit donc d'un 1 010 000 et cette ligne est de 20 000. D'accord ? Nous n'entendons donc pas grand-chose là-dedans, mais de nombreuses fréquences peuvent s'y accumuler. y a donc pas grand-chose que nous puissions réellement faire ici dans ce domaine. Mais il peut y avoir beaucoup de choses là-bas et cela peut entraîner des problèmes de volume. Nous allons donc simplement le supprimer. On ne l'entend pas de toute façon. Mais assurons-nous qu' il n'y ait rien. Écoutons donc ce que nous voulons toujours écouter pendant que nous le faisons. Restons là et assurons-nous ne rien perdre. OK. Allons de l'avant. Il est clair que nous avons perdu cette journée. Nous voulons nous assurer de ne rien perdre. Je pourrais le déplacer un peu vers le haut jusqu' à ce que je commence par l'arrière. Mais ce sera généralement environ 25 et l'image sera encore plus claire, n'est-ce pas ? OK, super. Nous pouvons nous assurer qu'il ne fait rien en étant cet égaliseur. Éteignons donc ce compresseur et désactivons ce limiteur. Et je peux activer et désactiver cet égaliseur en appuyant sur ce bouton ici. instant, nous ne voulons vraiment rien entendre. C'est plutôt bien. peut sembler une étape inutile, mais n'oubliez pas que ce n'est pas parce que vous ne les entendez pas qu'il n'y a pas beaucoup de fréquences. Nous faisons donc juste un peu de rangement, en assurant qu'il n'y a rien là-dedans qui puisse nous poser des problèmes. Et n'oubliez pas que nous faisons cette première étape de notre chaîne d'effets. Cela ne nous posera donc aucun problème si notre compresseur limiteur ou quoi que ce soit d'autre. Où ça va raser tout ça, juste en bas. Assurez-vous qu'il n'y a rien. Cool. Bonne pratique. Fais-le toujours. C'est donc la première étape, la deuxième étape Coupons-lui une petite coupe de cheveux en haut. 30. Points de départ haut de gamme: Ensuite, nous allons faire le contraire. Nous allons monter au sommet et nous allons simplement faire, je suppose que ce n'est pas vraiment le contraire. C'est un peu la même chose, mais en haut, nous allons simplement couper toutes les fréquences supérieures à ce que nous pouvons entendre ou à ce que nous utilisons. Nous avons donc déjà ici un filtre passe-bas. C'est donc le contraire. Il s'agit donc d'un filtre passe-haut, ce qui signifie que les hautes températures peuvent le traverser. Il s'agit du filtre passe-bas, ce qui signifie que les basses peuvent le traverser, mais que les plus hautes sont coupées. Ça va être celui-ci, ici même. D'accord ? Encore une fois, nous pouvons entendre jusqu'à environ 20 000 Hz. Beaucoup de trucs à haute fréquence. La distorsion, c'est qu'elle contient beaucoup de hautes fréquences, car les symboles contiennent beaucoup de hautes fréquences. Donc, avec celui-ci, encore plus que le bas, vous voulez vraiment écouter et vous assurer ne rien changer. Ce truc, ce n, à la fois les sons graves et le F le plus élevé , est le genre de chose que nous n'avons peut-être pas sur nos haut-parleurs. Mais vous pouvez entendre ces fréquences, certaines de ces fréquences, si vous utilisez le système d'un grand club ou quelque chose comme ça. Il est donc bon de s' en débarrasser en toute sécurité. OK, donc en général, je vise environ 16 km, c'est ce dont je veux vraiment me débarrasser. Commencez à le déployer. Mais écoutons. C'est sûr, il se passe quelque chose ici. Un peu de boue, non ? Parce que j'ai perdu beaucoup de hautes fréquences qui contribuent à la distorsion et symboles que je n' entends pas vraiment changer cette année. Je vais monter 15151. Ça m'a fait du bien. Je vais donc en rester là à 151. Cela ne semblait pas vraiment affecter quoi que ce soit. Nous sommes juste en train de tuer toutes ces substances toxiques. OK, et pendant que j'y suis, je vais renforcer ce faible QE. Très bien, maintenant, nous nous sommes assurés de ne pas avoir de choses inattendues, en haut ou en bas. Ensuite, travaillons à l' essorage de la mélodie. 31. "Sonner out": OK, donc la prochaine chose s'appelle sonner. Et ce que nous essayons de faire ici, c'est rechercher toutes les fréquences qui sonnent bizarrement et nous n'en voulons pas. Cela peut prendre beaucoup de temps à la fois pour le faire sur un morceau, mais aussi pour bien entendre. Voici donc ma méthode. Nous allons prendre notre égaliseur, nous allons choisir un groupe. Nous allons le rendre assez étroit, donc nous allons renforcer ce Q en le contournant. Et ça va le stimuler à fond. Nous allons le lancer. Même si je te l'ai dit il y a une minute, ne fais jamais ça. Ensuite, nous allons passer au peigne fin et écouter ces groupes. Je suis donc en train de boucler une section de la piste. Je vais juste écouter. Oups, laissez-moi passer à cette boucle. Je ne veux pas entrer dans un endroit où se trouvent les symboles aime vraiment les mettre ici avant. Juste ici. C'est une question assez subtile. Mais en entendant cela, cette fréquence, qui est d'environ 650 Hz, est assez remarquable. Ça sonne d'une façon étrange. Donc, une chose que vous pouvez faire est d'isoler ce groupe avec votre égaliseur. C'est encore mieux. Donc, dans mon égaliseur, je pense qu'il faut cliquer sur cette petite icône de casque. Et lorsque cela est activé, lorsque je clique et que je maintiens ce groupe, il ne joue que ce que je veux modifier ici. Cela va donc vraiment renforcer cela. Donc, il y a tellement de mal ici que c'est une photo qui résonne un peu. Je n'ai pas l'impression qu'il y ait une raison musicale d'être là. C'est un peu comme sortir la vache et j'ai arrêté de le faire. D'accord. Donc, ce que nous avons fait ici, c'est que nous vraiment insisté. Mais ce n'est pas ce que nous voulons faire. De toute évidence. Nous l'avons augmenté avec notre EQ uniquement à des fins de financement. ai perdu. Ça y est. D'accord. Maintenant que je l'ai boosté , je vais le couper. Le moyen le plus simple est donc de gagner ici et de partir. Et puis je pourrais même renforcer un peu plus cet égaliseur. Je n'ai donc pas besoin de le ramener à zéro. Mais cela va nous aider. Maintenant, cette fréquence va être réduite. Vous ne voulez généralement pas le ramener à zéro parce que vous voulez cette fréquence. Avant, je voulais que ça sonne. Maintenant, ce n'est pas là. Maintenant, continuons. Je vais l'allumer et l'éteindre. Je vais choisir un autre groupe et continuer. Oui, je n'aime pas ça. Homme. Trois. Retirons-le un peu. Comme je l'ai dit, cela peut être très fastidieux. En voici quatre, augmentez cette file d'attente. Ça doit être le cas, on y va. Parfois, vous les verrez vraiment apparaître dans l'interface qui vous aidera à les identifier. Lorsque vous faites cela, les zones particulièrement difficiles à surveiller sont comme deux à huit K. Hum, donc c'est à peu près ici. Sauter. Quel genre d'accord, ici. Maintenant, vous vous demandez peut-être, qu'est-ce que j'écoute réellement ? C'est un bon exemple du fait que nous sommes ici. Vous pouvez donc en quelque sorte entendre ce que je suis en train de renforcer. Vous entendez ce genre de sifflement en même temps que mon égaliseur, n'est-ce pas ? Donc, ce que j'écoute, c'est fur et à mesure que je monte, y a-t-il une augmentation du volume sur n'importe quelle fréquence, n'est-ce pas ? Est-ce que ça se passe comme si je descendais, mais est-ce que ça se passe soudainement comme s'il y avait une fréquence qui augmente vraiment en termes de volume ? Cela signifierait que je devrais probablement m'occuper de cette fréquence devrais probablement m'occuper , mais sans vraiment entendre quoi que ce soit. Donc je pense que nous sommes en bonne forme, donc je vais m'en débarrasser. Mais nous avons trouvé ces deux. Et je pense qu'elle va un peu mieux sans eux. Très bien, donc ça sonne, trouve tout ce qui sonne vraiment et y remédier en le coupant. C'est donc l'une des premières choses que nous aimerions faire en ce qui concerne les éléments de traitement d'un master, mais ce n'est pas la dernière fois que nous allons le faire. Nous y reviendrons plus tard après avoir effectué un traitement plus approfondi, car certains de ces compresseurs et limiteurs ces compresseurs et limiteurs peuvent légèrement affecter cela et peuvent en quelque sorte laisser certaines fréquences apparaître. Nous reviendrons donc pour y réfléchir de nouveau. Mais pour l'instant, passons à autre chose et parlons de compression et de bruit. 32. Comment fonctionne la compression: Bien, passons à la commande du volume. Maintenant. À certains égards, c'est une chose facile à faire car nous allons simplement essayer de le faire grimper au sommet. Mais il y a beaucoup de contrôles délicats que nous voulons contrôler ici pour nous assurer de ne pas découper et de ne pas booster choses que nous ne voulons pas améliorer. Mais c'est la chose la plus évidente que nous faisons, n'est-ce pas ? C'est la chose la plus audible. Comme si nous le faisions plus fort, mais nous le faisions plus fort et de manière très intelligente. Alors, étape numéro un, faisons un petit rappel ou faisons une nouvelle mise à jour, ou apprenons dès le début comment fonctionne un compresseur, car nous devons bien connaître notre compresseur. J'ai donc chargé un compresseur multibande ici, et celui-ci est un peu délicat. Examinons très rapidement un compresseur normal afin de voir comment fonctionnent les commandes. Je vais donc passer à ma dynamique et y ajouter le compresseur Ableton normal. Je vais m'en débarrasser dans une minute, mais j'aime son interface car elle nous montre ce qu'elle fait de mieux que celle-ci. Celui-ci est vraiment confus. Je veux juste vous montrer quelles sont les commandes et comment elles fonctionnent. D'accord, quel que soit le compresseur que vous utilisez, quel que soit le logiciel que vous utilisez pour votre compression. Cela ressemble probablement à ceci, à ceci ou à cela. Ce sont les trois configurations différentes la plupart des compresseurs. Il se peut que vous fassiez quelque chose différent et ce n'est pas grave. Mais ce ne sont là que trois points de vue différents sur le même type d'informations. D'accord, je vais donc commencer par cette vue afin que nous puissions vraiment voir ce que nous faisons. D'accord ? Donc, cette ligne s' appelle mon seuil. Je peux le déplacer vers le haut ou vers le bas. Ça va ? Donc, le seuil est ce que je vais laisser monter le volume avant de commencer à m'y intéresser. D'accord. Donc, tout ce qui est en dessous du seuil, nous allons partir seuls, non ? Et c'est de ce volume que nous parlons. Donc, tout ce qui est plus silencieux que le seuil ira bien. S'il dépasse le seuil, nous allons y faire certaines choses. OK, alors regardons ce qui se passe ici. Donc, je suis vraiment au top de mon son. Je ne fais pas grand-chose. OK, donc notre seuil se trouve juste là, juste en haut du son. Maintenant, cette ligne d'or s'appelle notre réduction de gain. C'est dans cette mesure que nous réduisons le volume. D'accord ? Maintenant, ces deux choses sont liées, non ? Ainsi, chaque fois que le signal dépasse le seuil, la réduction du gain le fait baisser. Alors imaginez que notre seuil de volume va augmenter et que la réduction du gain va continuer. Tu es restée là-bas. Je n'avais pas prévu d'utiliser ma tête pour ça, mais ça marche un peu. Nous allons donc dépasser le seuil, puis il va le baisser. Allons-y et voyons, vous verrez cela baisser le volume. Renversons notre seuil pour être un peu plus agressifs. Maintenant, vous êtes témoin de moments comme celui-ci où il y a un pic juste là et où un pic descend pour le neutraliser, n'est-ce pas ? La ligne d'or n'est donc en fait que notre volume. C'est comme un bouton de volume, quelqu'un qui crie , essaie de capter ces pics et de les compenser pour que notre volume reste à peu près le même, n'est-ce pas ? Nous écrasons donc en quelque sorte les choses les plus hautes, les plus fortes, et nous faisons en sorte que tout soit pareil. Maintenant, si je voulais être totalement compressé et que tout le volume soit exactement le même du début à la fin. Je pourrais jeter ce seuil jusqu'en bas. C'est vrai. Et maintenant, vous voyez que cette réduction du gain se produit partout. Il essaie juste de baisser le volume pour le rendre plat. Hein ? Il y a une chose dont nous n'avons pas encore parlé, ce qui fait certaines choses dont je parle encore, mais l'une des principales choses dont nous n'avons pas encore parlé est que nous avons un certain contrôle sur la façon dont le logiciel traite ces sons lorsqu'ils dépassent le seuil. Ce n'est pas juste qu' on les détruit, non ? Dans ce cas, c'est nous qui les détruisons. Mais nous pourrions les laisser dépasser le seuil d'une certaine manière. Et nous pourrions concevoir la façon dont ils sont traités lorsqu' ils dépassent ce montant. Donc, la première façon de le faire est de baisser le volume à la vitesse à laquelle nous le relâchons , n'est-ce pas ? Ce sont ces choses que nous allons trouver ici, attaquer et libérer. heure actuelle, nous en sommes à une milliseconde. Attaque et déclenchement en 30 millisecondes. Cela signifie que lorsque le plugin voit un signal passer au-dessus, il lui faudra une milliseconde pour le pousser vers le bas. C'est très rapide. Et puis fois que ce signal sera repassé en dessous du seuil, il faudra 30 millisecondes pour reculer et le laisser monter. D'accord ? Maintenant, le timing va être important car nous avons fait des progrès assez rapides dans le mastering. Nous allons donc revenir à ce calendrier, mais c'est de cela qu'il s'agit. C'est ce que sont ces paramètres. J'en suis sûr. Et quel que soit le logiciel que vous utilisez, vous l'avez. Vous avez des paramètres de chronométrage, d'attaque et de libération quelque part. C'est un compresseur que j'ai jamais vu. Ensuite, il y a le ratio. Cela signifie que lorsque quelque chose dépasse le seuil, allons-nous toujours le pousser jusqu' à son seuil, ou allons-nous le laisser légèrement façonner ? OK, donc pour cela, passons à une autre vue ici. Je vais passer à cette vue. D'accord ? Donc, ce que nous voyons ici, c' est notre seuil. Et une petite balle rebondissante est notre seuil, c'est aussi notre seuil. Et vous allez voir notre volume actuel apparaître sous la forme d'une autre petite boule ici. Voici notre