Les bases de VOXPLORATION : votre voix est votre instrument

1. VOTRE VOIX EST VOTRE INSTRUMENT: Je m'appelle Clarice Assad. Je suis compositeur et interprète du Brésil. J' ai passé la majeure partie de ma vie à essayer de trouver ma propre voix , à traiter ma voix comme un instrument. La voix est un instrument qui est toujours avec vous. Vous le portez où que vous alliez. Nous sommes une banque sonore illimitée. Nous pouvons créer n'importe quel son que nous voulons avec nos voix. Je veux vraiment que vous expérimentiez avec votre voix, et que vous développiez des techniques qui vous aideront à créer vos propres sons. Il implique quelques mécaniciens, la capacité d'entendre quelque chose et de le reproduire avec votre voix. Vous explorez les percussions buccales. Nous allons plonger un peu dans les sons que vous pouvez faire avec votre voix qui rend le chant plus intéressant, en apportant différentes syllabes dans l'équation, ou en utilisant différentes parties de votre bouche et de votre gorge pour apprendre comment intégrer différents styles et techniques dans votre chant. Une partie du matériel vous demandera de vous entraîner un peu. Considérez vous comme un athlète. Tu dois vraiment développer ces muscles. Mais vous devez vous rappeler qu'un peu chaque jour va bien. La bonne nouvelle à propos de la pratique avec votre propre voix est que, vous pouvez marcher dans la rue et faire un peu de boxe battue. Vous pouvez pratiquer constamment et vous améliorer sans même le remarquer. Vous pouvez en faire partie de votre vie quotidienne. Votre projet final peut être aussi simple ou aussi complexe que vous le souhaitez. Vous pouvez créer une ligne vocale un arrangement capella, ou vous pouvez enregistrer un arrangement multi-pistes, ou original de votre choix, condition d'utiliser au moins trois techniques explorées dans les vidéos. J' ai hâte de voir ce que tu trouves. On se voit en classe. 2. LA VOIX PRINCIPALE: Bonjour et bienvenue. Aujourd'hui, je vais parler de la voix principale. Maintenant, la voix principale est la ligne mélodique solo que les chanteurs chantent habituellement en utilisant des paroles, et aussi la partie dont la plupart des gens se souviennent lorsqu'ils entendent une chanson. La raison pour laquelle je fais cette vidéo est de commencer à construire le rythme de nos fondations, qui est la force motrice de toute musique populaire. Ensuite, nous avons la basse, qui est le fondement de la chanson. Enfin, nous avons la ligne mélodique, qui est exécutée par la voix principale. Maintenant, nous allons parler de regrouper toutes ces parties, et de les replacer dans le contexte d'une chanson. Faisons un quiz d'écoute. J' aimerais que tu prennes un stylo et du papier si tu ne l'as pas déjà fait. Ensuite, une fois que vous écoutez l'arrangement suivant, écrivez le nombre de voix que vous entendez, puis essayez de les séparer dans votre tête. Qu' est-ce que tu entends ? Qu'est-ce qu'ils font ? Tu entends une basse ? Vous entendez une voix principale ? Vous entendez des harmonies ? Quel genre d'harmonies ? Écrivez tout autant que vous le pouvez. Soyez aussi précis que vous pouvez l'être. La chanson s'appelle Easy to Love par Cole Porter. Vérifions tes réponses. L' arrangement est divisé en trois parties, mélodie, basse et accompagnement. Très simple. La basse est à la fois rythmique et mélodique, elle fait une basse marchant. La ligne mélodique est une chanson avec des paroles, ce qui est très facile à distinguer. Les autres voix agissent comme un instrument de comping, comme le piano ou la guitare. Allons voir quelques conseils. Le cours a été conçu pour vous donner des idées et des techniques pour vous inspirer à créer vos propres sons et arrangements. Chaque voix est différente et les intérêts de chacun sont différents, donc je vous encourage à consulter la classe complète au début. Lorsque vous vous déplacez dans la classe, écrivez, prenez des notes des sons avec lesquels vous résonnez le plus. Ensuite, vous