Transcription
1. Introduction à 01: Bonjour, je suis Leon Clingman, et je suis acteur et entraîneur d'Afrique du Sud. J' ai étudié le théâtre au Lee Strasberg Theater Institute à New York, et je joue dans le Theatre Foreman TV depuis environ 28 ans. Un avocat Maintenant, vous travaillez pour mai vous 5000 pesos et perles ne laissent pas beaucoup dans les réserves un investissement si vous le permettez. Aujourd'hui, je vais parler des techniques d'interprétation et des principes de base de diverses techniques. Maintenant, il y a beaucoup de techniques d'interprétation différentes, et je ne pourrai pas les aborder toutes. Mais j'ai choisi quelques-uns des principaux qui sont enseignés et utilisés dans le monde entier pour partager avec vous. Dans ce cours, nous aborderons les techniques suivantes de neuf maîtres enseignants. Constantine Stanislavski, Strasberg, Stella Adler, Meisner, Tchekhov, Auto Hargon. Esthétique pratique par David Mamet et William H. Macy. Biola Spooling et la technique de fonderie des acteurs par Matthew Harrison. Alors, dos un tour Desbiens, tu es dans un tour
2. 2: Selon le dictionnaire, une technique est une méthode pratique, compétence ou un art appliqué à une tâche particulière. Eh bien, Sanford Meisner, le créateur de la technique Meisner, une des techniques dont nous parlerons plus tard définie comme vivant honnêtement dans des circonstances imaginaires. C' est donc notre tâche. Comment pouvons-nous accomplir cette tâche ? Comment donner vie à des personnages honnêtement ? Comment pouvons-nous nous connecter et exprimer honnêtement ces
états psychologiques parfois extrêmement complexes et les émotions que vivent les personnages ? Comment changer notre physicalité, nos voix, accents, etc. de telle sorte que notre public le croit ? Israël qu'ils rient et pleurent, Et je me suis mis à penser par nos performances, Eh bien, c'est là que la technique entre en jeu. Nous creusons la boîte à outils d'Interactive remplie de toutes les techniques que nous avons apprises, et nous créons
une carte, un plan sur la façon de naviguer dans le script et de créer un personnage entièrement arrondi et
crédible qui vit honnêtement dans le monde que l'écrivain et le réalisateur ont créé. Maintenant, ils peuvent être des moments où vous récupérez un script et vous venez de vous connecter avec lui. Vous devenez juste ce personnage sans avoir à faire quoi que ce soit, et c'est génial quand ça arrive. Mais il est prêt. La technique est vraiment importante et utile lorsque vous filmez ou que vous êtes dans une pièce de théâtre sur prendre 45 ou Performance 500 tout simplement ne pas le sentir plus. Alors vous allez sur votre carte et vous retrouvez votre chemin. Être un acteur professionnel peut être très stressant et exigeant,
et on s'attend toujours à ce que vous ayez le meilleur de vous-même. Peu importe ce qui se passe autour de vous ou dans votre vie personnelle. Personne ne s'en soucie. Ils vous payent pour faire un travail. Vous devez également avoir des pouvoirs exceptionnels de concentration et de concentration. Une technique solide vous aidera à les développer et vous aidera à traverser de nombreuses situations difficiles sur plateau ,
les auditions ,
sur scène, etc. Il y a beaucoup de techniques différentes là-bas, et dire quelle est la meilleure est impossible. Nous sommes tous différents. Nous répondons différemment à différentes techniques. C' est une chose très personnelle, et à la fin de la journée, vous devez décider ce qui vous convient le mieux. En fin de compte, toutes les techniques sont conçues pour atteindre le même but, qui est de vous donner un ensemble d'outils qui vous aideront à livrer des
performances authentiques impressionnantes . Vous rencontrerez des gens qui jureront par une technique particulière et jureront que c'est la seule technique qui fonctionne et que toutes les autres techniques sont inutiles. Ce n'est pas vrai. Certains acteurs travaillent avec une technique toute leur vie, et c'est génial si ça marche pour eux. D' autres acteurs étudient de nombreuses techniques différentes et s'installent ensuite sur une technique qu'ils jugent la
mieux adaptée pour eux. Certains acteurs continuent à remplir leur boîte à outils d'acteurs avec différentes techniques et utilisent différentes une combinaison de différentes, ou même créent leurs propres techniques à partir de ce qu'ils ont appris et utilisent ensuite celle qu'ils
estiment fonctionner le mieux quel que soit le projet sur lequel ils travaillent, certaines personnes vous diront que l'étude est une perte de temps et qu'
on peut agir ou non . Ce n'est pas non plus vrai maintenant. Il y a des acteurs là-bas qui ont beaucoup de succès et n'ont jamais étudié, mais c'est rare. C' est l'exception plutôt que la norme. Malheureusement, bien que nous soyons tous nés avec la capacité d'être pleinement émotionnel, d'utiliser nos voix correctement et de respirer correctement à mesure que nous grandissons, nous ne sommes pas conditionnés à nous dire d'être silencieux constamment pour arrêter la journée rêver. On nous dit de ne pas se comporter émotionnellement ou des choses comme les garçons ne pleurent pas. Ce n'est pas très dame comme les filles ne se comportent pas comme ça, etcetera. L' un de ces sons est familier ? Eh bien, quand nous entendons ces choses encore et encore, cela nous amène à devenir conscients de soi, à construire des inhibitions, et nous sommes bloqués émotionnellement. Nous arrêtons d'utiliser nos voix. Naturellement, nous avons cessé de respirer correctement, puis nous devons aller à l'école d'acteur pour apprendre à faire toutes ces choses que nous
faisions naturellement en tant qu'enfants.
