Transcription
1. L'introduction: Salut, je suis [inaudible]. Ce cours vous apprendra comment obtenir des prises de vue
cinématographiques en utilisant des techniques de l'industrie à faible budget. Vous apprendrez comment choisir un rapport d'aspect qui correspond à votre projet, comment encadrer un sujet en fonction des actions et des émotions que vous souhaitez montrer, comment maîtriser la composition de vos plans, et comment les utiliser ensemble dans afin de planifier et de filmer une scène visuellement époustouflante. Pour votre projet, vous serez chargé de filmer une courte scène d'une minute, avec n'importe quel appareil de votre choix afin de mettre en pratique vos apprentissages. Vous recevrez un script de dialogue de nœud qui maximisera l'impact de vos visuels. Une connaissance préalable de la cinématographie n'est pas requise. Si vous êtes vraiment sérieux pour améliorer vos compétences et maîtriser les bases de la cinématographie, alors cette classe est pour vous.
2. Rapport à l'aspect: L' une des décisions techniques les plus négligées dans la fabrication de films à faible budget est le ratio d'aspect. Mais quel est exactement le rapport d'aspect ? Le rapport d'aspect représente la relation proportionnelle entre la largeur et la hauteur de l'image. Dans ce cas, la largeur de ce plan est de 1920 et la hauteur est de 1080. Donc, le rapport d'aspect de cette image est de 177 par un. Ceci est également connu sous le nom de 16 sur neuf, et est le format standard haute définition, ultra haute définition et de la télévision. Vous obtenez ce nombre en divisant la largeur par la hauteur. Donc 1920 divisé par 1080 est 1,77. Seize divisé par neuf vient également comme 1,77. Au cinéma, les rapports standard sont 185, qui est aussi appelé le plat, et 239, qui est aussi appelé la portée. Alors quel rapport d'aspect devriez-vous utiliser ? Il y a à la fois une réponse technique et créative à cela, et les deux doivent être gardés à l'esprit lors de la prise de décision. La première question que vous devez vous poser est de savoir où sera vu votre film ? YouTube, par exemple, prend en charge 177 vidéos, alors que les salles affichent généralement 185 ou 239. Selon l'écran sur lequel l'image est affichée, si elle ne correspond pas au format du film, elle sera soit recadrée, soit en boîte aux
lettres, soit en boîte aux colonnes. boxe des lettres représente l'ajout de barres noires horizontalement et la boxe des piliers représente la position verticale de ces barres. Le rapport d'aspect aura également un impact énorme sur le champ du film. Des rapports d'aspect plus larges tels que la portée, peuvent donner une sensation plus dramatique à un tir et sont vraiment excellents pour mettre en évidence les émotions des personnages et rendre plus visibles les objets plus petits vus. Par contre, les rapports d'aspect du tunnel offrent une sensation plus authentique à vos photos, accent sur le langage corporel d'un personnage et sa relation avec l'environnement. En fin de compte, c'est à vous de décider de l'apparence et de la sensation votre film a besoin pour transmettre votre vision au public. n'y a pas de bonne ou de mauvaise réponse tant qu'elle est motivée techniquement et de manière créative. Ensuite, nous allons apprendre à encadrer nos personnages.
3. Encadrement I - Longues prises de vue: Maintenant que vous savez quel format convient pour un film, regardons les différents types de cadrage que vous
avez à votre disposition lors de la prise de vue d'un personnage. En commençant par le tir très long. Ce plan permet à un sujet d'être absorbé en arrière-plan pour nous
donner une meilleure idée de l'emplacement et de l'heure de la scène. Les actions ou les émotions du personnage peuvent être vus correctement. L' objectif de ce type de cadrage est généralement d'informer le public ou même de définir une certaine humeur. Le long plan a une utilisation similaire à l'encadrement précédent en
ce sens qu' il est très utile pour établir l'emplacement et l'heure. Ce n'est que maintenant que le caractère devient d'une importance égale pour l'environnement. Ce type de tir est particulièrement utile pour montrer la relation entre le personnage et ce qui l'entoure. Remarquez comment il y a amplement d'espace au-dessus et au-dessous du sujet. Le plan complet met les actions du personnage au centre de l' attention car le sujet est désormais encadré de la tête aux pieds, avec suffisamment de place pour se déplacer. C' est une excellente occasion d'avoir une idée de qui est le sujet à travers son langage corporel, attitude et son comportement envers d'autres personnages. Ensuite, se rapprochera.
