Les bases de l'écriture de mélodies

1. Intro: Salut, et bienvenue dans mon cours sur l'écriture de mélodies en tête-à-tête Le but de ce cours est de vous assurer que vous disposez de suffisamment d'appareils afin que, lorsque vous créez des mélodies, vous ayez le choix entre de nombreuses options dont vous savez qu'il s'agit d'options mélodiques standard Je vais vous fournir de nombreux exemples mélodiques, et vers la fin, nous allons même écrire certains de ces exemples mélodiques dans un PDF et identifier les techniques mélodiques directement sur la page afin que vous puissiez vraiment voir comment les choses se décomposent ces exemples mélodiques dans un PDF et identifier les techniques mélodiques directement sur la page afin que vous puissiez vraiment voir comment les choses se Nous allons donc parler de tons voisins, de tons passants, de tons voisins chromatiques, de tons passants chromatiques , d' ornements tels que des mordants, des virages et des trilles Nous allons parler d'enceintes, arpèges, et nous allons voir comment tout cela est assemblé . Ce cours peut être utile pour les producteurs, les compositeurs et les interprètes de presque tous les genres. Et comme les genres peuvent être très différents entre le swing et le swing non, je vais également donner un petit cours sur le swing et les rythmes droits et sur swing et les rythmes droits et façon dont ils s'appliquent à l'écriture mélodique Maintenant, vous avez un projet pour ce cours, et deux options s' offrent à vous. Si vous êtes à l'aise pour écrire de la musique, vous allez écrire un peu, et si vous êtes à l' aise pour jouer, vous allez jouer un peu. Je veux que tu crées une progression à quatre accords. Cela peut être très simple. Vous pouvez le garder sur les touches blanches, et vous allez créer une sorte de mélodie utilisant au moins deux des dispositifs mélodiques abordés dans ce cours Si vous notez votre mélodie, ce serait bien si vous pouviez l'identifier sur la page Où vous utilisez ces techniques spécifiques. Mais ce n'est pas nécessaire car je vais pouvoir le voir. Je pense que cela pourrait vous aider de vraiment voir comment vous pouvez commencer à décomposer tout cela et à écrire votre mélodie d' une manière un peu stéréotypée et à écrire votre mélodie d' une manière tout en utilisant un peu la nature intuitive que nous apportons à notre écriture mélodique Vous fournirez donc soit un PDF ou une image de votre partition un enregistrement vidéo ou audio de votre interprétation de la mélodie Je vais passer en revue tous les détails de ce projet dans le cadre de la classe dédiée aux détails du projet, alors assurez-vous de vérifier cela. À ce stade, j'ai donné de nombreux cours sur l'harmonie parce que c'est ce qui me passionne beaucoup. Mais l'harmonie et la mélodie sont tellement liées l'une à l' autre que j'ai dû proposer ce cours à tous ceux d'entre vous qui attendent de connaître les conseils de Josh en matière d'écriture mélodique Ce cours est fait pour toi. Nous faisons en sorte que les choses restent simples. Nous passons à l'essentiel, et à partir de là, vous pouvez permuter et assembler ces éléments tellement de manières différentes que deviennent presque infinies Donc, si vous souhaitez non seulement améliorer votre écriture mélodique, mais aussi mieux comprendre ce que vous faites dans le cadre de votre écriture mélodique, ce cours est fait pour J'espère donc que vous vous amuserez dans ce cours. Je suis sûr que vous allez apprendre quelque chose de nouveau, et je suis heureuse de partager avec vous certaines des techniques que j'utilise le plus souvent pour écrire mes propres mélodies Commençons par l'approfondir. Je te retrouverai au premier cours. 2. Projet de classe: D'accord, donc pour ce projet de cours, vous aurez plusieurs options différentes qui tournent toutes autour de la même idée Vous allez créer une progression à quatre accords, et au cours de cette progression d'accords, vous allez créer une sorte de Si vous êtes pianiste, cela peut vouloir dire que les accords sont dans votre main gauche et que la mélodie est dans votre main droite Si vous êtes guitariste et que vous n'êtes pas un guitariste de jazz ou de flamenco et que vous ne pouvez pas jouer les accords et la mélodie en même temps, ce qui, je comprends, est très difficile, vous pouvez toujours enregistrer plusieurs couches, vous enregistrer en train de jouer les accords, puis vous enregistrer en train de jouer la mélodie, et vous pouvez Mais je prends un peu d'avance sur moi-même parce que vous pouvez soit faire un projet d'enregistrement, soit écrire votre mélodie et vos accords sous forme de partitions Parlons des deux. Donc, pour le projet de partition, vous n'aurez pas à jouer du tout. Vous pouvez soit faire flotter des symboles d'accords au-dessus du bâton, comme vous le feriez dans un palmarès de jazz ou de pop chart, soit vous pouvez créer au-dessus du bâton, comme vous le feriez une clé d'aigus et une clé de basse, et les accords peuvent être placés dans la Tu vas écrire ta mélodie dans la clé des aigus. Et si vous voulez aller encore plus loin, vous devrez identifier les sons voisins, les sons de croisement, les enceintes, toutes les techniques mélodiques que vous avez intégrées à votre Je veux que tu trouves un moyen d' y inscrire une sorte d' identifiant. Encore une fois, ce n'est pas obligatoire, mais je pense que vous tirerez le meilleur parti du projet si vous le faites. Maintenant, vous pouvez me fournir le matériel de deux manières différentes. Vous pouvez soit l'écrire à la main, prendre une photo et la soumettre , soit, de préférence, vous pouvez l'écrire dans une sorte de programme de partitions tel que Sebelius, MuseScore, Dorico ou tout autre programme que vous utilisez À partir de là, vous l'exporterez depuis le logiciel et vous me fournirez un PDF. Maintenant, l'autre option est que vous pouvez fournir un enregistrement audio ou vidéo de vous-même audio ou vidéo jouant les accords et la mélodie ensemble Pour les pianistes, c' est une coupe assez claire, les accords de la main gauche, la mélodie de la main droite Pour un guitariste, vous pourriez avoir besoin d'une piste d'accompagnement pour les accords, d'une pédale de boucle ou de quelque chose comme ça Mais vous pouvez vous sentir libre de faire preuve de créativité. Je veux entendre les accords, et je veux entendre cette mélodie Maintenant, si vous souhaitez soumettre un enregistrement audio, je vous recommande de le faire, télécharger sur SoundCloud. Vous pouvez simplement utiliser un compte gratuit, Vous pouvez simplement utiliser un compte gratuit puis fournir un lien public du fichier téléchargé dans la description du projet De même, si vous réalisez un enregistrement vidéo de vous-même, téléchargez-le sur YouTube Dans ce cas, vous continuerez à fournir un lien public dans la description du cours pour la soumission de ce projet. À partir de là, j' aurai soit un enregistrement audio, soit un enregistrement vidéo, soit une sorte de fichier présentant les partitions de ce projet. Je vais l'évaluer et vous faire part de ce que je pense que vous avez fait le mieux et peut-être de certains points à améliorer. Je sais qu'il existe de nombreuses options pour ce projet de cours, mais je ne peux pas présumer que tous ceux qui suivent ce cours sont pianistes. Je veux donc m'assurer que les options sont disponibles. Ainsi, que vous soyez chanteur, guitariste ou pianiste, il y a quelque chose à votre disposition pour que vous puissiez proposer un projet de cours pour ce cours Et aussi, c'est assez amusant d'avoir quelques options. En fin de compte, si vous voulez noter des choses puis faire un enregistrement de vous-même, c'est parfaitement bien aussi Vous ferez un effort supplémentaire si vous le faites et félicitations à vous C'est donc aussi une option. Mais pour l'instant, il n'est pas nécessaire que ce soit si complexe. Assurez-vous de peaufiner vos partitions ou de mettre en pratique le matériel que vous allez fournir dans votre enregistrement vidéo ou audio. Je veux m'assurer que tu le fais un jour où tu te sens à l' aise. Le projet ne doit pas sembler forcé, alors assurez-vous que vous vous sentez dans la zone. Si vous avez d'autres questions, n'hésitez pas à me contacter, je me ferai un plaisir d'y répondre. C'est tout pour ce projet de cours. Je te retrouverai au prochain cours. 3. Ce qui fait une bonne mélodie: Alors, qu'est-ce qu'une bonne mélodie ? En termes simples, je pense que plus une mélodie est chantable, plus elle collera à votre Maintenant, qu'est-ce qui fait qu'une mélodie peut être chantée ? Nous ne voulons pas trop sauter. L'idée n'est pas de sauter une octave plusieurs fois, puis des quintes, des quartes et des tritons Vous pouvez vous en tirer avec un saut de temps en temps, mais dans l'ensemble, vous devez vous assurer que le chant peut être chanté dans une plage étroite et agréable, principalement des pas, des sauts et des répétitions Vous pouvez également choisir des notes issues d'une collection diatonique, comme une gamme majeure ou une gamme mineure sera très important, surtout pour la musique occidentale car nous sommes tellement habitués à entendre ces gammes que, que nous soyons ou non de fantastiques chanteurs ou musiciens, nous sommes toujours capables d'entendre la collection de notes de manière inconsciente Alors que nous chantons, nous connaissons le jeu de notes. Et aussi, bien souvent, nous pouvons en quelque sorte anticiper la direction que pourrait prendre une mélodie Nous voulons que notre public se sente intelligent . C'est pourquoi cette idée de créer une note dans une mélodie que le public pourrait deviner est très importante. Par exemple, si je joue quelque chose comme entends-tu que la dernière note veut être redéfinie ? Il est donc possible de donner un petit signal à l'auditeur pour qu'il soit prêt à saisir la note que vous êtes sur le point de jouer Ils se sentent spéciaux et intelligents. Vous avez fourni une mélodie qu' ils apprécient, tout le monde y gagne. De plus, la mélodie doit bien interagir avec l'harmonie. Par exemple, si j'ai un accord en do majeur dans la main gauche, il est fort possible que on trouve du do ou du sol dans la mélodie Nous en reparlerons plus en détail plus tard dans le cours, mais pour l'instant, quelles que soient les notes de l'harmonie, on a tendance à se sentir très en sécurité dans la mélodie Et si vous choisissez une note qui ne correspond pas à l'harmonie, mais plutôt à l'échelle globale, vous obtiendrez un résultat plus coloré. Donc, dans le cas d' un accord en do majeur, si nous sommes dans la tonalité de do majeur, Ds, Fs, As et Bs seront tous un peu plus colorés Donc, lorsque vous utilisez une collection de notes diatoniques, bien à l'harmonie, sans sauter d'un bout à l'autre pour donner au public quelque chose qu'il sans sauter d'un bout à l'autre pour donner peut anticiper un peu, mais que vous lui offrez également des surprises amusantes en cours de route, je pense que c'est une excellente formule pour fournir à votre auditeur une mélodie qu'il appréciera Une autre chose que je voudrais dire à propos une mélodie peut être chantée, c'est que vous devez tenir compte de la vitesse à laquelle vous naviguez dans la Si c'est le cas, personne ne pourra chanter ça, d'accord ? Donc, même à demi-vitesse, personne ne sera capable de chanter ça, alors combien devez-vous composer quelque chose pour que ce soit assez facile pour que le grand public assez facile pour que le grand public puisse le chanter ou le chanter dans sa tête Donc, entre ne pas leur donner trop de sauts et garder la vitesse gérable, vous leur donnez essentiellement une mélodie simple Et bien souvent, les mélodies simples sont les plus efficaces. Maintenant, je ne dis pas qu'aucune partie de votre mélodie ne peut être complexe, mais si elle est trop complexe, elle a tendance à être destinée à un groupe d'auditeurs très spécialisés Mais si vous voulez que votre mélodie reste captivante pour un plus grand nombre d' auditeurs, restez simple, assurez-vous de garder les choses diatoniques ou fidèles à une tonalité ou à une gamme et de les associer à votre harmonie afin que votre main gauche et votre main droite travaillent ensemble Si tu peux faire tout ça, tu es vraiment en bonne forme. Une autre chose qui mérite d' être mentionnée est on appelle la complexité mélodique, et je pense qu'il vaut mieux aborder cette question dans sa propre classe complète Passons donc au prochain cours où nous allons parler de complexité mélodique 4. Complexité mélodique: La façon dont les membres d'un groupe ou d'un orchestre communiquent entre eux par le biais de leur musique est très importante. Si chaque joueur joue à quelque chose super complexe ou de super simple, alors il s'agit plutôt d' une sorte de ligne plate. Il n'y a pas cette belle juxtaposition je peux choisir d'accorder mon oreille pour écouter l'élément simple ou pour écouter l'élément le plus complexe Nous n'avons