Ligne et lavage pour les débutants

1. Intro: Bonjour, bonjour. Je suis si heureuse que tu sois vraiment là. Merci beaucoup de m' avoir rejoint. Nous avons devant nous ce qui va être un cours à la fois amusant et magnifique. Comme vous pouvez le constater, nous allons travailler à l'encre et à l'aquarelle , également appelées trait et lavage. Aujourd'hui, j'ai toujours été intriguée par cette forme d'art et, même si je suis la première à admettre que ce n' est pas mon expertise, j'ai à offrir une approche unique. Nous allons donc nous lancer. Nous allons apprendre à créer belles œuvres d'art illustrées en vrac. Nous allons tout savoir sur nos fournitures dans la vidéo suivante. Alors allez-y, garez-vous dans un endroit confortable, prenez quelque chose à boire et allons-y. 2. Matériel: Avant de commencer, discutons brièvement des fournitures dont nous aurons besoin pour terminer le cours. commençant par le papier, nous allons utiliser papier pressé à froid Legion 140 livres aujourd'hui. Un peu différent. Nous l'avons utilisé dans un cours précédent. Cependant, cela fait longtemps. Nous utilisons généralement notre presse à froid Canson de 140 livres. Mais j'ai choisi ce papier pour nous aujourd'hui parce qu'il est vraiment beau . L'aquarelle va prendre cette texture et il sera vraiment magnifique. Puisque nous n'allons pas vraiment concentrer sur l'aspect aquarelle, mais plutôt sur la combinaison de lignes de stylo détaillées et d'aquarelles lâches. J'ai pensé que ce serait une bonne modification d'avoir un document un peu plus précis pour nous. Si vous ne possédez pas exactement ce papier, n'hésitez à utiliser un substitut ou quelque chose qui s'en rapproche. Pour les peintures, nous allons utiliser une variété de peintures. J'ai toujours abordé mes marques préférées dans les cours précédents. Vous pouvez donc regarder en arrière. La marque de peinture existe depuis longtemps, c' est une peinture de qualité artistique, je suis heureuse. Il n'est pas nécessaire que ce soit une marque spécifique, mais si vous voulez obtenir des résultats exacts avec les mélanges de couleurs et autres, je vais évidemment vous donner exactement ce que j'utilise. Je vais utiliser du Sennelier, du bleu, de l'indigo. Je vais utiliser Daniel Smith Undersea Green. Et puis une variété de mes joies : c'est Rose Lake, c'est de l'ocre jaune et c'est du sépia. Et nous allons mélanger toutes ces couleurs pour obtenir une variété de U différents. J'ai essayé de rester simple pour nous. En garder cinq pourrait utiliser une autre couleur pour notre blanc. Nous allons probablement utiliser une lampe, noire. J'en parlerai quand nous y serons. Mais tu devrais avoir les couleurs que nous allons utiliser dans ta boîte à outils. Je ne vais rien utiliser de bizarre aujourd'hui. Donc, pour les pinceaux, nous allons utiliser une variété de pinceaux Princeton ronds et en filet. N'importe quelle variété est géniale. J'adore le fait que vous ayez des doublons, donc la taille 6,8 est idéale pour les alevins. J'aime les quatre et six. Et puis je vais aussi utiliser ce tout petit filet ici. C'est une taille 2 pour notre lavande ici. Mais encore une fois, vous pouvez utiliser la pointe de ce pinceau rond pour obtenir à peu près les mêmes résultats, car il ne s'agira pas de l'aquarelle mais principalement du travail à la plume. Ou l'aquarelle va être secondaire. Ainsi, tous les pinceaux que vous avez sous la main fonctionneront parfaitement. Je vais vouloir que tu aies un crayon. J'utilise ma version préférée de Castille. J'aime leur marque de crayons. Je vais utiliser un HB parce que c'est très facile à effacer. Et quand nous aurons fini, euh, nous voulons pouvoir effacer les traits au crayon. Donc, ce que j'ai fait ici, c'est que vous trouverez dedans, vous trouverez les feuilles de travail pour ce cours, qui contiendront tous les croquis qui ont été réalisés au crayon. Ensuite, vous pouviez les imprimer, les tracer sur une nouvelle feuille de papier avec un crayon. Et puis, à la toute fin, vous pourrez utiliser votre gomme anti-poussière pour effacer toutes ces lignes de crayon. Il ne s'agit donc que du stylo et de l'aquarelle. Mais le crayon que vous pouvez voir est également très beau. Il y a donc de nombreuses options ici. Il n'est pas nécessaire que ce soit un stylo, vous pouvez laisser un crayon. J'adore aussi le rendu du graphite et de l'aquarelle, alors je voulais vous offrir les deux. Vous pouvez donc faire ce cours au crayon et au stylo au marqueur. Il existe de nombreuses façons d' utiliser le matériau aujourd'hui, mais nous allons nous concentrer sur le stylo. Donc, en parlant d'épingles, nous allons utiliser Micron. Le premier stylo ici est un stylo graphique et vous n'en aurez pas besoin. Ce n'est vraiment qu'un exemple. Je vais vous montrer les différents looks qui ont déjà été abordés dans les cours que j'ai suivis ou simplement dans les œuvres que j'ai vues. Parce que je veux pouvoir vous montrer la différence entre les épingles. Nous aurons donc ce type de stylo graphique pour montrer un exemple de ce à quoi il ressemble traditionnellement. Ensuite, pour mon approche de ce style, nous allons utiliser le Pigma Micron 05 et le 01, c'est le 0.4, 5.0, 0.25. Et puis je vais aussi utiliser le sépia. Donc, si vous en avez, si vous n' avez que les noirs, c'est bien aussi. J'ai le noir sur le côté. Beaucoup de gens aiment le noir. Je pense que le marron ajoute juste une touche un peu plus vintage au look général. C'est pourquoi j' aime généralement utiliser cette API comme épingle, alors que le noir est juste un peu plus. Je ne dirais pas dur, ce n'est pas le bon mot, mais c'est juste un peu plus fort. Et j'ai l'impression que la religion brune donne un air un peu plus doux. Vous aurez donc besoin des deux types de stylos micron, 0,2, 5,0, 0,45, car nous utiliserons les deux. part cela, vous aurez besoin d'une tasse d'eau, d' une palette et, évidemment, d'une serviette en papier pour vous protéger entre les deux. Vous pouvez avoir un appareil tel qu'un iPad si vous souhaitez consulter des images de référence, mais elles ne sont absolument pas nécessaires. Ce que j'ai fait, c'est enregistrer toutes les photos de référence sur un tableau Pinterest. Je fournirai ce lien dans la description du cours afin que vous puissiez voir d'où je me suis inspiré. Vous remarquerez que j'ai certainement pris quelques libertés. Mais vous pouvez obtenir le concept de base des dessins que je vais vous montrer aujourd'hui. Très bien, allons-y et passons la toute première partie de notre cours. 3. Explorer les Micro et les laves à l'aquarelle lâches: Avant de commencer à peindre nos illustrations, je souhaite vous aider à vous familiariser avec les stylos que nous allons utiliser. Nous n'utiliserons vraiment que ces deux aujourd'hui. Cependant, j'ai mis celui-ci dans la liste des fournitures juste pour que vous puissiez, si vous aimez son apparence, l'acheter et l'utiliser dans vos explorations et vos créations. Nous allons donc commencer par le Pigma Graphic. Ce sera donc le plus audacieux de tous les stylos que je vais vous montrer. Alors allons-y et je veux juste que vous exerciez toutes vos pressions. Vous pouvez vraiment voir de quoi ce stylo est capable. C'est donc une ligne à peu près aussi épaisse que celle que vous allez obtenir avec ça. Donc, si nous faisions une fleur, elle ressemblerait à ceci. Et puis, si nous y ajoutions une tige, nous obtiendrons quelque chose qui ressemble à ça. Le prochain stylo que nous allons utiliser comme stylo micron, le 0,45. C'est donc le stylo le plus audacieux suivant. Et tu as un accident vasculaire cérébral qui va ressembler à ça. Vous pouvez donc voir qu'il est nettement plus fin que ce que nous avons ici. C'est très graphique. Beaucoup d'illustrateurs adorent vraiment ça, ce stylo. Donc, faire la même chose ici. Nous avons une fleur et si nous ajoutions une tige, nous obtiendrons quelque chose d'un peu plus fin. Enfin, nous avons notre stylo de 0,25 micron, un petit trait très fin. Celui-ci est idéal pour esquisser initialement le contour. Ensuite, ce que j' aime faire et nous aborderons cela plus en détail, c'est d'ajouter des coups de pression plus intenses pour ajouter certains des aspects les plus riches du design. Vous commencez par quelques points, puis vous commencez à dessiner notre fleur et à ajouter une tige. Vous pouvez donc voir que nous avons trois looks assez différents. Celui-ci a clairement un aspect très différent, non seulement parce qu'il est noir, mais aussi parce qu'il est plus épais. Et puis vous pouvez voir qu'il existe également une certaine variation entre ceux-ci. Donc je voulais juste que vous vous familiarisiez avec les épingles. Vous pouvez voir de quoi ils sont capables au fur et à mesure que nous travaillons du début à la fin à aide d'un croquis , puis que nous l'attendons et que nous le peignons. Vous verrez à quel point ces deux fonctionnent si bien ensemble. La prochaine chose que je voulais faire était de vous montrer trois approches différentes en matière de lavage. Il existe d'autres approches que ce que je vais vous montrer. Mais ce sont les trois que je connais le mieux et que j'ai parfois utilisés dans le cadre mes propres activités créatives et d'exploration. Nous allons donc sortir de notre principal lac Blue Rows. Et il suffit de tamponner un peu sur la palette ici. Nous l'utiliserons plus tard pour que vous puissiez vous donner un montant généreux. Ensuite, je vais utiliser l'un de mes pinceaux ronds Princeton. Et je suis juste en train de créer un nettoyant très léger avec une consistance de bouillon. Ce sera donc environ 90 % d'eau, 10 % de peinture. donc Nous pouvons donc procéder de deux manières différentes. Nous allons utiliser une multitude de méthodes différentes, mais les trois que je vais vous montrer sont essentiellement très souples, presque comme si nous ne faisions qu' ajouter de la couleur au design. Et puis il y a un espace intermédiaire où nous travaillons dans le cadre de la conception et du cadre. Mais nous veillons également à ne pas être aussi méticuleusement précis notre lavage. Et puis il y a la troisième méthode qui consiste à remplir essentiellement les lignes et à ne pas colorier en dehors des lignes. Je vais vous montrer ces différentes approches. Donc, si nous devions simplement mettre de la couleur sur un dessin, il ressemblerait à ceci. C'est très lâche. Il n'a pas vraiment de forme. C'est circulaire, je suppose. Mais il ne s'agit pas vraiment de faire attention à la forme, c'est juste des éclaboussures de couleur. La deuxième méthode consiste à introduire de la couleur dans le cadre, tout en étant d'accord avec le fait de sortir des limites et de laisser certaines parties du dessin ouvertes et disponibles pour être telles qu'elles sont. Vous pouvez donc voir que nous avons une forme florale ici. Nous travaillons dans le respect du cadre, mais nous ne voulons pas rester dans les limites. Et nous avons quelque chose qui est juste un peu plus formé que cela. Et notre troisième option serait de colorier le dessin. Donc, ici, nous faisons attention à rester dans le cadre. Utilisez notre pinceau pour guider doucement l'aquarelle uniquement dans la zone de l'étang. Donc, si vous avez suivi l'un de mes cours, vous savez que je suis un fervent partisan de vous donner des options. Je n'aime pas enseigner et dire que c'est la bonne façon de peindre, de dessiner, etc. J'aime dire que c'est de cette façon que j'ai aimé peindre. Et je veux que tu trouves la voie la plus nourrissante et la plus nourrissante pour toi. Il n'y a donc pas de bonne solution. Aucune de ces solutions n'est la bonne ou la meilleure solution. J'adorerais que vous trouviez celui qui convient le mieux à votre processus de création. Donc, celui du milieu, c'est où se trouve mon lieu de bonheur ? J'aime bien ça. Il est formé, mais il est également lâche. C'est juste un peu au milieu. Mais vous aimerez peut-être vraiment cet aspect de couleur éclatante sur la fleur. Ou vous pourriez être l'un de ces adeptes des règles. Et vouliez-vous simplement garder la couleur exactement là où elle est censée être ? Et c'est tout à fait normal aussi. C'est donc à vous de décider ce que vous voulez faire et comment vous voulez aller avant avec cette forme d'art. Donc, la prochaine chose que nous allons faire, c'est ajouter un peu de vert sous-marin à ma palette. Et nous allons faire la même chose avec les feuilles, juste pour vous donner une idée. Une chose que je ne crois pas avoir encore mentionnée, beaucoup de gens sont toujours ravis d'apprendre qu'il existe des épingles qui ne saignent pas à l'aquarelle. Donc, s'il s'agit d'une expérience révélatrice d'un nouveau type pour vous, oui, il existe des épingles que vous pouvez utiliser à aquarelle sans qu'elles ne saignent. Et puis en fait, une fois que tout sera sec, si vous utilisez un crayon comme nous le ferons, vous pouvez effacer tous les vous pouvez effacer tous les traits au crayon et votre stylo sera toujours là, votre aquarelle sera toujours là, et c'est tellement beau et amusant. Hum, j'essaie de ne pas présumer que tout le monde est au même niveau. Donc, s'il s'agit d'un nouveau concept pour vous, sachez simplement que toutes les épingles ne sont pas capables de le faire. Que vous devez vous assurer que ce sont des stylos résistants aux saignements . Micron est une excellente marque pour cela. Winsor et Newton fabriquent également une marque de stylos que j'ai utilisés et que j'ai un tutoriel. On les appelle des doublures fines, vous pouvez donc également les rechercher. OK, donc faire la même chose ici avec le green sous-marin. Mêmes concepts lorsqu'il s' agit d'une touche de couleur. Et ici, nous allons juste faire une sorte d'intermédiaire. Et puis ici, nous allons remplir les lignes. OK, donc cela devrait vous familiariser avec nos épingles et ce dont elles sont capables. Vous pourriez donc être plus attiré par l'un d' entre eux que par l' autre. Et c'est génial. Je voulais simplement vous faire savoir ce qu'ils sont capables de faire au fur et à mesure que nous avançons et commençons à faire un croquis du début à la fin. Alors allons-y et passons à la partie suivante de notre cours. 