Transcription
1. Introduction: Vous êtes-vous déjà demandé ce qui fait une bonne ou mauvaise image ? Pourrait-il être la qualité de l'équipement ? Pourrait-il être le logiciel de retouche photo ? Bien qu'il y ait tellement de choses qui pourraient affecter le résultat de vos photos, un facteur est certainement sous votre contrôle en tant que photographe, et c'est la composition. La composition est l'une des composantes de photographie qui pourrait réellement déterminer la différence entre une bonne et une mauvaise image. Je m'appelle KC Nwakalor. Je suis photographe documentaire basé à Abuja, au Nigeria, mais je travaille beaucoup en Afrique de l'Ouest. À travers mon travail, j'essaie d'humaniser les vrais problèmes sur le continent. La plupart de ces questions sont des questions socioéconomiques, environnementales ou de santé. Dans ce cours, je vais parler de diverses techniques de composition éprouvées qui pourraient finalement améliorer le résultat de vos photos. Vous pourriez vous demander ce que signifie vraiment la composition ? La composition est simplement le placement et arrangement ou la relation des éléments dans votre image. Donc, d'où vous prenez la photo, quel angle, quelle distance, pourrait finalement avoir un impact sur le résultat de vos photos. Les images sont capturées dans un cadre rectangulaire très limité. Il peut y avoir beaucoup de choses dans la scène, mais ce que vous capturez et ce que vous choisissez d'inclure
dans cette scène dans cette image est la seule chose que vos spectateurs peuvent voir. Armé des bonnes techniques de composition, vous êtes capable de produire des images qui pourraient communiquer avec vos spectateurs d'une manière qui leur est très, très claire pour eux de comprendre ce qui se passe dans l'image. Rappelez-vous, ces règles ne sont pas jetées sur la pierre. Tu peux les casser. Vous pouvez les casser de manière créative. Mais vous ne pouvez pas vraiment enfreindre une règle que vous ne connaissez pas. Si vous faites cela, vous serez un photographe non qualifié qui fait essentiellement des essais et des erreurs. Mais avec les bonnes compétences, compréhension de ces techniques de composition, vous pouvez briser de manière créative ces règles et faire ressortir un résultat très intéressant. Alors, voulez-vous, de meilleures photos, des photos qui communiquent clairement avec vos spectateurs ? Ou probablement vous avez assisté à mon autre cours et vous voulez en savoir plus sur mes techniques, alors c'est la bonne classe pour vous. Plongez directement et commençons.
2. Aperçu du cours: Dans ce cours, je vais enseigner cinq techniques de composition éprouvées qui pourraient finalement améliorer votre travail. Dans la photo d'un post de bienvenue, le sujet principal est très clair et apparent. Vous pouvez facilement regarder l'image et comprendre ce qui se passe. Où suis-je censé regarder ? Vous avez probablement vu des photos et vous vous demandez ce qui se passe ici ? Qu' est-ce que je suis censé regarder ? Quel est le sujet ? Qu' est-ce qu'ils essaient de communiquer avec moi ? C' est un exemple classique d'une composition défaillante, d'une mauvaise composition. À la fin de ce cours, vous devriez être en mesure de prendre de meilleures décisions sur la façon de composer vos images. Pour obtenir le meilleur rapport qualité-prix, je vous fais vraiment plaisir de suivre le projet de classe. Le projet de classe est très simple. Je vous demande de sortir et d'utiliser les techniques de composition qui sont discutées dans cette classe pour produire au moins trois images et les
télécharger afin que je puisse avoir un regard et vous donner des commentaires. Rappelez-vous, la pratique rend parfaite. Tu ne peux pas t'améliorer en écoutant. Tu dois sortir et tirer. Je veux que tu te pousses. Je veux que tu travailles sur la scène. Je veux que vous fassiez ce que vous n'avez pas fait avant pour obtenir le meilleur résultat possible de vos photos. Pour ce cours, vous aurez également besoin d'un appareil photo. Vous pouvez utiliser un reflex numérique ou un smartphone. Tout ce que vous avez qui peut prendre des images décentes, c'est bon. Vous aurez également besoin d'un logiciel de retouche photo comme Lightroom ou Snapseed sur votre téléphone mobile. Je suis super excité de faire ce voyage avec toi. Alors allez, allons entrer et commençons tout ça.
