Les fondamentaux du jeu théâtral : 5 étapes pour jouer un rôle sur scène, dans un film et à la TV

1. Introduction: Salut. Je suis Karim Darwish, artiste de théâtre et créateur de contenu, et c'est une introduction à la création de personnages. Dans ce cours, nous allons apprendre les blocs de construction pour créer un personnage à la fois pour la scène et la caméra. Vous apprendrez à analyser un script, construire une histoire de personnage, comprendre les objectifs et les défis du personnage, et à construire la physicalité et les qualités vocales du personnage. J' ai un baccalauréat en beaux-arts en interprétation. J' ai joué sur scène, sur caméra, et je suis tellement excité d'enseigner ce nouveau cours en ligne. Chaque leçon de ce cours vous initiera à une étape du processus de création de personnages et comprendra une feuille de calcul et une activité facultative à compléter. Chaque activité s'appuie sur celle d'avant, et à la fin du cours, vous aurez construit les bases d'un personnage prêt à prendre vie des pages du script. Il s'agit d'un cours d'introduction. Si vous êtes nouveau dans le jeu d'acteur, que vous pensez à jouer ou que vous avez besoin d'un rafraîchissement après une longue période d'absence d'acteur, ce cours est fait pour vous. Si vous êtes prêt à commencer, je vous verrai dans la leçon 1, l'histoire de fond. 2. Créer la biographie: Bienvenue à la leçon 1 du cours de création de personnages. Avant de commencer, parlons des outils que vous avez en tant qu'acteur pour construire le personnage. Le scénario est la principale source d'information sur votre personnage et chaque choix que vous faites en tant qu'acteur doit finalement honorer le scénario et les intentions de l'auteur. En tant qu'acteur, vous devrez faire des recherches plus poussées sur l'heure et le lieu où se déroule l'histoire et tout autre facteur qui pourrait partie de l'éducation et du développement de vos personnages, tels que l'heure et le lieu, quand et où l'histoire a lieu. Plus vous avez d'informations sur le personnage, votre personnage sera riche. Mais tout ne sera pas disponible pour vous dans le scénario ou la recherche, en particulier pour les personnages de fiction ou d'histoire ancienne, et c'est là que l'imagination de vos acteurs entre en jeu. Vous devrez utiliser votre imagination pour remplir les blancs et faire choix qui honorent encore le script et le monde créé par l'écrivain. La première étape pour construire un personnage en tant qu'acteur est de savoir qui est vraiment le personnage. Le script vous fournira des informations essentielles sur le personnage, y compris le nom du personnage, relation, les professions, le statut social, etc. abord, lisez le script et prenez note de chaque détail de votre personnage que vous rencontrez, peu importe sa taille. Si c'est dans le script, il est là pour une raison et un bon acteur trouvera un moyen d' utiliser toutes les informations qu'il a pour le personnage. Après les scripts, faites vos recherches sur les moments et les lieux où votre personnage est né, grandi et vit dans l'histoire. Découvrez quels facteurs ont influencé leur développement, quelle était la culture dans laquelle ils ont grandi. Ce qui se passait autour de votre personnage socialement, politiquement, économiquement, était là la guerre, les difficultés économiques, révolutions, les changements politiques, à quoi ressemblaient les temps, et quels effets l'un de ces facteurs pourrait avoir sur votre caractère. Après le script et la recherche et c'est là que vous avez l'occasion de co-créer avec l'écrivain. Utilisez votre imagination des acteurs pour remplir les blancs où le script et la recherche n'ont pas fourni d'informations. C' est l'une des choses qui sépare les bons acteurs des grands acteurs, les détails et la profondeur du personnage qu'ils créent. Par exemple, le script peut ne pas inclure suffisamment d'informations sur les parents du personnage, mais vous en tant qu'acteur pouvez faire un choix instruit et décider en fonction de ce qui est le plus logique et honore le script, si les parents avaient un heureux mariage ou divorce, ou si l'un d'eux est décédé, et ce qui affecte l'un de ces choix peut avoir sur le personnage, et est-ce que l'un de ces choix aurait un sens avec ce que vous savez déjà sur la vie et le comportement du personnage à partir du script. De même, vous pouvez faire des choix concernant les expériences d'enfance, les relations, les rêves et les aspirations du personnage , mais ne vous laissez pas trop emporter et finissez par écrire une toute nouvelle histoire différente de ce que l'écrivain avait en tête. Tous les choix que vous faites doivent respecter les intentions de l'écrivain et honorer le scénario. Dans cette leçon, nous avons exploré les outils d'acteur pour construire un personnage, le scénario, la recherche et l'imagination des acteurs. Votre activité consiste à trouver une pièce de théâtre ou un scénario de film que vous aimez, choisir un personnage que vous souhaitez jouer, à lire le scénario, utiliser vos recherches et votre imagination et à écrire une biographie de trois à quatre pages sur votre personnage depuis sa naissance jusqu'à la mort. Vous trouverez une feuille de calcul d'analyse de script pour vous guider dans cette activité. Si vous voulez me voir parcourir cette feuille de travail, vous pouvez regarder la vidéo suivante. Sinon, j'espère vous voir dans la leçon 2 lorsque nous parlons des objectifs et des défis du personnage. 3. Activité : rédiger une biographie: Salut encore. J'espère que vous avez apprécié la leçon 1 et que vous êtes enthousiastes pour cette première activité du cours. Dans cette activité, vous allez écrire une biographie sur votre personnage en explorant trois dimensions de la vie du personnage : physique, sociale et psychologique. Si vous ne l'avez pas déjà fait, assurez-vous de télécharger le livret d'activités du cours à partir de la section Ressources du cours et de suivre. Vous pouvez l'imprimer ou l'ouvrir sur votre ordinateur, selon ce qui vous convient. Dans la feuille de calcul d'activité, vous verrez trois tableaux ou zones. Un pour la dimension physique, dimension sociale et la dimension psychologique. En commençant par un physique, cela décrit le côté externe du personnage, tout ce qui peut être vu et comment ils apparaissent. Des choses comme le nom, le sexe, coloration de l' âge, qui se réfère aux cheveux, aux yeux et aux couleurs de la peau, marques telles que les marques de naissance, les cicatrices, les tatouages problèmes de santé qui sont visibles comme un membre ou une blessure. Ce dernier est pour le plaisir, mais en dit encore beaucoup sur le personnage, les animaux de compagnie. Ils ont des animaux de compagnie ? Sont-ils un chat ou un chien ou un de ces gens qui ont un tigre au sous-sol ? Donc, pour chacun de ces points, assurez-vous d'élaborer autant que possible. Assurez-vous que vos réponses sont précises et détaillées autant que vous le pouvez. Social décrit un personnage dans leur communauté et comment ils s'intègrent. Cette dimension comprend le statut, la profession, l'éducation, la famille, la nationalité, la race et les croyances. Le statut est leur position dans leur société. Est-ce qu'ils occupent un poste élevé ou un poste bas et quelle mesure sont-ils respectés dans leur travail et dans leur collectivité ? L' occupation est ce qu'ils font pour gagner leur vie et comment ils subissent eux-mêmes financièrement. L' éducation est de quel niveau d'éducation ont-ils, combien d'années scolaires ils ont terminées, quel est leur ou leurs