3. 3: Commençons donc à parler de certaines des principales techniques là-bas maintenant. Les humains ont probablement agi depuis l'époque des hommes des cavernes, mais nous allons sauter quelques 1000 ans au début du XXe siècle et commencer là. Il y a autant d'approches de l'artisanat que d'acteurs qui l'approchent,
bien que tous les acteurs doivent développer leur propre compréhension de l'œuvre. Depuis le début du XXe siècle, plusieurs maîtres enseignants ont tracé la voie en matière de formation. Ces gourous bien connus ont aidé à se développer en agissant comme nous le connaissons et à continuer de faire croître certaines des plus grandes stars de
l'industrie. Commençons par Constantine Stanislavski.
4. 4: Constantin Stanislavsky était un célèbre acteur,
metteur en scène et professeur russe qui a profondément influencé le théâtre du XXe siècle et au-delà. Tout au long de sa vie, il a développé une variété de techniques qui sont devenues connues sous le nom de système Stanislavski ou la méthode. Ses livres, My Life in Art et Actor prépare la construction d'un personnage et la création d'un rôle sont encore étudiés aujourd'hui. Bien que très complexe, l'
un des objectifs fondamentaux du système Stanislavski était de représenter des personnes naturelles crédible sur scène. Cette motion était un contraste frappant avec celle de Fès, Bian en Russie du 19ème siècle. La plupart des acteurs de cette époque ont parlé d'un ton grandiose et ont fait des gestes d'une
manière surprenante . Stanislavsky a contribué à changer une grande partie de cela. À bien des égards, Stanislavsky est le père de la méthode d'action actuelle, un processus dans lequel les acteurs s'immergent autant que possible dans les personnages. Bien que le système Stanislavski ne puisse pas être exploré à fond dans un bref exposé comme celui-ci , regardons quelques aspects qui définissent cette célèbre méthode des enseignants. Une façon simple de commencer la méthode Stanislavski est de vous demander, Que ferais-je si j'étais dans la situation ? C' est une bonne façon de considérer les réactions naturelles aux événements. Dans l'histoire, Stanislavsky a obligé les acteurs à trouver des moyens d'exposer la nature
humaine True to Life . C' était l'ultime observateur des gens. Il a encouragé ses élèves à observer attentivement les autres, en se concentrant sur leurs traits physiques tout autant que sur leur personnalité. Après avoir étudié les gens de tous les jours, il se déguisait souvent en paysan, était un vieil homme et interagissait avec les citadins pour voir à quel point il pouvait s'intégrer. Chaque personne est unique. Par conséquent, chaque personnage doit présenter des traits uniques, dont
beaucoup peuvent être inspirés et adaptés à partir des observations d'un acteur. Stanislavsky s'attendait à ce que ses acteurs prennent en considération la motivation du personnage. Pourquoi le personnage dit ça ? Pourquoi est-ce que cela porte à passer à cette partie de la scène ? Pourquoi allume-t-elle la lampe ? Pourquoi il sort un flingue de la salope ? Certaines actions sont évidentes et faciles à expliquer. D' autres peuvent être mystérieux. Il croyait que l'acteur devrait étudier le texte à fond pour déterminer la motivation derrière les personnages, mots et les actions. Stanislavsky ne voulait pas que ses acteurs créent simplement un fac-similé d'une émotion. Il voulait que ses acteurs ressentent réellement l'émotion. Donc, si une scène exigeait une émotion extrême
,les
acteurs devaient se mettre dans l'esprit déclencher la situation du personnage pour , qu'ils expérimentent véritablement l'intense émotion. Pour que les acteurs puissent se connecter à l'état émotionnel du personnage, Stanislavsky leur conseille d'atteindre leurs propres souvenirs personnels et de profiter d'une expérience de vie
comparable. Cela s'appelait la mémoire émotionnelle. Stanislavsky est un travail, a marqué un changement dans le jeu du XXe siècle et a inspiré toute une nouvelle génération de techniques et d'enseignants. Laurence Olivier et John Gill bon étaient les deux acteurs célèbres qui ont utilisé le système Stanislavski.