3. Choisir le bon objectif: La caméra et l'œil peuvent être très semblables, mais à bien des égards, ils sont différents. L' une de ces façons est de savoir comment vous pouvez changer les objectifs dans les appareils photo, en
particulier dans les reflex numériques, où vous avez différents objectifs. Dans ce cours, nous allons parler de la façon dont chaque objectif traite vos images et comment les utiliser pour différents types de photographie. Il y a toujours une décision très difficile à prendre. Quand ai-je la variété de lentilles ? Vous devez savoir quel objectif vous avez besoin pour le type de photographie que vous faites. Les lentilles sont regroupées en deux groupes. Ceci est basé sur la possibilité de zoomer, qui est les objectifs fixes et principaux, et les objectifs de zoom. fixes ou principaux sont des objectifs qui ne sont pas capables de zoomer, ils ont essentiellement une lentille focale. Si vous voulez zoomer, vous devrez littéralement vous
rapprocher, vous éloigner de la scène, pour pouvoir zoomer. objectifs de zoom, comme leur nom l'indique, sont capables de zoomer, et ils ont une plage de lentille focale. Vous verrez quelque chose comme 18-55, peu importe, mais ils sont capables de vous zoomer avant et arrière. Les lentilles sont également divisées en fonction de leur plage focale et de leur utilisation. Cela nous amène à la définition de la distance focale. focale est essentiellement la distance entre le milieu de l'objectif et la mise au point. Fondamentalement, il est généralement mesuré en millimètres. Je suis sûr que vous avez probablement vu sur l'objectif de votre appareil photo, quand ils ont écrit 50 millimètres, c'est essentiellement la distance focale. En fonction de la distance focale, les lentilles sont regroupées essentiellement en cinq. Il s'agit des objectifs fisheye, des objectifs grand angle, des objectifs standard, des téléobjectifs et des objectifs macro. Les lentilles Fisheye sont essentiellement des lentilles qui ont une lentille focale comprise entre 4 et 14 millimètres. Comme son nom l'indique, les images produites à partir d'un objectif fisheye ressemblent à la vision du poisson,
sont un peu déformées sur les bords, et elles sont généralement utilisées pour la photographie abstraite ou la photographie d'art. Ensuite, vous avez l'objectif grand angle. objectifs grand angle ont une lentille focale de 15 millimètres à environ 35 millimètres. Ils sont utilisés en standard pour la photographie architecturale, la photographie
environnementale et parfois les portraits environnementaux. Le prochain type de lentille que nous avons sont les lentilles standard, qui est fondamentalement très similaire à l'œil humain. Il varie de 36 millimètres à environ 85 millimètres. Ce sont les objectifs typiques que les photojournalistes utiliseraient, la photographie documentaire, photographie de
rue, les portraits, parce qu'ils sont très semblables à la façon dont nous voyons. C' est plus approprié pour ce type de photographie. Ensuite, le type d'objectif suivant est les téléobjectifs. Ce sont des lentilles qui ont une lentille focale de 85 millimètres et plus. Ils sont très lourds. Les plus longues peuvent être très lourdes. Je suis sûr que vous avez vu des gens dans terrain de
football ou une zone de sport qui utilisent ce type de lentilles. Il est plus utilisé pour le sport, la faune, parce qu'ils ne peuvent pas vraiment se rapprocher de la scène, ou de l'action, donc ils doivent monter leur caméra un peu loin et ensuite zoomer. Les lentilles macro sont optiquement modifiées pour agrandir les petits objets ou les animaux miniatures. Ils ont une portée focale de 35-200 millimètres, et sont souvent utilisés dans la publicité, la photographie
commerciale, et parfois abstraite. objectif que vous utilisez dépend énormément du type de photographie que vous faites et du type de résultat que vous essayez d'obtenir de votre photographie. Comme dans ma propre pratique, j'utilise principalement des lentilles grand angle et des lentilles standard. Maintenant, habituellement, quand je suis en mission, je travaille habituellement avec 28 millimètres pour mes photos grand angle parce que j'aime capturer grand angle, mais avec des gens dans l'image, et 28 me donne exactement ça. Pour mes portraits, j'utilise 50 millimètres. Ce que je peux utiliser dépend totalement de ce que je photographie. Si je photographie comme des manifestations, plupart du temps, je