pouvez revenir à votre liste de favoris et regarder à nouveau les vidéos, puis écrire les motifs dans votre propre écriture. Cela vous aidera à les mémoriser plus facilement. Pratiquez tous les jours, 15-20 minutes par jour, au moins. Merci beaucoup d'avoir participé à cette quête. J' ai hâte d'entendre ce que tu vas créer. Tu es prêt à faire du rock. 3. BOÎTE À RYTHMES DE BASE: C' est mon bon ami Crystals Bacon sur Beatbox. C' est un artiste hip-hop incroyable, compositeur, et juste une personne fantastique. Son Beatboxing est vraiment hors du classement. Parce qu'il peut mettre en œuvre tant de styles différents dans les revues de musique dans le monde de Beatbox. Il collabore avec des artistes du monde entier, et il est aussi un très bon communicateur. La raison pour laquelle je parle de cette vidéo aujourd'hui est parce que j'ai eu beaucoup de conversations avec Crystals à propos de Beatboxing, et j'ai beaucoup appris de lui. Y compris comment faire des sons cool de base, que je vais vous apprendre aujourd'hui. Bonjour tout le monde. Aujourd'hui, je vais vous guider à travers les techniques vocales pour le beat making. Comme vous le savez, ce n'est pas une classe sur Beatbox. Je ne partage que les outils qui sont utilisés pendant l'enseignement des éléments constitutifs de cet atelier vocal. Si vous êtes intéressé par le monde fantastique de Beatbox, je vous recommande de visiter le site humanbeatbox.com, qui dispose d'une tonne de ressources sur la production sonore et les techniques vocales avancées. abord, nous allons examiner comment produire des sons individuels, puis les connecter pour créer un motif. Ensuite, nous allons travailler sur un rythme simple, et je vais vous laisser avec quelques modèles supplémentaires à explorer. abord, la grosse caisse ou le kick drum, puis le hi-hat, et enfin la caisse claire. Il y a plusieurs façons d'obtenir ces sons avec votre bouche. Maintenant, le kick drum, le hi-hat et le rimshot sont les sons les plus confortables à faire. La caisse claire ouverte est un peu plus compliquée car elle implique plus d'un endroit d'articulation dans la bouche. Tous les sons que j'utilise maintenant sont appelés sons plosifs. Sons consonnes et qui impliquent d'abord une contraction de la bouche qui ne permet pas à l'air de s'échapper du tractus vocal, et ensuite la compression et la libération de l'air. Voici des exemples de sons plosifs : p, b, t, d, k et g. Prenez maintenant un moment pour produire ces sons et sentir où ils sont dans votre bouche. A p, a b, a t, a d, a k, et g. Remarquez comment p et b sont produits principalement en appuyant sur les lèvres ensemble, tandis que d'autres sons impliquent le positionnement de la langue dans des endroits spécifiques. Comme le son t est produit en plaçant le bout de votre langue derrière les dents supérieures. Pour faire entendre le k, air est brièvement empêché de quitter le tractus vocal lorsque l'arrière de la langue se soulève et appuie contre le palais mou à l'arrière de la bouche. Le coup de pied, le hi-hat et la caisse claire peuvent être utilisés dans des combinaisons infinies. L' effet sonore de la caisse claire ouverte se produit en deux parties. Tout d'abord, pour le créer, serrez vos dents pour l'obtenir légèrement, écartez votre langue, puis poussez l'air. Après cela, vous ajoutez un son plosif, et combiné vous obtenez ceci. Il faut du temps pour rassembler ces sons si vous ne les avez jamais fait auparavant. C' est comme aller à la gym, entraîner à différents tempos. Lentement, au début, puis plus vite que vous obtenez plus de contrôle sur ces sons. Pour vous aider à maintenir un rythme régulier, vous pouvez utiliser un métronome. Assurez-vous de boire beaucoup d'eau pour garder vos accords vocaux hydratés, même si vous pensez que vous n'avez pas besoin de beaucoup d'eau. Pour le modèle sur lequel nous travaillerons ensemble, j'utiliserai le son [inaudible]. Commencez par le boom. Essayons un autre ensemble. Merci beaucoup d'avoir regardé, et j'espère que tu as eu du plaisir à Beatboxing avec moi. On va parler de la respiration. 