Les bases de Ableton Live : Créez votre première chanson Lofi Hip Hop

1. Introduction: Créer de la musique peut être une expérience vraiment apaisante. J'ai trouvé tellement de satisfaction en faisant de la musique. Et de nos jours, il est facile pour tout le monde de commencer. Ableton Live est l'un des meilleurs outils pour cela. C'est non seulement extrêmement puissant une fois que vous le connaissez bien, mais il est également facile de faire germer des idées une fois que vous connaissez les bases. Bonjour, je m'appelle Jonathan et je fais de la musique comme un simple jeu. Je fais de la musique depuis près de dix ans maintenant et réussi à connaître du succès sur les plateformes de streaming et à utiliser mes compétences Ableton dans divers domaines, notamment la création de packs de samples des publicités , et le son du jeu. Je suis surtout connue pour ma chanson Wednesday Afternoon, qui a été partagée sur Twitter par BTS en 2020 et qui compte aujourd'hui environ 7 millions d' écoutes sur toutes les plateformes. Bienvenue dans mon cours sur l' apprentissage des bases de capacité à vivre tout en créant votre première chanson hip hop lo-fi. hip hop lo-fi est un excellent genre pour ceux qui souhaitent se lancer dans la production musicale. Comme vous pouvez commencer avec une compréhension de base de la théorie musicale et des matières pouvant y entrer. Donc, que vous soyez déjà un débutant , vous êtes un chanteur, auteur-compositeur ou un producteur qui souhaite apprendre Ableton. Ce cours est pour toi. Nous aborderons tout, de la mise en page d'Ableton utilisation de l'audio et du MIDI à création de batteries, en passant par l' écriture d'accords, mélodies et de lignes de base, puis nous terminerons par un aperçu de ce que prend pour terminer la chanson finale, y compris l'arrangement, le mixage et le mastering, ainsi que l'exportation du fichier de mise en page final. À la fin de ce cours, vous aurez créé votre première chanson hip hop lo-fi et jeté bases solides pour poursuivre votre aventure musicale à Ableton. J'espère que vous l'apprécierez et j'ai hâte de découvrir ce que vous avez créé. 2. Orientation du cours: Dans ce cours, nous allons apprendre les bases du lo-fi tout en apprenant les bases d'Ableton Live. À la fin de ce cours, j'espère que vous serez en mesure de continuer à créer des rythmes lo-fi sur Ableton Live, ainsi que de vous aventurer dans n'importe quel autre genre de musique que vous aimez. Au cours de ce cours, nous aborderons les sujets suivants. La mise en page Ableton, qui permet de travailler avec des instruments et des effets audio , MIDI, virtuels de déformer et de transposer, programmer des batteries, d' écrire des accords, des mélodies et des lignes de base, de créer un rack d'effets, un arrangement. Enfin, nous examinerons un aperçu de base des techniques de mixage et de mastering. Nous n' utiliserons que les outils Ableton Live car il est très important de bien comprendre la porte avant se perdre dans d' autres nouveaux plugins. Les outils natifs d'Ableton sont plus que capables de créer de la musique incroyable. Tout ce dont vous aurez besoin pour terminer ce cours est le Ableton Live. Nous vivons dans des suites, dont vous pouvez bénéficier d'un essai gratuit de 90 jours sur ableton.com Slash Child, ainsi que du pack d'échantillons que j'ai créé pour ce cours. Vous trouverez le lien de téléchargement dans la section Projets et ressources. Plongeons-nous dans le monde merveilleux d'Ableton Live et du hip hop lo-fi. 3. Vos 5 premières minutes dans Ableton Live: Quand je me suis ouverte pour la première fois, je l'ai trouvée extrêmement bouleversante. Dans cette leçon, je vais donc détailler chaque section étape par étape, que vous ayez une solide compréhension de l'interface. Lorsque vous ouvrez Ableton pour la première fois, il s'agit de cinq sections principales que vous devez connaître. La section du navigateur, la vue de l'arrangement, la vue de la session, la section des détails et la barre supérieure. La section du navigateur est la zone située sur le côté gauche de votre écran. C'est là que vous trouverez vos boucles, vos samples, instruments, vos effets et vos plug-ins. Viennent ensuite l'affichage de l'arrangement et de la session. Leur point de vue sur l'arrangement se situe dans cette zone. C'est là que nous