Les bases de la production musicale | Seth Mosley

1. Introduction à la musique complète: Salut, je m'appelle Seth. La plupart du temps, ma société s'appelle Full Circle Music. Vous pouvez trouver une ligne de chanson à plein cercle musique point Vous pouvez trouver notre travail dans le monde entier sur innombrables albums gagnants Grammy, Dove Award albums et au sommet des charts Billboard et toutes sortes de façon TV ont probablement 20 Numéro un radio célibataires. Full Circle Music est un collectif de producteurs, auteurs-compositeurs et de créateurs qui font de la musique au plus haut niveau. Nous nous efforçons toujours d'être à la pointe de la technologie, tout en embrassant la familiarité qui fait un succès. J' ai eu la chance et la bénédiction de quand ces 2013 panneau d'affichage Richard la guerre de l'année sacs sur hors de l'année décerner Grammy Award pour les doubles récompenses. Nous cherchons toujours à élargir notre équipe et à travailler avec les meilleurs artistes. Qui sait que vous pourriez être l'un de nos prochains producteurs. 2. Les bases de la production: merci de nous rejoindre. Nous espérons que c'est l'étincelle dont vous avez besoin pour poursuivre votre rêve d'être un graisseur de musique professionnel . Nous allons couvrir les fondamentaux de la production de musique pop moderne, choses comme l'ingénierie d'engrenage, montage, mixage et le mastering. Nous espérons que vous vous éloignez de ce parcours avec une vue d'oiseau et une meilleure compréhension de la raison pour laquelle certains trucs sont utilisés maintes et maintes fois dans d'innombrables pop. Il y a un élément de production que vous avez juste à être un naturel à elle. Mais il y a aussi un grand élément qui peut être appris au fil du temps, et je trouve que c'est probablement encore plus important. Pratique 10 000 heures et tout ce que tu as ici. Il est vraiment important de travailler avec elle de façon cohérente pendant longtemps. Alors que je me suis assis pour créer ce cours, je n'avais aucune idée à quel point il serait difficile de prendre 10 000 heures ou plus. À ce stade de l'expérience et toujours en un cours d'introduction, je pourrais passer des heures sur un seul sujet, comme l'édition ou la programmation de batterie, ou même le décomposer plus spécifique que celui sur un bon coup de batterie pour différents sorte de montage donc je ne veux pas que vous pensiez que c'est en aucun cas va être une plongée profonde, des forces complètes depuis l'introduction. Mais mon espoir est que vous repartez avec une vue d'oiseau sur ce à quoi ressemble la production de musique pop moderne et le plus important des moulins. 3. 1 : équipement fondamentale: Donc, je veux commencer cette section en parlant de quelques-uns des fondamentaux dont vous aurez besoin pour faire un enregistrement de base. Je ne veux pas vous insister et vous faire croire que vous devez aller chercher votre carte de crédit et acheter 25 000$ par année pour faire un enregistrement sonore professionnel. Ce n'est pas le point du tout, non plus, à certains outils très basiques que, au niveau de base, vous aurez probablement besoin à un moment donné Teoh enregistrer audio et de faire de la programmation dans les fonctions de base de mixage et d'édition. La première chose dont vous aurez besoin est un ordinateur décent, sorte d'ordinateur décent. y a vraiment aucun moyen de contourner ça. Personnellement, j'utilise un Mac, et je préfère vraiment un ordinateur portable parce qu'il vous permet de faire ce que vous faites n'importe où pour prendre votre plate-forme sur la route. Nous faisons beaucoup de cela maintenant il iss, mais si vous avez Windows, c'est parfaitement OK pour qu'il n'y ait vraiment pas de bien ou de mal. Ce que j'aime chez Mac, c'est qu'il est livré en stock avec un outil de production très puissant appelé Garage Band vous permet d'enregistrer plusieurs pistes. Il vous permet de programmer, de mélanger et de maîtriser même vos fenêtres de pistes. Il y a des outils similaires là-bas. Des choses comme l'audace d'en jeter un. Il y a vraiment un bon endroit pour commencer si vous n'avez pas le budget nécessaire. Dépensez sur un programme comme Logic Pro, qui est 200$ est livré avec vraiment tout ce que vous auriez jamais besoin de faire. Production moderne numéro deux