réduction actuelle du gain de volume ici. D'accord ? Maintenant, regardez cette ligne. Si je devais juste le détruire et dire : «  Ne dépassez pas le seuil ». ce que je ferais. Cela signifie que si le volume devient de plus en plus fort, ce n'est pas grave. C'est-à-dire que nous allons laisser ça tranquille. Ce que cet angle parfait signifie ici, c'est que nous allons le laisser de côté. Une fois ce seuil dépassé, nous agirons comme un plafond. Nous n'allons rien laisser aller au-delà de cela. Mais peut-être que nous ne voulons pas agir comme un plafond et que nous voulons l'incliner légèrement pour que les sons très bruyants soient encore un peu plus forts. Et il y a un peu d'espace pour devenir plus fort et plus silencieux, mais pas beaucoup. Donc, pour cela, nous ferions les choses, n'est-ce pas ? Maintenant. Lorsque quelque chose devient très fort, il peut quand même dépasser le seuil, mais la taille est tout de même réduite. Ce serait le cas si nous n'y faisions rien. D'accord ? Maintenant, ce réglage, l'angle de cette ligne s'appelle le rapport, n'est-ce pas ? Hé, si je réduis le ratio à 11, et que je le faisais, notre compresseur ne fera rien. Cela signifie que tout le son entrant est le même que le son sortant. Nous pouvons donc le faire. Et nous pouvons dire, eh bien, réduisons un peu. C'est en fait beaucoup. Disons que ce sera un petit peu. Ce serait beaucoup et c'est juste plat. D'accord ? Maintenant, en plus de cela, nous avons quelques autres paramètres. Nous avons ce qu'on appelle la recherche qui va l'aider à se déplacer un peu plus rapidement. ne devrions pas en avoir besoin ici, en Mastering, nous avons le genou, qui est l'angle de la question. Nous complétons donc le tout en renforçant le genou. Nous ne devrions pas trop en avoir besoin. Mais il y a un autre paramètre dont je voudrais vous parler. Nous sommes assez longs ici. Passons donc à une nouvelle vidéo et parlons du gain de maquillage, c' est-à-dire de la façon dont nous le rendons plus fort. 33. Gain de maquillage: OK, revenons à cette vue. OK, et faisons ce que j'ai fait il y a une minute le seuil en abaissant le seuil et en compressant tout ça. OK, on y va. Vous pouvez maintenant voir que nous sommes simplement en train de baisser le volume et de faire en sorte que tout soit le même volume. OK, augmentons notre ratio pour qu'il soit presque plat. D'accord ? Maintenant, nous avons un problème ici, n'est-ce pas ? Parce que notre but ici est de rendre les choses plus fortes. Et tout ce que nous avons vraiment fait, c'est le rendre plus silencieux, non ? C'est tout le contraire. Nous avons pris la mauvaise direction, mais ce n'est vraiment pas le cas. Voici donc ce que nous avons fait. Nous l'avons fait c'est compressé, non ? C'est ce que le truc dit qu'il va faire. Ça va prendre le volume, les pics et le volume qui monte. Et cela va les aplatir et leur donner volume égal ou proche celui-ci, selon notre ratio. Maintenant, maintenant que nous l'avons fait, maintenant que nous avons aplati cette forme d'onde. Maintenant, nous pouvons le booster. Et ça va rester là où nous le voulons. Maintenant, si seulement il y avait un moyen pour ce compresseur de dire, pour nous, que vous l'avez réduit de x volume lorsque vous le compressez , fois que vous l' avez terminé. Maintenant, je veux que vous redonniez du volume X à l'ensemble, ce qui permettra de maintenir les aigus là où ils étaient et de tout remonter aux aigus. Permettez-moi de l'expliquer à nouveau. Utilisons donc ceci. OK, disons que nos signaux arrivent et qu'il s'agit de, hé, voici le haut de notre signal. D'accord, donc notre seuil est d'environ moins 13. D'accord ? Maintenant, disons que je le comprime tout un tas jusqu'à moins 14, 45. OK, c'est dingue. Ne fais pas ça, mais ça devrait faire ressortir mon point de vue. Nous l'avons donc compressé à moins 45. Nous étions donc à moins 13. Nous sommes maintenant descendus à moins 45. Donc, ce que nous voulons faire maintenant, c'est expliquer au plugin, prendre la différence entre ces deux choses et l'améliorer d'autant. Donc, moins 13 correspond à nos sommets, nous sommes à moins 13, nous allons maintenant tout ramener à ce niveau. D'accord. C'est un concept confus. Je n' ai pas l'impression de réussir. Je vais peut-être essayer encore quelques fois. Mais pour faire court, voyez ce petit bouton ici qui dit maquillage. C'est un gain de maquillage. Qu'est-ce que ça va faire exactement ce dont je parle ici. Cela ne fera que tout dynamiser. D'accord ? Alors allons-y. Nous y voilà donc. Super compressé. D'accord ? Je vais activer le rattrapage de notre allocation. D'accord ? Bien, alors allons-y, voyons voir, avec ce compresseur allumé et éteint. Ici, ça s'éteint. OK, allumez. Ça a certainement ajouté du volume, non ? Comparons-le à ce morceau pour sourds. Voici le nôtre. Nous sommes dans la course, n'est-ce pas ? Il nous reste encore un peu de travail à faire, mais nous sommes dans la bonne voie. OK, donc pour terminer, familiarisez-vous avec les commandes de votre compresseur, puis assurez-vous que le gain de maquillage activé, car c'est ce dont nous avons besoin. Maintenant, ce sera le cas, quand nous reviendrons à notre compresseur multibande, ce que nous allons faire en une seconde. Le maquillage devient un peu plus délicat. Nous pouvons vraiment augmenter le résultat exactement comme nous le souhaitons. Revenons-en donc à cela. Bon, maintenant que nous savons comment fonctionne le compresseur, passons à notre compresseur multibande et parlons-en. 34. Compression multibande: OK, donc je vais me débarrasser de ce compresseur et revenir à notre dynamique multibande. Je vais l'allumer. Maintenant, ce que nous avons ici dans un compresseur multibande, accord, je pense l'avoir expliqué plus tôt, mais permettez-moi de m'assurer que nous sommes sur la même longueur d'onde. Donc, en gros, nous avons deux appareils en un, nous avons un égaliseur et un compresseur. Nous avons donc un petit dicton EQ. Et c'est juste ici. Cela signifie donc que voici notre fréquence centrale. Et ça veut dire que c' est quelque chose de haut. Nous allons faire en sorte que ce soit le plus haut niveau. Ensuite, nous allons le compresser de différentes manières. Nous avons des données basses, nous allons les compresser de différentes manières. Nous avons des éléments intermédiaires et nous allons les compresser de différentes manières. Si vous n'avez pas de compresseur multibande comme celui-ci, celui-ci est en stock chez Ableton. Donc, si vous utilisez Ableton, c'est sympa de toute façon , vous l'avez, mais il existe un tas de compresseurs multibandes. Si vous n'en avez pas, vous pouvez le faire sans un en configurant une sorte de chaîne complexe à l'aide d'un égaliseur, puis d'un compresseur, puis, en parallèle, un autre égaliseur et d' un autre compresseur et d'un autre compresseur et d'un autre compresseur Miller Vous aurez besoin d'une sorte de rack d'effets pour pouvoir diviser le signal. Mais c'est impossible. C'est une façon de procéder et c'est très bien. C'est juste beaucoup plus compliqué. Avoir un effet qui puisse vraiment le faire pour vous sera une bonne idée. Donc, dès la sortie de la boîte, voici à quoi ça ressemble. Voici donc nos trois groupes : du high, mental et du low, non ? Je peux utiliser chacun des trois compresseurs en solo. Il y a vraiment trois compresseurs ici, n'est-ce pas ? Je peux donc jouer la partie haute en solo avec ce petit S ici. Alors voici juste nos meilleurs moments, non ? Nous pouvons donc le compresser différemment et voir ce qui se passe. Voici nos points intermédiaires. D'accord ? Et voici nos points faibles. OK, tu vois, c'est génial parce que je peux dire que je veux augmenter ce niveau bas. Sois vraiment cahoteuse avec ça. Ils ne veulent pas réduire certaines des dépenses les plus élevées. C'est effectivement notre gain de maquillage ici. Nous ne voulons donc pas vraiment faire ce que je viens de faire. Nous allons être un peu plus concentrés que cela. OK, alors allons-y. Concentrons-nous d'abord sur les points les plus élevés. 35. Configuration de compression multibande: D'accord, donc la première chose que nous devons faire ici est assurer que la partie EQ de notre compresseur multibande est configurée comme nous le souhaitons. En d'autres termes, est-ce que cette focalisation est la chose la plus élevée, en se concentrant uniquement sur nos points les plus élevés. Et puis nos trucs intermédiaires. Où est-ce que cette ligne est trop haute, trop basse ? Verrons-le et faisons-le exactement comme il faut. Il existe donc quelques moyens rapides et relativement simples de le faire. Je suis une sorte de règle générale. C'est ainsi qu'on m'a appris à le faire. Donc, considérez les choses les plus élevées comme des choses chatoyantes, d'accord ? Des distorsions, des symboles, des choses comme ça. Et ce genre de frontière entre les sons aigus et le milieu de l'action est en quelque sorte lié à la caisse claire. C'est exactement ma règle de base. Vous pouvez le faire comme vous le souhaitez. Je vais donc me lancer en solo dans les meilleurs domaines. D'accord ? Je ne veux pas entendre cette caisse claire. Nous sommes en train de l'entendre. Hein ? Alors augmentons. Oui, ce piège est tellement nul. Comme si je ne pensais pas que nous serons totalement capables de le sortir du piège, mais nous ne voulons certainement pas entendre la moindre trace du piège. Nous entendons un peu le bruit du piège, le bruit le plus aigu. Mais nous n'en entendons pas le contenu. Passons au corps. Ici. J'en ai un peu l'impression, d'accord ? C'est vrai. Je ne veux pas entendre ces corps quand tu montes. C'est plutôt bien, à peu près là, on se sent plutôt bien. Ce piège n'a pas vraiment de corps. C'est juste la partie fissurée. Je vais donc vivre avec ça. OK, maintenant, je vais passer aux choses les plus basses. J'ai oublié le milieu pour le moment. OK, si bas, je voulais juste entendre que cette boue que je veux juste devenir progressivement boueuse. Encore une fois, je vais utiliser le piège comme référence. Je ne veux vraiment pas entendre le corps du piège, ce qui n'est pas le cas, mais allons-y. OK, maintenant j'ai l'impression que c'est là. C'est plutôt bien là. D'accord. Des trucs boueux et religieux. Je ne veux pas que ce piège se sente dedans. OK, et ensuite il ne nous reste plus que le milieu. Vous remarquerez ici que nous n'avons aucun contrôle sur les médiums, car le milieu sera la distance entre ceci et cela. Nous devrions donc avoir pratiquement toutes nos caisses claires. Assez bien. Je suis donc à l'aise avec ça. Nous avons donc en quelque sorte composé ça là-dedans. Donc, le truc de la caisse claire est vraiment une sorte de truc qu'on m'a appris. Cela ne fonctionne pas toujours, mais c'est une bonne règle de base pour définir ces zones. Cela a bien fonctionné pour moi. 36. Composer en compression à haute fréquence: Bon, voyons comment nos groupes se déplacent et lesquels sont les plus actifs. Celui qui est le plus actif est généralement le meilleur pour commencer. On va tous les embêter. Je préfère commencer par celui qui bouge le plus. Nous sommes donc toujours seuls ici, d'accord. OK. Donc, du mouvement ici, pas beaucoup de mouvement au milieu. Ce sont les yeux qui bougent le plus. Je pense qu'ils vont jusqu'ici. OK, alors passons aux aigus en solo. Et travaillons un peu là-dessus. Bon, voici notre interface multibande. C'est un peu différent, mais les mêmes choses se produisent. D'accord ? C'est donc notre seuil en ce moment. Nous voulons donc abaisser notre seuil jusqu' à ce que nous compressions un peu ce niveau élevé. Beaucoup. Recule un peu. Nous voulons donc réduire légèrement le gain. Nous atteignons le seuil maintenant. Nos signaux sont un peu plus orientés . D'accord ? J'aurais dû le dire avant de commencer. Vérifiez que vous êtes en mode RMS. Cela va nous être très utile maintenant, pour moi, c'est ce bouton ici. Nous pouvons utiliser RMS ou Peak. Rms va vraiment s'améliorer. Parce que nous voulons examiner le type de signal moyen en ce moment. Assurez-vous donc de prendre en compte les valeurs RMS et non les valeurs maximales. Bon, maintenant mon signal dépasse le seuil. Je vais y réfléchir un peu. Maintenant, je dois appliquer le ratio, non ? Je dois lui dire quoi faire avec ce signal qui dépasse le seuil. La façon dont vous le faites, et celle-ci est vraiment différente. OK, donc ce que nous allons faire, c'est cliquer dans cette case et la faire défiler vers le bas. Et ce que vous allez voir, c'est que ces lignes verticales représentent dix dB, n'est-ce pas ? 30 à 40. Ils représentent dix dB lorsque nous arrivons à zéro. Ils sont donc tous négatifs sur notre chemin vers zéro. Et ce que le fait de déplacer ça vers le bas va faire, c'est les rapprocher. Donc, pour ce qui est de nos valeurs les plus élevées, chacune de ces raies représente toujours dix dB, n'est-ce pas ? En d'autres termes, cela revient à incliner la courbe que nous avons examinée de telle sorte qu'elle comprime son qui dépasse le seuil. C'est un peu confus de cette façon, mais c'est en fait une façon plutôt cool de voir les choses. C'est, c'est une interface différente, mais je ne sais pas, j'aime bien, c'est cool. Mais il faut un certain temps pour s'y habituer. N'oubliez donc pas que plus ces petites lignes verticales sont proches , plus nous les comprimons. Et vous pouvez voir ce numéro apparaître ici. Il s'agit de notre réduction de gain. C'est donc ce montant que nous sommes en train de réduire. Juste pour faire bonne mesure. Voici nos heures d'attaque et de libération. Je vais ajuster cela à un. Et ces 230 sont attachés à une seconde, une milliseconde et sont relâchés à 30 millisecondes. OK, donc notre sortie, c'est ce jeu de maquillage, non ? Donc, ce que je vais faire ici, c'est regarder dans quelle mesure nous réduisons. Réduire. Voyons voir, 9,49, 0,7, dix. Allons-y neuf heures. Et maintenant, avec la sortie, je vais l'augmenter d'autant. Je vais donc augmenter ce chiffre de neuf. D'accord ? Maintenant, cette quantité de bonus, c'est juste notre point de référence. D'accord ? Ce que nous allons faire, c'est arrêter en solo. Nous allons écouter. Et nous allons nous assurer de ne rien avoir fait de fou, n'est-ce pas ? Chaque fois que vous faites ce genre de calcul, comme si vous réduisiez de 90 battements, nous ajoutons neuf dB l'autre côté du compresseur, comme ceci. Rappelez-vous toujours que votre oreille est la chose la plus importante ici. Alors écoutons. Faisons en sorte que tout aille bien pour le moment. Passons à nos plus bas, puis nos médiums et composez-les également. 