diplômes les plus élevés ? La famille est qui est leur famille, combien de frères et sœurs ils ont, sont-ils mariés, vivent-ils avec quelqu'un ? De même, vous pouvez aborder leur nationalité, race, quelles croyances spirituelles et politiques ils ont. Dans la dimension finale, la psychologie, elle décrit le côté interne du personnage, comment ils se voient eux-mêmes et leur place dans la vie. Des choses comme la vie romantique. Vous pouvez généralement décrire à quoi ressemble leur vie amoureuse. Ont-ils des sentiments romantiques pour quelqu'un ? À quoi ressemblent ces sentiments ? S' ils n'ont aucun sentiment pour qui que ce soit, comment ça les fait ressentir ? Beaucoup de sentiments dans celui-ci, normes morales concernent vos personnages, votre caractère, et ce qu'ils représentent, ce qui est important pour eux. Ne vous contentez pas de dire des normes élevées ou basses, mais décrivez plus en détail ce que le personnage valorise et vit. Ont-ils de la valeur, de l'honnêteté, de la qualité, de la justice, par exemple ? Ou est-ce qu'ils sont d'accord avec mentir ou tromper les autres pour obtenir ce qu'ils veulent ? Ou peut-être qu'ils ont deux poids deux mesures au sujet de certaines de ces valeurs morales. Ils n'acceptent pas certaines choses qui leur sont faites, mais ils les font à d'autres. Un petit indice. Un personnage bien écrit sera complexe et sera multicouche. Ils ne seront pas tous bons ou tous mauvais. Ce sont tous bons ou tous les mauvais personnages n'ont pas assez de profondeur. Donc, même si vous jouez le méchant dans l'histoire, découvrez aussi leur bon côté, et ce qu'ils représentent quand il s'agit de leurs règles de vie, leur famille et de leurs proches. Les objectifs personnels sont tous les rêves et les aspirations de votre personnage, ce qu' ils ressentent à leur sujet. Sont-ils excités de les atteindre ou sont-ils intimidés par eux ? regrets sont les choses dont votre personnage est déçu. Cela peut être des choses comme attendre trop longtemps pour atteindre un objectif et maintenant l' raté l'occasion et il est trop tard ou mauvaises décisions qu'ils ont prises et souhaitent qu'ils ne l'aient pas fait. Ou se mettre dans une mauvaise relation, ils regrettent d'avoir ou de rompre une bonne relation dans laquelle ils souhaitent rester. peeves pour animaux de compagnie sont toutes les choses qui ennuient votre personnage. Même si vous pensez que ce sont des choses stupides, petites, elles sont importantes pour les gens qui ont ce peeves d'animal de compagnie et ce sera important pour votre personnage. Alors venez avec quelques choses qui ennuient votre personnage. Peut-être que c'est un voisin avec une voiture à moteur fort qui réveille tout le monde tôt le matin, ou cet ami qui mange toujours vos frites, ou des gens qui posent toujours des questions pendant les films. Enfin, les forces et les faiblesses sont liées à ce que le personnage pense qu'il est bon et pas bon à. De quels aspects sont-ils fiers d'eux et dans quels aspects ils veulent améliorer ? Pensez aux forces comme les qualités qui font que le personnage réussit dans vie et les faiblesses sont celles qui empêchent le personnage de résoudre ses problèmes. Les forces peuvent être des choses comme la créativité, la flexibilité, de solides compétences en leadership, et les faiblesses peuvent être des choses comme l'autocritique, insécurités, la peur de socialiser ou de parler en public. Les faiblesses ne signifient pas que votre personnage est condamné et ne peut jamais rien accomplir à cause de ces faiblesses. Non, les faiblesses sont simplement des domaines où votre personnage a juste besoin de s'améliorer. Les faiblesses sont des possibilités de croissance. Alors que vous abordez ces trois dimensions, vous pouvez griffonner, écrire des points de puces ou tout autre moyen qui fonctionne pour vous. Ensuite, lorsque vous avez terminé, réorganisez toutes les notes que vous avez recueillies et écrivez une biographie de 3-4 pages sur la vie de votre personnage de leur naissance à leur mort. Évidemment, vous ne pouvez pas tout intégrer dans un 3-4 pages, alors concentrez-vous sur les faits saillants de la vie, les détails importants sur la vie de votre personnage sur lesquels vous pouvez construire lorsque vous créez votre performance. Ne vous inquiétez pas si vous n'êtes pas un bon écrivain, ce n'est pas un cours d'écriture et vous n'avez pas besoin d'être un bon écrivain. En tant qu'acteur, vous n'avez pas besoin de montrer ça à personne. La biographie du personnage est seulement pour vous donner une base solide pour créer votre personnage. Ne vous concentrez pas trop sur la grammaire ou la structure d'écriture, écrivez simplement comme si vous parlez à un ami de votre personnage dans une conversation occasionnelle. Assurez-vous juste d'écrire à la première personne en utilisant des déclarations I. J' ai, Je veux au lieu de mon personnage a, mon personnage veut. Cela vous permet de vous connecter au personnage lorsque vous exécutez le rôle. Prenez votre temps de terminer cette activité et référez-vous à la leçon si vous en avez besoin. Vous pouvez aller à la leçon 2 quand vous êtes prêt. 4. Identifier les objectifs et les défis: Dans la première leçon, vous avez construit une histoire pour le personnage et écrit une biographie. Si vous avez fait l'activité sur leur vie de la naissance à la mort, y compris autant d'informations sur le personnage que vous pourriez recueillir à partir du script, de la recherche, de votre imagination et de vos choix éclairés. Cette leçon, nous deviendrons plus précis en nous concentrant sur les objectifs et les défis du personnage dans l'histoire. Les histoires passionnantes portent sur les conflits et la résolution des conflits. Personne ne veut regarder un film sur la famille heureuse qui vit dans le village heureux et qui a tous leurs désirs et besoins couverts et personne ne veut rien. Ce serait ennuyeux. Nous voulons voir des histoires qui reflètent nos vies. personnages qui ont des besoins et des désirs, qui sont confrontés à des défis et à des obstacles, et comment ils surmontent ces défis. Même dans la comédie ou les dessins animés, chaque personnage veut quelque chose qu'il ne peut pas encore obtenir parce qu'il y a quelque chose ou quelqu'un son chemin et qu'il doit prendre des mesures pour surmonter ce qui est dans la façon d'obtenir ce que ils veulent. Ils peuvent réussir ou échouer, mais c'est cette traction, ce contraste, qui rend une histoire attrayante, parfois inspirante, et certainement plus divertissante que la famille heureuse du village heureux. Chaque personnage, de la star de l'histoire au plus petit rôle, a un but, quelque chose qu'ils veulent accomplir. C' est ce qu'on appelle l'objectif. Ils font face à un défi qui les empêche d'atteindre leur but, l'obstacle, et ils font quelque chose pour surmonter ce défi et que l'on appelle quelque chose la tactique ou l'action. L' objectif est ce qui motive le personnage à dire ses lignes et à communiquer avec d'autres personnages. Il peut être divisé en objectifs plus petits, contribuant à ce qu'on appelle le super-objectif. Ce super-objectif est le but ultime le personnage veut accomplir dans toute l'histoire. Les objectifs plus petits sont ce que le personnage veut accomplir dans la scène pour finalement atteindre leur super-objectif. Alors, pour votre personnage, demandez-vous, que veut mon personnage ? Pourquoi sont-ils même dans l'histoire ? Pourquoi disent-ils ce qu'ils disent ? Encore une fois, si c'est dans le script, c'est là pour une raison. Si le personnage se répète, dit la