La chose dont vous aurez besoin est une interface décente à nouveau. Vous pouvez passer de super pas cher à super cher sur cette partie. Je ne dis pas que vous devez commencer par le haut, mais vous avez besoin d'une sorte d'interface. Et simplement, tout ce que l'interface ONU fait est qu'elle connecte la source sonore comme le microphone ou la guitare ou tout autre que vous branchez à l'ordinateur, et il obtient le son d'ici dans la boîte. Vous n'avez pas besoin de dépenser une tonne pour obtenir une excellente interface. Aujourd'hui, c'est la beauté de la technologie d'enregistrement moderne. Numéro trois. Un microphone décent Vous pouvez aller tout le chemin d'un microphone de 20$ à un micro de 20 000$, mais sachez juste que Michael Jackson a enregistré thriller sur un Shure sm sept, qui est un microphone de 349$ qui pourrait être cher pour certains d'entre vous là-bas. Ce n'est peut-être pas grand-chose du tout, je ne sais pas, mais vous avez besoin d'une sorte de microphone pour mettre votre voix dans l'ordinateur. Numéro quatre câbles fera un PDF, qui décompose exactement quels câbles vous aurez besoin pour connecter, quel orteil quoi. Et je ne vais même pas plonger là-dedans parce que les câbles sont la partie ennuyeuse. C' est la partie sur laquelle personne n'aime dépenser de l'argent, mais il faut juste les avoir et ils s'emmêlent pour que les câbles soient la partie ennuyeuse. Mais ils connectent votre microphone à votre interface, de votre interface à votre ordinateur, de votre interface à vos haut-parleurs et tout le reste. Numéro cinq écouteurs et moniteurs de studio. Les écouteurs sont parfaits parce que vous pouvez travailler à nouveau n'importe où. Il suffit de brancher votre ordinateur portable. Je connais beaucoup de bons disques qui ont été faits dans le programme, juste en utilisant littéralement un ordinateur portable et un casque. Tu écoutes n'importe quel nouveau genre de trucs. Beaucoup de gars air, littéralement juste la programmation sans contrôleur midi il suffit d'utiliser un ordinateur portable dans leurs écouteurs. Donc, ayant un certain nombre d'écouteurs décents, ce genre important que vous voulez savoir, vous savez ce que vous entendez est un peu précis. Je dirais, tu sais, avoir quelque chose d'un peu plus agréable que, comme la pomme, euh, tes bourgeons, pour commencer. Mais encore une fois, vous pouvez trouver quelques grands écouteurs pour 40 $50 que vous n'avez pas les orteils briser votre pause votre portefeuille sur un Sfar un moniteur studio, va moniteurs studio air Super si vous êtes en collaboration avec d'autres personnes, parce que tout le monde dans la pièce entend la même chose jusqu'à la dernière fois que vous le manivellez et le montrer aux gens Jolie auto-explicative Studio moniteurs air juste haut-parleurs haut de gamme, donc ils sont conçus pour représenter avec précision l'audio que vous avez dans votre ordinateur. Numéro six, un contrôleur Midi. En termes simples, un contrôleur MIDI est juste un clavier, comme un piano qui a une sortie USB ou FireWire ou Thunderball qui va directement dans votre ordinateur portable, et vous l'utilisez pour déclencher des instruments logiciels pour programmer la batterie à faire toutes sortes de fonctions. Il est vraiment difficile d'être un producteur moderne, ne pas avoir une sorte de petit contrôleur MIDI à nouveau. Vous n'avez pas besoin d'aller dépenser une tonne d'argent pour un. Et beaucoup de gens sont devenus vraiment bons. Il est littéralement juste en utilisant le clavier de l'ordinateur portable pour la programmation, sorte que vous pouvez totalement sortir avec cela, aussi. C' est juste une préférence personnelle. Numéro sept a D a W D. W signifie station de travail audio numérique, et c'est essentiellement le logiciel que vous allez utiliser pour enregistrer le mix de programmes, organiser et assembler vos productions. Des choses comme la logique. Pro Pro outils que base performer numérique Ce sont tous différents D. A W's certains des libres ou GarageBand et audace. Comme nous l'avons dit, c'était génial de commencer jusqu'à ce que l'on apprenne les bases et les fondamentaux de l'enregistrement. Donc tu en as besoin. Vous avez besoin d'un D décent en WRC, au moins une sorte de DW pour commencer. Et le numéro huit est un micro stand. Je ne