pas assez de palette pour nous donner de la variété. Même si tout est en quelque sorte imbriqué lorsque vous avez des éléments complexes et non complexes, nous pouvons toujours choisir de séparer et d'écouter les différents éléments Mais si tout est complexe, tout est plus difficile à écouter. Et si tout est super simple, alors c'est un peu ennuyeux. Donc, mon guide pour le moment est écouter la section rythmique, en particulier la batterie. Est-ce que les batteries font quelque chose de très complexe ? Si c'est le cas, faites en sorte que la mélodie soit un peu plus simple et chantable Je veux dire, pensez au métal. Tu as un tambour vraiment lourd, da da gut. Et que fait le chanteur par-dessus ? Style presque lyrique, ce que l'on pourrait appeler des voix de bell canto, une voix magnifique qui se Mais ce n'est pas comme si le rap et le metal avaient fusionné. Suis-je en train de dire que le rap et le metal fuse sont une mauvaise chose ou que tu ne devrais pas le faire ? Pas nécessairement. Je dis simplement qu'il y a beaucoup d'éléments complexes, la complexité du rythme de la voix, la complexité de la densité de la batterie, et probablement de nombreux autres instruments par-dessus Si la batterie fait quelque chose de plus complexe et que votre voix flotte en quelque sorte au-dessus du sol, il y a une belle juxtaposition, et tout semble s' intégrer parfaitement C'est comme si vous mangiez une pizza et que vous mangiez une garniture vraiment originale, cela pourrait être amusant Mais si chaque garniture est vraiment audacieuse et vraiment extrême sur la palette, alors vous ne pouvez pas vraiment bien différencier toutes les saveurs, et cela devient un peu écrasant Alors, lorsque vous élaborez votre mélodie, demandez-vous quelle mesure l' instrumentation dans son ensemble est complexe, en particulier la section rythmique Et si cela change de section en section, vous pouvez le faire aussi. Peut-être que le couplet est très complexe sur le plan instrumental, mais votre voix flotte par-dessus dans le style de Bell Canto Peut-être le refrain, tout se décompose un peu, et cela vous donne l' opportunité d'être un peu plus agile et dense dans vos rythmes vocaux Hormis les rythmes, si les instruments aigus se déplacent à pas de géant , vous feriez probablement mieux de garder votre mélodie un peu plus ancrée en répétant, en faisant petits pas Mais si vous avez une instrumentation qui se déplace en quelque sorte au même endroit, vous pouvez peut-être devenir plus aventureux avec les sauts que vous faites et l'ampleur ou la largeur de ou la largeur de Maintenant, nous n'essayons pas toujours de faire exactement le contraire. Une batterie complexe, un rythme simple. Guitare complexe, mouvement simple avec votre mélodie. C'est généralement une formule facile à utiliser, mais en même temps, il y aura des moments où vous voudrez peut-être correspondre parfaitement à un riff de guitare complexe Peut-être que le if joue et que vous chantez le même riff Cela dépend donc vraiment de ce que vous recherchez, de l'esthétique stylistique et aussi du moment et de la manière d'enfreindre les règles vous le ferez longtemps, plus vous aurez une bonne idée manière dont vous voulez enfreindre les règles et des règles que vous souhaitez enfreindre. Maintenant, si tu penses, Josh, je suis un musicien débutant. Je ne veux pas avoir à apprendre cela au cours des dix prochaines années de pratique d'orchestre. Je veux dire, tu n'es pas obligée. Le simple fait d'écouter le style qui vous passionne va vraiment vous aider. Donc, comme la voix n'apporte pas vraiment d'harmonie si ce n'est en dessinant les formes des accords de façon irrégulière, vous écoutez vraiment le rythme du groupe et vous écoutez vraiment le rythme du groupe et le mouvement des instruments aigus Nous n'allons pas appeler cela une mélodie, mais il peut s'agir d'une contre-mélodie ou du mouvement de ces progressions d'accords Donc, le rythme, puis la largeur ou les sauts des instruments, et j'essaie de les juxtaposer d'une manière agréable Je pense que si tu le fais plus que tu ne le fais pas, alors tu es bon. Et si vous voulez faire du complexe avec du complexe parfois ou du très simple avec du très simple, c'est très bien aussi. Mais comme point de départ général, surtout pour les débutants, assurez-vous de remettre en question ce que fait le reste du groupe pour vous assurer que vous êtes dans votre poche. Je ne parle pas de défi avec de mauvaises notes ou de mauvais rythmes. Je dis juste que si le groupe est complexe, détendez-vous un peu. S'ils sont simples, vous pouvez les aborder un peu en fonction de cette complexité. C'est un concept simple, mais je pense que c'est vraiment important. Assurez-vous donc de tenir compte l'ensemble du groupe , de ce qu'il fait et de la manière dont votre rôle s'inscrit dans votre rôle en tant que chanteur, mais en même temps, il peut s' agir d'un violoniste de première chaise, d'un joueur de synthétiseur sur une piste électronique, Si vous êtes responsable de la mélodie, écoutez ce que fait le groupe et adaptez votre mélodie à cela. Maintenant, nous avons fait un petit zoom arrière et avons examiné les mélodies d'un point de vue plus large Mais si vous ne savez toujours pas comment créer une mélodie, dans le prochain cours, nous parlerons de certaines approches qui vous permettront d'adopter quelque chose d'un peu plus zoomé, mais nous n'allons pas encore approfondir la théorie Après le prochain cours, nous en aborderons certaines, mais dans ce prochain cours, nous parlerons des approches mélodiques Je t'y verrai. 5. Approches mélodiques: Alors, quelles sont les approches pour créer des mélodies ? Pourquoi parlons-nous de mélodies simples et de mélodies simples Disons que j'ai une progression d' accords. Do mineur, mi bémol majeur, si bémol majeur. Pour ce qui est d'une mélodie simple, nous avons pu trouver une note assez courante entre ces accords Le mi bémol est dans le premier accord. Le mi bémol est dans le deuxième accord. mi bémol se trouve dans le troisième accord, et nous pouvons éviter une note très proche, dans ce cas, D pour le dernier accord, qui n'a pas Donc maintenant, si nous appliquons un rythme très simple par-dessus, en utilisant ces notes, nous pourrions avoir quelque chose comme ça. Vous pouvez donc voir que cela n'a pas besoin d'être trop complexe, et nous pouvons même commencer à danser un peu autour de cette note. Par exemple, si c'est trop répétitif pour toi, qu'en est-il de quelque chose comme ça ? D'accord. Vous commencez donc déjà à saisir un concept vraiment essentiel que nous aborderons plus tard, que la mélodie doit être liée à l'harmonie Que vous essayiez de remettre en question l'harmonie ou d'être d'accord avec elle, c'est à vous de décider. Mais j'ai choisi des notes qui se trouvent spécifiquement dans mes accords, et nous y reviendrons un peu plus tard, mais je voulais juste vous montrer que c'est une façon très sûre de commencer Ensuite, vous pourriez avoir une sorte de thème. Supposons que votre thème soit composé de trois notes, puis que vous passiez à une autre note. Eh bien, vous êtes peut-être Beethoven si c'est le cas, parce que nous aurions quelque chose comme OK, alors il a déplacé ce thème de trois notes bas d'un saut dans ce cas, puis il l'a déplacé vers le bas C'est ce que nous appelons une séquence. C'est en quelque sorte le premier souffle de sa cinquième symphonie. À partir de là, nous allons prendre ce thème et commencer déplacer lentement vers le haut, parfois par étapes, mais en trois notes, puis en descendant d'un pas ou en sautant. Vous pourriez donc appeler cela un thème et une variation. Nous prenons une petite pépite d'idée. Nous sommes en train de le déplacer. Tu pourrais le retourner à l'envers. Tu pourrais jouer avec le rythme. Tu peux en faire plein de choses. Mais si nous parlons d'un thème plus long, disons que le thème est OK, donc c'est notre thème une fois de plus. OK, donc si je place ça dans le contexte de quelque chose comme le cinéma, je pourrais obtenir quelque chose comme ça. Mais il n'est pas nécessaire que ce soit si mineur. Naturellement, cette ligne semble mineure, mais que se passerait-il si je la mettais en fa majeur, quelque chose comme ça ? Maintenant, tout d'un coup, cela prend un caractère un peu plus important. Vous l'entendrez donc souvent dans Star Wars Harry Potter et dans toutes ces partitions de John Williams, où une mélodie principale revient, mais dans un contexte complètement différent, pour parler de Harry Potter, peut-être que les détraqueurs ont un thème, et nous avons l'habitude d'entendre Mais ensuite, lorsque vous battez les détraqueurs, vous entendez le thème, mais d'une manière plus légère Ce n'est pas vrai pour le film, mais je dis juste que vous pouvez un thème et qu'il soit très sombre au départ, mais vous pouvez aussi le rendre un peu plus joyeux, et vous pouvez également changer la fin. Donc, si nous avions quelque chose comme à la toute fin, nous aurions pu, mais nous pourrions aussi tromper un peu le public avec. Ainsi, même des cadences trompeuses, dont nous pouvons parler en dehors du contexte de ce cours, mais en gros, passer à un accord imprévu peut être un excellent moyen de changer de thème, de sorte que cela donne une cela Ainsi, pour les thèmes plus petits, vous pouvez les varier, les déplacer et jouer avec le thème Et pour les thèmes plus larges, vous pouvez modifier l'harmonie ou même des changements subtils au sein du thème lui-même pour donner une émotion complètement différente à l'auditeur Maintenant, en prenant le thème de Leah, que je viens de jouer, parlons un peu de la façon dont cette mélodie implique un voyage Et voici le concept suivant qui consiste à créer une mélodie qui emmène l'auditeur dans un voyage C'est quelque chose que j'ai en quelque sorte conceptualisé pour cette mélodie en particulier Je ne sais pas si John Williams était exactement de cet avis, mais parlons-en un peu. Il aime commencer ses mélodies un cinq, peu importe la tonalité dans laquelle il se trouve S'il est en do mineur, il commencera par la cinquième note de do mineur et il nous fera passer à la première note de do mineur. Maintenant, on peut parfois entendre une certaine influence militaire dans sa musique, et je pense que cela ressemble un peu à un clairon. Le genre de cinquième et de quatrième, et il en va de même pour Leiden ou cinq contre un Il le fait avec le thème de Léa. Mais aussi Harry Potter et bien d'autres thèmes. Donc c'est comme s'il avait commencé par ça. Pas seulement le Soulfg, mais il est comme une phrase. Il dit : « Donc, il y a un type qui s'appelle Luke, et il a un petit problème, comme et il a un petit problème, nous l'entendons sur ce son mineur ici. Mais ne t'inquiète pas. Il a des amis qui vont l'aider, ce que nous entendons ici sur cette corde sensible C'est comme s'il y avait un peu d'espoir. Mais en fin de compte, l'étoile de la mort n' est pas une mince affaire, non ? Donc c'est vraiment triomphal. Nous montons au sommet. C'est mineur. Il y a donc une sorte de conflit. Il y a de la tristesse, de l'épicité. Mais en même temps, il y a un voyage. C'est nous qui essayons de détruire l'étoile de la mort, quelle qu'elle soit. Et puis nous l'avons fait. Cette petite phrase à la fin, qui reste finalement assez mineure. Le premier film est-il terminé ? Non, c'est une trilogie, et elle va continuer d' être tumultueuse pour les héros principaux Nous devons donc nous assurer que nous suspendons en quelque sorte une mélodie qui ne semble pas heureuse et qui ne se résout pas trop tôt. Donc, encore une fois, nous avons tout cela en tête. Et puis ici, sur ce mi bémol, nous entendons maintenant que c'est mineur, parce que d'ici là, c'est possible. Et peut-être que ce serait une bonne variation du thème pour une scène plus triomphale ou plus glorieuse tard dans le film. Mais on ne comprend pas. Maintenant, l'harmonie est également un peu un cadeau dès que nous entendons cet accord mineur, donc nous savons qu'il est Mais je vous montre simplement que la mélodie elle-même donne petits indices sur ce que nous pourrions imaginer le cadre d'une histoire plus large ou d'un voyage Et si vous retenez quelque chose de ces notes selon lequel la mélodie est un voyage, je pense que c'est vraiment cette partie. Où nous atteignons le summum de l'histoire, le summum de la mélodie C'est ce que vous voulez, c'est avoir ce genre de point culminant dans votre n'est pas nécessaire que ce soit pour chaque section d'une chanson, mais à un moment donné, vous devriez vraiment attirer leur attention avec ce que vous avez fait dans votre mélodie Une dernière chose que je vais mentionner, et c'est un peu plus abstrait, mais nous le faisons en grande partie, c' est imiter la nature Maintenant, l'un des moyens les plus simples d' imiter la nature est dans les échos Et les échos dans la musique ne seraient que des répétitions. Maintenant, un écho est-il plus fort que sa déclaration initiale ? Non, ça va être plus calme. Donc, si nous avons quelque chose comme ça, la répétition des trois mêmes notes dans l'octave est plus faible. C'est même vrai pour la musique classique lorsque vous jouez une pièce pour piano et il existe un système ou une ligne de musique qui se répète exactement, sans aucun marquage dynamique En d'autres termes, ils ne vous disent pas à quel point vous devez jouer la ligne la première et la deuxième fois. En règle générale, la deuxième fois, vous jouez juste un peu plus doucement. Cela va rendre la série un peu plus intéressante. Cela va donner une sorte de variation, et cela imite également la nature Nous avons donc l'habitude d'entendre l'idée que quelque chose est un peu plus fort puis un peu plus silencieux Bien que ce ne soit qu' un exemple de la façon dont nous pouvons utiliser la nature pour imiter nos mélodies, vous pouvez devenir plus aventureux, peut-être écouter des oiseaux, écouter le vent, peu importe ce que c'est, et vous pouvez essayer d'imiter cette sensation dans vous pouvez devenir plus aventureux, peut-être écouter des oiseaux, écouter le vent, peu importe ce que c'est, et vous pouvez essayer d'imiter cette Cela donnera une approche très naturelle à votre mélodie et vous incitera peut-être à sortir des sentiers battus. Bien que ces approches soient excellentes pour créer des mélodies, nous devons encore approfondir le fonctionnement interne de cette théorie Nous allons commencer à nous y intéresser lors du prochain cours. Je t'y verrai. 