même chose à nouveau, n' est pas une erreur ou une redondance, pour une raison. Peu importe combien grand ou petit, important ou stupide ce que dit le personnage, vous devez toujours savoir quel est l'objectif de chaque scène et comment ces petits objectifs contribuent au super-objectif du personnage. L' objectif doit être spécifique, un verbe d'action spécifique qui peut s'exprimer physiquement, comme inspirer, manipuler, contester. Ce ne devrait pas être une émotion comme être heureux ou général, comme ne pas se faire virer. Celles-ci ne sont pas spécifiques et ne sont pas applicables. Mais parce que les bonnes histoires sont sur le conflit, le personnage n'aura pas ce qu'il veut tout de suite, ou peut-être jamais. Nous avons besoin de savoir ce qui empêche le personnage d'atteindre son but. Quel est l'obstacle ? Pour chaque objectif que vous avez identifié pour votre personnage, demandez-vous ce qui les empêche d'atteindre ces objectifs ? Est-ce une personne, une circonstance, une croyance, un manque de compétences ou de connaissances ? Maintenant, plus l'obstacle est grand, plus l'histoire est engageante. Nous ne voulons pas regarder un film de deux heures sur un personnage qui dit vouloir une tasse de café et tous ses problèmes sont qu'il a oublié son portefeuille. Peut-être, pas de jugement ici, mais il doit y avoir quelque chose de grand en ligne. Il doit y avoir un sentiment d'urgence ou de danger de quelque sorte si le personnage ne se fait pas parce que les bons écrivains n'écrivent pas des histoires sur un autre jour dans la vie pour un tas de personnages, ils écrivent des histoires sur le moment où cette énorme chose s'est produite. Demandez-vous, quels sont les enjeux ? Que se passe-t-il si les personnages n'ont pas obtenu ce qu'ils voulaient, n'ont pas atteint l'objectif ? Vont-ils perdre leur emploi, perdre l'argent, perdre des relations, ou mourir ? Chaque scène aura ses propres enjeux. Maintenant, nous connaissons l'objectif et nous connaissons l'obstacle, et nous savons ce qui est en jeu. Ensuite, nous devons savoir ce que le personnage va faire à propos de tout ça ? Quelle action ou tactique le personnage prendra-t-il pour surmonter l'obstacle pour atteindre l'objectif ? L' action sera votre choix tant que cela a sens à ce que le personnage dit, et à l'histoire. n'y a pas une bonne action parce que le personnage peut surmonter l'obstacle à travers plusieurs façons différentes. Dans cette leçon, nous avons appris les objectifs du personnage, les obstacles, les enjeux et les tactiques. Votre activité consiste à choisir une scène dans le script que vous avez utilisé pour l'activité 1 de la leçon et à identifier votre personnage, objectifs, vos obstacles, vos enjeux et vos tactiques. Vous trouverez une feuille de travail d'analyse de caractères pour vous guider dans cette activité et si vous voulez me voir parcourir cette feuille de calcul, vous pouvez regarder la vidéo suivante. Sinon, j'espère vous voir dans la leçon 3 où nous parlons de la physicalité du personnage. 5. Activité : analyser une scène: Pour cette activité, vous vous entraînerez à identifier vos personnages, objectifs, obstacles, enjeux et actions. Tout comme ce dont nous avons parlé dans la leçon 2, choisissez une scène dans le script que vous avez utilisé pour la biographie du personnage lors de la première activité. Je vous suggère de choisir une scène où une bonne action se passe, peut-être au milieu du scénario, où les personnages ont été complètement introduits et sont maintenant à une place plus élevée dans l'histoire. Ne choisissez pas la première scène où peu se passe encore, mais c'est juste une suggestion, vous pouvez choisir la scène qui fonctionne pour vous. Gardez à l'esprit que la scène que vous choisissez maintenant, vous continuerez à travailler pour les prochaines activités lorsque vous ajoutez la physicalité et la voix du personnage. Une fois que vous avez la scène, lisez la scène plusieurs fois, puis répondez aux questions de cette feuille de calcul, vous trouverez une feuille de verbes active dans ce cours, assurez-vous de l'utiliser lorsque vous identifiez l'objectif. Disons que Bob tombe dans un accident de voiture, il va bien, mais la voiture ne l'est pas, une perte totale. Cette voiture était neuve, seulement achetée le mois dernier. Il y a un petit problème, cette voiture n'était pas la voiture de Bob, c'était celle de son père. Un autre petit problème, Bob a pris la voiture derrière le dos de son père. Il voulait impressionner quelques amis. Bob doit rentrer chez lui et annoncer à son père qu'il vient détruire la nouvelle voiture de son père qu'il conduisait derrière le dos de son père. Bob est certain quand son qui sait qu'il sera si fou qu'il pourrait punir Bob en l'empêchant d'aller au bal de promo, mais Bob ne peut pas aller au bal de promo. Il a rassemblé son courage toute l'année et juste l'autre jour a finalement demandé son béguin au bal de promo. Maintenant, vous jugez peut-être Bob et dites que c'est idiot, mais pour Bob, c'est une grosse affaire. Ça pourrait être l'amour de sa vie. Bob décide de se cacher de la situation et de se faufiler tard la nuit quand tout le monde dort. De cette façon, il évitera une confrontation avec son père jusqu'à ce qu'il réfléchisse à une meilleure solution. Son père était réveillé et demande pourquoi Bob est en retard et pourquoi la voiture n'est pas dans le garage ? À ce stade, Bob décide de mentir et dit qu'il n'a pas conduit la voiture. À la surprise de Bob, son père dit qu'il était au téléphone plus tôt avec un ami de la famille qui a vu Bob passer dans la voiture de son père. Bob décide alors d'être propre et propriétaire de ses actions et prend la responsabilité et dit la vérité à son père. Le père de Bob est génial, tout ce dont il se soucie, c'est que Bob est en bonne santé et en sécurité et qu'il est fier que Bob ait pris ses responsabilités. Il décide de ne pas s'empêcher d'aller au bal de promo. Après le bal, cependant, Bob n'aura pas son téléphone pendant un mois, mais c'est un obstacle pour une autre scène. D' après cette scène stupide que j'ai inventée, on peut dire que pour Bob, l'objectif de cette scène est d'échapper à la punition. L' obstacle est que papa est réveillé et veut entendre ce qui est arrivé à sa voiture. Qu' est-ce qui est en jeu ? Bob pourrait être empêché d'aller au bal avec le béguin de sa vie. Tactiques ? Bob essaie d'abord de nier ses actions, puis d'accepter la responsabilité et de demander pardon. Pour cette scène, il a pu échapper à la punition du bal de promo. Pour la scène que vous choisissez, assurez-vous de faire la même chose, de trouver les objectifs, les obstacles, les enjeux et les tactiques. Assurez-vous que l'objectif est dans un verbe d'action qui peut être exécuté. Quand tu seras prêt, je te verrai dans la leçon 3. 