37. Composer en compression de basse fréquence: Très bien, passons aux choses les plus basses. OK, donc je vais me contenter de nos bas. Je vais faire la même chose. Je vais baisser mon seuil jusqu'à ce que nous atteignions juste le sommet. Je n'ai pas besoin de grand-chose ici. Et je vais le retirer un peu. Maintenant, la quantité de compression que je fais ici, il n'y a rien de vraiment scientifique ici. Je le ressens, je le devine, et je vais y revenir un peu plus tard. Mais en général, je me promène ici. Je veux voir la compression se produire ici. Je veux voir une réduction du gain se produire. Tout ce que je veux dire ici est la réduction du gain. Je veux donc que la réduction se fasse ici. Je ne suis pas vraiment scientifique à ce sujet, mais j'y reviendrai plus tard. Encore une fois, je vais changer d'heure. Tu peux être un peu plus. Celui-ci n'a pas besoin d'être si rapide, mais j'ai découvert que le faire si vite ne fait pas vraiment de mal. Si votre ordinateur est lent, cela peut être un problème, mais cela devrait aller. OK, allons-y. Nous avons une réduction de gain d'environ 6526 dB. Ajoutons-le ici. Allons-y 5,5. Très bien, écoutons-le. Maintenant. Faisons nos médiums. 38. Composer en compression de fréquence moyenne: Très bien, messieurs, ensuite. Maintenant, vous vous demandez peut-être pourquoi j'ai dépassé les minutes. Pourquoi ai-je fait des hauts et des bas plutôt que des médiums ? Je ne sais pas C'est exactement ce que j'aime faire. Tu peux faire des hauts, des moyens et des bas. C'est très bien. Je préfère commencer là où il y a le plus de mouvement pour essayer de le fixer. Ensuite, j'ai tendance à avoir des hauts ou des bas pour moi. Et puis c'est le contraire que je ferai ensuite. Mais c'est, tu sais, que tu peux le faire dans l' ordre que tu veux. Très bien, regardons le plus bas ou le midi. Assez solide. Ils sont compressés petit à petit. D'accord. Je disais juste que j'avais l'impression d' être enfermée et amusante, d' une manière qui me faisait du bien. Très bien, donc réduire de trois à trois et demi. Trois. Très bien, faisons une petite chose. D'accord. J'ai l'impression d'avoir un peu trop de problèmes, mais je vais laisser les choses de côté pour le moment. Nous y reviendrons à l'étape suivante. 39. Compression supérieure: Bien, avant de poursuivre, je voudrais parler un peu de la compression ascendante. Je ne pense pas que nous en ayons besoin ici, mais je veux que vous sachiez qu'il existe. Donc, une compression vers le haut perturberait tout ça. Donc, ce serait comme l'utilisions sur cette base, par exemple, nous sommes montés ici, nous avons obtenu le seuil, cette ligne est un peu proche du nôtre, de notre seuil descendant. Il s'agit d'une compression vers le bas. Puis nous avons déplacé nos lignes. Il s'agit maintenant d'une compression ascendante. Et ce que ça va faire, ça va faire du bruit. Il ne le laissera pas trop passer en dessous du seuil, n'est-ce pas ? Il va continuer à le pousser pour le rendre fort. Ce n'est pas très utile dans le rock et dans ce genre d'ambiance. Mais si vous avez déjà vu des compresseurs avec des paramètres OTT similaires, c'est tout. C'est très populaire dans les domaines de l'EDM et autres jeux pour garder les choses très bruyantes tout le temps. Vous pouvez également utiliser les choses les plus silencieuses, à savoir celle-ci. Vous pouvez également le compresser, ce qui revient à le compresser. Si vous avez quelque chose qui est vraiment compressé et vous voulez essayer de le décompresser, vous pouvez , cela l' espacera un peu plus et laissera respirer un peu plus. Mais nous n'en avons pas besoin ici. Donc je vais le déplacer vers le bas. Ensuite, il y a un peu les réinitialiser, puis les filles jouent un peu avec . Je n'en ai donc pas vraiment besoin. Est-ce que je peux faire en sorte que ce soit la valeur par défaut ? Ça va ? Je peux le mettre exactement à zéro, mais ce n'est pas grave. Ça n'a pas besoin de l'être. Très bien, donc c'est ce que sont ces choses. Je ne pense pas que cela nous soit utile ici, mais il est bon de le noter pour que vous le sachiez. 40. "Ring out" et comparez: OK, à ce stade, je vais en quelque sorte l'essorer. Encore une fois. Revenez à mon égaliseur, assurez-vous que rien ne sort vraiment du lot. Oups, j' ai sauté jusqu'ici. Maintenant, j'ai l'impression que la base est devenue plus boueuse. Donc, mon cadran est un peu en arrière. Et puis il est difficile de trouver une solution pour vraiment s'occuper de Medina. C'est vraiment dans le mix. Mais il y a certaines choses que je peux faire. J'ai donc un groupe ici. Je vais y retourner pour chercher n'importe quel type de truc basé sur des problèmes. C'en est une. Je suis donc à l'écoute de ce qui aggrave cette situation financière. OK, alors sentez ça juste là. Vous pouviez voir une fréquence sauter juste là et l' élargir un peu. En fait, ils nous aident. Bien. Bon, écoutons-le maintenant sans l'égaliseur et la dynamique multibande. Voici notre original. Très bien, nous sommes donc définitivement sur la bonne voie. Nous n'avons pas encore fait beaucoup de bruit, n'est-ce pas ? Nous avons fait une certaine compression pour faire une sorte de distinction entre ce qu'il y a et ce qu'il y a dedans. Notre volume réel proviendra du compresseur de colle et de son limiteur. Donc, ce que nous avons fait ici, c'est quelque sorte l'écraser avec le compresseur , en quelque sorte apprivoiser le son. Et maintenant, nous allons le déplacer vers ce compresseur de colle, où nous allons l'utiliser pour vraiment pousser. C'est un peu comme notre propre gain de maquillage. Mais le limiteur va faire en sorte que nous ne dépassions pas. Passons donc à la prochaine étape. 41. Vous utilisez un deuxième compresseur ?: OK, ensuite, il y a notre compresseur de colle et notre limiteur, ou notre compresseur et un limiteur. Ou si vous voulez simplement garder les choses simples, vous pouvez simplement utiliser un limiteur ici. Donc, ce que j'utilise ici, c'est ce compresseur de colle, euh, parce que je l'aime beaucoup pour sa fonction soft clip, mais je vais aussi l'utiliser comme compresseur. Vous constaterez donc que de nombreuses personnes utilisent plusieurs compresseurs lorsqu'elles effectuent ce type de travail. Généralement, pour ce faire, vous utilisez différents compresseurs. Donc, différents plugins, différents composants matériels, ils compressent tous les éléments différemment et cela peut vous donner une qualité un peu différente. Il n'est donc pas rare d'avoir un deuxième compresseur dans votre chaîne. Nous allons donc utiliser ce compresseur pour un niveau supplémentaire , simplement pour atténuer le contraste dynamique. OK, donc je vais juste baisser un peu mon seuil jusqu'à ce que ce soit le cas , jusqu'à ce que la musique soit cachée, et nous allons juste couper un peu ce haut. Ça y est. Très bien. Maintenant, je vais m' assurer que mon attaque et libération se déroulent bien et rapidement. OK, donc lorsque nous ajustons notre temps d'attaque et de déclenchement, il y a une chose vraiment étrange, c'est que le temps d'attaque ici, ce bouton est en millisecondes. Une milliseconde ici. OK, c'est bien. Nous allons le laisser là. Nous pourrions même le réduire un peu plus rapidement si nous voulions faire environ un dixième de milliseconde. Mais en fait, je suis d'accord avec une milliseconde ici. Le temps de libération est en fait en secondes. Je veux donc ramener ce à 0,2 s ou 0,1 s. D'accord, je vais laisser le ratio là. Je pense que c'est bien. OK, maintenant nous avons ce compresseur fait du travail pour nous. Parlons maintenant de l'utilisation du limiteur intégré. 42. Limiter: Bon, maintenant nous allons activer ces clips souples. Donc, ce clip souple va faire, c'est un limiteur, non ? Nous allons donc fixer un plafond, et ce plafond par défaut est zéro. D'accord ? Cela ne nous permettra donc pas de dépasser zéro. Nous pouvons donc augmenter le gain de maquillage aussi fort que nous le voulons. Et le signal ne dépassera jamais zéro. Laisse-moi te montrer. Je vais donc aller ici pour regarder mes compteurs. Je clique simplement sur la touche Tab pour l'obtenir. Si vous êtes dans Ableton, je vais regarder ma sortie principale ici. OK, réinitialisons ça. Et vous voudrez peut-être baisser vos haut-parleurs pour cela. Ça va devenir un peu bruyant. Alors je vais appuyer sur Play et je vais juste me maquiller. Je vais juste le lancer. D'accord. Vous voyez, nous nous sommes arrêtés à moins 0,5, non ? Nous n'atteignons jamais zéro, même si nous l'avons clairement dépassé et que nous l'avons entendu se déformer, n'est-ce pas ? Ça ne sonnait pas très bien. Parce que lorsque vous avez un limiteur et que vous le montez jusqu'à ce limiteur, si vous vous heurtez ce plafond, il se déforme. C'est ce qu'il fait. Donc, celui-ci possède cette fonction de clip souple. Donc, tant que nous ne nous écrasons pas trop fort, cela nous laissera un peu de distorsion, mais c'est en fait une bonne distorsion. Donc c'est bon, mais nous ne voulons pas toucher ce cœur. D'accord ? Donc, ce que je veux faire, c'est utiliser le gain de maquillage et monter jusqu'à ce que nous voyions cette lampe s'éteindre légèrement. Nous voulons juste le voir scintiller un peu . OK, alors allons-y. Assez bien. Assez bien. Réinitialisons notre compteur ici juste pour voir où nous allons atterrir. Juste à moins 20. D'accord ? Maintenant, nous utilisons ce limiteur et nous mettons , tout en œuvre pour augmenter le gain de maquillage afin d'atteindre le maximum possible. Et en fait, nous allons aller un poil plus loin et laisser ce limiteur se détacher sur le dessus pour obtenir cette pince souple. Bon, parlons maintenant de la marge de manœuvre et voyons combien nous voulons et comment l'obtenir. 43. Normes de salle de direction: D'accord, alors souvenez-vous que la hauteur libre est la distance entre le signal le plus fort et zéro. Parce que n'oubliez pas que tous nos signaux sont mesurés négativement. Donc, si notre signal le plus fort est nul, moins 0,5, c'est là où nous en sommes maintenant. Cela signifie que nous avons 0,5 de marge de manœuvre. Nous avons autant d'espace avant d'atteindre zéro, d'accord ? est donc notre limite qui nous y amène. Mais souvenez-vous que c'est notre meilleur pic, pas notre meilleur RMS, n'est-ce pas ? Si nous regardons ici, le RMS est la ligne verte brillante. Voyons donc où se trouve notre RMS. Cela nous montre notre apogée. D'accord, donc notre pic RMS est d'environ moins six, moins sept environ, peu moins six, c' est ce à quoi il ressemble. C'est bon. Donc, ce que nous voulons en général, règle générale, c'est que vous voulez que votre RMS atterrisse autour de moins quatre et moins cinq pour des objets un peu lourds comme celui-ci, ou des objets plus agressifs. S'il s'agit peut-être de musique acoustique, vous devriez peut-être vous détendre à moins huit, peut-être dix. Vous ne voulez certainement pas que vos pics dépassent zéro. Mais cela, cette zone, la différence entre votre pic RMS et vos pics réels. Nous voulons que ce soit relativement petit et nous pouvons l'agrandir ou le réduire en augmentant la compression. D'accord ? C'est donc assez agressif, donc je veux vraiment que mon RMS soit un peu plus élevé. Je vais laisser mes sommets là où ils sont. valeur négative de 0,5 est excellente. Si je ne vais pas jusqu'à zéro, c'est parce qu'il est toujours bon de laisser un peu plus de marge de manœuvre. 0,5, c'est un peu comme si le minimum de 0,5 pour un, en termes de marge de manœuvre, c'est vraiment ce dont vous avez besoin. Et la raison en est que lorsque vous le convertissez en MP3, certaines choses numériques peuvent se produire. Et c'est possible, cela peut augmenter un peu le volume. Et si tu arrives à zéro, ça va te couper et ça va créer une distorsion plutôt que d' être une mauvaise chose. Nous voulons donc toujours laisser un peu de temps pour que l'une de ces erreurs de conversion se produise. Donc ça sonnera toujours bien. Nous allons donc laisser ce chiffre à moins 0,5. C'est super, mais je veux augmenter un peu mon RMS. OK, donc je vais juste le faire ici en resserrant un peu plus mon seuil et en reculant légèrement sur mon seuil pour le réduire un peu plus. Ensuite, je vais me maquiller un peu plus. Maintenant, je suis passé à 0,6 de manière assez fiable. Bien avant que je ne parte. Bien, maintenant, ce compresseur fonctionne vraiment très fort, mais je pense que je l' ai trouvé là où je le souhaite. J'ai donc obtenu mon pic RMS autour de moins cinq, peut-être jusqu' à moins quatre. Et mes pics atteignent moins 0,5. C'est un peu d'argent pour ce que je veux être. Vous augmentez donc ou réduisez l'écart entre votre pic et votre RMS en augmentant la compression, ou vous le réduisez en augmentant la compression. Vous allez donc compresser plus que le gain de maquillage, compresser plus de gain de maquillage. Et ça va amener ce RMS là où tu veux qu'il soit. Le limiteur va faire en sorte que votre pic ne dépasse pas cela. Négatif 0,5. OK, ça va nous faire du bien et du bruit. Ensuite, écoutons et faisons notre AB avec notre morceau de référence. 