4. Cadres II - Plans moyens: Le plan moyen long encadre le personnage de dessous les genoux vers le haut, tout en laissant un peu d'espace au-dessus de sa tête. Ce cadrage met l'accent sur les actions du haut du corps du sujet, gardant son environnement visible là où d'autres personnages peuvent éventuellement se joindre. Le tir de cow-boy est une légère variation
du tir moyen long où le personnage est encadré les cuisses du genou. Ce cadrage fonctionne très bien pour les photos où les mains du sujet doivent
aller au-dessous de la taille ou quand il a besoin de se pencher. Le plan moyen est le cadre le plus populaire dans un cinéma. En raison du fait que c'est là que les émotions d'un personnage commencent à être vraiment visibles tout en conservant une partie des détails de fond. Le sujet est encadré de dessous de la taille vers le haut. Le gros plan moyen envahit l'espace personnel du personnage, l' encadrant de la poitrine vers le haut. Dans ce type de prise de vue, l'environnement devient juste un petit rappel de ce qu'est le personnage, car l'objectif principal est maintenant le visage et ses émotions visibles. Ensuite, nous nous rapprocherons encore plus.
5. Cadres III - Encadres de gros gros gros: Le gros plan permet aux émotions et aux réactions du personnage de dominer le tir. Ce type de cadrage fonctionne mieux s'il est utilisé avec parcimonie car il offre un lien fort entre le public et le personnage. Lorsque vous encadrez un sujet, c'est généralement fait des épaules vers le haut. Le gros plan peut être de n'importe quoi ou n'importe qui qui est vraiment important dans une scène. Le chocker est un tir puissant qui se concentre sur l'émotion brute des yeux et de la bouche. Le visage du personnage remplit le cadre du dessous de la bouche jusqu'au dessus des sourcils, et contribue à rehausser tous les sentiments de colère, de détermination, peur ou de tristesse avec lesquels le public peut sympathiser. Le gros plan extrême met l'accent sur un détail spécifique ou une zone de nos personnages, tels que les yeux ou les mains. Ceci est un coup utile quand un gros plan normal ne peut tout simplement pas fournir l'impact qu'une petite zone a dans la scène, comme un joueur de poker yeux pendant un jeu. Connaître les cadrages que vous avez à votre disposition vous permettra gagner beaucoup de temps dans la recherche des gros plans. Certaines choses à garder à l'esprit cependant. Lors du tournage d'un gros plan, essayez de garder les yeux autour des deux tiers supérieurs du cadre. Cela aidera le tir à se sentir naturel, alors que les avoir trop bas ou trop haut lui donne une sensation très énervante. Il est également très important de ne pas couper les personnages, bras ou les jambes au niveau des articulations. C' est bizarre quand ils sont coupés comme ça. Lorsque vous encadrez deux autres personnages qui se trouvent à des distances différentes de la caméra, essayez d'adapter chacun d'eux dans l'un des cadres que vous avez appris. Passons à la composition.
6. Composition I - Espace: Vous savez maintenant comment encadrer votre personnage
afin d'envoyer différents types d'informations au public. Voyons comment vous pouvez améliorer vos photos en utilisant quelques techniques de composition. Le rapport d'or est la formule conçue par les mathématiciens pour décrire la beauté ou ce qui rend une image belle. Ceci est utilisé principalement en photographie, mais il offre également une grande importance pour la cinématographie. Commençons par comprendre la règle des tiers. Il s'agit d'une version simplifiée du rapport d'or. La règle des tiers est composée de deux lignes verticales et de deux lignes horizontales qui divisent votre image en neuf parties égales. L' idée est que si vous placez votre point d'intérêt principal sur les lignes verticales ou aux points où les lignes se croisent, le sujet se sentira naturel et normal pour le public. Afin d'utiliser la règle des tiers, vous devez vous demander, quel est le principal point d'intérêt et où vont le placer dans le cadre ? Le principal point d'intérêt se rapporte à ce qu'un public doit se concentrer. Il peut s'agir d'un personnage particulier qui livre le dialogue, ou bien d'un objet spécifique dans le cadre. Où placer le point d'intérêt dans un tir ? Parlons de l'espace de la tête. Il s'agit de la quantité d'espace vide entre la tête du personnage et le haut de l'écran. Mis à part le tour de cou et le gros plan extrême, le personnage devrait toujours avoir un peu d'espace au-dessus de sa tête. Pour les gros plans, garder les yeux autour des deux tiers supérieurs de l'écran dictera l'espace de tête que vous pouvez offrir. Mais pour un moyen ou un long plan, cela dépendra davantage de l'arrière-plan, des autres personnages, et de l'action du personnage. ou trop peu d'espace pour la tête ne sera pas naturel,
