Ableton Live 11 ultime, 6e partie : Mixage, mastering et DJing

1. Introduction: Bienvenue à Ableton Live 11. Dans ce cours, nous allons couvrir tous les aspects d'Ableton Live, de l'apprentissage du programme à l'enregistrement, à la production, deux deejaying, mixage, mastering. Tout va être inclus dans cette énorme classe multi-parties. C' est la sixième partie. Dans la partie 6, nous allons parler de mixage, de mastering et de DJ. Nous allons donc montrer comment prendre les morceaux que nous avons déjà réalisés et les convertir en performance live afin que nous puissions utiliser ces morceaux en DJ ou faire ce que nous voulons. Nous allons aussi nous concentrer sur le mixage et le mastering. Pour cela, je vais faire appel à un de mes collègues qui est un ingénieur de mixage et de mastering professionnel. Et il nous montrera comment il utilise capable de penser 11 et certains de ses meilleurs trucs de mixage et de mastering. À la fin de cette classe, vous aurez terminé les pistes prêtes à envoyer à spotify, Bandcamp, quoi que vous vouliez faire, tout sera fait à 100% et prêt pour la corde. Donc, ce qui est en fait capable de Trainer Certifié personnes qui ont cette accréditation. J' ai passé par un processus assez rigoureux avec être en mesure accompagner pour prouver que non seulement votre un expert au programme, mais aussi, vous savez comment l'enseigner. Donc, le processus réel d'obtention du sceau d'approbation du formateur certifié est un processus en deux parties. Premièrement, vous devez prouver que vous êtes un super ninja et que le programme doit être un professeur vraiment compétent, sinon ils ne vont pas vous le donner. Et vous voyez quelqu'un qui dit qu'il est incapable de Certified Trainer, comme moi, vous devriez savoir que c'est quelqu'un qu'Ableton lui-même a donné son cachet d'approbation après un processus très rigoureux. Il ne s'agit pas seulement d'acheter un certificat. J' ai dû faire un examen en ligne de deux ou trois jours qui comprenait beaucoup de démonstrations d'enseignement. Et en plus de cela, je suis allé à leur conférence internationale à Berlin pour présenter sujets incapables de parler à toute la communauté internationale en direct. Donc, ce n'était pas facile à obtenir. J' en suis assez fier et j'espère vous en faire profiter. 2. Ce que nous allons couvrir ici: Ok, donc partie 6. Donc, dans cette section, nous allons entrer dans certains des trucs les plus lourds. Et nous allons vraiment nous concentrer sur trois outils intégrés dans le live ou trois types de domaines de la vie. Et ce sont, en fait, les racks suivent des actions et des mappings. Ok, cependant, ces trois choses sont ce que nous allons utiliser pour explorer le mixage, le mastering et la performance. D' accord ? Donc, et nous allons commencer par un fait RAX. On va aller dans les contrôleurs et ensuite on va suivre les actions, ce qui est vraiment amusant. Et il y a beaucoup de nouvelles choses cool suivre l'action en live 11. Et puis je vais marquer un ami à moi pour nous guider dans le mixage et le mastering. Et vous pouvez parier qu'il va utiliser beaucoup de racks d'effets dans ses workflows de mastering. Donc, sans plus tarder, nous allons sauter droit à descendre dans les mauvaises herbes avec un facteur agit. 3. Le pouvoir des racks d'effets audio: Ok, donc si vous suivez depuis le début de la première partie de cette série de cours. Vous avez vu des racks d'instruments, vous avez vu des racks d'effets midi. Et dans la dernière classe, vous avez vu des supports d'effets juste introduits, non ? Donc, nous savons déjà ce que sont les racks et ce que font les racks. Mais permettez-moi de mettre l'effet RAX dans un peu de contexte. Imaginez que vous ayez un retard. En fait, faisons ça pendant que je marche à travers. Voici notre petite démo que j'ai pour ça. Je viens de saisir un petit segment d'un remix d'une de mes traces. Ne lui fais même pas savoir, je suppose. Alors. Construisons un rack d'effets et jetons-le soudainement juste là. Et ce que je vais faire, c'est faire un super retard. Ok, et je veux juste faire ça comme une démonstration de ce qu'on peut faire ici. Donc je vais jeter un rack d'effets vide là-dessus. Vous pouvez trouver le rack d'effets audio dans les utilitaires. Mais il n'y a rien de tel, alors maintenant je vais aller dans le temps et l'espace. Et je vais aller à mes chaînes. Et je vais ajouter notre réverbération et notre écho, un flanger phaseur. Ok, donc je vais les renommer. C' est la réverbération. C' est Flanger, je vais juste appeler ça comme ça. Et voici l'écho. D'accord ? Je vais réorganiser ces petits morceaux en les faisant glisser. Ok, donc ce que je vais faire ici, c'est que je vais faire un seul bouton. Cela va prendre ma réverbération de millisecondes jusqu'à énorme. Ok, donc ce que ça veut dire, c'est que je vais faire un effet qui va commencer comme un flanger, aller à la réverbération et ensuite aller jusqu'à retarder l'écho dans ce cas. Ok, maintenant, ce que je vais faire, c'est aller au sélecteur de chaîne pour chacun d'eux. Je vais ouvrir tout ça. Ok, et je vais dire que celui-là démarre autour de 33 ans. Celui-ci débute autour de 66 ans. Tu sais, quand le coup d'envoi vers 40 ans. Celui-ci débute autour de 80. Top 1 démarre autour de 50. Ça va laisser un peu de chevauchement. Et puis nous allons l'estomper dans la foi, fonder un peu ici pour l'effacer,s' estomper et l'estomper ici. Et puis nous allons l'estomper dans la foi, fonder un peu ici pour l'effacer, Faisons un peu plus de chevauchement là-bas. Ici, Sam. Ok, maintenant, ce que j'ai créé avec cette macro est un super retard. Droit ? Maintenant, je vais prendre ce sélecteur de chaîne. Il va contrôler le clic dessus et le mapper à la macro une. Maintenant, ce que j'ai créé ici est un super retard parce que nous allons commencer par quelque chose comme un phaseur. Quand c'est tout le chemin vers le bas. Au fur et à mesure que je monte, nous allons ajouter, fondre croisé en réverbération, ce qui est comme un délai plus important, mais quand même un très petit délai. Et puis ça va pousser tout le chemin en toi, un écho, un gros retard. J' ai donc un retard qui va de efficacement comme quelques échantillons de retard jusqu' à quelques secondes de retard. C'est vrai. Avant de faire ça, créons une chaîne de plus. Et laissez ça sécher tout le chemin pour qu'on puisse encore entendre le sec. Ok, alors on y va. C' est notre flanger. Comme notre grande réverbération ou examen. Je vais, Hey, on peut faire de cet écho beaucoup plus grand. Je vais le rappeler. D' accord, donc la raison pour laquelle j'ai mis ça en place est juste pour vous montrer cette idée d'effets de décoloration croisée et de workflows d'effets de construction, non ? Je pourrais le faire. Donc, disons que nous avons toujours le retard en cours ET, ou tisser. Ou nous mappons la largeur stéréo à la même macro afin qu'elle devienne plus large à mesure que nous grandissons. Droit ? Il y a donc des possibilités illimitées avec ça. Vous pouvez devenir vraiment compliqué et vous pouvez aussi faire des trucs vraiment incroyables. Et un moyen vraiment simple à cela est l'une de mes choses préférées absolues sur live comme la construction de chaînes d'effets audio, vous pouvez faire des choses qui est juste incroyablement cool. Parlons donc de ce qui se passe réellement dans les coulisses avec les supports d'effets. 4. Traitement parallèle: Ok, donc la vraie puissance derrière l'effet audio pour AKS vient de quelque chose qu'on appelle le traitement parallèle. Et voici ce que ça veut dire. Cela signifie que lorsque nous faisons ce genre de chose, ce que nous faisons en fait, c'est que notre signal arrive ici et ensuite il se divise en quatre. Et le fractionnement est en fait le mauvais terme. C' est en fait en double. Ok, donc ce n'est pas comme si nous avions 25 % du signal dans chaque canal et un tableau dans chaque chaîne. On a 100 % du signal dans chaque chaîne, non ? Et il les traite tous en parallèle jusqu'à la fin quand il les remet ensemble. Donc ça veut dire que tu peux voir comment quand j'ai ajouté cette chaîne propre, on a commencé à se clipser, non ? Parce que nous avons juste trop de signal. Vous devez donc faire attention à l'écrêtage de votre signal parce que vous avez essentiellement transformé cette piste en quatre pistes. C' est une autre raison pour laquelle à la fin d'une chaîne d'effets, vous pouvez souvent voir un limiteur ou un compresseur juste pour l'enrouler et vous assurer qu'il ne devient pas trop hors de contrôle. Le traitement parallèle est donc une bénédiction et une malédiction. Ça nous rend vraiment puissants. Il y a aussi rend un peu dangereux. Alors gardez un œil sur vos niveaux ici. Vous pouvez contrôler ce qui se passe. Et vous pourriez aussi mettre un limiteur à l'autre extrémité juste pour l'empêcher de exploser sur vous. Ce n'est généralement pas un problème. Je pense qu'il y a des choses internes qui arrivent pour s'assurer que l'informatique, pour le freiner un peu avant qu'il n'arrive à la sortie. Mais vous verrez souvent une limite ou juste quand vous avez un tas de chaînes allant juste pour l'empêcher de couper. Alors attention à ce traitement parallèle. 5. Le fameux pad au gris: Ok, regardons un exemple qui est intégré dans le live. C' est un célèbre, euh, genre de célèbre rack à effets. Si vous allez dans vos effets audio ou actes, rack d'effets audio, Presets, allez à la performance en DJ et prenez celui-ci appelé bouton. C' est ce qu'on appelle Fade to Grey. Il a été renommé bouton One Fade en Grey. Je ne sais pas vraiment pourquoi. Une ancienne version de live, il a été appelé gris fané. Maintenant ça s'appelle le bouton un. Et je pense que l'idée ici est que ce qu'ils essaient de dire c'est que c'est un bouton, un gros effet. C' est ce que beaucoup de gens utilisent pour les transitions dans la performance. Et c'est presque un peu effronté à ce stade, mais regardons comment ça marche. Alors voici à quoi ça ressemble. Donc, ce qu'on peut faire avec ça, c'est tourner ce bouton quand on fait une transition. Gifle le. Quand nous sommes à la fin de la transition, comme la transition douce et la transition. Droit ? Donc, vous pouvez couper entre deux pistes de cette façon que vous pouvez le faire tout le monde. Alors regardons ce qu'il y a à l'intérieur. D' accord ? Et nos chaînes. Donc nous n'avons qu'une seule chaîne et nous avons deux défauts aux effets, EQ 3 et un retard. D' accord ? Et nous avons un tas de cartographies ici. Ok, donc si je déplace notre seul bouton ici, voyons ce qui se passe. Donc, sur notre égaliseur trois sont des mids descendent, juste un peu cependant. Sont bas monte et notre haut descend. Ok, c'est cool. Nous voyons aussi que lorsque nous sommes à 0, notre retard s'éteint. Et puis s'allume. Quand était-ce autre que 0 ? Et nos retours arrivent et notre humide sèche arrive. Ok, donc ça veut dire qu'on fait un peu de cartographie ici. Donc non seulement nous avons cartographié ces paramètres, tout avec un point vert, y compris le on-off ici à ce bouton unique. Mais nous avons également mis en place des paramètres de mappage personnalisés ici avec le bouton de carte. Alors, nous allons cliquer dessus. Voyons ce qui se passe. Alors voici notre bouton. Fondu. Donc IQ3, gain moyen, c'est celui-là. Droit ? Donc, cela est fixé à un minimum de 0 et un maximum de six négatifs. Donc ça veut dire que ça va bouger un peu, non ? Ça va passer de 0 à 6 négatifs. Maintenant, le deuxième chiffre est négatif, ce qui veut dire que ça va baisser. Si c'était positif 6, ça le pousserait vers le haut. Ok, donc ça veut dire qu'on va descendre pendant que je monte ça, regardons cette basse fréquence. Il va tout le chemin de 50 à 200 trois. Donc, si nous regardons notre cartographie, fréquence basse 50 à 2,03, fréquence élevée 18 à 2,18. Donc ce nombre est plus bas. Donc ça va tomber. Cet appareil est allumé. Regardons ça. Minimum est un. Aucun minimum ne peut être 0, mais ce n'est pas un. Donc 127 est le top. Cela signifie que tout de un à 127 va allumer cet appareil parce que l'appareil est un bouton binaire, non ? Il y a deux états, souvent. Donc off est 0, on est autre que 0. Donc, ce que cela veut dire, c'est si ce bouton de décoloration, ou si ce bouton de fondu est autre que 0, allumez-le. Les commentaires vont de 0 à presque maximum. Ils l'ont coupé un peu avant le sommet. Top serait un 100 pour cent et sec humide. Même affaire. Ok, donc ça rend une chose assez dynamique. Plutôt cool. Donc, cela montre comment juste avec une chaîne et deux effets simples, vous pouvez créer cet effet vraiment luxuriant en utilisant juste un bouton et un tas de mappings. 6. Racks d'effets de performance: Maintenant, à cause de la capacité folle de faire ces mappings compliqués, vous pouvez voir pourquoi ceux-ci sont bons pour la performance. Avec la performance, on ne peut pas s'arrêter et s'ajuster, n'est-ce pas ? Nous avons besoin de tout mettre en place autant que possible que nous pouvons faire avec un bouton ou non. Jetons donc un coup d'oeil à certains des presets dans la performance. On a déjà regardé le Fade to Grey, c'est juste ici. Regardons ce canal maître, le canal maître DJ. Donc, ils veulent qu'on mette ça sur notre maître si nous avons une piste compliquée. Maintenant, ce que nous ferions est de cartographier tous ces deux contrôleurs, dont nous parlerons dans la section suivante. Mais écoutons ce que ça fait. Allons tout le chemin mouillé avec ça. Et puis on peut sortir nos bas, pousser, nos bas, obtenir juste ce coup de pied. Nous avons donc une configuration d'égaliseur simple. Un autre décalage de fréquence. Donne-nous un peu vacillant dessus. J' ai la réverbération. On peut tout laver et réverbérer la désintégration. Un autre bon effet de transition, puis sec, humide et un peu de volume. Donc beaucoup de choses ici. Jetons un coup d'oeil à l'intérieur. Ouais, tu dois juste sécher humide et ensuite filtrer auto, réverbération. Et un égaliseur vient de se terminer, juste un tas de mappings. Voyons ce qu'il y a dans ces outils de DJ. Mais celui-là, j'ai plusieurs effets. Des actes se produisaient ? Hey, outils DJ, mouvement, vitesse de mouvement et forme de mouvement. Motions solaires. À ça. Et il est appelé par web labile et changer la vitesse de celui-ci, ajuste la forme. C' est un effet cool. Donc, cela est d'activer et de désactiver d'autres choses, similaire à la façon dont nous avons vu sur l'exemple gris fader fané. Nous sommes en mesure de soler cet effet de mouvement. Effet de rayures. Sceptique, écoutons-le. Débarrassez-vous de cette motion. Mec, pas un fan de ce filtre passe-haut pour nous de jouer avec des retouches sèches et humides, puis à faible volume. Donc, il y a beaucoup de choses ici qui sont juste des choses faites avec des racks qui sont vraiment utiles si vous essayez de mettre en place un RIG de performance où vous pourriez vouloir jeter vos pistes sur leur expérience avec certains d'entre eux, juste pour mettre la main sur des choses que vous pouvez faire rapidement. Et d'une manière qui vous donne beaucoup de contrôle dynamique sur la musique et est aussi totalement sûr, non ? Parce qu'avec tout cela, la piste continue à circuler si vous jouez avec l'égaliseur, ce mouvement, même le truc de scratch. Mais ensuite, tu l'as fait sauter. Tu n'as pas perdu le bébé parce que le bébé va encore. C' est ce qu'est vivre. Une des choses qui vivent est exceptionnellement bon à. Tu ne perdras pas le B. toujours là. 7. Le monde des Controllers: Ok, donc il y a des tonnes de différents types de contrôleurs là-bas. Je pense que dans la première classe, nous avons parlé d'utiliser des contrôleurs MIDI. Maintenant, nous avons utilisé des claviers midi. Je crois que je t'ai montré des manettes de guitare. Il y a plein de choses différentes ici. Là-bas. Ce contrôleur que nous regardons ici est et Akai APC 40. C' est un peu le classique capable de dans le contrôleur de performance. En fait, je pense que c'est exactement ce que signifie APC. Dans ce cas. Ceci est conçu pour fonctionner avec capable de dans il est vraiment construit pour Ableton. Dès que je l'ai branché, ce rack que j'ai ici, mappe automatiquement. Je n'ai pas fait de mappings du tout. Il sait juste quoi faire avec cet ensemble. Il sait aussi que la piste un ici est mon volume. Il sait que mon panoramique est là. Donc ça marche juste dès la sortie de la boîte. Maintenant, tous les contrôleurs ne vont pas le faire. Celui-ci est vraiment conçu pour cela. Et évidemment, vous pouvez voir que je peux lancer Eclipse et il saura quels clips j'ai si je suis en mode session. Maintenant, un autre contrôleur populaire en ce moment est capable de pousser, ou de pousser à. C' est un contrôleur incroyablement bon. Il n'est pas vraiment super conçu pour la performance tant que pour la composition, mais il fonctionne bien pour la performance aussi, si vous voulez l'utiliser. Ce modèle APC 4D est un peu obsolète. Ils en ont quelques plus récents maintenant, mais j'aime toujours celle-là. C' est simple, ça marche très bien et c'est juste fiable. Donc, la grande chose à retenir avec les contrôleurs est que certains d'entre eux vont fonctionner immédiatement comme celui-ci parce qu'il est conçu pour fonctionner avec Ableton et qu'il a une fonctionnalité appelée carte automatique, qui signifie qu'il sait juste ce qui est et il va le faire. D' autres contrôleurs, pas tant. Tu vas devoir faire des mappings tout seul. Vous pouvez obtenir pratiquement n'importe quel contrôleur pour travailler en direct. Si vous êtes prêt à entrer dans les mauvaises herbes et à faire un peu de cartographie. Donc, d'abord, parlons de la façon de configurer ces contrôleurs, puis nous parlerons de mappage. 8. Relier des régulateurs: Ok, donc pour configurer correctement un contrôleur, nous devons revenir à nos préférences. Et nous devons jeter un oeil à notre onglet midi parce que tous ces contrôleurs sont Midea. Ok, donc je vais y aller. Et puis je vais regarder ici. Donc mon APC 40, il juste côté. Je n'avais pas besoin de faire quoi que ce soit. Donc, il est dit surface de contrôle. Et ce dont nous parlons vraiment ici, c'est une surface de contrôle. Ceux-ci ne sont généralement pas sous la forme d'un clavier, bien qu'ils puissent l'être. Et un clavier peut être utilisé comme surface de contrôle. Mais ce qu'ils sont, c'est qu'ils nous donnent le contrôle d'une grande partie du programme. Donc, ce particulier a besoin à la fois d'entrée et de sortie. Donc, la sortie est du contrôleur à vivre. C'est ce dont j'ai besoin. L' entrée est de live au contrôleur afin que mon contrôleur sache ce que fait live. C' est comme ça que je peux mapper automatiquement les choses et avoir en direct réellement mettre à jour le contrôleur à I. Hey, maintenant vous verrez aussi venir sous les périphériques MIDI ici. Et je veux que la télécommande et la piste soient sélectionnées. Vous le verrez à nouveau ici en tant que périphérique de sortie. Il n'a besoin que d'une télécommande parce que je n'entre pas de notes midi. Donc, essentiellement, si vous voulez utiliser quelque chose comme surface de contrôle, vous voulez qu'il apparaisse ici. D' accord ? Il y a tout un tas de choses intégrées. Vous devrez peut-être installer des pilotes pour votre surface de contrôle si vous utilisez quelque chose de différent. Mais ça arrivera. Maintenant, même si elle ne vient pas ici, si elle n'apparaît que comme un périphérique MIDI, vous pouvez toujours l'utiliser comme un contrôleur MIDI. On va juste avoir besoin de faire des mappings. Alors passons à la façon de configurer ces mappings maintenant. 9. Mappage MIDI: Ok, donc la clé pour configurer des mappings, que vous utilisiez un périphérique Midi, c'est ce bouton Midi ici. Vous pouvez également l'obtenir avec la commande M si vous le souhaitez. Donc je vais cliquer sur Midea et puis tout ce qui est bleu, je peux mapper à n'importe quel truc Midi que j'ai. Ok, donc je suis toujours assis devant mon APC 40, alors jouons avec ça. Peut-être que je veux faire quelque chose de différent avec mon APC 40. Et si je veux que mon bouton de fondu croisé contrôle mon mélange sec et humide de ce rack. Je vais cliquer dessus une fois. Ok, et puis je vais juste déplacer cette chose que je veux la cartographier à K et juste bouger cette chose et maintenant elle est attachée à elle. C' est tout ce que j'ai à faire. Sortez du mode de mappage midi fait. Et maintenant mon fondu croisé est réglé sur ce rack sec humide. C' est en fait une chose courante que vous verrez les gens faire est de mettre tous leurs effets sur le bouton de fondu enchaîné d'un contrôleur pour qu'ils aient, ils sont un signal sec tout le chemin par ici et ils sont un signal humide tout le chemin par ici. Et pendant qu'ils se produisent, ils le gardent au sec. Et puis s'ils veulent faire quelque chose comme ce grand Fade to Grey, ils ont juste un groupe et ensuite le casser pour s'en débarrasser. Donc, je pourrais faire plus de mappings midi. Disons que je voulais cartographier. Qu' est-ce que je n'utilise pas d'autre ? Revenons en mode carte midi, et nous allons mapper mon taux LFO à ce bouton. Ok, donc j'ai cliqué dessus et maintenant je vais juste le bouger ici. Et maintenant, je l'ai eu. Vous pouvez voir une petite affectation est venue là-bas et sortir du mode de mappage midi. Et ça prend le relais. Donc maintenant ce bouton est maintenant mon taux pour mon LFO. D' accord ? Et vos mappages vont rester avec votre session. Ok, donc si je sauvegarde cette session, maintenant, ma charge la remonte à nouveau. Ça va revenir tout de suite. Ça ne va pas être reporté à une autre session. Sauf si j'utilise un modèle. Je pourrais enregistrer ceci comme un modèle ici. Et puis la cartographie, on s'en tiendra. Mais si je viens de sauvegarder ma session et puis rouvrir ma session, tous mes mappings viendront avec elle. 10. L'interface Ableton Push Interface: Ok, alors parlons de l'Ableton Push au contrôleur. Donc j'ai ici à Ableton Push aussi. Et la chose la plus importante que vous remarquerez à propos de la poussée, c'est qu'elle sait beaucoup de choses sur ce qu'Ableton fait. L' idée derrière le push to controller est que vous pouvez écrire une piste entière sans jamais regarder votre écran. Vous devez être connecté pour pouvoir dans un ordinateur pour utiliser le push deux. Parce qu'il n'y a pas vraiment de vie dedans. Il a besoin de parler pour vivre, mais il sait à peu près tout ce qui se passe. Voici mon genre de roche de boutons. Je peux les ajuster et vous pouvez le voir s'ajuster automatiquement à l'écran. Ceci est fait par Ableton, donc il est intégré à tous les niveaux. Je peux aller à la piste, je peux aller à mes envois. Voici mon égaliseur. Il y a de très beaux graphismes intégrés dedans. Donc, je peux vraiment prendre le contrôle des choses. Et il a la grille. Maintenant, cette grille n'est pas tellement conçue pour lancer des clips. Il est en fait conçu pour être plus un clavier. Si je tire un instrument ici, je jette de l'analogique vers le haut, et vous verrez qu'il se met à jour tout de suite. Alors maintenant, j'ai tout ce dont j'ai besoin pour jouer de la musique. Et dans ce cas, la façon dont il est mis en place, c'est qu'il est en do majeur. Ces différents nœuds colorés sont mes Cs. Je peux mettre en file d'attente n'importe quelle échelle ou quoi que ce soit comme ça et le faire pour que je puisse jouer totalement chromatique si je veux. Je pourrais ajuster tous les paramètres du synthé ici. Si je peux, si je navigue à travers, changeons ça pour être une vague rectangle. Maintenant, je dis que ce n'est pas conçu pour être un outil de lancement de grille de fente de clip, mais il a évidemment un mode où vous pouvez le faire. Ainsi, les gens l'utilisent comme contrôleur de performance où vous pouvez passer en mode lancement de clip. Et vous pouvez faire toutes sortes de choses amusantes comme ce bouton Quantifier peut être vraiment amusant et vous donner des effets vraiment cool. Mais avant tout, nous considérons cela comme un outil de composition. Il est mort vous qui dit, c'est un super super contrôleur et si vous avez l'argent supplémentaire, je vous recommande fortement d'en obtenir un. Ma chose préférée à ce sujet en fait n'est pas l'élément de performance de celui-ci, mais la façon dont c'est fondamentalement juste un clavier midi disposé d'une manière vraiment bizarre. Ça m'aide à trouver de nouvelles idées, non ? Comme quand je pose la main sur un piano, je vais faire quelque chose parce que je sais jouer un peu du piano. Mais ici, c'est tellement différent que je pourrais trouver quelque chose de différent juste au fait, les choses que ça fait faire mon cerveau, c'est juste différent. Alors j'ai des idées différentes, non ? Parce que c'est un instrument différent. Donc c'est un peu amusant pour ça. Mais ce n'est pas mon outil de performance préféré. 11. Wavetable et Echo sur le push: La seule chose que je devrais dire que la poussée a que rien d'autre n'a, est une interface absolument belle pour certains des appareils Live, en particulier, la table des vagues et l'écho. Si je charge un périphérique wavetable ici, laissez-moi le charger. Nous voyons essentiellement l'interface du câble d'onde entière. Laisse-moi prendre quelque chose un peu plus tôt. On y va. Et maintenant, nous pouvons le voir fonctionner. Et c'est vraiment amusant de jouer avec l'effet d'écho. Avec le tunnel d'écho est également vraiment amusant. Donc c'est vraiment une belle manette. Je voulais juste le souligner. 