dois être très proche de l'action. Mais si, pour une raison quelconque, je ne peux pas être proche de l'action, alors je devrai utiliser un téléobjectif, que j'utilise à peine. Je préfère utiliser les objectifs principaux et j'aime me rapprocher de l'action. Pour les photographes qui commencent, je recommande fortement les objectifs principaux car cela vous oblige à bouger. En commençant par la photographie, on pourrait devenir paresseux. Vous pouvez simplement vous asseoir dans un coin et prendre la photo, mais alors que, vous pouvez réellement vous déplacer et obtenir de meilleurs résultats. Les lentilles Prime vous forcent à bouger. Cela vous oblige à vous déplacer vers la droite, vers la gauche, à vous rapprocher, plus loin. Cette activité aide à brasser votre photo et vous obtenez un meilleur résultat. Je recommande fortement les objectifs de premier choix pour les photographes débutants. Idéalement, 35 ou 50 millimètres est parfait si vous commencez la photographie. Dans cette classe, nous discuterons des différents types d'objectifs basés sur la capacité de zoom, qui sont les objectifs principaux et les objectifs zoom, ainsi que des différents types d'objectifs en fonction de leur plage focale et de leur utilisation. Ce sont les objectifs fisheye,
les objectifs grand angle, les objectifs
standard, le téléobjectif et les objectifs macro. Je suis sûr qu'avec les bonnes connaissances, je suis très confiant que vous savez quel type d'objectif vous avez besoin pour le type de photographie que vous faites et le type de travail que vous essayez de capturer. J' ai besoin que vous sortiez maintenant, utilisiez n'importe quel objectif auquel vous avez accès, et que vous preniez des photos, et que vous me disiez quelle différence vous voyez. Je veux vous voir capturer des images à l'aide divers objectifs et voir comment est le résultat, fonction de ce à quoi vous avez accès. Rejoignez-moi dans la prochaine classe pour discuter de la façon d'explorer la scène et le sujet avant d'obtenir la photo parfaite. On se voit.
4. Explorer la scène ou le sujet: Sur cette leçon, nous allons discuter de l'exploration du sujet ou de la scène. La plupart des gens qui ne sont pas formés comme photographes pourraient probablement voir quelque chose qui attire leur attention, et ils retirent leur appareil photo et le pointent vers lui. Et si je vous disais que peut-être aller à gauche, aller à droite ou aller à l'arrière vous donnera un meilleur résultat dans vos photos ? C' est l'essence de l'exploration de la scène. Nous allons discuter de la façon dont vous pouvez vous déplacer et obtenir le meilleur résultat possible, quel que soit le sujet que vous
capturez et quelle que soit la scène sur laquelle vous travaillez. Quand j'entre dans une scène, j'explore habituellement la scène. En général, je regarde autour de moi, je me déplace et j'essaie de savoir quel serait le meilleur point de vue ou le meilleur angle pour prendre ma photo. Quand je veux traiter une scène, je considère habituellement trois choses. Le premier est la source de lumière. Je considère la source de lumière parce que je ne travaille pas avec des lumières extérieures ou un éclairage artificiel lorsque je travaille dans ma photographie. J' utilise les lumières ambiantes, la lumière qui est disponible dans la scène. Quand j'arrive sur la scène, la première chose que j'analyse est, où vient la lumière ? Où est la fenêtre ? Où est l'ampoule ? Quel que soit l'endroit où il se trouve, je dois en tenir compte quand je dessine ma photo. Une fois que j'ai trié la source de lumière, je sais déjà, je dois faire face dans cette direction, qui est essentiellement moi qui supporte la source de lumière parce que je veux que frappe le visage ou l'objet que je photographie. Après la source de lumière, la prochaine chose que je considère, est l'arrière-plan. Je veux être sûr que l'arrière-plan s'ajoute au contexte de mes images. Parce que pour moi, chaque élément de mon cadre doit contribuer d'une manière ou d'une autre. Il doit être d'ajouter un contexte ou une valeur à l'image, donc je dois considérer l'arrière-plan. Par exemple, si je prends une photo d'un médecin dans un hôpital, cela n'a pas de sens de photographier la personne sans peut-être un stéthoscope ou un calendrier médical, quoi que ce soit qui pourrait donner des contextes sur qui personne est, qui communique mieux à qui il est, Je veux généralement inclure cela dans