44. A/B il !: Très bien, écoutons. Nous allons faire des allers-retours entre notre référence et celle-ci. OK, revenons ici juste pour qu'il soit un peu plus facile de voir ce que nous faisons. Faisons en sorte que notre référence contienne quelque chose de beau et de fort ici. Parfait. Très bien, alors voici notre piste. Oups. OK, et voici les sons sourds. Pour moi, les sons sont plus forts ou un R sonne un peu plus net aussi. Je pense que nous obtenons un meilleur son avec ces guitares. Examinons l'impact de leurs valeurs et les sons des sourds. Passer au positif. Il y a du désordre. Rms est assise autour de moins six, moins sept, c'est là que nous étions avant de monter un peu plus fort. D'accord. Et est-ce que l'on passe là-bas à 0,1 ? Cela pourrait être simplement dû à la conversion vers les fichiers que j'ai reçus. Ils ne l'ont probablement pas mélangé là-haut. Cela peut simplement se produire lorsque des fichiers sont lancés et convertis et convertis en m plus converti. Je crois que j'ai pris celui-ci. Je pense que nous sommes en train d'écouter un fichier MP3 ici. Ce n'est donc pas génial. Mais c'est probablement de là que cela vient , de cette conversion. Mais malgré tout, je suis plutôt content de ce que nous avons obtenu ici. Cool. 45. Regardez notre travail: OK, très vite, jetons un coup d'œil à ce que nous avons fait ici. Je vais donc y retourner pour regarder nos formes d'ondes ici. Parce que c'est un peu plus d'espace. Ce que je vais faire, c'est dupliquer morceau en entier, les effets et tout le reste. OK, maintenant je vais faire le rendu de cette piste pour que nous puissions voir la forme de l'onde. Donc je vais le congeler puis l'aplatir. C'est comme si vous étiez dans un autre lieu de Dawes, c'est comme un lieu de rendu ou quelque chose comme ça. D'accord. Laisse-moi attraper ce crétin. De grandes lignes noires épaisses. Et c'est là que nous étions. C'est ce que nous sommes aujourd'hui. Zoomons donc et regardons cela d'un peu plus près. Très bien, nous avons toujours notre contraste dynamique et rien ne s'arrête. Nous sommes vraiment bons et bruyants. Si nous montons très profondément ici, nous allons voir une partie de cette douce coupure. C'est comme dans ce genre de situation où nous arrivons tout droit au sommet. Mais nous n'allons pas dépasser ce limiteur qui consiste simplement à arrondir le son puis à l'arrondir vers le bas au lieu de simplement le claquer dedans et créer des angles vifs. C'est ce que nous voyons généralement lorsque nous voyons une éclipse terne. On y voit ce bord arrondi, ce qui lui donne un peu de distorsion. Mais encore une fois, comme une distorsion douce, quelque chose qui est généralement plutôt agréable, surtout si vous avez des guitares qui ont l' air déformées. Mais c'est beau. Mais passons à autre chose et nous allons parler de l'imagerie stéréo et de quelques édulcorants supplémentaires. Il nous reste encore un peu à faire. 46. Le rôle de Reverb dans la maîtrise: OK, donc à ce stade, nous avons fait un master vraiment agressif mais bon sur ce morceau, n'est-ce pas ? Par exemple, lorsque nous avons regardé cette forme d'onde, elle était solide. Nous pourrions revenir un peu sur ce point. C'est un maître très agressif, mais ça va, ça peut être une bonne chose. Nous l'avons fait, nous pouvons le faire. Nous pouvons nous en aller et dire que nous l'avons fait ou nous pouvons continuer. OK. Maintenant, je vais vous avertir de ne pas en faire trop, n'est-ce pas ? Comme si tu ne voulais pas en faire trop avec tout ça. Donc, à partir de maintenant, ce que je vous propose comme options à considérer, euh, notre volume est bon, nous avons réglé toutes les fréquences problématiques. Maintenant, nous cherchons des choses supplémentaires que nous pouvons faire. Donc, la première chose dont je veux parler est la réverbération. Le rôle de la réverbération dans le mastering se situe quelque part entre zéro et un tout petit bit. D'accord ? Nous utilisons parfois la réverbération et le mastering, mais si et quand nous le faisons, c'est un effet très, très subtil. Mais si nous voulons le faire, c' est ici qu'il faut le faire c'est la prochaine étape de notre chaîne d'effets. Voici donc ce que nous ferions. Je vais déjà vous dire que morceau sur lequel nous travaillons n'est pas un bon candidat pour cela, mais bon, nous avons donc notre chaîne, notre égaliseur, notre compresseur Dynamics Glue multibande, et puis un peu de réverbération. Souvenez-vous que cela va émettre une réverbération Pi sur tout le morceau, non ? Ce n'est pas simplement que nous allons ajouter de la réverbération au chant, à la batterie ou quoi que ce soit d'autre. Ça va être sur toute la piste et on ne peut pas le séparer. Donc, pour ce faire, vous devez utiliser une quantité très, très minime. La seule situation dans laquelle je le ferais est principalement la musique acoustique. Une musique très douce qui donne l'impression d' être un peu trop sèche. Si vous avez l'impression qu'il y a juste un peu de sécheresse, vous pouvez ajouter un peu de réverbération ici. C'est le genre de son où, si vous avez l'impression de l'avoir fait, vous êtes conscient de la réverbération, vous en avez probablement fait un peu trop. Donc de la musique acoustique, parfois de la musique classique, si elle est enregistrée à sec. Je l'ai utilisé sur de la musique vocale comme de la musique vocale pure, comme Acquire. Comme c'est une musique qui arrive souvent, nous l'entendons comme dans une grande église avec une tonne de réverbération. Et si vous enregistrez un enregistrement où vous étudiez comme dans un studio, il se peut que vous ayez besoin d'un peu de réverbération pour que le son soit normal. Si vous comptez utiliser la réverbération, souvenez-vous simplement d'une petite touche et ne l'utilisez que si vous en avez besoin. Et ce n'est que dans les cas où vous avez la musique très douce, une guitare acoustique ou acoustique. Ce genre de son qu'on entend ici, de gros morceaux de rock. Ça ne marchera pas. On peut l'essayer. Oui, je n'aime déjà pas ça. Nous n'allons donc pas le faire ici. Cela ne marchera pas ici, mais c'est quelque chose que vous pouvez envisager. 47. Qu'est-ce que l'image stéréo ?: OK, la prochaine chose que nous allons faire est de parler de l'image stéréo. Nous n'y avons pas encore consacré de temps, du moins pas intentionnellement. Nous avons peut-être un peu modifié l' image stéréo dans notre traitement dynamique. Mais maintenant, nous allons vraiment l'examiner. Ce dont nous parlons ici, l'image stéréo est l'influence de la musique. Vous pouvez penser à un peu comme si le volume était de cette façon, des images stéréo, une façon étrange de dire qu'en gros, façon étrange de dire qu'en gros nous pouvons entendre de la musique tout autour de nous. Nous avons ces oreilles et elles sont conçues pour entendre les choses qui nous entourent. Ils ne sont pas très doués pour entendre les choses en détail derrière nous parce que c'est vraiment destiné à cette façon. Mais lorsque nous travaillons sur de la musique, nous pouvons donner l'impression qu'elle vient de là. On peut faire croire que ça vient de là ou de là, ici ou de là-bas, non ? C'est pourquoi nous utilisons presque toujours deux haut-parleurs, n'est-ce pas ? Donc, deux haut-parleurs signifient stéréo, c'est-à-dire le champ stéréo. Et avec cela, nous pouvons faire des astuces pour donner l' impression que le son provient de n'importe où dans cette zone. Donc, si je veux que quelque chose sonne comme si ça venait d'ici, je vais placer une copie exacte dans les deux haut-parleurs et votre cerveau va en quelque sorte le comprendre pour qu'il se trouve juste là. Je vais l'essayer. En ce moment, ma voix dans cette vidéo devrait être mixée en plein centre. Donc, si vous portez des écouteurs, sortez-en un et vous entendrez à peu près la même chose, sauf dans une oreille. Vous pouvez le changer et vous entendrez la même chose. C'est parce que c'est exactement la même copie aux deux oreilles. On dirait que ça vient du centre. Maintenant, si je voulais donner l'impression que ça vient de la gauche ou de la droite. J'utiliserais le panoramique, non ? Mais nous ne voulons pas utiliser le panoramique ici. Donc, les peintures, ce processus que nous faisons, nous permet de déplacer le son. Nous n' utiliserions pas vraiment le panoramique pour le mastering, car nous avons accès à l'intégralité de cette foutue chanson. Et si nous utilisons le panoramique, nous pouvons déplacer toute la chanson vers la gauche ou la droite, mais cela ne sonnera pas très bien. Hein ? Le panoramique est quelque chose que nous utiliserions pour mixer. Après le mixage, nous ne pouvons plus vraiment utiliser le panoramique. Mais nous voulons généralement que nos morceaux sonnent comme s'ils remplissaient tout l'espace devant nous, n'est-ce pas ? Nous voulons capturer cette image stéréo complète, c'est ainsi que nous l'appelons, n'est-ce pas ? Je veux que ce soit beau et grand comme ça. Nous avons donc quelques astuces pour qu' il remplisse vraiment cet espace. Et c'est ce qu'on appelle l'imagerie stéréo. L'ajout d'un peu de réverbération peut être l'une des solutions qui peuvent aider à la rendre plus grande si vous voulez qu'elle soit plus grande dans l'espace. Mais nous pouvons faire bien d'autres choses qui n'impliquent pas de réverbération. Donc, pour les deux prochaines vidéos, nous allons parler de techniques pour remplir cet espace, l'espace stéréo. Très bien, alors allons-y. 48. Égaliseur moyen/latérale (QE MS): OK, donc la façon dont nous procédons s'appelle l'égaliseur intermédiaire. Et c'est peut-être quelque chose que vous avez déjà rencontré . Vous l' avez peut-être déjà vu. Il est parfois utilisé pour le mixage. En gros, nous allons égaliser choses différemment, ce soit au milieu, c' est-à-dire au milieu, ou sur les côtés, sur les côtés, comme ici. Ainsi, nous pouvons contrôler ce qui se trouve au milieu et ce qui se trouve sur les côtés et mieux remplir l'espace. C'est ce qu'on appelle l'égaliseur intermédiaire. Parfois, vous le voyez écrit sous forme d'imagerie M, S EQ ou MS. C'est l'abréviation de Midside. Nous avons donc quelques outils que nous pouvons utiliser pour cela. vous avez besoin de quelque chose de plus que votre QE moyen. Intégrés à Ableton, nous avons quelques outils qui peuvent y faire face un peu. Principalement dans les services publics. Nous n'avons que le canal gauche au milieu. Nous pouvons le mono, ce qui est pratique pour écouter. Côtés à écriture uniquement. Il y a donc votre ventre et vos côtés. Vous pouvez donc jouer avec les choses de cette façon. Mais ce n'est pas très utile pour ce dont nous avons besoin. Nous avons donc vraiment besoin d'un nouvel outil pour cela. Il existe d'autres outils que vous pouvez utiliser en direct, comme Max for Live et d'autres outils de ce genre. Mais peu importe. Si vous disposez d'un outil qui vous donnera accès à un égaliseur intermédiaire. C'est super. C'est probablement suffisant. Parce que, comme vous le savez, j'aime me concentrer sur les outils que nous avons déjà dans cette classe et ne pas dire que vous devriez acheter un plug-in. Cependant, je vais vous dire de sortir et d' acheter un plugin ici. Vous n'êtes pas obligé, mais c'est pratique. Il existe un plug-in qui est vraiment une sorte de plug-in de mastering standard. Cela nous donne un très bon contrôle du milieu de terrain. Et cela nous donne quelques autres fonctionnalités que nous allons utiliser. Donc, pour les deux prochaines choses, je vais utiliser ce plugin, ce plugin. Passons donc à une nouvelle vidéo et laissez-moi vous présenter l'isotope d'ozone. 49. Ozone d'izotope: Très bien, je vais donc passer à mes plugins. Je vais charger l'isotope, l'ozone et l'ozone sept. Nous sommes actuellement en train de perdre de la couche d'ozone et ils le mettent constamment à jour. Alors procurez-vous le dernier. Je vais utiliser Ozone Seven. OK, donc je vais le lancer sur cette piste, sur la chaîne, après mon compresseur de colle. Maintenant, l'ozone fabriqué par l'entreprise Isotope. Ce n'est pas un plugin gratuit. Je ne me souviens pas combien ça coûte. Mais ce n'est pas aussi cher qu' on pourrait le penser pour ce qu'il fait. Il s'agit d'un puissant plug-in de mastering. C'est ce que beaucoup de gens utilisent, car tout ce que nous avons fait jusqu'à présent peut être fait dans le domaine de l'ozone. Vous pouvez créer des chaînes d'effets ici. Tout comme nous l'avons fait là-bas. J'aime utiliser les fonctionnalités intégrées d'Ableton pour nous rendre aussi loin. Mais tu n'es pas obligée. Je veux dire, voici un égaliseur. Voici la dynamique, il y a le maximisateur. Je pense qu'il y a un processeur dynamique multibande ici. Ou peut-être que vous pouvez, oui, vous avez accès au compresseur multibande ici parce que vous y avez un égaliseur. Il y a beaucoup de choses que nous pouvons faire, n'est-ce pas ? Il y a beaucoup de points de vue différents. Nous l'avons fait. Il existe des préréglages. Je n'ai pas vraiment de préréglages installés ici. Je ne sais pas vraiment pourquoi, mais peu importe . Nous n'en aurons pas besoin. Cela va donc nous en dire beaucoup sur ce qui se passe sur notre piste. Regardons l'ensemble. Mais je vais l'utiliser pour le moment, c'est juste en cours de traitement. Alors je vais me débarrasser de ça et de ça. Et passons aux égaliseurs. Je vais récupérer un égaliseur. Et puis une chose que vous remarquerez ici, c'est que les indicateurs de niveau ont un aspect un peu différent. Donc, ce que nous voyons ici, c'est que tout d'abord, cet indicateur de niveau est notre entrée, cet indicateur de niveau est notre entrée, c'est ce qu'il entend, et c'est notre sortie, ce qu'il envoie. OK, donc la différence entre les deux réside dans ce que fait l'isotope, qui n'est rien pour le moment. Le jaune au milieu est donc notre centre et le bleu sur le côté est notre côté. Cela nous indique donc un niveau intermédiaire. Cela nous montre donc que nos côtés sont plus calmes que notre centre ou notre milieu, ce qui est très bien. Et c'est typique. Et nous pouvons voir une bonne quantité de mouvement à la fois au milieu et sur le côté. Encore une fois, nous voyons le pic comme la couleur la plus claire et le RMS comme la couleur la plus foncée. Cool. C'est donc à ce milieu que nous allons aborder ensuite. Il y a quelques autres éléments à examiner. Et cela va l' étaler un peu. Maintenant, je peux déjà dire qu'il y a eu beaucoup de travail intermédiaire le mixage de ce morceau, car il y a déjà beaucoup d'action. y a donc probablement pas grand-chose que je vais faire à ce morceau avec Midside parce qu'il n'en a pas besoin et pourquoi je n'ai jamais envie de le faire s'il n'en a pas vraiment besoin. Mais je veux vous montrer comment cela fonctionne. Passons à une nouvelle vidéo et ouvrons-la. 50. Lire une égaliseur intermédiaire ou latérale: OK, j'y pensais justement entre deux vidéos et il y a une