12. Quelles sont les actions de suivre: Ok, Maintenant, maintenant, parlons des actions de suivi. Maintenant. Suivre les actions sont en quelque sorte cachées partout en direct 11. Ils étaient en quelque sorte dans les versions précédentes de live. Ils ont vraiment été trouvés que pour la plupart dans la grille de fente de clip. Mais l'une des fonctionnalités cool sur live 11 est que vous pouvez trouver suivre des actions et beaucoup d'endroits différents maintenant. Donc, afin de les apprendre, passons à la vue de session et un peu les apprendre de façon classique comment ils ont été utilisés. Voilà ce que je vais faire. Je vais prendre ce clip avec lequel on a travaillé. Je vais en ajouter un autre, qui est cette partie plus tard de la même équipe. Ok, donc je vais prendre ces deux clips. Je vais prendre celui-là et celui-là. Oups. Sélectionnez-les tous les deux. Et je vais cliquer et maintenir enfoncé comme si je vais les déplacer quelque part et je vais appuyer sur la touche Tab, l' emmener vers la vue Session et les déposer juste là. Maintenant, vous remarquerez ce grand carré rouge. On n'avait pas ça avant. Ou je suppose que c'est un rectangle. Ce que c'est que ça me dit que Live voit mon Ableton Push. Et c'est ce qui apparaît sur mon écran poussoir. Donc, vous n'avez probablement pas un grand rectangle rouge à moins que vous n'ayez une poussée. Donc, si je mets mon push dans le mode qui me permet de lancer des clips, c'est ce que je vais pouvoir voir sur mon écran, est-ce que toute cette année, n'est-ce pas ? Si j'ai plus de clips, je ne pourrai pas tous les voir. Donc ce rectangle rouge me montre ce qui est au centre. Et je peux faire défiler et faire défiler vers le haut. L' APC 40 fait la même chose, bien que je pense que c'est une boîte verte. Tu te souviens ? Donc le truc rouge me montre ce que je vois. Je vais éteindre ça en débranchant ma poussée juste pour que ce ne soit pas déroutant pour ceux d'entre vous qui ne le voient pas. D' accord ? Et maintenant ça disparaît parce que je ne vais pas utiliser mon pinceau pour le moment. Ok, donc ce que j'ai ici, c'est ce clip. Et mettons en place une boucle ici. Zoomez un peu pour définir cela pour être à droite sur ce one-to-many. D'accord ? Donc maintenant j'ai cette boucle en marche, et maintenant je n'ai pas vraiment besoin de mettre en place une boucle pour l'autre. Nous allons juste lancer et ça va jouer jusqu'à la fin. Alors. Ce que nous pouvons faire ici avec des actions de suivi, c'est que nous pouvons dire, je vais laisser cette boucle pendant un certain temps. Et puis, à un moment donné, quelque chose va se produire automatiquement. D' accord ? Donc, pour arriver à nos actions de suivi, nous devons frapper ce petit triangle ici. Maintenant, dans les anciennes versions des actions de suivi en direct vient d' apparaître à travers un petit bouton ici, mais maintenant ils sont dans ce petit triangle. Ok, donc on va frapper ce triangle. Maintenant, nous voyons nos actions de suivi. D' accord ? Donc je vais activer suivre l'action et j' ai un autre de ces petits menus déroulants doubles. Celui-ci fonctionne un peu différent des autres doubles listes déroulantes que nous avons vues auparavant. Ce que celui-ci fait, c'est que cela dit, quel pourcentage du temps cela va-t-il se produire ? Et quel pourcentage du temps cela va-t-il se produire ? D' accord. Ceci est présenté un peu différemment de ce qu'il était auparavant si vous regardez une ancienne version de live, c'est un peu différent de workflow, mais c'est le même concept. Donc nous pourrions dire 100% du temps jouer le prochain clip comme ce que cela dit. Ok, donc ça veut dire qu'à la fin de cette boucle, il va passer à autre chose et jouer le clip suivant. Faisons-le. Vous pouvez voir celui-ci déjà réchauffé. Donc, il a automatiquement continué. Je pourrais dire 100 % du temps. Arrête. Joue-le à nouveau. Donc, bouclez-le efficacement. Lire le clip précédent. Alors montez un, jouez le clip suivant, jouez le premier clip sur cette piste, jouez le dernier clip sur cette piste, la plaque. Aucun clip ? Jouer autre qui serait n'importe quel clip sauf celui qui est en train de jouer ou de sauter. Je ne sais pas vraiment ce qui a sauté. C' est un nouveau. Et je suppose que ça veut dire sauté à un endroit aléatoire. Donc, ces deux sont des fonctions aléatoires et c'est une troisième fonction, la fonction aléatoire. J' ai déjà expérimenté avec ce saut. Donc je n'ai que deux clips, donc je ne peux pas faire grand-chose avec une randomisation, non ? Mais disons le prochain clip, qui sera ce genre de section de frein. Et changeons 100 pour cent à 50 pour cent. Donc 50 pour cent du temps, il va sauter à la pause. En fait, c'est même le rendre plus petit. Faisons 25 ou environ, d'accord. Chaque fois qu'il va jouer à nouveau. Ok, donc maintenant 75 % du temps que la boucle va aller, elle va à nouveau boucler. Mais 25 pour cent du temps, il va décider au hasard de sauter à la pause. Essayons. Je peux dire ce que c'est. Le RD est décidé pour son prochain mouvement en fonction de ce qui clignote. Droit ? Il va toujours rester là. Je décide toujours de rester là. Restez toujours là-dedans. C' est ce que vous obtenez avec des trucs aléatoires. Restez toujours à l'intérieur. Ça va faire une vieille zone de démonstration très ennuyeuse. Ok, donc maintenant il y a la prochaine section en file d'attente et il va sauter là. Ok, donc ce que j'ai fait, c'était une sorte d'automatiser ce qui va se passer après cette boucle. D'accord ? Maintenant, et si je voulais dire boucle ça quatre fois et continuer ? Je ferais il est que je dirais jouer le prochain clip 100% du temps après quatre passes à travers la boucle. Ok, donc maintenant il va jouer à travers cette boucle quatre fois et passer à la suivante. Donc plus de randomisation ici. Ça va être solide. Il va jouer la boucle quatre fois. Vous pouvez voir que cela est déjà mis en file d'attente. Il y en a 23. Et là, c'est loin. Alors maintenant, il va passer au prochain but. Donc, si vous ne voulez pas utiliser la randomisation dans votre performance est, ou même la composition. Il y a en fait un truc de composition cool que tu peux faire avec ça, que je te montrerai dans une minute. C' est une bonne façon de dire simplement quand j'ai lancé ce clip, attendez 16 fois à travers le clip, puis passez à la section suivante. Ça peut vous forcer à aller de l'avant. Donc, suivez les actions peut être vraiment amusant de donner à votre performance à la fois une certaine prévisibilité et aussi un peu de hasard. 13. Mode Legato: Avant de vous montrer mon truc de composition, je dois parler du mode Legato. Ok, donc c'est ce bouton ici. K. Donc, la façon dont les actions suivent fonctionnent maintenant, jusqu'à présent, ce que nous avons vu jusqu'à présent, c'est qu'une action de suivi est appelée à la fin d'un clip, mais cela n'a pas besoin d'être ainsi. Tu peux l'appeler comme tu veux. Donc, si nous disons non lié, ce ne sera pas le nombre de fois à travers la piste, ce sera le nombre de battements. Donc ici, nous avons des barres, des battements et des notes de 16e, non ? Disons que toutes les deux barres, d'accord, maintenant cette boucle est longue de quatre barres. Ok, donc on va couper en deux ici. Toutes les deux barres déclenchent une action de suivi est ce que je dis maintenant. Ok, donc tout le reste fonctionne encore. On peut dire, jouer le suivant, tous les bars juifs. Maintenant, si j'ai dit six barres ici, ça va jouer à travers la boucle deux fois, 2,5 fois ou 1,5 fois en fait. Donc disons deux barres. Et puis ici pour le lancement, Disons Legato. Maintenant ce que ça veut dire, c'est que ça va, nous allons être à mi-chemin de notre boucle ici, non ? On va être deux bars. Donc quand ça ira au prochain clip, ça va commencer les deux barres, ok ? En d'autres termes, il va reprendre le nouveau clip là où le premier clip s'est arrêté. Alors pensons à une utilisation pratique pour cela. Ce n'est pas vraiment un, mais l'un serait que vous auriez des boucles de batterie, n'est-ce pas ? Et vous dites chaque battement, choisissez aléatoirement d'aller à l'autre boucle de batterie ou non. Donc, si vous êtes en battant un dans la première boucle de batterie sur B2, vous dites aller à une autre boucle de batterie et c'est le cas. Vous voulez qu'il commence sur le battement 2, pas sauter en arrière pour être un. Si vous en aviez battu un, alors vous allez juste ici B1, tout un tas de gros, non ? Si vous vouliez aller à B2, et la prochaine fois que vous vouliez aller battre trois, non ? Donc c'est toujours en mouvement, mais en gardant le flux à droite. C' est en fait le truc exact de la composition que je veux te montrer. Alors allons à une nouvelle vidéo et faisons-le. 14. Configurer des actions de suivi: Ok, c'est une sorte de piste stupide, mais ça génère parfois un rythme vraiment cool. Ok, donc je vais juste jeter tout un tas de boucles de batterie dans une piste audio fraîche. Appelons. C'est cool. C' est cool. Allons-y. Bien sûr. Un de plus. Bien sûr. Soyez bizarre. Ok, donc maintenant ce que je vais faire, c'est que je vais sélectionner tout ça. D' accord ? J' ai donc cliqué dessus pour les sélectionner tous. Et maintenant, je vais aller aux actions suivantes et l'allumer. Et cela va s'appliquer à tous. Donc ce que je vais dire, c'est que 100 % du temps va dans un autre, saute autour. Et on dit « non lié ». Et on va le faire à chaque battement. Cool, facile. Maintenant. Et on va dire le mode Legato. Ok, donc ça veut dire à chaque battement, ça va aller à une autre boucle de batterie. Et il va reprendre là où le précédent s'était arrêté. Donc ça va passer de B1 à B2 à B3 pour être exactement comme on voudrait une boucle de batterie à faire. Mais ça va basculer autour de laquelle. Donc, pour nous donner le coup d'envoi, je dois commencer par l'un d'eux et ensuite ça va commencer à voler. D' accord. Donc, en ce moment, il est toujours lancé par le bar. Et je, oh, je vois pourquoi ? Parce que cela a changé de, cela est revenu à un battement. Donc j'ai besoin que ça soit 0, 1, 0. Essayons ça. On y va. Ok, cool. Faisons encore plus bizarre avec ça. Et dites chaque huitième note, qui sera 2 16 notes. Oups, je n'ai pas réglé ça pour tous. Donc je vais dire 002 16e notes. Les or deviennent encore plus bizarres. Allons tous les 16 notes, passons à un autre fichier. Donc vous pouvez vous amuser beaucoup. Nous suivons les actions. J'aime bien. 15. Rebondissement des tiges: Ok, parlons de mettre en place une session pour la performance. En d'autres termes, pour DJ une piste, comment allons-nous mettre les choses en place ? Donc je vais revenir à ce que nous avons fait dans la section précédente. Ok, disons qu'on voulait utiliser ça comme une performance live. On voulait un DJ dans un set. Donc la première chose que je vais faire est de rebondir sur les tiges. Ainsi, le terme « tige » peut signifier quelques choses différentes selon la personne à qui vous parlez. Cela pourrait signifier chaque piste individuelle ou cela pourrait signifier les groupes de pistes. Donc, pour mes besoins ici, je vais le traiter comme des groupes de pistes. Je ne veux pas la possibilité de lancer chacune de ces pistes. Je veux en quelque sorte le réduire aux éléments que je vais vouloir contrôler de façon indépendante. Donc, avant de faire quoi que ce soit, je vais juste les combiner en boucles simples pour que tout reste synchronisé. Donc comme voir comment celui-ci est plus court et c'est en fait deux clips. Ce que je vais faire ici, c'est juste sélectionner tout ça et appuyer sur Command J. Ça va le combiner en un seul clip. Ok, assez facile. Même chose avec celui-là. Je vais juste faire en sorte que ce soit tout le long. Vous pouvez ou non avoir besoin de le faire en fonction de la façon dont vous rebondissez les choses. Mais c'est juste une sorte d'habitude dans laquelle j'ai pris. Donc je vais sélectionner tout ça et appuyer sur Command J. Il va le convertir en un clip qui est toute la longueur. Donc maintenant, si je boucle chacun de ces clips, ils vont être exactement raison. Maintenant. Allons tout équilibrer. Donc je sais que je vais vouloir que cette voix soit sa propre chose. Ok, donc je vais juste le solo et l'exporter. Je vais donc aller à Exportation de fichiers. J' ai déjà quelque chose sélectionné, donc je sais que mon temps de début et de durée est correct. Maintenant, lorsque vous êtes dans cette fenêtre, vous pouvez exporter toutes les pistes individuelles. Cela va vous donner un fichier audio pour chaque piste que nous avons ici. Et cela peut fonctionner pour certaines tiges. Mais parce que je vais regrouper un tas de choses ensemble, je ne vais pas le faire comme ça. Donc j'ai juste celle-là en solo, donc tout est là. Ok, et allons-y. Appelons ça Vox. Et on va rebondir. La prochaine chose que je vais vouloir, c'est ces tambours seuls. Droit ? Si je fais ça en solo, je n'aurai pas ce retard là-dedans. Alors, nous allons en solo ce retard aussi. Ajouter cet eco ajoutera cela retardé lorsque nous configurons cela dans la vue de session. Pour l'instant, il suffit de le solo tel quel et de le cracher. Donc Export Audio maître, mais il est en solo, disons batterie. Ok, ensuite, voyons ce qu'il y a là, ce que c'est. Ok, ce truc cliqueux, des trucs bizarres. Donc les trucs de piano, trucs de clics, les trucs de clics et les trucs de clics. Ok, alors mettons-nous toutes nos affaires cliquantes ensemble. Ça marche. Alors exportons ceci. Et appelons ça clicky. Et j'essaie vraiment de regrouper les choses autant que possible. Alors maintenant je vais prendre toutce tout qui fonctionne. Et comment on appelle ça ? C' est comme l'ambiance de la piste, alors appelons-ça l'ambiance. Ok, donc maintenant j'ai toutes mes racines de cette piste. Si je prends toutes ces choses, j'ai juste rebondi sur ces quatre pistes que je viens de rebondir, les charger dans Eclipse et les jouer tous en même temps. Je vais avoir ça. Alors faisons ça. 16. Charger des tiges dans un nouveau set: Ok, donc maintenant je suis dans la même session, mais je viens de passer à Session View. Je pourrais aller à une toute nouvelle session ici, mais je veux garder mes effets, donc je vais rester dans la même session et les charger dans la grille de fente de clip. Ok, donc je vais prendre tout ça dans mon Finder. Donc il y en a tous les quatre. Et je vais les mettre en place. Maintenant. Avant de lâcher prise, vous remarquerez que si vous tenez plusieurs fichiers et que vous les déposez dans la grille de fente de clip, ils vont apparaître sur la même piste. Si vous continuez à conserver ces fichiers. Donc, j'ai cliqué et glissé et je n'ai pas encore lâché ce clic. Si j'appuie sur la touche de commande, il ne va pas les mettre, tous les quatre dans la même piste, mais les distribuer entre les pistes suivantes. Donc, si j'appuie sur la commande, vous les voyez passer dans différentes pistes. Alors faisons ça. Alors maintenant, je vais lâcher prise. Ok, donc maintenant j'ai mes quatre choses. Ok, donc si j'éteins mon solo ici et que j'ai lancé toute cette scène, une chose à retenir est que je ne vais pas les déposer dans les mêmes pistes qu'elles étaient avant, non ? Parce qu'ils étaient sur toutes ces pistes par ici. Et maintenant, j'utilise juste les trois premières pistes. Je vais donc devoir reconfigurer un peu ma table de mixage. Et cela signifie aussi que je ne vais pas vouloir revenir en mode Session avec cette piste. Donc, dans la plupart des cas, pensez qu'il vaut mieux juste utiliser une nouvelle session Ableton pour cela que d'essayer d'utiliser la même chose, parce que nous allons probablement combiner tout un tas de pistes. Tu sais, une fois que tu as mis en place une performance entière. Mais pour l'instant, retirons quelques choses en arrière et ajustons un peu notre mélange. Ok, assez bien. Donc maintenant, nous avons tout mis en place, prêt à partir. Maintenant, construisons quelques scènes. 17. Mettre en place des scènes: Ok, donc maintenant je suis prêt à effectuer ça efficacement. Je peux les lancer comme je veux. Je peux descendre ici et les arrêter tous et dire, nous allons juste lancer l'ambiance. Fais ça aller un peu. tirant cette voix, peut-être fait tomber la batterie. Droit ? Mais je peux le faire. Et il est parfois sage de mettre en place des scènes en fonction de la complexité de votre truc avec ces quatre clips. On n'a pas besoin de le faire. Faisons-le quand même. Rappelez-vous donc que les scènes sont la rangée horizontale de clips. Et on peut lancer une scène d'ici. Fondamentalement, ce qu'il va faire est de nous laisser mettre en place une sorte de combinaisons en avancé. Donc disons que je vais vouloir commencer avec cette ambiance comme je l'ai fait. Donc je vais les laisser vides. Donc quand j'ai lancé la deuxième scène, je veux être sûr que l'ambiance continue, donc je vais copier ça là-bas. Ok, et la deuxième chose que je vais faire est de le faire entrer. Juste le chant. Et puis la troisième chose sera juste la batterie et ensuite tout. Et je veux m'assurer que la voix continue et peut-être que je vais tirer le chant ici. Ok, alors maintenant quand j'ai lancé ma première scène, je vais juste avoir de l'ambiance. Oups, je lance ma deuxième scène. Je vais avoir une ambiance et le chant. Quand j'ai lancé ma troisième scène, j'aurai de la batterie d'ambiance et du chant. Quand j'ai lancé mon prévu, je vais obtenir de l'ambiance cliquante trucs à la batterie. Maintenant, si tu veux devenir fantaisie, on n'a pas vraiment eu à reproduire notre ambiance jusqu'ici. Je pourrais m'en débarrasser et enlever ce petit arrêt ici, non ? Parce que je ne veux pas laisser ça vide parce que quand j'ai lancé cette scène, ce qu'il va dire c'est jouer du chant, arrêter quoi que ce soit sur cette piste parce qu'il va appuyer sur ce bouton d'arrêt. Arrêtez quoi que ce soit sur cette piste et arrêtez quoi que ce soit sur cette piste, non ? Donc je ne veux pas appuyer sur ce bouton d'arrêt. Donc, une façon de le faire est juste de le copier vers le bas. Donc, oups, pour qu'il frappe à nouveau ce bouton de lecture, n'est-ce pas ? Mais une autre façon serait de cliquer ici et d'appuyer sur Commande E. Cela enlève le bouton Arrêter. Alors maintenant celui-ci va continuer à jouer quand j'ai lancé cette scène. Alors peut-être que je me débarrasse de ça tout le long. Ça pourrait faire la même chose avec cette batterie. Cachez ça. Avec cette focale, cache ça. Maintenant, je vais obtenir la même chose. Peu importe la façon dont vous le faites. Ça dépend juste de la propreté et de ce que vous aimez voir. Pour moi. C'est un peu plus facile de voir ce qui se passe. Si je duplique le clip, n'économise pas vraiment de mémoire ou quoi que ce soit comme ça. Mais de toute façon fonctionne. Si vous avez une session énorme, vous pouvez simplement cacher certains des boutons d'arrêt. Ou si j'avais comme cette ambiance va jouer juste pour toujours. Je pourrais juste me débarrasser de tous ces boutons Stop et ensuite savoir que celui-ci va durer pour toujours. Vous pouvez le faire de cette façon. C'est très bien. Bon, maintenant on a des scènes. Renommons ces scènes. Alors je vais aller au Commandement R. Je vais appeler cette intro. Appelons ça Vox Enter. Appelons cette batterie entrer, et appelons ça principal. Ce sera donc notre groupe principal. D'accord ? On vient de découvrir un petit problème ici, non ? Si je clique simplement sur principal, je ne vais pas lancer mon ambiance à moins que ça ne se passe déjà. C' est donc un avantage de le mettre partout. Maintenant, si je clique juste sur Nom, nous allons tout entendre. D' accord ? Et maintenant, je peux sauter, non ? Je peux revenir à l'ambiance. C' est cool. Va ici. Et si je le sens, je peux encore lancer des trucs en cliquant dessus. Par des trucs de clics. Je peux le faire. Donc tu peux aller entre les deux. Ça n'a pas vraiment d'importance. Mais mettre en place des scènes est un excellent moyen d'organiser un peu vos pensées. Mais il vous donne encore de la place pour vraiment improvisé en lançant des clips quand vous le souhaitez. 18. Créer des scènes de remix et de transition: Maintenant, beaucoup de fois, ce que nous faisons quand nous essayons de mettre en place une performance DJ c'est que nous allons avoir une session qui a toute notre performance dessus. Tu ne vas pas jouer celui-là et fermer en direct que d'ouvrir une piste différente, non ? Vous allez mettre toutes vos tiges et tout ce dont vous avez besoin pour chaque morceau en une seule séance de performance live. Disons qu'on a une autre chanson ici. Ok, donc ce sont des chansons différentes. Faisons même ça et fais ça, et bien sûr. Ok, donc on a deux airs différents. J' ai donc laissé un peu d'espace entre deux d'entre eux. Ça peut être bien. Parfois, juste laisser de l'espace est pratique. Mais cet espace pourrait aussi être utile. Vous pourriez décider de créer quelques clips qui vous aideront à faire la transition entre les deux chansons, n'est-ce pas ? Par exemple, peut-être utilisons-nous cette chose cliquante ou non. Utilisons les tambours. Utilisons les tambours pour passer par là. Je vais renommer cette transition de batterie. Je ne vais pas t'inquiéter de l'orthographe en ce moment. Et peut-être que je vais faire quelque chose à ce clip de batterie. Peut-être que je vais, je ne sais pas, le transposer un peu comme je ne sais rien. Maintenant, je suis dans notre groupe principal. Je peux utiliser cela comme un moyen de commencer à nous pousser dans ce prochain groupe, peu importe ce qu'il faudra pour nous faire entrer dans ce prochain groupe. C' est peut-être un réglage du tempo, peut-être un réglage de la hauteur. Peut-être que c'est juste cet énorme effet Fade to Grey, non ? Juste pour laver les choses une minute et laisser tomber dans la nouvelle piste. Alors donnez-vous un peu d'espace entre les pistes, puis faites quelques clips de transition qui vous aideront à obtenir entre les deux pistes. 19. Ajouter d'autres éléments: Une autre chose populaire à faire est d'ajouter des éléments à votre ensemble que vous pouvez jouer en direct. Vous avez probablement une sorte de contrôleur, comme nous en avons parlé, que ce soit une poussée vers ou même un APC 40. Tu peux le faire. Ou juste n'importe quel type de clavier midi ou quoi que ce soit. Ajoutez quelques éléments que vous pouvez jouer en direct. Donc, par exemple, jetons un kit de batterie. Donc je vais y aller, je vais faire une nouvelle piste Midi ici et lancer un kit de batterie dessus. Et on laissera ça juste là. Cela fait en sorte qu'avec ma manette, mon clavier ou tout ce que je veux, je puisse vivre. Jetez des tambours si je veux. C' est ainsi que vous voyez souvent des artistes comme jouer. Et puis ils ont comme des baguettes et ils frappent un bloc. C' est exactement comme ça qu'ils l'ont mis en place. Ils ont des kits de batterie en file d'attente, prêts à partir. Maintenant, ils peuvent avoir un kit de batterie différent en file d'attente pour chaque piste. Et nous allons parler de la façon de mettre ça en place dans une seconde. Mais vous pourriez juste jouer votre 2e et ensuite vous voulez juste jeter, jeter dans un coup de caisse claire. Je sais que c'est éteint et je n'ai pas de rythme, mais c'est à cause du retard et du logiciel d'enregistrement d'écran. Crois-moi. J'ai du rythme. C'était sur le rythme. Donc jeter dans certains éléments, n'a pas besoin d'être batterie peut aussi juste des touches, peut être, vous savez, votre guitare midi, tout ce que vous savez comment jouer et vous êtes à l'aise avec, donnez-vous la possibilité de le ramasser et jouer quelques notes sur cette chanson. Parlons donc de la façon dont vous pouvez configurer différents sons pour chaque chanson à l'aide d'un rack d'instruments. 20. Utiliser des automatisations de sélection de chaîne: Disons que sur 12, sur cette première mélodie, je veux jouer de la batterie et dans la deuxième équipe, et je veux jouer du piano, tous avec le même clavier. Hey, en fait, c'est assez facile. Nous n'avons pas besoin de faire une piste séparée puis de passer entre eux en direct. Ce qu'on va faire c'est qu'on va prendre ça, on va prendre notre batterie et on va le mettre en groupe pour qu' on ait un rack d'effets d'instrument. Donc c'était le Commandement G. a mis dans un rack. Maintenant, vous remarquerez que c'est déjà interagir, qui est déjà en Irak, mais maintenant c'est aussi en Irak. Donc ici, nous allons renommer cette chaîne comme piste 1. Et nous allons ajouter une nouvelle chaîne en cliquant simplement sur quelque part. Et nous allons renommer cette piste 2. Maintenant, nous allons ajouter notre piano. Et allons aux instruments. Donnez-moi quelque chose qui ressemble à un support de piano, piano et des clés. Il y a un piano. Jette ça là-bas sur la voie 2. Bon, maintenant on a un piano. Alors comment on passe d'un coup à l'autre ? On pourrait le faire de différentes façons. Comme nous l'avons vu quand nous avons joué avec les Racks d'instruments. On pourrait le faire par différentes gammes de clés. Donc quand c'est dans le bas, on a de la batterie, mais quand c'est au-dessus des trucs bas, on a le piano. C' est comme ça que tu le ferais juste là. Cela limite les notes que vous pouvez jouer au piano. Donc je n'aime pas ça. Nous pourrions le faire avec vélocité pour que lorsque nous jouons tranquillement, nous obtenions de la batterie ou fort nous obtenions du piano. Probablement plus pratique serait le contraire de cela. Mais ça a l'air super dangereux, non ? Parce que nous allons être dans une performance, nous allons jouer autour, nous allons devenir fous. Je dois me rappeler d'ajuster à quel point je joue des notes. Et ce n'est pas une très bonne façon de le faire. Alors ne faisons pas ça. On pourrait utiliser l'électeur de Jane et dire, on va juste dédier un bouton à ça. Ok, donc on va trouver un bouton. Et nous allons dire que quand tout sera fait, puisque nous n'avons besoin que de deux états ici, ce que je ferais probablement c'est que, alors quand c'est, le bouton est en bas, ce sera des tambours. Et quand tout sera en haut, ce sera du piano. De cette façon, on peut juste prendre ce bouton, écraser jusqu'au bout. Ça va être de la batterie, écraser tout le chemin. Ça va être du piano. Et pourrait même vous donner un peu d' une gamme afin que vous n'ayez pas à vous soucier de frapper le sommet absolu. Peut-être quelque chose comme ça. Mais maintenant tu vas passer entre les deux. Donc on va jouer de la batterie ici. Je vais prendre ce bouton, casser jusqu'au sommet. Et maintenant, je joue du piano. Vous pouvez ajouter autant de chaînes que vous le souhaitez. Continuez simplement. Et puis il suffit d'ajouter plus de zones ici. Pour les autres chaînes. Après avoir ajouté beaucoup d'entre eux, il sera difficile de garder une trace de. Et vous pouvez passer à l'utilisation d'un bouton pour cela, sorte que vous pouvez appuyer sur un bouton et qu'il saute à une certaine valeur. Vous pouvez le faire en mappant ceci à une macro. Et puis aller dans vos paramètres de carte. Et faire une mini-carte à partir de vos boutons pour déclencher certaines valeurs de votre sélecteur de chaîne. Donc je vois les gens faire ça où ils ont mis en place, vous savez, dix pistes Midi différentes ici. Et puis ils changent celui qui est armé pour qu'ils puissent y jouer. C' est une façon vraiment inefficace de le faire. Un rack d'instruments où vous avez une piste qui contient tous ces supports d'instruments. Et vous pouvez composer celui que vous voulez jouer. Un moyen beaucoup plus efficace de le faire. 