travaillerons principalement, c'est là que nous commencerons à créer de vieilles idées pour la chanson. Et puis, bien sûr, nous créerons l'arrangement final de la chanson. Vous pouvez cliquer sur un onglet pour passer à l'affichage de la session. Vous pouvez voir ici vos niveaux de piste ainsi que le niveau master. C'est principalement pour cela que je l'utilise lors du mixage et du mastering. Également la vue que vous utilisez lorsque vous utilisez Ableton pour des performances en direct ou des DJ. Certaines personnes l'utilisent pour trouver des idées de chansons, mais je préfère quand même commencer mes chansons dans la vue des arrangements. La section des détails vous permet de voir quels effets ou instruments se trouvent sur chaque piste audio et midi. C'est également là que vous pouvez voir les détails d'un fichier audio ou midi. Il suffit de double-cliquer sur un fichier audio ou midi pour voir les informations nous concernant. C'est également la section où vous pouvez appliquer l'automatisation, déformer ou modifier la hauteur d'un fichier audio. La barre supérieure vous permet de régler le tempo de la chanson, régler la signature horaire de la chanson et d'activer le métronome. C'est également là que vous pouvez jouer ou arrêter la chanson, ainsi que commencer à enregistrer. Vous pouvez également utiliser la barre d'espace pour jouer ou arrêter la case. Sur le côté droit de la barre supérieure vous pouvez activer votre clavier pour jouer des instruments ou créer différents mappages de touches ou de MIDI. Examinons maintenant deux raccourcis principaux que vous devez connaître au début. J'y reviendrai plus en détail au fur et à mesure que nous progresserons. Pour créer une nouvelle piste audio, vous pouvez cliquer avec le bouton droit sur une piste et cliquer sur Insérer une piste audio ou utiliser le raccourci de votre clavier. Command plus T sur Mac ou Control plus T sur PC. Pour créer une nouvelle piste MIDI sur laquelle vous pouvez ajouter des instruments virtuels. Vous pouvez cliquer avec le bouton droit sur une piste et cliquer sur Insérer une piste midi ou utiliser le raccourci de votre clavier. Command plus Shift plus T sur Mac ou Control plus Shift plus T sur PC. Ajoutez un fichier audio sur une piste audio, accédez à la session du navigateur, recherchez l'extrait ou la boucle que vous souhaitez, puis faites-le glisser sur une piste audio ou juste en dessous de la piste précédente. Ajoutez un instrument virtuel, accédez à la section Navigateur, cliquez sur les instruments et l'instrument Dragon sur une piste MIDI ou juste en dessous de la piste précédente. Ajoutez un effet. Cliquez sur Effets audio dans le navigateur et faites glisser l'effet sur une piste audio ou MIDI. Maintenant, pour ajouter le dossier du pack d'échantillons à la section du navigateur, faites défiler la fenêtre du navigateur vers le bas et cliquez sur Ajouter un dossier. Recherchez le dossier que vous avez téléchargé, puis cliquez sur Ouvrir. Maintenant, il sera toujours là dans la fenêtre du navigateur lorsque vous utiliserez able to. Enfin, sauvegardons le projet. Assurez-vous que votre bpm est réglé sur AD, ce qui est un bon tempo pour le hip hop lo-fi. Cliquez ensuite sur Fichier, puis sur Enregistrer le Live Set sous et localisez l'endroit où vous souhaitez enregistrer le projet. Je vais l'appeler Skillshare, lo-fi hip hop June, et cliquer sur Enregistrer. Passons rapidement en revue certaines des principales leçons que nous avons apprises dans cette liste. La section du navigateur vous permet d'accéder à tous vos échantillons, instruments et effets. L'arrangement est considéré comme la section principale dans laquelle nous travaillerons et dans laquelle vous créerez la mise en page finale de la chanson. Vous pouvez cliquer sur un onglet pour passer à l'affichage de la session. Nous utiliserons cette vue pour le mixage et le mastering. Principalement. La section des détails est l'endroit où vous pouvez voir les effets ou les instruments de chaque piste. Il est également utilisé pour afficher plus d'informations sur un fichier audio ou MIDI et appliquer des automatisations et des modifications de tonalité. La barre supérieure permet de régler le tempo de la chanson, ajuster la signature horaire de la chanson et d'activer le métronome. Et puis, aux deux principaux raccourcis que nous avons abordés, nous ajoutons une nouvelle piste audio , Command plus T sur Mac ou Control plus T sur PC. En plus d'ajouter une nouvelle piste MIDI, Command plus Shift plus T sur Mac et control plus Shift plus T sur PC. Génial J'espère que l'interface Ableton vous semble plus logique maintenant. Passons ensuite à la déformation et à la transposition. 