chose que je vais essayer d'améliorer sur ce morceau. J'ai toujours l'impression que le bas de gamme est un peu boueux. Et je pense que je pourrais peut-être retrouver un peu plus de ou un peu plus de clarté en utilisant une technique d' égalisation intermédiaire. Permettez-moi donc d'abord de vous montrer comment voir les différents réglages du mid et du SAT. Nous l'avons déjà examiné. Mais ce que je vais faire, c'est aller ici, on voit une chaîne stéréo, donc on a affaire à une chaîne stéréo, n'est-ce pas ? Maintenant, je peux cliquer sur le suivant. Nous examinons maintenant la représentation intermédiaire. D'accord ? Voici notre esprit et voici notre côté. Remarquez également qu' ici, il est écrit côté. Donc, en ce moment, je regarde l'égaliseur du côté. Et le côté est en solo. D'accord ? Donc, c'est pour moi un jeu en solo. heure actuelle. Passons au milieu en solo. Et voici les côtés. Maintenant, je peux les égaliser séparément. Voici le milieu, car c'est ce que j' ai sélectionné ici. Voici le milieu et voici les côtés. Alors, ce que j'ai sélectionné là-bas, d'accord ? Maintenant, je peux ajuster l'égaliseur pour les côtés. Et j'ai un égaliseur ici. Vous avez l'habitude de voir ce genre d'égaliseur. Et je peux régler l'égaliseur différemment pour les médiums. Pour le milieu, je ne devrais pas le mettre au pluriel différemment. Donc, ce que je vais essayer de faire ici, c'est de le refuser. Et je vais essayer de séparer un peu cette base de mettre certaines basses fréquences sur le côté et d'en garder d'autres au milieu, et voir si nous pouvons les séparer pour éliminer ces sautes d' humeur. OK. Essayons-le. 51. Nettoyer les bas extrémité avec un égaliseur intermédiaire ou latéral: OK, je vais donc commencer par mes médiums. Et je vais les réduire environ 300 Hz avec un passe-haut. Rends-le un peu plus net. Passons à environ 20 Hz. Cela va juste faire de manière redondante ce que nous faisons avec notre égaliseur ici. Donc, cela ne devrait pas vraiment faire quoi que ce soit. Mais je vais laisser ça entre nos mains, maintenant entre nos mains et m'en débarrasser. Et de nos côtés, je vais faire une passe haute et couper le score à environ 200 points. Resserrez-le. OK, donc si je le fais, que se passera-t-il maintenant ? Nos flancs n'ont pas ces fréquences vraiment basses, ces fréquences vraiment basses. Tout ce qui est inférieur à 200 Hz ne se trouve qu'au milieu. Tout ce qui dépasse 200 Hz se trouvera au milieu et sur les côtés. Nous sommes donc en quelque sorte en train de séparer éléments très bas et de les placer au milieu. OK, maintenant je vais régler le goût en écoutant et voir si cela peut vous aider. Juste sur les côtés. Il y a cet argent. Écrivez-le . Je ne veux pas m'en débarrasser, je ne veux pas perdre le bas de gamme. Je veux juste contrôler un peu plus. Je pense que ça aide un peu. C'est donc une technique que nous pouvons utiliser pour l'égalisation intermédiaire afin de contrôler un peu les basses fréquences. 52. Ajouter un shimmer avec une égaliseur intermédiaire ou latérale: OK, il y a encore beaucoup de choses que nous pouvons faire avec l' égaliseur intermédiaire et la scène de mixage, non ? Comme si c'était une très bonne technique lorsque vous mixez, de découper différentes zones de votre mix afin que vous et votre voix puissiez mieux vous asseoir, ou parfois votre batterie peut mieux s'asseoir. N'importe quel sens peut mieux s'adapter. Découvrez comment l'utiliser pour vos mixages lors du mastering. La seule autre chose que j'utiliserais régulièrement est de l'utiliser pour lui redonner un peu de brillance. Cela aide également vraiment à améliorer votre image stéréo. Alors je vais prendre mes côtés, en solo. Et je vais juste augmenter mes hautes fréquences. Mais comme des trucs vraiment géniaux. Essayons ça. Contournons-les. C'est intéressant. Si je fais du bruit sur le côté, ce que nous faisons, vous pouvez entendre ce grondement revenir. Tout cela gâche ce que nous avons éliminé. Et nous sommes également en train d' en augmenter un peu la partie supérieure. C'est donc ce qu'est cet EQ. Tirez-en un peu plus à ce sujet. Très bien, maintenant faisons-le ensemble. Ma faute. Cela nous donne donc un peu plus de couleur sur ces côtés. Il y a d'autres choses que nous pouvons faire pour nous donner plus de vie dans le haut de gamme. concerne les excitateurs harmoniques, nous les examinerons dans un instant. Mais cela revient à faire la même chose, bien qu' un peu moins cher. Vous pouvez donc obtenir de bons résultats avec. C'est très subtil ce que je fais ici parce qu'il y a, avec toute cette guitare vraiment déformée, beaucoup de choses se passent déjà, donc c'est assez subtil, mais ça peut être sympa. 53. Compression médiane/latérale: D'accord, la prochaine étape la plus pertinente pour notre discussion sur l' image stéréo est la compression intermédiaire. Nous avons examiné l'égaliseur intermédiaire. La compression semble un concept, sauf que nous allons compresser les deux côtés différemment. OK, donc dans l'ozone, je vais utiliser mon compresseur. Ils ont appelé dynamique ici. Et je vais le passer en mode milieu de gamme. Voici mon affichage intermédiaire. Par défaut, nous effectuons déjà une petite compression ici. Je me souviens du type de compression du goudron qui s'y trouvait ici. Nous devrions peut-être le recomposer pour nous donner un peu de place pour le faire si nous le voulons. Bon, voici cette image que nous nous souvenons avoir vue. Nous avons atteint notre seuil et nous regardons notre milieu, n'est-ce pas ? Nous avons donc atteint notre seuil. Ensuite, nous pouvons ajuster notre ratio et nos temps d'attaque et de libération ici. OK, donc tout fonctionne de la même manière. C'est juste une interface légèrement différente. Voici notre version, non ? Nous pouvons donc définir la compression ici. Maintenant, deux choses. Si tu comptes le faire. Tout d'abord, vous n'êtes pas obligé de le faire. Beaucoup de personnes n'utilisent pas tout la compression intermédiaire pour le mastering, et c'est très bien. Essayez-le, voyez si c'est quelque chose que vous aimeriez. Elle peut parfois se substituer à la compression multibande. L'argument que j'ai entendu est que compression multibande altère un peu le mixage. Donc, si quelqu' un a un très bon mix, vous pouvez le détruire un peu en utilisant la compression multibande. Alors qu'en compression intermédiaire, le mélange obtenu reste pratiquement intact. Mais vous pouvez en affiner certains éléments et les contrôler de la même manière que même manière que la dynamique multibande nous permet de contrôler. Vous pouvez donc considérer cela comme un remplacement de la dynamique multibande si vous le souhaitez. J'aime utiliser la dynamique multibande parce que c'est plus facile d'une certaine manière et cela me donne un peu plus de contrôle. Et c'est un peu plus parce qu'il est un peu plus facile de comprendre la dynamique multibande à partir de mon cerveau que la compression médiane. Je ne sais pas pourquoi. Mais expérimentez avec les deux et voyez ce que vous aimez. Vous n'êtes pas obligé de choisir l'un ou l'autre. Vous pouvez utiliser les deux. Mais en général, les gens utilisent un ou l'autre, si je comprends bien. Une autre chose est que nous avons ajouté beaucoup de compression ici avec notre compresseur de colle. Et si nous voulons vraiment en faire bon usage, nous allons devoir réduire légèrement le compresseur à colle, quel que soit le compresseur qui légèrement le compresseur à colle, quel que effectue notre principale compression. On va vouloir faire de la place pour ça. En fait, allons-y. Je vais éteindre mon compresseur multibande. En fait, je vais faire autre chose. Je vais dupliquer cette piste. Allons-y. Ce n'est pas quelque chose que vous devriez faire dans votre mix. Je le fais juste à des fins de démonstration. Je vais dupliquer tout ce morceau. Je vais désactiver celui-ci. Bonjour, celui-ci. Revenez à celui-ci et supprimez Ozone. D'accord ? Celui-ci ne contient donc pas d'ozone. Celui-ci le fait. Maintenant, avec celui-ci, je vais désactiver la dynamique multibande. Et je vais réduire le nombre de nos compresseurs. Nous avons ici beaucoup de place pour la compression. Ensuite, effectuons une compression axée sur l'augmentation de notre largeur stéréo. 54. Compression moyenne ou latérale pour largeur stéréo: D'accord, donc la théorie est que si vous voulez agrandir votre image stéréo, vous devez compresser le centre davantage que les côtés. D'accord ? Si vous souhaitez réduire la taille de l'image stéréo, compressez davantage les côtés que le milieu. C'est la formule. Nous voulons donc l'agrandir. Essayons-le. OK, donc l'une des choses que fait cet isotope de l'ozone ici, c'est qu'il fait de la dynamique multibande en même temps. J'ai donc les quatre bandes d'un égaliseur ici. Vous avez réglé la compression différemment pour eux. J'ai cliqué sur « Il y a un lien », les choses étaient toutes les mêmes. D'accord. Maintenant je vais me maquiller. J'ai aussi un limiteur ici. mon compresseur de colle est toujours en marche, mais c'était avant ça. Je devrais donc probablement placer mon ozone avant mon compresseur de colle. OK, eh bien, je l'ai intégré. Assez bien. Et maintenant, c'est ma compression latérale. Cool. Je ne sais donc pas si vous pouvez ressentir cela à travers la magie de la vidéo. Mais pour moi, cela me semble un peu plus grand. Pour le faire. Nous avons augmenté le champ stéréo. Cependant, je n'aime pas le son par rapport à ce que nous avions auparavant. Comme je l'ai dit plus tôt, cela a déjà fait l'objet d'un travail intermédiaire . Il n'en a donc pas vraiment besoin. C'est donc un peu exagéré, je pense. Mais écoutons-les côte à côte. Donc, celui-ci contient de l'ozone, une compression intermédiaire à l'ozone, et celui-ci a une dynamique multibande. Donc oui, je préfère le son de guitare que nous avons dans celui-ci. Et notre base est un peu mieux contrôlée avec celle-ci. Cela tient peut-être au fait que je suis beaucoup plus expérimenté et à l'aise avec compression multibande qu'avec la compression intermédiaire. Et donc je ne suis tout simplement pas aussi douée pour ça. Je pense que si je le compose encore, on l'aura. Cela a certainement besoin de quelque chose parce qu'il semble que nous atteignons notre apogée, mais des choses à prendre en compte. D'accord, parlons de l'ajout d' édulcorants supplémentaires. 55. Contrôler les bas de gamme (encore une fois): D'accord. Alors laisse-moi te dire ce que j'ai fait. Entre ces deux dernières vidéos. Je me suis débarrassé de notre piste dupliquée parce que celle-ci devenait un peu incontrôlable. Nous venons de retourner à la nôtre. J'ai remis de l'ozone et juste reconfiguré l' ouverture ici. J'ai donc juste un égaliseur intermédiaire qui fait cette astuce que nous avons étudiée pour nous aider à contrôler le peu d'argent qui reste dans la base. J'ai travaillé un peu plus sur The Medina is here. Et ce que je pense que je ferais, je préfère le faire pour améliorer encore plus les choses, c'est simplement revenir au mix. Je pourrais donc le renvoyer à l'artiste ou la personne qui a mixé et leur demander s'ils peuvent l'améliorer un peu plus. J'ai en quelque sorte atteint les limites de ce que je peux faire en matière de maîtrise pour y remédier. C'est juste un peu là. Cela aide un peu. Mais voyons où nous en sommes. Voici donc un bref rappel de notre situation. Oui, j' aimerais vraiment avoir plus de clarté sur les basses, mais je pense que c'est juste un peu dans le mix. C'est donc à peu près tout ce que je peux obtenir avec le mastering. On ne peut pas résoudre les problèmes de mixage par le mastering. Tu ne feras vraiment que les accentuer. J'ai donc fait un peu de ce que je pouvais pour y remédier, mais je ne peux pas faire grand-chose d'autre. Alors, passons à la vitesse supérieure. Ensuite, nous allons parler, encore une fois, ce dont j'ai parlé à la fin de la section précédente, après la section dynamique selon laquelle nous ne pouvions pas y arriver. Nous pourrions en avoir terminé à ce moment-là. Mais nous avons poursuivi en parlant d'imagerie stéréo, essayant de remplir cet espace stéréo, n'est-ce pas ? C'est une chose que tu peux faire. Vous n'êtes pas obligé de le faire, mais cela peut aider le maître. La prochaine étape est la même. C'est une étape que vous pouvez faire si vous pensez que cela va aider le maître. Tu n'es pas obligée de le faire là-bas. Il y a certaines situations où cela peut aider et il y a des situations où cela va faire mal. Donc, ce que nous allons faire ici, c'est utiliser un excitateur harmonique et simplement ajouter de la brillance à l'ensemble du morceau. Nous allons le faire ressortir. Parlons donc ce que sont les excitateurs harmoniques et de leur fonctionnement. 