4. Dessiner un tournesol: Je nous ai trouvé une jolie fleur et fleur d'inspiration sur Pinterest. Et je voulais maintenant mentionner que toutes les fleurs que j' enseigne dans ce cours, j'ai enregistrées sur un tableau intitulé Skillshare sur mon compte Pinterest. Vous pouvez donc le voir, bien que ce ne soit pas nécessaire, car je vous fournirai tous les croquis au crayon que vous pourrez ensuite imprimer. Et vous pouvez soit écrire et peindre directement dessus, soit les tracer C'est ce que je recommande pour effacer les marques de crayon plus tard. Ils seront donc fournis. Mais j'ai pensé que ce serait bien que vous ayez les photos d'inspiration afin que vous puissiez vous de ces images de référence plus tard si vous voulez recommencer le travail ou recommencer le travail ou simplement l' essayer différemment. Je suis sûr que chaque artiste voit quelque chose de différent dans chaque image, alors nous allons utiliser notre crayon HB. Si vous n'avez pas de crayon HB, quelque chose de léger est parfait. J'ai utilisé ce crayon beaucoup plus fermement lorsque je faisais les croquis pour vous afin qu'ils apparaissent lorsque je les ai numérisés. Mais en général, lorsque je dessine, je fais des croquis légers parce qu' réalité, l'esquisse n'est que le fondement. Je ne me fie pas vraiment à l'esquisse, mais je trouve aussi que plus elle est détaillée et précise, plus elle me donne plus de liberté. Et je trouve que j' ai plus de libertés, ou du moins la marge de manœuvre pour les prendre quand vient le temps de les définir. Vous allez donc voir, je vais dessiner et ensuite j'aurai des pétales, mais ensuite je vais m' éloigner de ce que j'ai réellement esquissé. Intuitivement. Je suis un peintre très intuitif et de nombreux artistes me diront de dessiner ce que vous voyez, pas ce que vous imagineriez ou ce que vous ressentez. Et je suis, je suis tout le contraire. Cela n'a pas toujours l'air, je suppose que anatomiquement correct serait botaniquement correct, c'est le meilleur terme. Mais c'est là que je trouve le plus de joie de pouvoir prendre ces libertés. Et il se peut que cela ne ressemble pas toujours exactement à ce qu'il est dans la nature, mais ce n'est pas censé être le cas. Mon style est très gestuel et il est censé aborder le sujet de manière intime , non le capturer exactement. Vous verrez donc que dans mon approche de ce style, je ne cherche pas vraiment à capturer chaque détail. Il s'agit vraiment de comprendre l' essence de ce circuit intégré. C'était donc un peu un préambule, mais je veux que vous compreniez les raisons mes choix et que vous vous donniez la permission de faire différemment. Je vais donc prendre de cette photo d'inspiration uniquement le concept de la forme. Et je vais faire quelques marques au crayon. Mais plus tard, au fur et à mesure que j'épingle, vous verrez qu' il y aura des moments où je n'aborderai tout simplement pas exactement cette zone. Donc, en regardant le tournesol, je vois qu'il est légèrement incliné, c'est pourquoi j'ai choisi celui-ci. On peut toujours faire comme un tournesol face à face. Mais j'aime vraiment pouvoir le faire, j'aime choisir des fleurs qui ont juste un peu de mouvement. J'ai l'impression que cela leur donne une apparence plus réaliste lorsque nous écrivons à la plume. Commençons donc ici avec juste un centre. J'aime bien l'adopter. Et vous verrez que c'est un processus très, très difficile et compliqué. J'utilise beaucoup ma gomme, si je ne vous l' ai pas déjà dit. Allez-y, prenez votre gomme anti-poussière parce que ce que je vois, parfois, ne se traduit pas toujours lorsque je la mets sur du papier. Donc, juste une jolie grosse forme de tournesol ici au milieu. Nous avons, c'est un peu comme si tous les hommes étaient ici. S'il n'apparaît pas, je vais essayer de l'épingler ou excusez-moi, le dessiner un peu plus sombre pour que vous puissiez le voir. Cela ne fait que nous donner de la place. Cela nous donne une forme sur laquelle nous ne pouvons pas nous immiscer lorsque nous créons les pétales. J'aime commencer à travailler dans cette direction, puis les remplir de J'aime commencer à travailler cette façon au fur et à mesure. Juste pour me donner une idée de la largeur des pétales. Nous pouvons voir qu'ils sont les plus longs de cette façon et qu'ils sont plus courts ici. Allons-y et commençons simplement à esquisser la forme. Encore une fois. N'hésitez pas à prendre des libertés avec la forme des pétales. Certains, je vais les affiner un peu. Certains seront plus larges, autres auront un bout pointu, d'autres auront une forme plus arrondie. Cela dépend entièrement de vous. Le peu trop long. Alors je vais aller de l'avant et effacer ça. En général, un croquis comme celui-ci peut me prendre 5 à 20 minutes si je ne suis pas échauffé et que je n'arrive tout simplement pas la forme de ce que j'essaie de capturer. Donc, si cela vous prend plus de temps, vous pouvez désactiver complètement la vidéo. Utilisez cette image de référence. Tu n'es pas obligée de me suivre. Si tu sens que tu n'es pas capable de rattraper ton retard, je veux que tu aies un rythme qui te convient. Ici. Je vais prendre quelques libertés et je ne vais pas trop replier les pétales ici. C'est juste une sorte de geste. Le peu trop long. Encore une fois, vous pouvez voir que je suis en train de presser le crayon contre le papier. Je n'appuie pas trop fort et je n'ai pas vraiment l' intention d'aimer écrire quoi que ce soit en permanence parce que je n'ai pas encore décidé comment je le souhaite. Je suis juste en train de regarder, d'esquisser, de regarder, d'esquisser, d' apporter d'autres modifications. Et je voulais juste vous expliquer tout cela du début à la fin, juste une fois. Parce qu'il ne s'agit pas d'un dessin à partir d'images de référence ou de nature vivante. Il s'agit d'un cours d'encre et d'aquarelle ou de dessin au trait et au lavis. Mais je ne voulais pas au moins vous en fournir un du début à la fin pour que vous ayez une idée de la façon dont j'ai travaillé tout fournir un du début à la fin pour que vous ayez une idée au long de ce processus. Maintenant, je suis en train de regarder ce que j'ai et je vais y revenir en arrière et m'assurer d'avoir l'impression avoir suffisamment bien saisi la forme. J'ai déjà l'impression qu' ils ne sont pas assez inclinés. Ils ne me donnent pas l'impression que le tournesol est sur le côté. Je vais donc y aller et apporter quelques modifications. Ça a dû prendre un peu de couleur ici. Ça ne se détache pas, mais parfois je l'utilise avec mes pastels et ça prend de la couleur au fur et à mesure que je travaille, alors ne tenez pas compte de ce trait. Très bien, maintenant je vais juste approfondir certaines de ces marques de crayon. Encore une fois, nous allons les effacer à la fin. Vous ne voulez donc pas un stylo trop foncé, mais vous voulez également pouvoir voir ce que vous avez fait. Leur forme me ressemble un peu trop. Donc, je vais juste le diviser en quelques formes différentes. Ça me fait plus penser à une marguerite. Ensuite, l'une de mes activités préférées est de laisser un espace quelque part dans la fleur. J'ai l'impression que cela apporte vraiment cette sensation réaliste. Je vais donc créer un espace juste ici entre ces deux pétales juste pour le briser. Et maintenant, j'ai vraiment l' impression que, d'accord, nous sommes de notre côté. Je n'aime pas vraiment ces deux-là, ces deux pétales ici. Je pense que ça marche quand on le peint. Mais avec le travail à la plume, je pense que ça va devenir bâclé ici parce que nous allons vraiment mettre en valeur les détails de ce centre. Je décide de l'omettre complètement. Tu n'es pas obligée, mais c'est exactement ce que je vais faire cette fois-ci. Je vais donc jeter un dernier coup d'œil à ce que j'ai. Je suis assez confiante à ce sujet maintenant et j'ai l'impression d'être plutôt bien placée à cet égard. Je suis donc prête à continuer à travailler autour du tournesol en créant la tige, qui est un peu courbée ici. Et nous allons juste imaginer que c'est en quelque sorte en train de se terminer là. Et encore une fois, je ne fais que créer le cadre ici. Rien de permanent. Ensuite, je vais en quelque sorte le diviser en quelques lignes lâches. Faites-le, mais en agitant simplement le crayon pour qu'il n'ait pas l'air si stagnant et si épuré. Alors je ne vais pas non plus monter jusqu'à la pédale. Je vais laisser de la place ici. Je trouve que ça a l'air beaucoup plus naturel. Si je le fais de cette façon. Ensuite, je vais commencer à créer quelques feuilles ici. Et je ne vais pas suivre exactement ce que je vois. Je vais juste regarder intuitivement , puis prendre des décisions. Je n'aime pas ça, alors c'est un peu mieux. Ensuite, je vais en faire une sorte en descendant dans cette direction, reliant les feuilles à la tige. Et je suis plutôt satisfaite de la forme des feuilles. Ils ont ce genre de jolies courbes dans le corps des feuilles. Et ils ont vraiment beaucoup de travail sur les arêtes ici, je ne pense pas que cela se révélera si bien au stylo, mais nous allons en mettre un peu dedans. Nous verrons comment cela se passe. J'aime d' abord tracer la forme , puis y retourner avec mon crayon et créer ces petites arêtes en coupant un peu plus haut. Nous avons donc quelque chose qui ressemble un peu plus une feuille de tournesol. OK, donc je vais juste jeter un dernier coup d'œil. Je me sens plutôt bien à ce sujet. Je pense donc que la prochaine étape est de sortir notre épingle. Nous allons donc le faire dans la section suivante. 5. Parler du tournesol: C'est donc là que les choses ont vraiment commencé à adopter une approche stylistique. J'ai l'impression que c'est la prochaine partie qui pourrait différencier ce que je crée de quelqu'un d'autre qui fait du fil et du lavage. C'est vraiment la façon dont nous interprétons le matériau et ce que nous voyons de manière intuitive dans ce que nous y ajoutons. Ainsi, lorsque je crée quelque chose comme ça, je ne prends jamais mon stylo pour simplement décrire ce que j'ai fait au crayon. J'ai l'impression que c'est vraiment très thérapeutique pour les gens de pouvoir travailler avec leur stylo sans réfléchir. Mais j'aime pouvoir ajouter plus de vintage, de douceur, et je n'ai pas d'autre mot pour le décrire, si ce n'est une et je n'ai pas d'autre mot pour le décrire, si ce apparence hirsute à tout ce que je suis en train de décrire. Vous verrez en travaillant, j' ai presque déplacé le stylo même s'il s' agit d'un pinceau. J' essaie vraiment d'utiliser des mots qui vous aident à vous faire une idée, car vous verrez comment je travaille. Mais je veux que tu aies une idée de ce que fait le stylo. Donc, plus tard, si vous avez des questions sur cette approche, n' hésitez pas à me contacter et à me demander . Je suis plus qu'heureuse de répondre à toutes vos questions. Le seul inconvénient des cours préenregistrés est que personne ne peut lever la main ou prendre la parole. C'est pourquoi j'aime tant les ateliers en direct. Mais je suis toujours là après, après le facteur, si vous travaillez sur le matériel et que quelque chose n'a pas de sens, je suis toujours là pour répondre à vos questions. Donc, la première chose que j'aime vraiment faire est d'utiliser le 0.25 pour commencer à vraiment définir ce que je fais. Alors j'ai juste regardé où se trouvaient mes marques de crayon et j'ai commencé à faire des marques précises sur le plan gestuel. Je vais donc commencer par le centre de la fleur, et je vais tracer quelques lignes entre les pétales à l'endroit où j'ai vu et j'ai retiré la photo parce que je veux vraiment travailler de manière intuitive maintenant et ne pas avoir quoi que ce soit qui puisse concurrencer ce que je veux créer. Je vais insérer intuitivement des marques entre les pétales, là où le centre émerge en quelque sorte du milieu. Je prends juste mon stylo et je l'utilise en quelque sorte comme je le ferais avec un pinceau, en appliquant quelques petits traits rapides. Je ne le