21. Mappages et régulateurs pour réaliser des performances: Ok, dans cette section, j'ai rassemblé juste une poignée de conseils aléatoires pour organiser une séance de performance en live 11. Donc, la première chose que nous devons plonger dans ce sont les mappings clés et midi. Nous en avons parlé un peu ici et là, mais il est plus important maintenant, quand nous parlons de mettre en place une session de performance pour DJ. Donc la clé à retenir est que nous avons ces deux boutons ici, clé en midi. La cartographie des clés va vous permettre de cartographier n'importe quoi sur ce sujet. D' accord ? Le mappage Midi va vous permettre de connecter plus ou moins tout autre type de contrôle ou que vous avez connecté à votre ordinateur. Donc, avec le mappage de touches, si j'appuie dessus, n'importe quoi, orange peut maintenant être mappé à une clé. D' accord ? Maintenant, il y a une chose importante que vous devez considérer ici. Disons que je veux juste lancer ce clip chaque fois que j'appuie sur le bouton a. Ok, là j'ai appuyé. Donc tout ce que j'ai à faire est de cliquer sur la chose que je veux cartographier , puis de cliquer sur ou d'appuyer sur la chose que je veux mapper. Donc j'ai juste cliqué sur ce clip, c'est une torsion de langue. Et puis j'ai appuyé sur un, et maintenant ces choses sont cartographiées. Alors maintenant, je vais désactiver la cartographie. Maintenant, chaque fois que j'appuie sur un, je vais lancer ce clip, mais ça ne marche pas, non ? Et ici, vous voyez les choses rougissent. Quand les choses deviennent rouges sur vous, cela signifie généralement que quelque chose ne va pas. Que se passe-t-il ici ? La raison pour laquelle le mappage ne fonctionne pas est parce que j'ai ce clavier midi d'ordinateur activé. Cela signifie que mon clavier fonctionne comme un clavier midi, ce qui peut être pratique si vous n'avez pas de clavier sur lequel entrer des notes et des choses comme ça. L' utilisation de votre clavier peut être pratique. Mais si je mappe des notes, maintenant j'ai une clé qui fait plusieurs choses, non ? La lettre a est censée jouer une note midi et lancer ce clip. Donc c'est confus. C' est ce que dit ce rouge clignotant ici. C' est dire que je ne sais pas ce que tu veux que je fasse. Donc, pour que ce mappage midi ou ce mappage de touches fonctionne, je dois éteindre le clavier midi de l'ordinateur. Maintenant, quand j'appuie beaucoup sur ce clip. Donc, le mappage des touches, assurez-vous juste que vous éteignez le clavier midi de l'ordinateur. Si tu veux faire quoi que ce soit, tout peut être cartographié. Notez également que vous obtenez quelques petits contrôles supplémentaires qui viennent. Vous voyez cette rangée de boutons de lecture et cette rangée d'arrêt de lecture, puis quelques touches fléchées ici. Ce sont des choses supplémentaires qui ne se produisent que lorsque nous sommes en mode cartographique, non ? Ils viennent aussi en mode Mapping Midi. D' accord ? Mais ce que cela signifie, c'est que cela signifie jouer le clip actuellement sélectionné. Ok, donc je vais cartographier ça à, je ne sais pas, Q, K. Et puis je vais cartographier cette flèche vers le bas, pas de flèche vers le haut pour être une flèche vers le bas. Ok, je vais désactiver la cartographie des clés. Maintenant, ce que cela signifie est de voir comment cette scène est gris plus clair. Ça veut dire qu'il est sélectionné. Donc avec mes E et R, maintenant, je peux déplacer cette sélection vers le haut ou vers le bas, non ? Et maintenant avec q, je peux lancer celui que nous avons sélectionné sur cette piste. Donc, je pourrais aller ici et dire lancer celui-ci en appuyant sur Q. Si je vais maintenant jusqu'ici. Ok, alors quand est-ce utile ? Je trouve cela plus utile lorsque j'utilise une pédale. Et la façon dont je le fais n'est pas de savoir si cela, donc je vais cliquer sur celui-ci et appuyer sur Supprimer. Ça va se débarrasser de cette cartographie. Mais je vais aller sur la scène, et je vais presser. Je ne sais pas. Q. Ok. Donc maintenant ce que j'ai c'est que je peux monter et descendre, et ensuite lancer toute cette scène. Dès que j'y arriverai et que je peux les déplacer vers un autre, lancer qui semble juste. Alors maintenant, je peux aller vers le haut ou vers le bas et lancer la scène. Donc, si je l'ai fait avec le mappage Midi et que j'avais une pédale, et c'est ainsi que ma configuration de performance fonctionnait. Je consacrerais une pédale de pied pour être debout et une pédale de pied pour être descendue. Et j'allais monter et descendre avec ces pétales de deux pieds et puis une pédale de pied pour être lancé, j'ai utilisé une pédale Beringia fc 1010 pieds. C'est quelque part par ici. Et il en a huit, en fait 10 pétales dessus. Donc trois d'entre eux pourraient être consacrés à monter et descendre, puis à lancer une scène. N' oubliez pas cette petite rangée de choses supplémentaires que vous obtenez lorsque vous êtes en mode cartographique. Le mode Mini mappage fonctionne de la même manière. Il suffit de cliquer sur le truc. Tout ce qui est bleu peut être cartographié. Disons que vous vouliez faire quelque chose d'étrange, comme si vous vouliez allumer ou désactiver le métronome. Lorsque vous déplacez une sorte de curseur ou, ou tout autre type de manette que vous avez qui pourrait le faire. Maintenant, pour que cela fonctionne correctement, assurez-vous que dans vos préférences et Midea, vous avez sélectionné la télécommande sur ce que vous voulez contrôler les choses. Ok, maintenant que j'ai sélectionné à distance, je pourrais aller au métronome et appuyer sur et je vais présenter note. Ok, j'ai appuyé, tu vois. Donc maintenant, chaque fois que je joue la note C, si je désactive le mode MIDI mapping, il va activer mon métronome. Donc, si c'est désactivé, ça va l'éteindre. Donc c'est cool. Donc tout ce qui est bleu, vous pouvez cartographier. Bouclez les points, commencez, arrêtez. Armes, enregistrement. Tempo. C'est comme faire pression sur le tempo. N' importe quoi dans vos plug-ins, n'importe quoi dans votre mixeur, plein de trucs. Tu t'amuserais beaucoup avec ça. 22. Configuration du Crossfader: Une chose qu'on n'a pas encore regardée, c'est que ces petits boutons nous montrent des trucs en plus. Et l'un d'eux est particulièrement important pour nous. Ici. Ce petit x va nous montrer le fondu croisé. Donc, si vous avez déjà vu en DJ jouer, ils portent souvent des écouteurs. En entendant quelque chose dans leur casque, c'est différent de ce qui se passe à la maison, non ? Et ils ont un fader croisé. Nous avons déjà envisagé de mapper le cross-fader sur l'APC 40 à un paramètre différent juste pour le plaisir. Mais comment un cross-fader est normalement utilisé est quelque chose comme ça. Et typiquement sur quelque chose comme l'APC 40 qui a en fait un cross-fader. Ce fader croisé va être mappé à ce fader croisé, qui est comme si les fondus croisés étaient intégrés en live. Vous pouvez cartographier ce que vous voulez. Si vous avez un type de manette qui a un curseur haut, bas ou quelque chose comme ça, vous pouvez le mapper à ce fader croisé. Maintenant ce que cela fait, c'est que vous verrez qu'en plus de ce curseur, nous avons aussi tous ces petits ABS. D' accord ? Donc c'est A et c'est B, non ? Donc, pour chaque piste, nous allons l'assigner à un ou B. Donc disons que celui-ci est A et celui-ci est B. Ce sont des B. Ou vous pouvez dire que ce sont des a. Ce sont tous un et tous mes effets. Ou B, si nous voulions, pourrait le faire de cette façon à tous mes pas tous mes effets nécessairement, mais tous mes bus sont B. Mais gardons ça simple. Disons que ce sont des abeilles et ce sont des a. Donc maintenant ce que vous entendez est un et B. Donc vous pouvez glisser entre eux. Et c'est ce qui va sortir. Votre maître sera un, B ou les deux, ou un mélange d'entre eux. Vous pouvez configurer votre casque, qui est ce volume ici à l'opposé. Vous le feriez dans vos paramètres. Ou plus souvent, vos écouteurs peuvent entendre à la fois a et B. Et puis vous pouvez décider lequel envoyer vers le principal avec ce cross-fader. Donc, croisez les faders totalement mappables et c'est un peu caché. Regardons ce qu'il y a d'autre ici. Aussi, ce retard de piste, je crois est quelque chose de nouveau en direct 11. C' est un, ce n'est pas un effet. C' est un très minuscule délai comme, comme des millisecondes que nous utiliserions pour les problèmes de phasage. Comme, disons, vous avez une piste où cela est tourné tout le chemin à gauche et comme un stylo tout le chemin droit, disons. Et le haut-parleur gauche est juste à côté de vous et le haut-parleur droit est bien loin. Cela peut causer un problème parce que vous avez un câble super long qui se dirige vers le bon haut-parleur. Donc, vous pourriez retarder un peu le haut-parleur gauche, pas beaucoup. Juste pour que cela, le son arrive aux deux haut-parleurs en même temps. Donc, vous ne l'utiliseriez pas comme un effet de retard. C' est comme une compensation pour un système sonore bizarre dans une pièce. Un peu d'accord. Donc je vais éteindre ça. Et puis ici, nous avons un petit compteur de CPU qui nous montre ce que chaque piste fait. Vous pouvez voir ça ici. Cela montre le pourcentage de mon ordinateur est capable d'utiliser. Donc en ce moment capable d'utiliser 4%, je peux obtenir un peu plus d'informations si je vais ici. Mais ici, il est dit ce que chaque piste utilise. Aucun d'entre eux n'utilise beaucoup du tout. Ce local utilise un peu, non ? Quand il joue. Il a beaucoup d'effets sur elle et sur les choses, mais tout le reste ne traverse même pas la plus petite quantité d'utilisation du processeur. Donc je suis en bonne forme. Si vous avez ce cri et que c'est en hausse dans les 60 ou 70 pour cent, alors vous risquez que votre ordinateur se bloque. Donc, si cela se produit, vous voudrez peut-être ouvrir ceci afin que vous puissiez voir quelle piste vous cause le problème et ensuite aplatir cette piste ou quelque chose pour alléger la charge. Mais normalement, je le garde caché. Et je garde le cross fader caché quand je ne fais pas de trucs de DJ. Donc, sachez juste pour ceux-là, en particulier le cross fader. 23. Configurer des effets pour les performances: Ok, un conseil sur les effets dans la performance. Une bonne partie de ce que vous allez faire lorsque vous jouez en direct est de manipuler des effets. Donc, vous ne voulez pas vraiment une situation comme celle-ci où vous avez une tonne d'effets et vous devez faire défiler pour obtenir tout. C' est trop sur l'écran. Vous voulez vraiment simplifier cela. Donc c'est un bon usage pour un rack, ok ? Vous pouvez utiliser ARaC avec une seule chaîne juste pour tirer parti des macros. Par exemple. Prenons tout ça. Donc, je vais commander, je vais déplacer le clic pour sélectionner tous ces trucs. Et puis la commande G va le mettre dans un rack sur une seule chaîne. Cela va sembler exactement le même. D' accord ? On n'a qu'une chaîne. Et c'est ça. Ok, donc nous n'avons pas changé ce qui se passe dans le traitement de l'audio ici. Mais ce que nous avons obtenu en faisant cela, c'est nos macros. Donc avec ça, on peut dire, Ok, de toutes ces choses, qu'est-ce que je veux vraiment voir ? Je veux le Dry Wet de ce cours. Donc, nous allons mapper cela à une macro. Je veux le sec humide de l'AMP. Je veux peut-être définir mon type d'ampli sur une macro, non ? Donc, si je mappe ce type AMP et que je le fais défiler, il va frotter mes différents types d'amplis. C' est cool. Peut-être que je veux faire ça. Par temps sec, cette armoire peut être que je veux pas avoir besoin de cet accordeur, pas besoin de ce pan automatique, peu importe. D' accord. Alors peut-être que ce sont les quatre seules choses dont j'ai besoin. Donc je n'ai pas besoin de regarder cette énorme liste de choses et de faire défiler. Je peux les cacher, cacher les chaînes. Et juste avoir ça. Maintenant, je peux les mapper à certains appareils et je n'ai pas besoin de creuser à travers cette piste du tout. La simplicité est grande. Ok, alors rappelez-vous que vous pouvez les renommer, contrôler en cliquant dessus. Et tu peux dire ce que c'est. Vous pouvez changer la couleur d'eux juste pour les faire apparaître et vous aider à vous souvenir de ce qui est quoi. Et vous pouvez faire des mappings personnalisés ne pas aller jusqu'au sommet ou jusqu'au bas. Tout ce que tu veux. Cela simplifiera tout. Oh, et n'oubliez pas, vous pouvez obtenir plus de macros si vous voulez. Maintenant, grâce à ce bouton plus, vous pouvez obtenir jusqu'à 16 macros ici. Cela peut être très pratique ou vous pouvez les réduire pour le rendre encore plus simple. Maintenant, nous avons juste nos quatre macros dont nous allons avoir besoin ici. Alors mettez les choses sur un rack d'effets juste pour profiter des macros. Tu n'as même pas besoin d'avoir mes chaînes multiples. Tout semble pareil. 24. Modèle de performance DJ: Une autre bonne astuce pour créer une session de performances est de l'enregistrer en tant que modèle. Et nous avons parlé de ce que les modèles étaient au début quand nous regardons le navigateur. Mais disons que nous avons tout mis en place comme nous le voulions. Nos mappages clés sont les mappings Midi sont nos macros de Beck. Nous avons créé le réglage de performance parfait. Donc, ce que nous pouvons faire maintenant est d'aller à Fichier, Enregistrer comme modèle. Et ça arrive ici. Donc on peut dire DJ, set et appuyez sur retour. Ok, et maintenant ça est allé à la bibliothèque des utilisateurs. Mais si nous allons à notre onglet modèles ici, il va arriver. Dj set. C' est là. Maintenant, chaque fois que nous allons en créer un nouveau, nous avons un modèle tout mis en place. chose la plus importante à ce sujet est qu'il enregistre vos mappages midi et clé. n'y a pas moyen de changer globalement. Mappages de clés. En d'autres termes, vous ne pouvez pas enregistrer. Vous ne pouvez pas entrer dans les préférences et créer des mappages de clés personnalisés en direct. Vous ne pouvez pas ajouter d'autres programmes et ce serait cool. Beaucoup de gens l'ont demandé. Mais à ma connaissance, il n'y a aucun moyen de le faire en direct. Mais avec les modèles, vous pouvez fondamentalement, car vos mappages de clés resteront dans le modèle. Donc, si je charge cela et crée quelque chose de nouveau avec elle sur mes mappages de clés vont être là et mes mappings midi aussi. Donc c'est un peu un moyen de contourner ça. Donc, ces modèles sont vraiment super. 25. Plus de choses à vérifier: Ok, la dernière chose que je veux juste dire à propos de la création d'un système de performance live, en utilisant Ableton Live, c'est qu'il n'y a pas de mauvaise façon de le faire et tout le monde le fait différemment. Ok, donc la principale chose que vous voulez faire est de savoir comment tirer parti des compétences avec lesquelles vous êtes à l'aise. Donc, si vous êtes à l'aise de jouer de la guitare, trouvez des moyens qui permettent à vos doigts de bouger de la même manière. Peut-être utiliser une manette de guitare, peut-être utiliser une manette différente qui vous permet d'articuler avec votre main gauche et la ville que vous avez raison ou quelque chose comme ça. Tout le monde le fait différemment. Un bon exemple que je tiens à souligner est ce gars Moldavie. Il est vraiment intéressant et sa configuration live est fascinante parce qu'il aime vraiment les contrôleurs personnalisés. Donc il a cette guitare qui a tous ces boutons supplémentaires dessus. Et il a un engin fou qu'il avait construit, qui n'est qu'un contrôleur de fantaisie. Il y a aussi un tas de boutons dessus. Et il a d'autres choses à me laisser voir si je peux voir quelques boutons de sa guitare. Vous pouvez voir là qui sont comme de vieux boutons de joystick un peu partout sur sa guitare. Il fait des performances vraiment fascinantes. Alors regarde la façon dont il le fait. C' est vraiment avancé, mais je pense que c'est vraiment cool de voir. Alors, quelle que soit votre décision, rappelez-vous que le but ultime est de faire de la bonne musique, n'est-ce pas ? Alors ne vous enlisez pas avec la création de la configuration la plus folle et la plus bizarre. Configuration, toutes vos mappages et tout ce dont vous avez besoin, afin que vous puissiez faire de la musique vraiment géniale avec elle. 26. Présentation de James Patrick: Bon, alors que nous entrons dans la partie mixage et mastering de ce cours, je veux vous présenter mon ami et collègue, James Patrick. Il va nous expliquer comment il travaille avec le mixage et le mastering en live 11. C' est lui juste en bas. Il a été un ingénieur de mixage et de mastering et juste un producteur général de toutes sortes de musique depuis très longtemps. C' est un super expert, capable de l'utiliser. Donc, je suis vraiment excité de l'avoir aussi contribué à ce cours. Maintenant, une chose que je vais signaler très vite, sa version de live semble un peu différente. C' est juste dans les Préférences. Vous pouvez en quelque sorte le réanalyse pour changer son apparence un peu. Donc, il a mis le sien dans ce mode violet, tandis que le mien est le mode standard qu'il vient avec, vous pouvez jouer avec ces petites peaux pour le faire paraître et se sentir un peu différent si vous voulez. C' est amusant de faire parfois c'est le même programme. Il a juste un thème violet sur son cool. 27. Techniques avancées: D' accord. La dernière chose avant de le remettre à James Patrick et vous serez avec lui pour une quinzaine de vidéos et ensuite je reviendrai à la fin. Il va se lancer dans des trucs assez avancés. Donc une chose que je suis en retard te recommande de faire, c'est s'il entre dans quelque chose et que tu es genre, whoa, je ne me souviens pas de ce que c'est. Retournez dans cette classe et passez en revue tout ce qui parle. S' il parle de la façon d'utiliser un compresseur et que vous ne vous souvenez pas tous les détails du compresseur que nous avons parcourus. Retourne à ces vidéos et regarde les K, pour qu'il devienne assez avancé. Donc, vous devrez peut-être sauter en arrière et en avant pour vraiment comprendre tout ce qui se passe. Mais je sais que tu peux le faire. Donc, après James Patrick 28. Organisation des sessions: Tout le monde connaît James Patrick ici excité de sauter sur le niveau de mixage et de mastering dans le programme Ableton Live. Je fais de la musique électronique depuis environ 20 ans et le mixage et mastering sont l'art essentiel de tout équilibrer. Donc, tous vos sons sont forts et clairs et vous savez, le cheeseburger entier a bon goût quand vous prenez une bouchée, Il n'y a pas trop de ketchup ou de moutarde ou quoi que ce soit aider bien équilibré et facilement digestible. Nous allons avancer avec cette chanson ici comme notre exemple, à travers toutes les étapes de mixage que vous pourrez appliquer à vos propres chansons juste une étape à la fois. Et en fin de compte, à la fin de ce niveau, nous allons maîtriser ou maximiser le volume de nos chansons, ainsi que l'intensité sonore et la clarté. Donc il sera prêt pour le stream Spotify ou notre sac de disques pour nos DJ Sets ou tout ce que nous allons faire pour ça, faites-le avec. Encore une fois, James Patreon et heureux vous emmener dans ce voyage. Allons sur cette piste. Ce morceau est principalement juste des enregistrements bruts de synthétiseur analogique et quelques pistes Midi pour certaines machines à rythmes, peut-être un instrument acoustique ou deux, juste pour pimenter l'affaire, écoutons-le et voyons ce que nous allons pour mélanger sur les prochaines vidéos. Donc, comme vous pouvez ici, j'ai des tambours. J' ai des percussions. J' ai de la base, des trucs de synthétiseur, tambourin, une autre couche ici. Donc c'est un peu la première section. Au fur et à mesure que nous avançons plus loin dans la piste, nous obtenons quelques pads et quelques accords. Passez le changement de clé là pour la panne. Par tampon de synthétiseur. Un autre élément, il y a quelques clés routes aussi sizer, et quelques effets sonores pour ces gars. Crunchy n'est pas le sien. Nous avons aussi un joli kit de batterie acoustique que j'ai échantillonné. Ceci pour le tambour remplir son choix. Donc c'est à peu près tous les éléments. Donc, l'une des premières choses que nous allons aborder est que nous allons organiser la table de mixage, toute cette série de vidéos avant de commencer le mix réel va être sur la préparation au mixage. Donc, en préparant le mixage, la première chose que nous allons faire est d'organiser la table de mixage. Maintenant, ce mélangeur ou cet arrangement est assez bien organisé. Merci. Mais en général, il y a toujours un peu de raffinage que nous pouvons faire pour nous assurer que nous pouvons tout voir et nous avons un bon visuel pour où toutes les pièces sont comme pour ne pas tamiser et creuser dans notre mélangeur en essayant de trouver le bon sons. La première chose que je vais faire est d'optimiser la taille de toutes ces chaînes. Vous pouvez voir que j'ai cinq pistes de retour. Deux d'entre eux sont gros. Je vais faire un clic sur eux et les rendre minuscules pour qu'ils soient hors du chemin. Je vais même prendre ce lanceur de scène, dont je n'ai plus besoin et le déplacer hors du chemin. Alors comme vous pouvez le voir, j'ai ce genre de mixage ici. Non, pas une tonne de traces ici, mais 16 ou 17. Je vais cliquer sur un et appuyer sur Commande a ou Contrôler un sur un PC pour sélectionner toutes les pistes, obtenir les crochets et presser un peu le mélangeur. Maintenant, j'ai une belle sorte de vue compacte, ce qui est agréable. Et en plus de cela maintenant puisque je vais ajuster les niveaux de tout vraiment étroitement, il est logique de saisir les canaux de mixage et de faire un désordre et grand. Maintenant, j'ai un bon vieux mixeur de tous mes sons. Je les vois tous en même temps. Et cela m'amène généralement à l'étape suivante qui est vraiment, vraiment efficace, qui est d'entrer dans le canal maître et d'aller de l'avant et de saisir un dispositif de spectre. Le spectre est un effet audio que nous pouvons trouver dans notre dossier Effets audio, ou nous pouvons simplement taper une flèche vers le bas Entrée. Et maintenant, nous pouvons voir non seulement le mélangeur, donc nous pouvons voir sur le canal maître le contenu spectral global. Cet outil est très utile pour toutes sortes d'applications audio, conception sonore et acoustique et tout. Mais ici, nous pourrons vraiment voir à quel point nos mélanges globaux sont équilibrés aussi bien que bas de gamme et milieu de gamme, que les textures et les ambiances et la gamme de fréquences supérieure. Donc, une fois que nous avons fait tout cela, j'aime généralement passer par la table de mixage ici et m'assurer que tout est bien nommé et organisé. Si vous avez étudié avec moi dans le passé ou peut-être le Dr Jay, vous aurez déjà un flux de travail pour garder votre mixeur bien organisé. Mais en général, cela commence comme ça. À partir de la gauche, nous devrions avoir de la batterie, des percussions et de la base. Fondamentalement, toute la section rythmique devrait être à l'extrême gauche, commençant par le kit de batterie. Et puis on devrait avoir des notes, des trucs comme des mélodies, des harmonies et des accords. Tout ça devrait être au milieu. Et puis nous devrions avoir des effets sonores, des voix, et toute sorte d' instrumentation live que nous ajoutons qui est comme une sorte de plomb. Cela pourrait être à l'extrême droite. Habituellement, ce sont les effets sonores, les sons non répétés et les coups de feu. Et puis bien sûr, nous avons nos traces de retour ici qui pourraient finir par être dans la table de mixage finalement de toute façon. Vous pouvez voir si vous regardez ici, j'ai la ligne de base à, Passons ça à la zone de base. Je suis comme ici des mélodies, des mélodies, des accords, des tampons, des singes funky, plus comme un genre de chose mélodique aussi. Passons ça par le truc mélodique. Grindy, c'est un effet sonore. Symbole est un peu non-répétitif un coup écrasé. Que se passe-t-il de temps en temps ? Et cela affecte tous obtenir cette piste midi vide et nous allons nous débarrasser de cela. À l'arrière. Regardez cette piste audio. Presque sûr que ce n'est pas utilisé pour quoi que ce soit non plus. C'est quoi une double vérification ? Rien n'est sur cette piste. Nous pouvons nous en débarrasser aussi. Et comme nous commençons à apporter ces changements, ce serait le bon moment maintenant de faire une commande Shift S, ce sera comme un Save As. Et je dirais, ok, ça s'appelle de la musique de démocratie intelligente. C' est là que le tour de fou tournent et les événements politiques dans notre monde en ce moment. Donc c'est une sorte d'inspiration pour cela. Je vais juste mettre en place la fin de ce mélange. Donc je sais comme si je veux récolter l'une de ces pièces que je supprime ou bouge. Je peux les trouver dans la version précédente, mais en mettant mélangé à la fin, je l'ai dans mon projet ou ma vie setName qui va aider à garder les choses bien organisées. Cool. Donc, une fois que j'ai de la batterie, des percussions, de la basse, de la mélodie , de l' harmonie, des effets sonores et sons non-répétés sur la droite avec des voix, s'il y en avait. Et puis, bien sûr, mes pistes de retour bien organisées, puis je vais regarder éventuellement grouper les choses. Maintenant, par exemple, les maracas et le tambourin, ce ne sont que des percussions portatives. J' aime généralement filtrer un égaliseur ceux ensemble. Donc je vais cliquer sur ces deux-là et frapper le Commandement G. et je vais dire percussion. Je vais le plier. Voici mes deux pistes de base. Par le regard des choses en fait, nous allons vérifier la ligne de base pour que je vais frapper Tab. Et au regard de ça, je n'ai même jamais utilisé celui-là dans cette session. Donc, c'est un autre avantage de frapper Enregistrer sous parce que je sais que je serai en mesure de trouver que plus tard si j'en ai besoin, je vais supprimer celui-ci. Midi à la boutique. C' était la piste midi que j'utilisais pour contrôler le synthé analogique que j'ai assis à côté de moi. Vous ne pouvez pas vraiment voir dans la caméra que je n'ai plus vraiment besoin non plus. Voyons si je veux sauver tout ça. Peut-être que certaines de ces notes midi auxquelles je vais m'accrocher. Alors regardons comment des trucs mélodiques. Prenons ces trois instruments mélodiques que funky 12, et allons frapper Groupe sur ça. Appelez peut-être cette mélodie. Maintenant, nous sommes en train de consolider cette table de mixage va aider une tonne à garder les choses serrées. Que diriez-vous d'accords et de pad ? Bien sûr, ils sont tous les deux dans la catégorie Harmony, commande G. Vous n'avez pas à le faire, mais cela rend les choses un peu plus agréable, surtout si vous avez une session avec 1000 canaux dedans ou même quoi que ce soit plus que 20 ou 30 ans, ça devient un peu compliqué. Donc, si rien d'autre pour le bien de grouper et juste garder les choses faciles à regarder et à voir tout à la fois. C' est sympa de regrouper des trucs. Mais je trouve aussi au-delà de l'organisation, c'est vraiment agréable et efficace de pouvoir mettre comme un compresseur à chaîne latérale ou un égaliseur, dont nous parlerons dans les prochaines vidéos sur l'ensemble du bus. Cela peut aller de pair avec garder les choses liées et vous épargner un tas de réflexion autour de vous. Donc, ce sont des symboles et des effets grindy. Ce sont tous des coups de feu ou des effets sonores. Je vais juste renommer ça et appeler ça des effets. Alors maintenant, regardez ma table de mixage, encore plus agréable à regarder. Surtout maintenant, je peux peut-être attraper tout ça une dernière fois avec et je peux les plier et ça va les faire tous de la même largeur. Maintenant, regarde cette belle affaire. Je peux tout voir en même temps. Et il y a mon look de mixeur, c'est encore plus facile d'approcher maintenant. J' ai donc mes morceaux groupés et bien organisés. Je les ai cassés là où c'était possible. J' ai ajusté la hauteur de mon mélangeur. J' ai et j'ai même mis un spectre sur celui de l'homme. Donc, un autre conseil pro que je pense est vrai goût est que vous pouvez appuyer Option Command 0 et ce sera Alt Control 0 sur un PC si vous voulez. Et vous pouvez tirer ça maintenant vous pouvez réellement voir votre mixeur entier. Et je dois veiller à ne pas avoir assez de place pour mes faders réels avec le spectre. Alors peut-être que je vais les rendre un peu plus petits. Il va y avoir une bonne occasion de, parce que maintenant je peux voir toute la chanson avec l'aperçu de l'arrangement, mais cela peut être une bonne occasion de faire un peu d'immobilier, pour ainsi dire. Peut-être que je vais sortir ça maintenant. Je peux voir la chanson. On peut voir le mixeur, je vois le spectre. Tout est bien équilibré et prêt à partir. Je me sens plutôt bien à propos de ça. C' est une sorte de préparation pour le mix et aussi un peu comme administratif et pas très créatif que cela puisse paraître, plus vous pouvez être organisé quand il est temps de faire un mix down, plus vite vous serez en mesure de travailler. Et c'est vraiment important parce que chaque fois que vous entendez cette chanson en boucle et que vous ne savez pas quoi en faire. Vous allez l'aimer de moins en moins comme je le dis à mes étudiants tout le temps que la meilleure chanson du monde à répéter pendant trois ou quatre jours, Il va commencer à conduire vos notes. Et alors ne laissez pas ça vous avec vos propres créations originales car une fois que vous perdez l'inspiration, c'est à peu près fini. Donc, faire tout cela sans l'écouter, surtout écouter un très fort et juste obtenir les choses bien organisées va aider une tonne avec vous accélérer le prochain vers le bas et commencer à faire plus de musique. Et c'est vraiment le but. Donc, cela a été la vidéo 1 pour la préparation du mix et heureux d'être ici. Très bien, sur la prochaine vidéo. 