5. 5: Parlons maintenant du stress. Technique Berg. La méthode de Lee Strasbourg a été inspirée par le système Stanislavsky sur le Théâtre d'Art de Moscou. Il a étudié avec des étudiants de Stanislavski puis a développé sa propre technique. Il s'est concentré sur une approche inversée, remuant les émotions passées de la vie de l'acteur sur lesquelles ils pouvaient puiser dans la performance. Cela est devenu connu sous le nom de Sense Memory, et Strasburg a développé une série d'exercices de mémoire sensorielle. Au cours de ces exercices, les
acteurs explorent des objets, des lieux, sensations
physiques, goûts, odeurs et des expériences en se concentrant sur la façon dont ils se souviennent de ces choses à travers leurs sens. façon dont vous éprouvez ces exercices peut et ne diffère généralement pas de l'expérience réelle. Ces exercices ont été conçus pour ouvrir l'acteur émotionnellement. Le tout premier exercice de mémoire de sens que tous les acteurs font est l'exercice de tasse de café. C' est ainsi que fonctionne l'exercice de tasse de café. Le Strasbourg aurait l'acte de s'asseoir et fermer les yeux puis dans votre esprit, visualiser une boisson chaude que vous avez bu avant dans votre vie ou boire régulièrement comme une tasse de café ou une tasse de thé, Un chocolat chaud. Vous commencez à visualiser la tasse ou la tasse, ou tout autre récipient que vous buvez dans votre esprit. Une fois que vous pouvez visualiser clairement cela, vous commencez à explorer cette expérience à travers vos sens. Comment ça sent ? Sensation du goût Quel est le toucher ? Comme, euh, et toi. Vous commencez. Imaginez que le poids de la tasse se sent vraiment dans votre main. Tu le tiens et tu commences à te sentir. Combien pèse-t-il avec cette boisson dans la tasse ? Quelle est la texture de la tasse ? Est-ce une porcelaine lisse ou une poterie rugueuse ? Est-il chaud au toucher ? Comment ça se sent ? Comment ça te fait sentir ? Et vous commencez à vous interroger sur ce qui se passe dans votre corps. Cela peut déclencher une sorte de réponse émotionnelle totalement inattendue. Mais ce n'est pas le but de l'exercice. Le but de l'exercice est juste de le faire. Quels que soient les résultats, ce n'est qu'un bonus. Nous ne travaillons jamais pour le résultat. Alors que vous imaginez cette tasse et que vous commencez à l'explorer, vous pouvez. Vous pouvez goûter le café ou le chocolat chaud sentir ce qu'il ressent sur vos lèvres
sur votre langue sur vos dents en bouche. , vraiment Vraiment, vraimentpris le temps aller lentement et vraiment explorer chaque expérience Senso rial autour de cette activité, et ensuite vous pouvez commencer à changer les choses autour. Vous pouvez dans votre esprit. Vous pouvez changer la température du café. Tu peux le rendre plus chaud. Vous pouvez le rendre plus froid, puis recommencer à explorer. Est-ce que ça se sent différent quand on l'appelle ? Est-ce qu'il a un goût différent quand il fait plus froid ? Est-ce que ça sent différent ? Vous pouvez le tenir votre oreille et l'écouter. Y a-t-il une carte d'identité avec cette tasse de café ? Une fois que vous avez fait ça et que vous avez explosé d'une manière plus littérale,
vous pouvez commencer à l'explorer d'une manière non littérale. Une fois que vous avez fait ça et que vous avez explosé d'une manière plus littérale, Alors comment ça fait si je mets la tasse à café sur ma paupière ou derrière mon genou, ou entre mes cuisses ? A. À l'arrière ? Parce que tu fais ça dans ton esprit ? Tu peux placer cette tasse comme tu veux. Vous n'avez pas à le tenir comme si littéralement le tenir tout le temps. Vous pouvez commencer à imaginer que la tasse de café est assis au centre de votre dos. Et encore une fois, comment ça se sent ? Comment fait-il vous sentir d'autres, sensations
ou des émotions qui commencent à être évoquées par cette exploration, et vous le faites pendant une heure Maintenant, vous allez commencer à perdre la concentration à certains moments et vous pouvez arrêter. Laisse tomber. Et puis une fois que vous vous êtes reconcentré, vous recommencez tout l'exercice,
revisualisez tout. Le but de cet exercice est de commencer à développer la concentration et la concentration. Et aussi, comme je l'ai dit, cela peut déclencher quelque chose, et vous pouvez commencer à prendre des notes si c'est le cas. Si le déclenche toute sorte d'émotion, alors vous notez que vers le bas après l'exercice parce que vous pouvez être en mesure de l'utiliser plus tard
lorsque vous faites une scène ou que vous travaillez sur quelque chose, euh, vous pouvez trouver que vous probablement constatera que certains sens sont plus forts. Donc, certaines personnes, leur sens de l'odorat, sentent très intensément ce café ou ce chocolat chaud, mais ils ne visualiseront pas nécessairement que c'est clair ou ils ne sentiront pas
autant la température . Alors quelqu'un d'autre pourrait sentir la température vraiment intensément, mais ils n'étaient pas nécessairement sentir aussi clairement ou visualiser est clairement, et alors certaines personnes auront une expérience intense à travers tous les sens. Um, ouais. Donc, c'est essentiellement l'exercice de la tasse de café. Et comme je l'ai dit, c'était le tout, tout premier exercice sur lequel Lee Strasberg allait faire faire ses comédiens. Ensuite, il y a des centaines d'autres exercices de mémoire sensorielle qui iraient. Vous progressez plus, vous le faites. Donc, oui, donc si tu veux, tu pourrais peut-être essayer ça tout seul. Um, va boire une tasse de café ou un chocolat chaud et puis pense à tout et puis laisse