vais même pas passer le temps de dire ce que c'est parce que vous savez à nouveau ce que l'ISS détient un microphone. Je ne veux pas me perdre dans la fosse de vitesse parce qu'il y a beaucoup de sites Web que vous pouvez lire sur. Est-ce que cela engrenages mieux et vous avez besoin de cet équipement et vous avez besoin cette année, et j'ai cette chose haut de gamme x r 27,000 qui sonne mieux que le 24,000 et vous pouvez vous perdre dans cela. Il est vraiment pas sur l'année de l'année à un certain point est important, mais il est plus important de savoir ce que vous avez dans maîtriser ce que vous avez et obtenir vraiment bon à cela. Nous avons créé un paquet pour vous aider avec certaines de nos recommandations pour les pièces d'engrenage . Vous pouvez en acheter une partie, tout ça, rien de tout ça. Mais cliquez sur le lien pour cela. Nous avons un PDF qui en a un dans un format de liste qui pourrait juste vous donner un bon endroit pour sortir et commencer. 4. Fondamentale 2 : ingénierie: l' enregistrement de l'ingénierie, le suivi de ce que vous voulez appeler ça. Il s'agit d'obtenir le son idéal et de capturer la performance parfaite de l'artiste . Non seulement pour être parfait, mais pour capturer l'émotion et inspirer de grandes performances. Les performances doivent être crédibles. Ils doivent être pro, et ils doivent être convaincants. Et c'est ce que votre travail est et les ingénieurs à faire. Beaucoup d'entre vous, vous allez juste être ingénieur vous-même. Donc c'est un peu différent. Et c'est comme ça que j'ai commencé à enregistrer First était juste en enregistrant mes propres chansons dans le sous-sol de mes parents, donc vous obtenez beaucoup de pratique d'ingénierie et une sorte de pratique d'auto-édition pendant que vous continuez que c'est à propos de capturer de l'audio, votre voix, votre guitare ou votre clavier ou quelles que soient les sources audio. Mais il s'agit aussi de connaître les bons sons à utiliser lorsque vous programmez, par exemple, une partie de piano ou un son de batterie. Il s'agit de connaître le bon échantillon à utiliser pour un kick drum ou tout ce que vous voulez. Un fondamental important est acquis structure. Si vous définissez votre gain trop bas, vous allez finir par avoir des tonnes de bruit et c'est que se compose sur beaucoup de pistes ou juste avoir une piste vraiment bruyante. Vous avez dit que la structure de gain est trop élevée et que vous obtenez une distorsion, ce qui ne semble pas très bon. Donc, vous voulez vous assurer que votre structure de gain est juste depuis le début sur les interfaces . C' est assez facile à faire avec, littéralement juste un bouton de coupe habituellement ou quelque chose comme ça. Donc, passez le temps de bien faire ça. Évidemment, si vous enregistrez une partie silencieuse sur votre guitare qui est vraiment intime, vous voulez probablement tourner pour gagner un peu. Si vous allez à la fraise de ville sur la chanson de Mumford, vous voulez probablement la réduire un peu, donc il ne semble pas que vos haut-parleurs explosent là à moins que ce soit ce que vous voulez . Bien sûr, il est également important d'avoir le bon type d'environnement de salle d'enregistrement, en particulier pour les voix qui pourraient être importantes. Si vous faites une piste pop, vous voulez que la pièce soit assez morte, mais cela est réalisable simplement en créant un petit stand avec des couvertures et en les mettant autour de vous. Certaines de nos premières cabines vocales, c'est tout ce qu'elles étaient. placards qui étaient juste bordés de couvertures et de vêtements et tout ce que nous pouvions trouver qui serait mort dans le son. Si vous voulez un son plus spacieux et que vous voulez une réverbération un peu plus naturelle, c'est bon si vous enregistrez dans une pièce un peu plus live. Mais ce qui finit par arriver, comme nous le découvrirons un peu plus tard dans le processus de production, c'est quand vous entrez dans le mélange, vous commencez à utiliser un outil appelé compression. Et ce que la compression fait, c'est que ça donne l'impression que si vous parlez comme si vous êtes dans une petite grotte à vos propres années. Quand tu seras compressé, on dirait que tu es dans un tunnel souterrain. Donc, vous voulez vraiment prendre le temps de, vous savez, vous