4. Tailler et transposer: Il existe deux techniques essentielles que vous devez connaître avant de créer de la musique. Inévitablement, ils se déforment et se transposent et j'ai réussi à vraiment me démarquer de la course. Ces techniques garantiront que vos samples arrivent à temps et correspondent à votre morceau, tout en offrant des possibilités créatives infinies. Payez. Alors tout d'abord, passons à la section Warp dans vos préférences. Assurez-vous que Loop Slash Walk, Short Samples est réglé sur automatique. Assurez-vous que la distorsion automatique des échantillons longs est activée par défaut. Le mode Warp est réglé sur les battements. Enfin, assurez-vous que la création s' estompe et que les bords du clip sont désactivés. Faisons maintenant glisser n'importe quelle boucle de batterie sur une nouvelle piste audio. Ouvrons la section des détails. Comme vous pouvez le voir, le warp est activé et le live est parfaitement déformé en boucle de batterie jusqu'au BPM principal. Il existe également quelques modes de distorsion différents pour différents types d'audio. Le premier est le mode beats, qui est bien sûr conçu pour les batteries et les boucles de percussion. Cependant, utilisez parfois le mode répétition à la batterie, car il peut également bien fonctionner et peut même avoir un son plus naturel que le mode beats. Le deuxième mode est le mode tonalités. C'est pour les sons dont le ton est évident. Cependant, le mode complexe fonctionne généralement aussi pour ces sons. Et puis le mode texture est destiné à être utilisé sur des sons au contenu mélodique obscur. C'est bon pour créer des sons ambiants ou des effets expérimentaux. Ensuite, nous avons le mode répétition, qui fonctionne essentiellement de la même manière que platines lors du réglage de la hauteur. Le son est vraiment adapté au tempo des pistes. Vous n'obtiendrez donc aucun artefact étrange qu'une déformation normale peut créer. Mais évidemment, cela ne préserve pas la hauteur du son. Donc, d'habitude, ce n'est pas un bon choix pour les samples mélodiques, mais je l'utilise souvent à la batterie pour créer des boucles uniques. Et puis le mode complexe est celui que j' utilise habituellement sur la plupart des boucles autres que la batterie. Il est conçu pour ouvrir des chansons à égalité lorsque vous deejaying ou tout autre audio complexe. Enfin, nous avons un mode pro complexe, qui convient parfaitement à la distorsion des voix. J'utilise principalement les rythmes, le mode pitch ou le mode complexe et toute ma musique. Mais vous devez absolument essayer d' utiliser différents modes de distorsion sur les échantillons. Je vais maintenant vous montrer comment transposer le son pour qu'il soit dans la bonne tonalité de votre morceau ou pour jouer avec différentes octaves. Tout d'abord, ouvrons la section des détails de notre boucle mélodique. Changeons le mode warp trop complexe pour obtenir les meilleurs résultats. Maintenant, tout ce que vous avez à faire pour ajuster la hauteur de l'échantillon est d'utiliser cette roue de tangage ici. En plus de faire glisser la molette avec votre souris, vous pouvez également saisir des valeurs spécifiques dans la zone ci-dessous. Pour récapituler rapidement, le warping est utilisé pour régler boucles audio sur la même chanson de température. Ils proposent également différents modes de distorsion pour différents types d'audio. Ensuite, la transposition est utilisée pour placer son dans la même tonalité que votre chanson. Le mode warp affectera le son de la transposition. Les deux peuvent également être utilisés comme de puissants outils de création. Dans cette leçon, j'espère que vous avez pu voir à quel point déformation et la transposition peuvent être puissantes. Passons maintenant à la création de votre premier battement de batterie. 