alors expérimentez avec l'espace pour la tête jusqu'à ce qu'il se sente bien. Qu' en est-il de l'espace à gauche ou à droite du personnage ? C' est ce qu'on appelle l'espace de tête et généralement on aligne le personnage telle sorte qu'un tiers de l'image se trouve derrière eux et que les deux tiers se trouvent devant eux. Si un personnage regarde vers la gauche, nous les alignerons sur la droite verticale. Alors que s'ils regardent vers la droite, nous les alignerons sur la ligne verticale gauche. Alternativement, si votre personnage est orienté vers la caméra, vous pouvez les aligner au centre mort. Cet alignement fonctionne mieux lorsqu'il y a symétrie dans le plan. Une façon créative de briser la règle de l'espace principal consiste à aligner délibérément le personnage sur le même côté auquel vous êtes confronté afin de mettre
en évidence le sentiment d'être pris au piège. L' espace entre deux personnages ou plus dans un court peut également être un excellent outil pour mettre en valeur la relation entre eux. Vous pourriez vouloir éloigner un peu deux personnages qui ne voient pas les yeux à les yeux ou qui ne sont pas si proches, alors que si vous raccourcissez la distance entre eux, cela montre qu'ils sont probablement des amis proches ou qu'ils sont d'accord sur un sujet. Ajoutons un peu de profondeur.
7. Composition II - Profondeur: Voyons comment vous pouvez ajouter une certaine profondeur à votre composition. La profondeur de la prise de vue est une nette distinction entre les éléments de premier plan, de
milieu et d'arrière-plan. Une image plate peut aider à montrer que le personnage se sent seul ou isolé. Mais si vous utilisez trop l'image plate, il fera de votre champ de séquences, amateur. Les lignes de perspective sont un bon moyen d'y parvenir. Recherchez diverses lignes, réelles
ou suggérées, qui aident à guider les yeux vers votre point d'intérêt. Vous pouvez également utiliser le cadre dans une technique de cadre
en plaçant le point d'intérêt avec le cadre naturel dans votre plan, vous obtenez le même effet de guidage oculaire que les lignes de perspective. Une autre façon d'ajouter de la profondeur est par contraste. Par exemple, en plaçant un personnage devant un fond de couleur différente, vous les laisserez se démarquer et faciliterez la visibilité des yeux. Mais le contraste ne se limite pas à la couleur. Il peut s'agir d'un contraste de lumière ou
de luminosité, de forme ou même de taille. Le contraste de taille est particulièrement utile pour souligner à quel point quelque chose est
important ou peu important dans un cadre. Vos tirs devraient avoir un peu équilibré pour eux. Par exemple, si un personnage occupe le côté gauche de l'écran, assurez-vous d'ajouter quelque chose pour contrebalancer et rendre le cadre naturel. Tous les coups ne doivent pas être équilibrés, mais c'est un moyen utile d'améliorer la composition de certains coups. Vous avez maintenant une compréhension de base du fonctionnement de la composition. Voyons comment vous pouvez améliorer vos prises de vue en utilisant certains angles de caméra.
8. Angles de caméra: Parlons de la façon dont la caméra est positionnée par rapport au personnage. Le niveau des yeux est un angle où l'appareil photo est réglé à la même hauteur que les yeux de notre personnage. C' est plus un tir objectif et a un sentiment neutre à lui. L' angle bas est un tir généralement utilisé pour indiquer que le personnage est dominant, plus puissant ou plus effrayant dans le contexte de la scène. Les angles bas peuvent également être utilisés pour montrer comment un personnage peut se sentir piégé en montrant le plafond juste au-dessus d'eux. La caméra est placée sous les yeux du personnage. La vue vers le haut est un angle dans lequel la caméra est placée directement sur le sol vers le haut. Cela a un effet psychologique sur le public, ce qui lui donne sentiment que tout autour d'eux est gigantesque et déroutant, semblable à la façon dont les enfants peuvent voir le monde qui les entoure lorsqu'ils se perdent de leurs parents. L' angle élevé est utilisé pour montrer que le sujet est soit effrayé, plus faible, ou dominé par un autre personnage. La caméra est placée au-dessus du niveau des yeux du sujet. La vue aigle est un angle où la caméra plane au-dessus du personnage et le regarde droit vers le bas. Cela peut donner au public une idée de l'environnement du sujet, mais il s'agit généralement d'un plan très froid et détaché qui éloigne les spectateurs des émotions du personnage. Un type particulier d'angle est l'angle néerlandais. Ceci est réalisé en inclinant physiquement la caméra en
diagonale afin d'obtenir un aspect très déséquilibré et non naturel. Cela fonctionne mieux pour les prises de vue destinées à confondre le public ou à montrer comment un personnage peut se sentir hors de sa place, déprimé ou perdu. Ensuite, nous prévoyons de tourner la scène.