fais pas partout. Je ne vais pas faire tout le centre et simplement placer intuitivement entre l'endroit où le centre émerge et les pétales s' étendent vers l'extérieur. Et vous pouvez le voir avec le marron, c'est vraiment une très belle couleur. Je ne saurais trop insister sur ce point. Vous savez, le noir, le noir peuvent être très frappants, mais je suis vraiment attirée par le brun. D'accord. Et donc, une fois que c'est fait, je m' éloigne et je vais passer à une autre partie de la fleur. Nous reviendrons ici pour ajouter plus de détails au fur et à mesure. Mais encore une fois, je vais commencer ici. Et je vais juste commencer à travailler très légèrement sur la marque de crayon. Mais je dois aussi garder à l' esprit que je ne vais pas décrire complètement chaque partie de la pédale. Je vais laisser intentionnellement petites pauses dans la fleur. Je modifie donc la pression au fur et à mesure que je travaille, en commençant par lumière, puis en appuyant un peu plus fermement pour obtenir une ligne plus foncée. Et puis se détacher complètement du papier pour laisser une rupture intentionnelle. Dessiner, esquisser une pression plus ferme à la pointe, redescendre par rapport à sa pression. Et pour terminer, revenons au centre. Je ne ferai pas la même chose sur chaque pétale car je veux qu'il y ait une variation avec chaque pétale. Donc, celui-ci, je vais le faire très légèrement. En commençant par ici, en faisant une pause, pression plus ferme, en revenant au centre. Ça vient légèrement de mon marquage au crayon d'origine. Et revenons au centre. Je vais changer de position ici que tu puisses me voir sous un angle. Maintenant, je voulais que tu aies un peu de hauteur pour que tu puisses vraiment voir ce qui se passe dans cette partie de ma main, mais je veux aussi que tu puisses voir venir dans cette direction. Nous allons donc le faire aussi. Donc, sous cet angle, vous devriez pouvoir vraiment voir le stylo lorsqu'il est appliqué sur le papier. En remontant le bord de cette flaque d'eau ici, revenant au centre, en appuyant, plus léger, en appuyant , en faisant des coups hirsutes ici. Lumière de pression Je repars avec mon crayon d'origine. Échangez un peu cette pédale et terminez ici. Ensuite, nous allons maintenant nous diriger vers la tige. Encore une fois, je ne vais pas complètement à la hauteur du pétale. Juste des coups de cheveux hirsutes. Faire attention à l'endroit où la tige est connectée aux feuilles. Vous pouvez entendre la pression créer ces petites rainures intentionnelles à l'intérieur de la tige, ces imperfections qui lui donnent vraiment une apparence réaliste. Ensuite, nous allons maintenant nous frayer un chemin vers la feuille. Et commencez légèrement, légèrement le papier . Je peux donc avoir un meilleur angle pour vous montrer comment relier ces tiges ici. Créez légèrement des marques de stylo gestuelles vraiment lâches ici, faisant vraiment entrer le stylo ici, en ajoutant de la pression sur ces rainures. D'accord, nous pouvons donc voir que nous avons clairement défini notre fleur. Et maintenant, il est temps de passer à l'utilisation de notre stylo 0,45 pour obtenir davantage de détails, afin de vraiment mettre en valeur les parties du tournesol sur lesquelles nous voulons attirer l'attention. Donc je vais te faire reculer. Plus de frais généraux. D'accord, nous avons donc un peu plus de frais généraux, mais je veux quand même être incliné pour que vous puissiez voir ce qui se passe entre le stylo et le papier. Je vais donc prendre ce stylo et chercher les zones où je peux vraiment accentuer la belle forme de la pédale y compris au centre. Ensuite, nous nous dirigerons également vers le centre pour quelques détails. Je vais commencer par ces petites marques intentionnelles que j'ai faites et je vais juste les éliminer en les rendant plus audacieuses. Et je ne le ferai pas dans tous les domaines par intermittence. Puis, en vous dirigeant vers la fleur, vous pouvez voir une pression. Et puis je prends le stylo pour quelque chose de plus léger. Pression et levage. Ça s'assombrit ici. Faire quelques contours le long des bords. Assombrir les zones où les pétales se chevauchent. J'essaie de ne pas trop y réfléchir et d' aller un peu plus vite. Si tu dépasses tes limites, ce n'est pas grave. Même encouragé. C'est censé être lâche, c'est censé être hirsute. Plus ça se sent précis, ça commence à prendre une sensation très inanimée. Quoi qu'il en soit, je ne le ferai pas à chaque pétale ou à ça, excusez-moi, je ne ferai pas les mêmes marques sur chaque pétale. Je le fais vraiment varier pour que chaque pétale ait vraiment sa propre personnalité. Je regarde juste ce que j'ai. Ensuite, je vais prendre mon stylo et faire prendre mon stylo et rainures dans les pétales là où il y a des rainures naturelles dans le tournesol. Prenez le stylo et soulevez-le simplement vers le milieu, en le faisant glisser vers le haut. Vous n'êtes pas obligé de le faire sur chaque pétale. Ça peut être juste un peu. Vous pouvez ensuite assombrir certaines de ces zones pour lui donner un aspect plus audacieux et accentué. J'en suis assez satisfaite, alors je vais passer à la tige, en créant des marques vraiment audacieuses. Pas à tous les endroits, mais juste là où je veux ressortir les détails du design. En fait, il suffit de passer mon stylo comme je le ferais avec un pinceau. Faire de petites boucles et de petits gestes. Vous allez trouver un rythme sans regarder. En répétant chaque ligne que je suis en train de créer, vous trouverez vraiment votre chemin avec le stylo et commencerez à avoir l'impression d'être une extension de votre main. C'est pourquoi j'aime tout ce qui est intuitif. Parce qu'en regardant et étudiant ce que vous essayez de capturer. J'ai l'impression que vous pouvez gagner en précision de cette façon, mais j'ai l'impression que vous perdez le rythme. C'est pourquoi j'aime être aussi détaillée dans mon travail au crayon en utilisant une image de référence, puis en m'éloignant de cette référence. Quand viendra le temps d' ajouter ces détails. juste assombrir certaines zones où je veux attirer l'attention. Et je suis plutôt satisfait de ma situation. Alors je vais m'en aller et effacer les marques de crayon maintenant. Alors, emportez votre bureau gratuitement. Rien ne doit être mouillé, vous ne devriez donc pas avoir de problèmes. Vous pouvez simplement commencer à déplacer la fleur entière pour faire sortir le crayon. n'ai pas encore décidé si je vais remettre ces veines dans les feuilles, je ne veux pas quelque chose de trop détaillé, alors nous verrons comment cela se passe. Très bien, j'ai à peu près retiré tout le crayon, donc je vais ajouter quelques veines de détail. C'est pareil ici. Faites glisser cette épingle créer des zones plus audacieuses. Mais rien à corriger botaniquement. OK, la dernière chose que nous allons faire est d'aller au centre, en ajoutant quelques marques. Je prends ça, je prends mon stylo et je fais juste ces petites marques en forme de demi-C, ces petits demi-cercles. Et puis assombrir certaines taches également. Je ne veux pas tout faire parce que je veux quitter le travail. Je veux laisser des zones travailler avec l'aquarelle. Je me sens plutôt bien et satisfaite l'équilibre entre détails et souplesse. Je vais juste assombrir quelques zones. Ensuite, rendez-vous ici une dernière fois pour vraiment vous assombrir entre ces pétales et retirer la charpente. Ok, ça y est. Notre épingle, ce tournesol. Donc, dans la partie suivante, nous allons procéder à l'aquarelle. 6. Peindre le tournesol: Donc, comme je l'ai déjà mentionné, nous allons vraiment viser ce juste milieu, car nous l'avons fait, c'est une représentation grossière, évidemment par rapport à ce que nous venons de faire. Mais nous allons viser cette version intermédiaire où nous prendrons soin peindre dans le cadre, mais aussi de laisser libre cours à l' aquarelle et de la laisser faire, vous n'avez pas d' esprit propre. Allons-y, plongez-vous dans votre ocre jaune et ajoutez-y un peu d'eau. Nous en sommes donc à la consistance d'un bouillon. Ensuite, prenez l'un de vos autres pinceaux ronds que vous devriez utiliser pour les pinceaux ronds et passez à l'étape, vous êtes prêt. Encore une fois à la consistance du bouillon. Fais un peu mouillé ici. un peu éclaboussé. Ce que j'obtiens en ayant le palais et la zone d'éclaboussure. Je vais donc juste commencer à faire des mouvements intentionnels dans les pétales, mais aussi en laissant les zones ouvertes et blanches. Et vous constaterez que c'est le processus qui prend le moins de temps. Le travail à la plume et le dessin prennent évidemment beaucoup plus de temps. L'aquarelle est vraiment secondaire pour accentuer, mais c'est vraiment pour souligner ce que nous avons fait avec le crayon et le stylo. Je trouve cette partie très thérapeutique. Je vais aller chercher un peu d'eau maintenant pour que ce pétale soit légèrement plus clair. Et enlevez également une partie de la peinture et continuez à éclaircir un peu ici. Et puis, encore une fois, en ramassant un peu de peinture, assombrissant cette zone pour très belles variations de couleurs. Je ne vais pas aller jusqu'au bout en épongeant un peu de peinture pour avoir presque de l'eau ici. Je ramasse un peu de peinture. Vous pouvez voir qu'il prend déjà vie d' une si belle manière. C'est vraiment l'un de mes procédés préférés lorsque j'essaie de faire une pause créative par rapport à tout ce que je fais en ce moment. Cela fait toujours du bien de revenir à la ligne, de laver et d'effacer un peu. Et avec la consistance d'un sirop contre la toux. Un peu plus sombre. Ici, à la base. Je gravis les échelons, je m'en vais. Et nous allons nous diriger très légèrement vers le centre , laissant quelques zones blanches. Puis, à la consistance du bouillon, trempez-le dans votre sépia et longez le périmètre. De beaux mouillés à mouillés ici. Vous pouvez prendre un peu plus de sirop contre la toux, assombrir dans certaines zones. Et si vous faites attention à laisser un bel espace blanc, vous pouvez avoir la consistance d' un sirop contre la toux et ajouter un peu plus de sépia le long du périmètre, là où cette zone est encore humide. Assombrir ces zones. Magnifique, non ? C'est tellement thérapeutique, tellement gratifiant de le voir prendre vie avec l'aquarelle. Je retrouve ce processus. Je sais que je me répète, mais je trouve ça tellement thérapeutique et tellement beau. C'est vraiment une très belle façon utiliser l'aquarelle et le stylo. Alors allons-y et continuons à travailler. Nous allons effacer notre pinceau et ramasser un peu de vert sous-marin Daniel Smith. Et faites la même chose ici avec notre tige. Rincez un peu d'eau ici. Prendre du sirop contre la toux, assombrir, peut-être un côté de la tige. Peut-être qu'il s'assombrit au fur et à mesure que nous entrons dans nos feuilles. Puis rincez un peu au fur et à mesure que nous entrons dans la feuille. Et je vais juste m' étendre doucement sur l'aquarelle, en mettant beaucoup d'eau sur mon pinceau maintenant, en sortant de la ligne pour créer une nouvelle forme. Voici donc le prolongement de la feuille. À l'arrivée, du sirop contre la toux est injecté dans la veine. Laissons cette eau, excusez-moi, cette peinture se répandre, faire ce qu'elle aime faire. Vous aurez besoin de beaucoup d' eau pour y parvenir Assurez-vous donc qu'il y a suffisamment d'eau sur votre pinceau. Faisons la même chose ici, posant vraiment sur le côté de votre pinceau et en le tirant à travers. En sortant de la ligne, j'ai ramassé un peu plus de peinture, consistance d'un sirop contre la toux. viens ici, vers le centre de la veine, ajouter un peu plus de couleur, à ce que je vois. Et notre dernière feuille, la consistance d'un sirop contre la toux, se trouve au centre. En le retirant juste pour avoir quelque chose d'un peu différent ici, mais pour avoir une sensation plus sombre. Vous pouvez le faire avec n' importe quelle feuille, il n'est pas nécessaire que ce soit celle-ci. Vous pouvez assombrir des zones au fur et à mesure que vous les voyez prendre vie sur la page . C'est à vous de décider quelle mesure vous voulez laisser les choses sombres ou claires. Vous pouvez voir que notre peinture sèche déjà ici. Donc, si vous le souhaitez, vous pouvez ramasser un peu plus de sépia dans cette consistance de sirop contre la toux le déposer encore une fois. Vous verrez qu'il fait encore très humide ici. Et nous pouvons assombrir ces zones. Je prends mon pinceau, je le rince, je laisse juste une petite trace de cette couleur. Voilà, vous l'avez. Notre tournesol complet. Je trouve ça magnifique. J'espère que vous êtes également satisfait du vôtre, mais sinon, vous pouvez toujours essayer à nouveau. Passons donc à notre prochaine fleur. 