tomber et peut-être le lendemain ou plus tard ce jour-là, asseyez-vous, fermez les yeux et essayez de visualiser et d'explorer cette tasse de café. Strasburg pensait également que les acteurs devaient être très détendus. Il a estimé que l'attention a utilisé une énergie précieuse qui pourrait être utilisée plus efficacement et qu'elle a créé des blocages qui étouffent la capacité de l'acteur à émouvoir Feli. Il a donc développé un exercice de relaxation très loin pour aider les acteurs à se détendre. Dans chaque classe, l'acteur commence par une heure de relaxation, puis passe directement sur une heure de
mémoire sensorielle . Ceci est très long et intense et aide l'acteur à renforcer ses pouvoirs de concentration et concentration. analyse de script de croyance stressante était cruciale pour comprendre le personnage. Et, comme Stanislavsky, les acteurs
ont posé une série de questions sur leur personnage. Qui, quoi, quand, pourquoi et comment. Il a aussi demandé aux acteurs de construire une histoire pour leurs personnages. Il a dit que pour connaître un personnage que vous devez connaître leur passé développant une
histoire de personnage vous aidera également, l'acteur, connecter au personnage. Il a également dit aux acteurs des exercices d'improvisation pour aider à explorer les personnages, les relations et les circonstances, etc. Une fois que toute l'analyse et l'exploration ont été faites, il a fait se demander à l'acteur ce qui me motiverait, l'acteur, à se comporter comme le fait le personnage ? Était-ce un temps où vous ressentiez une émotion similaire ? Qu' est-ce que ça faisait ? Pensez à votre passé en ce qui concerne les émotions et les comportements que vous avez identifiés
, puis travaillez des exercices de mémoire sensorielle que vous sentez vous aideront à connecter et à représenter le caractère . vérité, la méthode nécessite une dévotion intense et une bravoure émotionnelle. public a été étonné par le sens de la réalité que les acteurs de la méthode ont créé. Ils se sentaient comme s'ils ne regardaient pas du tout les acteurs, mais jetaient un coup d'œil sur la vie de vrais gens. Parmi les acteurs célèbres qui ont étudié avec Lee Strasberg figurent Marilyn Monroe, Al Pacino, Dustin Hoffman et James Dean.
6. 6: Ensuite, nous discuterons de la technique de Stella Adler. Stella Adler s'est entraînée avec Lee Strasberg, mais n'était pas d'accord avec les interprétations de Strasburg et l'
utilisation du système Stanislavsky, estimant que le rappel émotionnel était une façon psychologiquement malsaine d'aborder l'action. Plus tard, elle a étudié avec Stanislavski lui-même, puis a développé sa propre technique. Avant tout, Adler croyait que les acteurs devaient être indépendants, créatifs, bien arrondis avec leurs propres points de vue personnels et leurs propres choix uniques et
forts. Stella Adler croyait que le talent d'un acteur réside dans son imagination. Plutôt que d'utiliser les expériences personnelles et le rappel émotionnel pour donner
vie aux personnages . Elle encourage les acteurs à développer leur imagination en observant d'abord le monde qui les entoure dans des détails très précis afin qu'ils puissent ensuite créer des images spécifiques dans leur esprit
afin de s'entourer de choses qui leur sont fidèles sur scène ou dans devant la caméra. Adler a également fortement insisté sur l'utilisation de l'action hors action en agissant, par
exemple, étiquetant spécifiquement ce qu'un personnage fait par rapport à un autre personnage. Les actions sont, en ce sens, spécifiques et réalisables à l'
extérieur. Par exemple, si un acteur joue le personnage A a un argument animé avec le personnage, plutôt
que de jouer l'émotion. Les Acmates décident. Qu' est-ce que mon personnage fait pour porter à être et jouer cette action que le verbe au lieu de simplement être en colère avec le caractère, être peut-être le caractère, un provoque lambasts ou perspicaces personnage Soyez ce genre d'approche promis à l'acteur d'être concentré et engagé à l'extérieur et spécifiquement sur son partenaire de scène plutôt que sur un état émotionnel généralisé. Les étudiants Edler sont également formés à des méthodes complètes d'interprétation et d'analyse scripts
dans lesquelles les scripts sont divisés en rythmes spécifiques et les lignes du texte sont
associées à des actions ou des verbes spécifiques. Et enfin, Adler valorisait la culture à partir d'une riche humanité ou d'un engagement holistique avec le monde au-delà du plateau de théâtre ou de cinéma. Elle a estimé que les acteurs devraient être exposés à une variété d'idées et d'expériences culturelles, sociales, politiques et historiques afin de devenir des êtres humains et des artistes plus mondains et mieux
arrondis. Parmi les acteurs célèbres qui ont étudié cette technique figurent Marlon Brando, Robert De Niro, Mark Ruffalo et Melanie Griffith.