56. Excitateurs harmoniques: D'accord, un excitateur harmonique est, en quelque sorte, une forme de synthèse. Cela peut être fait de nombreuses manières différentes et les plugins le font différemment. Mais en gros, il s'agit savoir si vous vous y connaissez en matière de synthèse, si vous avez suivi l'un de mes cours de synthèse ou si vous avez travaillé sur un synthétiseur, ou si vous savez comment fonctionne la série d'harmoniques. En gros, ce que nous avons, c'est que lorsque nous jouons une note, je joue de la clarinette. Lorsque vous jouez une note sur un synthétiseur un instrument ou tout autre instrument sonore, elle est composée d'une série d' autres sons situés au-dessus, n'est-ce pas ? Ce sont les séries harmoniques. Le son que nous entendons est donc composé de nombreux sons. D'accord ? Donc, ce que peut faire un excitateur harmonique, c'est faire ressortir certains de ces sons aigus. Généralement plus haut. Nous ne le faisons généralement pas pour les sons les plus graves. Maintenant, comme il le fait, il peut le faire avec une sorte d'égalisation en écoutant le fondamental, c' est-à-dire la note que vous avez l'intention de jouer. Ensuite, en utilisant un égaliseur pour faire avancer les fréquences supérieures qui existent déjà, cela peut fonctionner de cette façon. Beaucoup de ces excitateurs harmoniques ne fonctionnent pas de cette façon parce que cela a tendance à générer beaucoup d'argent. Ce que ces plug-ins ont tendance à faire, les bons, les plus haut de gamme, c'est de régénérer ces sons plus aigus. Ils rechercheront donc la fréquence fondamentale et se connecteront comme un synthétiseur pour l'obtenir. Et puis les harmoniques supérieures, puis ils les feront ressortir. Il ajoute donc généralement quelque chose de nouveau. Mais il ne s'agit pas vraiment d'ajouter de nouvelles notes. Ce sont des informations qui existent déjà. C'est juste un peu embrouillé là-dedans et cela va le faire avancer. Et cela va lui donner un éclat supplémentaire. Encore une fois, nous le faisons normalement sur les sons les plus élevés, les fréquences les plus élevées. Il peut créer des choses comme une guitare déformée, ce que nous avons beaucoup dans ce morceau. Nous pouvons utiliser une guitare déformée et modifier un peu plus la distorsion. Nous pouvons lui donner un peu plus de couleur s'il s'agit d'un son plat. Vraiment, nous pouvons donner un peu plus de vie à tout son plat . C'est vraiment facile d'aller trop loin avec ça et d'en donner trop simplement parce que ça a l'air cool pour le moment. Vous devez donc faire preuve de retenue pendant que vous le faites. D'accord. Donc, si je suis dans Ableton Live, je pourrais regarder mes contenus intégrés. Je pourrais faire une partie de cela avec certains éléments intégrés qui sont saturés ou même ces différentes distorsions suffiraient en quelque sorte parce que la plupart du temps, ce genre de troisième méthode peut parfois fonctionner. J'ai donc mentionné que la première méthode consiste à utiliser un égaliseur qui n'est pas très courant, mais qui peut fonctionner de cette façon. La deuxième consiste à régénérer ces hautes fréquences. Et la troisième méthode est de le faire coupant très soigneusement et en y introduisant une certaine distorsion. La distorsion est donc un moyen d'y parvenir. Vous pouvez donc en faire un peu avec de la distorsion. Même un flanger de phaser soigneusement utilisé peut vous donner un peu ce son, mais ce n'est pas parfait. OK, donc ce que je vais faire pour cela, c'est revenir à l'ozone, qui est l' excitateur le plus facile à utiliser que j'aime. Donc, si je rouvre ma zone d'ozone ici, je vais y aller et ajouter un excitateur à ma chaîne d'ozone. OK, passons à une nouvelle vidéo et composons-la. 57. Composer dans des Exciters harmoniques: OK, allons-y. Tout d'abord, une chose que je n'ai pas dite dans la vidéo précédente sur ce concept, c'est que ajout d'excitateurs harmoniques comme celui-ci est quelque chose que nous faisons souvent dans le mix. Et c'est en quelque sorte un meilleur endroit pour le faire dans le mix. Si nous le faisons dans le master, c'est certainement autorisé et vous pouvez le faire. Mais nous allons procéder un peu plus doucement que nous ne ferions dans le processus de mixage et de mixage. Vous pouvez vraiment utiliser ce genre de choses pour vraiment façonner vos distorsions, comme vos sons de caisse claire et d'autres choses de ce genre. Ici, comme nous n'avons que la piste générale, nous avons beaucoup moins de contrôle sur la manière dont elle est appliquée. Nous allons donc être un peu plus doux avec ça. Cela étant dit, appelons-le. OK, voici donc mon interface pour notre excitateur. Il y a deux choses principales que nous avons ici. Tout d'abord, nous avons ces préréglages ici. Vous pouvez en quelque sorte deviner ce qu'ils sont. Ruban adhésif rétro si chaud, tube, triode et double triode. Allons-y un peu. Ensuite, nous passerons en revue ces processus. Vous pouvez les considérer comme des algorithmes différents, comme les modes warp activés, et si vous savez ce que c'est. Nous pouvons donc ajouter la quantité que nous voulons, puis l' essayer avec ces différents préréglages. Ajoutons-en beaucoup juste pour entendre la différence. D'accord ? Donc, ce que nous avons fait ici, c'est que nous avons quatre groupes. C'est en quelque sorte en train de devenir une interface similaire, non ? Vous pouvez voir ces groupes ici. Voilà le second, c'est le milieu de gamme. La troisième est une sorte de médium supérieur et la quatrième est la forme la plus haute. Ce bouton est donc notre mix. Comme la quantité de choses que nous entendons. Je vais laisser ça à 100. Laissez tout le mélange à 100. Vous pouvez jouer avec ça, mais j'aime les laisser toutes de côté et ajouter un peu de cette harmonie excitée. D'accord ? Voici donc le montant. Maintenant, comme je l'ai dit, faire ça en bas de gamme ne sera pas très utile. Et surtout dans le cas où nous avons déjà un problème bas de gamme, cela ne fera que créer un problème plus grave pour nous. Je vais laisser celui-ci de côté, laisser celui-ci de côté, mais je vais monter ici et voir si nous pouvons l'entendre. Je vais donc m'y attarder un peu et écouter attentivement. Cela affecte vraiment la guitare. Le son de guitare ressemblait presque à celui la guitare, mais c'est vraiment un peu, d' accord, laissons les choses là pendant une minute. Ajoutons-en un peu plus. Ajoutons-en au haut de gamme. D'accord, il y en a beaucoup, mais c'est un peu plus subtil là-haut. Maintenant, nous allons expérimenter ces différents sons. Voici donc le cadre chaleureux. OK, donc cette chaleur m'a donné l'impression d'avoir un nouveau look de compresseur , pas de compresseur. Un nouveau préampli, comme si nous faisions passer les médiums à un préampli ici. Le rétro, c'est comme le faire passer dans un vieux préampli, c'est avoir l'impression avoir reçu une cassette , c'est comme le faire passer dans un vieux magnétophone, un tube, un vieux ampli à tube, un essai et un double essai. Je ne suis pas vraiment sûr de ce que c'est. Circuit excitateur à tube modélisé. Ceci est donc calqué sur un circuit triode. Ils ne savent pas vraiment ce que c'est. Tout cela était trop élevé pour ce que nous faisions ici. Allons nous réchauffer. Je vais laisser les choses comme elles sont et allons-y. Vois si tu peux concentrer ton oreille sur ces sons vraiment aigus. C'est vraiment présent, mais uniquement dans cette bande très étroite de sons aigus. Écoutez encore une fois. OK, donc je vais le sauvegarder ici. OK, je pense que c'est un bon son. Nous avons ajouté juste un peu de mise en forme à cette distorsion. Maintenant, gardez également à l'esprit que nous pouvons le faire selon un schéma intermédiaire. Nous pourrions donc le faire uniquement sur les côtés. Essaie ça, puis appelle l'endroit où je l'ai trouvé. Cela pourrait en fait nous donner un bon son ici. Et nous allons laisser les médiums de côté. Nous allons donc ajouter cette harmonie excitante juste sur les côtés. D'accord ? J'aime bien ça. Cela donne un peu plus de largeur à notre distorsion, ce qui donne l'impression qu'il est un peu plus grand. OK, faisons une petite pause, écoutons tout notre maître et vérifions une petite pause, écoutons tout notre maître et tout cela par instinct. 58. Vérification des intestins: OK, donc ce que je veux faire instant, c'est être capable de contrôler l'ensemble de la chaîne d' effets, d'accord ? Ce sera donc facile ou difficile selon la poupée que vous utilisez. Mais à Ableton , c'est vraiment facile. Donc, je vais aller ici, sélectionner Tout, maintenir la touche Maj enfoncée et cliquer dessus. Nous avons donc ce genre de bande bleue sur chacun d'entre eux. Je vais appuyer sur Control G. Qu'allez-vous les placer en Irak ? Maintenant, ils sont tout ce que vous pouvez voir n' y a plus d'espace entre eux. Nous avons ce petit bar ici. Ça va sonner exactement de la même manière. Mais maintenant, je peux tout activer et désactiver. OK, donc je n'ai rien changé sauf que j'ai ajouté quelques contrôles globaux pour l'ensemble. Alors, voici le tout. OK, donc évidemment, notre volume fonctionne comme si nous étions beaucoup plus forts. Et une chose que j'entends aussi, c'est que c'est dans cette ville basse de Médine quand on n'est pas là, alors que c'est dehors ici et tout ce tas de choses. Ce petit pote Think Fighter, mais il est là. Nous n'aggravons donc pas les choses. Je pense que nous sommes en train de l'améliorer, mais si j'en entends le bruit. D'accord. Donc, à ce stade, vous pourriez dire, accord, il est temps pour moi de téléphoner à nouveau. Revenez au réglage de l'égalisation, voyez s'il y a quelque chose de nouveau qui doit être traité. Toutes les fréquences. Je suis quand même tentée d' essayer de nettoyer davantage le bas de gamme, mais je ne pense pas être capable d'en faire beaucoup plus ou de trouver quoi que ce soit. Je pense que je vais laisser ça de côté. Mais essorez-le à nouveau, réglez à nouveau les compresseurs, repassez tout en revue et continuez à voir si vous pouvez l'améliorer. J'aimerais donc tout passer en revue encore une fois. Et je vais le faire maintenant, je vais le faire hors caméra et faire une autre passe C et je vous ferai savoir si j'ai changé quelque chose. Alors on y va. 59. Dernières semaines: D'accord. J'ai fait une chose. Voici pourquoi je l'ai fait. C'est lui qui m'embêtait avec ce bas de gamme et je savais que je pouvais l'améliorer. Et je l'ai remis à mon compresseur dynamique. J'ai augmenté la compression dans les basses fréquences, puis j'ai légèrement ajusté mon égaliseur. Cela a vraiment supprimé une grande partie du bas de gamme, mais ce n'est pas boueux. Cela a donc un peu amélioré les choses, mais cela a également réduit notre règlement bas de gamme. Voici donc à quoi cela ressemble maintenant. Oups. Désolée, AB. Donc oui, ça fait un peu défaut et c'est un peu bas de gamme, mais au moins ce n'est pas vraiment boueux et il y a tellement de grondement dedans. Encore une fois, je dois vraiment le renvoyer à l'ingénieur de mixage et lui dire de nettoyer ce bas de gamme. Si nous voulons vraiment être parfaits, parce que je ne peux vraiment pas faire grand-chose de plus. Nous allons donc dire que c'est bon comme ça. Mais c'est tout. J'ai laissé tout le reste pareil. J'ai légèrement ajusté la compression de notre maquillage ici. Après. Je peux l' ajuster, cette compression. Et Platon est un tout petit peu mon égaliseur. OK, donc je pense que nous allons arrêter avec ce crétin. Ensuite, nous devons parler de nos paramètres de rendu et nous assurer que le rendu est parfaitement parfait, car c'est tout. C'est notre dernier arrêt avant les services de streaming. Tout ce que nous enverrons ici, nous l'enverrons directement à Spotify. Nous devons donc nous assurer que nos paramètres de rendu sont parfaits. Consacrons-y donc du temps. 60. Paramètres de rendu: Très bien, bienvenue à une belle tempête de neige hivernale ici à Minneapolis, Minnesota, juste à ma fenêtre. Il neige comme un fou. Mais cela n'a pas d'importance pour toi. C'est le plaisir des cours en ligne. Je n'ai pas besoin d'aller nulle part pour enseigner aujourd'hui. Parlons donc de nos paramètres de rendu. Comme je l'ai dit dans la dernière vidéo, c'est notre dernier arrêt. Nous devons nous assurer de les faire correctement, car si nous les envoyons aux services de streaming, il n'y a pas de retour en arrière possible. OK, donc dans Ableton, je vais accéder à File Export Audio. Maintenant, dans votre alimentation, cela peut s'appeler exportation, cela peut être appelé rendu, cela peut s'appeler rebond. Tout cela fait la même chose, différents programmes appellent cela des choses différentes. Je pense que la logique appelle peut-être partager maintenant parce que c'est une affaire d'Apple. Mais quoi qu'il en soit, vous allez accéder à un écran comme celui-ci avec quelques options. Si vous ne voyez pas beaucoup d'options ici, voyez s'il y a un bouton Plus quelque part ou vous pouvez accéder à d'autres options de rendu. Nous voulons nous assurer d'avoir raison sur ce point. OK, je vais donc les passer en revue et beaucoup de détails parce que, encore une fois, c'est important. Donc, pour moi, je dois m' assurer que le rendu du premier coup est le bon. C'est ce premier bloc de choses. Quelle piste dois-je afficher ? Le maître ? Oui, ça marche. Donc, tout ce qui passe par le master, ce qui va être rendu ici. Je pourrais, étant donné que je ne travaille vraiment que sur ce morceau, je pourrais aussi sélectionner ce morceau. Mais j'aime repartir avec quelque chose de Maître. C'est très bien pour le maître. rendu commence et se termine. C'est très important. Nous commençons à 111, donc c'est tout le chemin depuis le début et ça se termine à 64 contre un. Vérifions-le. Le 111 est donc là. Et j'ai ajouté ce petit fondu. C'est donc exact. 64 contre un, c'est loin. Oh, c'est probablement la fin de la piste de poney blanc. Oui. C'est tout le chemin jusqu'ici. C'est un peu plus loin que ça. Nous n'en avons pas besoin. Je veux donc m'assurer que je fais le bon rendu. Je vais donc sélectionner ce morceau, m' assurer que mon fade-out est toujours là. Je suis en train de tout comprendre. Je n'ai apporté aucune modification à la piste. Nous voulons nous assurer de sélectionner la région que nous voulons exporter, en l'occurrence la totalité du circuit. Je vais donc le sélectionner comme ça. Maintenant, je vais revenir à mes paramètres d'exportation et le 4712 aurait dû être mis à jour. Je ne peux pas faire défiler cette fenêtre pour l'ouvrir, mais ça devrait être correct. 