7. Porter le Coneflower: Très bien, ensuite, nous avons notre magnifique fleur conique. J'ai choisi celui-ci pour succéder à notre tournesol car c'est le plus similaire. Je veux donc simplement que vous continuiez à gagner en confiance au fur et à mesure que nous avançons et que vous ayez le sentiment d' être vraiment capable de saisir le concept dans son ensemble. Encore une fois, si, si, si le fil et le lavage sont complètement nouveaux pour vous, c'est une courbe d'apprentissage. Il s'agit vraiment d' essayer de marier et de mélanger cette idée de décrire quelque chose sans le décrire complètement. Et il faut vraiment un changement mental pour vraiment commencer à avoir l' impression d' avoir cette flexibilité et cette fluidité d'un stylo et d'un pinceau. Accordez-vous donc de la grâce et la patience au fur et à mesure que vous étudiez la matière, elle s'assemblera au fur et à mesure que vous vous y familiariserez. Et laissez-vous guider intuitivement dans votre esquisse. Vous pouvez donc voir que j'ai un croquis assez détaillé. J'ai également un croquis très sombre. Je n'aurais plus jamais esquissé dans des tons aussi sombres, mais comme je voulais numériser le plus clairement possible, je l'ai intensifié. Nous allons donc faire la même chose qu'auparavant, commençant par notre broche de 0,25 micron. Et nous allons commencer par cette petite fleur conique dont les contours se trouvent entre les pétales et qui forment des rainures intentionnelles. Et puis, comme vous le verrez, si vous visitez ma page Pinterest et que vous regardez l'image de référence, vous verrez qu'elle contient ces petites pointes qui sortent du haut. Nous allons donc capturer cela ici. Et je vais agir un peu différemment ici, travaillant entre les deux. D'abord, avant d' entrer dans les pétales. L'une des raisons pour lesquelles j'aime dessiner légèrement, c'est pour pouvoir voir où le stylo est mis en valeur. Si mes crayons sont trop foncés, auront l'air beaucoup plus audacieux qu'ils ne le sont en réalité , car je finirai par effacer ces lignes sans dire que vous ne pouvez pas revenir en arrière après avoir effacé le crayon et dire « je n'aime pas ça ». En fait, même à ce stade, je peux dire : OK, j'en ai assez pour comprendre le concept. Effacons ça. Maintenant, vous pouvez voir qu'il semble vraiment beaucoup plus clair que ce qui était là il y a un instant. Donc, si vous devez revenir en arrière et revenir en arrière, vous pouvez voir qu'il avait l'air complètement rempli et qu'il semblait très sombre. Maintenant que nous avons effacé le trait au crayon, vous pouvez voir qu'il est très ouvert, aéré et magnifique. OK, je vais donc commencer maintenant à parcourir le contour des pétales. Encore une fois avec de la lumière , des rayures, des poils hirsutes, puis en intensifiant la pression. Vous pouvez voir que nous avançons beaucoup plus vite. Maintenant que nous ne sommes pas en train de travailler sur le croquis. Parfois, j' esquisse un tas, de sorte que lorsque j'en ai besoin ou que j'ai l' impression d'avoir besoin d'une pause, je puisse les exposer toutes. L'aquarelle, c'est vraiment ça, je peux être créative sans avoir l'impression gaspiller du papier ou de perdre du temps, peu importe ce que les artistes se disent lorsque nous ne faisons je peux être créative sans avoir l'impression de gaspiller du papier ou de perdre du temps, peu importe ce que les artistes se disent lorsque nous ne faisons pas ce que nous pensons devoir faire. C'est vraiment un jeu mental, n'est-ce pas ? C'est une façon tellement amusante de se laisser aller et de ne pas le prendre trop au sérieux. Parce qu'il n'y en a tout simplement pas, il n'y a pas d'erreurs. Peu importe où vous créez. Vos lignes audacieuses sont vos lignes claires. Tout dépend de la façon dont vous l'interprétez et de ce qui vous attire en termes d'esthétique. Je vais venir ici par la tige et juste en laissant quelques endroits ouverts. Et je vais venir ici. Je sais que je travaille un peu différemment. Je ne veux pas que tu aies l' impression de devoir travailler dans le même ordre à chaque fois. C'est censé faire du bien. est censé avoir l'impression de circuler dans la composition. Guider le travail à la plume. Sauvegardez ici. D'accord, mais maintenant je me sens prête à passer à cette fleur. Nous allons faire la même chose, en faisant quelques marques ici pour nous ancrer dans la composition. Nous arrivons ici avec nos crampons. Je vais les agrandir un peu parce que cette fleur est un peu plus grande. Et c'est naturellement là que le regard sera attiré. Venir ici vers le milieu, assombrir ces zones, ce que j'ai fait au crayon. Et encore une fois, nous allons effacer cela dans un instant pour que vous puissiez voir qu'il ne fait vraiment pas aussi sombre qu'il n'y paraît. J'adore ces stylos, car une fois que vous posez le stylo et l'encre, vous pouvez les effacer sans laisser de traces. OK, maintenant, en regardant ce que j'ai, en apportant quelques modifications et ajustements, sortant vraiment avec ces pointes, s'assombrissant ici, à la base. Ensuite, je suis prête à entrer dans les pétales. Nous allons commencer ici sur la gauche. N'oubliez pas que vous utiliserez votre stylo à pointe plus large dans un instant Vous n'aurez donc pas à créer de lignes très audacieuses, mais vous pouvez augmenter la pression sur certaines zones. Vous n'êtes pas non plus obligé d' utiliser les deux stylos à chaque fois. Vous aimerez peut-être l'apparence du stylo initial de 0,25, ce qui est tout à fait correct. Ou vous préférerez peut-être la pointe plus large au départ et vous pourrez ainsi effectuer des traits plus fins. Vous devez juste faire attention à légèreté avec laquelle vous appuyez, c' est vraiment un processus de pression. Je ne vais pas ajouter de rainures dans les pétales cette fois-ci car ils sont déjà très fréquentés car les pétales sont plus petits. C'est pourquoi, derrière mon choix ici, vous commencez à ajouter ces lignes ici. Cela va devenir très détaillé, ce qui n'est pas nécessairement une mauvaise chose, mais j'ai l'impression que nous perdons un peu de souplesse dans ce style. Je vais revenir ici et terminer avec les feuilles et la tige. Il suffit de faire glisser progressivement le stylo à travers le crayon. Vous pouvez même utiliser des points comme représentation. Vous pouvez donc voir ici de manière assez intuitive que j'ai ajouté des points plutôt que des lignes. Essayons donc encore une fois. Points, ligne, pression linéaire, points , pression, points, légère pression. Je me déplace dans le cadre de mon crayon. Un peu plus de pression ici. Nous allons nous installer ici, dans nos feuilles. Point, point, point, pression, pression, pression, pression légèrement pointillée, dernièrement. Pression, points. Shaggy, courbée, hirsute. J'espère que cela vous aidera, pendant que je travaille, à voir la différence dans chaque petit Tout cela contribue globalement à ce que nous obtenons à la toute fin, qui a un design varié, complexe, pas compliqué, mais complexe et complexe qui a également une apparence souple et une apparence légère . OK, donc je vais continuer et maintenant tout effacer complètement. Voyez ce qu'il me reste, voyez s'il y a des zones où je n'ai pas capturé ce que j'aurais dû capturer avec ce stylo initial, mais ce n'est généralement pas le cas. En général, il suffit de rentrer avec la pointe large du rocher. Assurez-vous de soulever autant de gomme que possible. Tout simplement parce que c'est un peu plus difficile à effacer. Une fois que vous posez l' aquarelle, elle se soulève parfois un peu. Je trouve donc que si j' efface complètement ici, je n'ai pas à appuyer aussi fort quand vient le temps d'effacer s'il reste encore du crayon. OK, donc, en prenant notre 0,45 et en faisant de même, il suffit de regarder autour de soi pour voir où la composition globale pourrait bénéficier de quelques notes plus audacieuses. Encore une fois, je ne le fais pas dans tous les domaines, contente de porter le stylo à quelques endroits. J'essaie vraiment de dessiner les détails d'une certaine partie de la fleur, puis laisser les autres parties complètement ouvertes. Nous descendons ici, à la base là où les feuilles et la tige se rejoignent. C'est juste pour assombrir un peu les choses. On dessine ici les bords avec des formes en C et des zigzags. Pression, légère pression, pression ici. J'ai l'impression que cela nous donne à cette série de livres de terrain de l' ancien monde presque une apparence à cette série de livres de terrain de l' ancien monde. J'adore les vieux guides de terrain. Est-ce que j'irais à la friperie ? Je les cherche. J'adore les mauvaises herbes et je suis constamment là où je déposais mes filles à l'école en ramassant des fleurs et entre les mailles des agendas. Pour être honnête, voici certaines de mes fleurs préférées. Très bien, donc je me sens bien dans cette situation. Encore une fois, regardez ce que vous avez, si vous pensez que certaines zones doivent être modifiées, allez-y et faites-le maintenant avant de passer à l'aquarelle dans le segment suivant. 8. Peindre le Coneflower: D'accord, nous allons donc mélanger quelques couleurs sur notre palais pour créer une fleur en forme de cône rose. Nous allons donc utiliser le lac Rows. Et nous allons faire en sorte que ce petit tas ait l'air sympa. Déplace-le pour que je puisse te montrer un joli petit tas juste ici pour notre lac de rangées. Et puis je vais également commencer une autre pile ici. Et je vais me lancer, mais il suffit d' assombrir l'un des tas pour en créer une version plus sirop contre la toux que nous pouvons ajouter lorsque nous le mouillons dans du mouillé. Il est donc toujours très rose mais il y a un peu de sépia dedans pour le désactiver. Si vous suivez l'un de mes cours, vous savez, j'adore les tons vintage atténués et j'ai une gamme de guides de couleurs sur mon site Web, sous la rubrique Ressources pour artistes Si vous souhaitez en savoir plus à ce sujet , toutes sortes de couleurs vintage et sourdes que vous pouvez utiliser, je les utilise dans mon travail professionnel. Assurez-vous que vos pinceaux ont été rincés lors de notre dernière leçon sur le tournesol. Et je vais juste m' assurer d'avoir un rose séparé ici pour qu' il ne soit pas trop combiné. Ensuite, je vais aussi mettre un peu d' ocre jaune sur le côté. Ce n'est pas grave s'il se mélange un peu à votre rose et que vous y ajoutiez également un peu de sépia. Pour que nous prenions un peu une orange pêche. Nous utiliserons ce mélange de couleurs lorsque nous fabriquerons notre rose de jardin, mais je vais aussi l' utiliser ici. Au centre de notre fleur conique. Créez un petit clivage. Ici. On y va. Nous avons maintenant deux couleurs distinctes. Allons-y et commençons par notre plus petite fleur conique. J'ai trois pinceaux avec lesquels je travaille. Je les ai tous préchargés avec des couleurs différentes. J'ai donc le sépia et les rangées Lake dans une consistance de sirop contre la toux sur ce pinceau. C'est le huitième round. Ensuite, j'ai les six rangées qui ont la consistance d'un bouillon. Et puis j'ai aussi l'ocre jaune et le rose sur les six autres. Donc, trois pinceaux avec lesquels je travaille, vous pouvez faire les choses un par un. Je trouve juste que les pinceaux préchargés aident vraiment. Juste pour la notion de flux. vais mettre un peu de couleur Je vais mettre un peu de couleur dedans et ensuite le déplacer. Et ensuite, passez à la consistance du bouillon. Mes rangées s'accumulent, laissant cela mener à mon média humide, ici au centre. Je vais me rincer un peu plus pour obtenir lavage encore plus pâle et encore plus de location, location pour obtenir un lavage encore plus pâle. Vous pouvez donc voir que nous commençons par une vie sombre trop claire, laissant quelques zones de blanc ici. Et nous pouvons, si nous voulons prendre le pinceau avec le sépia et le lac à rangées, et assombrir cette zone située à la base. Et nous pouvons, si nous le voulons, même ajouter très légèrement quelques traits qui ne sont même pas épinglés. Juste quelques marques gestuelles et vraiment adorables. D'accord, nous allons faire la même chose, commençant par notre mélange jaune. Couchez-vous sur le côté, épongez le pinceau pour qu'il y ait principalement de l'eau. Et en revenant avec notre lac en rangées, vous pouvez commencer à le voir prendre vie si magnifiquement. cherche vraiment à nouveau ce mélange entre le simple fait de perdre de la couleur et d'essayer de faire pénétrer chaque morceau de peinture dans les coins et recoins de la fleur. On y va avec les rangées Lake et le set B à la base. En le tirant vers le bas, vous pouvez également assombrir les objets situés en haut S'il est encore humide , il deviendra beaucoup plus clair en séchant. Vous devrez peut-être le faire plusieurs fois avant de vous sentir satisfait des résultats. C'est tellement joli. C'est quelque chose que tu peux vraiment continuer à sortir pendant longtemps si tu te laisses entrer pour rincer mes pinceaux ici, il n'y a pas trop de peinture dessus, donc je n'ai pas l'impression d'avoir besoin de vraiment, vraiment tout rincer trop bien. Mais vous devriez essayer de retirer la majorité du rose de vos pinceaux. Je vais choisir le vert Daniel Smith et je vais y ajouter un peu de sépia cette fois, juste pour changer un peu le vert. Je vais vous montrer à quoi cela ressemble dans un instant. Dès que j'ai fini de le mixer, nous avons quelque chose qui ressemble à ceci. Et je vais l' utiliser en commençant par la consistance du bouillon. Tellement léger. Je vais commencer par la tige. Je vais commencer ici , à la base. Rincez un peu, soulevez-le. Et à travers, en ajoutant un peu plus, en le faisant passer. Rincez un peu de peinture. En arrivant ici, j'ai beaucoup d'eau sur mon pinceau alors que je commençais à traverser la feuille. Même chose. Beaucoup d'eau sur mon pinceau sur la tige ces derniers temps. manière à différencier l'endroit où se trouve la feuille de l' endroit où se trouve la tige. Je reviens avec une consistance de sirop contre la toux. Assombrir ces zones. Retourner avec du bouillon, faire glisser le pinceau , le guider vers le bas, récupérer la consistance de la peinture et du sirop contre la toux. Intensifier la couleur ici sur les bords. Encore une fois, il deviendra nettement plus léger. Donc, si vous trouvez que c'est trop pâle, vous pouvez toujours revenir en arrière et mouiller à nouveau le support pour l'assombrir, mais j'aime bien l'endroit où il se trouve en ce moment. Je vais donc suspendre les aquarelles, asseyant et en faisant une pause, en regardant ce que cela fait, puis en apportant vos modifications. Mais j'en suis content. J'adore l'endroit où ça a séché et elle s'en servira vraiment bien. Encore une fois, jetez un œil à ce que vous avez et voyez s' il y a quelque chose que vous souhaitez modifier avant passer au segment suivant. 