mon arrière-plan. Après avoir compris la source de lumière, je commence à regarder autour de ce qui est dans le dos ? Quel est le contexte de cette image ? Comment puis-je l'encadrer pour être en mesure de bien communiquer avec mes spectateurs ? La troisième chose que je regarde, c'est l'espace, parce que je suis grand, je dois considérer la hauteur du plafond, sorte que je ne lève pas la main et qu'il frappe mon appareil photo. Je dois aussi considérer mon chemin de randonnée parce que j'ai été dans des situations où je vais dans un coin et où les gens commencent à entrer dans la pièce et je ne peux plus bouger. C' est vraiment terrible parce que ça vous fait de ne pas être mobile en tant que photographe. Vous finissez par avoir la plupart de vos photos d'un seul coin de la pièce. Je considère vraiment l'espace et la façon dont je peux naviguer. Je prévois déjà, je serai dans ce coin et une fois que j'aurai fini de prendre des photos de ce coin, je peux passer au coin suivant. C' est fondamentalement vous comprenez quelle serait la voie ? Où les gens se promèneraient ? Où les gens s'asseyent-ils ? Comment puis-je me déplacer sans interrompre était en cours ? Une fois ces choses triées, je suis heureux de commencer à tirer. Quand je commence à tourner, je commence à explorer différents angles, différentes positions. C' est ce dont nous allons parler dans les leçons suivantes. Idéalement, quand je prends des photos, je veux avoir une variété de photos. Le type d'histoire sur lequel je travaille, sur qui je photographie, pourrait finalement déterminer le type d'images ou le type d'angle à partir duquel je photographie. Par exemple, le tournage sous un angle élevé, qui est fondamentalement vous regarder vers le bas, pourrait traduire aux téléspectateurs que cette personne est vulnérable, cette personne est impuissante, cette personne est faible, ce personne est dans le besoin. C' est ce que vous voyez plus commun dans la photographie d'ONG ou la photographie basée sur des œuvres caritatives, où ils essaient de recueillir des fonds pour les gens,
pour les enfants, pour les personnes vulnérables et vous avez tendance à voir les photographes prendre des photos d'un position. Il change la dynamique du pouvoir où vous avez l'impression que cette personne est faible, cette personne est vulnérable et cette personne a besoin d'aide. Un autre angle que vous pouvez tirer est à partir d'un angle bas, qui est fondamentalement vous regarder vers le haut dans vos photos. Le sujet de cette image commence à ressembler ou à se sentir comme puissant, fier, confiant, fort. Vous verrez des gens en position de pouvoir photographiés de cette manière. Ce sont des gens comme les présidents et le personnel pourrait également être photographié. Des personnalités sportives sont également photographiées de cette manière. Il y a tellement d'angles que vous pouvez prendre vos photos, mais il est important que vous compreniez comment cela affecte l'image, comment les gens le traiteraient et comprendraient quand ils la regardent. Autrement dit, prendre sous un angle élevé se traduit par une vulnérabilité, faible, pauvre, vulnérable. Mais tirer à partir d'un angle bas vers le haut, se traduit par la puissance, la force, la confiance, toutes ces bonnes choses. Comprendre le type d'histoire sur lequel je travaille me ferait certainement connaître le type de photos que je veux capturer. Vous devez comprendre comment ces angles viennent à jouer et vous
assurer que vous l'utilisez pour communiquer la façon dont vous voulez communiquer. Dans cette leçon, nous avons discuté de la façon d'explorer votre scène, tenant compte de
votre source lumineuse , de votre arrière-plan et de l'espace dans lequel vous travaillez afin que vous puissiez vous déplacer. Nous avons également considéré l'impact du tir sous un angle bas,
sous un angle élevé, quoi qu'il en soit, ils ont tous des conséquences. En tant que photographe, vous devez être conscient de ces conséquences et de la façon dont les gens les traitent. Je veux que vous preniez une photo de quelqu'un d'une position élevée et que vous preniez une photo de cette même personne à partir d'
une position basse et que vous me disiez ce que vous ressentez à propos de chaque photo. Tu auras ce que je veux dire quand tu feras ça. Rendez-vous sur la prochaine leçon alors qu'on se
penche sur les techniques de composition dont je vais discuter dans ce cours. Allez, allons-y.