7. 7: Maintenant, regardons la technique Meisner. Sanford Meisner a développé cette approche unique dans les années 30 après avoir travaillé avec Lee Strasberg et Stella Adler au Group Theatre. Comme Stanislavsky, Strasberg et Adler avant lui, Meisner tortue les étudiants pour vivre honnêtement dans des circonstances imaginaires données. Il n'était pas d'accord avec l'interprétation de Strasburg de Stanislavski et a créé sa propre technique, qui se concentrait davantage sur la relation entre les personnages et leur influence
réciproque ce qu'ils font et ressentent. Il a développé son célèbre exercice de répétition, qui a été conçu pour sortir les acteurs de leur propre tête pour arrêter de penser et deux plutôt se concentrer sur l'autre personnage et répondre impulsivement dans le moment à ce que
ce personnage dit, comment ils se comportent et comment cela vous affecte. C' est
ainsi que fonctionne le fameux exercice de répétition Meisner. Meisner devrait soit s'asseoir l'un en face de l'autre, soit se tenir en face de l'autre et se regarder dans les yeux de l'autre et se connecter les uns avec les autres. Et puis un acteur ferait une simple observation sur l'autre acteur que n'importe qui pourrait commencer. y avait pas d'ordre spécifique à cela. Celui qui a eu la première impulsion pour commencer ferait ça et ils feraient une simple observation comme si vous avez des cheveux bruns ou que vous portez des boucles d'oreilles ou vous portez une chemise bleue , et puis l'autre acteur va répéter qu'ils n'ont pas à penser à n'importe quoi. Ils doivent juste répéter exactement ce qu'ils ont entendu, et puis ça va et vient. Alors l'acteur a dira, tu portes une chemise bleue. L' activité va aller. Je porte une chemise bleue. Tu portes une chemise bleue. Je porte une chemise bleue et ça va et vient, arrière, d'avant en arrière, et ça peut durer une heure ou même 10 minutes. Cinq minutes. Et puis quelque chose se déplacera organiquement sans que l'acteur y réfléchisse. Si vous regardez cet exercice et que quelqu'un entre dans la tête et change la répétition à travers un processus de pensée, vous le verrez immédiatement et vous sentirez que ce n'est pas vraiment un supposé, et cela arrive simplement organiquement. Et c'est ce que Meisner cherchait pour ce bio,
ce qu'il appelait le pincement et l'Aïe. Donc si je te pince,
tu aids ! Sans y penser, vous juste C'est juste une réponse naturelle. Il voulait donc que les acteurs se fassent ça l'un à l'autre. Il croyait que tout ce que nous faisons en tant qu'acteurs est amené par ce que l'autre personne
nous fait faire. Donc il leur demandait de faire cette répétition et de commencer à développer cette compétence, en étant capable de vraiment ramasser et lire les gens et comment ils vous affectent. Donc, au début, c'est un aller-retour très basique. Tu portes une chemise bleue ? Je porte une chemise bleue. Et puis, comme je l'ai dit, quelque chose commence à changer. Vous pouvez, soit quelque chose que l'un des acteurs sera frustré parce qu'ils disent la même chose encore et encore et encore, ou ils pourraient trouver ça ridicule et drôle. Et puis ils commencent à rire à ce sujet, puis l'autre acteur s'en prend à ça et il expédie comme ils disent la ligne et ça remonte, ça commence à changer. Ou que mon annonce en un autre mot. Donc ils sont frustrés. Ça dure depuis 15 minutes, puis un acteur. Oui, je porte une chemise bleue, et maintenant l'autre acteur dit, oui, tu portes une chemise bleue. Maintenant, vous portez une chemise bleue à Oui, vous portez une chemise bleue, donc c'est un peu ce que nous appelons la pile juste de le dire encore et encore et
encore . Quelque chose s'empile dans ta tête. Tous les changements maintenant, Il y a un certain nombre de façons que la répétition va changer. Le 1er 1, c'est que vous devez toujours être véridique à votre vérité. Donc, si vous croyez que vous ne portez pas de chemise bleue et que l'autre acteur dit que vous
portez une chemise bleue, alors ça changerait instantanément. Il allait y aller. Je ne porte pas de chemise bleue. Vous pouvez penser que c'est drôle, mais j'ai vu deux personnes se battre ou se disputer sur la couleur de la chemise que quelqu'un portait. Mais si vous restez fidèle à ce en quoi vous croyez, le seul acteur croit vraiment qu'il ne devrait pas y avoir la couleur que l'autre
disait ? Et cela a changé radicalement la répétition. Donc, ce qui se passerait dans cette situation, c'est que vous partiriez immédiatement. Je ne porte pas de bleus. Maintenant l'autre acteur, s'ils croient que vous pouvez répondre en ne portant pas de chemise bleue vous gardant porter une chemise
bleue. Je ne porte pas de vaisseau bleu. Tu ne portes pas un truc de police. On dirait que tu as raison. Tu ne portes pas de chemise bleue, ou s'ils ne te croient pas, ils pourraient partir. Vous ne portez pas de chemise bleue, donc vous pouvez voir ce que vous ressentez. Les lignes n'ont pas vraiment d'importance. Strasburg et Meisner, ainsi que la plupart des enseignants intérimaires, se sont entendus sur ce point. Les lignes ne sont pas importantes. C' est la façon dont vous dites les lignes et ce qui est en dessous qui est important. Donc si vous dites que vous ne portez pas de chemise bleue ou que vous portez une chemise bleue, c'est la même ligne. Mais c'est quoi, deux significations différentes, la façon dont ça arrive. Cela conduit ensuite au niveau suivant de la répétition. Donc, nous avons commencé avec juste l'aller-retour de base. Maintenant, nous commençons à faire des observations sur ce qui se passe réellement derrière les lignes. Donc, si l'acteur A a maintenant dit ne pas croire à l'activité et que vous ne portez pas