9. Donner des aptitudes au Cosmo: Nous avons notre application Cosmos Flower. Ensuite, nous allons faire la même chose qu'avec nos deux fleurs précédentes , en commençant ici au centre avec notre 0,25, sculptant un peu la forme de ce cosmos qui s' assombrit à certains endroits. Mais aussi en sachant que nous allons revenir avec la pointe la plus large et juste un instant. Ensuite, je vais commencer à décrire. Vous pouvez voir que c'est beaucoup plus simplifié que certains de mes autres. Je voulais vraiment m'assurer que le scan était clair. Encore une fois. Je veux juste m'assurer que tu peux t'en inspirer. Très bien, je commence à couvrir mon crayon, vraiment assouplir les choses. Je ne veux pas de ces lignes graphiques très stagnantes. Je veux que ce soit dur. Et je veux qu'il soit plus pointu et carré, pas si arrondi. En fait, il suffit de laisser le stylo flotter un peu partout. Pression, soulèvement ici, pression. Ensuite, je vais laisser cet endroit ouvert pour qu'il y ait une petite pause dans le travail à la plume. Comme je l'ai déjà dit, je trouve que c'est vraiment une belle chose à faire, juste pour donner du repos à l'œil dans une composition. Parfois, j'aime choisir les points sur lesquels je vais appliquer le plus de pression, puis entraîner à partir de là. Donc, en commençant ici , puis en sortant un peu plus clair vers le bord. Même chose. Commencez par la pression, puis effleurez le stylo. Si je dis pinceau, quand je veux dire stylo, tu vois ce que je veux dire ? J'ai tellement l'habitude d'enseigner avec des pinceaux pour aquarelle. J'enseigne très rarement avec un stylo. Maintenant, en nous frayant un chemin à travers la tige et les feuilles, nous n'irons pas jusqu'en haut. Point, point, point, pression. En train de le ruiner. Pareil, ne pas monter jusqu'au bout. Lumière, point clair, point, pression, pression. En venant par ici. Lumière. Les Cosmos ont ces feuilles très fines en forme d'aiguilles qui sont vraiment belles. J'essaie de saisir cela de manière vague. La pression passe. Je sors de mon crayon et je m'assombrit légèrement ici, à la base de la feuille. Encore une fois, je vais effacer pour voir ce que j' ai avant de commencer avec mon audace. Allons-y et commençons ici. Il suffit de presser, puis de l'ébaucher, en laissant des cassures à l'intérieur de la feuille. Pression point, point, point. Je vais redescendre et gravir les échelons maintenant, sous pression, Shaggy. Pression. Point, point, point. Je dessine vraiment ici avec le stylo pour créer la forme point, point, point. Et pour terminer l'étui, je vais tout effacer juste pour voir ce qu'il me reste avant de retourner avec l'autre stylo. Je dois vraiment travailler ici pour effacer parce qu'il faisait si sombre au départ. Vous n' aurez probablement pas à travailler dur pour effacer si vous avez dessiné légèrement, pulvérisé, nettoyé les débris, vu ce que nous avons. Ça me semble plutôt bien. D'accord. Juste quelques petites zones qui nécessitent des retouches. Et maintenant je suis prêt à entrer avec mon 0,45. Commencez ici par le milieu. Je vais vraiment mettre l'accent sur le milieu de ce Cosmo en sortant et en assombrissant le centre. Ensuite, nous nous dirigerons vers le milieu utilisant des marques circulaires, boucles et de petites lignes légèrement incurvées. Je veux vraiment que l'accent soit mis sur le centre cette fleur parce que les feuilles sont, excusez-moi, les pétales sont un peu, plus grandes et plus larges. Il y en a des simples. Je veux donc que le centre, l'œil à dessiner ici, fonctionne dans le cadre de la pédale. Assombrir certaines zones , brouiller les bords ici. Revenons en gras sur les zones que j'ai laissées. Pour vraiment accentuer les pétales. Je vais maintenant créer quelques points ici. À l'extérieur, avec quelques lignes. Juste pour lui donner un peu plus de variation. Il suffit d'utiliser des points pour représenter les graines. Ça fait partie du centre. Un Cosmo vraiment magnifique qui se réunit. Je vais faire la même chose maintenant avec nos feuilles. regarde vraiment où j'ai laissé la lumière et où j'ai intensifié la pression, en résistant à la tentation de tout assombrir. Je pense que c'est possible. Parfois, nous sommes un peu satisfaits du stylo et nous commençons simplement à faire ressortir chaque petit détail, ce qui signifie essentiellement qu'aucun détail ne brille parce que tout est au même niveau. Et ajoutez quelques pointes à ces feuilles pour qu' elles ressemblent un peu plus à des aiguilles, comme elles apparaissent dans la nature. C'est juste en quelque sorte à ma façon. Vous pouvez voir que je fais un peu tout le tour. Je ne pense vraiment pas que tu doives rester dans un seul endroit. Vous pouvez travailler de manière intuitive. Comme tu vois les choses. assombrissons certaines zones et nous sommes plutôt satisfaits de la situation. Nous allons donc mélanger un nouveau lot de couleurs et commencer à peindre. 10. Peindre le Cosmo: L'une des raisons pour lesquelles j'ai voulu être si détaillée au centre, c'est que nous allons peindre ce Kosmo en blanc. Si vous avez déjà travaillé avec moi, vous connaissez déjà les aquarelles blanches. Mais pour le blanc, nous utilisons des tons de gris, brun et parfois de vert et de jaune pour créer ce que nous appelons l'aquarelle blanche. Pour ce mix en particulier, je vais utiliser un peu de noir clair et de sépia, puis nous allons vraiment l'adoucir. Nous allons donc commencer par une couleur, la lampe noire, puis ajouter un peu de sépia juste pour réchauffer un peu le tout. Cette lampe noire est très cool mais elle ne fait que la réchauffer. Ensuite, je vais en extraire une nouvelle pile. Et la consistance la plus légère quelque chose de vraiment beau. Chaud, pas trop frais. Il a commencé à revêtir notre couleur. Penchez-vous vraiment sur le côté du pinceau. Ce sont des pétales blancs que vous pouvez même utiliser. En fait, vous savez quoi, nous allons le séparer un tout petit peu. Nous allons utiliser notre brosse à noisettes. Je les ai mis dans les fournitures parce que j'avais l'intention de les utiliser. Mais parfois, au fur et à mesure que je travaille, je m'en tiens au même pinceau si cela fonctionne bien, mais je veux vous donner un look complètement différent. Allons-y, ramassons nos six alevins et veillons à ce nos six alevins et que votre tas soit bien mélangé. La consistance doit être la plus légère. Ça devrait ressembler à ça. Allons-y et commençons à appliquer la couleur. Nous allons commencer par ce pétale. Et nous allons faire un bon coup en rinçant un peu de peinture. Et en contournant la fleur. Il est vraiment enfoncé dans le cadre, ici au centre, puis en le tirant vers les pétales. Vous pouvez utiliser ce côté du filbert pour obtenir très jolies lignes. qui a contribué à lui donner cette sensation de Kosmo, où il est un peu plus ébouriffé sur les bords et moins épuré. Même chose ici. Je vais maintenant trouver le bout de l'aveline en utilisant un peu de lavis plus foncé, pour venir ici au centre et me pencher un peu en mon centre. Revenons ici sur le bord, sur la pointe du pinceau. Je peux voir que nous étions vraiment là intentionnellement pour peindre. L'une des flaques d'eau est presque complètement solide et laisse ensuite un espace blanc. J'ai l'impression que nous avons créé un look vraiment équilibré entre peinture et stylo. Cela me fait du bien. Je vais donc commencer mon sixième round maintenant en utilisant le même mélange qu'avant, vert sous-marin et sépia. Et nous allons y aller, nous allons commencer par les feuilles d'ici. Un peu trop d'eau et de peinture. Je vais donc m'en débarrasser. Nous y voilà. Et commencez à changer la couleur des feuilles ici. Je sors un peu de mon stylo. Pour ne pas le peindre exactement sur la ligne. Je descends ici par le bas maintenant, ai gravi les échelons, rinçant un tout petit peu plus de lumière, en ajoutant un peu plus de peinture. Ensuite, je viens faire les feuilles. Faites passer la peinture et ajoutez un peu plus de peinture sous forme de sirop contre la toux le long de cette branche ici et à travers cette tige. Et puis aussi ici, à la base. Il suffit de le tamponner doucement. Nous avons ce que je trouve être une fleur vraiment équilibrée. Encore une fois, il va s' éclaircir en séchant. Il est toujours préférable de commencer plus légèrement avec l'aquarelle. Vous pouvez toujours faire ressortir la couleur elle est un peu trop foncée par la suite, mais je trouve que si vous commencez par une couleur claire, vous n'avez pas à faire autant de travail. Après séchage. Donc ça me fait du bien. Allez-y, vérifiez s'il y a d'autres zones qui semblent avoir besoin d'être modifiées. Vous pouvez également regarder le travail à la plume et vous demander : d'accord, ai-je assez assombri les lignes, car j'ai l'impression que ce n'est pas aussi intense que je le souhaite à certains endroits. Encore une fois, au fur et à mesure qu'elle sèche en 15 minutes environ, vous pouvez voir des zones où vous souhaitez simplement faire ressortir davantage de détails de la fleur, ce soit au centre ou dans les pétales. Encore une fois, cela dépend entièrement de vous. Nous allons donc passer aux prochaines fleurs. 11. Plonger la rose du jardin: J'ai donc dessiné les deux fleurs suivantes sur la même feuille de papier, mais nous allons peindre, peindre, peindre, peindre, peindre étape par étape . J'ai pensé que ce serait amusant pour toi de voir à quoi ils ressemblent l'un à côté de l'autre. Comme ils seraient adorables si vous deviez créer un ensemble de cinq cartes de notes, vous pourriez évidemment utiliser chacune des compositions pour créer toute une variété de packs. Encore une fois, j' essaie simplement de vous donner des options, ce serait chouette, même selon un schéma. Si vous vouliez créer un motif très simple à l'aide des compositions, ce serait également très bien. Avant de nous lancer dans les roses, une remarque est que moins c'est plus de roses, je m' éloigne généralement lorsque je rédige un stylo, parce que c'est une fleur tellement ornée, avec de nombreux pétales qui se chevauchent et des pétales enroulés que je trouve que lorsque j'y étais trop détaillée, elle finissait par paraître surchargée de travail. Je trouve donc que surtout en fonction des rangées comme celle-ci, il s'agit d'une rose de jardin, elle a moins de pétales que les roses que vous pourriez trouver. Celles qui sont des roses rouges de forme plus oblongue et à longues tiges. Elles ne me paraissent tout simplement jamais très esthétiques. Les roses de jardin s'adaptent beaucoup mieux au style. Et puis les roses sauvages qui ressemblent beaucoup à un Cosmo fonctionnent très bien également. Alors, juste une petite note, aller de l'avant, pour essayer de vous éviter une certaine frustration. Vous êtes évidemment le bienvenu pour vous y essayer. C'est juste que c'est ce que j'ai constaté. Alors très bien, allons-y et nous allons commencer par le centre de nos rangées, faisant quelques marques en forme de C pour les rendre plus intimes. Ici au centre de cette fleur, vous pouvez voir que j'ai un cadre, un geste vers le centre. Mais je ne vais pas trop travailler à la plume parce que je veux vraiment, encore une fois, capturer l'essence de cette fleur. Les pétales plus petits devraient simplement indiquer qu'il y a un centre de indiquer qu'il y a la rose et qu'ils ne sont pas surchargés de travail. Commencez ici, en vous éloignant. Moins c'est comme ça, je sais que je l'ai déjà dit. Mais, et plus doux, c'est plus. Commencez doucement. Vous pouvez toujours mettre les choses en gras plus tard, mais un stylo, c'est un