29. Créer des tiges de tiges: Hey tout le monde, nous sommes de retour avec plus de conseils de mixage sur la dernière fois qu'on s'est arrêté. Nous venons d'organiser notre table de mixage et de préparer cette session pour le mixdown. La prochaine chose qu'on va faire, c'est qu'on va jeter un oeil à la vue de l'arrangement. Et nous allons regarder toutes nos traces. Je vais cacher la fenêtre inférieure et peut-être maintenir Option et développer toutes ces pistes. Maintenant, je peux voir tout leur contenu. Et je vais me demander s'il y a quelque chose ici que je puisse imprimer en audio ? Parce qu'une chose qui est super vraie est quand vous travaillez avec, en particulier avec des instruments mélodiques ou des instruments harmoniques ou bien toute piste audio qui a des tonnes d'effets sur eux avec la modulation aléatoire et d'autres choses. Ce n'est pas aussi efficace de mélanger parce que chaque fois que vous l'entendez, c' est un peu différent et c'est plus efficace en tant que producteur de travailler avec l'audio. C' est une partie de la raison pour laquelle dans la plupart de ces pistes, vous verrez ici sont déjà des fichiers audio. Je peux maintenir Option Shift ou Shift Alt sur le PC et utiliser deux doigts pour développer ou contracter mes différents canaux pour voir ce qu'il y a dedans. Et voyez qu'il s'agit généralement de toutes les pistes audio. Et je peux double-cliquer sur les pistes ici pour voir qu' il n'y a aucun effet sur les choses. Donc, tout ça est plutôt bon à y aller. Si je regarde ici, j'ai une piste de basse. Et en particulier dans live 11, une des caractéristiques les plus excitantes dans live 11 est la probabilité de note, ce qui est vraiment amusant, mais c'est aussi un peu désordonné parce que vous finissez par avoir de la chance avec des séquences cool. Et ce n'est pas une bonne façon de vraiment aimer le bon produit un air dont il a besoin pour le brouillage, et c'est cool pour venir avec des idées. Mais je veux vous montrer quelques façons rapides que nous pouvons imprimer notre audio ou imprimer nos médias et nos modulations aléatoires et opérations aléatoires comme ça à l'audio et nous permettre de travailler un peu plus efficacement avec les pièces comme un genre de a jeté une lentille de producteur. Donc c'est notre piste de basse. Écoutons cette chose très vite. Donc, en frappant la lettre S, je peux solo. On peut regarder ce clip. Voyez comment il ne joue pas toutes les notes. Guérions. Mais ça va être problématique. Donc je vais vous montrer quelques façons différentes retourner nos morceaux en audio pour qu'on puisse voir ce qui se passe. Mon favori quand nous voulons tout le canal est juste de simplement faire un clic droit sur la piste et de le geler. Et ça va aller de l'avant et faire un peu de rendu hors ligne. Il va essentiellement enregistrer la chaîne entière sur un nouvel enregistrement audio. Et vous allez avoir deux façons différentes. Vous pouvez extraire cet enregistrement et le mettre sur une nouvelle piste audio. Et il sera toujours en mesure de préserver la piste midi avec toutes les informations qu'elle contient. Si nous voulons le changer plus tard, changer la clé de la chanson, ou faire quelque chose de drastique. Mais pour la plupart, il est temps de s'engager parce que nous nous préparons à mélanger. Donc, comme c'est gelé, c' est un peu comme un enregistrement rapide sur toute la piste. Ensuite, nous allons simplement créer une nouvelle piste audio et faire glisser ces clips gelés vers le bas. Et puis nous aurons une version audio de la piste Midi. Il va faire une sorte de façon lisse pour avancer rapidement à travers le processus de rendu. Ce serait la même chose que d'enregistrer la piste entière, pardonnez-moi, et de faire en temps réel une nouvelle piste audio. C' est juste un peu plus rapide. Donc maintenant, vous pouvez voir la piste est gelée. Tous les processus sont suspendus. Ils ne se produisent pas vraiment même si cela semble et semble être le cas. Et maintenant je peux frapper Command T ou Control T sur un PC. Je peux attraper tous ces clips. Et je peux tenir l'option et juste les faire glisser vers le bas. Donc maintenant je peux voir tous ces, voir, toutes ces modulations voir où chaque partie individuelle se passe. C'est plutôt lisse. De toute façon. Alors maintenant j'ai ma belle basse synthétisée sur la piste et ça marche. Et cela me donnera la chance d'écouter audio et de voir si j'ai fini par avoir de la chance avec les bonnes modulations aléatoires. Maintenant la dernière méthode que je vais vous montrer ici pour retourner les choses à l'audio que je vais faire aux pistes de retour. J' aime vraiment, vous savez, j'ai ces comme cinq ou six pistes de retour et beaucoup d'entre elles ont comme un look, c'est une sorte aléatoire de modulation Sinewave LFO sur le filtre ou toute autre sorte d' effet aléatoire qui va affectent le ton ou le bois tout au long de la durée de la piste. Donc, une chose vraiment cool que vous pouvez faire ici est que vous pouvez sélectionner les pistes que vous voulez tourner en tiges. C' est comme fondamentalement votre flux de travail de création de stem. Je vais prendre ces trois retours et les transformer en tiges. Cliquez sur l'accolade en boucle et appuyez sur Shift Command R. Et maintenant, pour les pistes rendues, vous pouvez choisir uniquement les pistes sélectionnées, ou si vous en voulez juste une, ou si vous en voulez juste une, vous pouvez simplement choisir l'une des pistes individuelles. C' est plutôt serré. Donc, je vais faire des tiges à partir de a, B, et C. Ce sont mes trois pistes de retour qui ont une modulation aléatoire sur elles. Donc, en choisissant uniquement les pistes sélectionnées et en veillant à ce que la boucle soit accolée sur l'ensemble de la chanson. Je vais aller de l'avant et m'assurer que c'est un réservoir élevé. J' ai pas vraiment besoin d'un dither là-dedans. Ne mettons-nous pas ça là-dessus, et ensuite on pourra équilibrer ça. Donc maintenant nous sommes dans ce projet IDM et je peux faire un nouveau dossier ici appelé stems. C' est bon, assez bon flux de travail. Et puis j'allais dire IDM, juste pour le nom de la tige et il va toujours mettre le nom de la piste directement sur le canal. Donc, maintenant encore une fois, ce n'est pas différent de le geler puis de le faire glisser sur une nouvelle piste. Mais dans ce cas, nous sommes en mesure de capturer tout le son à 17 ans, même de faire plusieurs pistes en même temps. Donc, cela va créer ce qu'on appelle un horodatage de début 0, qui peut être vraiment lisse. Nous avons donc parlé de mettre en sourdine les pistes originales une fois que vous les avez enregistrées en audio, peut-être même de changer leur couleur en noir et de les appeler originaux. Peut-être même ce sont tous des workflows sympas pour sauvegarder vos pièces d'origine sans avoir à vous soucier de les écouter plus. Ça peut être vraiment sympa et efficace. J' aime aussi faire ce flux de travail à la batterie. Surtout si j'ai comme un kit de tambour rééchantillonné haché. Parce que je suis capable de zoomer et peut-être faire quelques coups inversés ou de modifier les sons individuels. Vraiment, vraiment cool quand vous obtenez occasionnellement comme une réverbération inverse avant une caisse claire ou même une caisse claire inverse, voulez inverser le coup de pied. Ce sont des petits mouvements qui peuvent être impressionnants dans une production d'une chanson. La seule façon de vraiment les évoquer est d'abandonner la piste midi et d'entrer dans l'audio. Alors en attendant, allons à notre bus Effects et ouvrons ça. Et je vais créer trois pistes audio en frappant Command T. Maintenant, j' ai une destination pour laisser tomber ces nouveaux sons et quelqu'un va aller à mon Finder ici, de ce côté ici, va sortir du plein écran pour que vous les gars peut le voir. Et je vais à mes projets, et je vais à IBM, et je vais à stems. Et maintenant j'ai ces trois tiges. Je vais juste les attraper et aller sur la piste. Et si je vais lâcher prise, ça va les mettre en ordre. Mais si je détiens le commandement, il va les déposer sur leurs propres chaînes, qui est Shirts, ASD, et regarder dehors les noms joliment les pistes, c'est cool. Juste pour les garder dans l'ordre, je vais déplacer l'a vers le haut et le C vers le bas. Dépliez ceux et je peux même voir les effets qui sont sur les pistes. peut être des choses vraiment cool que je peux utiliser plus tard dans ma composition. Peut-être que je décide une seconde, je veux que tout soit muet. Je peux maintenant juste obtenir le bouton d'effacement. Au lieu de s'inquiéter de faire un tas d'automatisation et d'autres choses, ça va être beaucoup plus propre et bien plus propre. Cela me permet également de mettre des fondus appropriés sur la fin de la piste. Peut-être même utiliser cet audio de manière créative dans une situation différente. Comme par exemple, écoutons ça. Si je frappe Solo, comme si c'était un accord assez cool. Comme, tu sais, peut-être que ça serait logique pour moi tenir Option et de déplacer ça ici, tu l'as au début de la chanson. Je peux même frapper R et l'inverser. Je peux commencer à faire toutes sortes de choses créatives cool avec la piste que je n'étais pas en mesure de faire avant. Donc, c'est en fait pour être honnête avec vous, un peu plus d'une astuce de production. Mais je pense que quand tu fais un mix, ça peut être sympa d'avoir accès à cette petite note de ninja supplémentaire, ça va aller regarder maintenant, j'ai ce score inverse. Peut-être que je vais même l'utiliser une fois au début. Peut-être que je vais même le repousser. Un peu s'est évanoui. Maintenant écoutons ça maintenant dans le mix. Salut. Donc, ce cool petites idées que vous pouvez faire pour rendre votre chanson plus intéressante et aussi plus efficace dans le mix. Donc maintenant tout ce que j'ai à faire, c'est que j'ai besoin de couper ces A, B et C. Et si je voulais me sauver de la puissance du processeur, je pourrais même aller jusqu'à désactiver complètement les effets sur eux-mêmes. Donc, en faisant cela, cela va m'économiser un peu de ressources matérielles pour appliquer tous mes effets plus tard. Donc je vais tenir Option et plier ça, plier le bus des effets. Et maintenant, j'ai imprimé le bonbon. Donc oui, ce sont tous cool, cool petits conseils que vous pouvez faire quand vous faites un mixage sur ce a été la deuxième vidéo de la préparation à mélanger série. Et nous attendons avec impatience les prochaines vidéos à venir. 30. EQ: Hé, revenez à vous les gars. Nous avons organisé notre table de mixage, nous avons rebondi certaines de nos pistes dynamiques jusqu' à Audio afin que nous puissions tout voir bien. Nous avons pris un dernier couple écoute pour s'assurer que tout se sent bien partout où les choses sont en place. Et maintenant, il est temps de passer dans les parties les plus excitantes du mélange, qui est encore dans le genre de préparation à mélanger la catégorie. Mais nous allons examiner le traitement des effets. Généralement. Nous l'avons probablement appris lors de sessions précédentes à la Slam Academy, mais il y a un peu de théorie autour traitement des effets et de l'ordre général dans lequel vous mettez les choses. Ces règles sont toutes censées être enfreintes. Mais certainement quand il s'agit de mixage, il est agréable d'avoir un bon flux de travail solide autour du traitement des effets. Et cela commence généralement par l'égaliseur. Pour cette vidéo, nous allons parler techniques d' égalisation et des bonnes pratiques standard pour, en particulier, façonner votre spectre de fréquences pour chaque son. Donc non seulement ils sont aussi clairs et bruyants qu'ils peuvent l'être en sonnant savoureux, mais qu'ils s'assemblent comme des pièces de puzzle. Donc ça me ramène à la table de mixage ici. Je veux appuyer sur l'onglet et regarder la vue de la session et même regarder mon, ma vue spectrale ici aussi. C' est aussi vraiment sympa. Donc maintenant ce que je vais faire, c'est que je vais aller à mon arrangement. Peut-être qu'on va nous amener ici, cette dernière goutte. Et je vais faire un peu de mise à l'échelle de l'écran pour voir la table de mixage et je vais commencer à appliquer des effets à mes pistes, en particulier l'égaliseur pour cette vidéo. On y va. Je vais aller de l'avant et boucler cette section parce que j'ai envie de travailler sur la batterie un peu, donc je souligne que Command L. Jetons un coup d'oeil à ce rack de batterie. Donc maintenant, je peux juste aller de l'avant et prendre un égaliseur en appuyant sur la commande F et en rétrécissant. Et vous remarquerez que mon égaliseur par défaut a déjà le premier nœud est le seul qui s'est avéré à environ 33 hertz. Juste sous le bas, à peu près la note la plus basse que quelqu'un va frapper. Parfois, pour les tambours, je vais l'ouvrir un tout petit peu, mais vous pouvez voir où est le spectre. Donc j'ai à peu près tout ce dont je dois m'inquiéter. J' ai coupé des bas de gamme inutiles qui va être très efficace. Et puis je pourrais même ajouter un noeud ici qui est un noeud cloche. Et juste boosté un peu et surfer autour. Voyez s'il y a quelque chose de indésirable ou pas savoureux. Je pense que ces tambours sonnent assez bien dans l'ensemble. Donc je vais juste laisser ça. Remarquez que cette première pratique que j'ai faite était de couper la base, puis, puis je prends une cloche étroite et j'ai boosté et surfer et écouter quelque chose. Je n'aime pas les étudiants à la batterie pour aller à mes drames, gravité QA, à la jeter là, rouler ce Psaume d'habitude autour de 30 hertz. Et je peux regarder et voir si quelque chose est trop bruyant ou trop silencieux. Et je peux même voir sur le spectre que le hi-hat fermé est assez bruyant en regardant comment cette chose est là-bas et belle et brillante. Je pourrais bien sûr. Peut-être que vous appliquez comme une haute étagère V Q maintenant, et je peux mettre ce chemin là-haut et enchaîner ça un petit peu. Je peux aussi, bien sûr, aller dans la table de mixage ici. Et nous donnons à cela juste un petit peu de diminution du volume là aussi. Nous allons pouvoir équilibrer ces choses de toute façon, mais nous économisons un peu plus tard. Vu ce petit terme, Nice. Essayez un autre petit coup de pouce. Surfez autour. Je pense que neuf K, dix K est un peu chaud à mon goût. Donc je vais pousser ça juste une touche et rendre ça sympa. Et c'est un peu à la recherche de l'endroit dégoûtant. Et si je veux entendre ce que je suis en train de couper, je peux frapper ce solo, isoler. Écoute ce genre de bague métallique qui est un peu trop pour moi. Donc c'est donc laisser le mode d'isolation de bande est vraiment agréable pour équilibrer les choses. Passons à notre base. Oh, l'audio de base semble qu'il n'y a pas de base dans cette section, alors allons-y jeter un coup d'oeil. Oui. Oh, tu sais ce que j'ai mal appelé ça. C' est juste une charge de base que vers le haut. Et puis ce gars est qu'il y a des audios comme ce qui se passe avec ça. C' est celui que nous voulons vraiment vérifier nos niveaux ici. Et allons-y et vérifions ça. Nous avons l'égaliseur, suivez ces mêmes étapes, coupez la base, tout ce qui est en dessous de ce que vous n'en avez pas besoin. Vous pouvez voir qu'il y a un très bas maintenant. Maintenant, super contre. J' ai un harmonique subalterne qui pourrait être sympa. Généralement, plus vous pouvez couper de décibels ici en bas, plus la piste entière sera forte. Donc, je peux voir où les notes sont là généralement en sorte d'une octave, ce qui est assez élevé pour une base. Donc, c'est surtout une sorte de base de pokey qui se passe, pas beaucoup de sous-basses dedans, donc je pense que je vais laisser une partie de cela, mais atténuer une grande quantité de celui-ci. On peut faire ça en surfant. Je vais rendre mon Q agréable et étroit et booster et surfer. Maintenant, si je trouve quelque chose que j'aime, je peux le faire un peu. Mais pour la plupart, cette étape consiste à faire des coupes. Et comme tous ces trucs sont plus savoureux mes oreilles. Donc, en cas de doute, ne perdez rien, il suffit de faire les coupes, commençant par couper la base. Essayons ou des trucs mélodiques. Vous pouvez voir pourquoi il est logique d'avoir cet égaliseur par défaut pour avoir le premier nœud et le mode passe-haut, vous pouvez configurer cela en plaçant simplement cela dans le passe-haut, mettre autour de 30 hertz, et cliquez avec le bouton droit et enregistrez comme préréglage par défaut. Mais maintenant, écoutez, j'ai des informations sur la fréquence ici. Ça ne me fait pas du bien un peu. Donc je cherche juste la note la plus basse pour me débarrasser à côté de ça. Et ça me sauve la marge de manœuvre. Et toute la chanson est de plus en plus forte chaque fois que je suis capable de le faire c'est un joli petit pics étroits, probablement pas beaucoup de réglages que je dois faire. Et l'égaliseur mais juste la plupart du temps coupé dans le bas de gamme. Regardons notre patron d'harmonie et faisons la même chose. À l'écoute de la note la plus basse. Tout semble bien incliné vers le bas. Un bon conseil pro est généralement les basses fréquences devraient être la partie la plus forte et il devrait pente doucement vers le bas à l'heure actuelle, si tout était exactement comme ça, musique serait très viciée et ennuyeuse sonnerie, vous avez besoin de petits coups. C' est la partie excitante. Mais si vous entendez quelque chose qui est un peu indésirable, vous pourriez chercher où sont ces hauts sommets et surfer et ce sont peut-être les fréquences que vous ne voulez pas. Comme ce type, peut-être qu'il en a un peu. C' est notre bus d'effets resamplés. Écoutons ça. Tu vois que ce type a l'air un peu fort. Tu as des trucs métalliques là-haut. Surfons et écoute boostée. Vous pouvez même mettre cet isolat solo tout de suite et surfer, écouter ce métal. Donc je peux prendre non, c'est 3,6 K. Un autre là-bas sur 2k. Et la portée à ce 2k. Certainement un là-bas aussi dans toute cette zone. Je vais juste donner un peu de lissage. Et je pourrais faire ça aussi 3,6 K. Ils sont malades et lâchent. Et maintenant, vous pouvez le décrire à nouveau et l'atténuer. Vous pouvez le rendre vraiment étroit. Et si vous décidez que c'est une fréquence que vous voulez tuer. Vous pouvez passer à ce mode d'encoche. C' est comme un groupe qui tue. Ça va juste le pirater de là. Évitez généralement les utiliser. Possible. Ça dépend de la gravité que je suis à propos de faire des coûts. Dans ce cas, il y a tout un tas de fréquences là-haut que je veux atteindre. Donc je pense que je pourrais même en mettre un juste un peu plus haut que ça. Maintenant, plus nous faisons ces coupes subtiles, plus nous serons en mesure d'augmenter le son. long terme. Donc, une règle générale ici aussi, est que plus vous coupez profondément, jusqu'à l'amplitude que plus étroite vous voulez que la bande soit. Si vous voulez avoir une coupe plus large, suffit de faire des quantités douces pour un peu lisser. C' est-à-dire que cette technique est appelée essorage. On a coupé la base et on l'a essorée. On a fait ça. Et remarquez combien de temps cela a permis de gagner si nous avions fait cela sur toutes nos pistes individuelles, parfois c'est nécessaire, mais dans ce cas, nous le faisons simplement pour les bus mixtes. Si vous avez encore besoin d'obtenir des résultats plus serrés, vous pouvez ouvrir le groupe et aller sur les pistes individuelles et encore sonner les canaux points SWOT individuels. Donc maintenant que je les ai toutes sortes de malhonnêtes, niveau de surface une coupe pour la base et sorte de barrer un peu pour les faire sonner bien par eux-mêmes. C' est un qui a beaucoup de sens de vérifier votre spectre maintenant et de passer à travers et en solo les choses à nouveau, allons nous assurer que nous sommes rétine autorisé une partie de la piste. Allons par ici. En fait, cette section est plus sensée les choses que je suis, je peux regarder ma pente. Je peux même frapper stop et regarder l'ombre de la chanson. C' est une chance vraiment cool de faire ça et de rendre ça agréable et grand. Et ça, C'est une bonne chance de se souvenir du genre de pente de bruit rose. Il est juste un peu une théorie de mélange que fondamentalement vous voulez avoir un genre général de même incliné vers le bas sans aucune grande rampe sont des pointes sur son chemin vers le bas. Même ces trucs ici, ça va être un peu un signe que les choses sont peut-être un peu trop brillantes. Vous ne voulez pas vivre et mourir selon cette règle parce que là encore, c'est là que le personnage vit dans le son. Tu veux faire attention à être trop lourde. Mais si c'est comme si une grande rampe de lancement de ski arrivait en ville, c'est généralement un signe que le son pourrait être atténué un peu. Maintenant, nous avons quelques options pour lisser ce chapeau haut. Je pense que je vais juste aller au-dessus de 10 K. C'est une bonne chance pour nous de rappeler nos gammes de fréquences et ce qu'elles signifient vraiment. Évidemment, c'est r sous basse et sont un peu médiums bas sont le genre de choses à base de milieu de gamme. Et puis toutes nos mélodies et harmonies vivent au milieu. Et la plupart de nos textures et ambiances sont au top maintenant, bien au-dessus de 10 K. C'est assez subtil pour ce que nous faisons vraiment. Donc, parfois, vous pouvez vraiment pirater ceux vers le bas et ça ne fait pas vraiment mal au signal général de notre forme là-bas. Maintenant, nous avons contrôlé cela un peu plus et le rendre grand quand nous regardons notre ombre maintenant, C'est Ben EQ workflows. Nous avons fait deux ou trois workflows différents avec des égaliseurs. Tout d'abord, couper la base sur tout, puis regarder des trucs sonner. Et puis la dernière étape est de regarder le spectre sur le maître et d'essayer d'établir une sorte d'établir une belle, même équilibrée tout au long de tous les sons juste en utilisant nos oreilles, mais aussi en ayant un peu d'aide visuelle de la pente et soling pistes individuelles sur le mélangeur. Donc, nous pouvons vraiment voir et entendre quelles voix peuplent quelle partie du spectre sur le maître. Donc, c'est tout alors E faire la file d'attente et se préparer à faire le mixdown. Merci de m'avoir rejoint pour ce voyage. 