6. Aimants et métal: Je vais commencer par l'une de mes approches préférées de l'écriture mélodique Dès le départ, nous allons associer notre mélodie à notre harmonie, car en fin de compte, cela va être très important Maintenant, si vous chantez une mélodie et que vous n'avez aucun autre instrument à tonalité, aucun instrument à accords, aucune base harmonique, alors ce cours est un peu moins pertinent Mais dans la musique moderne d' aujourd'hui, la plupart des gens combinent mélodie, harmonie et rythme de manière nouvelle et excitante harmonie est donc très important de réfléchir ensemble à la mélodie et à l' Et dans ce cours, nous allons parler de façon dont l'harmonie agit comme des aimants. Maintenant, je vois la mélodie comme de petits morceaux de ferraille, et je pense à l' harmonie comme des aimants La mélodie cherche à créer de l'harmonie. La ferraille veut attirer les aimants. Maintenant, si ma main gauche est sur cet accord en do majeur et que ma mélodie est vers le haut sur ce do, je pense que cet accord se trouve à chaque endroit du piano Oui, je suis en train de le minimiser, mais je pense aussi que tous les C, E et G de ce moment-là se sont allumés comme des aimants. Donc, peu importe ce que je joue dans ma main gauche, sont les aimants qui recouvrent l'ensemble du piano. Écoutons quand la ferraille s'attire d'elle-même sur l'aimant. Donc, si je joue des notes en do, mi ou sol à partir de mon harmonie, cela doit sembler résolu, assez consonant ou agréable. Allons-y. Voici C. Aucun problème n' est vraiment résolu. Voici E. Résolu et met en évidence en quelque sorte la qualité la plus importante de l'accord C'est un type de son très important qui reste très résolu. Et puis notre G, celui-ci est toujours résolu, il est toujours consonant, mais il est un peu plus ouvert Ce n'est pas aussi fondamental que le do. Il ne donnera pas la tonalité majeure ou mineure, comme le mi. C'est juste une sorte de note de Mais c'est vraiment génial si vous voulez laisser une petite question ou si vous n' avez pas quelque chose d'aussi résolu ou de très heureux et triste, mais juste une avez pas quelque chose d'aussi résolu ou de très heureux et triste, consonne directe, quelque chose qui sonne agréable avec l'harmonie nous reste donc un D, F, un A et un B. Maintenant, nous pouvons dire que cette pièce de ferraille, D, veut attirer les deux aimants les plus proches, ou E, parce que les notes de ma main gauche illuminent actuellement tous les C en E et en G du piano sous forme d'aimants. D veut donc tirer vers C ou vers E. Maintenant, je constate que, le plus souvent, la résolution est à la baisse. Ma meilleure hypothèse tient au fait que parfois les humains sont un peu paresseux et que, comme la foudre, nous empruntons la voie de la moindre résistance. Donc, si je fais partie d'une chorale, c'est plus facile pour moi de chanter doucement, et c'est un peu plus facile de m'adapter à une tonalité. Il est un peu plus difficile de tirer vers le haut. Si vous ne me croyez pas, essayez les pistes vocales. Si vous pouviez faire une course vocale, essayez quelque chose qui, au lieu de monter plus haut peut être un peu plus difficile en termes d' agilité vocale. Maintenant, je ne dis pas qu'il faut toujours se contenter des aimants. Je dis juste que j'ai découvert qu'à un cheveu, je peux voir ces résolutions baisser un peu plus qu'elles ne le font vers le haut. D veut donc passer à C ou E. Ce sont les résolutions. F veut tirer vers E ou G. Ce sont les résolutions basées sur ce qui rapproche le plus en termes d'aimants. A veut descendre jusqu'à G. Cela pourrait en quelque sorte tirer vers C. Ce n'est pas trop loin. Mais si j'avais un aimant assis ici et là, vous pourriez voir que la ferraille s' attirerait vers l'aimant le plus proche. Enfin, B va vouloir passer à ce C. Après tout, c'est ce qu'on appelle le ton principal. Cela nous amène à penser à C. Mais encore une fois, cela pourrait aussi nous ramener à G en tant que plan de secours. Mais comme je l'ai dit, s'il s'agit des deux aimants et que voici le morceau de ferraille, il faudra le plus souvent tirer sur le C. Maintenant, j'ai évoqué l' idée selon laquelle les aimants sont l'ai dit, s'il s'agit des deux aimants et que voici le morceau de ferraille, il faudra le plus souvent tirer sur le C. Maintenant, j'ai évoqué l' idée selon un peu plus proches de la mélodie, et quel que soit l' aimant le plus proche, la mélodie aura plus de chances de vouloir tirer sur cet Voici un excellent exemple. F était l'une des notes que nous avions jouées. Il se trouve à côté de E et G d'un pas, mais les étapes ne sont pas égales. F vers E est un demi-ton et F vers G est un Nous entendrons ces deux résolutions et ces mélodies, mais de F à E, vous en entendrez un peu plus Après tout, c'est le fondement de l' Amen à la fin d'un hymne religieux Nous avons donc F tirant vers E parce que techniquement, cet aimant est un peu plus proche. C'est à un demi-ton de la ferraille, alors que G est à un ton ou à deux demi-tons de la ferraille. Maintenant, il s'agit d'un ensemble de règles souple. Je ne dis pas que F doit se résoudre à E à chaque fois, et cela ne pourra jamais se résoudre à G. Mais si vous pouvez commencer à formuler les choses de cette façon logique, exemple, pourquoi cela ne sonne-t-il pas bien ? Pourquoi ce F semble bizarre ? Eh bien, pensez-y. Si j'ai un aimant ici et que je place un petit morceau de métal juste là, il ne bouge pas vers l'aimant. C'est tendu. Il y a une certaine tension là-dedans. C'est comme si je tenais une pomme puis que je la lâchais, et qu'elle flotte là, nous en sommes venus à nous attendre à certaines choses, comme la gravité qui tire la pomme ou le magnétisme qui tire ce morceau de ferraille Donc, lorsque je suis sur ce F et que je m'attarde sur ce F, c'est pourquoi nous entendons cette tension parce qu'elle veut vraiment tirer sur l'aimant Maintenant, au fur et à mesure que vous écrivez des mélodies, vous serez à l'aise avec les couleurs et, éventuellement, avec une certaine dissonance ou tension Dans le cadre de ce cours, la couleur sera un ton. Ainsi, lorsque je joue un accord en do majeur et que je joue le ré, D est éloigné d'un do, l'un des aimants, et D est un ton éloigné du mi, l'autre aimant Donc, comme il n'y a que des tons de chaque côté, il flotte comme s'il était très coloré Dans le cas de F, il y a maintenant un demi-ton entre ce E, nous pourrions vraiment faire ressortir le E ici Encore une fois, ce sont tous des aimants, tous des E. Maintenant, nous pouvons voir ce demi-ton. C'est donc plus dissonant ou plus croustillant. Vous pouvez apprendre à vous y intéresser, mais vous devez commencer à écrire vos mélodies toute sécurité, puis ajouter de la couleur et apprendre à vous adapter à cette dissonance au Donc, si j'ai quelque chose comme ça, c'est résolu, mais le fait de s'attarder sur ce F est temporairement tendu, donc vous devez apprendre à y faire face, et cela viendra principalement de beaucoup d'écriture mélodique Donc, de la même manière que ce F veut tirer vers E, nous avons également le même conflit avec B. B se trouve à un demi-ton de C, actuellement l'un de nos aimants, donc il veut vraiment tirer vers ce C, et l'autre option est qu'il descende jusqu'à G, un saut complet Vous pouvez donc voir que dans ce cas, le B va très souvent tirer vers le C. Et encore une fois, dans la musique classique, c'est pourquoi nous l'appelons un ton principal. Dans ce cas, cela nous ramène l'oreille à la tâche. Il est donc prudent de tirer parti des notes magnétiques de l'harmonie. Si un billet flotte à une certaine distance de tous les aimants, il sera coloré et il y a excellentes options quant à l'endroit où il peut être tiré. Si une note entre en collision d' un demi-ton avec l'un des aimants, il est fort probable qu'elle doive tirer dans la direction de ce demi-ton pour se résoudre à un moment donné Encore une fois, ce sont toutes des règles vagues, mais c'est une excellente façon de commencer. Maintenant, voici le truc. Votre harmonie va changer. Vous n'allez pas jouer une chanson entière en do majeur. Vous pouvez jouer en do majeur, mineur, en fa majeur en sol majeur, l'une des formes les plus courantes progressions d'accords du cœur et de l'âme Donc, si nous prenons cette progression d' accords, et que nous considérons qu'il s' agit des aimants actuels CE et G. Quand je passe à La mineur, les aimants ont changé Certains étudiants pensent que le CE et le sol sont toujours des aimants lorsque vous jouez sur la tonalité de do majeur. Ce n'est pas vrai. Les aimants changent en fonction de l'effet de l'harmonie. C'est pourquoi les musiciens de jazz, si nous avons un accord vraiment complexe, comme le sol dominant sept, le treizième ou le neuf, n'ont pas besoin de connaître cet accord, mais c'est un accord Et les notes qui le rendent aventureux, ce mi bémol et ce si bémol sont souvent soulignés dans la mélodie C'est comme une occasion unique de jouer temporairement l'une de ces notes. Je pense, et c'est peut-être une analogie étrange, mais je pense que c'est quand un parent dit à un enfant : «   D'accord, tu peux utiliser des jurons pendant les 30 prochaines secondes. Les enfants vont utiliser des jurons. Ils vont y aller, non ? C'est une occasion unique qui leur permet de ne pas avoir à se fier à la dissonance des jurons ou, dans ce cas, la dissonance des notes de Donc, les musiciens de jazz, de musique classique et de rock dans tous les domaines, mais plus particulièrement le jazz, assez souvent, lorsqu'ils ont l'occasion de jouer une note unique dans l'harmonie, eh bien, cet aimant est désormais disponible. Ou la mélodie. Alors pourquoi ne pas souligner cette opportunité unique ? Alors, en procédant lentement, je vais jouer certains de ces aimants au fur et à mesure que les accords changent, et je vais vous montrer mes idées au fur et à Je vais commencer par E. Et je ne vais rien faire de trop sophistiqué, car nous devons encore développer beaucoup plus de techniques, mais nous allons juste tenir quelques notes. Nous avons donc E. Passons à mon accord en la mineur En fait, le mi est dans mon accord en la mineur, alors rejouons-le. Je passe maintenant à un accord en fa majeur. Est-ce que le mi est dans mon accord de fa majeur ? Ce n'est pas le cas. Je vais donc passer à une note qui se trouve à proximité de ce nouvel ensemble d'aimants. F est disponible ici. Ensuite, je vais aller voir un Gchord. Je pourrais passer à un D, qui est disponible dans mon G Cord, mais G est encore plus proche, alors allons-y. Maintenant c'est le cas et ces notes fonctionnent si bien parce qu'elles sont toujours soutenues par les notes de l'harmonie. En d'autres termes, la ferraille attire les aimants de chaque nouvel accord Maintenant, si vous préférez lire les choses par le biais de partitions et que vous optez plutôt pour partitions et que vous optez plutôt une approche traditionnelle, disons que vous êtes un pianiste classique et que vous voulez savoir à quoi ressemble sur la page tout ce que je vous explique verbalement et que je vous montre je vous explique verbalement et que je vous montre sur les touches, je vais vous fournir un petit PDF vous montrant les trois principales méthodes la mélodie peut interagir avec l'harmonie. Soit le métal est sur l'aimant, soit il est résolu, soit il est consonant La mélodie est colorée à côté de l' aimant. En d'autres termes, nous n'entendons que des sons et des sauts