savez, obtenir un réglage de la pièce de base et aussi pour votre environnement d'écoute à Si vous êtes sur casque, cela n'a pas vraiment d'importance, mais assurez-vous que que votre studio surveille dans la pièce que vous êtes autant que vous pouvez contrôler, qu'il n'y a pas beaucoup d'échos et de réflexions. Évidemment, vous n'avez pas toujours le contrôle de la situation. Beaucoup de nos productions modernes sont réalisées dans les bus, les chambres vertes et les vestiaires et partout où les artistes sont présents en tournée. Donc vous ne pouvez évidemment pas le contrôler tout le temps. Mais autant que vous le pouvez, c'est une bonne chose pour un conseil que je ne peux pas trop insister, c'est de ne pas avoir peur d'être un perfectionniste. Je pense que plus je le fais, plus je suis lent, parce que parfois pour obtenir cette prise parfaite, faut chanter la ligne ou avoir le chanteur en single 25 fois et ne pas avoir peur de ça. Je pense toujours qu'il est préférable de l'obtenir directement sur le devant et ne pas avoir à l'éditer ou à l'ajuster ou à l'heure plus tard. Cela sonne toujours mieux si vous obtenez la performance tout de suite et ne vous sentez pas gêné. Si vous devez chanter la ligne 25 fois pour le faire correctement. Personne n'est parfait, vraiment. Je n'arrive pas à penser à un chanteur avec qui on a déjà travaillé avec qui on vient de presser un disque et la première prise était ça. y a peut-être pas un chanteur de nos jours qui puisse le faire, alors ne vous sentez pas gêné ou non. Si c'est le cas, nous sommes tous sur la même page avec ça. Un autre conseil est ceci. N' ayez pas peur d'enregistrer votre chanson pour la concevoir en sections. Concentrez-vous sur les cours. Prends ça droit, puis passe sur le pont. Vous n'avez pas à avoir l'impression d'avoir à appuyer sur record de haut en bas, et c'est tout. Vous savez que vous allez vous habituer à poinçonner, et poinçonner est les termes techniques que nous avons utilisés pour quand vous appuyez sur Play, vous appuyez sur Record. C' est un coup de poing quand vous frappez le record à nouveau. C' est un coup de poing, et au fil du temps vous obtiendrez vite ça. Mais n'ayez pas peur d'enregistrer la chanson en sections. La plupart des pros le font. On le fait tous les jours. De nos jours, il y a tellement de chefs et d'échantillons gratuits en ligne, et avoir les bons sons d'échantillon peut vous faire économiser beaucoup de temps, surtout si vous êtes comme moi. Et tu n'aimes pas rester là à jouer avec un kick drum pendant des semaines pour l'obtenir juste . Il y en a un à qui nous voulions donner un cri en particulier et il y a une société appelée ce Sound ici, où nous venons de Nashville, Tennessee, et nous fabriquons des échantillons de la plus haute qualité que vous êtes. l'audition apparaît sur tous les disques pro de nos jours. Vérifie ça. C' est que je veux ce son point com. Vous pouvez obtenir leurs banques pour Sotchi, et il est irréel à quel point vous pouvez commencer avec des sons de batterie pour vos morceaux. Dernier conseil Pour rappel, il est toujours préférable de l'obtenir directement sur le devant et plutôt que d'essayer de le réparer sur le dos . 5. 4 : mélanger: mélange. Cela pourrait être l'une des parties les plus subjectives de l'ensemble du processus de production. Je ne peux pas insister assez. Chaque personne aura un goût différent quand il s'agit de la façon dont elle aime entendre un son. Je vais entendre un kick drum peut-être différemment que vous l'entendiez. Mais simplement, mélanger, c'est prendre tous vos sons. C' est les équilibrer. C' est les peindre, ajuster vos niveaux, en utilisant e que l'automatisation de compression et d'autres effets pour emmener l'auditeur dans un voyage depuis le début du signe de la fin de la chanson. Il met également en évidence les parties importantes de la piste dans la création de la bonne quantité d' espace pour les meilleurs mixeurs que je connais prennent vraiment leur temps et écoutent la chanson qu'ils mélangent avec la chanson à l'esprit. Et si c'est une chanson country et qu'il s'agit d'une histoire, ils vont s'assurer que la lyrique est la chose sur laquelle vous êtes concentré. Vous ne serez pas concentré sur le tambourin sur le côté gauche à moins que le cerveau de Tam ne raconte l'histoire. Bien