31. Dynamiques: Tout le monde ici, nous mélangeons cette piste de breakbeat EDM et nous passons au traitement dynamique. Alors vérifions notre rouge sur la mélodie et nous verrons où ça nous mène. Beaucoup de dynamiques ici. Salut. Il y a plus court. Donc, en regardant les choses, nous allons avoir beaucoup d'occasions de compresser certaines choses. Je vais rendre mes faders un peu plus grands ici. La première chose que je veux souligner est encore une fois, une fois que vous pouvez voir le mélangeur entier, vous pouvez utiliser vos oreilles pour décider quels sons pourraient utiliser une certaine compression si vous avez une certaine expérience. Sinon, une excellente façon d'en apprendre davantage est juste de regarder les compteurs de volume. Lorsque vous regardez les compteurs de volume à Ableton, vous verrez un grand ou un ensemble de pics verts plus doux en arrière-plan et ce sont les pics réels. Et puis le remuement plus lumineux inférieur apparaît. Il y a le RMS aussi qu'ils avaient connu comme un peu la moyenne du volume. Et donc la distance entre les pics et la moyenne est un bon indicateur visuel de la dynamique qu'il y a dans le son et la dynamique. En d'autres termes, mouvement dans le volume. Et ce que la compression va vraiment faire, comme vous l'avez probablement appris dans les leçons précédentes, pousse vers le bas les sommets. En d'autres termes, diminue la distance globale en volume de la partie la plus silencieuse à la partie la plus forte de la. Par conséquent, vous donnant la possibilité de tout transformer. Dans le mélange et le traitement dynamique, nous faisons quelques techniques de compresseur différentes, y compris le chaînage latéral, qui est l'expansion, en d'autres termes, l'augmentation de la plage dynamique. Alors commençons par regarder notre pont de compteur ici et écoutons ce groove là où on s'est arrêté pour la dernière fois. Et je pense que je vais élargir mon petit aperçu de l'arrangement et nous faire revenir, juste avec le début des maracas. Et nous regarderons l'équilibre de nos compteurs. Vous pouvez le voir sur le maître à combien de distance il y a des pics à la moyenne. Donc, je peux dire en cherchant pour sûr et bases généralement un très bon endroit pour commencer, en particulier avec la musique électronique, est généralement veulent une belle basse sonore compressée, comme un beau bas de gamme complet. Et nous pouvons voir que chacune de ces petites marques horizontales est comme six dB, donc c'est un peu de volume. Ces pics sont assez hauts. Allons de l'avant et double-cliquez sur la piste basse et regardons là où nous nous sommes laissés pour la dernière fois. Nous avons fait l'égaliseur et le précédent, nous sommes passés par le mixeur entier dans la vidéo précédente. Maintenant, il est temps de saisir juste la normale capable de compresseur. Il y a un couple de compresseurs différents en live board va utiliser le compresseur régulier parce que c'est le compresseur transparent. Il n'introduit aucune distorsion ou bruit. La première chose qu'on va faire, c'est d' abaisser les seuils repoussés ces pics, comme tu l'as appris dans les niveaux précédents. Et nous allons ensuite ajouter le ratio pour décider combien de compression va se produire. Notez que nous sommes juste un peu en tirant le seuil vers le bas à droite pour un peu où le, le haut des moyennes pas beaucoup plus bas que cela parce que nous voulons nous assurer que compresseur peut laisser aller entre les hanches et puis ratio. Une bonne règle empirique avec base est quelque part entre trois à 18 contre un. Instruments de musique en général, c'est généralement une jolie base d'arrangement. Tu sais, tu peux aller un peu plus dur comme cinq, six ou même huit contre un. C' est comme une compression plus lourde. En gardant à l'esprit, on est juste en train de comprimer les pics. L' enveloppe va s'assurer qu'elle peut laisser aller dans le temps avec la sortie avant que la prochaine note ne frappe. Et aussi attaquer. Des attaques plus rapides vont compresser l'ensemble du son, tandis que des attaques plus lentes vont laisser passer le transitoire initial. Dans ce cas, je compacterais tout le truc. Et vous pouvez regarder cette petite fenêtre pour voir combien de compression est évoquée par la ligne orange. Et puis s'assurer que le compresseur peut passer entre les coups, ces pics. Et ça a l'air génial. Donc, c'est vraiment bon pour la prochaine méthode que je vais le démontrer. Et si c'est une compression de pointe, la prochaine chose que nous allons démontrer est la compression RMS. Beaucoup de producteurs avisés ont dit, au lieu de surcomprimer un son avec un compresseur, juste le finaliser un peu et prendre un deuxième compresseur à jeter là-bas, surtout avec encore une fois, la musique électronique. Si vous n'essayez pas de préserver les harmoniques naturelles ou la beauté d'une guitare acoustique ou d'un port, une voix féminine ou toute sorte de voix. Mais au lieu de cela, vous faites de la musique qui semble être, vous savez, depuis l'espace, la musique électronique est souvent censée sembler aliénante. C' est ça. Ou peut-être que vous venez d'extraterrestre est le bon mot que je cherche, mais plus grand que la vie, pas un instrument acoustique. Vous allez souvent avoir plusieurs compresseurs d'affilée. Et le plus souvent les compresseurs de pointe d'abord. Et puis le deuxième compresseur va compresser le RMS ou la moyenne. Vous pouvez donc voir que j'ai changé ce compresseur et le mode RMS. Et maintenant, quand j'enlèverai le seuil, je ne regarderai pas ces pics verts doux. Je vais regarder la moyenne verte brillante. Allons vraiment faire ressortir le volume. Et vous savez, nous nous réunissons et vous vous assurez qu'il peut laisser aller entre les coups. Il doit avoir du mal à tirer au seuil juste pour toucher. Je sais du groupe à travers la boucle. Et généralement le compresseur RMS alors qu'il se comprime juste en fonction de la moyenne, vous allez avoir un peu plus bas d'un rapport que généralement les pics. Utilisez vos oreilles pour y goûter. Et encore une fois, l'enveloppe s'assurer qu'il peut. Terrain avec une belle quantité de temps. Écoutez attentivement toute sorte de distorsion ou de clics qui peuvent se produire. Cela peut arriver si l'une des enveloppes ou trop vite. Et si vous avez les enveloppes pour ralentir à nouveau là, c'est un peu accroché trop longtemps et cesse de sembler naturel et punchy. Trop lente d'une attaque préservera le coup de poing, mais il finira par être trop pokey et pas sous contrôle et hors tension. Donc, je suis un peu comme et comment cette configuration RMS va se sentir après le pic. C' est un égaliseur de base vraiment commun. En fait, il en est ainsi. En ayant un roll-off sur les sous-basses, surtout s'il s'agit d'une basse de synthétiseur ou d'une base de microphone, je suppose qu'ils vont finir par avoir beaucoup de bas. Et donc en coupant cela, puis en poussant les pics, puis en pressant le RMS. On a une belle dynamique contrôlée. Toujours assez dynamique. Mais allons de l'avant et juste peut-être rester avec ça pour l'instant parce que ce style de cette piste est censé être un peu plus funky et un peu plus bizarre. Donc pour le troisième style de compression mentionné en effet, nous allons le mettre sur cette piste. Ce sera l'expansion dont je parlais. En d'autres termes, ajouter de la dynamique au son en fonction du volume d'un mélangeur sonore différent, en particulier le kick drum. Donc, si je viens en solo, on peut les écouter ensemble et je peux activer le chaînage latéral et prendre l'audio du kit de batterie. Deuxième liste déroulante, je vais juste choisir, laissons juste que ce soit tout le kit de batterie pour commencer. Donc maintenant, c'est la compression basée sur les boutons-pression et le gramme de caisse claire et le coup de pied. C' est assez savoureux. Mais si je voulais contrôler ce qui déclenche réellement la chaîne latérale, je pourrais soit choisir le son individuel ici, soit le filtrer. Je pense que je vais choisir le tambour et je vais choisir les préfets. C'est assez commun. Est maintenant regarder si je viens en solo, juste la piste de basse et je vais mettre sur ce petit commutateur de moniteur. Tu pourras entendre ce petit tambour non traité. Et je peux le dériver très dur. Il est agréable d'avoir les effets de pré en raison des effets sur les enfants et surtout le tambour de kick vont généralement compresser cela aussi. Et nous ne voulons pas que ce gros coup de pied saturé essaie de déclencher notre chaîne latérale. Il est préférable d'avoir un petit gars pokey doux et puis juste lui donner un peu de lecteur supplémentaire qui va aider. C' est un peu une attaque rapide et une libération pour ce déclencheur de chaîne latérale. En plus de cela. Si la base cellulaire du coup sonne trop fort, vous pouvez même la filtrer avec un filtre passe-haut ou passe-bande. Comme si on tirait ça jusqu'à 500 et on l'utilisait. Maintenant, regarde ça. Maintenant, il dit nous a donné beaucoup de chaînes latérales rapides et rapides et d'autres opportunités. Cette vue ici, je m'assure juste que, que, euh, laisser aller entre les coups se ligate vers le bas, c'est méchant slam. Et maintenant, sortons-le, surveillons et écoutons. Il n'est pas rare d'entendre un clic subtil là-dedans. Ce n'est généralement pas trop important, mais si vous voulez le faire, vous pouvez ralentir l'attaque. Vous pouvez également tourner le regard vers le haut dans cette vue qui va donner au compresseur un peu d'intelligence artificielle pour regarder devant le signal, vous permettant de finaliser encore plus la pile. Écoutons ça avec le QG. Je pourrais même aller jusqu'à dupliquer cette configuration exacte et la choisir juste à partir de la caisse claire pour avoir ce rack d'instruments. Faut s'effondrer, pièges et autres choses. Et maintenant, je peux baisser cette base, mélanger un peu. Allons l'entendre tout à fait. Nouveau. Il y a une chance de voir un coup d'œil, RMS et un chaînage latéral tout sur la piste de basse. Allons de l'avant et voyons quels autres canaux de notre table de mixage pourraient utiliser une partie de cela. Je suis presque sûr que cette mélodie bonne piste. Même si c'est juste un petit peu, on peut y mettre un peu de compression. Et puis peut-être une chaîne latérale juste après qu'elle a été poussée vers le bas, quelques pics doux. Duplions-le et allumons cette chaîne latérale. Maintenant, dans ce cas, je vais aller de l'avant et faire le kit. Allons l'entendre de tout le kit. Et juste pour voir à quoi ça ressemble. Habituellement chaîne latérale et obtient un rapport assez lourd, assurez-vous qu'il peut lâcher prise. C'est plutôt cool. J' aime ça. La bonne configuration de la chaîne latérale, si vous allez pour subtil, vous ne remarquerez pas vraiment le pompage. Tu entends juste le son de déclenchement. Dans ce cas, les tambours qui les frappaient se sont mélangés fort parce que tout d'un coup il y a plus de place pour eux. Alors n'écoutez même pas vraiment le son. Vous compresser autant que d'écouter le son et cela le déclenche pour voir s'il se sent plus clair et plus présent. Une autre chose que vous pouvez faire avec la chaîne latérale, c'est que vous pouvez faire du drame sur la chaîne latérale. C' est vraiment une bonne chose à faire pour nos coussinets. Je vais passer à une section où ces accords sont vraiment bons. Je crois que c'est par ici. Le ciel est jeté compresseur ici aussi. Commençons par pousser un peu vers le bas certains de ces pics. Maintenant, presque pas de pics. On va chœur, on ralentit la libération. Donc c'est un peu stable en Asie du Sud-Est. Je vais prendre un autre compresseur et quels canaux latéraux choisir. Maintenant, regardons une carte. Donc maintenant, dans ce cas, si nous voulions obtenir un effet de chaîne latérale plus dramatique, nous pourrions ralentir la sortie. On peut vraiment l'entendre pomper de façon spectaculaire au groupe, ramener ce seuil encore plus bas, aller en enfer et une pompe à chaîne latérale là-bas. Et même ralentir ça et rouler une partie de cette clinique si vous le vouliez. Avant d'optimiser mon stockage, je dirai au revoir et nous passerons à notre prochaine vidéo sur le traitement du bois et de la spatialisation. J' attendais avec impatience. On se voit alors. 32. Saturation: Quoi de neuf, tout le monde ? Nous effectuons le traitement des effets sur tous nos sons individuels. Avant de tout équilibrer, nous avons fait quelques mises en file d'attente et un traitement dynamique, et maintenant il sera temps de faire un peu de saturation et ajouter des harmoniques naturelles, puis de mettre les sons dans un espace. Ce genre de piste de synthé IDM sera particulièrement amusant, d'autant plus que beaucoup de pistes de synthé sont vraiment sèches. Laissons-le ici et le genre de section de pont et voyons où nous sommes, avec quoi nous travaillons. Commencez par la base. Donc les curseurs que nous avons fait dans la dernière vidéo. Donc ça a l'air plutôt cool. Je pense qu'on va se concentrer un peu plus sur cette piste de basse. Vous pouvez voir l'égaliseur et les tranches de console de compression que nous faisions plus tôt. Et maintenant, il va être temps de plier certains d'entre eux et d'ajouter de la saturation. Saturation est une sorte de terme général pour ajouter un peu d'édulcorant. En d'autres termes, l'ajout d'un petit type d'écrêtage modélisé analogique est le plus courant, qu'il s'agisse de saturation comme la saturation de bande d'un appareil et capable de saturer. Ou la limitation de clip souple, ce qui est vraiment populaire pour les tambours dans le canal maître dans vos groupes. C' est, c'est le plus souvent trouvé dans le compresseur de colle. Allons-y et vérifions certains de ces trucs. Ce que la saturation fait, et encore une fois, nous allons juste commencer par la saturation des bandes, c'est qu'elle émule les appareils analogiques traditionnels de la façon dont ils se clipsent. En d'autres termes, lorsque vous les conduisez en les chauffant un peu, cela ajoute des harmoniques naturelles au son. En d'autres termes, ajoute une sorte d'énergie musicale qui va aider, comme les sons de basse coupés à travers le suivant. Cela aidera également les tambours à se sentir un peu plus bruyants et punchy dans l'ensemble, juste un peu d'augmentation de la sonorité perçue générale du son. Attention cependant, parce que plus vous conduisez dans n'importe quelle sorte de dispositif de modélisation analogique , plus il déforme le son. Et il peut aussi vraiment aspirer la base comme la sous-basse des sons et en quelque sorte les faire sonner grossier si vous n'êtes pas prudent. Alors, reprenons là où on s'est arrêté ici, dans ce bureau. Première goutte et nous ajouterons peu de saturation à la base. Vous pouvez voir cette petite ligne dans le sable ici. Si vous voyez cette petite ligne blanche, une fois que nous commençons à franchir cela avec le lecteur en le dynamisant, c' est là que commence le vrai écrêtage. Il ajoute toujours de la coloration. Mais le vrai comme la coloration lourde commence là. Nous aurions l'occasion de mettre un limiteur ici aussi, pour nous assurer qu'il ne passe jamais dans le rouge, peu importe à quel point nous le conduisons. Mais généralement je n'aime pas ça, surtout dans ce cas où cette base a déjà beaucoup d'harmoniques. Reprenons là-bas. Donnez-lui un peu sec. C' est sympa. Maintenant, parfois, si vous n'êtes pas sûr de ce que vous entendez, vous pouvez simplement monter l'allée et cela va vraiment ajouter une tonne de coloration. Écoutons ce qu'il va faire là-bas. Donc, vous pouvez entendre comment ceux perçus, tous ces pics supplémentaires dans le spectre font vraiment sentir la chose forte. Si vous n'êtes pas sûr de ce que je veux dire par là, vous pouvez le regarder dans le spectre. Cet appareil que nous utilisons le mixage plus tôt sur le canal maître. Il n'y a pas de saturation. a déjà beaucoup d'harmoniques là-dedans, mais si nous allons de l'avant et que nous lui donnions un peu de route, probablement un peu plus et nous serions en train de rouler vers le bas. C' est vraiment un peu intense. Donc ça pourrait être très amusant. Ils vous donnent ce gain de sortie pour compenser de cette façon si vous finissez par le conduire beaucoup sans la limite de clip souple ou vous pouvez le retourner vers le bas. Donc, un paramètre courant pour beaucoup de distorsion est de le claquer et de le baisser à peu près de la même quantité, peut-être un peu moins. Maintenant, dans ce cas, encore une fois, je me sens vraiment juste un peu de cette coupure analogique. Il y a d'autres modes ici que vous pouvez apprendre. Ils pourraient être un peu plus genre de design sonore orienté dans les saturés. Mais surtout, nous travaillons vraiment avec un petit lecteur en regardant cette ligne dans le sable, nous assurant que nous ne sommes pas dans les rouges ici soit en l'écrêtant doux ou en ajustant à nouveau l'algèbre. Je pourrais même baisser un petit peu ça. Je vais aller dans une section où il y a plus de base. Écoutons ça dans le mix. C' est sympa. Ça a une tonne de dynamique en deux, c'est complètement comme un fou parce que nous avons ces compresseurs à chaîne latérale ici à l'arrière. Nous avons trois d'entre eux d'affilée qui font vraiment éclater le monde. Donc, c'est une chose vraiment dynamique qui semble cool à souligner est que lorsque vous ajoutez la saturation, vous ajoutez non seulement des harmoniques naturelles, mais cela fonctionne également naturellement comme compression. Parce que la façon dont fonctionne l'écrêtage est plus vous conduisez les pics au-dessus du seuil. En d'autres termes, chauffez ce deck de cassettes. Il y a une limite limitée à la puissance qu'il peut obtenir. Et c'est vraiment la petite ligne dans le sable ici. Et aussi plus vous roulez au-dessus de ce que vous compresser à son tour, c'est juste prendre ces pics naturels qui passent au-dessus du haut et les étaler sur la série harmonique, ce qui est juteux. Plus à ce sujet dans notre cours de design sonore, c'est lambda terminé. Bien sûr, une autre chose qui vaut la peine d'envisager sur la note de compression de la, parfois je vais prendre ce saturé et je vais le mettre en avant ou à gauche comme avant, mes compresseurs à chaîne latérale. De cette façon, le chaînage latéral évite également la saturation. Il va, ceci, ce flux de travail va vous obtenir un effet de chaîne latérale plus dur parce qu'en saturant et après la chaîne latérale, vous êtes en quelque sorte de la décompression, ce qui pourrait ne pas être si savoureux. Vérifions ça. Donc, dans ce cas, l'expansion comme le chaînage latéral qui se passe se passe après le saturé de sorte que l'amour préserver ainsi la paume à la chaîne latérale est évoquant. Faisons une autre technique de saturation que j'aime vraiment. Allons à notre kit de batterie et allons à notre kick drum. J' ai remarqué dans notre mix, notre kick drum sonne bien. On pourrait peut-être utiliser un peu de chaleur. C' est plutôt sympa. Il y a juste une bonne compression dessus et une compression lente d'attaque lui donnant un peu plus de corps. C' est marrant, un peu plus de punch. Et je pense que je veux aller de l'avant et dans ce cas, je vais prendre un dispositif de distorsion différent et capable de, et c'est un peu moins commun dans le mixage parce que le son est vraiment assez agressif, mais le Overdrive est idéal pour la batterie . Vous pouvez, c'est comme un filtre pour notre distorsion. Et puis il y a le même bouton que vous pourriez reconnaître, si nous écoutons ça tout seul, tout filtré comme ça va être assez croustillant, assez creux et croquant. Mais si vous vous déplacez ici, écoutons simplement en tournant le mélange humide sec tout le chemin. C' est un peu ce qu'on peut ajouter ici. Donc ça peut être beau son. Et maintenant, nous pouvons retirer cela dans le mélange pour préserver la clarté d'origine. Plus de bombes ici sans ça. C' est un joli petit coup de boost basse fréquence là-dedans. On est vraiment boostés comme 55 hertz et on se balade là-bas. C' est vraiment savoureux. C' est une autre façon cool d'utiliser la distorsion dans la saturation. Une autre excellente façon d'ajouter la saturation et un autre excellent outil que j'ai mentionné. Et cela est généralement populaire sur l'ensemble du dispositif de concepteur de kit de batterie appelé le patron de batterie. Maintenant pour celui-là, je vais aller à ma piste de freins à tambour et j'ai ce rôle assez dur ici. Allons boucler ça. Écoute ce type. Donc on va aller à la section des freins à tambour et on va attraper ce patron de drone. C' est un appareil et une ville en direct ou en direct 11s, c'est vraiment radin. C' est en quelque sorte trois étapes différentes de coloration. Vous avez des coupures comme l'overdrive. Vous avez un type transitoire de forme sont ici dans la catégorie crunch et puis vous avez un boom qui ajoute plus de base. Chose cool à propos de chacun d'entre eux, c'est qu'ils sont tous indépendants et qu'ils vont avoir un mélange humide sec global ici. Donc on est sur la piste de freinage. Je vais refuser ces types. Et nous commencerons par un peu de route. C' est sympa. J'aime ce genre de DR intégré et de compression si nous voulions le compresser aussi. Comme la lune passagère similaire toujours sur ça. Il y a un filtre intégré de contrôle de courant sur le peu plus sombre, comme il variété transitoires ici, cela va consacrer plus d'énergie aux pics ou un peu plus d'énergie à la partie queue du son. Si tu vas aux Autorises, tu sais, je crois que j'ai cette petite rangée et voyons. Ouais, donc c'est plus à la queue et c'est plus un pic. C' est sympa aussi. Et en ce qui concerne le boom, la façon dont cela fonctionne est un joli petit conseil. Vous pouvez comprendre ce que votre base est n ou où touche votre chanson comme elle. Et vous pouvez déplacer ceci pour trouver la bonne clé. Comme si vous savez que vous êtes dans, vous pouvez simplement voir aucun clic de décalage et ajuster ce rayon à la zone 43 Hertz ou 41 hertz. Et c'était une belle anguille basse dans ça. Donc, si nous avons ajouté un A, Allons comme 55. C' est sympa. Maintenant, dans ce cas, c'est juste pour un petit remplissage de tambour. Je n'utiliserai rien de tout ça. En fait, quand on utilise ça, un petit peu de ce crunch, juste une petite voiture. Et cela m'amène à ma prochaine petite technique de distorsion que nous faisons multiple dans chaque vidéo. Celui-ci va être tout au sujet. Cette dernière méthode que je veux mentionner est que tous ces dispositifs de distorsion ont un mélange sec et humide. Donc, si vous aimez vraiment le son de distorsion, mais vous ne voulez pas nécessairement aspirer la clarté ou le punch transitoire du son. Je suis une chose très courante à faire est de simplement le conduire vraiment dur, puis tirer le Dry Wet Mix en arrière, permettant ainsi le naturel propre, non déformé transitoire et la base sont généralement détruits par beaucoup de distorsion à passent toujours à travers. Et puis vous pouvez utiliser le mélange pour une sorte de mélange dans. Donc dans ce cas, si on faisait ça en parallèle, on peut juste aimer faire des singes là-dessus. Et puis on peut le retirer tout le chemin en arrière et ensuite le mélanger dans le goût. Donc c'est un peu comme ce mur de son sur la technique de Phil Spector, repos en paix, juste décédé récemment. C' est une idée de dire pour créer un environnement plus grand que la vie, il empile les choses en parallèle. Maintenant pour moi, dans ce cas avec cette piste de freins à tambour, je suis vraiment préféré dans le toucher plus doux, peu plus de poinçonnage Titan. Je ne suis pas si inquiet de préserver la base ou les transitoires là-bas parce que cela semble déjà agréable et serré. Joli. Donc, sur ce mot, je dois mentionner la technique finale ici. Comme je l'ai dit, nous mettons les choses en parallèle et dit non en retirant l'annexe sèche et humide. Encore plus avancé ou sorte de technique classique pour traitement parallèle est de construire une bande de canal de distorsion sur une piste de retour. Maintenant, dans ce cas, j'ai l'overdrive et sature, suivi par un égaliseur passe-haut. Et j'ai fait claquer ma distorsion tout le long. Alors maintenant mon kit de batterie ici, c'est notre point de vue principal. Voici à quoi ça ressemble sans ce retour, qui est une distorsion parallèle ou en d'autres termes, compression de New York. C'est ça sans ça. Donc un joli bas et cette base est vraiment sympa, surtout avec ce overdrive que nous avons ajouté. Mais maintenant, je peux mélanger cela en parallèle. Ce serait la même chose que de retourner le mélange sec humide un peu sur ce tambour nous. Mais ça fait toute la chaîne. Vous remarquerez même que j'ai le compresseur de colle au bout de cette chaîne. Et dans ce cas, c'est le mode clip souple. Donc, le compresseur de colle n'est pas seulement un compresseur un peu la moitié gauche de l'appareil, mais il a alors ce gain de maquillage que vous pouvez utiliser pour conduire le signal dans les circuits de la tondeuse souple. C' est une autre chose de distorsion d'écrêtage modélisée analogique dont nous parlions plus tôt dans la vidéo. Mais c'est l'un des meilleurs sons et pour les bus où vous avez haute, basse et moyenne fréquence toutes sortes de choses qui passent par la cheminée. Moi-même. Préservez un peu transitoire et ralentissez cela. Transients assez brutalisés ici à cause de toute la distorsion plus tôt. Mais heureusement, nous avons un signal sec non comprimé par ici. Ici, ils sont ensemble. Et on s'intéresse un peu à la compression de New York sur cette piste de freins à tambour, sur la course. Donc maintenant, nous avons toute cette terre parallèle d'informations hyper harmoniques sursaturées et écrasées avec même un écrêtage doux et tout le reste. Pas de base réelle. Et c'est tout le chauffage mélangé, en parallèle sur une piste de retour. Il y a donc de grandes techniques de distorsion et de saturation. Overdrive, vraiment audacieux et pointu. Donc il y a un filtre intégré saturé et je chante rond et gras. La bande Modeler, le patron de batterie était classique pour tous les types de sons différents, mais surtout les rainures de batterie comme l'ensemble du kit de batterie. Et puis coller le compresseur et le mode clip souple et même mettre tout en parallèle. Ce sont toutes les techniques que nous avons couvertes aujourd'hui. Si une prochaine fois nous mettrons ces sons dans un espace et nous finirons ce truc. 33. Imaging stéréo: Alors, glissez. Et puis pour notre dernière étape de traitement des effets, en général, une fois que nous avons mis en file d'attente, compressé et saturé des trucs et peut-être même mis un peu d' égaliseur quelque part pour booster les choses et obtenir que tout soit doux, genre de perplexe regrouper tout ensemble. Et fait également envoie à regarder l'image stéréo d'une chanson et même des sons individuels. La chose vraiment cool que vous pouvez faire est que vous pouvez simplement aller au canal maître si vous êtes curieux de savoir combien, quelle largeur vos mixes c'est, si vous travaillez juste à l'intérieur d'Ableton, vous pouvez prendre un EQ Eight et vous pouvez interruptez-le et éteignez tous ces nœuds, sorte qu'il ne fait rien, puis bascule le mode et les nœuds médians. En faisant cela, vous devez séparer les égaliseurs, un pour les bandes latérales et un pour les bandes mono. Et si vous changez cela sur les côtés, vous serez en mesure de frapper le jeu sur le soleil. Vous pouvez voir toutes vos fréquences stéréo. Ce sont des choses qui sont juste pour que je puisse voir. J' ai beaucoup d'image stéréo ici. Allons de l'avant et appliquons la même technique à certains de nos bus individuels. Voici notre piste d'harmonie par rapport à notre piste. C' est là qu'il est vraiment agréable de considérer quels sons sont les instruments principaux par rapport aux sons qui sont les voix de soutien. Quand j'ai écouté ça, je me sens comme la basse et la batterie. Je veux dire, une sorte de signe de style IDM là-bas, l'instrument principal. Donc je veux les garder plus au milieu. Alors que comme les tampons et autres choses encore, si on va à notre section de pont ici, qui est juste ici, viens ici, ces gars viennent ici. Aussi les pistes de support. Alors allons de l'avant et dirigeons vers ce bus rapidement et allons à la toute fin de la chaîne après le chaînage latéral et tout et faisons la même technique d'égalisation. Retourne tous les nœuds et mettez-le en mode. On peut juste regarder en le changeant de côté. Voici le truc du mono. Voici