6. Créer les aspects physiques du personnage: Maintenant, ce que nous avons fait tout le travail de préparation dans les leçons 1 et 2, nous sommes prêts à commencer à sortir ce personnage des pages en explorant la physicalité de ce personnage. physicalité est tout ce que le personnage fait avec son corps, comment ils se tiennent debout, s'asseoir, marcher, comment ils s'expriment non verbalement, comment ils communiquent, émotions de bonheur, colère, frustration, tout ce qui caractère fait avec leurs expressions faciales, les mains, les pieds, et leur ensemble. Il y a deux façons d'aborder la physicalité du personnage : vers l'intérieur, vers l'extérieur ou vers l'extérieur. La voie vers l'intérieur commence par l'exploration de la psychologie du personnage, façon dont il se sent à l'intérieur, et qui influence la façon dont son corps se déplace vers l'extérieur. La façon extérieur-intérieur commence par déplacer le corps en premier, et cela influence la façon dont le personnage se sent à l'intérieur, la façon dont vous choisissez dépend de vous et ce qui fonctionne pour vous et pour l'histoire, et vous pouvez utiliser un mélange des deux. À partir de toutes les informations que vous avez recueillies et construites sur le personnage, vous aurez beaucoup de données à utiliser comme cadre de départ sur lequel vous pouvez construire. Par exemple, quel âge a le personnage ? À quoi ressemble leur santé ? Ils font du sport ? Travailler un travail de bureau ? Ont-ils un handicap physique ? Les réponses à toutes ces questions vous donneront une idée de la façon dont ce personnage pourrait se comporter physiquement. Comment est la vie du personnage ? Sont-ils riches, pauvres, dans une relation heureuse ou mauvaise ? Ont-ils un problème financier, ont-ils perdu un être cher ? Ont-ils un problème de dépendance ou de colère ? Les réponses à ces questions vous donneront une idée de la façon dont ce personnage pourrait se comporter émotionnellement. Le sujet de la physicalité est énorme et il peut prendre plusieurs cours à couvrir, mais je veux vous donner quelques outils pour commencer. Pour cette leçon, nous explorerons trois éléments : physicalité, poids, plomb et rythme. Le poids fait référence au poids émotionnel d'un personnage qui peut être léger ou lourd. Plus le personnage est heureux et détendu plus son corps se sent léger et son mouvement s'écoule librement. Plus le personnage est triste et tendu, plus son corps se sent lourd et son mouvement sera pesé du cou ou des épaules, des bras. Le plomb fait référence à la partie du corps qui dirige le mouvement du personnage. Est-ce qu'ils mènent de la tête, de la poitrine, du bassin, des pieds ? Comment ressentir et ressembler chacun de ces mouvements, postures ? Que pouvons-nous dire d'une personne qui bouge comme ça ? Le rythme fait référence à la vitesse et soudaine ou lente et continue du personnage. Se déplacent-ils vite ou lentement ? Ont-ils une forte impulsion budgétaire ou sont-ils plus confinés ? Basé sur les informations que vous avez sur le personnage, jouez avec ces trois éléments, mélangez et associez poids, avance et rythme et voyez ce que vous découvrirez. Promenez-vous dans votre espace et asseyez-vous et debout dans différents poids. Découvrez ce que ressent le plomb à partir de différentes parties du corps. Essayez de changer votre rythme et faites des choix en fonction vos expériences et de ce qui les rend le plus sensé pour le personnage et l'histoire. Un autre outil de bonus est la mémoire musculaire. Nos corps se souviennent de la façon dont ils se sont déplacés au cours de certaines expériences, en particulier les expériences avec des émotions accrues comme la joie ou la douleur. Vous pouvez rappeler ces souvenirs et les amener à la physicalité de votre personnage. Rappelez-vous combien votre corps se sentait lourd quand vous étiez en colère contre quelqu'un, ou combien il ressentit quand vous étiez amoureux de quelqu'un. Comme il était lent quand vous étiez fatigué ou triste et comment soudain et rapide il a bougé quand vous recevez des nouvelles passionnantes. Rappelez-vous comment vos épaules se sentaient, comment votre bras a oscillé, comment vos pieds pointaient. Vous avez une expérience de première main en tant qu' être humain à votre disposition lorsque vous construisez votre personnage. Sauf si, votre personnage est un étranger ou un animal, ce qui nécessite un niveau différent de compétences physiques et l'imagination de l'acteur. Choisir la mémoire musculaire vous permet de recréer la physicalité de l'émotion sans nécessairement revivre l'émotion. Mais nos corps et nos esprits sont connectés et souvent, la façon dont nous nous déplacons influe sur notre façon de nous sentir et notre façon de nous sentir affecte notre façon de nous déplacer. Assurez-vous de prendre soin de votre bien-être émotionnel et physique et n'utilisez pas de souvenirs ou d'émotions que vous n'avez pas encore complètement résolus. N' essayez pas ce que vous n'êtes pas prêt ou à l'aise avec. Comment s'assurer que ces émotions et physicalités ne se sentent pas trop répétées et non naturelles ? Une façon de le faire est de se concentrer sur l'action, pas sur l'émotion d'un personnage. Par exemple, le personnage peut encourager une autre personne. Vous pouvez choisir le sentiment de bonheur et essayer d'agir heureux, qui pourrait regarder sur naturel. Les sentiments ne sont pas des actions que vous pouvez agir, ils sont les sous-produits de l'action. En outre, le bonheur n'est pas la seule émotion que vous pouvez avoir en encourageant quelqu'un. Vous pourriez être excité, fier, ou pleurer joyeusement. Donc, au lieu de choisir une émotion, choisissez l'action qui correspond le mieux à la scène, pour encourager, soutenir, louer, et laisser les émotions couler naturellement, et qui influencent vos expressions faciales et inspirent votre physique choix. Dans cette leçon, nous avons appris trois éléments pour le mouvement, poids, le plomb et le rythme. Nous avons exploré les outils de la mémoire musculaire et nous avons discuté de la façon de rendre votre performance plus naturelle. Votre activité consiste à utiliser la biographie du personnage que vous avez écrite pour la première leçon et à créer un profil physique pour le personnage. Assurez-vous d'inclure tous les éléments que vous avez appris jusqu'à présent dans les leçons du passé. Vous trouverez une feuille de travail d'analyse physique pour vous guider dans cette activité, et si vous voulez me voir parcourir cette feuille de travail, vous pouvez regarder la vidéo suivante. Sinon, j'espère vous voir dans la leçon quatre où nous parlons de la voix du personnage. 7. Activité : créer une séquence de mouvement: Dans cette activité, vous vous entraînerez à construire la physicalité du personnage. Pour la scène sur laquelle vous avez travaillé dans l'activité Leçon 2, vous allez créer une séquence de mouvement pour votre personnage. Pensez à l'endroit où se trouve physiquement le personnage au début de la scène. Ils sont assis ? Ils sont debout ? Sont-ils couchés ? Tout au long de la scène, où se déplacent-ils ? Ils se lèvent, marchent ? Est-ce qu'ils se rapprochent des autres personnages de la scène à des moments et s'éloignent plus loin à d'autres moments ? Essayez de tracer un plan de mouvement qui donne du sens à la scène et à ce que le personnage dit et ressent. S' ils sont blessés ou excités, quel modèle de mouvement pourraient-ils avoir ? S' ils ont une conversation amusante ou une dispute avec quelqu'un, quel point seront-ils proches ou éloignés les uns des autres ? Pour chaque ligne, le personnage dit dans la scène, faites un choix sur la façon dont ils se déplacent ou ne bougent pas, puis commencez à ajouter plus de couches à leur physicalité à partir des boîtes de poids, de plomb et de rythme ici. Pensez à la sensation de poids ou de légèreté de leur corps lors de chaque ligne synchronisée. Si elles bougent, quelles parties du corps mènent le mouvement ? Quelqu' un menant de la tête peut-être dans une pensée profonde ou blessé ou est plus âgé dans l'âge. Ils peuvent avoir des maux de dos qui les amènent à se pencher en avant. Quelqu' un qui mène de la poitrine peut essayer d'exprimer du courage ou de la confiance, ce qui peut être ce qu'il ressent réellement ou il pourrait faire semblant. Quelqu' un qui