un t-shirt bleu pour être repris sur ça et ils vont, ils ne changeraient pas la répétition. Vous pensez en ligne parce que vous dites que vous ne pensez pas que je porte une chemise bleue. Alors maintenant l'acteur B est simplement appelé acteur A menteur. Maintenant l'acteur A pourrait s'offenser à ça et partir, tu ne portes pas de chemise bleue et tu agis un grand acteur. C' est frustré par ça. Maintenant, vous commencez à prendre l'émotion. Il y a actif un va aller orteil pour être Vous êtes frustré et actif. Être ira Oui, je suis frustré. Alors maintenant, la conversation de l'exercice est passée de votre chemise bleue à votre frustré Oui, je suis frustré et il commence à construire et aller et venir comme ça sur Deacon. Allez sur une montagne russe si jamais vous regardez l'un de ces exercices. Incroyable, parce que les gens ne disent rien d'important. Mais ces relations étonnantes se développent et ces dynamiques étonnantes. Et vous voyez les gens passer de frustration à éclater, rire à commencer à pleurer, parce que vous commencez à écouter ce que vous ressentez réellement de ce que quelqu'un d'autre vous
fait . Donc quand je dis que tu ne portes pas de chemise bleue, je te traite de menteur, même si je ne dis pas ça, et alors ça me rend frustré, en colère, peu importe. Différentes émotions pour différentes personnes apparaîtront, mais au fur et à mesure que vous commencez à syntoniser ces choses, vous commencez à vraiment prendre le comportement humain. Et c'est ce que Miles le sied agissant Waas et Stress livre agissant est comportement. Donc, par
exemple, vous pourriez avoir une ligne ou une scène où un acteur dit, acteur a dit : Vous m'aimez ? Agir pour être répond. Bien sûr que je t'aime et acteur un doigt. C' est génial. l' Sil'acteur A dit, tu m'aimes ? Et les activités, Motivation ou veut blesser acteur A. Ils vont hors cours je t'aime ou ils pourraient aller si ils ne les aiment vraiment. Bien sûr que je t'aime, et ça changera la façon dont l'acteur A dit :
Eh bien, Eh bien, c'est génial, selon l'intensité ou l'intention derrière la façon dont cette ligne a été dite. Donc, nous pouvons dire une chose de nombreuses façons différentes et avoir des significations différentes. Et si vous regardez autour de vous lorsque vous avez des conversations avec vos amis ou votre famille, commencez à reprendre ces choses comme vous pourriez dire à quelqu'un, Salut, comment allez-vous aujourd'hui ? Je sais que je vais bien. Tout va bien. C' est une belle journée, mais si tu écoutes vraiment et que tu regardes vraiment, tu verras peut-être qu'il y a quelque chose dans la façon dont ils disent que je passe une très mauvaise journée, mais je vais sourire et me cacher. C' est donc ce que fait cet exercice. Il commence à affiner vos compétences pour pouvoir être numéro un, se concentrer sur quelqu'un d'autre et être affecté par eux et lire ce qui se passe avec eux et numéro deux. Vous commencez à prendre conscience de la façon dont cela vous affecte et comment cela vous fait sentir. Quand les gens font certaines choses vont dire certaines choses sur le Mawr habile vous obtenez. Avec cet exercice, vous allez ramasser. Même le plus petit subtil petit secousse d'une île pourrait dire quelque chose qui n'est pas dit dans les mots et qui vous affectera. Et quand cela commence à se dérouler particulièrement, cela crée cette incroyable dynamique dans laquelle vous êtes attiré. Et les éditeurs, quand ils montent, ils adorent ça. Quand quelqu'un, quand un autre acteur répond à ce moment à quelque chose qui s'est passé à l'écran et sont
les moments les plus dynamiques dans les films, et que c'était le but de cet exercice pour vraiment obtenir des acteurs, aussi, d'être affectés les uns par les autres et de se concentrer et de se connecter à l'autre acteur et à ce qui
se passe à l'intérieur d'eux. Donc, si vous voulez, vous pouvez essayer ceci avec un ami ou un membre de la famille, juste sortir de l'ensemble, regarder dans les yeux de l'autre et faire une simple observation et commencer à faire la répétition arrière et voir ce qui se passe. Faites-nous savoir à ce sujet. Meisner ajoute ensuite une activité à la répétition, sorte qu'un acteur devra trouver une activité et ensuite faire cette activité pendant qu'un autre acteur commence à faire la répétition avec eux. Ils doivent rester concentrés sur leur activité, mais ils doivent aussi faire la répétition en même temps. Cela aide vraiment les acteurs à développer leur concentration et leur concentration. répétition entraîne l'acteur à vraiment se connecter avec d'autres acteurs. Il renforce votre capacité à observer le comportement humain et les émotions et à être affecté par même le changement le plus subtil dans le comportement émotionnel chez quelqu'un d'autre, croyait
Meisner. Il ne s'agit jamais de toi. C' est toujours à propos de l'autre personne. Les étudiants célèbres de Meisner comprennent Robert Duvall, Grace Kelly, Tom Cruise, Christoph Waltz et I Am Keaton.