les bandes latérales. Donc, une chose qui est vraiment courante est de couper complètement la base des côtés à coup sûr. Et on dirait qu'il n'y en avait pas de toute façon. Mais si c'était le cas, vous voudriez vous en débarrasser. Et maintenant, nous pouvons quelque part entre 700 hertz et trois ou quatre K. Ce sont vraiment les zones où nos oreilles peuvent entendre la stéréo le plus. Donnons-lui un peu de coup de pouce et voyons à quoi ça ressemble. Ça m'a donné un peu plus de présence dans l'image stéréo. Et c'est une chose très subtile, mais c'est vraiment sympa. Et si je voulais obtenir encore plus d'action, je voudrais mettre des effets stéréo juste devant lui ou à gauche de celui-ci avant dans le chemin de flux de signal. Et le plus commun, l'un serait la réverbération ou le delay, ou peut-être un dispositif de chorus. Live a un appareil de chorus vraiment sympa que nous pouvons lancer avant l'égaliseur. Maintenant, dans ce cas, nous pouvons utiliser des ensembles qui vont aimer le calquer et lui donner plusieurs voix. Classic est juste un vieux chœur ordinaire. Ici, c'est sans elle. Ici, c'est avec. Salut, est ce printemps et dehors à la largeur un peu. Nous avons un contrôle de largeur ici, que nous pouvons même surcharger. C' est vraiment pousser les voix de soutien vers le panneau. Aussi une chance de se débarrasser de plus de base. Si vous voulez entendre plus de contrainte, vous pouvez augmenter les commentaires. J' ai le sentiment qu'on n'en a probablement pas besoin ici. Cela fait vraiment ressortir l'accent sur cette modulation LFO dans le temps retardé, peut-être un tout petit peu. Vous remarquerez même qu'ils vivent 11 maintenant ils nous donnent une petite sorte de saturation aussi. C' est sympa. Ratez une chance d'entendre ce truc, doc, et je vais ralentir la chaîne juste un petit peu. Pas de clic et plus c'est sympa. Haut. C'est donc une bonne petite technique d'image stéréo. Laissez-nous AB que ici, il est hors ici fait sur iOS, vous pouvez vraiment l'entendre bouger autour. Faisons ça. Sam, c'est la même chose que les traces de retour ici. Ce sont nos effets rééchantillonnés rendements déjà très large. L' astuce que je vais vous montrer, c'est que vous pouvez prendre l'appareil utilitaire. Tu veux juste pousser rapidement les choses sur le côté. Vous pouvez augmenter le bouton de largeur sur le contrôle de l'utilitaire. Maintenant, soyez prudent avec cela parce que cela va essentiellement refuser tout en génomique. Et si vous allez très haut là-dessus, et que vous écoutez la piste finie et un environnement mono où c'est comme je n'avais qu'un seul haut-parleur ou peut-être dans un nuage ou quelque chose où il y a des petits haut-parleurs partout la chambre. Tout ce qui est boosté sur les côtés comme celui-ci n'existera pas du tout dans le prochain. Donc, une chose vieille école à faire avec le mixage, surtout quand il y avait beaucoup plus de mixages qui se passaient en mono, était de ne pas faire trop d'amplification stéréo comme ça parce que c'est aussi appelé l'effet Haas. Ne le faites pas parce que si vous faites cela, alors vous perdez le son dans la devise de x tout à fait, ce qui craint. Essayons donc de l'étaler un peu. Dans ce cas, je pourrais essayer cette technique de cours à nouveau. Vous pouvez également essayer de retarder à nouveau ou un flanger ou une réverbération. J' adore cette technique de chaleur. Nous aurons une petite modulation dans leur élargissement un peu. Coupez le bas de l'extrémité. C'est sympa. Maintenant, faisons cette technique du milieu et du Q à nouveau. Curieux combien, combien d'image stéréo vous avez. Retournez-le, jetez un coup d'oeil. Donnez un petit coup de pouce, peut-être. Salut les gars, c'est gentil, chatoyant. Et nous allons nous débarrasser des bas. Comme ces mecs aussi. Maintenant, c'est votre chance de faire quelques coupes si vous le vouliez. Maintenant, par exemple, disons que nous avions beaucoup d'image stéréo au milieu. Ça va interférer avec nos tambours et tout ça. Donc, vous pouvez même être vraiment justifié. C' est un peu plus avancé d'un truc, mais disons, vous savez, votre caisse claire craque que 250 ou 300. Peut-être juste booster, déplacer certains de ces trucs hors du chemin. Je sais avec certitude que ma piste basse, cette base de plomb a beaucoup d'énergie de 700 hertz. Je vais couper ça. Je peux même le voir dans le mixage mono très fort. Alors je vais faire de l'espace. Salut là. C' est maintenant encourageant. Cette chose serait juste un peu plus environnante. Je peux même essayer de le mettre à l'échelle pour plus ou moins. C' est super large maintenant. Et cela a beaucoup de sens maintenant juste de faire une vérification rapide du mélange mono. Donc on va lancer l'utilitaire. On va le mettre en mono et voir si le son est comme s'en aller. On ne perd pas trop, alors je pense qu'on va bien. Donc je vais laisser ça dehors, peut-être le laisser là pour plus tard si nous le voulions. Et c'est un très bel exemple d'égaliseur médian. Allons à cette piste d'harmonie 2 et peut-être réduire certains trucs du milieu de la bande autour de cette gamme de 700 hertz. Rendez ça un peu plus étroit. Ça va être vraiment sympa de faire de l'espace pour la fissure de cette caisse claire. Et vous savez, tout ce qui remplit cet espace et solo cette piste et écoutez ça. Et je peux voir ce pic là-haut, c'est un Hadi. Déplacez ce type ici, ça dans le mélange tous ensemble. Maintenant, nous allons aller ici où les instruments ou le jeter hors de nulle part. Super larges pads sur votre analyse comme ces gars ont juste une tonne de quand vraiment immersive et environnante, vous savez, même au point où nous pouvons probablement les tourner un peu plus, c'est une chance de ne pas oublier que nous avoir un contrôle de gain ici. Et puis nous produirons le volume. Jetons un coup d'oeil à ça. Voyez combien j'ai de la marge de manœuvre et remettons-le. quelque sorte de rattraper certains de ces dB, nous pouvons probablement encore faire un peu plus. Houston à MCA a été vérifié dans le bus des effets. Joli. Justifiez même l'utilisation de cet utilitaire. Deux autres lecteurs qui est en quelque sorte moins que cela tous ensemble, vous ne savez peut-être pas sur cette piste. Donc, l'imagerie stéréo et la fente de plaisir commencent généralement avec un peu d'effets stéréo comme le delay ou la réverbération. Et puis sont peut-être même sera un choeur et puis un peu d'égaliseur de milieu pour vraiment le barbouiller, soit balayer le truc mono pour les voix de soutien et faire de la place pour la batterie et les feuilles, ou vice versa, coupe sur certains des cette énergie de bande latérale pour tout ce qui est vraiment censé être jusqu'au milieu. Beaucoup d'appareils auront un contrôle de largeur intégré et ils sont en quelque sorte d'automatiser cela, mais il est agréable de pouvoir vraiment sculpter et contrôler cette image stéréo. De vraies choses sympa. Ainsi, avec certains dispositifs de lecture spectrale plus avancés comme la vision isotopique , par exemple, vous pourrez même visualiser la largeur stéréo du son sur. Et ça peut être vraiment sympa. Mais juste en utilisant l'égaliseur médian et en regardant quelles informations vous avez là. C' est sympa. C'est une bonne technique. Donc un dernier petit truc que je vais vous montrer, et c'est une technique de réverbération. Chaque fois que je compose une réverbération, en particulier sur un son plus lumineux et plus serré comme disons un chapeau haut, comme écouter ce battement de batterie. Cette casquette haute est plutôt cliquante. La chose est juste vraiment cliquante et serrée. Nous sommes vraiment une technique courante et cool à essayer est d'attraper une réverbération, pousser cette chose jusqu'au bout. Tout ce que vous pouvez entendre, c'est la réverbération. Et je pourrais même rendre le temps de désintégration très court pour l'égayer, même, même éteindre le chœur, ouvrir, le rendre agréable, serré et brillant. Apportez ceci pour le clic. C' est un B. Maintenant, on a ce petit espace là-dedans. Vous pouvez booster l'espace ici. C' est tellement plus agréable que cette région est une réverbération sous ce vrai subtil. Mais maintenant que le petit équilibre il sur un peu de couleurs préférées. Donc, c'est une façon cool de, vous savez, abord juste écouter la réverbération par elle-même, puis de la reculer et d'avoir une meilleure idée de ce que votre annonce et vous savez, et je n'ai jamais toujours, jamais, jamais, jamais hésiter à AB trucs là-bas. Juste pour vérifier votre mix et vous assurer qu'il est bon dans l'ensemble. Je ne l' oublierai jamais . Donc, la dernière chose que nous n'avons pas encore faite ici alors que nous allons faire dans les prochaines vidéos est vraiment équilibrée. Le volume que je peux encore entendre maintenant que nous avons battu choses et les avons stimulées, saturées et étalées. Nous allons vouloir réaborder tous nos niveaux. Et c'est vraiment le mixdown et c'est juste au coin de la rue. Merci d'être ici à la Slam Academy et planifier avec tous ces outils amusants à l'intérieur d'Ableton. Et rappelez-vous, n'oubliez pas si vous avez l'impression de vous approcher mais pas parfaitement maintenant que vous avez juste continuer à pratiquer et tout le meilleur. 34. Mesurage: Hé tout le monde, bienvenue. Maintenant, nous voici dans la deuxième semaine de mixage et de mastering et Slam Academy et ils sont capables de vivre le programme ici. On utilise live 11 et mixé sur cette piste. Aujourd'hui, nous allons nous concentrer sur une bonne compréhension de la combinaison globale de volumes et nous assurer vraiment que nous avons les bons niveaux pour toutes nos pistes à travers le tout, créant un mixdown est ce que nous sommes sur le point de faire maintenant. Alors commençons par écouter cette piste et en regardant nos compteurs, nous allons apprendre un peu sur la mesure, la marge de manœuvre, et aussi sur le contenu de fréquence que tous nos instruments génèrent. Donc, pour revenir à la session précédente, chose vraiment cool que nous pouvons faire ici. Peut-être préparer notre mixeur. Cependant spectre là-bas pour que nous puissions voir tous les canaux. Tout est bien organisé. Vérifions ça. D' accord, donc si on regarde, on a deux ou trois sortes de commentaires visuels dont on peut tirer des leçons. Tout d'abord, en regardant l'amplitude et commençons par cela. Donc c'est là que j'ai encore une fois, j'aime avoir ces mètres beaux et grands. Nous obtenons une belle résolution visuelle pour combien, combien de décimales nous travaillons avec. Et chacune de ces lignes horizontales est de six dB. Et j'aime toujours dire en particulier mon cours de design sonore, comprendre une décimale est un peu comme un. Db est un peu comme juste une petite portion de volume, si vous voulez. Et en général, lorsque nous ajustons les choses, que ce soit à l'intérieur d'un compresseur ou même sur le mélangeur ici, nous allons déplacer les choses de haut en bas en volume et en décimales. Et un dB est un peu comme juste assez pour que d'autres personnes remarquent quand vous faites l'ajustement. Si vous ajustez quelque chose de plus de trois dB, tout le monde remarquera s'ils font attention ou non. Donc, parfois, nous allons ajuster les choses par dixièmes de dB en maintenant, en cliquant sur un fader et en maintenant Maj et en utilisant nos touches fléchées, nous pouvons regarder dans ces petits champs de données et nous dire, nous allons voir combien de dB nous ajustons. Vous avez 10 Maj clic avant que quelqu'un ne remarque vraiment. Et comme 30 ou 30 dB avant que les gens ne soient vraiment quatre, ça va sauter sur les gens. Ce sont là des domaines dans les royaumes qui vont affiner notre volume. Et quand il s'agit de décimales, nous pouvons regarder nos compteurs pour voir à quel point les choses sont fortes. Mais comme nous l'avons mentionné dans la vidéo dynamique, quelques vidéos de retour, nous pouvons voir les hauts sommets verts plus doux. C' est le volume de pointe momentané, tandis que le volume inférieur vert vif est le RMS, également connu sous le nom de volume moyen. La distance entre ces pics et la moyenne est comme la compression ou le bruit que quelque chose va ressentir. Donc, surtout en ce qui concerne notre volume principal et la marge de manœuvre que nous avons dans l'ensemble, il va être logique de garder un œil sur cela. Donc c'est la première astuce est la mesure et décibels est, et combien un dB, vraiment ? La petite lecture supérieure ici vous pouvez cliquer sur et qui réinitialise le compteur jusqu'à la hauteur de pointe. Donc, si je clique ici, ils sont tous réinitialisés et maintenant je peux juste appuyer sur Play. En fait, je pourrais aller à aimer une partie plus lourde de la piste peut-être comme la goutte. Et puis je peux frapper stop et voir à quel point tout est fort. Donc, comme mes effets sonores sont négatifs 14 et ma piste d'harmonie est négative 7.5. Mes mélodies au négatif 12. Écoute, mon tambour est à 1,5. Ce sont de bons chiffres à noter parce que nous allons réajuster le volume de toutes nos pistes et essayer de remplir ce volume maître avec toutes les bonnes choses, assurant que chaque dB ici est tout ce qui est souhaitable que nous vouloir. Et il y a un peu de feuille de route que je peux vous présenter alors que nous entrons le mixdown dans la prochaine vidéo sur façon d'utiliser ces décimales au meilleur de notre avantage. Donc, nous avons un niveau de pointe. Nous avons le niveau de fader de volume, qui est réglable intense en maintenant Shift avec des flèches. Et, et nous avons le pic contre la moyenne. Donc ce sont toutes les choses dont vous voulez être conscient. Maintenant, la prochaine chose qui est bon à regarder est le spectre. Et j'ai mis le spectre sur la piste principale il y a quelques vidéos. Mais c'est logique de l'avoir là. Et parfois, je vais même aller à mes Préférences ici et zoomer et toucher. Donc je peux encore avoir ces bons grands grands mètres de volume et une belle vue spectrale ici où je peux voir le spectre. Une fois que j'ai tout mis en place, habituellement ce que je vais faire est de prendre le périphérique de spectre sur le maître à nouveau. Et au lieu de l'avoir dans cette plage de volumes automatique, où l'axe des y est toujours mis à l'échelle vers le haut et vers le bas tout le temps comme ceci. Voyez comment ça commence à se compresser à mesure que les sons deviennent plus silencieux et plus silencieux. En d'autres termes, zoom arrière et zoom arrière. C' est un peu ennuyeux. Cliquez ici sur votre plage et mettez ce maximum à 0 négatif. Et puis, je suppose ou 0, la même chose. Et puis pour la gamme des hommes, qui est le fond, Mettons ceci à environ 100. Donc, le son le plus silencieux qui va apparaître ici sera comme un négatif 95 ou 100. Et puis le haut de notre écran, ce que nous pouvons voir est littéralement le plafond. Alors, quand est-ce que ça s'est arrêté ? Il n'est plus à l'échelle. Il reste juste là. Et vous pouvez même voir, ok, si chacune de ces lignes horizontales, dans ce cas notre 12 dB, ressemble à mon coup de pied ici. Ma grosse caisse est ici à environ 10 points négatifs. Je regarde en bas dans ce petit champ de données, c'est vraiment utile. Je botte des tambours à 10 négatif, le coup de poing de mon coup comme autour négatif 11. Et vous pouvez voir où sont chacun de ces pics et à quel point ils sont bruyants. Et cela vous donnera quelques conseils sur la façon d'ajuster les choses. Un peu d'un standard que vous pouvez utiliser lorsque vous regardez cette pente qui descend, c'est ce qu'on appelle la référence de bruit rose. Le bruit rose est comme, pas différent du bruit blanc où il est même du volume sur tout le chemin, mais il est en fait incliné vers le bas. Donc et, et c'est une norme que nous pouvons regarder et vous ne voulez pas vivre et mourir par ça. Mais en général, la chose la plus forte dans votre mélange devrait être la base, la base, et alors il devrait, les choses devraient devenir progressivement un peu douces et plus silencieuses à mesure que nous arrivons ici dans le territoire de la texture. Donc toutes nos mélodies et harmonies vont être visibles ici entre environ 80, 90 hertz et peut-être deux ou trois K. Et puis c' est toute l'ambiance, la texture et la présence. Alors que la sous-basse est ici. Et je peux même dire en regardant, que je peux probablement m'en sortir en tournant un peu mon tambour. Quel que soit le son ici, ce qui, je crois, est la plume du son de basse qui revient à porter un moment en arrière, c'est un peu fort. Je peux refuser cela et nous allons essayer d'atteindre et même la pente descendant. Et quand nous faisons ça, nous allons probablement mélanger tout autour notre kick drum en étant juste autour du négatif 10 ou négatif, 10 négatif ou 12 négatif est une sorte de référence cool. Donc, tout cela est juste plus de préparation pour le mélange. Nous comprenons les décibels, comment fonctionnent nos compteurs, comment ajuster l'intensité, comment mettre à l'échelle notre écran, comment regarder notre spectre et le faire dans une plage d'amplitude fixe. Et comment vraiment peut-être glaner quelques conseils de ce que nous voyons quand nous regardons ces interfaces. Donc pour notre prochaine vidéo, nous allons parler de la mise en scène de gain et de la marge de manœuvre. Et nous allons commencer à construire notre pyramide mixte juste au coin de la rue. Tenez-vous bien et je vous verrai dans la prochaine vidéo. 35. Réaliser la tenue autour des bases: D' accord, on est de retour pour la première partie du mixdown. Cela va être très amusant et il y a quelques petits principes cool que j'ai un peu mis en avant dans la vidéo précédente que nous allons pouvoir couvrir. Tout d'abord, avant d'arriver au mix réel, une technique vraiment géniale que je veux m'assurer que tout le monde regarde d'abord votre mixeur et si vous avez une automatisation sur l'un de ces faders de volume, comme peut-être que je l'ai fait ici sur mon piste de freins, j'ai eu un peu d'automatisation du volume ici pour le remplissage du tambour. Il est tout à fait logique de libérer ce fader et vous ne voulez pas abandonner l'automatisation parce que c'était une chose cool que vous avez fait. Vous pouvez juste prendre la piste et frapper la commande G. Et ça va la mettre dans un autre fader essentiellement mix. Et vous pouvez le plier et même le renommer avec la commande R. Et maintenant vous avez un nouveau contrôle de volume pour cette piste globale. Et cela préserve toujours l'automatisation du volume. Donc, il y a beaucoup de travail pour contourner l'automatisation du mélangeur pour le volume, mais c'est probablement la meilleure parce que cela va juste rationaliser cela vous permettre d'avoir encore votre automatisation. Vous pouvez toujours modifier votre automatisation. Tout est toujours là. Vous pouvez voir que j'ai une petite pompe de volume sur le remplissage de mon tambour. C' est cool. Donc comme si j'aimais ça. Je ne veux pas laisser tomber ça. Il suffit de frapper la commande G et de le regrouper dans une autre piste, de le regrouper dans un bus, puis de le plier. Donc c'est plutôt serré. C'est un bon pourboire. L' autre chose qui vaut la peine de mentionner est, je suppose que l'étape suivante, une fois que vous avez tout plié en groupes, c'est de passer par votre table de mixage et de tout couper. Alors éteignez tous vos bus. Donc le théâtre peut fondamentalement vous ne serez pas capable d'entendre quoi que ce soit. Et regardez ici, j'ai une automatisation rapide ici sur cette piste. Maintenant, c'est ma piste de basse originale. Je vais aller de l'avant et regrouper ça pour que je puisse le couper en sourdine. Même affaire. On va tout mettre en sourdine sauf le coup de pied. Comme ici, j'ai mes enfants de batterie ici sont vraiment, vraiment génial chose que vous pouvez faire maintenant est que vous pouvez soit groupe que ou vous pouvez juste faire une piste séparée juste pour votre tambour de kick. C' est un mouvement classique vraiment cool pour, en particulier pour la musique C'est kick drum lourd comme techno ou house ou tout ce qui est comme de la vraie basse lourde. Vous pouvez faire une piste juste pour votre KYC. Et puis ce que vous pouvez faire est d'ouvrir le kit de batterie, couper le son de kick drum dans le mélangeur. Et puis juste ici, appuyez sur Option Command I et prenez l'audio de votre kit, kick drum. Et une fois que vous faites ça, c'est honnêtement, c'est probablement mieux de le faire. Nous allons prendre les effets de post, puis le mettre en mode moniteur d'entrée. Maintenant, on peut juste déplacer ce type ici. Nous avons une piste séparée maintenant juste pour notre kick drum. Chose cool à ce sujet est que, alors que maintenant, quand le kick drum frappe, il ne comprime pas tous les autres tambours dans le KFC ont un compresseur séparé et une piste de distorsion pour tous vos tambours séparés du coup. Mais aussi c'est agréable et pratique parce que vous pouvez juste montrer juste le tambour de kick et seulement défendre dans le mélange. Maintenant, allons à la section où se trouve la goutte. Et j'ai juste une belle piste de kick drum. L' astuce de faire ceci dans ce cas est que si vous avez bien réglé votre compression et votre dynamique, vous allez vouloir revenir en arrière et faire cela. Donc je peux regarder cette rainure de tambour, jeter un oeil à ce qui se passe dans mon kit. Et le compresseur travaille beaucoup moins dur. Maintenant, dans ce cas, je n'ai pas vraiment de compression majeure sur les tambours. Donc je devrais aller très bien. Je vais renommer ce kit de groupe plié. Et puis je vais aller à ce tambour et lui donner un peu de compression. Je veux un peu plus de place là-dessus. Je clique, je peux tourner la scie. Décidez combien de cette tendance Zoom et un là-dedans, C'est cool. Asana. Donc, une fois que vous avez ce coup de pied sur sa propre piste, une technique classique vraiment cool ici est juste d'ajuster le kick drum. Alors mettez votre volume principal ici jusqu'à 0, puis ajustez le tambour jusqu'à ce que le fader principal atteigne un pic d'environ 10 points négatifs. Ce n'est pas une règle difficile et rapide que c'est une technique que j'ai apprise depuis des années et c'était vraiment génial. Donc, euh, juste comme le kick drum ici, jusqu'à ce que vous n'ayez pas à réinitialiser ces gars jusqu'à ce qu'il ait eu une ROM, dix négatifs, huit négatifs, neuf négatifs. On descend un petit peu plus. Et voici où je peux cliquer et déplacer le clic vers le bas et descendre à l'autre dv. Nous avons dit négatif 9.5, c'est génial. Donc maintenant ce que nous allons faire, c'est que nous allons, une fois que vous aurez le coup de pied au négatif 10, nous allons essentiellement l'utiliser comme un espace réservé mathématique serré pour construire notre ensemble Nick avec notre maître à 0 négatif et notre kick drum à 10 négatif, vous devriez être en mesure d'utiliser nos oreilles et de construire cette pyramide tout autour du kick drum, assurant que le coup de pied est comme la partie la plus agréable et claire. Mais avant de commencer à construire toute la pyramide, il y a un autre petit pas cool que je veux mentionner. J' ai ce tambour. Et maintenant, c'est l'une des rares étapes du mix où vous allez vouloir tourner les choses un peu plus fort dans votre salle de contrôle ou sur leurs écouteurs pour corriger un peu mon casque. Et on va aller à ma basse et je vais baisser ça, l'annuler. Et sans regarder les compteurs du tout, je vais juste porter ça jusqu'à ce que vous allez. Alors maintenant, j'ai apporté ce kick drum au goût comme un peu niché là dedans avec le gâteau. Si j'ajoute une sous-basse, je voudrais d'abord faire la sous-basse. Mais en gros, en utilisant vos oreilles, obtenez le coup de pied et la basse s'adapte parfaitement. Donc, en faisant cela, votre compteur devrait encore entendre être à droite autour de 10 est particulièrement le temps négatif, surtout si vous aviez une belle chaîne latérale là-bas, ce que nous faisons. Et c'est une sorte de début pour les pyramides. Les pyramides vont commencer le milieu et la devise pour la plupart, coup de pied et base sont généralement au milieu pour la plupart, au moins le bas de gamme. Et c'est un peu le début de votre pyramide mixte. Juste faire ce volume de la base pour goûter autour du coup de pied qui est négatif 10 avec tout le reste en sourdine. C' est donc un bon début pour construire la pyramide, et nous allons passer aux autres sons de la pyramide suivante. 