4. TECHNIQUES DE RESPIRATION DE BASE: Bonjour encore. Je suis ici pour parler un peu de la respiration. Chaque fois que nous travaillons avec une partie percussive vocale, cela signifie que vous n'aurez pas beaucoup d'endroits pour respirer, parce que ces parties sont juste implacables, elles continuent tout simplement. Vous apprenez à respirer d'une manière différente que lorsque vous chantez une ligne mélodique. Il y a plusieurs façons d'y arriver. 5. TECNIQUE DE PERCUSSION VOCALE PANDEIRO BRÉSILIEN: Bonjour et bienvenue. Merci d'être ici avec moi aujourd'hui. La partie percussion vocale est censée sonner comme un pandeiro. Le rythme que nous explorons ici aujourd'hui est la samba. Le pandeiro ressemble beaucoup à un tambourin, mais voici où ils sont différents, la tête de tambour est réglable et les anneaux contiennent des jingles métalliques appelés platinelas. Ils créent un ton croustillant, plus sec et moins soutenu que sur un tambourin. Les motifs Pandeiro sont joués en alternant le pouce, doigts, la sensation et la paume. Maintenant, comment traduire ces sons en beatbox ? Comme je l'ai dit dans cet exemple, j'utilise la samba. La samba est généralement jouée et jouée en 2-4, jamais en 4-4. Comme dans beaucoup d'autres styles de musique brésilienne, c'est un rythme syncopé, donc le rythme fort n'est pas sur un, c'est sur deux. C' est ainsi que vous ressentez la samba 1-2,1-2.1-2,1-2. Quand vous pratiquez l'exercice que je vais vous donner, n'oubliez pas de garder ça dans votre tête. Rappelez-vous que l'accent est mis sur le deuxième temps, pas sur le premier temps. La première chose que vous devez apprendre est de créer un son de shaker. Maintenant, vous utilisez trois sons pour créer cela. Premier son que vous faites comme un son « ch » ; « ch », « ch », « ch », « ch ». Le deuxième son est un « k » arrêté. Maintenant, vous allez combiner « ch » et « k ». Le troisième son ressemble beaucoup à ce que tu dis à quelqu'un de se taire, « sh ». Allez-y et essayez cela quelques fois. Mettons ces trois sons ensemble lentement « ch », « k », « sh ». Maintenant, nous allons ajouter pas un autre son, nous allons vraiment traîner le « sh », « ch », « k », « sh ». Ensuite, nous allons revenir en arrière, puis répéter cela et la boucle quelques fois, « ch », « k », « sh », « ch », « k », « sh ». Maintenant, quand vous êtes vraiment à l'aise, vous pouvez l'accélérer, et ensuite vous avez un modèle de samba très simple mais très efficace. » ch », « k », « sh », « ch », « k », » sh ». Maintenant, la question est, comment pouvons-nous passer de « ch » « k » « sh » à ce que j'ai fait au début de cette vidéo avec [inaudible]. Il y a trois sons qui se passent ici en même temps. J' ai essayé d'émuler le son de base sur le pandeiro, qui est incliné [inaudible]. Le pandeiro est un instrument que vous pouvez accorder, sorte qu'il pourrait être plus bas ou plus élevé que cela. C' est comme quand tu essaies de souffler de l'air dans un ballon. Ensuite, le troisième son est le coup de poing. Fondamentalement, comme je disais, c'est exactement la même chose que le son de shaker sauf que votre bouche est fermée et le ton de base et tout ce que je vous ai parlé de ceux [inaudibles] et arrêter le son et appliquer le pas bas est là. Il y a peu de sons que vous devez pratiquer individuellement d'abord et avec beaucoup de patience. Vous devez faire le son le plus bas que vous pouvez éventuellement obtenir [inaudible]. Ensuite, vous mettez beaucoup de pression contre cela [inaudible]. Enfin, combinez-le avec le soufflage d'une situation de ballon et vous avez. J' essaie de faire le son [inaudible], mais il ne sort pas parce que je l'arrête. L' intention d'avoir à aller pour ce pitch est très importante et peu importe si vous n'avez pas la voix la plus basse, je suis une femme que je n'ai pas comme sa base comme une chanteuse basse-baryton