sûr, mixage est un travail difficile parce que si vous le faites bien, vous disparaissez juste dans la musique et personne ne sait vraiment que vous êtes là, et personne ne sait vraiment ce que vous avez fait. Mais c'est un travail difficile parce que si vous faites un mauvais travail, les gens savent certainement où pointer le doigt. Et ils savent que quelque chose ne semble pas juste. Je ne dis pas ça pour décourager. Je dis ça pour dire ça mélangé avec la chanson en tête. Et n'ayez jamais peur d'être en constante évolution et de développer votre métier de mélanger le meilleur mix. Les ingénieurs que je connais apprennent constamment en utilisant de nouveaux outils. J' étais juste avec un aujourd'hui, en fait, et quand j'étais là il y a un mois, son ensemble d'outils était complètement remanié, alors n'ayez pas peur de changer et d'évoluer constamment votre métier. Comme je l'ai déjà dit, mélange est très subjectif parce que la façon dont vous entendez la voix peut être complètement différente de la façon dont je l'entends vraiment est un art. Et c'est l'endroit où vous pouvez laisser votre signature sur une production. Un mauvais mélange peut distraire l'auditeur de ce qui se passe réellement dans la chanson. Un bon mélange est juste comme prendre une photo et de le mettre dans le cadre parfait et de rester à l'écart, quelques bases de mélange pour vous laisser avec numéro un e que court pour l'égalisation ou l'égalisation. Et c'est essentiellement équilibrer les bas, les médiums et les hauts pour l'expliquer très simplement, si un kick drum semble trop étudier, vous allez probablement faire monter les hauts un peu. Si les voix sonnent trop dur, vous pourriez pendant les hauts vers le bas un peu. C' est beaucoup plus compliqué que cela, mais c'est l'aperçu de base de ce qu'est et fait e. Que . numéro deux est la compression et la limitation, et cela tombe sous un gros sous-titre de ce que vous appelleriez la dynamique. compression apporte essentiellement les parties les plus silencieuses de votre signal et écrase les parties les plus bruyantes. Donc, au lieu de comme ça, c'est un peu plus de niveau. Les pros savent qu'il est normal d'écraser les choses, mais savent aussi qu'utiliser trop de compression et de limitation peut retirer l'humanité d'une performance, et cela peut le faire paraître mort et sans vie. Limiter est aussi comment les enregistrements d'aujourd'hui peuvent sonner si fort. Les gens n'ont pas peur de serrer le limiteur et juste le faire claquer et frapper comme un mur de briques . C' est une sorte de pierre de touche de la musique pop moderne, c'est à quel point elle est forte, et les gens y parviennent grâce à la compression créative et à la limitation créative. Le numéro trois est la réverbération et le délai. C' est un outil qui peut à l'espace à une piste qu'il peut conseiller, et il peut avoir du style à elle. Cela pourrait être la plus grande différence, d'un genre à l'autre, de la façon dont les gens utilisent la réverbération et le délai. Si vous revenez en arrière et écoutez beaucoup de disques des années 80, ils n'avaient pas peur de tourner la rivière vers 2 11 Et si vous allez écouter Taylor Swift, 1989 son nouveau disque sur sa voix, La réverbération est forte et claire. Le retard est fort et clair, et n'ayez pas peur de le faire. Mais alors tu pourrais aller écouter de l'argent géant. Je ne sais pas si son dernier disque utilisait une rivière si je pouvais me tromper. Mais il existe différents types de réverbération. Il y a différents types de retards. Hum, quelques exemples de ceux-ci sont la réverbération printanière. Il y a une plaque de réverbération fermée, réverbération, verbes re hall et des verbes de la rivière chambre sur les retards. Il y a des retards sur bande, retard numérique, ping pong stéréo et des retards de claquement. En fin de compte, chacune de ces choses crée une ambiance différente, et beaucoup de gens utilisent une combinaison de tous dans leurs mélanges. 6. 