stylo. Tu ne peux pas l'effacer. Cela peut donc être frustrant si vous passez tout ce temps à obtenir un très beau sketch. Et puis tu finis par faire une ligne qui semble trop épaisse. Encore une fois, vous pouvez voir que je viens de terminer mon sketch. Pour compliquer un peu les choses. Vous voudrez également effacer le code PIN afin de voir ce qu'il vous reste. Mon croquis est assez sombre, donc je me sens très lourd en ce moment. Mais en réalité, ce sera très léger. J'essaie de combiner certains des aspects les plus pointus de la flaque d'eau avec la douceur des pétales ronds. Entrer dans ces rainures. impression que c'est vraiment ce qui fait cette fleur, ces petites variations et la flaque d'eau, ces déchirures, ces larmes qui s'enroulent. J'essaie de ne pas tout capturer, mais juste une partie. Pour donner une idée de la façon dont la fleur est posée, arrondissez-la un peu. Ensuite, je vais juste laisser cette petite pause ici pour le moment. Je vais peut-être y retourner avec un stylo pour l'augmenter. Mais pour l'instant, j'aime vraiment avoir ce regard ouvert. Mais je vais maintenant prendre la gomme et travailler sur le design. Si, pour une raison ou une autre, vous parvenez à capter le son en arrière-plan en ce moment, il y a légitimement un meurtre de corbeaux. C'est ainsi qu'on les appelle quand ils se rassemblent comme ça devant ma fenêtre Ils sont environ 45 et ils encerclent un palmier et font le plus grand bruit que j'ai jamais entendu. Il doit y avoir un petit bébé ou une sorte de prédateur. Mais bon sang, y sont-ils ? Ça me rappelle que je ne sais pas si quelqu'un regarde **** Sheets Creek, mais Moira fait ce film où elle joue dans un film de Crowe et c'est juste ça, ça me fait rire à chaque fois que j'entends des corbeaux, je ne peux pas voir autre chose que le visage de Catherine O'Hara. Comme s'ils allaient y rester pendant un moment. D'accord. J'adore donc où nous en sommes avec ça. Mais je vois évidemment certains domaines dans lesquels je souhaite simplement m'intensifier, aller un peu plus loin. Je vais donc prendre mon stylo 0,45 et le faire maintenant avant de travailler avec les tiges et les feuilles. Donc, au centre, indique simplement qu'il un peu plus sombre ici, ce qui rend la ligne un peu plus épaisse. Je ne crée donc pas vraiment de nouvelles lignes. Je ne fais que créer ce qui a déjà été épinglé. Un peu plus épais, il se dirige vers ces rainures puis en ressort. Encore une fois, c'est Shaggy. Combinaison entre arrondir la douceur de la flaque d'eau avec le point moins cette combinaison. Ça a l'air vraiment très bien ensemble. Assombrir le pli à cet endroit, vous pourriez imaginer que c'est la partie la plus profonde du pétale qui sort ces pétales qui se replient vers l'extérieur. Il y a eu des moments où j'ai vraiment essayé d' intensifier cette zone parce que c'est là qu'il fait le plus sombre dans la nature et qu'elle finit par paraître tellement surchargée de travail. Encore une fois, j'essaie juste vous éviter un peu de douleur et de souffrance. Très bien, ça va arriver. Je vais l'assombrir ici. Une pression audacieuse. Il y a un peu de pression ici. Ça s'assombrit ici. Un peu plus sombre là-dedans, juste pour indiquer que c'est le centre. C'est là qu'il fait le plus sombre et qu'il arrive ici. Et puis je me suis dit que ce serait amusant pour vous de voir à quoi cela ressemblerait si nous utilisions simplement le stylo 0,45 sur les feuilles. Donc, ne pas faire le double. Si j'aime le double, c'est parce que vous pouvez obtenir des épaisseurs de lignes et que cette combinaison est vraiment magnifique pour avoir une ligne plus fine et ensuite une ligne plus épaisse et plus épaisse par-dessus. Mais je voulais vous montrer qu'il est tout à fait possible d'utiliser un seul stylo pour créer quelque chose de similaire. donc pas que vous soyez pressé Ce n'est donc pas que vous soyez pressé ou que vous deviez accélérer le processus, mais certaines personnes n' aiment pas avoir à utiliser deux stylos différents. Alors allons-y et faisons-le maintenant. Je vais donc commencer par quelques premières lignes plus claires. Je ne sais pas si tu peux encore les entendre. Mon Dieu. Il doit y en avoir 45 et ils ressemblent juste au Magicien d'Oz. Ils disent qu'il y a une tempête dehors. C'est comme se lancer vers cet arbre. Bon sang, j'espère que tout le monde va bien dehors. Des temps effrayants. OK, donc tracez quelques lignes claires, appuyez, pointez ici. Faisons demi-tour pour obtenir un meilleur angle. Et quelques lignes fines ici. Allons nous frayer un chemin jusqu'ici. Et en exerçant une pression sur une zone claire, de haut en bas, là où les deux tiges se rejoignent, je vais l'assombrir. Et point, point, point. Alors revenons ici pour terminer ce point, point, point. J'ai vraiment adoré les points. Les points sont mes préférés. De la lumière, des croquis légers ici. Et en dessinant légèrement. C'est vraiment difficile. vous arrivez au milieu, faites un petit travail en vain. Nous ajouterons quelques nervures supplémentaires à nos feuilles au fur et à mesure que nous aurons fini. Et ça passe légèrement. Point, point, point. Je trouve que c'est la zone que j'ai beaucoup aimé pour accentuer cette belle tige et ensuite rendre plus claire au milieu des feuilles. Je vais donc effacer maintenant pour voir ce qu'il me reste. Ensuite, nous apporterons nos modifications. Encore une fois. Il va falloir que j' insiste beaucoup car ce premier sketch était plutôt satisfaisant. Mais l'un de mes moments préférés, c'est de sortir le crayon et de voir ce qu'il vous reste. Je pense que j'en ai obtenu la plus grande partie. Je vois donc certainement certaines zones que je voudrais assombrir un peu, commençant par cette ligne juste ici, je vais l'assombrir et continuer pour que vous puissiez voir que cette feuille a été repliée. Ensuite, je vais juste commencer à assombrir les zones. Je vais donc continuer à parcourir les lignes initialement tracées. Donc, ces zones claires, je vais les intensifier et les doubler pour qu' il y ait une fine et une épaisse qui fassent la même chose ici, créant cette ligne épaisse juste autour de la ligne fine. Et puis j'ajoute des veines au fur et à mesure que j'avance. Pour terminer, des points plus épais se forment dans les nervures épaississent ces feuilles. Et évidemment, vous pouvez les garder amples et légers ou les porter trop lourds Cela dépend entièrement de vous et j'ai l' impression que vous ne savez pas vraiment ce que vous aimez tant que vous ne l'avez pas fait dans les deux sens. Alors, donnez-vous à nouveau la permission de le faire. Je cherche juste à voir ce que j'ai. Il y a juste des domaines où je me dis : « OK ». J'ai l'impression que ça pourrait être un peu plus sombre. Juste ici, au centre, je vais ajouter un petit détail, mais pas trop. Je pense que cette feuille gagnerait à être un peu plus hirsute cachée dans les nervures. Je me sens plutôt bien à ce sujet. Je trouve que c'est un très bon équilibre entre détails et amples. Je vais donc y jeter un dernier coup d'œil. Assombrir un peu ça. Très bien, j'en suis content. OK, alors jetez un dernier coup d'œil et voyez où vous en êtes. Et nous verrons, je vous verrai dans la section suivante pour la peinture. 12. Peindre la rose du jardin: OK, nous allons donc utiliser une très jolie couleur pêche. Je veux donc que tu te baignes dans le lac de tes rangées. Si vous avez un peu de sépia sur votre palette, allez-y et mélangez-le . Sinon, retirez un peu de sépia. Donc c'est joli, c'est un joli rose sourd ici. Ensuite, nous allons ajouter un peu d'ocre jaune. Je veux quelque chose de vraiment léger. Et tu vas devoir t' amuser avant que ce ne soit ni rose ni jaune mais pêche. Alors continuez à jouer avec. Vous pouvez l'obtenir aussi sombre que nécessaire pour vraiment déterminer de quelle couleur il est. Et puis vous pouvez dessiner une pile séparée trop tard dans le lavage. Donc, je trouve que c'est une très belle pêche. Pas trop sombre. Je vais ajouter juste un peu d'eau parce que vous ne le savez pas tant que vous ne l' avez pas mis sur du papier et feu de départ est toujours préférable. Très bien, allez-y et déplacez ça sur le côté. Nous allons utiliser notre brosse à noisettes. J'utilise une taille 6. Tout cela se trouve dans la liste des fournitures et des matériaux. Mais juste au cas où il s'agirait de la série Umbria. Allons-y, commençons ici par le centre et nous allons juste faire quelques marques légères. Rien de trop détaillé. N'ayez même pas l'impression d' avoir besoin de passer par-dessus le stylo. Il suffit de créer un petit centre ici, en utilisant la pointe du pinceau. Et puis, petit à petit, nous allons nous chemin dans les pétales. Déplacez-vous lentement. Ne vous sentez pas pressée. Regarde ce que tu as. Pense à la forme. Réfléchissez aux formes que vous souhaitez obtenir. Laissez un espace. Je ne saurais trop insister sur ce point. Laissez un espace. Whitespace, c'est de la magie et de l'aquarelle. Le travail à la plume brillera quoi qu'il arrive. Vous n'avez pas besoin de souligner cela avec l'aquarelle. L'aquarelle est juste censée être la cerise sur le gâteau. Je vais sortir ici, le bout avec un peu de délavage léger. Encore une fois, je viens ici avec une couleur un peu plus foncée maintenant, pas une couleur plus foncée, une version plus foncée de la même couleur. Cela se produit simplement en ajoutant, en reprenant un peu plus de couleur et en ne l'effaçant pas avant de passer à autre chose. Rappelez-vous que les choses vont être essayées deux ou trois fois plus tard. Vous pouvez assombrir certaines zones si vous en ressentez le besoin. Ajouter un peu de noir. Je me connecte ici. Pour quelques saignements. Je l'avais ici. C'est l'une de mes couleurs préférées, ce magnifique rose pêche. Comme je l'ai déjà dit, prenez votre temps pour le mélanger. Tu ne veux pas qu'il soit rose, tu ne veux pas qu'il soit jaune. Est-ce un beau mariage entre les deux couleurs ? Je l'utilise tout le temps. C'est l'un de mes préférés. Je crois que c'est dans ma série Sunset. Avec les guides de couleurs vintage. Je ne peux pas ne pas me citer là-dessus. Je pense que c'est possible, mais sinon, vous connaissez déjà la recette, alors profitez-en. OK, donc je suis content de voir où nous en sommes avec les rangées. Je vais continuer et ajouter de la couleur à la feuille. Nous allons maintenant continuer à utiliser notre green sous-marin. C'est ma combinaison de couleurs préférée, vert sous-marin avec cette pêche. Je l'ai gardé pour les rangées parce que j'adore les roses. Les roses et les pivoines sont mes préférées. Eh bien, un peu de camomille comme tu ne peux pas me faire citer mes fleurs préférées parce qu'alors je vais, je finirai par me trahir et, un peu plus tard, quand je peins quelque chose maintenant, oh non, c'est ma fleur préférée. Maintenant. Le pinceau à noisettes est vraiment idéal pour ces fleurs plus larges, car ce que nous pouvons faire, ou excusez-moi, pour des feuilles plus larges, nous pouvons commencer par la pointe, puis tourner progressivement le pinceau et tirer le trait vers le bas pour pouvoir commencer par le haut, puis progressivement tirer ce trait vers le bas. Assurez-vous qu'il ne fait pas trop sombre au début, vous pouvez toujours faire plus sombre. Assurez-vous donc que tout ce que vous avez mélangé a la même consistance de bouillon et veillez à ne pas essayer de tout colorer. Cela peut donc sembler beaucoup de choses à garder à l'esprit lorsque vous travaillez. Tu peux toujours faire un petit test. Parce que ce qu'il y a en bouche peut sembler complètement différent. Donc, si tu veux prendre ce que tu as, tu peux dire, oh, oui, c'est trop sombre. Repose-toi un peu. C'est bien mieux. Très bien. Mais trop plein. Sûrement mon préféré jusqu'à présent. fait, juste une feuille d'un trait, sans essayer d'ajouter trop de détails. Vas-y. Je continue à m' efforcer d'aplatir ces poils jusqu' à la pointe. Nous avons un bon équilibre entre ce qui est couvert et ce qui ne l'est pas. Et puis allons-y et laissons ces deux couleurs aller de pair. Cette pêche dans ce vert, vous pouvez en faire de plus en plus pendant que nous travaillons. Les papiers devraient rester bien mouillés. Je vais effacer un peu de couleur parce que c'est un peu foncé. Et j'aime tellement ça. J'ai l'impression que c'est juste qu'il intègre toutes les belles facettes de ce style. Je vais opter pour une couleur un peu plus concentrée. Le vert sous-marin et le sépia. Mais pas trop car j'aime beaucoup la légèreté et l'aération de tout. Juste ici, à la base. Je vais ajouter un peu plus de couleur parce que je sais que ça va sécher plus clair. Et j'adore vraiment ce qui se passe ici. Le mouillé à humide des feuilles et des pétales. Intensifions-le, attirons l'attention là-dessus. Je vais laisser toute cette tige blanche et laisser les feuilles parler d'elles-mêmes. J'ai l'impression que ce sont les domaines qui marquent vraiment que votre art est le vôtre. C'est ce que l'on ne fait pas nécessairement dans une peinture qui en dit long. C'est là qu'on ne peint pas. L'espace négatif est une déclaration. Gardez donc à l'esprit que lorsque vous dessinez, que vous peignez et que vous peignez, d'omettre une grande partie de ce qui deviendra vous choisissez d'omettre une grande partie de ce qui deviendra votre style. Jetez un dernier coup d'œil, sentez-vous bien là où vous vous trouvez puis nettoyez vos pinceaux pendant que nous passons notre toute dernière composition florale, la lavande. 