8. 8: Ok, parlons de la technique de Tchekhov maintenant. Michael Tchekhov a développé sa propre technique d'acteur après l'exil de Russie l'a amené en
Europe et aux États-Unis à la fin des années vingt. Bien que Michael Tchekhov ait d'abord formé Comprendre Slutsky, il a estimé que les premières phases du système Stanislavski conduisaient à une action qui était trop naturaliste dans le style. Tchekhov a décidé de découvrir et d'enseigner les moyens par lesquels les acteurs pouvaient puiser dans leur subconscient et dans l'expérience universelle de l'humanité. À travers divers exercices, il a estimé qu'il était important que l'acte ne limite pas leurs personnages en puisant leurs expériences conscientes limitées. Il estimait que les expériences infinies de l'humanité étaient stockées dans l'esprit subconscient et pouvaient être consultées par des gestes physiques et d'autres exercices de nature extérieure. La technique Tchekhov met l'accent sur la synergie entre le corps, l'imagination, les émotions et l'intellect. Il traite également l'acteur comme un artiste qui soutient le domaine le plus précieux et le plus
vulnérable de l'acteur, son individualité créative. En tchèque de la technique, cette zone créative à partir de laquelle toutes les impulsions artistiques s'élèvent est située au centre de la poitrine. C' est aussi l'endroit où nous ressentons les sensations exaltantes et coûteuses de l'amour et empathie, qui jouent tous deux un rôle important dans la technique de Tchekhov en reconnaissant simplement ce
centre artistique et en l'ouvrant. L' inspiration commence à l'intérieur de nous à travers cet exercice et acteur sera physique yeux un
besoin interne ou émotion à travers un geste extérieur. Ce geste extérieur et ses sentiments qui l'accompagnent sont ensuite retirés et intériorisés . En bref, tous les élèves ont exploré les liens entre les expressions physiques et les états psychologiques . Certains praticiens célèbres de la technique de checkoff sont Clint Eastwood, votre Brenner et Anthony Quinn.
9. 9: ensuite, regardons la technique auto Hargon. En plus de son travail d'acteur primé Tony Award, Water Hargon était une enseignante bien-aimée, le HB Studio de New York, et a été l'auteur du respect le plus vendu pour le comédien et un défi pour l'acteur en début carrière. Elle a préconisé l'utilisation de la substitution, une technique dans laquelle on remplace les événements fictifs du scénario par des événements personnels de sa vie pour créer une réaction authentique. Hargon a ensuite affiné l'approche et l'a rebaptisée Transference. Elle a développé une série de questions pour les acteurs à se poser lors de la création d'un personnage , et a souligné l'importance d'être très spécifique. Elle a également créé une série d'exercices pour les acteurs, tels que l'exercice Objet et Quatrième Mur. Toutes ces questions et exercices se trouvent dans les livres que j'ai mentionnés plus tôt. Twitter Hargons La technique populaire a mis l'accent sur le réalisme et la vérité avant tout. Dans le cadre d'une longue et légendaire carrière d'enseignant, Hargon a développé les talents de Matthew Broderick, Sigourney Weaver, Jack Lemmon et bien d'autres
10. 10: Cette technique d'action basée sur l'action a été développée par le dramaturge David Mamet et l'acteur William H. Macy et incorpore des éléments de Stanislavski et Meisner. Il s'agit d'une analyse de scène en quatre étapes qui se concentre simplement sur la poursuite d'une action. L' esthétique pratique est basée sur la pratique de décomposer une scène, en utilisant une analyse en quatre étapes qui implique le suivant littéral ce
qui arrive littéralement à votre personnage dans la scène. Par exemple, mon personnage demande littéralement à sa femme de 10 ans pour divorcer. Le besoin. Qu' est-ce qu'un personnage veut finalement dire ou faire l'autre personnage ? Qu' est-ce que mon personnage veut de l'autre personne dans la scène, par
exemple, je veux que l'autre personnage m'accorde un divorce. L' action essentielle. Dans cette étape, vous devez distiller les circonstances données et les actions de votre personnage que vous avez données par le dramaturge en un désir humain universel qui sous-tend le texte. Par exemple, si vous voulez, je veux que l'autre personnage grandisse sur moi un divorce parce qu'ils rendent ma vie misérable. Le désir humain universel ou l'action essentielle sous-jacente à ce désir spécifique pourrait être obtenir mon tourmenteur de me montrer de la compassion et de me libérer le comme si cela reliait l'
action essentielle aux acteurs de la vie, c'est souvent le plus analyse étape difficile. Par exemple, si votre action essentielle est d'être libérée de ce terrible mariage, le comme si pourrait l'être. Il est dit : Si je déteste mon travail et que je veux partir et ne jamais revenir, je dois démissionner parce que je mérite d'être heureuse. Contrairement à d'autres techniques d'action, cette étape n'est pas un périphérique de mémoire. Dans l'esthétique pratique, on enseigne aux
acteurs que l'utilisation de la mémoire des expériences passées entrave la vérité hors du moment dans une scène. Parce que vous savez déjà comment cette mémoire se termine, il y a une résolution intrinsèquement liée à cette mémoire. Par conséquent, si vous choisissez d'utiliser une mémoire pour répliquer une réponse émotionnelle dans la scène, vous devez ignorer la résolution ou prétendre comme si cela n'était jamais arrivé l'
esthétique pratique comme si c'était quelque chose qui pourrait se produire dans votre vie qui n'est pas encore arrivé. Cela produit une réponse en vous une étincelle pour impliquer l'acteur dans la scène. Il aide l'acteur à échapper à la fiction, trouver la vérité et à l'appliquer ailleurs. Cette technique vise à rendre l'expérience d'agir entièrement basée sur la volonté de l'acteur. L' esthétique pratique demande à un acteur seulement d'engager sa volonté à la poursuite, souvent une action basée sur l'autre acteur. acteurs célèbres utilisant cette technique sont Felicity Huffman, Rose Byrne, Jessica Elber et Cameron Manheim.