3 : montage: édition. C' est là que la magie se produit. Appelez ça le mal. Appelez ça génial. C' est auto tune, son rythme mélodique, détective vocal. Je suis flextime, comping, quanta, izing . Quoi que vous fassiez, tout cela fait partie de l'édition. Cela arrive sur tous les disques pop modernes, et en fait, je parie pour dire que c'est vraiment ce qui va faire ressortir vos productions et ne pas ressembler à des productions amateurs. Évidemment, au début, tu ne seras pas génial éditeur juste à la porte. Mais avec le temps, vous vous améliorerez, et votre production commencera juste à paraître un peu plus pro. C' est là que vous emmenez ces 25 super Tex vocaux que vous aviez chanté avant de les attraper ensemble. Littéralement. N' ayez pas peur d'aller mot par mot. Il y a beaucoup de fois qu'on fait ça, euh, et tu t'assure qu'une fois que tu as un copte, c'est à temps et qu'une fois c'est à temps qu'il est en accord. C' est le processus de chant, et c'est la même chose sur les pistes de guitare ou audio. Mais évidemment, vous n'utilisez pas la fonction de réglage. Vous vous assurez juste que tout est dans le temps et que dans la poche se sent bien, évidemment, du genre au genre et du style de musique que vous allez faire. Certains disques vont être plus serrés que d'autres, et finalement, c'est gentil à votre goût personnel. Si vous écoutez beaucoup des 40 meilleurs trucs, c'est à la radio maintenant. C' est très serré, et c'est très important qu'il soit sur la grille, pour ainsi dire, donc le timing. Vous pouvez l'utiliser et le faire à votre goût. De nombreux instruments sont beaucoup plus faciles à éditer, puisque tout est dans l'ordinateur, vous n'avez pas à manipuler l'audio. Vous pouvez utiliser une fonctionnalité que nous appelons Quanta izing, qui prend essentiellement. Si mon coup est ici dans la grille est là. Il suffit de le retourner de sorte qu'il fait aligner correctement afin que vous puissiez le faire vraiment facilement avec beaucoup. Donc, si vous êtes avant tout un programmeur, vous serez probablement un peu plus rapide que quelqu'un qui est peut-être basé sur des trucs audio . Mais il n'y a pas de bonne ou de mauvaise façon. C' est juste avoir une bonne compréhension de l'ensemble du processus à nouveau. J' ai passé beaucoup de temps à faire ça bien. Beaucoup d'enregistrements amateurs. C' est là que les chansons juste Fall flat sont dans le visage de montage et beaucoup de gens ont peur de faire le son trop surproduit. Mais voici la vérité. Peu de gens sont vraiment assez talentueux pour appuyer sur l'enregistrement et chanter une chanson ou jouer une prise de haut en bas et laisser cela prendre. Que ce soit, à moins que ce soit précisément ce que vous cherchez et que vous essayez de capturer une piste sonore vraiment brute bruteet humaine. Mais le vrai fait est, Adele pourrait être l'une des rares exceptions, et même sur son nouveau disque, dirait qu'il y a peut-être un peu de réglage en cours là-bas. Mais je dis juste que pour dire, N'ayez pas peur d'utiliser l'édition et de l'utiliser généreusement. Chaque D A W, dont nous avons parlé auparavant, a un ensemble différent d'outils d'édition, mais l'utilisation sexuelle de base beaucoup est coupé, fondu, croix, fondu, étirer et déplacer. Nous allons entrer plus en détail sur chaque d aaw parce que chacun d'eux fonctionne différemment. Et la façon dont les raccourcis fonctionnent est différente. Mais on ne passera pas beaucoup de temps là-dessus maintenant. Je voulais juste couvrir les outils de base dont vous aurez surtout besoin pour avoir une compréhension de quelques conseils. Quel que soit le D aaw que vous travaillez dans Hit Save Souvent, j'aurais aimé l'apprendre il y a longtemps. Appuyez, sauvegardez et appuyez même sur Enregistrer aussi souvent. Quand vous êtes dans cette phase de montage et vous surtout pour votre nouvel éditeur, vous pourriez faire quelque chose qui, en cinq minutes, vous pensez que cela ne sonnait pas ainsi. Si vous appuyez sur, enregistrez sous et enregistrez une nouvelle version, vous pourriez finir avec 21 versions de la chanson au moment où vous avez terminé, mais vous aurez la liberté de revenir en arrière si vous voulez annuler, pour ainsi dire et de revoir un ancien version. Beaucoup de D. A. W ont une fonction de sauvegarde automatique, que nous utilisons assez religieusement. Je pense que notre ensemble toutes les deux minutes sur les outils pro, alors appuyez sur sauver très souvent. Pointe numéro deux. Si vous travaillez avec un mélange de matériel de programme et d'audio enregistré, la plupart des fois c'est une recette pour ce que nous appelons le