13. Porter la lavande: OK, encore une fois, j'ai rendu mon croquis très sombre ici parce qu' il ne sortait tout simplement pas quand je l'ai scanné. Et je voulais que tu puisses voir tous ces magnifiques petits détails de lavande. Je vais devoir travailler un peu plus dur effacer, mais ce n'est pas grave. Nous allons commencer par notre stylo 0,25. Je vais commencer par le haut. Et elles sont tout simplement magnifiques, ce ne sont que des boucles. Boucles en forme d'amande. Et je ne vais pas passer en revue chacune d'elles. Mais je voulais juste obtenir la forme générale de la lavande. Encore une fois. L'image de référence exacte que j'ai utilisée se trouve sur mon tableau Pinterest, sur Skillshare ou excusez-moi, se trouve sur mon tableau Pinterest et marquée Skillshare. En gardant à l'esprit que je vais y retourner avec mon stylo plus foncé ou mon stylo à pointe plus large. L'astuce, je pense, pour faire ces marques, est de placer la boucle suivante entre deux de ces pétales. Donc, si vous posez un pétale ici et une pédale ici, laissez le pétale suivant reposer entre les deux. Et n'hésitez pas à utiliser des lignes pour indiquer également une pédale. Il n'est donc pas nécessaire que ce soit un cercle. Vous pouvez le décomposer et faire des lignes et des boucles. C'est tout ce que c'est vraiment. Lorsque nous l'abordons de cette façon, des lignes et des boucles. Cela n'aura pas cette sensation générique. Si vous gardez à l'esprit les deux pétales et que vous les placez ensuite, suivant entre les deux, sur le côté. Et puis, évidemment, vous voulez également échanger la largeur de chacun. Alors, faites-en des qui sont très fins, puis faites-en d'autres qui sont épais et qui sortent vraiment. Une autre très belle partie de cette plante est la tige. Il est très simplifié et nous allons l' honorer une fois sur place. Mais à notre manière. Vous pouvez donc voir deux pétales, un sur la ligne médiane, une ligne, un petit, un grand trait, une ligne, un petit, un petit, un grand, un petit, un grand, un petit. Cela aide même à le dire à voix haute. Je pense que c'est parfois le cas parce que nous nous entendons bien. N'ayez pas l'impression de devoir également en connecter chaque partie. C'est un autre gros. Vous n'êtes pas obligé de tout encercler. Vous pouvez simplement encercler cette demi-vie et ensuite passer à la suivante, faire de petites marques. Fais-en une grande, fais quelques petites marques. Et le milieu, la petite, petite, la grande ligne, la ligne. Grand, petit, grand, petit. De plus, vous pouvez vous sentir libre de me mettre en sourdine. Je ne me laisserai pas offenser. Je sais que certains d'entre vous le savent probablement. Et tu travailles comme tu le vois. C'est bien aussi. Je suis là pour vous guider et vous aider à vous sentir plus capable et plus confiant. Mais une fois que tu auras l'impression d'en être arrivée là, tu peux toujours me désactiver et travailler. terminer ici, plein de petits détails sur cette seule ligne, ligne, d'accord, maintenant, nous allons faire très attention à cette tige. Je veux que vous soyez prudent, car si vous empiétez sur l'intérieur de la ligne, elle perdra vraiment son aspect. Alors allons-y doucement. Point, point, point, point, point, ligne. J'ai l'impression qu'avec la lavande, la tige en fait partie intégrante. C'est vraiment vrai, parce que c'est un peu le lien entre tout cela. OK, le faire tomber, point, point, point peut laisser des pauses intentionnelles ici. Point, point, point. Faites attention à la feuille ici. Et en finissant ici à la fin. Revenir en haut, le faire passer. De plus en plus mince à mesure que nous nous dirigeons vers la fleur. Encore une fois, vous devrez peut-être, une fois que vous aurez effacé des éléments, voir ce qu'il vous reste et recommencer. OK, en fait, je vais le faire à envers, maintenant je vais d'abord m'occuper de Stem. Commencez ici par le bas. Point, point, point. Pause intentionnelle. Encore une fois, cassez intentionnellement pour honorer ces petites feuilles sortant de la tige. Ligne, point, point, point, retour ici. Je sors de ma ligne de crayon parce que ça empiète un peu ici. Honorer l'espace ici, dans cet espace ici. Et cet espace ici. Garder ça ouvert. De manière à se fondre dans les feuilles. Ligne, point, point, point. Finissons-en ici. OK. Allons-y et commençons par le haut. La même chose que nous faisions avant. Combinaison de boucles et de lignes. Quelques lignes me rapprochent. J'ai intentionnellement laissé de la place avec la tige ici. Les pétales peuvent donc se chevaucher dessus, ce qui lui donne un aspect plus naturel. peux faire la même chose sur l' autre si tu te sens bien, Je peux faire la même chose sur l' autre si tu te sens bien, ce sont des tiges qui flottent en quelque sorte là-bas. Vous pouvez pédaler un peu dessus. Tu le feras lors de ton dernier regard. J'aime toujours donner une dernière chance à mes étudiants. Comme je l'ai dit, ne vous sentez pas obligé de connecter chaque ligne. Tu peux faire quelques M. Qui est en quelque sorte ce que je fais ici, mon travail. La seule chose à garder à l'esprit est que ces pétales se déplacent vers le haut. Bien, allez-y et passez aux feuilles, en commençant par ces magnifiques petites pointes déroulantes. Et commencez simplement à esquisser légèrement leur forme. Je me sens vraiment détendu avec ces mouvements gestuels. Suis-je en train de prendre la liberté de passer à la source ? J'ai l'impression que lorsque vous honorez certains espaces, vous pouvez avoir un peu plus de liberté pour vous compliquer la vie. C'est ce que je voulais dire quand j'ai dit que je pouvais prendre plus de liberté, j'ai dit que je pouvais prendre plus car si les croquis sont très détaillés, je sais où je peux être un peu plus souple et plus libre avec le stylo. Je vais effacer maintenant et voir ce qui reste. OK. Je suis plutôt content de ce que je vois, mais je vais quand même revenir au 0,45 et assombrir certaines zones. Nous allons commencer par le haut. Je vais faire très attention à ce que je fais parce que je veux qu'il y ait des zones blanches parce que nous allons ajouter de la couleur. Donc, il suffit d'assombrir et de ne même pas faire de boucles complètes, juste un peu entre les deux. Les marques que j'ai déjà faites. Assombrir certaines lignes, laissant des zones blanches. C'est vraiment si beau. que cette combinaison entre ces lignes fines et l'épaisseur Je pense que cette combinaison entre ces lignes fines et l'épaisseur de la lavande est probablement ma deuxième préférée. Vous verrez que lorsque nous faisons de l'aquarelle, c'est très secondaire, mais cela lui donne vie. Elle passe du statut de à distance et de guide de terrain à celui d'une véritable illustration. Je m'assombrit au fur et à mesure. C'est pareil ici. Allez-y lentement, en faisant attention à ne pas empiéter. Je cherche juste des zones où il pense qu' il pourrait bénéficier de quelque chose d'un peu plus épais. Pas trop, honnêtement. J'adore ce petit entrecroisement, donc vous devez vous assurer de l'honorer. Ne sois pas trop intense ici. Vous perdrez l'endroit où ces lignes se rencontrent. Et j'ai vraiment fait des gestes ici avec ces feuilles, rien de plus galbé que nos feuilles de rose. J'essaie de vous proposer des approches différentes à chaque nouvelle composition florale. OK, j'adore ça. Je pense que ça a l'air absolument merveilleux. Nous nous retrouverons donc dans la section suivante pour une couleur. 14. Peindre la lavande: D'accord, nous allons mélanger un nouveau lot de couleurs dans un instant. Mais je voulais attirer votre attention sur la façon dont cela a séché et sur les rangées. C'est tout simplement magnifique. J'espère que c'est ce que vous ressentez également. Si ce n'est pas le cas, encore une fois, vous avez ces croquis, vous pouvez les essayer autant que vous le souhaitez. Mais ces saignements ici ont vraiment fonctionné comme par magie. Et j'espère que tu te sens bien. La couleur suivante que nous allons utiliser est un beau violet que nous allons mélanger, ou un lac rose et notre bleu indigo. Je vais utiliser mon petit filet ici. C'est aussi la taille. C'est ce qu'on appelle le mini-détailer. Et je vais retirer un peu de l' élégance de la rangée et un peu de bleu indigo pour en faire un joli violet. Une ligne un peu plus élégante. Et ajoutez un peu de sépia juste pour le désactiver un peu. Et nous utiliserons ces deux couleurs. Nous en aurons donc un plus lourd en sépia. Et puis nous en aurons une qui ressemble davantage votre boîte à crayons violette ordinaire. Alors allez-y et laissez les deux options. Allons-y et commençons par notre violet sourd. Nous allons commencer à le déposer. Ça bouge un peu. N'oubliez pas qu'il va sécher beaucoup plus légèrement. Je ne fais vraiment pas très attention à l'endroit où je pose la couleur. Je n'essaie pas de comprendre les points ou les cercles, les boucles sont des lignes. Je suis juste en train de brosser la couleur, rincer un peu de couleur. Ce que j' ai est donc très pâle. Le travail en ligne parle vraiment de lui-même dans celui-ci. Et puis optez pour notre violet traditionnel. Pour y ajouter un peu de variété. Je vais y ajouter un peu de rose juste pour vraiment différencier les deux couleurs. Nous y voilà. J'ai donc une couleur qui ressemble à ceci maintenant. Violet rosé. Vous pouvez voir qu'il y a une belle différence entre les deux. Vous pouvez utiliser votre petit détail pour créer belles petites lignes fines. Prenez vraiment la forme de la lavande en le faisant de cette façon. Vous n'êtes pas obligé de rester sur vos lignes de stylo, vous pouvez donc certainement vous en débarrasser. Voilà, nous l'avons. Magnifique. D'accord, nous allons mélanger un peu de bleu indigo avec le vert sous-marin pour obtenir une nouvelle couleur verte. Si vous aimez cette couleur, c'est une sorte de turquoise, vert ou de bleu. Allez-y. Tu peux juste le garder comme ça. Je vais ajouter une touche de sépia parce que j' adore mes couleurs douces. Et cela va lui donner un très beau vert gris. Ok, essaie de ne pas trop réfléchir à cette partie. Juste cousu dans la couleur. Je bloque un peu ici. Elle est couchée ici. J'adore cette couleur. L'un de mes préférés. Et pour ce qui est de la tige, j'aime beaucoup les zones où elle reste blanche. Je vais donc essayer d'honorer cela. Et certains endroits se contentent d'être conscients, de connecter chaque petit moment. Revenez avec un peu de sirop contre la toux, de consistance constante maintenant dans cette couleur et assombrissez certaines zones. Voilà, nous l'avons. Belle lavande. C'est tellement beau. Je ne le dirai jamais assez. C'est juste que je suis tellement heureuse de pouvoir jouer avec ce style dans ce processus parce que c'est tellement différent de ce que je fais habituellement. J'espère donc qu'il en sera de même pour vous si vous vous sentez bloqué ou créé, bloqué sur le plan créatif. Nous allons simplement ouvrir les canaux et vous permettre de vous sentir très libre, en forme et détendu. C'est ainsi que se terminent nos cinq compositions uniques. Nous allons tout assembler et créer un très beau bouquet. Ce serait parfait à temps pour la fête des mères, mais ce serait parfait pour l'été aussi, à l'approche de ces derniers mois, du moins, là où j'en suis, évidemment, vous le regarderez chaque fois que vous le regarderez. Mais je voulais que tu aies quelque chose de spécial à créer au fil des saisons. 