11. 11: La prochaine technique dont nous allons parler est complètement différente de toutes les autres. Jusqu' à présent,
ce sont les altos, Spohn et les altos techniques. Pologne est reconnue comme la mère de l'improvisation, improvisation, des
enseignants, acteurs à vivre dans le moment et répondre rapidement et honnêtement à leur
situation actuelle de se produire spontanément. Il est le devrait hors d'être non préparé Spohn et a créé une série d'exercices, qu'elle a appelé jeux de théâtre. Les jeux de théâtre sont très efficaces parce qu'ils ne nécessitent pas de lecture préalable ou de
connaissance contextuelle . N' importe quel étudiant peut les ramasser. Même avec des barrières linguistiques ou culturelles. Les jeux ont un effet libérateur, permettant des performances spontanées au sein d'un groupe. n'y a pas de honte ni de concentration sur l'individu. acteurs qui ont étudié cette technique comprennent Alan Arkin, Dan Ackroyd et Gilda Radner.
12. 12: La dernière technique dont nous allons parler aujourd'hui est une technique relativement nouvelle appelée Actors Foundry Techniques, les fonderies d'acteurs de l'école à Vancouver, Canada. La technique a été développée par Matthew Harrison, un acteur qui a étudié Meisner au Neighborhood Playhouse de New York. Bien qu'il y ait un élément de Meisner dans cette technique, Harrison a créé quelque chose de moderne et unique. La première étape est l'analyse de script, et Harrison a développé un processus très spécifique pour décomposer le script, qui est beaucoup trop compliqué pour entrer dans ce forum. La deuxième étape est la phase émotionnelle. C' est là que vous identifiez le noyau émotionnel du personnage et ce que vous savez
à ce sujet de votre propre vie. La troisième étape est l'étape de l'électricité ou de connexion. Cette étape a probablement le plus en commun avec Meisner, mais elle est encore très différente à ce stade. Vous faites des exercices qui vous aident à vous connecter à votre prochain acteur dans la scène et à ce
que vous voulez d'eux et ce que vous voulez leur faire. scène pour est de laisser partir hors scène est 12 et 3 et confier que le travail que vous avez fait dans les 3 premières étapes fait partie de vous maintenant. À ce stade, vous vous rendez au script et plongez dans la performance. Harrison a utilisé beaucoup de techniques modernes de psychologie et de neurosciences pour développer cette nouvelle technique de pointe
passionnante. Harrison a également créé un cours en ligne pour les personnes qui ne sont pas en mesure de se rendre à Vancouver pour travailler avec lui personnellement. Il y a beaucoup d'acteurs jeunes, émergents et
à venir travaillant dans le cinéma et la télévision aujourd'hui, comme Jessica Sutton, Jodi Belfour et Kobe Smolders, qui utilisent cette technique.
13. 13 Outro: Wow. Nous avons couvert beaucoup de techniques aujourd'hui, mais ce ne sont que quelques-unes des nombreuses techniques disponibles. Il y a des milliers d'enseignants et d'écoles à travers le monde, certains d'entre eux enseignent ces techniques dont nous avons parlé et d'autres enseignent une combinaison de ces techniques ou mettent leur propre tour unique sur ces techniques et certains créent même leurs propres techniques uniques. Je ne peux pas vous dire quelle technique est la meilleure pour vous. Vous devez aller là-bas et les explorer. Et rappelez-vous aussi que nous venons de gratter la surface de ces techniques. Il y a encore tellement de choses à apprendre sur eux que je ne pourrais pas entrer ici. Il y a des livres à lire sur un mensonge. Ces techniques, plus beaucoup d'autres. Il y a aussi des tonnes d'informations disponibles en ligne, sorte que vous pouvez effectuer des recherches plus approfondies sur ces techniques et d'autres techniques. Et si vous le voulez et pouvez vous le permettre, vous pouvez postuler dans les nombreuses écoles et professeurs d'art du monde entier. Toe en fait aller et étudier ces techniques dans la dette. Malheureusement, vous ne pouvez maîtriser aucun d'entre eux du jour au lendemain. Il faut des années, peut-être même une vie pour les maîtriser s'il vous plaît être si gentil de noter l'évaluation et de partager ce cours avec vos autres acteurs car il nous aide à créer plus de contenu pour vous à l'avenir. J' espère que cette vidéo a été utile et je vous souhaite plein succès dans votre carrière d'acteur.
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