5. Règle des tiers: Dans cette leçon, nous allons discuter d' une technique de composition intéressante appelée « Règle of Third ». Règle de troisième est basée sur le concept qu'un cadre photo est essentiellement divisé en neuf parties A4 par deux lignes horizontales et deux lignes verticales. Fondamentalement, le concept veut dire qu'au lieu de placer votre sujet au milieu du cadre, vous faites une meilleure composition en les plaçant sur l'une des lignes ou leurs points d'intersection. C' est à peu près standard et simple. Vous auriez vu ce même jeu dans votre présentation de CV standard, sur les nouvelles, où vous voyez le diffuseur de nouvelles aller d'un côté du cadre. Pour certaines raisons, les images apparaissent mieux lorsque la règle de la troisième est suivie. Pour certains appareils photo, il existe des fonctions ou des paramètres où vous pouvez activer les lignes de grille sur votre viseur ou sur l'écran LCD. Vous devez regarder le manuel de votre appareil photo pour savoir comment c'est fait. Mais c'est très utile si vous pouvez maintenant visualiser mentalement ces lignes de grille et placer vos sujets dans ces points d'intersection ou à l'intérieur de ces lignes. Maintenant, je suis sûr que vous comprenez comment la règle de la troisième fonctionne et comment vous pouvez l'appliquer à votre photographie, aller de l'avant. Je veux que tu ailles prendre une photo d'un sujet et le placer au milieu. Essayez également d'appliquer la technique de composition appelée règle de troisième dans l'image, et regardez les deux et dites-moi quel est le résultat est et lequel vous préférez. Bien que la règle de troisième soit très simple, elle pourrait finalement améliorer le résultat de vos photos. Appliquez-le dans votre travail et voyez le résultat. Sautez à droite dans la leçon suivante et nous discutons encore une autre technique de composition intéressante.
6. Équilibre: Sur cette leçon, nous allons parler de l'équilibre, qui est une technique de composition très intéressante. Il s'appuie sur le concept que chaque élément de votre photo a un poids visuel. Contrairement aux poids très physiques que vous pouvez voir, ce poids est visuel. Par exemple, lorsque vous regardez une image et que vous voyez que votre œil passe plus de temps sur une partie de ce cadre. Cela signifie que l'image n'est pas équilibrée. Donc, avec l'équilibre, vous devez
garder à l'esprit que diverses choses ont un poids visuel plus élevé, de
sorte que vous devez étaler le poids dans le cadre de sorte que les spectateurs puissent regarder tous les aspects de l'image plutôt que juste être coincé dans un coin de cette photo. Les poids visuels peuvent être à la suite de la lumière, pourrait être à la suite d'ombres dans l'image, il pourrait être à la suite de tons, il pourrait être à la suite de couleurs. Quoi qu'il en soit, il y a tellement de choses qui pourraient avoir plus de poids que l'autre sur votre photo. Mais en tant que photographe, il est de votre devoir de comprendre et de traiter les différents poids visuels de votre image pour pouvoir étaler ces poids dans un cadre, d'une manière équilibrée et que les gens peuvent profiter et avoir une expérience complète de votre image. Par exemple, les zones claires ont moins de poids visuel que les zones sombres. couleur rouge est très, très lourde en tant que couleur par rapport à ses homologues comme le jaune ou le vert. Donc, vous devez garder cela à l'esprit parce qu'avec le poids plus visuel jeté à une partie de l'image, les gens, les spectateurs passeront plus de temps à regarder ce coin. En tant que tel, vous les privez de tous les autres aspects de votre image qui pourraient être intéressants à regarder, mais ils ne le verraient pas parce que le poids visuel s'incline d'un côté. Le type d'équilibre que vous pouvez rencontrer dans les photographies est largement divisé en deux, et c'est l'équilibre symétrique et l'équilibre asymétrique. équilibre symétrique, comme son nom l'indique, est essentiellement une technique de photographie ou de composition où les deux côtés du cadre sont identiques ou très similaires. C' est aussi ce qu'on appelle l'équilibre formel. Cela pourrait être implicite ou implicite réel est lorsque vous utilisez des ombres pour créer des éléments identiques et il semble similaire. Le vrai, c'est quand les deux côtés sont les mêmes choses. asymétrique est différent de l'équilibre symétrique en ce sens que les deux côtés du cadre n'ont pas besoin d'être identiques. Cela pourrait être essentiellement en utilisant différents éléments, mais avoir un poids visuel
similaire pour équilibrer les aspects de votre image. L' exemple classique est quand les gens photographient des choses et les mettent au premier plan et utilisent un autre élément pour les équilibrer en arrière-plan. Il est important de garder à l'esprit que chaque élément de votre image a un poids visuel spécifique. Toute l'action ne va pas dans un coin de votre image afin que vos spectateurs puissent avoir une expérience complète de tous les éléments de ce
cadre, au lieu de simplement regarder un coin et de rester coincés dans ce coin. Maintenant, je crois que vous comprenez ce qu' est l'
équilibre et comment vous pouvez l'atteindre dans vos photos. Considérant les différents types d'équilibre, qui est l'équilibre symétrique et l'équilibre asymétrique, comment vous pouvez l'atteindre en utilisant des aspects identiques implicites ou réels du cadre, ou l'équilibre asymétrique dans le sens où vous utilisez qui ont un poids visuel similaire et l'étalent dans votre cadre. Habituellement placer l'un au premier plan et l'autre en arrière-plan. De sorte qu'à la fin, vos spectateurs auront une expérience complète de votre photo, au lieu
d'être coincés dans un seul coin de votre photo. Alors sortez et prenez une photo en gardant à l'
esprit les poids visuels des éléments de votre image, et essayez de l'étaler de manière à atteindre une certaine forme d'équilibre. Rappelez-vous, la façon la plus simple de savoir que votre image est déséquilibrée est
de regarder et de rester coincé dans un seul coin de cette image. Cela étant dit, passez à la leçon suivante alors que nous discutons d'une autre technique de composition intéressante.