s'entrechoquer ou des tons et des tiers, ou lorsqu'il y a un demi-ton qui s'entrechoque quelque part, les choses semblent plus dissonantes et un peu plus et Dans le PDF, je vais vous donner différents accords et différentes notes mélodiques et leur relation avec ces accords, mais sur Donc, si vous préférez apprendre par le biais de la page, je suis là pour vous, assurez-vous de consulter ce PDF. Au cours du reste de ce cours, je veux que vous considériez l'harmonie comme des aimants, la mélodie comme des pièces de métal qui sont soit attirées par l' aimant et posées de manière je veux que vous considériez l'harmonie comme des aimants, mélodie comme des pièces de métal qui sont soit attirées par l' aimant et stable flottant très près avec beaucoup de tension, voulant tirer ou flotter, disons, entre deux aimants Par exemple, si vous aviez deux aimants et qu'un petit morceau de métal flottait entre les deux. C'est un joli petit phénomène. C'est un peu à ce moment-là que nous prenons de la couleur lorsque nous sommes un ton ou à un saut de l'un des aimants. Il ne suffit pas de vraiment tirer le métal, alors il flotte d'une manière qui n'est pas résolue, tout en ayant l'air très agréable Voilà pour ce cours sur extraction de notre mélodie à partir de l'harmonie Je vous retrouverai dans le prochain cours 7. Tons voisins et de passage: Ensuite, nous allons parler des tonalités voisines et des tonalités passagères. Ce cours sera un peu plus simple et un peu plus court car le concept n' est pas très complexe. Une fois que vous avez compris, dès le dernier cours, le concept consistant à attirer les notes mélodiques notes d' harmonie ou à attirer le métal par des aimants, ce cours est assez facile à comprendre Supposons donc que mon accord soit un vieux do majeur sympathique et que ma note mélodique commence, encore une fois, en mi. Nous savons qu'il y a deux autres aimants ou destinations assez proches Il y a le do et le mi, les deux autres notes de notre accord de do majeur Maintenant, avant d'essayer de passer du mi à l'une de ces deux autres notes, voyons si nous pouvons nous attarder un peu sur ce E. Je veux que vous imaginiez que la ferraille touche l'aimant, que je le retire un peu , puis je le redresse OK, c'est ce qu' on appelle une tonalité voisine où nous passons à une autre note pour revenir à ce choix harmonique sûr Donc, si nous avons E, je pourrais avoir un ton de voisin supérieur, en augmentant d'une note puis en revenant au E. Je dis une note supérieure. Je ne veux pas dire toujours un demi-ton. C'est une note en hausse quelle que soit la tonalité dans laquelle vous vous trouvez ou la gamme dans laquelle vous vous trouvez. Et pour le moment, nous sommes en do majeur. Donc, si je joue mon accord en la mineur ou en fa majeur, dans ce cas, je suis toujours dans la tonalité de do majeur Je joue juste avec différents accords. Disponible avec cette clé. Nous devons donc réfléchir à la clé dans laquelle nous nous trouvons. Dans ce cas, il s'agit d'un do majeur. Notre principal ensemble de notes serait donc le CDE FGABC. Pour en revenir à notre exemple, mon accord est en do majeur. Ma note mélodique est E, l'une de mes options harmoniques J'ai augmenté d'une note dans la tonalité de do majeur, et je suis revenu. C'est le ton du voisin supérieur. Même chose si je baisse d'une note en do majeur et que je reviens, c'est un ton voisin plus bas. Maintenant, si nous voulons passer à l'une de ces autres notes, disons sol ou do à partir de notre point de départ initial E, je peux passer par ce F pour me rendre à G. Encore une fois, en restant diatonique, en restant fidèle à la tonalité de do majeur Je peux également passer d'un D à un C. C'est ce qu'on appelle des sons passants. J'ai parcouru une note sans accord pour arriver à la note d'accord suivante Je pourrais avoir des tonalités passantes supérieures, tonalités passantes inférieures, des tonalités voisines supérieures ou inférieures. Prenons un exemple où je jouerai des accords en do majeur, en la mineur, en fa majeur et en sol majeur comme dans le dernier cours, et je vais vous expliquer comment je vais vous expliquer. Ça va être un peu inégal et lent. Le rythme ne nous inquiète pas trop, mais je vais vous expliquer ce que je fais avec ces sons voisins et ces sons passants . Allons-y. Je vais donc recommencer sur E, et nous allons commencer par un ton de voisin supérieur. Ensuite, je vais passer à l'accord suivant, qui contient toujours un E. Donc, cette fois, appliquons un ton de voisin plus bas, juste pour le varier un peu Maintenant, je joue en fa majeur. F est très proche. C'est mon aimant le plus proche de l'accord suivant. Je vais donc commencer par là. Faisons un ton de passe jusqu'à A, puis je vais passer à un G. Non, je vais passer à un B, qui est très proche de ce A, et je vais faire un ton de passe plus bas. Nous avons donc créé le voisin supérieur, le voisin inférieur, et nous avons fait le ton de croisement supérieur, le ton de croisement inférieur. Le voici sans que je n'en parle. Maintenant, le rythme est un peu ennuyeux, mais la mélodie parle d' elle-même. C'est très simple. Cela fonctionne très bien pour ce qui est de pouvoir être chanté par l'auditeur Il est assez possible de l'anticiper. Et puis l'auditeur, une fois qu'il a entendu ces deux premières notes, peut anticiper ce type d'appel et de réponse Voici l'appel et voici la réponse. Tout suit donc des règles simples. Je n'adopte aucune des approches dont nous avons parlé auparavant, pensant au voyage ou en pensant thème et aux variations. Ce genre de choses viendra plus tard. C'est un peu plus loin que la théorie. Mais il suffit d'examiner la théorie elle-même constater que nous disposons de mélodies vraiment compétentes, quelque chose qui pourrait vraiment bien fonctionner dans une chanson Maintenant, je vais fournir un PDF qui montre quelques accords. Nous allons parler de quelques tonalités d'accords, en travaillant avec les tonalités voisines et les tonalités passagères afin que vous puissiez voir à quoi tout cela ressemble dans le contexte des partitions de musique Donc, comme je l'ai dit, le concept est simple. Tonalités voisines, nous sommes sur une tonalité stable, haut en bas ou de bas en haut et de haut en bas pour revenir à notre point de départ et de passer à des tonalités, en commençant par une note et ou en descendant pour passer à la note d'accord suivante Maintenant, il est possible d' avoir ce que on pourrait appeler une double tonalité de croisement, où nous avons un accord en do majeur, et G est notre note mélodique Bien sûr, je peux descendre à E par un ton de passe, F. Mais et si je voulais passer à ce C élevé ? Peut-être que maintenant je suis en train de parcourir deux notes pour atteindre ce niveau élevé de C. Donc , dans le contexte, cela peut ressembler à ceci. Tu vois, j'ai dû ajouter un peu plus de densité rythmique pour passer à travers cette note supplémentaire, mais ça sonnait quand même très bien Aucun problème, nous ne faisons que suivre les règles. Voilà pour ce qui est des bases des tons voisins et des tons passants. Le dernier cours et celui-ci, si vous n'étiez qu'un spécialiste de ces deux cours, vous pourriez gagner beaucoup de temps en tant que compositeur de mélodies Ne pensez donc pas que tout cela se résumera à regarder la vidéo et à la pratiquer pendant 10 minutes. Vous voulez vraiment continuer à appliquer ce produit encore et encore pour en tirer le meilleur parti. Assurez-vous donc de le pratiquer. Amuse-toi bien, je te retrouverai au prochain cours. 8. Stabilité - Couleur - Dissonance: Jusqu'à présent, au sein du chœur, nous avons dansé autour de l'idée de stabilité, de couleur et de dissonance Décomposons-les un peu plus et commençons à parler de la façon dont vous pouvez conceptualiser la sensation que vous ressentez dans votre mélodie à un moment donné Quel que soit votre accord , passons-le cette fois en la mineur Si vous jouez l'une des notes de cet accord en la mineur, le son sera naturellement très stable En d'autres termes, la consonne, le contraire de la dissonance ou des Donc, si nous avons ce A, C ou E, fonctionne avec notre accord en la mineur, je pense que la question que se posent certains étudiants est la suivante : pourquoi cela fonctionne-t-il C'est à un autre endroit au piano. Mais considérez ceci. Si je jouais juste un accord en la mineur dans les deux mains, ça sonnerait bien, ou si je le faisais ici, ça sonnerait bien, ou si je le faisais avec un peu plus d' espace entre les deux, ça sonnerait bien Maintenant, je ne fais que de la main droite, au lieu de jouer l'accord en entier, je choisis peut-être juste une note de cet accord. Ainsi, chaque fois que nous jouons un accord, en tant que pianistes, dans une certaine mesure, c'est presque comme si notre esprit illuminait toutes les notes de cet accord sur l'ensemble du clavier Maintenant, si je joue un accord avec cet accord ou une note mélodique de cet accord avec mon accord, je sais que cela sonnera parfaitement bien et de manière stable Alors, est-ce qu'un A va mal sonner avec un A ? Non, c'est la même note. Est-ce qu'un A va sonner mal avec un C ? Non, c'est à un saut , et après tout, les sauts sont vraiment essentiels à l'harmonie Et si je vais dans l'autre sens, c'est un sixième. Et le sixième son super sympa aussi. Et puis nous avons E. Est-ce que A va entrer en conflit avec E ? Non, c'est une quatrième parfaite à un E et une cinquième parfaite à autre E. Donc rien dans cet accord ne dit que cette note ne peut pas fonctionner Donc, la stabilité consiste à prendre votre accord, quel qu'il soit, et à jouer l'une de ces notes dans votre mélodie La couleur, dans ce cas, serait de prendre l'une des notes qui ne figurent pas dans votre accord et qui ne présente pas de conflit entre les demi-tons. En d'autres termes, ce B, la note suivante disponible, se heurte à ce C d'un demi-ton déplacé En d'autres termes, si je le déplace de quelques octaves vers le bas, je peux voir ce demi-ton Mais encore une fois, n'oubliez pas que nous pensons à ces accords répartis sur tout le piano Donc, quand je joue ce B, je pense qu'il entre en conflit avec mon do grâce à ce genre d'accord imaginaire là-haut Mais qu'en est-il de D ? D est un ton loin du do, et c'est un ton loin du mi, deux de mes accords. C'est donc un excellent exemple de situation où les choses peuvent sembler un peu plus colorées. C'est une sorte de son flottant, peut être utilisé pas mal, par exemple, dans des accords jazzy J'ai un cours complet qui ajoute de la couleur aux accords, et c'est un concept similaire à celui-ci, à savoir quelles couleurs fonctionnent bien et pourquoi fonctionnent-elles bien tient en grande partie à la question de savoir il s' agit de la couleur d' un ton qui se frotte contre quelque chose ou la dissonance et de la dureté d'un demi-ton qui se frotte contre quelque chose ? Cela tient en grande partie à la question de savoir s'il s' agit de la couleur d' un ton qui se frotte contre quelque chose ou de la dissonance et de la dureté d'un demi-ton qui se frotte contre quelque chose ? Dans ce cas, nous avons un ton pour C et un ton pour E. Donc, il flotte comme si c'était très coloré Maintenant, si nous continuons à monter, nous avons F et G comme dernières notes. F est à un demi-ton de E, et encore une fois, nous imaginons un accord ici, sorte que le fa va être un peu plus dissonant Et puis si je monte plus haut, nous finissons par obtenir notre G. Maintenant, G est à un ton de A, qui est coloré et sûr, et il se trouve à un saut de E, ce qui est encore plus sûr. Nos accords sont fabriqués sur des bennes. Rien ne dit donc vraiment que cela va sonner mal. Et je pense que c'est pour cela que l'une des premières couleurs que nous apprenons en tant que pianistes de jazz ou pianistes en général est le septième accord Parce que nous savons que la septième n'est pas conflit avec la quinte de l'accord, en d'autres termes, la troisième note, dans ce cas, le mi, parce que c'est un saut, et nous restons fidèles à notre gamme à ce stade Et c'est un peu différent de cette autre note, dans ce cas, A. C'est donc un peu coloré et un peu stable. C'est un excellent moyen de nous initier à la couleur des accords. Maintenant, les deux notes qui se heurtaient mon accord en la mineur qui sonnaient dissonantes ou désagréables étaient le B et le F. Et encore une fois, la raison en est que le B conflit avec le do depuis mon accord, d'un demi-ton, et le F entre en conflit avec le mi de mon accord, également d'un et le F entre en conflit avec le mi de mon accord, également à mon accord en la mineur qui sonnaient dissonantes ou désagréables étaient le B et le F. Et encore une fois, la raison en est que le B entre en conflit avec le do depuis mon accord, d'un demi-ton, et le F entre en conflit avec le mi de mon accord, également d'un demi-ton. Mais comment sonnent-ils ? Écoutons juste un moment. Cela semble à moitié décent. Essayons d'atterrir sur le F cette