mène du bassin se sentirait un peu comique au début, si vous l'essayez, comme quelqu'un qui est si froid, détendu, marchant sur la plage. Mais essayez-le et voyez ce que vous découvrez. Qu' est-ce qui pourrait faire marcher quelqu'un ? Pour les pieds, les pieds de votre personnage pointent-ils vers l'intérieur ou vers l'extérieur quand ils marchent ? Est-ce qu'ils marchent d'abord les orteils puis les talons, ou les talons d'abord puis les orteils ? Votre personnage utilisera plusieurs de ces éléments dans leurs mouvements. Ils peuvent commencer un mouvement à partir de la tête, puis il se fond dans une laisse thoracique. Jouez et expérimentez avec ces mouvements. Bien sûr, pour certains personnages, ces mouvements seront exagérés, surtout en comédie. Pour les autres personnages, il sera subtil. Enfin, le rythme, la rapidité ou la lenteur de chaque mouvement. Encore une fois, le personnage utilisera un rythme différent pendant différents moments de la scène. Pensez à tous ces éléments de poids, plomb et rythme comme une échelle, arrangez. Plus il est exagéré, il se sentira et aura l'air plus comique et irréaliste, ce qui fonctionne très bien dans la comédie. Plus ils sont précis et précis, plus ils seront réalistes, ce qui fonctionne très bien dans le drame. Amuse-toi bien. N' ayez pas peur d'avoir l'air un peu bête quand vous essayez ces mouvements, et commencez à prendre conscience de la façon dont les gens autour de vous bougent, mais ne soyez pas trop effrayant et ne traquez pas les gens ou quoi que ce soit. Quand tu seras prêt, je te verrai dans la leçon 4. 8. Exprimer la voix du personnage: Bienvenue à la leçon 4. J' espère que vous avez apprécié ce processus de création de personnage jusqu'à présent. Maintenant, vous devriez connaître l'histoire, la personnalité et la physicalité de votre personnage. Dans cette leçon, nous allons explorer la voix d'un personnage. Comme la physicalité de la leçon 3, voix est un autre sujet énorme qui peut prendre plusieurs cours à couvrir complètement. Pour cette leçon, nous allons passer en revue quelques-unes des bases de la voix. La voix peut être divisée en deux catégories, physique et performative. Une catégorie physique comprend toutes les parties physiques réelles qui forment les sons que nous faisons pour parler. Ce sont les lèvres, les dents, la langue, les palettes de la bouche, que l'on appelle les articulateurs, ainsi que leurs cordes vocales, les muscles de la mâchoire, et toutes les différentes parties de l'anatomie humaine impliquées dans la création de la voix. Vous, en tant qu'acteur, aurez besoin de former ces parties tout comme un athlète entraîne leurs muscles. Cela peut être fait par des exercices vocaux, des techniques de respiration, des torsions de langue, et beaucoup plus d'approches. J' ai inclus des ressources supplémentaires pour vous avec cette leçon. Évidemment, vous allez exprimer vos personnages, donc quels que soient les outils physiques que vous avez, vous apporterez au personnage et ensuite vous devrez identifier ou faire un choix qui a du sens sur ce que les qualités uniques supplémentaires, le cas échéant, votre personnage peut avoir. Ils ont un lisp ? Est-ce qu'ils portent des accolades ? Les vieux, ils n'ont plus de dents ? Une fois que vous êtes au courant de vos outils vocaux physiques et identifié tous les outils supplémentaires que votre personnage peut avoir, commencez à vous entraîner à engager tous ces outils pendant que vous parlez. Soyez conscient de la façon dont votre mâchoire se déplace, comment votre langue frappe le toit de votre bouche, quand et comment vos dents se rassemblent, combien de mots pouvez-vous dire avant de ressentir le besoin de prendre une autre respiration. Jouez et activez tous vos outils vocaux physiques. La catégorie performative est l'endroit où beaucoup de plaisir et de créativité entrent en jeu. Cette catégorie comprend le tempo, l'articulation, diction, le volume, la hauteur, le ton, l'accent, les pauses. Nous allons passer brièvement en revue quelques-unes pour vous donner une idée de toutes les différentes façons dont nous utilisons nos voix pour nous exprimer et communiquer avec les autres. D' abord, souffle. La respiration est la façon dont nous restons en vie et faisons tout le reste. Dans la parole, il est si important de comprendre la relation entre notre souffle et notre voix. Nous parlons sur notre expiration. L' air qui sort est ce que nous utilisons nos articulateurs pour façonner et faire des sons. Plus notre souffle est efficace, plus notre discours devient fort et efficace. Alors explorez votre respiration. Prenez conscience de la façon dont vous inspirez et expirez. Utilisez-vous principalement votre nez ou votre bouche pour respirer ? Combien de mots pouvez-vous dire confortablement avant de manquer de souffle ? Comment votre mouvement en parlant affecte-t-il votre respiration et comment cela affecte-t-il votre parole ? L' articulation ou l'énonciation est à quel point vous prononcez vos paroles et à quel point les gens peuvent vous comprendre. Certains personnages peuvent avoir moins d'articulation que le rôle peut exiger, comme Jack Sparrow de Pirates of the Caribbean. D' autres pourraient avoir une articulation forte comme Snape de Harry Potter. Quoi qu'il en soit, assurez-vous que le public puisse encore vous comprendre. La diction est le style de l'expression vocale. Cela inclut les accents et les dialectes, le vocabulaire et les slangs. La diction peut nous en dire beaucoup sur le statut du personnage, l'éducation et le niveau d'intelligence. tempo est la vitesse à laquelle le personnage parle. Cela reflète l'énergie des personnages. Plus de vitesse peut indiquer une énergie plus élevée, moins de vitesse peut indiquer une énergie plus faible. L' énergie élevée peut être soit la joie, soit la colère. faible énergie peut être soit le calme ou la tristesse. rythme est le timing et le rythme des mots et des sons dans un discours. Cela inclut quand le personnage prend une pause, combien de mots ils disent avant de prendre un nouveau souffle. Le rythme est plus visible dans la poésie et écrits de vers classiques comme certaines pièces de Shakespeare. ton est l'humeur du discours. Est-ce que le personnage semble sérieux, ou plaisantent-ils ? Sont-ils réels ou sarcastiques ? L' accent est une façon de mettre en évidence vocalement des informations importantes dans un discours. Le mot mis en avant peut changer le sens de ce qu'un personnage dit. Un exemple célèbre de ceci est de Hamlet par Shakespeare d'être ou de ne pas être. Voilà la question. Quel mot soulignes-tu dans cette phrase ne changera pas le sens d'une phrase ? Les pauses sont l'absence de son, qui est si utilisé à bon escient, sont outil de communication très efficace. Des pauses aident au rythme et à la musicalité des textes. Les pauses peuvent également aider à mettre l'accent sur les mots et les phrases. Les pauses peuvent créer des tensions entre les personnages ou elles peuvent briser la tension. Ils permettent au personnage de traiter l'information et donnent également au public le temps de prendre en compte ce qui vient de se passer. Cependant, avec des pauses, il est important de garder à l'esprit deux choses. mise en pause n'arrête pas vos performances. pensées et le monologue interne de votre personnage sont toujours en cours, et vous communiquez toujours non verbalement avec votre corps. Tu dois gagner ces pauses. Si vous en faites trop, la performance va glisser et sera lente et si vous le faites, votre public n'aura pas assez de temps pour traiter complètement ce qui se passe dans la scène et peut manquer des informations importantes. Une pause communique encore quelque chose. Ce n'est pas une pause de parler et ce n'est pas aléatoire. Plus vous obtenez d'expérience de performance, mieux vous pourrez utiliser ces pauses. Dans cette leçon, nous avons appris les qualités physiques et performatives de la voix, l'importance de la maîtrise de la respiration et de la communication non verbale. Votre activité pour cette leçon est d'utiliser les éléments de voix que vous avez appris dans cette leçon et l'activité que vous avez complétée pour la leçon 3, enregistrer une vidéo de 30 à 60 secondes de vous-même en tant que personnage et d'avoir le personnage se présenter. Demandez au personnage de parler de leur carrière ou objectifs dans la vie ou de celui que vous décidez pour le personnage. Je vous verrai dans la leçon 5 quand nous parlerons de l'apparence du personnage. 