le ferait, mais je peux faire semblant. Maintenant, pour vous rappeler le modèle [inaudible], je vais transformer cela en [inaudible] Tout ce que nous faisons est de positionner la bouche dans cela. [ inaudible] Cette position reste toujours la même. [inaudible] 6. COMMENT REPRODUIRE LE SON D'UN UDU: Comment pouvons-nous traduire ces sons dans la voix ? Le son faible a un peu d'un hmm à lui, donc, nous devons d'abord travailler sur la hauteur. Prenez une profonde respiration et chantez un ton de pair bas, pas de vibrato, rien, juste un pur. Ensuite, vous y ajoutez une consonne, soit un G ou un K, un G dur, dur K. Soit le G soit un K dur avec le pas. Donc kong, hmm, kong, et puis le dur G, gong. Maintenant, il y a une chose très cool à propos de ce tambour qui est que vous le frappez, vous obtenez un peu de glissando hors de lui. Je passe d'un pas à un pas plus élevé, d'un pas bas à un pas élevé. Mais je suis Glissando d'un terrain à l'autre, et je le fais très vite, goo. Ensuite, vous pouvez jouer avec une longueur. Maintenant, vous devez travailler sur le son aigu. Pour son TA, second son, KA, TA, KA. Finalement, on va le mettre à la vitesse. Une fois que vous serez au courant, vous ne serez pas vraiment parler TA, KA exactement, il va passer à autre chose. La prochaine chose que vous allez faire après avoir pratiqué votre TA, KA et que vous avez votre TA, KA très sous contrôle, c'est que vous allez à plus de TA, KA dans TIN-K. Au lieu de TA, KA, vous faites TIN-K. C' est un son très nasal. N' est plus TA, KA, c'est TIN-K. Mais ce qui se passe à l'intérieur de votre bouche est la même chose, donc, pratiquer avec TA, KA d'abord est beaucoup plus facile que de pratiquer avec TIN-K. Maintenant, essayez de faire un motif très lentement en utilisant ces deux sons. Merci beaucoup d'avoir regardé. 7. LES SCHÉMAS DE LA BASSE: La basse vous fournit la base la plus importante que vous pouvez imaginer. C'est la racine. Chanter la ligne de basse pour beaucoup de gens est compliqué parce que cela implique réellement de savoir ce que sont ces notes de basse. Il est important que vous sachiez que pour comprendre ce que fait la ligne de basse, vous devez vraiment commencer à l'écouter. Cela n'a rien à voir avec la possibilité de créer ce son. Cela a plus à voir avec votre entraînement, et votre capacité à savoir dans une chanson ou dans n'importe quel morceau de musique ce qu'est la basse et ce qu'elle fait. Ça ne veut pas dire que tu dois avoir une voix basse pour la chanter. Vous avez juste besoin de savoir ce que c'est et ce qu'il fait et ensuite pouvoir le chanter en retour. Aujourd'hui, je vais parler un peu de la basse. Jusqu' à présent, nous avons couvert beaucoup de ce que nous pouvons faire avec une voix de manière rythmique. Maintenant, la basse est un peu plus difficile parce que lorsque vous chantez la ligne de basse, vous devez avoir une certaine portée pour votre voix puisse émuler le son d'une basse. De toute évidence, je n'ai pas de portée basse, mais je peux, numéro 1, faire changer ma voix un peu de qualité pour que je puisse lui donner ce sentiment et moi aussi, bien sûr, j'ai besoin de chanter la ligne de basse. Il doit également être plus bas dans le registre que partout où vous allez chanter sur le dessus parce que de cette façon, vous avez la différence entre ces deux lignes. Donc, même si ma voix basse n'est pas si basse, je déplace ma note supérieure à cela, vous allez créer l'équilibre. Je vais vous donner un exemple de la façon dont j'utilise ma voix pour créer une ligne de basse. [ inaudible] Soit T ou un K dur [inaudible] Je vais chanter un ton de base comme un motif 2-5-1, 2, 5, 1 et je vais avoir un peu de percussion buccale allant avec ça donc nous avons un peu Amusant. [ inaudible] Un peu plus lent. [ inaudible]. 