fois. C'est bizarre. Le F sonne moins bien que le B. Donc, même lorsque nous sommes dans ce territoire dissonant, il y a des niveaux de Et comme nous restons fidèles à notre échelle, nous sommes diatoniques. Parlons un peu de cette dissonance diatonique peu de cette dissonance diatonique Pourquoi le B sonne légèrement mieux que le F ? Eh bien, cela a à voir avec les demi-tons, et lorsque nous commençons à les déplacer par octaves, les deux options Par exemple, si j'ai un si à un do et que j'élève le si d'une octave, j'ai une septième majeure, la première note d'une gamme majeure jusqu' j'ai une septième majeure, à la septième Et la plupart des gens sont d'accord pour dire que cela semble dissonant, mais ce n'est pas terrible Maintenant, si j'avais du do dièse à do dièse et que j'avais augmenté le do dièse d'une octave, j'ai maintenant ce qu' on appelle une neuvième mineure, un demi-ton de plus qu'une Et c'est beaucoup plus désagréable pour la plupart des gens. Alors, quand nous revenons à notre accord en la mineur, et que nous nous demandons : OK, ce B entre en conflit avec quoi Il entre en conflit avec le C. D'accord, donc ce choc que nous entendons, oui, c'est un demi-ton déplacé, mais il prend les caractéristiques d'une septième majeure, alors que le fa entre en conflit avec le mi, et c'est notre neuvième en mineur, sans doute, un Donc, lorsque nous parlons dissonance de ces demi-tons, il y a en quelque sorte deux niveaux de S'il s'agit d'une septième majeure en conflit avec une note de la main gauche, c'est dissonant mais Et si cela entre en conflit avec la note de la main gauche d'un neuvième mineur, c'est dissonant et probablement moins passable pour la plupart passable pour Maintenant, il existe en fait une troisième façon d'obtenir une dissonance avec un demi-ton ou avec des tons, et c'est de sortir de notre dissonance avec un demi-ton ou avec des tons, échelle. Donc, si je joue en la mineur et que je joue un mi bémol, cela entre en conflit avec mon mi majeur en septième majeur. Maintenant, tu te dis peut-être, Josh, que tu as dit que le septième majeur n'était pas si mal. C'est la neuvième mineure à laquelle il faut faire attention. Oui, mais cette note ne fait pas partie de notre échelle. Il y a donc quelque chose de fondamental dans La mineur, où nous superposons en quelque sorte à notre esprit la collection de notes disponibles qui sonneront bien avec Et lorsque nous avons ce son provenant de l'extérieur de la gamme, cela semble troublant Maintenant, je peux jouer cette note ? Bien sûr. Je suis en la mineur, et je joue beaucoup de ce ré dièse ou mi bémol. Mais encore une fois, tout dépend de ce que vous en faites. Et les musiciens de jazz seront parmi les premiers à vous dire que toutes les notes sont disponibles. Vous n'êtes jamais à plus d'un demi-ton d'une bonne note. Si je joue ce si bémol, cela ne sonne pas bien, mais vous pouvez trouver un moyen de le résoudre en une note logique. Et encore une fois, je passe de ce B à ce A, pensant à la ferraille attire l'aimant le plus proche. Mais j'ai juste adopté une approche un peu plus longue pour y arriver. Je crois que je l'ai joué un peu différemment, mais avec le même genre d'idée. C'est encore en train de résoudre ce problème, mais il faut encore un peu de danse pour le résoudre. Il y a donc de la stabilité. La note de notre mélodie est représentée dans notre accord . Il y a de la couleur. La note de notre mélodie est en conflit avec l'accord, mais uniquement Cela ne semble donc pas si dissonant. Cela semble juste un peu plus coloré. Et puis il y a la dissonance La mélodie entre en conflit avec l'harmonie par une sorte de demi-ton. Si vous avez en quelque sorte changé les choses et que vous avez déterminé il s' agit d'un septième conflit majeur ou d'un neuvième conflit mineur, vous pouvez alors classer cette dissonance en deux catégories : très dissonante Ensuite, bien sûr, nous ouvrons la boîte de Pandore en disant que nous pouvons également jouer des notes en dehors de la gamme C'est un peu hors du contexte de ce cours, mais à peu près tous vont sonner mal à moins que vous ne les résolviez de la bonne façon. Alors ils sonnent parfaitement bien. Mais il y a tout simplement beaucoup plus de marge d'erreur Soyez donc prudent si vous choisissez des notes qui ne figurent pas sur votre clé. Maintenant, souvenez-vous que chaque fois que je change d'accord , les aimants du piano changent de fond en comble. Nous devons donc tenir compte du fait que les règles je vous ai données dans ce cours s' appliquent à chaque type d' majeur, à chaque type d'accord mineur, pour les accords colorés tels que les accords septième et de neuf accords, quel que soit le contenu de l'harmonie, considérez comment cela interagit avec la mélodie, et chaque fois que votre accord change, tout change, que je vous ai données dans ce cours s' appliquent à chaque type d'accord majeur, à chaque type d'accord mineur, y compris pour les accords colorés tels que les accords de septième et de neuf accords, quel que soit le contenu de l'harmonie, considérez comment cela interagit avec la mélodie, et chaque fois que votre accord change, tout change, et vous en pensant à un nouvel ensemble d'aimants. Vous pouvez comprendre pourquoi il faut beaucoup de pratique avec l'instrument car pour éclairer le cerveau et imaginer de nouveaux aimants, de nouveaux aimants, et comment la mélodie interagit-elle, cela demande beaucoup de travail, mais c'est en fait très amusant de l'obtenir au point où c'est intuitif et totalement possible Cela prend juste du temps et de la pratique. Encore une fois, je vais vous fournir un PDF vous montrant cette stabilité, couleur et cette dissonance en action sur la Assurez-vous donc d'y jeter un œil si vous préférez lire des partitions. Voilà, stabilité, couleur et dissonance, un peu plus en profondeur parce que nous en avons déjà parlé jusqu'à présent, mais je voulais approfondir quelques couches afin que vous compreniez mieux comment ces trois types de fonctions principales de la mélodie interagissent avec l' harmonie et comment vous serez capable de le faire à tout moment lorsque vous jouez votre comprenez la fonction de cette note par rapport à votre harmonie. Alors c'est tout pour ce cours ? Je te retrouverai dans le prochain. 9. Passage chromatique et tons voisins: Très bien, parlons des tons chromatiques passants et des tons chromatiques voisins Les tons de croisement chromatiques peuvent se produire de différentes manières, mais en fonction du contexte de ce que je vous ai donné dans ce cours, je vais vous donner quelques accords un peu plus colorés afin que nous puissions toujours utiliser cette analogie entre aimant et ferraille Disons que mon accord est en do majeur, ajoutez-en deux. J'ai maintenant un D dans mon accord. Ainsi, les aimants du piano deviennent désormais CD E et G à tous les niveaux. Cela signifie que mon ton de passe de mi à do n'en est plus vraiment un. Ce ton est maintenant considéré comme plus stable car il s'inscrit dans notre harmonie et devient un aimant. Mais si je voulais passer de D à C ? n'y a qu'une seule note entre les deux. Ou D et E. Il n'y a qu'une seule note entre les deux. Fonctionne également du C à D ou du E à D. Chacun de ces tons comportera un petit demi-ton ou une note chromatique entre les deux, quelque chose qui ne se trouve pas dans notre tonalité ou dans notre gamme principale Donc, si je suis en mi et que je veux passer à un D, autre ton stable, je peux passer par un ton de croisement chromatique Je peux également descendre de D à C de la même manière. Donc C à D ou D à E, tout fonctionne. Mais comme vous pouvez le constater, une fois que vous commencez à en faire trop, cela donne une impression de tourbillon Nous voulons donc nous assurer de ne les utiliser que très peu ici et là. Disons que j'ai G, ton voisin, ton passant au E, puis j'ai le E, le ton chromatique au D, puis un petit saut vers un ton d'accord G, puis retour au C. Il y a un cas où un saut pourrait être acceptable parce que je travaillais tellement de tons et de demi-tons ici qu'au moment où je suis descendu à ce sol, un saut était en fait le bienvenu un saut était en fait Donc, pour vous entraîner, il peut être intéressant de jouer votre accord, en commençant par la racine, puis en utilisant tous les sons de passe disponibles Donc, ton de passe chromatique, C vers D, ton de croisement chromatique, D vers E, ton de passe diatonique, E vers G, sens diatonique G avec un double ton de passe jusqu'à C. C, double ton de passe vers le bas. En passant le ton vers le E, chromatique, le ton de croisement chromatique, vous pouvez également inverser le processus Vous allez entendre des tons de croisement chromatiques et des tons voisins chromatiques, un peu plus dans la musique classique ultérieure et beaucoup de jazz et de musique moderne Si vous remontez très loin en arrière, vous en verrez un peu dans des œuvres baroques, par exemple, de Bach, mais c'est quelque chose qui est devenu un peu plus aventureux au fur et à mesure que nos oreilles se sont élargies pour apprécier un peu plus le chromatisme Donc, en parlant de tons voisins chromatiques, étudions-les Maintenant, je devais fournir cet accord pour vous montrer ces petites tonalités passagères, mais les tonalités chromatiques voisines peuvent fonctionner sur n'importe quel accord Vous jouez n'importe laquelle des notes de cet accord, et vous passez d'un demi-ton à une note non Dans ce cas, si je déplace un demi-ton vers le haut, c'est Fa, qui est dans ma gamme de do majeur Mais si je baisse d'un demi-ton, je suis maintenant en mi bémol. Nous l'avons donc tonifié par un voisin, pour ainsi dire, où nous revenons au E après ce mi bémol. Encore une fois, il n'y a qu'une tonalité chromatique voisine d' un côté de ce E. Mais et si ma note était un sol ? Maintenant, si je descends d'un demi-ton, je suis en dehors de la tonalité de do majeur Si je monte d'un demi-ton, même idée. Encore une fois, il s'agit d'un son un peu plus aventureux, mais il n'y a rien de mal à cela techniquement si vous optez pour ce son Je vais ajouter un ton chromatique voisin dans une courte mélodie et voir si tu peux le comprendre. Ça ressemble à ça. Tu as remarqué ce sol pointu ? D'accord, nous allons peut-être donner un autre exemple. Nous avons maintenant ce F Sharp, par exemple. Donc, l'un de mes endroits préférés pour mettre tons voisins chromatiques se situe autour du cinquième Et Chopin l'a beaucoup fait, surtout dans sa musique mineure Je danse vraiment autour de ce cinquième. C'est une sorte de son coloré très sinistre. Donc quelque chose avec lequel tu peux jouer. Cela étant dit, si vous voulez appliquer une tonalité chromatique voisine à votre racine, à votre troisième, à votre septième ou à votre neuvième, tout cela est également acceptable, selon ce que vous avez dans votre harmonie à ce moment-là En termes simples, les tons passants chromatiques et les tons voisins chromatiques sont les mêmes que les tons passants et les tons voisins, mais nous ne restons pas diatoniques Nous ne restons pas fidèles à une échelle. Nous évitons un demi-ton pour une note située en dehors de notre gamme, soit pour revenir en arrière , soit pour éventuellement passer à une autre note Comme d'habitude, dans le cadre de ce cours, je vais vous fournir un PDF qui décrit certains des sujets dont nous avons parlé au cas où vous préféreriez apprendre par le biais de la page. Assurez-vous donc de faire attention à ce PDF. C'est tout pour ce cours sur les croisement chromatiques et les tons voisins, et je vous retrouverai dans le prochain cours 10. Décorations: Si vous souhaitez ajouter un peu plus de style et de complexité à vos mélodies, les ornements sont peut-être la solution Nous allons parler de trois des ornements les plus populaires que vous pouvez ajouter Ils fonctionnent particulièrement bien sur des instruments aigus comme le piano et la guitare Certains d'entre eux peuvent être chantés, mais ils sont en fait assez rapides. Je pense donc que ceux-ci se traduisent un peu mieux vers les instruments. Nous allons parler de mordents, virages et de trilles, alors allons-y. Le mordint est fondamentalement le même que le ton d'un voisin. la plupart des cas, vous allez les garder diatoniques ou fidèles à une échelle Supposons donc que j'ai un accord en do majeur et que ma note mélodique soit un mi . Un ton de voisin supérieur, si je dis vrai en do majeur, irait vers le fa et retour vers le mi, ou un ton de voisin inférieur descendrait en ré et retour en mi. Les mordents fonctionnent de la même manière. Ils sont juste beaucoup plus rapides. Il s'agit plutôt d'une sorte de grâce rapide vers la deuxième note. Et vraiment, je recommande utiliser vos doigts les plus rapides, car les morsures entre les doigts quatre et cinq seront beaucoup plus fortes qu'entre les doigts deux Nous avons donc des mordens supérieurs qui prennent ton d'un voisin supérieur et qui reviennent très