4712, pourquoi veut-il l'exporter directement là-bas ? Ça devrait l'être. Essayons encore une fois. 4712. OK, donc la valeur par défaut est 4712 comme longueur. Je ne sais pas pourquoi cela s' arrête par défaut ici, mais je ne veux certainement pas que cela se produise. Je veux qu'il aille jusqu' à la fin de ce fichier, qui est 48,2, entre 0,2 et 0,3. Alors, nous pouvons choisir d' aller jusqu'à 48,3. Nous allons donc nous assurer avoir trois et ensuite nous terminerons à un. Cela le placera juste ici. Ce n'est pas grave. C'est incroyablement peu de temps que nous allons y ajouter. C'est très bien. OK, j'ai donc fait correctement le cadran de ma longueur ici. Bien entendu, nous allons vérifier qu'après l'avoir rendu, nous allons l'écouter et assurer qu'il est correct. Maintenant, nous allons passer aux options de rendu . Nous devons nous assurer très rapidement de ce que je recherche ici. Je veux tous les enlever. Incluez les effets de retour et les effets principaux. Non, nous n'en voulons pas. Ce sera n'importe lequel de ces titres de retour. Nous ne devrions utiliser aucun de ces rendus en boucle. Cela signifierait probablement qu' il va essayer mettre aucun croisement à la fin, ce qui est très bien, car nous l'avons fait en quelque sorte manuellement avec nos fondus. Mais ne le faisons tout simplement pas. Nous n'avons pas besoin que ce soit une boucle. Convertir en mono. Non, on ne veut pas faire ça. Normaliser. Vous savez peut-être que la normalisation, c'est si vous avez suivi certains de mes autres cours, mais c'est une question de volume, c' est une question de dynamique. Et nous ne voulons pas le faire ici. Sûrement. C'est quelque chose que vous voudrez peut-être envisager si vous rencontrez un problème très spécifique. Mais ce que fait la normalisation, c'est un peu comme la compression, où la compression prend votre volume et prend les sons les plus faibles et les plus forts. Et si vous le traitez bien, arriverez à les égaliser, non ? Ce que nous allons faire pour normaliser les choses, c'est intégrer les choses calmes, les choses bruyantes. Même pas eux, mais augmentez-le simplement pour que les sons soient aussi forts que vous allez les laisser tomber. On peut donc dire que c'est autorisé, son pic est à moins un et nous pouvons le porter à zéro. Donc, s'il peut augmenter le point le plus fort jusqu'à zéro, il perdra tout le reste de la même quantité. Il s'agit donc simplement d' le volume pour atteindre le maximum. Dans notre cas, nous avons fait beaucoup pour obtenir le volume exactement là où nous le voulions. Nous ne voulons donc pas que cela se normalise. Créez un fichier d'analyse qui ressemble Ableton, nous n'en avons pas besoin. qui concerne la fréquence d'échantillonnage, nous avons déjà examiné la fréquence d'échantillonnage, mais nous voulons nous assurer que notre fréquence d'échantillonnage est la même que celle de notre piste initiale ou double, n'est-ce pas ? Donc, dans ce cas, notre piste initiale était de 48 K. Et donc ma fréquence d'échantillonnage est de 48 K. Nous voulons la rendre à cette fréquence d'échantillonnage. La même chose que notre morceau que nous sommes en train de masteriser, ou le double. D'accord, voici donc vos options de mastering rapide ou de rendu. Passons maintenant au secteur des types de fichiers. 61. Type de fichier: OK, donc ce que j'ai ici est un peu confus, mais quand vous voyez ce PCM, nous parlons ici fichier audio de qualité complète, c' est ce que signifie généralement PCM. Cela signifie une modulation par impulsions codées. C'est la façon dont nous convertissons l' analogique en numérique. Mais vous pouvez en quelque sorte traduire cela en un fichier audio de qualité complète. Ce que nous voyons en fait ici, c'est que cela dit, que voulez-vous pour votre fichier PCM ? Et je peux l'éteindre, non ? Je peux dire non, je ne veux pas de fichier PCM, c'est-à-dire comme un fichier Wave, un fichier audio de qualité complète. Disons plutôt que je veux juste un fichier MP3 qui n'est pas un fichier wav de qualité complète. C'est un fichier très compressé. Ou je peux dire que je veux un fichier vidéo, ce que je ne peux pas faire dans ce cas Je peux activer la vidéo car je n'ai aucune vidéo dans ma session. Je peux importer des vidéos dans ma session. Ensuite, il importait ou exportait la vidéo et l'audio réunis dans un seul fichier vidéo. Mais cela ne me permet pas de le faire ici car il n'y a pas de vidéo pendant ma session. Je peux donc faire un MP3 ou un PCM. D'accord, nous parlerons du mp3 dans une minute. Mais pour l'instant, parlons du PCM. Pcm est l'algorithme de codage, la modulation par impulsions codées. Tu n'as pas besoin de t'en souvenir. Mais nous devons encore choisir le type de fichier. Nous avons, j'ai trois options que vous pourriez avoir différentes dans votre DAW, mais vous avez certainement ces deux options. Vous avez du WAV ou AIFF, vous avez peut-être des critiques. OK, parlons-en. Un fichier WAV ou un fichier WAV est un fichier audio de qualité complète. Aucune compression. Il s'agit d'un fichier audio de qualité complète. C'est ce que tu veux. C'est la référence absolue. Il s'agit de votre fichier principal. OK, Wave, c'est bon pour ça. Cool. Il n'y aura aucune perte. Aif, pareil. Fichier audio de qualité complète, aucune perte. Tu peux tout à fait le faire. Quelle est la différence entre WAV et AIFF ? Il n'y en a plus beaucoup. Pendant un certain temps. Il y a longtemps. Wave était la norme sur PC et AIFF était la norme sur Mac. C'est un peu révolu. Maintenant. Ils peuvent tous deux gérer les deux. Même sur les Mac, je pense que les vagues sont devenues plus courantes, nous avons généralement tendance à renoncer plus qu'à AIFF. Je pense que cette norme de fichiers commence à disparaître. Vous y voyez parfois aussi simplement de l'AIF. Même chose pour les deux , c'est bien. Mais j'opterais pour Wave. Nous avons également un fichier FLAC ici. Je déteste les fichiers FLAC. Je sais que certaines personnes vivent et meurent grâce aux fichiers FLAC et qui adorent les fichiers FLAC. Je ne les aime pas. Je pense qu'ils sont un peu compressés. Ils ont une certaine compression, ce qui signifie que vous perdez un tout petit peu de fidélité. C'est censé être un style de compression sans perte, mais ils compressent. C'est juste un certain type qui est censé être sans perte. C'est juste que ce n'est tout simplement pas une norme universelle. Tout le monde ne peut pas lire les fichiers FLAC. Il est difficile de travailler avec eux. Je ne sais pas. Je n'aime pas travailler avec des fichiers FLAC parce que je ne les comprends pas. Si vous les comprenez et pensez qu'ils sont géniaux, créez des fichiers FLAC. Je vais opter pour Wave. OK, un peu de profondeur. Si vous optez pour une standardisation, vous devez la laisser à 16 ans. Ou tu pourrais aller plus haut si tu le voulais. Mais la norme ici est 16, vous pouvez donc la laisser à 16. Je ne m'inquiéterais pas pour ça. Et ils ont fait leurs options. C'est une question vraiment compliquée. Passons donc à une nouvelle vidéo et parlons options de desserts, parce que c'est important ici. 62. Options de dither: OK, donc tergiverser est peut-être un terme que vous avez déjà vu. Vous voyez, cela circule beaucoup et c'est souvent mal compris. Je ne vais pas mentir en disant que je connais tous les détails des tergiversations, parce que c'est un sujet très compliqué, mais j'en sais un peu plus à ce sujet. Et je sais ce que nous devons faire ici. Donc, en gros, ce que nous faisons avec tergiversation, c'est nous protéger contre tout type d'alias, nous pouvons considérer comme des artefacts issus de la numérisation. Dans ce cas, il s'agit d'une simplification grossière, mais disons que cette piste a été réalisée avec des échantillons. Et certains d'entre eux se situaient à 41 k et quelque part à 48 K, et quelque part à d'autres fréquences d' échantillonnage, ce sont des débits binaires. Et donc pour le rendre, l'ordinateur doit effectuer tout un tas de conversions, n'est-ce pas ? C'est un peu faire tout un tas de conversions de toute façon, parce qu'il ajoute tous ces effets et effectue toutes ces conversions. Ainsi, en faisant tout cela, tous ces artefacts de conversion peuvent se produire. Les artefacts sont étranges, de petits problèmes numériques en gros. Et les tergiversations peuvent aider à se protéger contre celles-ci. Dans certains cas, la façon dont fonctionne la tergiversation est qu'il s'agit d'un bruit de très faible niveau qui est de 0 à 1 dB, ce qui ne ressemble à rien. Et cela se produit lorsque le volume d'un objet descend à zéro, c' est généralement là que le problème se produit lorsque nous atteignons zéro. Donc, ce faible niveau de bruit, vous n'entendrez jamais autant de bruit. Mais ce faible bruit empêche essentiellement le volume d' atteindre zéro, n'est-ce pas ? Il ne peut pas y aller parce que ce bruit ne fait que capter ce groupe. La tergiversation empêche donc l'ordinateur de commettre ces erreurs de rendu qui provoquent de petits problèmes. D'accord ? Ainsi, lorsqu'il est question d'options de tergiversation, nous pouvons dire « pas de dîner », nous pouvons dire « rectangulaire » ou « triangulaire ». Voici les différents algorithmes disponibles. Je ne sais pas exactement comment fonctionnent tous ces algorithmes. Je ne sais vraiment pas, mais voici, je vais vous le dire, Pao moins R1. C'est là que se trouve l'argent. C'est ce que j'utilise pour mastering et j'ai obtenu de bons résultats. Également. C'est ce qu'ont utilisé les personnes qui m'ont appris à le faire. Alors je m'en tiens à ça. Ce réglage Power Moins R1 est ce que j'aime C'est ce qu'on m'a appris et il fonctionne très bien. OK, c'est donc ce qu'est la tergiversation. Utilisez ce paramètre lors du mastering. Et ce sera le cas dans 99 % des cas, vous ne remarquerez même pas que c'est là, mais dans ce 1 % des cas, vous serez content de l'avoir fait. Prenez donc l'habitude de le faire lorsque vous exportez un master. 63. À Mp3 ou pas à Mp3 ?: Bon, alors parlons de la question de nous voulons créer un MP3 ? De plus, si je l'active, je vais obtenir à la fois un fichier WAV et un fichier mp3. Pourquoi voudriez-vous un fichier MP3 ? Eh bien, peut-être que tu en veux un à partager. Peut-être que vous voulez envoyer ceci par e-mail à des amis. Peut-être que vous voulez le mettre en vente sur votre propre site Web et que vous voulez simplement créer un MP3. C'est très bien. Tu peux tout à fait le faire. Assurez-vous simplement que ce que vous soumettez à Spotify ou quoi que ce soit d'autre est le fichier WAV ou un fichier que je viens de rechercher. Spotify aime les fichiers FLAC. Ils disent qu'ils vont prendre une vague ou un fichier FLAC. Vous voudrez peut-être créer fichier FLAC pour le soumettre à Spotify, mais Wave convient également. Ils vont générer leurs propres fichiers en fonction des vôtres. Il vous suffit donc de leur donner la meilleure qualité possible. Vous pouvez donc créer un MP3 pour vos propres besoins. Si tu veux. habitude, je ne le fais pas. En fait. Je préfère avoir le fichier wav officiel de ma référence. Mais si c'est le cas, si vous faites quelque chose, vous avez besoin d'un MP3, vous pouvez en créer un ici. En guise d'étape. C'est tout simplement génial. Vous pouvez l'exporter ici. Et encore une fois, comme je l'ai dit, les options vidéo, s'il y avait de la vidéo ici, vous pouvez exporter de la vidéo, mais ce n'est pas le cas. Donc on ne peut pas. Donc, une fois que tout cela est fait, nous sommes satisfaits de nos paramètres. Nous allons cliquer sur Exporter. Maintenant, trouver un nom ici est en fait une chose assez compliquée. Passons donc à une nouvelle vidéo et parlons des conventions de dénomination. 64. Noms de fichier: OK, donc le truc avec le fait de nommer ces fichiers c'est que vous voulez simplement en garder une trace en tant que master et version. Comme si cela m'avait été envoyé car le nom de ce fichier était chemise noire, Converse Dot Wave blanche. Je ne veux donc pas l'appeler ainsi. Je veux m'assurer que c' est la version masterisée. Je pouvais donc le mettre dans un dossier contenant versions séparées et maîtrisées et le mettre là. Donc, en général, je crée un dossier pour l'album, puis je le place dans un dossier appelé mastered. Mais j'aime aussi mettre un M1 après et vous pouvez le faire comme vous le souhaitez. C'est juste ma convention. Je vais donc appeler cette chemise noire Converse M1 blanche. Je ne mets pas d'espaces dans le nom du fichier. Je pense que tu peux très bien. C'est comme une vieille habitude que j'ai développée lorsque j' étais un mauvais programmeur. noms de fichiers contenant des espaces par jour posent toujours des problèmes. J'utilise donc une majuscule pour chaque mot et je ne laisse aucun espace. Vous pouvez probablement laisser des espaces et c'est très bien. C'est exactement ce que je fais toujours. Ensuite, je termine par Underscore M1 master, one, first master. Ainsi, lorsque je l'exporte, je peux l'écouter. Je peux l'évaluer, ce que nous allons faire ensuite. Et si cela a besoin d'être ajusté , je reviendrai. Je vais créer une autre version. Je vais l'appeler m2. Alors je sais que mon chiffre final est toujours m , puis le plus élevé. C'est celui qui est le meilleur. Je peux vous montrer, par exemple, mon dernier album, les versions masterisées de celui-ci. Vous pouvez voir que ce sont tous m1, m1, m1, m1 sauf trois. Cette fois, c'est le mauvais jour. Et puis le premier, qui est un remix de Wrong Day, entièrement notre M2, ce qui signifie qu'ils ont été masterisés deux fois. Maintenant, je n'ai pas fait ce master. C'est quelque chose que j'ai envoyé à quelqu'un d'autre pour qu'il le maîtrise. Ce trait de soulignement m1m2 n' est donc pas juste mon truc, je l'ai déjà vu. Beaucoup de gens l'utilisent. Et vous vous demandez peut-être pourquoi vous n'avez pas maîtrisé vos propres techniques ? J'en reparlerai davantage dans quelques minutes. Restez à l'affût. Mais voici le nom de l'album. Et puis Masters dans ce dossier, nous avons les versions M1. Alors, trouvez une convention que vous aimeriez. Souligner. Le système M1 fonctionne très bien. 65. Vérifiez votre travail: OK, donc maintenant, je vais sortir notre version masterisée. Notre chemise noire et Converse M1 blanche remontent à notre séance. Et jetons-y d'abord un coup d'œil. J'ai l'impression que, oui, avons clairement maîtrisé, n'est-ce pas ? Comme si c'était beaucoup plus fort que ça. Comparons-le également à notre morceau de référence, ce ton sourd que nous voyons, nous sommes à peu près au même niveau rien qu'en le regardant. Écoutons. D'accord. Et des sons sourds. D'accord, comme un volume similaire, ces deux appareils peuvent parfaitement fonctionner ensemble sur Spotify, à la radio ou quoi que ce soit d'autre. Nous pouvons voir nos niveaux comme si nous poussions vers le haut. Parfait. Maintenant, si ce n'était pas parfait, nous pouvons, c'est-à-dire que nous ne le sommes pas, nous ne sommes pas encore arrivés à un point de non-retour, n'est-ce pas ? Nous pourrions facilement ouvrir cette sauvegarde et y revenir et peut-être réduire légèrement notre compression. Peut-être que ces guitares ne sont pas un peu trop déformées pour moi, et je pense qu'elles le sont. Peut-être pouvons-nous nous y aider un peu en diminuant une partie de notre maquillage juste au toucher. Peut-être enlever ce clip souple de notre limiteur et remplacer par un autre limiteur qui pourrait valoir la peine d'être envisagé. Ensuite, affichez-le à nouveau et réinsérez-le. Vous pouvez donc tout à fait le faire et écouter. Revenez en arrière et faites un deuxième master. Un troisième maître. Assurez-vous simplement que tout est composé exactement où vous le souhaitez. C'est notre dernière étape pour vérifier notre travail. 