flam ing où il y a un échantillon qui est juste sur la grille, puis il y a un kick drum qui est enregistré en direct. Si c'est légèrement éteint, ça le fera non plus. Soit ça sonnera comme un lambeau, ce qui est comme, par opposition à, et ce ne sera pas un son de titre hors phase. Donc généralement, en règle générale, vous allez vouloir fonctionner un peu plus serré sur l'audio. Si vous utilisez un mélange d'audio et de programmes enregistrés. Exemples de logiciels Astuce numéro trois. Si vous produisez un autre artiste ou chanteur, la partie où vous commencez à éditer le chant peut être un bon moment trop tôt. Ce chanteur en pause café, ça pourrait être un peu déconcertant de s'asseoir dans un studio. Écoutez votre voix et toutes ses imperfections étant jouées encore et encore et encore , et il peut souvent faire des chanteurs deuxième Guess. C' est un bon preneur ? Cette chanson getter ? Suis-je même bon du tout ? Parce qu'en tant qu'artistes et créateurs étaient tous assez peu sûrs de nous-mêmes . Alors faites-vous et l'artiste pour favoriser et l'envoyer déjeuner. Une partie de ce que nous insistons dans notre entreprise est de pouvoir avoir un certain degré d'édition au fur et à mesure que vous allez, allez,et cela nécessite évidemment beaucoup de rapidité et d'efficacité lorsque vous êtes lorsque vous suivez et éditez juste après avoir fait une prise modifiez-le. Donc ça donne au chanteur le sens de ce que la chanson finie va ressentir. C' est un peu plus inspirant d'écouter dans le dernier conseil. N' ayez pas peur de commencer lentement. Vous obtiendrez plus vite même s'il vous faut toute la nuit pour rester debout. Modification d'une ligne d'une piste vocale. N' ayez pas peur de mettre les heures et de le faire. 7. 5 : maîtrise: mastering. Ceci est la dernière partie du processus de production, où vous prenez le fini pour suivre mix stéréo que vous avez une application finale e que compression et limiter à cette piste pour l'amener à quelque chose qui est compétitif avec d'autres matériaux. C' est là-bas aujourd'hui. C' est vraiment la dernière plupart du temps. Les derniers 2% des mélanges de procédés de nos jours sont assez chauds et assez pré-maîtrisés, donc les ingénieurs de maîtrise ont beaucoup moins à faire qu'ils ne l'ont jamais fait auparavant. Mastering est également de s'assurer que l'ensemble de votre disque et cela parle après que vous avez eu plusieurs chansons produites. Il s'agit de s'assurer que le disque entier circule de manière sonore pour qu'une seule chanson Quoi, quoi, ce qui se passera. Beaucoup de Times sont différents. Les producteurs feront des chansons différentes sur le disque, et ils seront différents mixeurs et parfois différents joueurs. Donc c'est vraiment prendre la courbe globale là-bas, sans avoir le contrôle sur. Retournez la guitare après la batterie ou quoi que ce soit, mais c'est juste un pinceau général sur le mixage stéréo et assurez-vous qu'il coule comme un. Les enregistrements simultanés ne sont pas trop accrochés pour commencer lors du mastering. C' est souvent un peu un art noir où si l'ingénieur de maîtrise a bien fait son travail, on ne sait même pas vraiment ce qu'il a fait. Et beaucoup d'auditeurs non formés ne sauraient même pas ce qui s'est passé. Mais il est quelque chose à pratiquer au fil du temps et ne vous sentez pas comme vous avez à surutiliser e que et compression et la limitation et le mastering. C' est vraiment quelque chose qui est censé être le dernier peu de vernis sur votre mix. mastering est également la partie du processus où vous décidez de la séquence de votre album . C' est décider quelles chansons vont où et quel ordre. C' est un peu comme un arrangement, mais juste pour tout ton dossier. Donc, c'est aussi décider des fondus et des écarts entre les chansons combien d'espace il y a, cas échéant, entre les chansons, c'est aussi là que l'ingénieur du mastering doit créer des codes I. R S C, ce qui est essentiellement juste une bande de jumbo dans laquelle on ne va pas entrer maintenant. Mais ça fait partie du côté clérical du mastering, et tu n'auras pas trop à t'inquiéter pour le moment, mais c'est vraiment oublier ta chanson. Sur un CD pressé ou sur iTunes ou dans un format spécifique requis par les distributeurs. La grande image que je veux faire est ceci un