9. Les prises ont besoin d'un plan: Vous avez maintenant les connaissances nécessaires pour réaliser des images époustouflantes, mais pour filmer une scène visuellement efficace, vous devez planifier vos photos avec soin. Prenons ce script comme exemple. Nous comprenons que c'est une scène qui met l'accent sur les sentiments des filles et la peur de l'homme inconnu qui ne cesse de la regarder. Il crée de la tension jusqu'au moment où elle décide de s' enfuir, puis libère la tension avec la révélation. Quand je décide du rapport d'aspect de la scène, avant tout, je pense qu'elle serait contenue dans cette vidéo 177. Je dois compléter les moments étranges et la construction de tension et je souhaite aussi voir clairement les réactions des personnages. Si c'était un script piloté par l'action, je serais probablement allé avec quelque chose pourquoi ils sont tels que 239, mais pour cette scène avec tout à l'esprit, j'irai avec 185. En ce qui concerne le cadrage, je veux me rapprocher de plus en plus du personnage tout au long de la scène
afin de mettre en évidence l'évolution de ses redoutes vers les actions inconnus. Je ne veux pas aller trop près de l'aveugle, astronaute trivial la torsion trop tôt. En fait, pour que ça reste cohérent, je ne vais pas m'approcher du tout, sauf peut-être un médium ici ou là. En outre, il est important pour la scène que le public sent que la fille est vulnérable. J' ajouterai peut-être un coup de feu pour établir qu'ils sont seuls dans la région. Je vais la filmer avec plus de l'angle élevé sans la tirer du tout de son point de vue. Il sera abattu avec un angle bas, mais seulement quand elle le regarde, donc de son point de vue. La composition sera décidée en fonction de l'emplacement et du blocage des caractères. Avec ce plan simple à l'esprit, voyons ce que nous pouvons tirer. Comme vous pouvez le voir, sans utiliser trop de mouvement de caméra, dialogue ou de lumières en dehors de la lumière naturelle sur le lieu, nous avons réussi à tourner une scène très cinématographique. Maintenant, c'est ton tour.
10. Votre projet et vos réflexions: Vous avez parcouru beaucoup d'informations en très peu de temps. Il est essentiel que vous pratiquiez cette nouvelle information dès que possible. Le meilleur moyen d'apprendre le cinéma en le pratiquant. Votre projet est de tourner cette courte scène. J'en ai retiré toutes les émotions afin que vous puissiez interpréter la scène comme vous le souhaitez. Que ressent le personnage à propos des appels téléphoniques répétés ? Est-il indifférent, heureux, en colère, effrayé, contrarié ? C' est à vous maintenant d'utiliser le ratio d'aspect, le cadrage, la composition et les angles pour obtenir des photos cinématographiques. Il y a cependant quelques règles. Vous ne pouvez pas ajouter de dialogue du tout et vous ne pouvez photographier qu'en un seul endroit. Vous pouvez utiliser n'importe quel équipement que vous souhaitez, même un smartphone. Le but de ce projet n'est pas de remplir mon histoire forte, mais une série de plans soigneusement planifiés. Un dernier conseil pour vous, le secret pour obtenir un grand coup est de le sentir. Oui, si vous regardez votre photo et que vous ne vous sentez pas quelque chose d'excitant à ce sujet, alors il est temps de le repenser. Prenez autant de temps que vous avez besoin, même si vous devez filmer une photo par jour. Plus vous vous entraînez, plus il serait facile d'obtenir ces tirs. Pendant que vous filmez votre projet, nous pouvons discuter de vos photos dans la section « projet » ci-dessous afin de vous aider à réaliser une belle scène à la fin. Prêt ? Action.
Tudor Mihalcea, Filmmaker