rapidement. Abaissez les mordens en utilisant un ton de voisin plus bas et en revenant très rapidement. Et ce sont tes deux mordents de base. Donc, si nous les replaçons dans le contexte d' une mélodie, cela pourrait ressembler à ceci OK, il y a donc un haut puis un bas de A à G, dans ce cas. va de même lorsque votre harmonie change, vous devez reconsidérer les différents aimants disponibles et l' endroit où les notes mélodiques veulent attirer ces aimants ou, en d'autres termes, tonalités harmoniques de l' accord que vous jouez à ce moment-là La plupart de vos décorations fonctionneront mieux sur les tons d'accord En d'autres termes, vous remarquerez que pour l'accord en do majeur, j'ai donné l'exemple de mi G serait un excellent exemple, tout comme C. Vous pouvez techniquement appliquer un mordant à la couleur ou à la tension, mais soyez simplement conscient des différents rôles au sein de votre gamme et de la façon dont cela va sonner lorsque vous appliquez ce mordant Si vous vous intéressez à la couleur, disons D, vous devriez peut-être vous demander où vous voulez aller par la suite. Et si vous êtes à l'aise de vous attarder dans les couleurs, c'est très bien. Mais quelque chose comme F, oh, assez tendu. Alors peut-être un autre ornement pour vous mettre dans une situation de résolution Il s'agit donc de la partie supérieure de Mortens et partie inférieure de Mortens. Maintenant, parlons tour de rôle, s'il y a une note, par exemple, C, et qu'il y a cette ligne ondulée au-dessus, votre tour se passe sur C. En fait, vous ne commencez pas sur C. Vous commenceriez une note au-dessus de façon diatonique, donc fidèle Tirez vers le bas jusqu'à votre C, puis descendez en diatonie et revenez Maintenant, il est possible de créer des ornements qui ne sont pas diatoniques, qui Je pense que cela sort du contexte de ce cours. Pour l'instant, je veux vous donner les bases. Mais il y a plein de décorations. Ils ont changé en fonction s' agit-il du Morden de l'ère baroque classique ou romantique ? Est-ce que c'est aligné avec le billet ? Est-ce entre les notes ? Ils sont traités légèrement différemment, et je crois que vous pourriez suivre un cours complet uniquement sur l'ornementation Et je pourrais très bien le faire à l'avenir. Mais pour l'instant, je voulais juste vous faire savoir que nous nous en tenons aux ornements diatoniques, où nous restons toujours fidèles à notre gamme, mais vous pouvez vous sentir libre notes en dehors de la gamme et de voir ce que cela Donc, en référence au do avec le tour au-dessus, disons que notre accord est en la mineur, avec un do dedans Je serais au-dessus de mon do, jouerais le C. En dessous du do, jouerais le C. Cela ressemble à ceci, au E ou au A. Trois, deux, un, deux seront vos doigts les plus rapides disponibles, mais je recommande de l' essayer avec d'autres doigts Vous obtiendrez des sons comme 43, deux, trois ou 5434 Il est important de ne pas ignorer ces doigts les plus faibles, mais en même temps, nous voulons nous assurer de pouvoir mettre en valeur nos doigts les plus rapides pour ce à quoi ils sont bons, à savoir être rapides La même chose s'applique. Si je fais un virage sur un D, je vais obtenir de la couleur ou sur un F. Je vais créer de la tension sur A et B, je vais aussi obtenir un peu plus de couleur. Alors, demandez-vous où je me situe dans l'échelle pour ce qui est de l'endroit où je vais atterrir sur cet ornement ? Et est-ce que cela va me donner un son résolu, un son coloré ou un son dissonant ? Plus c'est dissonant, plus vous devez y faire face Une fois que vous avez terminé l'ornement, vous devez probablement le résoudre La résolution colorée vous permettra de vous attarder un peu plus longtemps, mais vous voudrez probablement tout de même vous résoudre Et là où vous devriez commencer avec ces ornements, c'est par la stabilité ou la consonance En d'autres termes, quelque chose qui sonne bien, l' un des modèles disponibles à l'époque. Enfin, parlons des trilles. Les trilles sont comme des virages dans la mesure où ils commencent au-dessus d'une note. Donc, si la note est un C et que nous voyons ce TR surmonté d'une ligne ondulée , c'est notre Nous allons commencer une note ci-dessus de façon diatonique. Donc, si j'ai un accord en do majeur et que je suis censé jouer au trilling en do majeur, je vais commencer par le ré puis passer au do . Il n'est pas nécessaire que ce soit une vitesse exacte Vous pouvez triller plus lentement ou vous pouvez troller rapidement. Aussi vite que possible. Très souvent, ils dureront un certain temps. Vous n'avez pas l'habitude de voir un trille durer, par exemple, pour une huitième note ou un quart de note, car à ce moment-là, cela ressemble un peu plus à un mordant Les trilles durent donc un peu plus longtemps, et certains instruments les utiliseront un peu plus fréquemment Je pense que l'instrument qui me vient en premier à l'esprit est la flûte. Nous entendons beaucoup de flûtes vibrer dans les orchestres. Gardez donc à l'esprit que le choix de l' instrument peut être important lorsque vous appliquez ces ornements à un instrument spécifique Donc, dans le cas d' un accord en la mineur, nous pouvons triller en A, en commençant par B. Nous pouvons triller en do majeur, ou nous pouvons triller en mi à partir de S. Vous pouvez même triller entre les accords nous pouvons triller en A, en commençant par B. Nous pouvons triller en do majeur, ou nous pouvons triller en mi à partir de S. Vous pouvez même triller S. Vous pouvez même Disons que j'ai quelque chose comme ça. OK, peut-être un peu trop lourd. Je parle un peu fort pour que vous puissiez vraiment entendre le trille Mais c'est l'idée de base qu'un trille ne doit pas nécessairement durer sur un seul accord. Ils sont suffisamment longs pour durer plusieurs accords. Réunissons donc ces trois ornements dans une petite mélodie avec une petite progression d'accords dans la Je vais jouer en la mineur, en ré mineur et en mi majeur dans cet ordre, et nous allons passer en revue l'ordre des ornements tels que je vous les ai présentés Je vais vous donner un mordent supérieur, un mordant inférieur, un tour et un trille Allons-y. Cela ressemblerait à ceci. Voilà. N'oubliez donc pas de consulter le PDF de ce cours où je vais vous montrer les symboles ces ornements particuliers directement sur la page au cas où vous préféreriez apprendre de cette façon J'espère que vous vous êtes bien amusé dans ce cours, à en apprendre davantage sur les mordants, les virages et les trilles, et je vous retrouverai au prochain 11. Pièces jointes: Ensuite, nous allons parler des boîtiers. Enfermer une note, c'est essentiellement l'entourer puis atterrir dessus Et nous pouvons le faire de nombreuses manières différentes. Je vais vous donner quelques exemples de pièces jointes. C'est dans le jazz que vous verrez le plus d'enclos. Vous les trouverez peut-être aussi dans la musique classique et romantique, mais je ne sais pas si on les appelait des enceintes à cette époque. Les enceintes sont très populaires dans les solos de jazz utilisés pour l'écriture de mélodies de jazz Et quel que soit le style dérivé du jazz, ce soit le Nosol ou le R&B ou autre, vous pourrez également y trouver des enceintes Je vais donc vous donner quatre exemples de boîtiers différents. Si c'est notre note, nous pourrions jouer au-dessus, dessous, puis y arriver. Et nous pouvons le faire de deux manières pour commencer. Je vais te montrer. Supposons donc que je joue un accord à sept en do majeur pour que les choses sonnent un peu naturellement Vous pouvez prendre n'importe quelle note de votre accord à sept en do majeur et l' entourer d'un demi-ton au-dessus de la note, d' un demi-ton en dessous de la note, puis arriver. À la note. Cela peut donc ressembler à cette petite enceinte à la fin : j'enfermais un sol, un demi-ton au-dessus, un demi-ton ci-dessous, puis Maintenant, s'il y a un ton dessous de la note disponible en diatonie, en d'autres termes, je suis en do majeur en ce moment J'essaie de placer un G, et un ton en dessous de G, j'ai un F, puis ce que nous pouvons faire, c'est commencer un demi-ton au-dessus, passer à cette note, un ton ci-dessous, puis remonter les demi-tons jusqu'à ce que j'arrive à la note à laquelle j'essaie d'arriver que j'arrive à la note à laquelle j'essaie Cela ressemblerait à ceci. Un son super jazzy, non ? Je vais donc simplement passer à la triade principale, do majeur, un sept de plus Ensuite, nous faisons notre annexe, demi-ton au-dessus, tonalité ci-dessous, puis Les deux autres types de boîtiers sont juste opposés. Je pourrais donc avoir un demi-ton en dessous, un demi-ton en haut, puis arriver Maintenant, je ne sais pas si j' entends autant ce boîtier, mais il est toujours utilisé très fréquemment. Et la même règle s'applique. S'il y a une tonalité au-dessus notre destination, la note est disponible diatonique selon notre échelle Dans ce cas, je suis en do majeur, donc il y a un A au-dessus, un ton au-dessus du sol. Je peux donc commencer un demi-ton en dessous du sol, puis un ton au-dessus, puis descendre par demi-tons jusqu'à ce que j'atteigne la note que j'essaie d'atteindre ou la note que Donc, en commençant par des demi-tons de chaque côté du boîtier, cela ressemblerait Ou si je fais le ton ci-dessus cette fois, donc demi-ton en bas et ton en haut, ça ressemblerait Cela semble toujours bien, mais c' est un peu moins courant alors. Vous allez juste beaucoup l'entendre. Cette enceinte en particulier est je crois, l' une de celles que j'entends le plus souvent. Nous avons donc, parmi toutes les annexes disponibles, un demi-ton au-dessus, un demi-ton ci-dessous, un demi-ton ci-dessous, un demi-ton ci-dessous, demi-ton ci-dessous, un demi-ton au-dessus, un demi-ton au-dessus, appuyez dessus. un demi-ton ci-dessous, un demi-ton au-dessus, un demi-ton au-dessus, appuyez dessus. Demi-ton ci-dessous, ton ci-dessus, complétez. Cependant, les demi-tons qui entourent la note que nous essayons de joindre peuvent Ce demi-ton d'un côté puis un ton de l' autre ne fonctionnent pas toujours, car, par exemple, si j'essaie de joindre ma note E et que je commence un demi-ton en dessous de mon mi, un ton au-dessus de mon mi un ton au-dessus Maintenant, j'aime beaucoup jouer un accord de do lydien sur sept accords en do majeur Mais disons simplement que nous essayons de rester en do majeur. Vous pouvez voir que je vais le casser assez rapidement ici. J'ai un demi-ton ci-dessous. Nous considérons cela comme chromatique, puis comme un ton au-dessus Eh bien, cette note en fa dièse n'est pas en do majeur. Je peux l'essayer. Voyons comment ça sonne. Cela semble quand même assez jazzy, mais comme point de départ, je dirais d'essayer de garder le ton lorsque vous vous éloignez d'un ton par rapport à votre note de destination Essayez de garder cette diatonique pour commencer, et vous pourrez devenir plus aventureux Voici un autre exemple encore plus aventureux. Si je voulais inclure le do, le demi-ton au-dessus et le ton ci-dessous, voici un Maintenant, j'ai un sept plat alors que je joue un accord majeur à sept, donc j'ai un sept majeur et un sept dominant qui se produisent en même temps Cela peut toujours fonctionner en raison de la rapidité avec laquelle ces boîtiers se produisent Jetez-y un coup d'œil, mais encore une fois, je ne recommanderais pas de commencer par ce type de boîtier. Essayons-le. Il y en a un peu plus dehors, non ? Nous avons et puis cet appartement deux, sept. Waouh. C'est plutôt aventureux. Cela fonctionne donc toujours tant que vous optez pour une note résolue avec le cordon. Si je devais faire le même genre de chose, mais sur une note qui n'est pas résolue dans le fil, vous obtiendrez des résultats vraiment nuls Supposons donc que mon cordon soit un G dominant sept et que je fasse le même type d'enclos, atterrissant sur un C, ce n'est pas une très bonne destination. Cela ressemblerait à ceci. Cela ne semble pas correct, non ? Donc pour l'instant, ce que je dirais est similaire à des ornements, les boîtiers veulent être finalisés sur une note qui ait du sens Donc, l'une des notes d'accord que vous avez serait une bonne note à joindre Ou si vous vous attendez à ce qu'un accord apparaisse, c'est vraiment très courant avec les boîtiers Disons que j'ai une progression d'accords mineurs de 251 en do mineur, vous pourriez obtenir quelque chose comme ça J'ai donc joué avec des gammes facilement disponibles pour les accords à deux et à cinq accords Maintenant, mon seul accord, le 7 en do mineur, est sur le point d'arriver, alors je mets un terminer cette phrase en particulier Vous pouvez donc joindre des notes à un seul accord si vous y réfléchissez pendant Donc quelque chose comme So I'm on A minor for a some, et je termine avec un petit boîtier, ou vous pouvez utiliser des boîtiers anticiper un changement d'accord à venir, comme dans l' exemple 251 que je Donc, comme dans nos autres cours, vous aurez à votre disposition un PDF qui vous