9. Activité : filmer votre performance: Nous sommes sur le point de faire un film en une seule scène. moment, si vous avez terminé les activités précédentes, vous devriez maintenant connaître, pour cette scène, les objectifs du personnage, les obstacles, les actions et les antécédents du personnage. Vous devriez avoir construit une séquence de mouvement avec des éléments d'attente, de plomb et de rythme. Mais nous n'avons pas encore entendu la voix du personnage, alors faisons-le. Pour chaque ligne de la scène et à partir des catégories physiques et performatives que vous avez apprises dans la leçon 4, créez une expression vocale qui correspond à la physicalité du personnage que vous avez construite lors de la dernière activité. Si le personnage est excité ou anxieux, comment sa voix peut changer. Pensez au tempo, à la diction, tous les éléments dont nous parlerons dans la leçon 4. Si l'objectif du personnage est d'inspirer, par exemple, plutôt que d'intimider, comment son volume peut changer. Une fois que vous avez créé l'expression vocale, nous allons simplement rassembler tous ces éléments et voir ce que vous avez créé jusqu'à présent. Vous trouverez une feuille d'exercices vocaux dans les ressources du cours. Têtes levées, vous vous sentirez stupide de faire la plupart d'entre eux. D' autres personnes autour de vous penseront que quelque chose ne va pas chez vous. Ne laissez pas ça vous arriver. Tout est normal. Tous les acteurs, moi inclus, font ces exercices et nous avons tellement de plaisir à être stupide avec elle. Si ce n'est pas marrant, tu le fais mal. Seuls quelques-uns sont à l'aise et aimeraient participer à cette activité. Vous pouvez vous filmer en parlant de personnage et en mouvement comme votre personnage parlerait et bougerait. Vous pouvez choisir une partie de la scène sur laquelle vous avez travaillé et l'exécuter , ou choisir l'une des rubriques répertoriées dans cette feuille de calcul. Ne rendez pas ça trop compliqué. Juste quelques lignes simples qui vous permettront de montrer votre travail physique et vocal que vous avez fait jusqu'à présent. Ce n'est pas une performance, ce n'est pas un produit fini. Enlevez la pression pour être un niveau de Broadway ou Oscars. C' est juste un travail en cours et pour vous donner un point de référence que vous pouvez regarder en arrière. Vous aurez plus de temps pour développer vos compétences en jeu. Lorsque vous filmez vous-même, vous pouvez utiliser votre téléphone. Mettez-le quelque part qui peut montrer votre corps entier. Vous pouvez regarder directement dans la caméra en tant que partenaire de la scène ou regarder un point fixe sur un mur derrière la caméra comme si vous regardiez les yeux de quelqu'un. Personne n'a à voir ce tournage si vous n'êtes pas à l'aise de le montrer à qui que ce soit. C' est juste de la pratique et de la référence pour vous pour suivre vos progrès. Quand vous serez prêt, je vous verrai dans la leçon 5, quand nous donnons à ce personnage un peu de style de mode. 10. Comprendre les costumes et les décors: J' espère que votre personnage sera de plus en plus vivant avec l'histoire, la physicalité et la voix. Maintenant, ce personnage a juste besoin du style de la mode. Maintenant, vous en tant qu'acteur, n' aurez pas à vous soucier de l'apparence du personnage. Ce serait le rôle du concepteur de costumes qui sera en charge des costumes, accessoires, cheveux et maquillage de votre personnage. Cependant, dans certaines productions à petit budget ou à petit budget, les acteurs peuvent être invités à apporter leurs propres vêtements ou à faire leur propre maquillage, mais ce n'est généralement pas le cas. Même si vous, l'acteur, n' êtes pas en charge de l'apparence de votre personnage, il est important de savoir comment votre personnage devrait ressembler. De votre travail sur le script et de la construction de la physicalité du personnage, vous devriez être capable de dire à quoi ressemble le sens de la mode de votre personnage ? Quelles couleurs aimez-vous porter ? Quelle coiffure sont-ils les plus susceptibles d'avoir ? S' ils ont des accessoires, que pourraient-ils être ? Ils portent une montre, des lunettes ? Ont-ils un accessoire préféré ? Est-ce que votre personnage porte des talons hauts ou tient une canne ? Ont-ils des tatouages ou des cicatrices ? Connaître les réponses à ces questions, vous aidera à construire un personnage plus riche, et vous pouvez commencer à répéter la physicalité de votre personnage avec ces choses à l'esprit. Pratiquez la marche dans les chaussures de votre personnage le plus susceptible de porter. Pratiquez votre discours avec des accessoires ou des accessoires que votre personnage a plus de chances d'avoir. Même si vous finissez par n'utiliser aucun de ces éléments dans la performance réelle, vous obtiendrez toujours beaucoup d'idées pour construire les traits physiques et émotionnels du personnage. Aussi, il est bon de se préparer aux réunions de production et de discuter avec le réalisateur et les concepteurs de toutes les idées que vous pourriez avoir sur le développement de votre personnage. Un bon metteur en scène sera ouvert à entendre les réflexions de l'acteur sur les personnages. Sachez qu'en fin de compte, c'est la décision du réalisateur que vous devez respecter car c'est la vision du réalisateur pour la production. Ne prenez pas cela personnel si vos idées n'ont pas été approuvées. Dans cette leçon, nous avons parlé de l'apparence du personnage, mode, du style, des cheveux et du maquillage, des accessoires et des accessoires. Votre activité consiste à utiliser la feuille de travail de costume incluse dans cette leçon et à concevoir un look pour votre personnage. Pensez à ce que sont les couleurs du personnage, leur coiffure, leurs accessoires et leurs accessoires. Vous pouvez dessiner, colorier ou assembler des articles à partir d'Internet ou de magazines. 11. Activité : concevoir un style vestimentaire: L' activité de la leçon 5 est assez simple. J' ai inclus plusieurs figures que vous pouvez imprimer et diriger l'artiste en vous amuser à créer les looks de votre personnage. Vous pouvez dessiner sur la figure directement, vous pouvez dessiner les cheveux, les tenues, tous les accessoires ou accessoires qu'ils ont, vous pouvez colorer, vous pouvez utiliser des échantillons de tissu et les coller sur le papier, ou couper et coller tous les objets de costume que vous aimez de n'importe quel magazine que vous pourriez avoir. Le but de cette activité est de vous aider à mieux comprendre votre personnage et comment ils se présentent publiquement. Tout choix artistique que vous faites doit avoir un sens à tout le travail que vous avez fait jusqu'à présent pour le personnage dans ce cours. N' hésitez pas à consulter sur Internet des exemples de conceptions et d'idées de costumes lorsque vous terminez cette activité. 