15. Projet du cours partie 1: Bienvenue dans notre projet de classe. Je suis tellement excitée à ce sujet. Nous avons un très beau bouquet de fleurs vintage fantaisiste sur notre bureau. Et si vous ne l'avez pas déjà fait, vous devrez certainement l' imprimer sur du papier aquarelle ou l' imprimer et le tracer sur du papier aquarelle, ce que je suggère évidemment. Juste pour que tu puisses enlever les marques de crayon. Comme tu peux le voir. Encore une fois, mes marques de crayon sont très foncées, mais vous verrez, même sur le scan, que dans certaines zones, le crayon n'apparaît pas manière aussi significative. Mais vous serez évidemment en mesure de remplir ces espaces puisque nous avons appris tout ce qu'elle a appris dans ses segments précédents. Nous allons donc le faire ensemble. Nous utiliserons les mêmes concepts, tout ce que nous avons appris dans nos vidéos précédentes. Nous allons d'abord tout épingler dans les deux stylos, puis apposer l'aquarelle à la toute fin et regarder ce bouquet prendre vie. Vous pouvez utiliser cette composition et elle n'est soumise à aucun droit d'auteur. C'est à toi. Vous pouvez en faire des cartes. Un motif. Je voulais vous donner quelque chose avec lequel vous pourriez jouer, améliorer, ajouter à emporter. C'est à vous de décider comment vous souhaitez l'utiliser. Je vais commencer avec mon crayon à pointe deux-cinq. Vous verrez également que j'ai ajouté quelques nouvelles fleurs. Je voulais faire quelque chose d'un peu différent. Je ne voulais pas faire exactement les mêmes fleurs que la section précédente. Vous verrez donc que j'ai ajouté un peu de Forget Me Notes et juste d' autres fleurs ici. Nous avons toujours le tournesol et les rangs. Mais je voulais apporter nouveaux concepts afin que vous puissiez continuer à apprendre et à grandir en utilisant ce style pour toute autre fleur que vous souhaiteriez créer avec cette approche. Allons-y et commençons ici par le haut. Dessinant notre crayon. commençant par ces marques circulaires, je retirerai certaines zones de ce qui a été dessiné au crayon. Juste pour lui donner une petite variation. Encore une fois, le travail au crayon , comme je l'ai dit, je l'ai déjà dit, consiste simplement à établir le cadre afin que vous puissiez en ajouter ou en retirer en toute confiance. Les formes de pétales que j'ai créées sont très génériques. Il y a donc des endroits où je change toute la forme du pétale. Maintenant que je sais dans quelle direction je veux que la fleur pointe, cela tient en grande partie au fait que le travail initial consiste simplement à comprendre dans quelle direction la fleur est orientée. N'est-ce pas une fleur à face ouverte, qu'elle est sur le côté ? Et puis, une fois que mon cerveau le sait, je peux intuitivement commencer à le modifier légèrement pour créer quelque chose qui semble un peu plus unique, un peu plus souple. Je vais un peu compliquer les choses. Nous allons y aller avec notre 0,45. Nous aurons donc le temps de le rendre un peu plus souple, pas trop géométrique. Je suppose. Allons-y et sautons ici vers notre rose. En faire notre centre. Ce sont toutes des fleurs que j'ai dessinées intuitivement. Je n'ai utilisé aucune photo de référence, y aura donc rien sur mon Pinterest pour ce bouquet. Tout ça m'est sorti de la tête. Parfois ça marche, parfois non. Cette petite illustration s'est un peu envolée parce que j'ai évidemment travaillé avec vous utilisé la plume et l'aquarelle. J'étais tout à fait prête à créer quelque chose à faire pour nous pendant notre partie de classe. Alors parfois, c'est comme si ça sortait tout simplement, c'est rapide. Et c'est exactement ce que nous espérions. Et puis parfois, cela prend beaucoup plus de temps. Très bien, donc ancrez quelques lignes de détail ici. Et créer et sculpter le centre de cette fleur. J'ai oublié un petit pétale de rose ici. Je vais donc l'ajouter. Ici, superposez ces deux lignes. Création de parties plus sombres de la fleur. Saute ici. Quelques zones plus sombres, ici, sur le côté. Nous irons ici pour manger notre tournesol. Création d'un très bel espace rond. Il s'agit plutôt d'un visage ouvert sur des fleurs. Vous pouvez voir que nous l'examinons front par rapport à ces deux-là qui sont clairement de leur côté. Et celui-ci. Cela joue vraiment un rôle dans l'ensemble de l'aspect de composition de Je suis en train de concevoir quelque chose. Chaque fois que vous travaillez sur plusieurs sujets, il est très important d'avoir des objets de tailles différentes, orientés dans des directions différentes et de différentes formes. Ce sont les ingrédients clés de toute composition équilibrée. En insérant certaines de ces lignes, en étant vraiment lâche. Il suffit de regarder ce que j'ai, assurer qu'il est prêt pour la prochaine étape. Et venez ici et commencez à ajouter la tige. Point, point, point. Il suffit de faire attention à l'endroit où se trouve la tige et de la relier aux agriculteurs et aux feuilles. Laisser des pauses au sein du cluster. Viens ici. Nous sommes en train de couper ou de partir. Encore une fois parce que j' ai le cadre. J'ai l'impression d'avoir beaucoup plus de liberté et de pouvoir faire apparaître ces marques gestuelles ici. Alors créons quelques œuvres de synthèse ici. Il y a beaucoup de choses qui se passent ici, il est donc préférable d'y aller lentement et de vous assurer que vous vous sentez bien dans la connexion entre chaque élément. Ces trois sont connectés à une tige plus grande ici. Pressez légèrement, en venant ici, en remontant le long du bord. Laissant ces pauses intentionnelles. Et ensuite, honorer les situations qui se chevauchent, se chevauchent. Torsion de langue, point, point. Maintenant, nous sommes libres de connecter celle-ci si elle repose sur les autres tiges et quelques feuilles vraiment gestuelles ici. OK, je vais y aller, effacer et voir où j'en suis. Ensuite, je reprendrai la route pour ces marquages détaillés. Tout va s'éclaircir façon significative parce qu'il faisait si sombre à cause du crayon. Juste une petite remarque : chaque fois que je crée pièces originales que j'ai l'intention de mettre en boutique ou si c'est une commande, j'utilise toujours une serviette en papier pour brosser de cette façon . Les huiles que j'ai entre les mains ne restent pas sur le papier. Quand je scanne des choses, tout est tellement effacé. Toutes les marques ou les taches jaunes qui auraient pu se trouver sur mes mains et qui auraient pu toucher le papier. Mais lorsque je crée des pièces originales et que vous créez des pièces originales, vous devez vous assurer que vos mains touchent le papier le moins possible, simplement parce qu'il capte tout, même si vous ne pouvez pas le voir. Cela aura une incidence sur l'âge général et sur la résistance et la conservation de la pièce. 16. Projet du cours partie 2: OK, allons-y et revenons en ajoutant de petits détails au centre. Ces détails semblent minimes, mais ils ont un impact vraiment important. L'illustration passe d'un simple clipart à quelque chose de vraiment spécial et unique. Lorsque vous ajoutez juste cette petite étape supplémentaire et que vous faites un effort supplémentaire. Ça ne fait qu'augmenter la pression ici. fait, FlipKey superpose les lignes , de sorte qu'il y a deux lignes ici. Et dans de nombreux cas, cela donnera l'impression que les pétales s'ébouriffent ou s'enroulent, ce qui ne fait que profiter à la composition. J'y ajoute un peu de veines. Ensuite, nous reprendrons la première tige, pression, pression. Ça se chevauche juste ici. Consciente de cette pause intentionnelle qui m'était laissée. Assombrir ces lignes. Attention à ne pas empiéter sur les pétales du tournesol. Ensuite, nous commencerons à assombrir les zones du périmètre. Il faut vraiment étirer ces lignes le long du bord , puis suivre notre chemin avec ces marques marines. Ces petits cercles au centre. Être conscient de la direction à prendre. Enroulez-les vers l'intérieur. En utilisant des points et de petites formes en C. Et puis commencez à dessiner l' assombrissement des veines à l' aide de marquages gestuels FlipKey très rapides et très irritants . Je regarde juste ce que j'ai déjà fait. Voir les domaines qui pourraient avoir besoin d'aide. Ça me semble plutôt bien. Je vais continuer avec la pression des points, des points, des points qui se chevauchent. Pression, chevauchement. Jetez-y un dernier coup d'œil. Bien sûr. J'ai des points que je voudrais souligner, qu'ils soient évidents ou apparents, mais dans l'ensemble, je trouve que c'est absolument fantastique. Allons-y et commençons la partie peinture. Nous allons commencer par les Forget Me Nots en reprenant un peu de bleu indigo et en mélangeant ça avec du sépia. Je vais vous montrer à quoi cela ressemble dans un instant. Il devrait donc être d'un très beau bleu poussiéreux. Le bleu indigo. C'est fait, oui. Nous allons commencer par la consistance du bouillon. Vous devrez peut-être même y ajouter un peu d' eau s'il fait trop sombre. Et nous allons commencer à appliquer la couleur. Essayez de faire attention à ne pas colorier chaque petit détail et à saisir la religion. Fleur globale. Je vais regarder cette illustration prendre vie. OK, nous allons ramasser un peu d' ocre jaune et le mettre au milieu de certaines de ces fleurs. Cela ne doit pas nécessairement être exact et il n'est pas nécessaire que ce soit sur chacun d'entre eux. Alors allons-y et mélangeons nos rangs de lac et notre ocre jaune pour obtenir une belle pêche pour nos rangs. Même couleur que celle que nous avons utilisée pour nos lignes plus tôt. Assurez-vous de tester la couleur sur une feuille de papier à gratter. Regarde si c'est trop foncé, trop rose ou trop orange. Il fait un peu sombre, alors je vais y ajouter de l'eau. Et juste pour m'assurer d'avoir la bonne consistance. Vous allez voir à quel point le bleu et le rose sont vraiment beaux ensemble. Le pH, je dois dire. Nous utilisons notre filbert pour simplement guider les couleurs à travers les pétales. Laisser des espaces blancs. Les espaces blancs sont toujours essentiels. Allons-y et passons à ces jolies fleurs. Je n'ai pas vraiment de nom pour eux. Ils étaient plutôt intuitifs. Nous allons mélanger le sépia et le noir de cette lampe pour obtenir un très beau blanc chaud. Nous allons nous coucher ou fileter en prenant simplement le bout du pinceau , puis en nous couchant également sur le côté. Fais-le encore pour cette fleur ici. N'oubliez pas que vous n'avez pas à colorier chaque détail. Ensuite, je vais ramasser un peu d'ocre jaune, mélanger avec le sépia et l'ajouter au milieu de la fleur. OK, maintenant nous allons utiliser de l'ocre jaune droit, alors rincez ce pinceau à noisette, ou il finira par ressembler au milieu de cette fleur. Et comme je le disais, la composition, les variations entre la couleur, la forme, la taille et le positionnement sont les éléments magiques de la composition. Sur mon site Web, j'ai un guide de croquis et de dégustation qui explique plus en détail pourquoi nous faisons les choix que nous faisons lorsque nous composons une œuvre et comment l'un profite à l'autre. Très bien, donc de l'ocre jaune sur le côté. Il fera un peu sombre au début, puis je m'éteindrai. Après quelques coups. Magnifique. Ajoutez-y un peu d'eau. Maintenant, en remplissant intuitivement l'espace, vous pouvez voir à quel point cela a l'air magnifiquement discret et vintage. en remplissant intuitivement l'espace, vous pouvez voir à quel point cela a l'air magnifiquement discret et vintage. Vous pouvez utiliser notre pinceau rond pour ajouter un peu d' ocre brun et jaune au milieu, un peu plus foncé. Ensuite, nous pouvons également l' insérer dans le périmètre. Si nous voulons que certaines zones plus sombres de la fleur apparaissent si joliment, je vais ajouter un peu plus de couleur ici juste pour assombrir la partie centrale. Enfin et surtout, nous nous dirigerons vers le green sous-marin. Et le sépia. Vous devriez avoir un mélange qui ressemble à ceci. Nous allons commencer par notre pinceau rond numéro six. Pour ces petits détails, cliquez ici. Je vais avoir des séparateurs. C'est bon. Je prends mon temps. En guidant doucement l'aquarelle dans la zone générale. Faites attention à votre main pour ne pas les mettre dans quelque chose de mouillé. Et ça arrive. Si vous vouliez utiliser un vert différent pour chaque partie du bouquet, vous pouvez le faire et cela ajouterait juste une couche supplémentaire. Vous pouvez utiliser un or vert ou un vert de sève, et ceux-ci seraient vraiment magnifiques. Vous pourriez donc les faire davantage dans ce vert gris à feuilles persistantes , puis vous pourriez les faire sur les feuilles et plus encore une herbe verte verdoyante. Cela dépend entièrement de vous. Il suffit de le guider. Viens ici. Et je vais mettre mon pinceau rond sur le côté et travailler à nouveau avec mon aveline pour obtenir des feuilles plus grandes J'ai l'impression que l'aveline est vraiment plus propice. Il peut commencer par la pointe, puis poursuivre ce trait vers le bas. Ensuite, faites glisser le pinceau vers le haut. Si nous voulons avoir un peu plus de forme. Pouvons-nous tourner notre papier, il est toujours utile de commencer par le bout , puis de le faire glisser pour atteindre le plein arbre. Et il suffit de passer le pinceau à travers. Vous pouvez voir comment c' est passé d'un simple clipart à une illustration beaucoup plus détaillée. Et puis vous mettez la couleur et cela devient une composition absolument magnifique et magnifique. Il n'est donc pas nécessaire de le faire ici. Il s'agit simplement d'un premier lavage très rapide . Vous pouvez toujours attendre que les choses soient sèches , puis ajouter plus de couleurs ou de détails. Vous pouvez toujours décider après cela, que vous voulez les choses soient plus audacieuses  : prenez votre stylo, revenez sur certaines zones. Cela dépend vraiment de vous. Il y a tellement d'options différentes. J'espère vous avoir donné beaucoup de choses auxquelles réfléchir pour travailler. Et j'espère que vous reviendrez sur ce matériel à mesure que vous aborderez différentes fleurs. Je me suis tellement amusée que je t'ai vraiment enseigné. Comme toujours, j'attends notre prochain cours avec impatience, et je vous remercie infiniment de vous joindre à moi aujourd'hui. Passe une merveilleuse journée.