36. Créer la pyramide: Bon, donc pour le prochain endroit, on va sauter ici. Nous avons notre pied et notre base, tous des coups de pied agréables et équilibrés à 10 bases négatives au goût. Et c'est maintenant que vous devez faire une sorte de choix de style selon que vous avez ou non des voix. Donc, l'une des premières choses que je voudrais mentionner est que si vous avez des voix dans votre piste du tout, vous voulez généralement mélanger leur volume à juste le coup de pied et la base parce qu' il y avait comme vraiment important et ils devraient être présents et bruyants sur le mélange entier. Et une excellente façon d'y parvenir est de les faire entendre autour du coup de pied et vous venez d'obtenir le coup de pied et le rôle de basse en apportant le chant. Peut-être même affiner l'égaliseur, assurer qu'ils s'intègrent là et la compression, obtenir que juste les voix principales pour s'adapter et ensuite passer à l'autre, autres voix dans le mix. Maintenant, dans ce cas, je n'ai pas de voix dans cette piste, donc je vais sauter cette étape. Mais je vais commencer à construire la pyramide maintenant. Et j'adore visualiser une pyramide mixte genre de nouveau avec la base de kickin au milieu étant mono. Et alors que nous commençons à descendre la pyramide, les prochaines choses que nous tournons, démuets et montons sont les prochains sons les plus importants qui vont être comme la plupart du milieu, plupart mono, mais ont un peu stéréo comme caisse claire, chapeaux hauts montent cymbales. Et quand on déménage, peut-être qu'on va aimer les instruments principaux. Et puis, comme nous avançons un peu plus loin, accompagnant des choses mélodiques, puis des harmonies qui sont généralement plus larges, plus silencieuses que tout le reste. Et puis à l'extérieur, nous avons les pistes d'effets sonores. Heureusement, nous avons organisé notre mixeur comme de bons producteurs. Donc c'est à peu près l'arrangement de notre mixeur, mais pas exactement. Alors allons de l'avant et passons à notre kit de batterie pour que je puisse venir ici maintenant un verrouillage ouvert. Et je peux commencer. Ceux-ci individuellement sont juste apporter l'ensemble du kit et Tate le faire au goût. Je vais le refuser. Je suis juste en train d'ajuster ça pour faire baisser ce tambour caisse claire un petit décalage de maintien pour des dixièmes de dB. Et on verra ces chapeaux ouverts ici. Et c'est plutôt bon. Je veux refuser ça, toucher à notre parcours. Voilà mes tambours. Maintenant. On a une autre piste de batterie juste ici. Retournons ça et écoutons ce type, nos groupes, notre équipe et nos flèches. Je sais que j'ai d'autres remplissages de tambour par ici. C' est bien d'avoir cet aperçu de l'arrangement. Maintenant. Je soustraire la percussion où fort et vérifier le niveau à l'intérieur du groupe. Cliquez sur. J' ai déjà ce groupe. Donc, je vais mettre des données. Et notre tamarin vers le bas. C' est vraiment bien. Donc maintenant, nous avons nos tambours ou base dans toutes nos percussions se déplaçant un peu dans la pyramide. Ces sons ont maintenant un peu de pan. Ils ne sont pas aussi bruyants que le coup de pied et la base, mais ils entourent le coup de pied et la base. Passons donc à nos instruments mélodiques. Ils vont être les prochains dans le genre de flux de travail. Donc je vais refuser ça et le ramener. Probablement aller dans une section de la piste où ils sont tous explosés et il ferait du losange. On y va. C' est comme nous où nous avions ceux pour vérifier l'intérieur du mélange. Ici, cette intrusive ou qui sait, ce qui va se passer, est que la plupart MOOC. On élève cette voix mélodique, juste une touche. C' est sympa de savoir que ça fait du bien. Essayons cette autre section. Je vais traverser nos deux milliers d'années. Et vous pouvez voir une règle générale que j'ai appliquée, c'est que la voix principale est un peu plus mono, plus au milieu et plus fort. Les voix d'harmonie comme les accords et les notes d'harmonie soutenant, celles-ci sont plus larges et un peu plus calmes. Il s'agissait donc de bien équilibrer les choses. Et maintenant enfin, regardons le patron de l'harmonie. Maintenant, je vais juste le solo pour m'assurer que nous nous souvenons de ce avec quoi nous travaillons. Ce pad à travers. L' API vous permet d'utiliser. Donc, cela semble bien convenir à notre toute dernière piste. On va se désactiver. Nos effets doivent se rappeler que ce sont ces pistes de retour isolées ont été enregistrées pour que nous puissions couper et la chaîne latérale et tout ça. Donc, ce sont des choses plus larges qui vont être les plus calmes. Tous nos petits symboles d'un seul coup, sons squishy et nos sons de transition sont ici aussi. Donc, nous pourrions vouloir nous déplacer tout au long de l'arrangement et nous assurer que nous obtenons la section rouge. Allons ici à cette partie. Maintenant, soudain, très gentil. Donc, nous avons un bon mélange, tout semble bien. Passons à la section suivante. Assure-toi d'avoir toutes ces minorités. Très gentil. Donc, une fois que nous avons tout en bas, remarquez que c'est beaucoup de sens de juste un peu comme une double vérification. Regardez ici et Master Channel et voyez où nous avons fini. Notre cible devrait être quelque part autour du négatif 5, négatif 6. Et les six dB négatifs sont vraiment le genre d'objectif standard de l'industrie pour une chanson remasterisée. Et nous allons rebondir et nous le ferons dans les prochaines vidéos. Nous venons de traverser et de construire notre pyramide. Et beaucoup de gens ont peur de faire cette étape parce qu'ils sont comme, Oh, je travaille déjà sur la chanson depuis si longtemps. J' ai mélangé pendant que je vais. Et c'est génial. Mais ce qui se passe, c'est que quand on travaille sur la caisse claire, on va vouloir qu'elle soit agréable et bruyante. Et quand vous travaillez sur les pads, vous allez vouloir que ce soit sympa et bruyant. Et quand tu pars à faire la chanson, tout doit être fort et juste. Mais il y a quelque chose d'important dans un mix quand il est comme luxuriant et il y a des sons qui sont en arrière-plan, des sons qui sont tous en avant. Tous les membres du groupe ne devraient pas être juste en face de la phase d'audience. Et nous sommes capables d'y parvenir assez efficacement en reconstruisant des armes expérimentées à partir de zéro. Beaucoup d'écoles de pensée ici, là-bas dans le monde sur la façon de mélanger la piste. C' est juste l'un des nombreux. Mais commencer à construire votre pyramide autour de votre coup de pied à 10 négatif, élever votre base au goût, puis faire des voix si vous en avez, puis déplacer votre chemin vers le bas de la pyramide jusqu'à enfin vous obtenez les effets sonores et, et les sons de transition et tels qui sont les plus larges et les plus silencieux, cela va généralement donner de bons résultats dans la mesure où le mixdown est mélangé. Donc nous sommes prêts à tout virer. C' est ce qu'on va faire dans la prochaine vidéo. Alors merci de traîner avec moi. D' accord. 37. Paramètres de rendu: Très bien, on est de retour, on a notre mixage et vraiment bon. On est plutôt heureux avec ça. Maintenant, il est temps de faire quelques réglages de rendu que nous allons faire dans cette vidéo, c'est que nous allons rebondir notre prémaître négatif de 6 dB. Maintenant, nous avons déjà construit notre mix autour d'un coup de pied à 10 négatif, ce qui nous a laissé à environ 7,7 négatif, ce qui est assez doux. Laissons ça à la goutte et voyons ce qui se passe. En fait, je pense que peut-être surentend vraiment quand les choses tournent. Le négatif 6 quelque part entre le négatif cinq et le négatif huit est généralement bien. Et comme vous le remarquez, je vérifiais mon spectre ici juste pour voir comment cette pente regardait. C' est notre dernière chance de faire des ajustements mixtes les feuilles devraient être probablement piquer un peu. J' ai l'impression que les harmonies sur cette base sont un peu chaudes. Donc c'est notre dernière chance de passer et de faire des petits ajustements finaux. On a un peu moins six par ici. Je vais regarder le ciel une fois de plus. Donc je peux juste prendre une petite note, je peux dire, accord, eh bien cette note F et ce g, qui sont tous les deux rouges autour de 350 et 400, ainsi que peut-être ce 580 à 350 à 400 et 500, 600. Je peux juste aller sur ma piste de basse et peut-être que l'équipe qui est déjà un peu nichée dans, mais je vais me donner un petit noeud de plus, rouge autour de la gamme 350 à 400, un peu plus étroit. Poussez un peu ces gars vers le bas. Et ce gars, peut-être que je vais faire tomber juste un petit peu plus et peut-être pourquoi a fini juste après notre ombre CR maintenant, ils sont un peu plus même à travers et un peu moins l'avait fait régulièrement. Ça a l'air bon à mes oreilles. Donc, dernière chance pour colonne dans chaque semaine sur le mix, double-vérifier vos niveaux, obtenir entre le négatif six et le négatif huit. Et maintenant, nous pouvons simplement aller de l'avant et sélectionner tout sur l'arrangement entier avec Command a, puis appuyer sur Command L pour régler la course en boucle autour de tout le truc. Shift Commande R pour rendre sur le disque et faire nos os. Maintenant, si vous avez fini avant de faire le rebond, avoir besoin d'ajuster n'importe quelle marge de manœuvre ici, comme si c'était trop fort ou trop calme, vous pouvez juste ajuster votre gain ici. Une autre chose que vous pouvez faire si vous le voulez est que vous pouvez tout sélectionner sur votre mélangeur entier. Et comme dans ce cas, nous voulions que ce soit jusqu'à six négatifs. Perfectionnons ça. Négatif six, c'est assez parfait moment tambour rempli. Avec tous ces sélectionnés bien que je puisse cliquer ici et je peux maintenir Shift et je suis en train d'ajuster le mélangeur entier en dixièmes de dB. Essayons ici, qui est trois, négatif quatre un peu trop loin. Réinitialisez-le. Et tu gardes une trace ici. Super. Donc CR j'ai sélectionné tout et faire un petit clic de décalage juste pour équilibrer. Je peux aussi juste ajuster cela, mais notre objectif est autour de six négatifs et la partie la plus forte de la chanson. Et une fois que nous avons sélectionné tous, nous pouvons appuyer sur Shift Command R pour accéder à nos paramètres de rendu. Et les grandes étapes que vous voulez vous assurer que vous double-vérifiez ici est que vous avez tous ces gars désactivés en particulier convertir ou évidemment convertir en mono. Mais normaliser, vous voulez vous assurer que vous avez off. Et puis habituellement mettre ceci à 24 bits. Et sans dither, vous n'avez pas vraiment besoin de faire un MP3 à ce stade, mais c'est généralement vos paramètres de rendu. Si votre audio a été enregistré à l'origine à 441, vous pourriez probablement rebondir à 40 pour un. Parfois, cela vous donnera l'occasion de définir les os et de doubler le taux d'échantillonnage. Pas vraiment nécessaire pour la musique électronique, mais si vous faites une musique de musique de film ou musique classique et enregistré dans l'orchestre ou quelque chose où les subtilités dans la gamme de fréquences peuvent être vraiment, vraiment super important. Cela peut être une théorie que certaines personnes adhèrent à connaître. Dans ce cas, j'écoute à 44, je peux aller dans une de mes pistes audio et je peux jeter un oeil à cet échantillon. C'est au 441. Donc mon, tout mon audio et cette session est 44 1s. Donc maintenant je vais vraiment rebondir à 441 ou le double à 88 pour éviter 48 ou 96, je vais le mettre à 44, 124 bits. Ça a du bon sens. Toutes ces choses ont été éteintes. Maintenant, je vais faire mon équilibre. Et le dernier petit conseil pour cette vidéo est à la fin du nom du fichier. C' est là qu'il est vraiment logique de le mettre peut-être un trait de soulignement et ensuite de faire six négatifs. Prémaîtriser toutes les majuscules à la fin du nom du fichier. C' est important parce que c'est un fichier calme avec toute cette marge de tête sur le dessus et des trucs de haute résonance. Vous ne voulez pas vraiment mettre cela accidentellement sous SoundCloud ou tout ce qui a du sens pour le garder séparé. Donc en appuyant sur Sauvegarder maintenant, il va rebondir mes 6 entailles de fichiers négatifs. Et ça va être la chose que nous allons ramener dans Master et nos prochaines vidéos. Donc, quand il s'agit de ce prémaître, avoir ce nom de fichier correct a beaucoup de sens. Il est également très logique de garder cette chose bien organisée. Mettez-le dans le dossier du projet et assurez-vous juste que chaque fois que vous allez sur la route, je ne sais pas, faites un MP3 ou partagez une piste avec quelqu'un ou autre. Il suffit de garder ce genre de fichier négatif 6 sous enveloppements juste pour vous parce que encore une fois, c'est calme. Il n'a pas encore de fondus ou quoi que ce soit. C'est sur le maître. Et c'est pour ça que j'aime vraiment que ce nom de fichier soit vraiment trié. Et au-delà de ça. Et c'est à peu près tout. Donc, une fois que ces choses ont été déclenchées, nous pouvons appuyer sur le bouton pause et nous passerons à maîtrise de cette piste la semaine prochaine pour les leçons de mastering. Donc, d'accord, passez une bonne nuit. 38. Maîtriser la théorie: Tout le monde, on est de retour. Cette série de vidéos. Nous allons couvrir certaines techniques de maximisation ou de mastering. Vous pourrez l'appliquer à vos mixes stéréo. En d'autres termes, après avoir rebondi sur une piste comme nous l'avons fait dans les vidéos précédentes, c'est un fichier WAV plus silencieux. Nous allons être en mesure de le ramener, en mesure de suivre ces étapes, de le pomper et de s'assurer qu'il est aussi fort et clair que possible. manière générale, lorsque vous mélangez, unemanière générale, lorsque vous mélangez, attribuez votre genre de mélange tranquillement, en vous assurant que tout est bien équilibré par rapport à tout le reste. Alors que quand il est temps de le maîtriser, il s'agit de le faire être aussi bruyant et clair qu'il peut l'être en référence ou par rapport à d'autres pistes peut-être dans votre flux. Parce que c'est peut-être la dernière étape que tout le monde va toucher la chanson avant qu'elle apparaisse sur Spotify, Pandora, iTunes ou tout autre service de streaming que les gens utilisent. Et vous voulez vous assurer que lorsque votre chanson arrive, elle est aussi forte et claire que les précédentes chansons mélangées et maîtrisées professionnellement. Donc il y a un peu d'une vieille théorie ici appelée la guerre de l'intensité sonore. Même aux débuts de la radio, les chansons qui vendaient le plus de disques étaient celles qui étaient les plus bruyantes. Parce que quand ils viendraient sur le DJ, vous savez, jouerait la chanson suivante à la radio et permettait une chanson attirerait l'attention de tout le monde. C' était donc la naissance de la guerre de l'intensité sonore. Et maintenant, c'est pendant que je crois que les gens ont vraiment grandi en quelque sorte et cherchent quelque chose qui est un peu plus dynamique et essentiel que la chose la plus forte possible. Certainement surtout dans les genres modernes de l'EDM et d'autres choses. L' intensité sonore est toujours très importante. Je sais que j'ai digit beaucoup de mes propres chansons sont des œuvres en cours à l'époque où je n'ai pas fait ça. Et souvent, vous devez monter le mélangeur DJ et ça ne semble pas aussi bon. Donc, nous voulons vraiment nous assurer que quiconque écoute même à la maison peut entendre tous les sons et c'est agréable et clair. Et cela va nous permettre d'optimiser l'expérience de nos auditeurs. Donc maximisant, j'aimerais appeler ce genre de processus de mastering. Et il s'agit vraiment de monter cette sonie. Donc, si vous vous souvenez en regardant le canal principal, un bon endroit pour commencer est de monter vos mètres à l'endroit où ils sont beaux et chauds, attacher bien et haut. Et vous voulez vous assurer que votre compteur, vos volumes sont tous de 0 à 0 négatif. Donc, il y a tout le chemin vers le haut. Et nous serons en mesure de regarder quand nous importerons notre piste et nous assurer, vous savez que le pic ci-dessous est toujours autour de six négatifs. Et nous allons pouvoir voir que la mesure RMS aussi bien que nous parlions dans les vidéos précédentes. Et ici sur le maître, après avoir tout pompé, vous verrez que RMS devient de plus en plus fort. Et finalement, comme le niveau RMS se situe dans environ six dB des pics, vous vous approchez d'un bien maîtrisé ainsi de suite maintenant, si c'est bien mélangé, il est probablement déjà assez proche de cela. Mais différents styles nécessitent un niveau différent de RMS. Et en général, si vous faites de la musique électronique, le DJ va jouer ou être joué à un festival ou dans un club. Vous voulez que ce net, cette valeur RMS soit quelque part autour du négatif quatre. Donnez ou prenez quelques dB, quelque chose de moins que ça, comme négatif trois va sembler assez rugueux à moins que ce soit E parfait. Et rien de plus que ça, comme le négatif 6 ou le négatif 7 ne sera pas assez fort pour s'accumuler sur les autres morceaux de votre playlist. C' est donc un peu à propos de la norme RMS. Une autre chose que je voudrais mentionner vraiment, très rapide, c'est que vous voulez vous assurer que si vous savez que vous maîtrisez le MP3 ou simplement le service de streaming, c'est juste un peu une approche différente que si vous maîtrisez le vinyle. Par exemple, le mastering vinyle est sa propre forme d'art et nous ne le couvrons pas du tout dans cette classe. Je suppose qu'après avoir rebondi ces morceaux, vous allez les mettre sur Bandcamp ou SoundCloud ou les télécharger pour détruire Kid ou quoi que ce soit. Donc ils montent sur Spotify ou battent le port. C' est pour ça que nous préparons des trucs. Il s'agit donc de maîtriser l'ère numérique et maîtriser idéalement nos pistes pour devenir des MP3, ce qui est un peu douloureux. Mais c'est ce qui est. Donc, pour préparer une session à nouveau, nous voulons nous assurer que je suis nos volumes ici sont tous à 0. Et en général, vous pouvez vous débarrasser de n'importe quelle piste que vous avez à l'exception d'une piste audio. Et je veux aussi vous assurer qu'il n'y a pas d'effets par défaut là-dessus. C' est le genre de configuration qui va passer ici à la vue Arrangement, va éteindre la grille aussi, donc nous pouvons simplement laisser tomber des choses sur. C' est comme un jeu de cassettes maintenant. Et on pourrait même se débarrasser de la quantification de lancement ou du comptable si on en avait un. Donc, cela va maintenant être un peu tout mis en place pour le mastering sur une seule piste. Et dans notre prochaine vidéo, nous commencerons à empiler des effets sur notre piste et à le faire sonner bien et fort. Tellement toxique. 39. Préparer au maître: Bon, maintenant que nous sommes de retour ici et prêts à commencer à importer notre session et à préparer le mastering. Je peux onglet sur la vue de l'arrangement et je peux faire quelques mouvements de configuration rapides. Tout d'abord, je peux appuyer sur la commande F4 pour sortir de la grille. Donc je n'ai plus de grille d'édition et je peux aussi aller dans le comté. Et si j'en avais un et que je m'en débarrasse, ça va être ennuyeux quand je maîtrise. En plus de désactiver la quantification de lancement. Cela va maintenant fonctionner comme un deck de bande stéréo. Et je peux faire glisser ma piste et la préparer pour le mastering. Donc je vais aller de l'avant et prendre mon air, mon prémaître négatif de 6 dB. Et je vais le déposer. Et je vais m'assurer que je regarde ici que j'ai le fichier négatif 6 db et je vais regarder à travers la salle de tête tout le long et voir s'il y a de gros pics bruyants. Même ce type est peut-être un peu discutable. Si je voulais vraiment être super anale, je pourrais aller dans le mixdown et comprendre ce qu'était ce petit coup de tambour. C' était un peu fort ou un son de percussion. C' est peut-être un enregistrement sur le terrain. Mais dans l'ensemble, avant de maîtriser, Il est toujours agréable de voir une belle étape même gain tout le chemin sur toute la piste. Bien sûr, il devrait y avoir de la dynamique. Mais si vous aviez comme un gros pic aléatoire qui sortait plus grand que ce que vous voyez ici, vous allez probablement vouloir revenir dans le mix et le réparer. Cela va bien sûr être lissé dans le mastering. Mais plus le mélange est bon, moins le mastering doit vraiment évoquer, et mieux le produit final sonne. Maintenant que nous avons importé la piste et que nous pouvons la voir sur la chaîne. Il est logique de double-cliquer et de regarder et de s'assurer d'abord que ce n'est pas en mode déformation. C' est vraiment, vraiment important. Et on m'a dit de foirer ça, si vous avez votre piste déformée du tout. Et puis en plus de cela, vous voulez mettre des fondus sur l'extrémité avant du fichier. Il s'agit d'une étape souvent négligée mais critique du processus de mastering de l'ingénieur. Alors allons faire glisser ça jusqu'au début de la chanson. Et maintenant, je vais juste dire le premier son que j'entends. Je veux généralement l'avoir autour de la première 16e note. La théorie ici est qu'après avoir frappé Play, vous avez comme une fraction de seconde pour retirer votre main du bouton avant d'entendre le premier son. Cela va s'assurer qu'aucun fondu audio ou quoi s'estompe et qu'il enlève le coup de poing du premier son. Comme par exemple, tu avais un morceau qui a commencé comme boom, et tu l'as laissé tomber comme ça. Tu ne voudrais pas le maîtriser comme ça. Vous voudriez zoomer. Vous pouvez voir ma 16e note ici, il y a mon premier 16e. Je mettrais probablement ça comme lu quelque part ici. Et puis j'allais sur ce premier coup et je m'assurais que ce phage voit comment il était encore assez lisse ce premier coup, c'est le ghetto. Vous voulez d'abord qu'il soit entièrement là, mais vous ne voulez pas de flux car cela sonnera potentiellement comme un clic. Donc quelque part là-dedans avec juste un peu de fondu, environ une 16ème note, et ça sonnerait comme ça. Très bien, alors quand tu retires ta main, ça frappe le jeu. Maintenant, dans le cas de notre production, nous étions intelligents et nous sommes allés de l'avant et lui avons donné un peu de silence et le début de la piste. Donc maintenant je peux juste dire, d'accord, allons par ici. Obtenez ce premier coup pour être quelque part un peu avant la première 16e note, c'est une belle petite quantité de souffle, peut-être un peu moins. Et puis je vais aller de l'avant et mettre un peu de fondu ici pour m'assurer qu'il n'y a pas de clic au début. Essayons. Donc ça sonne bien et se sent bien. Maintenant, on va aller au bout de la piste et faire la même chose. Allons ici et voici où j'aime vraiment voir mes compteurs parce que nous allons attendre le son devienne complètement silencieux. Et on dirait que c'est silencieux, mais ce n'est pas le cas. On va attendre que ce truc s'en aille jusqu'au bout. Juste là. C'est génial. Et je peux voir où est cette ligne. Allons me traîner à travers juste là. Et puis je peux aller de l'avant et frapper le fondu. Essayons ça. Et imaginez combien de temps est-ce que je veux que ça joue avant que la prochaine chanson commence ? Donc, je vais vraiment le rapprocher un peu plus. On va juste à la finesse et à l'altro fondu. Ceci est à nouveau négligé. Mais technique importante des ingénieurs de mastering pour laisser cette chose disparaître. C' est probablement génial. En fait, j'ai l'impression que c'est encore un peu assez de temps pour que la prochaine piste de Pandora s'estompe ou n'importe quoi. Donc, c'est une bonne configuration. Donc maintenant, ce que je vais faire, c'est que je vais attraper cette course de boucle, et je vais la traîner jusqu'au tout début de la chanson, assurant d'inclure tout silence que j'ai mis manuellement là-bas et ensuite mettre ceci à la toute fin de la piste. Rapprochez-vous un peu ici. Mon conseil est de le faire jusqu'à la fin. Maintenant, nous avons une bonne configuration ou une piste est importée. Nous pouvons voir l'ensemble des accolades de la scène de jeu autour de toute la quantité de temps avec des fondus. On n'est pas en mode déformation. Et maintenant, il n'y a pas d'ajout, il y a des ordures supplémentaires dans la session non plus. Comme même si vous aviez des pistes de retour, vous pouvez aller de l'avant et supprimer tous ces gars. Des séances supplémentaires, des trucs supplémentaires ? Toujours, bien sûr, assurez-vous qu'il n'y a pas d'effets par défaut sur la piste. Les volumes sont tous à 0 également. Donc, cela est juste supprimé à 0. Et nous devrions être bons pour y aller, il suffit de commencer à traiter cette piste et de la pomper et de la rendre agréable et bruyante fera cela dans la prochaine vidéo. 40. Maximiser: D' accord, donc la vidéo que vous attendiez tous, c'est maintenant la section de traitement du maître en classe, donc nous l'avons importée, tout va bien, beaucoup de marge de tête s'estompe et s'estompe. Tout se sent bien. Il est temps d'appliquer un peu de sauce. Donc, la théorie générale des tranches de console que nous avons abordée dans cette classe dans le passé, en particulier dans le niveau de mixage autour de commencer par les effets de fréquence où vous coupez, puis les effets d'amplitude où vous pressez la dynamique. Et puis peut-être une saturation ou une distorsion pour ajouter des harmoniques. C' est l'idée de base, le même flux que nous allons suivre. Cela va être encore plus précis. Donc, de façon générale, les principaux dispositifs que nous utilisons dans notre tranche de console de mastering lorsque nous travaillons entièrement dans Ableton sont les suivants, EQ Eight puis dynamique multibande, puis compresseur de colle. Et ce sont les trois types d' outils de mastering standard que vous allez utiliser à peu près à chaque fois. Maintenant, marchons à travers la mise en place de ces choses comme nous l'avons fait avant. On va vouloir couper la base. Maintenant, je pense que je vais aller à une partie de la chanson C'est gentil et fort. Je vais juste y aller. C' est basé sur la cellule abandonnée. C' est un peu un rôle là-dedans. Je vais m'assurer de ne pas être stimulant du tout et je suis juste coupé et généralement quelque part entre 2033 hertz, 2528 est généralement un assez bon endroit. J' ai cette très profonde sous-basse Robin Wall, que j'aime vraiment. Donc, je veux préserver ça autant que possible et essayer de m'approcher. Et oui, ça fait du bien. Alors j'ai coupé la base, c'est facile. La prochaine chose que je ferais est peut-être de l'essorer un peu. Alors allumons un groupe. Et si vous vous souvenez du mélange, nous essorons habituellement quelque part entre trois ou 400 hertz jusqu'à environ six ou sept k. C'est vraiment la zone que nous voulons surveiller. Donc, dans l'ensemble, cela me semble assez agréable à mes oreilles, donc je ne vais pas y penser trop dur. Et je me souviens, n'oubliez pas cette technique de mixage et de mastering où vous pouvez rendre votre groupe plus étroit et isoler seul. Certainement un anneau et aller à droite là a pris 3.06 hertz. Maintenant naturellement avec un contenu qui a beaucoup de mélodie, d'harmonie et de clé, il va devenir plus fort lorsque vous frappez des notes qui sont dans la clé comme cette clé de péché. C' est au Qi. Doo, Doo Doo. Donc, nous écoutons idéalement les choses qui ne sont pas souhaitables. ai certainement eu quelques SS grinçants ici comme ce gars. Ce n'est en aucune façon. Je ne pense pas qu'on coupe ça juste pour toucher. Donc, nous pourrions le faire quelques fois si nous voulions savoir l'ensemble et écouter et se sentir comme c'est assez solide, Faisons un de plus et juste voir si nous pouvons faire une pente plus douce ou un coup de pouce. Je vais donner cette nouvelle sauvegarde autour de quatre ou cinq dans la file d'attente. Certainement des trucs qui se passent là-bas. Je vais prendre ce sujet. Et c'est une sorte de processus que vous pouvez répéter sorte de ad nauseum, mais le faire en petites quantités et généralement le faire au calme ou des volumes pour vous assurer que vous n'êtes pas fatiguant vos oreilles inutilement une fois que vous avez fait un peu ou sonner, je aiment aussi regarder le très, très haut et faire du sucre parfois sur un accident, surtout quand vous travaillez dans un casque, vous vous retrouverez avec des boosts inutiles ici et qui peut être vraiment pousse sonique. Alors prenons une étagère. D' habitude, on va à environ 10 K. Et on va écouter les étagères. On va voir des pics ici. Ces petites fréquences n'auront pas trop d'importance à des niveaux silencieux. Mais quand vous le faites monter ou que vous êtes devant un grand système sonore et ils vont être assez méchants. C' est donc la configuration de l'égaliseur. C' est donc une grande partie des étapes de mastering ou de maximisation, ces égaliseurs soustractifs. Et je vais probablement les retraiter après avoir appliqué une compression de colle et un écrêtage doux, tout comme nous l'avons fait dans le mélange, où il y a cette relation entre serrer la dynamique et couper l'inutile fréquences. Mais nous allons, je vais laisser ça pour l'instant et nous aurons une chance de faire plus de lecture et de venir bientôt. 