7. Le point de vue: Sur cette leçon, nous allons discuter une
autre technique de composition appelée point de vue. point de vue est essentiellement de prendre des photos sous
un angle que vos spectateurs ne devraient idéalement pas regarder. Ce que cela signifie, c'est vous donnez à vos téléspectateurs une expérience de regarder des choses d'un point de vue qu'ils ne le regarderaient pas auparavant. Le simple fait que ce n'est pas ce à quoi vos téléspectateurs sont habitués leur donne ce sentiment. Il en fait automatiquement une bonne image. Par exemple, cela est utilisé lorsque vous photographiez des enfants, lorsque vous photographiez des animaux. Idéalement, les gens voudraient prendre des photos à partir de leur position. Si vous prenez une photo d'un chien ou d'un chat, plutôt que de prendre la photo de cet animal de votre position, vous descendez au niveau des yeux pour prendre la photo. Il offre une expérience totalement nouvelle à vos spectateurs. Parce qu'ils voient des choses qu'ils n'ont pas vues avant. La façon d'explorer divers points de vue est de
descendre bas ou de monter un arbre ou une échelle, peu importe. Mais en regardant les choses d'un point de vue que vous ne regarderiez pas idéalement, cela donne à vos spectateurs une perspective intéressante et un sentiment immersif de ce qui se passe dans votre image. Est une expérience visuelle totalement nouvelle pour vos spectateurs. Une autre façon d'utiliser les points de vue est d'explorer différents angles, mais aussi de photographier des objets réels. Tu pourrais littéralement tirer à travers une table pour capturer quelqu'un. Cela donne un aperçu ce que ça fait de rester dans cette position pour regarder cette personne. Peut-être que c'est de là que regarde le chat, peut-être que c'est de là que le chien regarde. Il est toujours important si vous essayez d'explorer le point de vue, regarder les différents angles
à partir desquels vous pouvez prendre la photo. Eh bien, la seule idée derrière c'est de capturer l'image d'une manière que les gens ne verraient pas ça. Les gens ne perçoivent guère ce qui se passe. Quel que soit l'angle que vous choisissez pour photographier les gens, comme je l'ai déjà mentionné plus tôt, vous devez également comprendre la dynamique du pouvoir. Rappelez-vous si vous tirez d'un angle élevé vers les gens, ils ont l'air vulnérables, ils ont l'air faibles, ils ont l'air d'être dans le besoin. Tu dois être très prudent à ce sujet. Si vous tirez des gens d'une position basse à un angle élevé, vous leur donnez l'impression qu'ils sont forts, qu'ils sont plus grands, qu'ils sont puissants. Vous devez également comprendre comment il se joue. Fondamentalement, le point de vue donne à vos téléspectateurs une nouvelle expérience. Explorez la scène et découvrez les différents points de vue à partir desquels vous pouvez tirer. Dans cette leçon, nous avons déjà discuté de différents points de vue et de la façon dont vous pouvez l'
utiliser pour offrir à vos spectateurs une expérience immersive de vos photos. En descendant bas, grimpant, en arrivant d'un côté, filmant à travers des objets, vous pouvez explorer différents points de vue pour
donner à vos spectateurs une sensation intéressante lorsqu'ils regardent vos photos. Je veux que vous alliez essayer différents points de vue. Allez télécharger pour photographier un animal, un lézard, un chat, peu importe. Tirez à partir du niveau des yeux ou probablement à partir d'un angle bas. Quoi qu'il en soit, tirez d'une manière que les êtres humains, idéalement ne voient pas les choses et me disent quel est le résultat. Rejoignez-moi dans la leçon suivante pour discuter une autre technique de composition intéressante. Allez, allons-y.