66. Enregistrez votre session !: OK, juste quelques dernières choses de ménage. Assurez-vous d'enregistrer cette session. Il suffit de l'enregistrer exactement comme ça. Pas seulement le dossier, mais toute la session. Je le garderais et prévois de le conserver pendant au moins quelques années. Si vous le masterisez pour un autre artiste, vous devriez le conserver juste pour vous assurer qu'il ne reviendra pas dans un an et ne le demandera pas à vous devriez le conserver juste pour vous assurer qu'il ne reviendra pas dans un an et ne le demandera pas à nous. Parce que s'ils le font, vous pouvez le mettre à jour et vous aurez au moins une longueur d' avance et vous n'aurez pas à le faire à partir de zéro. Si vous maîtrisez votre propre travail. S'il s'agit de l'une de vos propres pistes et que vous la masterisez, conservez-la dans le même dossier de session que le dossier de cette piste afin conservez-la dans le même dossier de session que le dossier de cette piste afin d'avoir la session de mastering. C'est toujours agréable de l'avoir et de pouvoir toujours y revenir et la modifier plus tard. Donc, ce que je fais, c'est configurer un dossier sur un disque dur pour les projets de mastering. Des choses que j'ai maîtrisées et qui ne m'appartiennent pas. Quand on lui demande une de mes propres informations, je la mets dans le dossier de session pour cette piste. Assurez-vous donc de sauvegarder l'intégralité de la session, pas seulement la piste, afin d'y avoir accès. Si vous souhaitez revenir en arrière et apporter des révisions ou des modifications ultérieurement. 67. Sauvegardez votre chaîne d'effet: D'accord, une autre chose qui vous fera gagner beaucoup de temps à l'avenir est de sauvegarder votre chaîne d'effets. Vous avez maintenant créé une chaîne d'effets qui regroupe tous nos effets avec ces paramètres. Vous avez créé une chaîne d'effets qui vous est propre. Ce sont les choses que tu aimes faire. Peut-être que tu y as mis plus de choses, peut-être que tu en as retiré. Donc, si nous l'enregistrons, la prochaine fois que vous maîtriserez quelque chose, vous pourrez le sortir, l'insérer dedans, commencer à le composer et vous faire vous maîtriserez quelque chose, vous pourrez le sortir, l'insérer dedans gagner beaucoup de temps de configuration, n' est-ce pas ? Ce n'est pas comme un master automatique. Ce n'est pas comme si vous pouviez simplement lancer cette chaîne d'effets sur un autre morceau et qu'elle la maîtriserait pour vous. Vous devez le composer et savoir ce que vous faites. Mais cela peut vous faire gagner beaucoup de temps. Les différentes portes ont donc différentes manières de sauvegarder les chaînes. Donc, si vous êtes dans autre chose qu'Ableton, je chercherais simplement comment enregistrer et enchaîner les effets. À Ableton. Ce que nous faisons, c'est que nous l'avons déjà mis dans un rack. C'est ce que nous avons fait avec Command G pour l'obtenir afin que je puisse activer et désactiver toute la chaîne. Mais l'avantage supplémentaire de le faire est que je peux aller ici et appuyer dessus. Et maintenant, je peux enregistrer toute la chaîne d'effets, non ? Je pourrais donc appeler cela une chaîne de mastering en J. Maintenant, chaque fois que j'ai besoin de masteriser quelque chose, je peux importer ma piste, peut-être une piste de référence, et la déposer directement sur cette piste. Et puis j'ai toute ma chaîne de mastering. Cool, hein ? Vous fait gagner beaucoup de temps. Je dois encore tout composer, mais je suis à mi-chemin. 68. Maîtrise en session: D'accord, je voudrais aborder un autre point important dans cette section, à savoir que l'on appelle la maîtrise de l'insertion. Regardons donc la situation dans son ensemble. Ce que nous faisons en tant que créateurs, producteurs et compositeurs de musique , quel que soit le nom que vous voulez , nous le créons. Le flux de travail typique consiste à créer une piste , à enregistrer la piste , à produire la piste dans un DAW. Nous l'exportons sous forme de fichier stéréo. Soit nous l'envoyons à un ingénieur de mastering, soit nous l'avons demandé nous-mêmes. Et nous réintroduisons cette piste. Nous y apportons des éléments de mastering, puis nous l'exportons à nouveau. C'est un processus un peu fastidieux et une tendance se dessine. Je ne dirais pas que c'est encore une tendance, mais c'est quelque chose de nouveau que je viens de voir quelques personnes faire. C'est très intéressant et je voulais vous le signaler. Et cela consiste à sauter le processus de mastering en tant qu'étape distincte. Ils maîtrisent toujours. Mais ce qu'ils font, c'est du mastering de session. Cela signifie qu' ils travaillent sur un morceau, leur enregistrement attire, qu'ils produisent un morceau. Et il y a la mise en place d'une chaîne de mastering. Ils le diffusent sur leur chaîne principale. Tout passe par ce canal principal. C'est là que se trouvent leurs effets principaux. Ils le maîtrisent donc pendant qu'ils le mixent, n'est-ce pas ? Au cours de la même séance. Ils ne font pas de session séparée pour le maîtriser, mais ils le maîtrisent au cours de la session. C'est bizarre. Je connais un gars qui le fait et j'ai parlé avec lui l'autre jour. Et c'est vraiment logique. Dans son cas. Il travaille beaucoup pour la télévision. Il travaille beaucoup en tant que producteur pour différents artistes. Et il se trouve dans des situations où il doit travailler rapidement. Il produit donc un morceau. Il travaille avec un chanteur, il crée un morceau. Il doit en quelque sorte sortir une version masterisée très rapidement. Il fait donc tout ce qui se passe en session maintenant sur piste. Pas une session de mastering séparée est une technique intéressante et je pense qu'elle a du mérite. Si vous voulez le faire, vous pouvez tout à fait le faire, mais vous devez faire très attention à ce sujet. Assurez-vous simplement de tout parcourir et de ne pas laisser votre volume devenir incontrôlable, vous voulez tout de même produire. Et puis en tant que mixage de phase suivant, puis en tant que maître de phase suivant. Mais nous allons tout faire au cours de la même session plutôt que d'exporter puis de revenir dans une nouvelle session à maîtriser. C'est ce que l'on appelle la maîtrise de l'insertion. C'est une idée vraiment intéressante. Ce n'est quelque chose que je n'ai encore fait sur aucun de mes morceaux, mais je pourrais essayer. Je vais peut-être voir si je peux obtenir de bons résultats de cette façon. Quelqu'un pense que vous verrez probablement des gens en parler dans les prochaines années si vous suivez le mastering et le bavardage en ligne. Mais quelque chose à essayer si cela vous intéresse, toutes les mêmes techniques. Je dois juste faire un peu plus attention à ça. 69. Devriez-vous maîtriser votre propre musique ?: OK, il y a encore deux choses que je voudrais aborder. Devez-vous maîtriser votre propre musique ? Je pense y avoir fait allusion tout à l'heure. Je pense que nous en avons parlé il y a quelque temps et j'ai dit que nous y consacrerions un peu plus de temps vers la fin, c'est-à-dire maintenant. Voici le deal. L'une des choses dont vous avez besoin lorsque vous maîtrisez un morceau, c'est d'avoir de nouvelles oreilles. Écoutez ce morceau. Totalement nouveau, totalement brut. Écoutez-le pour ce qu'il y a dans le morceau, pas pour ce que vous pensez qu'il y a dans le morceau, n'est-ce pas ? C'est une partie très importante du mastering. C'est pour cette raison que je n'aime pas masteriser mes propres morceaux. Je ne le sais vraiment pas. J'ai un ingénieur de mastering à qui j' envoie toutes mes données. La plupart de mes affaires sont sorties aussi. Si je fais quelque chose rapidement et que j' essaie de trouver quelque chose pour une collaboration ou quelque chose comme ça, alors je le maîtriserai peut-être et je l'ai fait. Mais j'aime bien le fait de demander à quelqu'un qui a l'oreille fraîche de l'écouter et de dire : «  Hé mec, comme si tu n'avais pas assez le fait de demander à quelqu'un qui oreille fraîche de l'écouter et de dire : « de base dans ce morceau ». Comme si la base n'était pas vraiment tranchante comme tu le penses. Ensuite, ils appliquent de la matière à certains procédés pour augmenter la base et la faire pomper un peu plus fort parce que je pensais qu' elle pompait plus fort. Mais ça ne l'était pas. Cela m'est arrivé de nombreuses fois. Comme si vous pensiez qu'il y avait quelque chose dans le morceau et que vous l'entendiez, vous entendez quelque chose dans ce morceau qui n'y figure pas réellement. Peut-être qu'il était là , que vous l'avez retiré et que votre cerveau est toujours en train de le traiter. C'est juste une illusion que notre cerveau fait. Nous entendons des choses qui ne sont pas là tout le temps. Et je te jure que je ne suis pas si fou. Donc, pour moi, il y a un énorme avantage à avoir quelqu'un d'autre maîtrise notre musique juste pour assurer que tout est là comme il se doit. Cela étant dit, si je vais vite, oui, je maîtriserai mes propres affaires. Mais j'aime aussi que quelqu'un d' autre utilise ses oreilles fraîches pour écouter ma musique. Quand ils feront le master. J'aime être cette personne pour d'autres personnes. Ainsi, quand l'un de mes amis aura fini d'attirer, se peut qu'il me l'envoie pour qu'il le maîtrise afin que je puisse être une nouvelle oreille pour lui. Vous pouvez donc certainement le faire. Vous pouvez maîtriser votre propre musique tout au long de la journée, mais je veux juste que vous considériez qu'il y a un avantage à ce que quelqu'un d'autre le fasse. Donc quelque chose à considérer. 70. Obtenir des Gigs en tant qu'ingénieur de maîtrise: Disons que vous aimez masteriser des morceaux pour d'autres personnes et disons que vous êtes de plus en plus doué dans ce domaine. Comment pouvez-vous obtenir des emplois ? Peut-être êtes-vous intéressé à créer une petite entreprise pour devenir ingénieur de mastering. C'est certainement possible. Donc, l'essentiel pour le faire, si vous le souhaitez, est probablement de deux choses. Le premier est un portfolio, ce qui signifie que vous devez déjà avoir maîtrisé tout un tas de morceaux. Et je voudrais m'assurer que vous avez un portefeuille assez diversifié. Vous voulez donc entendre de nombreux types de titres différents dans ce portfolio. Cela signifie que pendant environ un an, je maîtriserai tout ce que vous pouvez mettre en pratique. Demandez à tous ceux que vous connaissez, c'est créer des morceaux si vous pouvez les masteriser gratuitement. Je sais que faire des choses gratuitement est un gros mot, mais vous créez un portfolio ici, alors procurez-vous un gros portefeuille de choses. Juste pour montrer que tu es douée pour ça. C'est ce dont tu as besoin. La deuxième chose dont vous avez besoin, ce sont des connexions. Les gens ont besoin de savoir qui tu es. Et cela viendra en partie du fait que vous avez déjà fait beaucoup de mastering gratuitement, contactant tous ceux que vous connaissez. Cela découlera également de construction d'une réputation de personne vraiment douée dans ce domaine. Et vous pouvez le faire en contactant certains studios de votre quartier. En apprenant à connaître des personnes qui mixent, mais en apprenant à connaître un tas d' artistes et en travaillant avec eux. Toutes les connexions que vous établirez seront bonnes. Alors, pour attirer beaucoup de monde, créez-vous un petit site Web. Il n'est pas nécessaire que ce soit quelque chose de chic. Cela peut ressembler à un site Web Squarespace. Il doit juste être capable d'héberger des fichiers audio montrant votre travail de mastering. Et puis, une fois que vous commencez à recevoir des appels pour des concerts, fixez un prix. Il s'agit généralement d'un prix par titre. Mais certaines personnes le font par album. J'ai vu cela se faire, et j'ai vu certaines personnes le faire par heure de leur temps pour maîtriser quelque chose. Mais ce que je ferais pour la tarification c'est regarder ce que facturent les habitants de votre région. C'est très différent à travers le pays. Alors regardez ce que les gens facturent. Soyez réaliste quant à votre expérience. Commencez doucement parce que vous êtes nouveau, puis augmentez à partir de là. Je dirais que si vous voulez vraiment, comme si vous voulez que je vous donne un chiffre sur ce que les gens facturent, je vais prendre cela avec un grain de sel, mais quelqu'un qui maîtrise assez bien, mais qui n'est pas comme une rock star dans ce domaine. Quelqu'un de la région , ici à Minneapolis. C'est bon en mastering, mais pas très expérimenté dans ce domaine. Je m'attendrais à payer environ 100$ par morceau. Donc, 100 dollars, une piste. Bien sûr, c'est un bon prix. J'ai payé leur professionnel que j'utilise pour environ 250$ par morceau. Je l'ai vu plus haut, j'ai vu beaucoup plus haut. Cela peut donc être un travail lucratif. Mais un portefeuille et des connexions, c'est ce dont vous avez besoin. 71. Merci d'avoir regardé !: OK, c'est la toute dernière vidéo où je vous le dis. Merci d'avoir regardé cette vidéo. C'est toujours amusant de les faire. Je l'adore vraiment. Cela fait très longtemps que les gens demandent un cours de mastering . Et j'ai finalement réussi à le faire. C'était vraiment amusant. Merci d'avoir regardé. J'espère que tu l'es. J'espère que vous en avez tiré beaucoup de choses et j'espère que vous serez capable maîtriser certains morceaux, peut-être de vous trouver une nouvelle carrière dans le domaine du mastering. Alors oui, merci d'avoir participé à cette expérience. Merci d'avoir suivi mon cours en ligne. J'en ai un peu plus pour vous dans le texte après cela, alors veuillez y jeter un œil et je vous verrai au prochain cours. Au revoir.