41. Récepteurs supplémentaires: Bon, maintenant qu'on a appliqué un égaliseur, allons-y et passons à la dynamique multibande. Je vais éteindre le compresseur de colle. Et puis je vais suivre, je vais vous expliquer comment composer correctement l'appareil NVD. Ce gars est vraiment gentil, vraiment puissant comme il commence habituellement que vous voulez solo chacun des trois groupes. Il s'agit de trois compresseurs différents en parallèle. Un juste pour les bas, un pour les hauts, et un pour le milieu de gamme. Ces petits curseurs vont régler la bande de fréquence pour la coupure. Donc, si je solo ça, je n'entends que les fréquences supérieures à 2,5 K, et ainsi de suite. Alors ajustons ça. Je veux obtenir autant d'informations dans les hauts et les bas pour un peu rétrécir sur les médiums, essentiellement séparer mes instruments au mieux de mes capacités. Donc je vais solo ce groupe et ajuster ça jusqu'à ce que je puisse juste entendre le genre de scintillement et pas le corps de l'un des sons moins parfois j'écouterai la caisse claire. Et je ne veux vraiment pas entendre trop de piège et ce truc tout, à part peut-être juste un scintillant et chatoyant. Donc c'est cool. Maintenant, faisons les bas. Je vais aussi écouter le piège, par exemple. Je vais parler de ça, mais assurez-vous que je n'entends pas la fissure du piège du corps. C' est sympa. Maintenant, il n'y a pas de sous-marins et pas de but scintillant. C' est donc la première étape. La prochaine étape sera en mesure de regarder chacun de ces groupes et de décider lequel d'entre eux est le plus dynamique. Et s'il a besoin d'une compression, habituellement celui qui se déplace le plus sera le premier à traiter. Et vous pouvez dire que nous sommes en mode RMS parce que cela est activé. Donc, nous examinons simplement les moyennes qui ont le plus de sens à ce stade. Quantité décente de dynamique à travers le conseil. Commençons par le plus haut. Donc, pour comprimer les hauts, je vais le faire, c'est mon seuil en ce moment. Je vais attraper ça, je vais le tirer vers le bas à r. Je suis juste un peu tique quand ces sommets. En gardant à l'esprit, c'est mon compresseur RMS. Et maintenant, je peux cliquer au milieu et juste tirer vers le bas. Je clique ici en tirant verticalement vers le bas. Et vous remarquerez que ces petites lignes horizontales se rapprochent. Qu' est-ce qui se passe là, c'est que ce qui était 10 dB ? Toutes les lignes verticales ici, excusez-moi, verticales sont à 10 décibels de part. Et au fur et à mesure qu'ils se rapprochent en cliquant ici et en tirant vers le bas, nous diminuons la quantité de dynamique au-dessus du seuil. Ce genre de façon cool de regarder la compression. Donc maintenant que j'ai fait ça et ça semble encore assez cool. Je peux voir au mieux que je fais 10 dB de réduction de gain là-bas. Alors maintenant, je vais à ce jeu de sortie et tourner cela à environ 10. Maintenant avant que je ne fasse trop de ça, je vais sortir un solo pour l'entendre et ajuster ça pour goûter à ce que je tourne autour de la ville. Supposons que ça s'appelle ça. Qu' est-ce qui vient de frapper ces petits Grayson, ces sommets ? Maintenant, ajoutons un peu de compression en tirant vers le bas un peu plus bas. En regardant, je coupe environ cinq. Prenons ça en solo et reprenez-nous notre niveau entier pour équilibrer cela jusqu'à environ cinq points négatifs et cinq positifs. Encore une fois, je suis juste en train d'ajuster cela au goût approximativement de faire autour de ce nombre. Génial, donc ça semble plutôt bon. Nous allons AB que Marla tellement présences, gain et tête multi-bande scène dynamique. C' est toujours un peu choquant que j'ai fait des millions de fois. Maintenant, faisons le solo de la basse et faisons la même chose. Nous voulons être très prudents de ne pas trop compresser la basse, mais je vais écouter et je vais aussi couvrir certains de ces paramètres vers le haut ici pour la base, ce pourrait être amusant, donc je vais regarder et nous allons voir où cela compression devrait être. Habituellement encore une fois, le seuil devrait simplement chatouiller les sommets, en s'assurant que lorsque le signal se calme va définitivement au-dessous du seuil. Et maintenant, je peux ajouter un peu de compression ici. Vous pouvez voir les petits compteurs VU commencer à le séparer. Cela indique combien de réduction de gain il y a, environ trois. Et encore une fois, je ne l'équilibrerai pas tant que je ne l'aurai pas sorti. Un solo, bien sûr. Donc, une autre chose que vous pouvez faire avec la base et avec l'une de ces fréquences est que vous pouvez l'appliquer vers le haut, la compression ou l'expansion. Donc, si je soulève ça comme ça, et que j'évoque la compression ici, ça va essentiellement garder la base aussi bruyante. Donc si j'aime la compression lourde, qui est vers le haut dans ce cas, ça pousse cette sous-basse vers le haut. En d'autres termes, ne pas laisser les sous-basses se calmer. C' est comme le réglage OTT. Vous avez vu ces presets OTT, je suis sûr, surtout si vous êtes nouveau à ETM, trucs de faire émis super-duper forte compression vers le haut est vraiment cool. Une autre chose qui est vraiment serré que vous pouvez faire avec cet appareil que j'aime vraiment, surtout si je fais un peu, dire l'ingénieur de mix original moi ou quelqu'un d'autre sur compresser la basse. Vous pouvez en fait inverser cela et voir comment si j'ai tiré vers le bas maintenant, je suis en train d'étendre les lignes verticales. Donc ils sont plus éloignés, vont rajouter un peu de rebond à ma base. Donc, chaque fois que la base dans ce cas tombe plus silencieuse que le seuil, elle va la pousser vers le bas et hors de la façon dont elle est un peu comme le fait une porte. Écoutons ça. Maintenant, c'est ajouter de la dynamique aux parties calmes du son. Maintenant, dans ce cas, donc mes oreilles, je veux un peu compresser vers le haut. Donc je vais donner un peu de compression à ça. Écoutons ça tout à fait. Nous ne ferions pas d'algorithme de boucle, par exemple. Et c'est plutôt bien, disons B. Et voici ce que ça ressemblait avant. Le film américain. Chose amusante que vous pouvez faire avec la dynamique multibande aussi, c' est qu'il y a une échelle ici, un montant pour tous les rapports. Donc, si vous baissez cela quand c'est comme l'éteindre et que vous pouvez faire plus ou moins. Parfois, je finirai par en faire un peu trop et je vais tirer ça juste un peu en arrière pour obtenir un peu plus dans le genre d'état dynamique sexy. Ce qui se passera, c'est que si c'est trop fort, quand vous le tournez fort, ça va vous blesser les oreilles. Et donc c'est encore une chance de revenir en arrière et de faire plus d'essorage si vous vouliez une interface. Essaie ça. Enfin, tout cela semble assez brouillard et bon pour moi. Et laisser sortir un peu plus. La compression est un algorithme de sous-zones, par exemple, ou perdre. Super. Donc oui, c'est, je veux dire dans l'ensemble je qui l'égaliseur avait l'air assez gentil sur cette chose et la dynamique multibande certainement aussi. Écoutons. Mais une dernière fois sans aucun défaut, ils sont grands à certains heureux avec cela. Last but not least, il est temps d'allumer le compresseur de colle. Donc, le compresseur de colle est vraiment deux appareils différents dans un, par défaut, vos clips souples, qui pourraient être éteints et ceci est probablement en panne. La première moitié du compresseur à colle est le type de compresseur réel qui est basé sur le seuil. Et puis ces trois contrôles maintenant, toute réduction de gain que vous allez évoquer va montrer la mesure. Et dans ce cas, si je vais faire quelque chose avec la moitié gauche de l'appareil, je vais juste lui donner quelques dB de compression peut-être. Et en général, dans le mastering, vous voulez que cette chose soit assez rapide. D' habitude, je ne monte pas vite, mais comme point de départ, c'est un bon début. Et je vais abaisser ce seuil. Juste une visite tactile. Je suis juste chatouiller dans un peu des pics est une tisane. Et en fait, je, je n'aime pas trop cette compression, donc je fais juste assez honnêtement, ça va repousser ce très petit gars flagrant. Voyons voir, regardons ce petit mètre sauter quand il frappe cette petite partie bruyante du signal. Effrayant parce que c'est comme le pousser vers le bas, le pousser vers le bas comme une DB ou quelque chose comme ça, c'est bon. Bon, maintenant passons à la seconde moitié de l'appareil. Et je vais aller sur cette section, l'amener ici. Pour la seconde moitié de l'appareil, je vais activer la limitation souple coupée. Il y a deux. Le limiteur de clip souple a un peu de lumière lorsque vous conduisez dedans avec le gain de maquillage ou la perte. Donc je fais maintenant, c'est que je tourne ça et dire que je commence à voir cette lumière clignote juste un petit peu. Et maintenant que je pensais que Flickr j'ai lâché. Touchons à nouveau là où on s'est arrêté et voyons cette lumière se retourner à peine. C' est là que j'ai appuyé sur Pause et j'ai l'onglet sur la table de mixage et je jette un coup d'oeil à cette table de mixage. Souviens-toi que je suis là à 0. Et donc mon, idéalement quand je pousse ce gain de maquillage, juste quand je vois ce scintillement, c'est quand mes pics vont frapper 0. Et en fait, vous pouvez voir que ce champ ici se souvient de mon dernier pic, la limite de clip souple ou vous atteint à 0,5 négatif. Donc encore une fois, si je réinitialise cela, baissez ceci à l'endroit où le pic à 5,5 négatif , ramenez cela. Donc, en général, quand vous devez baisser un peu vos haut-parleurs, le système va commencer à devenir fort. Et vous pouvez voir juste là, vingt-cinq ans. C' est ce que les limiteurs de cessation de service SAR facteur général à l'inverse. Et maintenant, je peux décider combien de RMS je vais enfin avoir, tout comme je l'ai mentionné dans les vidéos précédentes aujourd'hui, RMS Headroom est combien de zéros ici, volume moyen. Et donc nous voulons amener le RMS généralement quelque part autour des points négatifs quatre et négatifs cinq pour le type de volume maximum de choses EDM. Et si je monte comme ça, ça va faire monter ce RMS super fort. Il va aussi évoquer beaucoup de coloration ou de distorsion du circuit de clip souple. Si j'ai ce bas bas bas, aura une plus grande distance entre le pic et le RMS. Donc, vous pouvez voir quand les clips de caisse claire claps sonnent comme un négatif cinq. Donc, nous avons atteint un sommet négatif 5 et notre RMS était à 20 négatif. Donc, nous avons comme 15 dB différence entre le RMS et le pic, qui est à dynamique. Donc on va aller de l'avant et augmenter ça pour faire monter les pics dans environ cinq ou six, c'est quand on va commencer à frapper le circuit de clip souple. Et on va continuer jusqu'à ce qu'on voit que le RMS s'y met autour des points négatifs 6, 5 négatifs, quelque part par là. C' est, mon RMS est en train de monter autour du négatif 3. Donc, je vais en fait refuser un peu ça. Et maintenant, nous avons utilisé comme une phrase introduit parfaitement travailler. Dans le postulat suivant, plus de battements par million de seuil jusqu'à nous. Maintenant, ça va être un joli fichier fort. Ainsi, l'égaliseur pour les coupes, dynamique multibande pour séparer chaque bande et leur donner un peu de compression ou d'expansion vers le haut ou vers le bas. Et puis le compresseur de colle pour faire n'importe quel taillage final de tous les pics plus surtout juste booster dans ce joli circuit de coloration. Le circuit de clip doux ne le laissera pas aller dans les rouges. Mais à chaque fois que vous voyez ce peu de lumière vacillant, nous évoquons une certaine distorsion maintenant, ingénieur de mastering normal est un peu décapant les pistes, surtout dans les genres plus lourds comme le dubstep ou le dubstep. Quelque chose de lourd comme ça, il va y avoir une coupure douce, surtout sur les pics comme les tambours et autres choses. Donc c'est tout gérer ça juste là. Donc ces trois sont vos principaux appareils. Maintenant, si vous vouliez vous lancer dans un réglage très fin de choses comme l'image stéréo, surtout si vous faites de la musique acoustique, il est vraiment courant de se faufiler un peu de réverbération subtile ici après la dynamique multibande et avant le circuit de clip souple, puis après la réverbération, vous pourriez même faire un peu de défile à mi-chemin. Une autre technique que j'ai vu les gens faire beaucoup sur la note de l'image stéréo est de mettre un EQ Eight juste ici avant le compresseur de colle. Éteignez tous les nœuds, mais mettez-le en mode milieu. Et puis allez sur les bandes stéréo et juste couper toute information bas de gamme inutile. Voyons combien d'informations stéréo il y a dans la banlieue. Tu vois, c'est à ça que ça devrait ressembler. Il se fait tomber. Notre gentil, donc il n'y a pas d'image stéréo. Et la base, si je voyais des mouvements dans le contenu de fréquence ici sur les bandes stéréo, je serais sûr de couper ça en riant autour de 80 ou 90 hertz, peut-être même un 100 hertz. Je peux même mettre l'étagère raide, coupure raide qui va me permettre de repousser ce seuil encore plus loin. Vous pourriez également envisager de mettre un peu de coup de pouce sur les sommets. Je dis d'habitude être très prudent à propos de faire trop de boosts quand vous maîtrisez. Il s'agit surtout de coupures. Coucou. Dans ce cas. Si vous n'en avez pas besoin, ne l'utilisez pas. Je pense que c'est bon. C' est notre tranche de console principale. Donc, avant de passer à autre chose, je décalerais, cliquez sur tous ces et appuyez sur la commande G et montrer l'en-tête du rack. Et j'appellerais cette chaîne principale IDM. Et je garderais ça dans ma bibliothèque de cette façon. Je ne vais pas utiliser les mêmes paramètres, mais au moins je me souviens où je me suis arrêté la dernière fois. Et si je décide qu'il y a des ajustements que je dois faire sur la piste elle-même. Je peux le faire. Et je vais avoir ça comme un bon point de saut pour jeter des trucs là-dedans. Alors BAM, voilà. Donc c'est à peu près pour cette vidéo, la chaîne principale, la tranche de console. Vous pouvez certainement payer les gens pour maîtriser votre musique de nos jours, assez bon marché, mais c'est un très bon processus et c'est vraiment bon pour votre cerveau. La prochaine fois que vous entrerez et que vous ferez votre micro, vous obtiendrez un meilleur mix si vous avez essayé de maîtriser vous-même vos pistes. D' accord, donc avec l'analyse de notre travail et faire peu de comparaison AB. Ce maître avec nos chansons préférées. 42. Rendu et référencement: Bon, donc nous venons de finir de maîtriser notre piste et maintenant nous allons examiner la vue de l'arrangement. Nous allons cliquer sur notre accolade, assurez-vous qu'il inclut le début et la fin de tout ce truc de silence. Les effets sont tous allumés. Les volumes sont tous à 0. Nous pouvons juste cliquer ici, juste en haut de la course en boucle et frapper Shift Command R. Et nous allons pouvoir les inclure Maître, bien sûr, vous pouvez à peu près laisser tout ce truc complètement éteint. Et voici la dernière fois où vous allez vouloir ajouter un peu de dither. Nous parlerons de dither dans une seconde une fois que nous aurons frappé OK ici, une belle vague 441 24 bits a du sens. Vous voulez vous assurer qu'il s'agit de la même fréquence d'échantillonnage ou du double de la fréquence d'échantillonnage de l'enregistrement original. C' était un rebond de 40, 41, donc je vais le laisser 24 bits à coup sûr. Et dans ce cas, si je voulais faire un MP3, je pourrais, je vais l'allumer juste pour gagner du temps. Mais c'est un très beau moteur MP3. Il ne vous donne un MP3 vraiment agréable est. Donc, une fois que vous appuyez sur OK, vous allez vouloir mettre ceci dans votre dossier de projet à partir de votre piste d'origine. Et dans ce cas, je vais juste appeler ça le nom de la chanson, la musique de démocratie intelligente. Juste le nom complet de la piste. Pas d'espaces, pas d'assemblages de possibles, n'a pas trop d'importance dans votre dossier de projet. Donc ça va rendre ça dehors. Maintenant, je peux te parler de Deere là-bas. Il y a donc un filtre qui supprimera l'aliasing et d'autres mots comme toute distorsion numérique subtile qui est laissée derrière la conversion du fichier entre différents taux d'échantillonnage et profondeurs de bits, surtout si vous avez quelques dans votre session que nous sommes différents taux d'échantillonnage, le dither va aider à filtrer tout bruit inutile. En d'autres termes, quand vous aimez le normaliseur, maitrisez le fichier quand vous le pompez, vous allez simplement pomper les bonnes choses. Et il n'y aura pas de fréquences de distorsion restantes qui sont artefacts indésirables en raison de la conversion de taux d'échantillonnage à un truc totalement nerdy. Mais maintenant qu'on a dépassé les trucs nerveuses, on va dans les trucs amusants. Je vais attraper ma vague et je vais la laisser tomber dans ma séance. Nous aurons une chance de regarder notre chanson et de voir à quoi elle ressemble. Habituellement, j'aime zoomer verticalement mes pistes pour être à peu près la même. Vous pouvez utiliser l'option Maj et deux doigts. Qu' il soit à peu près de la même hauteur. Et regarde ça. C'est une belle boulette de viande épicée. Et maintenant, si nous le voulions, nous pourrions simplement couper cette piste et nous pouvons zoomer dessus et nous assurer qu'elle a été abandonnée et juste en haut. Oups, je n'ai pas tout à fait visé cette chute au bon endroit. Et maintenant, nous avons une belle piste maîtrisée. D' habitude, je vais aller voir la partie la plus bruyante de la piste et voir à quoi ressemblent les pics. Même ces pics ici, il y a voir ce petit roll-off sur le dessus. Ce n'est pas un coin pointu, c'est une courbe. Si vous avez vu comme une mâchoire et un coin pointus, c'est le genre de distorsion qui va laisser des harmoniques inutiles ou indésirables. Maintenant, dans ce cas, c'est un peu courbe et inscrivez-vous hors du haut. C' est ce compresseur de colle, limiteur de clip souple. Et si tu décidais après avoir écouté ça, tu sais, c'est un peu trop, on saura quel paramètre retourner et on irait juste ici et on réduirait un petit peu ce gain de maquillage. Et tu vas avoir un peu plus de dynamique dans le mix. Maintenant, dans ce cas, écoutons cette chose rapidement et voyons comment ça sonne. Et s'assurer qu'on est à 0 pour avoir atteint un point négatif 25. Ou RMS ici est d'environ sept négatif. Eh bien, à quoi sert cette tête de sous-basse ? Probablement vers le négatif 4. Oups. On n'a jamais rencontré Mode. Ce type de volume est la façon dont vous allez avoir besoin pour une cellule DJ ou un nerf. Il y a la pente est négative pour une maison non seulement faire un certain âge ou une certaine énergie. Donc tout ça semble bien. J' écoute attentivement toute sorte de bizarres comme les surcharges ou les distorsions qui sonne méchant, tout se sent plutôt bien et sonne bien. Ça ne me fait pas mal aux oreilles. Je suis plutôt content de ça. Donc dernier petit conseil que je peux vous donner, et c'est ce que tout ingénieur de mastering devrait toujours s'assurer de suggérer, est que vous allez de l'avant et avant de vraiment l'appeler complètement fait, prenez l'une de vos chansons d'artistes préférés dans ce style et le style de la musique que vous maîtrisez, surtout si ce n'est pas vos propres morceaux, vous voulez absolument le faire à coup sûr. Je vais aller de l'avant et prendre un, un effet sur l'enzyme. Nous allons probablement fermer et jeter un oeil à la forme d'onde ici. Maintenant, c'est une chanson d'un genre similaire. Et si je le regarde avec à peu près la même hauteur sur la piste, je peux voir à quoi ça ressemble aussi. Nous allons zoomer sur la partie bruyante de la piste ici et voir à quoi ça ressemble. Regardons un FX Twins pics, voyons comment ils frappent le sommet de leur genre arrondi. Ça ressemble à peu près à la même chose. Écoutons RMS sage et voyons à quoi ça ressemble. Négatif quatre devient très bien pour lui de l'aimer. Alors maintenant, c'est un bon début. Donc la prochaine chose que je ferais est de lancer le cross fader. Et cela peut être un peu douloureux parce que clouer un mélange comme vos producteurs préférés peut être vraiment difficile. Mais je vais juste désactiver ma piste principale, les avoir côte à côte, et ensuite je vais attribuer le fader cross ici pour être un et B. Et puis juste ici sur le commutateur de fader cross lui-même, le fader lui-même. Je vais frapper la cartographie des clés. Et vous remarquerez que vous pouvez appuyer sur la carte à gauche ou à droite du curseur croisé. Donc cela me permettra maintenant je peux frapper Shift Spacebar, et maintenant je peux avoir un ou deux et un B, S. Maintenant, quel est le mot détresse ? Et ce genre d'avoir une idée de ce que ça ressent. Et tu sais ce que j'enlève à ça. Tout d'abord, on pourrait être un peu plus fort. N' est-ce pas incroyable ? Comment ça pourrait-il être plus fort ? Mais ça pourrait vraiment l'être. Je pense que nous aurions pu, nous pourrions nous enfuir si nous le voulions vraiment. Nous pourrions pomper notre propre piste un peu plus fort même avec ça, avec ce gain de maquillage sur le compresseur de colle. Ce que je remarque, c'est que sa piste atteint 0, comme tout le haut. Donc si je réinitialise ce fader, nos sommets remontent. Maintenant, en général, quand vous maîtrisez vos propres chansons, vous voulez leur donner un petit peu de marge de manœuvre. C' est parce que, surtout ils disent quand vous convertissez votre piste en MP3 et il obtient ce petit peu de distorsion qui peut se produire si c'est jusqu'à 0. Il y a donc différentes écoles de pensée à ce sujet. Si vous vouliez ajouter la 0,5 dB, Il y a quelques façons différentes que vous pouvez faire. Vous pouvez aller à la piste d'origine et vous pouvez simplement mettre un utilitaire là-dessus et ajouter 0,5 et cela mettra vos pics à 0. Une autre chose que vous pouvez faire quand vous allez faire rebondir, vous pouvez simplement activer la normalisation et qui va finir par garantir que vous êtes fichier WAV est à 0 dB négatif. Différentes écoles de pensée à ce sujet. Personnellement, j'aime laisser un demi-dB là-haut, surtout parce que je sais que je vais transformer cette piste en vague ou en MP3. Et je viens de lire un peu comment il y a un bon argument pour laisser un petit peu de marge sur le fichier si vous voulez le convertir en MP3. Donc, de toute façon, cela nous laisse sentiment assez confiant que nous pouvons AB entre nos pistes. La réponse est une sorte de panne. Alors allons à une partie où ils sont tous les deux coups de pied. Maintenant, il est beaucoup de sens d'avoir un genre similaire de mixage qui se passe dans ces sections des chansons sont si différentes. J' avais l'impression que le début ici était vraiment là où c'était des enfants. Si on y va, oui, comme si quelqu'un alignait ces sections si tu voulais. Donc nous allons avoir un bon mélange AB entre ces deux-là. Et c'est généralement assez satisfaisant quand les choses se sentent bien et bien équilibrées et similaires types de sections de la chanson. Bien sûr, vous ne voudriez pas comparer la construction ou la panne à la goutte ou quelque chose, mais les aligner peut avoir du sens. Et maintenant, nous avons une bonne idée de la façon dont cela fonctionne. On peut appeler cette piste de référence. Et cela peut être une autre chose que nous pourrions facilement intégrer dans nos modèles. Et maintenant, nous avons un AB avec un mélangeur que nous pouvons avoir, juste, gentil et emballé là-dedans sous le capot. Donc nous saurons que nous serons en mesure de vérifier la référence et ensuite la piste originale. Et vous pouvez simplement continuer à faire de nouvelles versions, faire des petits ajustements. C' est un endroit vraiment génial pour partir. Encore une fois, il y a beaucoup d'écoles de pensée différentes quand il s'agit de mélanger et de maximiser ou de maîtriser votre piste. Et donc, ouais, merci beaucoup d'avoir suivi ce cours. Vous appréciez beaucoup et nous sommes impatients de travailler avec vous dans les cours à venir. Et j'espère que vous vous souhaitons plein succès. D' accord. 43. Qu'est-: Très bien, Nous avons atteint la fin de la partie 6. D' énormes quantités de matériel en direct 11. J' espère que vous avez passé un bon moment. J' espère que vous avez beaucoup appris. - Quoi ensuite ? Le gros truc que nous n'avons pas encore abordé, c'est Max for Live. Je vous encourage donc vivement à consulter un cours Max for Live. Je vais en avoir un tout nouveau dédié à vivre 11 sorties sous peu. Ce sera la prochaine chose que je commencerai à faire. Et il ne s'agit pas seulement de programmer Max for Live. Certains d'entre eux, une bonne partie de cela va être sur la façon d'utiliser Max for Live et comment trouver des choses que d'autres personnes ont faites et qu'ils les donnent gratuitement. Il y a une énorme communauté de gens qui font juste des effets et des instruments fou et étonnants en utilisant Max for Live, puis juste les poster autour et les donner gratuitement si vous savez comment les trouver et les installer. Cependant, nous parlerons aussi des bases de la programmation dans Max for Live. J' ai en fait appris à utiliser Max avant d'apprendre à utiliser live. Max était là depuis longtemps, longtemps, même si c'est plus vieux que vivre. Mais j'irai dans toute cette histoire quand on entrera dans Max for Live, c'est vraiment fascinant en fait. J' espère vous voir dans cette classe. Si ce n'est pas cette classe, j'ai 100 autres classes que vous pourriez vérifier qui profitent de vivre. Tout, de la composition à l'écriture de chansons, à la partition de films, à la réalisation de beats et à l'enregistrement audio, toutes sortes d'autres choses. Alors s'il vous plaît vérifier certains de ces trucs pour aller encore plus loin dans tous ces concepts. 44. Conférence de bonus: Hey tout le monde, vous voulez en savoir plus sur ce que je suis à vous. Vous pouvez vous inscrire à ma liste de courriels ici. Et si vous faites cela, je vous ferai savoir quand de nouveaux cours seront publiés et quand j'apporterai des ajouts ou des modifications aux cours auxquels vous êtes déjà inscrit. Aussi, consultez sur ce site. Je poste beaucoup de choses là-bas et je vérifie tous les jours. Alors, s'il vous plaît, venez traîner avec moi. Et l'un de ces deux endroits sont ou les deux ? Et on se verra là-bas.