8. Simplicité: Parfois, vous voulez simplement donner à vos spectateurs une expérience visuelle intéressante. Tu n'essaies pas de changer le monde. Tu n'essaies pas de capturer tout ce qui se passe. Vous voulez simplement capturer la beauté, et vous voulez que vos spectateurs une bonne expérience visuelle. C' est là qu'intervient la simplicité de la technique de composition. La simplicité signifie simplement que vous prenez des photos d'une manière très simple. une manière très minime, très similaire au minimalisme. Fondamentalement, votre objectif en tant que photographe n'est pas de communiquer le monde entier. Tu n'essaies pas de changer le monde. Vous voulez juste que vos spectateurs aient une bonne expérience visuelle. C' est le type de techniques de composition que les photographes abstraits, les photographes de nature
morte et les photographes d'art utilisent dans leur photographie. Parfois même des photographes de la nature. Ils veulent juste que tu ressentes la paix dans l'image. Ils veulent juste que tu regardes la photo et que tu en profites. Lorsque la simplicité est le but dans la composition de cette image, on peut facilement le dire parce qu'il y a moins de distraction qui se passe. Il y a moins d'éléments dans l'image, donc il suffit de regarder et d'apprécier l'image. Peut-être aussi simple que le bateau sur l'étang ou sur la rivière. Ça pourrait être aussi simple qu'une fleur. La simplicité consiste à offrir une bonne expérience visuelle à vos spectateurs. Ayant appris la simplicité et la façon dont elle
se joue et donne à vos téléspectateurs une expérience intéressante, je veux que vous sortiez et filmez simplement quelque chose d'une manière très simple. N' essaie pas de faire trop. Il suffit d'utiliser toutes les techniques de composition, mais le but est essentiellement de le garder très simple et minime. Passez dans la leçon suivante alors que nous discutons une
autre technique de composition. Allez, allons-y.
9. Lignes: Sur cette leçon, nous allons parler d' une autre technique de composition intéressante, les lignes. Presque fondamentalement, tout est fait de ligne. Plus tôt vous commencez à comprendre et à voir des choses basées sur les lignes qui
les composent , les meilleurs résultats que vous pouvez avoir sur votre photo. Nous allons vous parler de la façon dont vous pouvez utiliser les lignes dans votre composition et comment vous pouvez les
utiliser à votre avantage pour améliorer vos photos et obtenir de meilleurs résultats. lignes de la photographie sont divisées en cinq catégories. Ce sont les lignes verticales, les lignes horizontales, les lignes diagonales, les lignes de début, les lignes
implicites et une foule d'autres. Les lignes verticales donnent une sensation de croissance, de confiance, de force. Lorsque vous prenez des photos et que vous avez peut-être vos sujets penchés sur une ligne verticale, un mur ou un arbre, cela donne l'impression qu'ils sont supportés. C' est ainsi qu'il communique à vos téléspectateurs. Vous pouvez l'utiliser pour communiquer ce que vous voulez dans vos photos. Les lignes horizontales donnent une sensation de stabilité. Lorsque les gens s'allongent, généralement presque tout ce que nous nous allongons ou que nous restons sur sont généralement des lignes horizontales. Il donne une sensation de stabilité. On n'a pas l'impression de pouvoir tomber. Lorsque vous intégrez cela dans vos photos, vos spectateurs peuvent obtenir cette sensation de stabilité de l'image. Les lignes diagonales sont également des lignes intéressantes car elles créent ce sentiment de tension ou d'énergie dans vos images. Contrairement aux lignes verticales et horizontales qui sont assez stables et qui se sentent solides, lignes
diagonales se sentent un peu comme il
y a une tension, il y a un conflit, que vous pouvez utiliser dans vos photos aussi. Une chose que vous devez également reconnaître lorsque vous
utilisez des lignes dans vos images est que vous devez rendre les lignes droites, sauf si c'est intentionnel que vous voulez les rendre diagonales ou n'importe où. Mais dans la plupart des cas, vous devez vous assurer que vos lignes sont droites. Si ce n'est pas droit, les photos se sentent éteint. Parce que dans la vraie vie, les
maisons sont construites de manière droite, les arbres sont droits. Si vous ne vous assurez pas que vous encadrez vos images de manière à