montrera les bases de ces quatre types de boîtiers différents Donc, si vous êtes le genre d'étudiant qui aime apprendre en dehors des sentiers battus, ne vous inquiétez pas. J'ai ce qu'il vous faut. Je dois mentionner qu'il existe plus de types de boîtiers que ceux que je vous ai donnés Mais à un moment donné, si je vous lance tout type de boîtier, c'est comme si vous aviez trop d'informations ou une surcharge d'informations. Je dirais donc qu'il faut commencer par ces groupes chromatiques, entourant simplement une note par des demi-tons, puis en utilisant un ton de chaque côté et en le complétant Cela tient en partie à la façon dont fonctionne le timing, et cela ne sera acquis qu'en écoutant des tonnes de jazz et en pratiquant simplement la pratique. Donc, si je joue sur Beats Four et que je veux arriver à une note sur le premier rythme, j'utiliserais l'approche chromatique, demi-ton d'un côté, demi-ton de l'autre. À titre d' exemple très simple, un et deux, trois et quatre, et un. J'en ai donc eu quatre et les deux moitiés du rythme quatre que j'utilise comme enceinte, puis j'arrive à une note sur le rythme 1. Maintenant, si je veux donner le ton d'un côté, je dois commencer mon enclos à la fin du troisième temps. C'est pour en arriver à ma note sur Beat One. Vous pouvez arriver à votre note sur les battements un, deux, trois ou quatre comme bon point de départ ou même sur un et, mais vous devez trouver un moyen de donner du sens, et tout cela en commençant par les bases et en progressant. Donc, si je veux être sur ce G au premier temps, je dois jouer mon A bémol à la fin du troisième temps. Cela ressemblerait à ceci : un et deux, trois et quatre, et un. Vous devez donc dire : OK, il me reste deux demi-temps ou trois demi-battements avant que mon enceinte ne soit complètement finalisée. Où suis-je dans le bar ? Et comment puis-je atteindre ma note de destination, que ce soit au rythme un, deux, trois ou quatre, disons, de manière appropriée fonction du type de boîtier que j'utilise ? Encore une fois, vous n'allez pas penser à tout cela à la volée. Donc, pour l'instant, vous pouvez l'isoler au sein de votre cabinet, un peu comme je viens de le dire. Prenez un accord comme un accord en do majeur sept, prenez une balance, et progressez jusqu'au sommet, puis demandez-vous : OK, quand dois-je démarrer mon enceinte Un, deux et trois, et il suffit de monter sur la balance et de demander : Où est-ce que je veux joindre C'est peut-être un E quatre et un. Ce serait un, deux , trois, quatre et un. Ou, encore une fois, si vous devez le démarrer à la fin du battement trois dans cet exemple particulier, ce serait un et deux, trois et quatre, et un. Ils ont tous l'air très jazzy et très calculés, mais c'est difficile à calculer à la volée, va donc falloir s'entraîner Et encore une fois, écoutez beaucoup de jazz si vous aimez vraiment le son de ces enceintes Je recommande de commencer par quelques saxophonistes, comme Charlie Parker et John Coltrane, parce que ces gars utilisaient beaucoup de boîtiers , en particulier Charlie Parker Alors n'hésitez pas à les consulter. J'espère que vous avez apprécié ce cours sur les boîtiers, et je vous reparlerai lors du prochain cours 12. Arpèges: Très bien, parlons des arpèges . Ils sont intemporels. Ils couvrent à peu près tous les genres possibles, et ils sont vraiment excellents écriture de mélodies, car ils peuvent vous aider à naviguer d'un registre de votre instrument à l'autre Ainsi, par exemple, si je joue un accord en sol majeur, que je joue dans la tonalité de sol majeur, et que ma mélodie est en sol majeur, je suis peut-être ici au milieu du piano, mais je voudrais un jour travailler sur cette note finale B là-haut mais je voudrais un jour travailler sur cette note finale B là-haut Eh bien, je pourrais simplement faire une balance jusqu'à B ou un pouce jusqu' à ce qu'elle atteigne finalement un B, et il n'y a rien de mal à l'une ou l'autre de ces options. Mais disons que je dois le faire rapidement. Je pourrais avoir quelque chose comme Donc c'est un exemple d'arpège arpèges au sens plus traditionnel du terme, comme dans la musique classique, seraient plutôt pratiqués comme Et puis vous pouvez en jouer des versions et faire la même chose avec les septièmes Mais pour l'instant, nous nous intéressons principalement à notre main droite car c'est cette main qui navigue en quelque sorte dans ces mélodies Et nous n'avons pas besoin de parcourir plusieurs octaves avec ces arpèges Cela devient très inchantable à un moment donné. Cela dépend donc vraiment de la note sur laquelle vous commencez et de la note à laquelle vous essayez d'accéder. Mais ce que je recommande pour le moment c'est d'utiliser votre main droite, d'essayer quelques arpèges de position racine avec Nous allons juste passer d'une octave. Commençons par le C avec notre pouce, et nous allons juste le jouer cassé avec les doigts un, deux ou trois, puis nous pouvons jouer notre petit doigt vers le haut. Maintenant, si vous voulez continuer à passer entre nos piggios, il y a généralement un gros croisement Par exemple, passer de G avec le doigt trois à C avec le pouce. Et la plupart des erreurs commises par les débutants sont soit de regarder sous leur main, alors je lève la main et je regarde en dessous pour voir les doigts de cette façon afin de voir cette croix. Mais, en fait, la croix doit généralement être aveugle. Vous pouvez le voir sur la caméra ci-dessus, si je croise le pouce, vous ne pouvez pas le voir pour le moment, et moi non plus, mais vous apprenez à juger et à évaluer à quoi ressemble cette distance. Donc, si vous voulez continuer, il y a généralement un gros croisement. Mais pour l'instant, disons simplement que nous travaillons jusqu'à CE G, puis que nous atteignons un C. Cela peut aussi être le cas lorsque vous travaillez sur une sorte d'inversion du mot, et qu'à un moment donné, le fichier devient trop chargé pour vous donner un PDF complet sur chaque inversion de chaque arpège, puis sur le septième C'est presque un cours entier à ce moment-là. Je vais donc vous montrer dès maintenant certains des arpèges les plus basiques en position root, et vous pouvez les jouer tous avec les doigts un, deux, trois ou cinq Encore une fois, il ne s'agit pas d'arpèges à plusieurs octaves, où vous jouez deux octaves, mais cela sort un peu du contexte de l'écriture mélodique de toute façon Ainsi, chaque accord en position racine dans votre main droite peut vous permettre de jouer un, deux, trois, puis le petit doigt vers le haut d'une octave Parlons maintenant, encore une fois, cet arpège d'une octave, racine à racine Dans ce cas, nous allons partir du principe que notre destination est une racine au-dessus, et nous allons commencer au milieu du piano, puis descendre un peu plus bas pour avoir une excuse pour nous dire : je veux monter plus haut, mais je ne veux pas être dans cette fourchette extrême. La progression des accords peut donc être en do mineur sept, mi bémol mineur sept, fa moins sept, fa bémol, sept majeur Sur le F, je vais jouer un, deux, trois, cinq jusqu' à ce F élevé ici. Essayons-le. Ça ressemble à ça. avez-vous entendu, le son chemin jusqu' au F. Donc, en fait, nous sommes en quelque sorte en train de sauter sur des nénuphars sur tous les aimants ou sur tous les sons d'accords disponibles dans l'accord à sept en fa mineur, pour créer un accord en fa mineur Bien sûr, vous pourriez travailler jusqu'à la note supplémentaire de la septième. Cela dépend un peu de vous, mais je veux que vous vous assuriez que vous êtes à l'aise de le faire dans une position de base. Vous pouvez essayer avec des septièmes, la première inversion avec sept, la première inversion régulière Deuxième inversion avec sept, deuxième inversion régulière. Comme je l'ai dit, cela se charge très rapidement. Donc pour l'instant, un, deux, trois, cinq en position racine. Quel que soit votre accord, qu' il s'agisse d'un bémol mineur, mi bémol majeur ou d'un sol majeur, ce doigté fonctionnera pour Je vous ai donc donné tous les doigtés pour les arpèges de la main droite, mais je n'ai pas inclus les accords de septième car je pense que c'est un peu trop chargé Pour l'instant, nous allons simplement travailler avec des formes majeures et mineures de base, et vous pouvez trouver ces formes disponibles dans le PDF de cette classe. Enfin, nous pouvons utiliser ces arpèges quelque sorte inverses lorsque nous nous sommes trouvés trop haut et que nous devons descendre Peut-être que nous ne voulons pas parcourir une balance ou une sorte de groupe de notes se fraie un chemin vers le bas. Nous voulons y parvenir rapidement et efficacement, et nous voulons nous assurer que toutes les notes prises route ont du sens. Bien que vous ne verrez pas l'arpège descendant utilisé autant dans les mélodies pour une raison ou une autre, nous allons quand même l' essayer, mais gardez à l'esprit que vous verrez généralement ces arpèges utilisés un peu plus ascendants Mêmes accords que précédemment, do mineur sept, mi bémol majeur sept, fa mineur sept, fa bémol majeur sept Et pour l'accord en fa mineur à sept, je vais passer à une triade en fa mineur, mais en plus de l' Donc, une version à quatre notes d'un accord en fa mineur. Je vais peut-être l'essayer sur cette partie du piano. Nous allons donc monter jusqu'à ce F, puis redescendre. Cela ressemblerait à ceci. OK, alors voilà. En descendant cet accord en fa mineur, même si mon accord est en fa mineur sept, je n'ai pas à jouer toutes les notes du septième Le fa mineur fonctionne tout aussi bien. Vous avez donc des arpèges pour droitiers qui vous permettent de faire passer votre mélodie d' un registre à l'autre d'une manière logique, avec quelques notes de sécurité en cours de route J'espère que vous avez apprécié ce cours sur Arpeggios et je vous retrouverai au prochain cours 13. Densité rythmique: Parlons de densité rythmique. La densité rythmique est un sujet dont on pourrait parler en dehors du contexte des mélodies Il peut s'agir de l'arrangement d' un orchestre ou d'un groupe de rock, mais cela fonctionne même dans le cas de l'analyse de mélodies ou de l'adoption générale de l' approche la plus logique Les mélodies peuvent être rapides et compliquées ou lentes, comme une mélodie de ballade Mais si nous jouons trop l'une ou l'autre de ces extrémités du spectre, elles deviennent soit accablantes, soit un peu ennuyeuses. À titre d'exemple, voici une mélodie très rapide implacable, quelque chose comme ça Et je continue de divaguer comme une phrase sans interruption L'inverse serait une mélodie lente qui n' accélère jamais vraiment le rythme, comme une ballade censée être très Cela fonctionne, mais cela peut être un peu ennuyeux. Regarde, quelque chose comme ça. Et nous pouvons continuer comme ça, mais je ne vous ai pas vraiment intéressé. C'est comme si c'était génial si vous essayez d'endormir quelqu'un, ou si c'est peut-être censé être un point fort au cinéma Mais en général, les mélodies fonctionnent mieux avec un peu d'équilibre rythmique Donc, la densité rythmique, c'est quelle est la densité du rythme ? S'agit-il d'un grand nombre de notes 16 très regroupées, ou s'agit-il de demi-notes ou de notes entières très répandues C'est ce à quoi je fais référence lorsque je parle de densité rythmique. Et le flux et le reflux de la densité rythmique sont très importants pour s'assurer que vous racontez une histoire qui a du sens Même cette phrase, pour vous assurer que vous racontez une histoire, a du sens. Bitty bi dei bi dei bi Bibi B. Nous le faisons en anglais et je suis sûr que dans de nombreuses autres langues, où nous recevons des informations rapides, puis pour vraiment souligner un point, nous ralentissons, nous ralentissons Nous pouvons faire la même chose dans nos mélodies. Donc, pour prendre le premier exemple où je suis vraiment rapide et rapide, prenons quelques instants pour réfléchir et voir comment cela nous amène un peu plus dans les parties les plus rapides C'est comme si le sucré n'était pas aussi sucré sans l'acide. Vérifions-le. Quelque chose comme ça ? C'est donc en grande partie très rapide, mais maintenant, certains moments sont interrompus pour être un peu plus lents. Ou l'inverse, pour en revenir à notre exemple, un peu comme ajouter un petit ornement, quelques notes de huitième et de quart de note pour les juxtaposer, toutes ces notes plus longues qui peuvent finir par être un peu Encore une fois, que vous jouiez une mélodie rapide ou lente, essayez de contre-réagir à cette idée selon laquelle c'est de la musique lente, donc la mélodie doit être lente ou rapide, donc la mélodie doit toujours Assurez-vous de vous placer un peu dans position juxtaposée, afin que ce ne soit pas simplement rapide ou lent De cette façon, vous donnez de la variété à votre auditeur et vous pouvez vraiment vous concentrer sur certains moments où vous essayez d' attirer son attention Que votre mélodie soit toujours très rapide ou très lente, vous obtenez toujours cette ligne qui se stabilise. En termes de capacité d'attention, nous sommes peut-être surpris dès le début d'un morceau très rapide Whoa, c'est fou, complexe et amusant à écouter Mais finalement, ce ne sont que des lignes plates , c'est exactement la même chose. Ou si c'est vraiment lent, nous pourrions dire  : « Oh, tu m'as intéressé. C'est lent et réfléchi. J'ai l'impression d'être d'une humeur particulière en fonction de ce que vous jouez. Mais encore une fois, s'il ne bouge et qu'il reste lent tout le temps, il s'ajuste et vous finissez par perdre l'intérêt de l' auditeur Mais si quelque chose est lent et qu'il atteint un petit pic, c'est comme si, d'accord, c'était un nettoyant pour palettes Oh, c'était intéressant. Oh, maintenant nous revenons aux choses lentes, et les choses lentes sont redevenues fraîches. C'est un peu comme appuyer sur un petit bouton de réinitialisation de votre mélodie pour ce qui est de son rythme Je vais donc vous donner un PDF de base pour ce cours vous montrant une certaine densité rythmique où elle est toujours rapide, toujours lente, puis juxtaposée Ainsi, le matériau le plus rapide rencontre un matériau plus lent en tant que nettoyant pour le palais, et le matériau le plus lent est confronté à un matériau plus rapide en tant que nettoyant pour le palais Mais en fin de compte, celui-ci sera un petit PDF car il existe une infinité de façons de faire quelque chose comme ça en termes de densité rythmique Je vais donc le décomposer de manière simple. Cela a du sens pour toi. Bien que ce cours ait été un peu plus philosophique en termes d'approche mélodique, je pense qu'il vaut mieux ne rien négliger J'espère que vous avez apprécié ce cours, et je vous retrouverai dans le prochain. 