8. IDÉES POUR VOTRE PROJET: Pour cet exemple, j'ai choisi la chanson, Twinkle Twinkle Little Star, car c'est une chanson connue dans le monde entier. J' ai choisi quelques techniques qui ont été explorées pendant la classe et créé un arrangement de la chanson sans utiliser aucun des mots. J' utilise un microphone à condensateur de studio de biberons bleus, logiciel Logic Pro d' Apple, et j'exécute le micro via l'interface audio duet d'Apogee. Pour votre projet, vous pouvez obtenir le même effet avec n'importe quel autre microphones, interface audio et logiciel. Si l'enregistrement multi-pistes n'est pas possible, envisagez de faire un arrangement A capella d' une chanson existante ou originale en utilisant vos techniques vocales préférées. D' abord, je vais travailler avec un drone très, très simple. Pour le drone numéro 3, je vais chanter le même pitch. Encore une fois, pas de vibrato ça va être un peu comme un effet atmosphérique que je veux et puis je veux juste aller de l'avant et ajouter un peu de texture à elle. Peut-être comme un ton ou quelque chose comme ça. Si je veux simplement que le drone continue et je ne veux pas m'enregistrer encore et encore, j'ai probablement ouvert un autre canal et ensuite faire une copie et coller de ces drones ensemble et les faire connecter de sorte que ça sonne comme il y a une continuation. Essayons de le faire pour l'instant. Maintenant, j'ai quelques choses avec lesquelles travailler. J' ai un drone qui a un accompagnement et puis j'ai une mélodie. Je chante différentes syllabes au-dessus de la mélodie. Bien sûr, rien n'est encore mélangé, donc nous ne pouvons pas vraiment entendre la différence entre les lignes encore, mais le fait est que j'ai pu créer quelque chose avec des éléments très simples ici. Je fais juste un drone, un peu d'effets dans ma voix et dans la mélodie, bourdonnant la mélodie avec différentes syllabes. La raison pour laquelle je fais ça avec des syllabes différentes est que je vais certainement chanter dans un espace différent du drone. C' est juste une façon de différencier la couleur sonore de celui-ci. Maintenant, ce que je vais faire est que je vais cliquer dessus en dehors de hors ligne, je suppose, puis y revenir et commencer à y ajouter un autre élément. Je pense que maintenant que nous avons un drone ressemble beaucoup à une introduction à quelque chose. Il est temps pour moi de choisir un élément de ce que nous avons fait pendant le cours et d'ajouter à cela. Parce qu'il y avait tout ce chapitre sur la base, je vais faire quelque chose avec ce son en ce moment. Je vais créer un accompagnement de base et boucle que quelques fois avant d'y aller et d'y ajouter quelques percussions buccales. Ici, c'est. Je peux aller de l'avant et faire la boucle autant de fois que je le veux. Je vais ajouter quelques couches de précaution dans cette piste de base en ce moment. Dans l'ensemble, je suis plutôt content de ça. Je peux vraiment travailler avec cela de plusieurs façons différentes. Par exemple, je peux simplement commencer avec la ligne de base et la boucle et ajouter les précautions une par une, sorte que j'étire mon arrangement. A la fin, quand j'aurai tout ensemble, je verrai comment et quand je voudrais ajouter ma mélodie en plus de ça. Alors nous allons travailler sur la création de cet espace. Maintenant que j'ai posé les pistes que je veux utiliser, je peux les couper et les coller comme je veux. Je vais aller de l'avant et faire un peu de ça maintenant. Je n'ai aucune idée de ce que je vais faire jusqu'à ce que je commence à le faire. Je vais appeler cette harmonie numéro 1. Harmony 1 et voir ce qui se passe d'ici. J' ai la petite chorale, ce qui est très bien comme ça. Je peux vivre avec ça. Tu vois, si je peux créer une harmonie à partir de ça sans trop entrer en conflit avec tout ce que je me passe, très gentil. Je vais faire un quatrième ci-dessous. Juste pour le plaisir. Ajoutez une troisième voix juste parce que je dois ouvrir le canal. Je vais ajouter comme une note dissonante pour être comme une seconde longueur mineure, on verra. C' est plutôt cool. Je vais m'arrêter ici pour l'instant et entendre tout ce que j'ai fait.