conserver cette sensation droite de vos lignes, il se détachera à moins que cela ne soit intentionnel. Un autre type de lignes sont les lignes implicites. Ce sont des lignes qui se détachent dans la nature, mais ce ne sont pas nécessairement des lignes réelles. Par exemple, les personnes debout dans une file d'attente, cela ressemble à une ligne. Des gratte-ciel alignés dans les rues, des rangées d'arbres. Ces choses forment une ligne. Vous devez continuer à observer et à remarquer comment ces lignes sont formées dans la nature pour que vous puissiez l'utiliser dans vos photos. Une autre façon intéressante d'utiliser les lignes est les lignes de tête. Les lignes principales servent essentiellement de lignes que vous pouvez utiliser pour diriger vos spectateurs vers le sujet principal. Fondamentalement, vous encadrez ou composez vos images d'une manière que votre sujet se trouve dans un chemin de la ligne, lignes naturelles de votre cadre où il semble que
la ligne les mène à ce sujet. En tant que photographe, au fil des ans, je me suis entraîné à voir les lignes. Quand j'entre dans une scène, quand je veux prendre une photo, j'observe toutes les lignes et comment elles se déroulent. J' essaie de l'utiliser pour prendre la meilleure décision
possible sur le plan de la composition de mes photos. Maintenant, que vous avez appris sur différents types de lignes et comment vous pouvez l'utiliser pour améliorer vos images ; comprendre comment les êtres humains traitent et comprennent les lignes
verticales, horizontales, diagonales, et les lignes implicites Je suis sûr que vous êtes configuré pour comprendre et utiliser ces lignes dans vos photos pour avoir un meilleur résultat. Sortez et prenez des photos, en observant comment les lignes se déroulent dans vos environnements, dans votre jardin, dans vos rues. Prenez des photos et utilisez certains des concepts dont nous avons parlé ici. Je suis sûr que lorsque vous êtes plus au courant de ces lignes et de la façon dont elles se jouent, vous êtes sur le point de faire de meilleures images que vous ne l'avez jamais fait. Merci.
10. Conclusion: Félicitations. Je suis super excité que tu sois arrivé à la dernière partie de ce cours. Je suis sûr que vous avez appris de nouvelles choses qui peuvent améliorer vos photos. Un bref résumé de toutes les choses dont nous avons parlé dans cette classe. Nous avons parlé de la façon de choisir le bon objectif. Rappelez-vous que si vous ne prenez pas une bonne décision avec l'objectif que vous choisissez, vous n'aurez pas de meilleur résultat. Nous avons également parlé de la façon d'explorer la scène et le sujet. Il est très important que vous ne prenez pas seulement des photos d'où vous êtes, mais vous vous déplacez et voyez comment la lumière se joue, comment est l'arrière-plan, comment est l'espace et mettez toutes ces choses ensemble pour avoir mieux dans vos photos. Nous avons également parlé de diverses techniques de composition, et je suis sûr que si vous inculquez toutes ces choses que vous avez apprises dans vos photos, dans votre travail, vous deviendrez bien meilleur que vous ne l'étiez quand vous m'avez rencontré. Ce fut un voyage très intéressant avec vous, et j'espère que le sida valait chaque seconde de votre temps. J' ai hâte de voir votre projet de classe, qui consiste essentiellement à télécharger trois images, en utilisant l'une des techniques de composition qui ont été discutées dans cette classe,
et en le téléchargeant parce que nous ne pouvons pas aller mieux jusqu'à ce que nous commencer à faire des trucs. J' aimerais voir votre projet de classe, le télécharger et vous obtiendrez des commentaires de ma part. Rappelez-vous, les règles de cette classe sont censées être enfreintes. Maintenant que vous comprenez les règles et que vous comprenez comment cela fonctionne, vous pouvez les briser de manière créative, mais que ce soit intentionnel. C' est la différence entre un photographe professionnel et un photographe amateur. Rappelez-vous toujours que ces règles ne sont pas jetées sur pierre, vous pouvez les briser de manière créative, mais je vous recommande fortement comprendre les règles avant de commencer à
les briser afin que vous ne soyez pas un photographe non qualifié. Maintenant que vous comprenez toutes ces règles, vous êtes libre de les briser d'une manière qui fonctionne mais rappelez-vous, l'essence de prendre des photos est de pouvoir communiquer avec vos spectateurs. Utilisez tout ce que vous savez sur les
différentes techniques de composition dont nous avons discuté pour être en mesure d'apporter le meilleur résultat dans vos photos et offrir à vos spectateurs une expérience unique dans une vie. Dans peu de temps, je sortirai également une nouvelle classe sur les techniques de composition avancées. Veillez à ce que nous puissions apprendre plus de techniques de composition qui peuvent finalement améliorer notre photographie. Bienvenue dans une nouvelle phase de votre photographie. Je vous souhaite le meilleur jusqu'à ce que nous nous retrouvions. Merci.
KC Nwakalor, Documentary Photographer & Producer