14. Au swing, ou NE PAS au swing ?: Pour faire du swing ou non, vous devez vraiment réfléchir au genre pour lequel vous écrivez votre mélodie Est-ce du jazz, de la soul, du hip hop ? Dans ce cas, oui, tu voudras te balancer. Est-ce quelque chose d'un peu plus simple ? Même dans le disco et le funk, vous pouvez penser au swing, mais souvent, le rythme est droit Pareil pour la musique latine. Vous pouvez toujours vraiment faire du groove sans nécessairement avoir un rythme oscillant Ce cours est donc un peu rapide, mais je veux que vous vous demandiez , lorsque vous écrivez votre mélodie, si je dois l'écrire avec un rythme droit ou un rythme balancé ? Et nous allons également passer en revue les bases de ces deux approches rythmiques Parlons d'abord d'un rythme droit. Lorsque nous parlons de notes droites ou de swung, nous parlons de notes de huitième Par exemple, les quarts de notes, si vous balancez le son, sont les mêmes que les quarts de notes si vous êtes droit, deux, trois, quatre Ce sera pareil de toute façon. Mais que faites-vous avec les battements entre les battements principaux ou les s, pourrait-on dire, un et deux. Est-ce égal ? En d'autres termes, est-ce que tout est bien découpé sur la grille ou est-ce que tout est balancé ? La huitième note, un peu plus tard, représente-t-elle une valeur des deux tiers et un tiers pour votre note ou une note négative et une note optimiste ? Donc, pour jouer droit, vous devez vous assurer d'avoir juste un et deux, et trois et quatre avec des accents sur les chiffres un et deux, et trois et quatre à la fin. Alors essayez-le. Encore une fois, c'est un et deux, trois et quatre. Voici un exemple de mélodie directe, et nous allons ensuite expliquer comment applaudir , balancer, puis comment la traduire sur votre instrument Donc, avec le swing, nous comptons toujours un, deux, trois et quatre bouts, mais notre bout va sembler un peu tard. Un, deux, trois et quatre, comme un cheval au galop Mais ce n'est pas ce qui rend le swing difficile. Beaucoup d'élèves peuvent le faire dès le premier jour, mais le plus difficile est d'accentuer le et, en d'autres termes, jouer le et un peu de jouer le et un peu plus fort Tout va vraiment à l'envers par rapport au rythme normal. Ce n'est pas égal, c'est un peu grumeleux. Il ne s'agit pas d'accentuer le pessimisme, mais d' accentuer l'optimisme C'est un peu comme le concept du swing, a pris le rythme droit classique et l' a en quelque sorte bouleversé. Donc, avec ces accents, vous finissez par obtenir un et deux, trois et quatre et. Et au lieu de vous concentrer sur le fait d'être bruyant à la fin, concentrez-vous sur le fait de commencer en silence , puis d'être fort à la fin. Ce qui va probablement arriver, c'est que vous allez le retourner. Tu vas faire un, deux, trois et quatre. Vous aurez donc un et c'est fort puis un battement bas, comme trois qui sont forts, puis le tout est inversé Alors entraîne-toi un peu en comptant d'abord. Vous pouvez même le pratiquer avec des échelles, un et deux, trois et quatre, et un et deux, trois et quatre. Ensuite, vous pouvez l'appliquer à votre chanson. Une mélodie balancée peut ressembler à ceci. Écoutez ces petits accents. Et ce que je vais faire, et la plupart des musiciens aussi, c'est accentuer certains des rythmes bas pour que vous ayez en quelque sorte votre swing principal qui se produit sur l'accentuation des upbeats Mais parfois, cela fonctionne aussi très bien pour accentuer un downbeat. Rien ne dit que vous ne pouvez pas, mais l'accent général doit rester décalé Je vais donc fournir un PDF qui passe en revue ces principes de base, mais en réalité, tout dépend de ce que vous faites de votre entraînement pour être à l' aise en jouant avec un rythme oscillant Je suppose que la plupart d'entre vous peuvent déjà jouer avec un rythme droit, car il a tendance à être un peu plus récurrent dans la plupart des genres de musique. Quoi qu'il en soit, je vais vous aider avec ce PDF, et c'est tout pour que ce cours continue ou non. Je te verrai au prochain cours. 15. Mettre tout en œuvre: Très bien, alors mettons tout cela ensemble. Nous allons donner quatre exemples dans lesquels je vais expliquer comment je crée une mélodie avec une progression à quatre accords Ces mélodies seront fournies au format PDF, alors assurez-vous de les consulter Et les encadrements les tonalités passagères, les tonalités voisines et tout cela seront identifiés sur la page pour que vous puissiez la voir clairement et clairement définie. Passons à la première. Nous allons commencer nos deux premiers exemples par des rythmes droits, et nous allons utiliser les touches blanches. Pour la plupart de ces exemples. Le dernier que je vais vous donner en do mineur. Mais pour commencer avec les deux premiers, nous n'en sommes qu'aux touches blanches. Nous allons en faire un en do majeur. Nous allons en faire un en do mineur. Le premier en do majeur utilisera des tons voisins et tons passants uniquement pour rester beaux et simples, et cela ressemble à ceci. Nos accords sont en do majeur, fa majeur, la mineur, sol majeur ou allons-y en sol dominant sept Cela ressemble à quelque chose comme ça. OK, alors voilà. Notre prochain sera la mineur, le fa majeur, le ré mineur, le mi dominant sept, une progression d'accords de 1645 en la mineur Nous suivons quand même un rythme droit. Ça ressemble à ça. OK, nous avons donc ajouté quelques mordens supérieurs, mortens inférieurs et shrills Ensuite, nous allons créer chromatiques passantes et des tonalités chromatiques voisines, ainsi que des enceintes Quoi qu'il en soit, les boîtiers sont un peu plus appropriés Nous allons donc ajouter beaucoup de choses. Dans le prochain exemple, notre progression d'accords principale sera le do majeur sept, le mi mineur sept, le ré mineur sept et le sol dominant sept Je peux vous donner des tons chromatiques passants , des tons voisins chromatiques Et comme maintenant nous sommes en train de changer, je vais être en mesure de vous proposer des boîtiers un peu plus appropriés à ce stade Nous sommes donc en train de nous balancer. Nous sommes en do majeur. C'est la progression des accords. Allons-y. Cela ressemble à quelque chose comme ça. OK, vous pouvez donc voir qu'il y a beaucoup de chromatisme Et notre dernier exemple va vous donner des arpèges. Je vais monter un arpège, puis plus tard, je vais monter un arpège Et, bien entendu, il est presque impossible d' éviter les éléments de base tels que les tons passants et les sons voisins. Nous allons donc également en ajouter certains dans le mix . Ça ressemble à ça. Ils commencent vraiment à s'unir. Maintenant, assurez-vous que vous êtes en train de consulter le PDF que j'ai fourni. Les mélodies doivent être assez simples pour être interprétées. Avec un peu d'entraînement, vous pouvez les mettre au courant. Mais surtout, vous pourrez voir très clairement tous ces dispositifs mélodiques dans les mélodies tels qu'ils sont identifiés dans le PDF Le but de ce cours est donc de vous montrer que lorsque vous mettez tout cela ensemble, vous n' utilisez pas simplement l'un de ces appareils mélodiques ou même deux Tu vas en utiliser beaucoup. Gardez les choses intéressantes et suffisamment mélangées pour que votre auditeur soit intrigué pendant que vous jouez votre mélodie Je voulais m'assurer que vous disposiez d'exemples clairs de chacun des appareils dont nous avons parlé Je pense donc que ce PDF vous le fournira. J'espère que tu t'es bien amusé dans ce cours. Celui-ci va demander un peu de pratique en dehors de la page. Assurez-vous donc de consacrer ce temps. Je te verrai au prochain cours. 16. Outro: Félicitations pour avoir suivi ce cours sur l' écriture individuelle de Melody À l'heure actuelle, vous devriez avoir de nombreuses idées sur lesquelles vous pouvez travailler pour améliorer votre écriture mélodique et pour mieux comprendre ce que vous faites dans le cadre de votre écriture mélodique Il est conseillé de prendre note de certaines de vos astuces préférées et d' essayer de les utiliser un peu dans votre propre écriture. En fin de compte, j'ai l'impression que cela nous aide à affiner notre style en tant que compositeur ou interprète. Privilégiez certaines techniques et faites-en vraiment trop au point qu'elles deviennent une seconde nature pour vous N'oubliez pas qu'il y aura un projet de classe cadre duquel vous devrez soit écrire, soit interpréter une progression d'accords à quatre mesures avec une mélodie par-dessus, en utilisant au moins deux des techniques abordées dans ce Encore une fois, si vous avez oublié la classe qui passe en revue les détails du projet, assurez-vous de la consulter à nouveau, car tous les détails dont vous avez besoin pour ce projet se trouvent dans cette J'espère que, quel que soit le style de musique que vous jouez ou pour lequel vous composez, il y a quelque chose dans ce cours qui pourra vous aider à améliorer votre écriture mélodique à un niveau supérieur Mais cela va demander beaucoup d'entraînement de votre part. Donc, comme d'habitude, je vous recommande vivement de pratiquer ce matériel de manière approfondie et de n'hésitez pas à le parcourir autant fois que nécessaire pour bien assimiler les informations. Maintenant, si vous voulez en savoir plus sur moi, rendez-vous sur Cook hyphenmusic.ca. C'est mon site Web personnel où vous pouvez consulter mon portfolio, mais il y a aussi des liens vers ma boutique et l' école de musique que Donc, que vous recherchiez des cours virtuels avec un professeur, et que nous proposons des cours de violon, de mixage et de maîtrise du piano, nous avons vraiment un large éventail de Ou si vous souhaitez acheter des partitions dans la boutique de compositions originales que j'ai composées, Cook hyphenmusic.ca vous fournira toutes les ressources dont vous avez besoin pour en savoir plus sur moi et sur ce que besoin pour en savoir plus sur moi et sur je fais dans le cadre de mon propre Vous pourrez également obtenir des liens vers ma chaîne YouTube où je propose des leçons supplémentaires qui ne sont pas disponibles dans mes cours. Et, bien sûr, vous pourrez également y trouver mes identifiants de réseaux sociaux. Mais pour une référence rapide, vous pouvez me trouver sur Instagram à Let's Cook Music. Merci donc d'avoir suivi ce cours. Si vous l'avez apprécié, n' hésitez pas à donner votre avis. Ces critiques contribuent à aider mes cours à toucher d' autres personnes comme vous. J'essaie toujours d'améliorer la qualité de ces cours et je suis toujours ouvert aux idées de cours de mes étudiants. Et je tiens à mentionner que j'essaie de suivre 100 cours. J'ai déjà 140 idées de cours, et j'ai détaillé la structure cours pour chacun de ces cours. Mais aujourd'hui, je termine mon 25e cours, ce qui a été une étape importante pour moi dans ce processus. Donc, je suppose, un coussin sur mon dos , un coussin sur votre dos pour avoir terminé ce cours. J'espère que vous dialoguerez avec moi. Même de l'autre côté d'Internet. C'est toujours agréable d' entendre de nouveaux musiciens. Si vous avez des questions en cours de route, n' hésitez pas à nous contacter. J'espère vraiment que vous avez apprécié ce cours, et je vous retrouverai au prochain.