B A B A B. N'ayez pas peur de faire référence à d'autres chansons qui sont là-bas. Tous les pros le font. En fait, j'ai vu beaucoup de processions où, au bas de la session, ils auront une autre chanson là-dedans. Par exemple, j'ai vu les sessions d'outils pro pour la chanson du fonds We Are Young, qui a été un grand succès il y a quelques années. Jeff Bhasker l'a produit. Amazing Producer, et sur tout ce dossier de fonds qu'ils avaient, je pense que c'était trois références. Ils avaient une piste Kanye West. Ils avaient une piste de reine, puis ils avaient une autre piste de hip-hop en dessous de ça, et ils allaient constamment en train d'écouter leurs affaires. Écouter ces trucs est bas et frappé comme il y a Bizarre Foot. Sont sont des voix comme plus grand les voix de la reine, alors n'ayez pas peur de le faire dans la maîtrise Surtout, il pourrait être important parce que ce qui se passe est quand votre chanson est dans les listes de lecture d'un auditeur. plupart du temps, les gens l'écoutent simplement dans un environnement simple de nos jours, donc ils pourraient écouter Taylor Swift. Et ensuite ils écouteront votre chanson. Vous voulez vous assurer que quand votre chanson sera allumée, ils n'ont pas à monter le cadran juste pour entendre le truc. Et vous voulez également vous assurer que cela sonne compétitif. Vous voulez aussi vous assurer qu'il ne sonne pas trop fort à l'endroit où il est juste brisé et n'a pas vie. Donc, le mastering est vraiment une question d'être, rendre vos affaires compétitives, rendre suffisamment bruyantes et de mettre le vernis final dessus. 8. Les bases de la production Outro: Voici le dernier point que je veux faire le meilleur morceau de matériel dans le meilleur outil de production est une grande chanson. Peu importe à quel point votre équipement est cher. Peu importe à quel point le studio est agréable. Peu importe à quel point la piste sonne. Si votre chanson est médiocre, faire une grande production dessus sera toujours une chanson médiocre. Et la plupart du temps. Si une chanson est géniale, il n'y a vraiment pas grand-chose à faire pour la rendre ingrate. Tu n'as pas à tout gâcher. Donc beaucoup de temps, c'est notre boulot. Comme les producteurs de musique ont été chargés d'obtenir ces chansons qui sont déjà de qualité sonore, ils ont de grandes démos. Les paroles sont géniales. Les mélodies de grande qualité Notre travail est juste de rester en dehors de la route et de mettre l'image dans le meilleur cadre, pour ainsi dire. Ne soyez pas trop accroché dans les mauvaises herbes de toutes les petites choses, comme le montage et l'ingénierie et le mélange dans la structure du jeu dans l'équipement, vous allez obtenir ce truc au fil du temps. Ce que j'insiste pour les producteurs, c'est de s'assurer que la chanson est juste à l'avant, et la plupart du temps cela signifie revenir et parfois aider à réécrire. Bien sûr, si les artistes y sont ouverts, soyez toujours sensibles à ce fait. Mais assurez-vous juste que la chanson est juste avant même de plonger dans ça. Et dans un monde parfait, l' écriture de chansons est une chose. Productions. Une chose. Vous finissez cela et ensuite vous passez à cela, beaucoup de la façon dont nous le faisons dans notre entreprise et beaucoup de la façon dont je pense que beaucoup d'autres le font. Les deux se mélangent constamment l'un de l'autre, et vous n'avez pas vraiment le droit de dire, OK, maintenant nous avons fini avec le processus d'écriture de chanson parce que vous pourriez entrer dans le chant. Et puis vous pourriez changer une lyrique une fois les chanteurs dans le stand ou vous pourriez changer la mélodie ou vous pourriez prendre une partie d'une chanson. Mais je dis tout cela pour dire que la chanson est toujours roi et prendre toutes vos décisions de production basées sur ce qui est le mieux pour la chanson Le projet de classe que nous voulons que vous preniez la chanson qu'elle a écrite dans Class War. Pour ceux d'entre vous qui n'ont pas vu la première classe, c'était une chanson sur la personne ou la chose que vous aimez le plus. Prenez cette chanson, présentez une démo d'utiliser ce que vous voulez, peu importe. Ici, peu importe, et téléchargez-le au député 3. Ces paroles, si tu peux. Je suis vraiment excité de voir ce que vous finissez par trouver.