12. Recap et étapes suivantes: Félicitations, vous avez terminé le cours d'introduction de création de personnage, et maintenant vous connaissez les blocs de construction de la création d'un personnage pour la performance. Voici un bref résumé de ce que nous avons appris dans ce cours ensemble. Pour créer un personnage, vous avez besoin de cinq choses, histoire de personnage, que vous pouvez obtenir à partir du script, de la recherche, et de l'imagination de votre acteur. L' analyse des personnages, qui identifie les objectifs du personnage , les défis, les enjeux et les actions, et vous trouverez ceux du script. physicalité du personnage, qui peut être construite vers l'intérieur, vers l'extérieur, permettant aux émotions du personnage d'influencer la physicalité, ou vers l'extérieur, vers l'intérieur en permettant à la physicalité d'influencer les émotions. La voix de caractère, qui est divisée en catégories physiques et performatives. Le physique comprend vos articulateurs tels que les lèvres, la langue, les dents, et le performatif comprend le tempo, l'articulation, la diction, le volume, la hauteur, le ton, l'accent, les pauses. Enfin, l'apparence du personnage, qui comprend le costume, les cheveux, le maquillage, les accessoires et les accessoires. Les éléments d'apparence essentiels seront trouvés dans le script et les éléments supplémentaires seront basés sur le choix artistique du concepteur. Rappelez-vous que tout choix artistique que vous faites doit avoir un sens à l'histoire et doit honorer les intentions de l'écrivain. Maintenant que vous avez quelques outils pour commencer à créer votre personnage, votre prochaine étape consiste à obtenir autant d'expérience que vous le pouvez. Voici quelques conseils sur la façon d'obtenir cette expérience. lire des lectures ou des scripts vidéo et commencer à créer des caractères. Vous pouvez trouver beaucoup de scripts en ligne gratuitement dans le domaine public. Vous pouvez les louer à votre bibliothèque publique ou sur le campus de l'école. Vous pouvez également les acheter, occasion ou neuf, si vous le souhaitez. Regardez des films avec des personnages qui ont été joués par différents acteurs comme Batman, James Bond, et comparez comment chaque acteur a abordé le rôle. Pensez à ce que chaque acteur a fait différemment en créant sa version de ce personnage. Obtenez de l'expérience d'acteur en rejoignant des groupes de théâtre et de cinéma dans votre communauté ou en auditionnant des films étudiants sur les campus universitaires. Les étudiants en cinéma sont toujours à la recherche d'acteurs pour leurs projets de terrain. Prenez un cours d'acteur dans un théâtre local. C' est une excellente occasion d'obtenir une éducation de qualité, expérience d' acteur et de construire un réseau d'acteurs. Filmez vos propres monologues. C' est un excellent moyen de continuer à pratiquer vos compétences, même lorsque vous n'agissez pas dans aucun projet. Lisez à haute voix. Travailler sur différentes physicalités et qualités vocales. Enfin, demandez une rétroaction constructive. Les commentaires sont si importants. N' ayez pas peur de demander aux gens en qui vous avez confiance, à votre famille et à vos amis, des commentaires honnêtes et constructifs. Soyez ouvert à entendre ce qui a fonctionné et ce qui n'a pas fonctionné. Demandez-leur si votre performance était claire, s'ils étaient capables de dire comment le personnage se sentait ou pensait. Merci beaucoup d'avoir regardé. J' espère que vous avez trouvé ce cours utile et j'espère que vous vous sentez un peu plus excité et prêt à développer vos compétences d'acteur. Continuez à raconter des histoires et créez de l'art. Tout le meilleur. 13. Comment mémoriser vos dialogues ? (Bonus 1): L'une des questions les plus posées par les nouveaux acteurs est comment mémoriser toutes ces lignes ? C'est une question valable. Les acteurs ont beaucoup de mots à retenir. Voici sept étapes pour vous aider à mémoriser vos lignes. La première étape pour mémoriser toutes vos lignes est de ne pas essayer de mémoriser vos lignes. Familiarisez-vous d'abord avec l'histoire avant d'essayer de mémoriser des lignes. Allez dans un endroit relaxant, prenez votre café et lisez le scénario une fois du début à la fin et profitez simplement l'histoire sans aucune pression pour mémoriser les lignes. Lisez-le pour vous amuser comme vous liriez un roman que vous aimez. Ne vous inquiétez pas des noms, des lieux et des autres personnages et ne pensez même pas à votre performance. Il suffit de lire et de vous familiariser avec les scripts. Laissez passer un peu de temps après votre première lecture du script. Il peut arriver quelques heures plus tard ou le lendemain. Lisez ensuite le script une deuxième fois. Cette fois, amusez-vous avec les mots. Soyez ludique pendant que vous lisez. Changez votre volume, changez de tonalité. Utilisez une voix sérieuse ou idiote, parlez fort ou chuchotez. Soyez au-dessus du top dramatique ou détendu. Jouez et amusez-vous bien. N'essayez pas encore de mémoriser vos lignes. La notation du script identifie pourquoi les personnages disent et font ce qu'ils disent et font ce qu'ils disent et font. Il s'agit d'une étape essentielle pour mémoriser vos lignes, créer le personnage et jouer le rôle. Lorsque vous mémorisez vos lignes, vous devez d'abord comprendre ce que dit votre personnage et pourquoi il le dit. Sans comprendre ce que vous dites, ce sera comme apprendre une langue étrangère. La mémoire musculaire est un outil puissant qui peut vous aider à vous souvenir plus rapidement de vos lignes. Lorsque vous pratiquez vos lignes, commencez à ajouter des actions physiques qui ont du sens au personnage et à leur comportement. L'action physique peut être un geste de la main, un mouvement comme marcher dans une pièce, s'asseoir ou utiliser un accessoire comme une montre, une canne ou un téléphone. Lorsque vous liez vos mots à l'action physique, votre corps vous rappellera avec vos mots chaque fois que vous effectuez cette action. Soyez tout simplement conscient de ne pas diriger tous vos mouvements, car c'est le rôle du réalisateur. Lorsque vous bloquez vos scènes et que vous ajoutez d'autres actions pendant les répétitions, mémorisation de vos lignes devient plus facile. Comment savez-vous quand dire vos lignes ? Le script vous indique si votre personnage réagit à un événement ou répond à la ligne d'un autre personnage. Il y a une raison pour laquelle votre personnage dit chaque mot qu'il dit. Votre personnage ne parle pas simplement parce qu'il en a envie. Lorsque vous vous entraînez avec quelqu'un, vous entendez les lignes auxquelles votre personnage réagit et vous vous familiarisez avec les indices pour livrer votre ligne. Savoir ce qui se passe avant de dire vos lignes et entendre vos indices vous aidera à mémoriser vos lignes. Vous connaissez maintenant l'histoire, vous comprenez ce que dit votre personnage, pourquoi vous répétez et ajoutez des actions physiques et des mouvements aux textes, et vous vous êtes probablement presque entièrement mémorisé. toutes vos lignes. Votre prochaine étape consiste à continuer à pratiquer vos lignes chaque fois que vous en avez l'occasion. Vous pouvez vous entraîner dans la voiture pendant que vous êtes coincé dans la circulation, vous pouvez vous entraîner pendant que vous attendez quelqu'un, vous pouvez vous entraîner pendant une longue promenade sous la douche sur un long trajet et vous pouvez vous entraîner chaque fois que vous êtes seul et peut s'entraîner. Cela peut vous paraître étrange, mais c'est ce que font les acteurs. Ils répétent leurs répliques chaque fois qu'ils en ont l'occasion et vous n'avez pas toujours à vous entraîner à haute voix. Vous pouvez aussi passer par-dessus vos lignes dans votre tête. Pendant votre performance, vous ne pouvez pas vous perdre en pensant à votre prochaine ligne et en veillant à ce que vous vous en souviez toujours. Cela ajoute beaucoup de pression et de stress sur vous et peut vous amener à oublier vos lignes et ne pas être pleinement présent dans la scène. Faites plutôt confiance au processus et au travail acharné que vous avez accompli, étudiant et en répétant le rôle et lâchez prise. Soyez présent dans le moment présent et amusez-vous à partager l'histoire avec votre public. Chacun est différent et chaque acteur a son processus de mémorisation de ses lignes. Certaines étapes de cette vidéo peuvent vous être familières et d'autres peuvent ne pas être, et c'est correct. n'y a pas de bonnes ou de mauvaises façons, vous faites ce qui fonctionne pour vous. Plus vous aurez d'expérience d'acteur, plus vous serez en mesure de développer votre processus. 14. Le jeu théâtral est-il faut pour vous ? (Bonus 2): Est-ce qu'il agit pour vous ? Devriez-vous être acteur à temps plein, à temps partiel, ou devriez-vous continuer à agir comme passe-temps et poursuivre une autre carrière ? Voici cinq signes à rechercher au moment de prendre cette décision. Lorsque les gens parlent d'un événement, ils disent généralement ce qui s'est passé, pas vous. Vous montrez ce qui s'est passé. Vous y apportez votre corps, votre voix et votre imagination. Vous en faites une histoire élaborée avec un début, un milieu et une fin. Vous aimez présenter les personnages, créer du suspense et recréer l'ambiance de l'événement, utiliser les gestes de la main et jouer tous les personnages l'histoire en imitant la façon dont ils sonnaient et agissent. Partout où vous allez, vous parlez du groupe. À l'école, au travail, à la maison, dans la voiture, sur la table du dîner, vous êtes là, en vous exprimant en toute confiance et partageant des histoires avec votre famille, vos amis et tous ceux que vous rencontrez. Vous aimez avoir des conversations et vous êtes à l'aise de parler à des groupes de personnes. Parfois, les gens pensent que vous parlez beaucoup, mais c'est bon. Vous êtes peut-être un artiste de la scène et vous ne le savez pas encore. Chaque histoire a ses personnages et chaque personnage possède des circonstances de vie, des relations, des objectifs, des défis et des qualités physiques et émotionnelles uniques des relations, des objectifs, des défis . En tant qu'acteur, vous utiliserez votre corps, votre voix et votre imagination pour donner vie à chaque personnage. Chaque performance comporte ses propres défis et exigences. Pour être un acteur prospère, vous devrez profiter ce processus de création de personnages et trouver des moyens de rendre chaque performance unique et mémorable. Recherchez des signes dans votre vie où vous appréciez d'être d'autres personnages, même pendant une courte période. Vous aimez faire des impressions de personnes que vous connaissez ? Regardez-vous des films puis interprétez-vous votre scène préférée pour voir si vous pouvez mieux le faire ? Ou la fête costumée est amusante pour vous ? Soyez honnête avec vous-même avant décider de faire carrière d'acteur. Vous avez rejoint un groupe dramatique votre école et vous avez auditionné pour leurs pièces de théâtre. Vous êtes tellement excité lorsque vous voyez votre nom sur la liste des acteurs et que vous commencez préparer immédiatement pour le rôle. Vous n'avez aucun problème à passer à côté des événements familiaux ou passer des soirées avec des amis parce que vous avez des répétitions, et vous avez hâte d'essayer les costumes et les accessoires pour la première fois et d'entrer dans le look final. Vous ne vous souciez pas qu'ils ne vous payent rien parce que vous aimez simplement jouer. Votre ami cinéaste vous demande d'être dans son court-métrage. Vous dites immédiatement oui, même si votre paiement sera pizza et un crédit sur IMDb. Cela ne vous arrête pas parce que l'expérience d' être sur un plateau de tournage est excitante pour vous. Vous appréciez simplement le processus de répétition, création de personnages et de performance. Si cela vous ressemble, réfléchissez à vos expériences passées d'acteur. Comment vous êtes-vous senti ? Ne vous dérangeait-il pas d'être suffisamment payé ? Si vous débutez dans le métier d'acteur, demandez-vous vous seriez d'accord avec le fait de ne pas être payé au début et de vous concentrer simplement sur l'expérience d'acteur ? Si vous voulez être acteur uniquement pour l'argent, vous ne réussirez probablement pas dans cette carrière. Il n'y a rien de mal à vouloir de l'argent, acteur est une profession et vous devriez être payé pour votre travail et gagner votre vie. Assurez-vous simplement que l'argent n'est pas votre force motrice. L'argent ne devrait pas être votre principale raison. Si vous aimez jouer avec ou sans argent, c'est un signe qu'une carrière d'acteur pourrait vous convenir. [MUSIQUE] Chaque artiste veut être reconnu pour son talent. Ils veulent que leur travail soit vu et apprécié. Vous aussi, en tant qu'acteur, vous devez vous sentir habilité à montrer votre talent et à partager votre travail avec votre public. n'y a rien de mal à vouloir la célébrité et la reconnaissance. Tout comme avec l'argent, célébrité ne peut pas être votre force motrice ou votre objectif numéro 1. Sinon, vous ne réussirez pas en tant qu' acteur et ne devriez probablement pas poursuivre cette carrière. Au lieu de cela, vous devriez vous concentrer sur la croissance en tant qu'artiste. Vous agissez parce que vous voulez vous exprimer artistiquement et partager des histoires stimulantes avec votre public. action vous donne un épanouissement créatif et vous ne vous souciez pas du nombre de personnes qui le savent. Vous êtes un artiste et vous continuerez à faire de l'art. Vous devriez vous concentrer sur le fait d'être si bon dans ce que vous faites, et l'argent et la célébrité seront une conséquence naturelle. Ils ne devraient pas être l'objectif principal. En tant qu'artiste de la scène, vous jouez un rôle important et influent. Vous pouvez utiliser votre art pour inspirer, éduquer, autonomiser et divertir les gens du monde entier, franchissant les barrières culturelles et linguistiques. La narration est universelle et tous, peu importe qui ils sont, où ils viennent ou en quoi ils croient, peuvent se rapporter aux histoires qu'ils regardent et s'inspirer de ces histoires. Les artistes qui réussissent ne pensent pas seulement à eux-mêmes, ils pensent à leur public et les mettent en premier. En tant qu'acteur, vous devez entrer en contact avec les gens et partager des histoires qui apportent de la valeur à votre public. Si cela vous ressemble, envisagez d'être acteur et d'utiliser votre art pour rendre le monde un peu meilleur. Bien sûr, ces signes ne sont pas les seuls signes à savoir si vous devez continuer à agir à plein temps. Tout le monde est différent et il se peut que vous ayez d'autres pensées et expériences qui guident votre décision, ce n'est pas grave. Cette vidéo vous montre l'état d'esprit que vous devriez avoir avant de décider de faire carrière d'acteur. C'est également très bien de continuer à agir comme un concert à temps partiel ou même comme un passe-temps.