5. Les tambours: L'une des principales caractéristiques du hip hop lo-fi est la batterie, clé d'un bon rythme de batterie, sélection de samples et du groove. Il existe différentes manières de produire le programme, ils jouent de la batterie à Ableton. Certains préfèrent utiliser uniquement le son, lumière du soleil pour utiliser principalement Middy et d'autres utilisent une combinaison des deux. Au fur et à mesure que vous produirez davantage, vous découvrirez ce qui vous convient le mieux. Pour cette leçon, nous allons utiliser un rack pour les tubes de batterie principaux, car il est beaucoup plus facile de modifier les samples par la suite, d' ajouter des groupes à partir du pool de groove d'Ableton et de voir comment fonctionnent les principaux tubes de batterie. ensemble, crée une nouvelle piste midi en utilisant Command sur Mac ou Control sur PC plus Shift plus t. Nommons cette batterie principale. Maintenant, j'ai deux instruments et fais glisser une batterie sur la piste midi. Maintenant, prenez un coup de pied dans le pack d'échantillons. Faisons glisser cela sur le module C1 du rack à batterie. Lorsque vous faites glisser l'échantillon, le volume diminue automatiquement de 12 dB, ce qui est utile pour créer de l'espace afin ajouter des éléments supplémentaires et d'éviter tout découpage. Ensuite, choisissons un échantillon piège dans le pack d'échantillons. Faites-le glisser sur le module C-Sharp One du rack à batterie. Trouvez maintenant un chapeau haut de gamme que vous aimez et faites-le glisser sur le module D1. Pour commencer à programmer la batterie, nous devons créer un nouveau clip midi. Pour ce faire, cliquez et faites glisser le curseur sur les 4 barres de la piste de batterie et en appuyant sur Command sur Mac ou Control sur PC plus Shift plus M. Nous avons maintenant un clip MIDI à quatre barres. Maintenant, sélectionnez le muddy et appuyez sur Command sur Mac ou Control sur PC plus L. Pour que cette zone soit maintenant en boucle nous sommes en train de créer toutes les idées initiales pour le morceau. La plupart des genres comportent généralement un serpent ou un applaudissement aux deuxième et quatrième battements, ou au troisième battement. Lo-Fi hip up. Le piège se trouve généralement sur B2. Et pour, surtout quand on travaille à ce rythme. Pour commencer à placer la caisse claire, double-cliquez sur P2 pour créer les notes midi. Vous pouvez dupliquer cette note en la sélectionnant, en touche Alt enfoncée et en la faisant glisser pour la battre. Pour. Maintenant, sélectionnez les deux notes et faites de même pour les dupliquer sur les 3 prochaines barres. Programmons maintenant les coups de pied. Habituellement, un coup de pied sera placé au premier battement pour commencer le beat. N'hésitez pas à essayer placer des coups de pied là où cela vous convient, ou suivez mon modèle. Gardez à l'esprit qu'il est préférable d'avoir un bon espace entre les coups de pied en basse résolution. Sur les chapeaux hauts. Une façon simple de commencer à appliquer le patron du chapeau est de mettre un chapeau sur chaque quart de billet. Et une fois que vous avez ajouté plus de variation de swing et de vélocité, cela a toujours l'air cool, même si c'est si simple. Pour modifier la note du sélecteur de vélocité et réduire cette ligne en bas. Faisons cela pour chaque nœud alterné afin de donner plus de vie au motif. J'aime aussi faire frapper les chapeaux un peu plus tard que le coup de pied et la caisse claire, juste pour ajouter du rythme au rythme. Pour ce faire, sélectionnez tous les chapeaux, maintenez la touche Commande sur Mac ou Contrôle sur PC enfoncée et cliquez sur la flèche droite jusqu'à ce que le son sonne bien. Cela vous permet de régler la boue sans qu'elle ne soit projetée sur la grille. Enfin, jouons avec le motif pour ajouter plus de variation aux chapeaux. N'hésitez pas à expérimenter vous-même ou à me suivre. Vous pouvez cliquer avec le bouton droit de la souris pour accéder aux différents paramètres de la grille. Ajoutons plus de groupe aux tambours en utilisant le groove pool. Cliquez sur le bouton Hot Swap situé à côté de Groove. Je vais utiliser ce groupe de hip hop, mais tu devrais certainement les expérimenter et trouver ce que tu aimes. Le groove est désormais appliqué à l'ensemble des rythmes programmés dans ce clip midi. Pour donner plus de mouvement à la batterie, ajoutons une boucle de percussion provenant du pack d'échantillons. Faites-le glisser sur une nouvelle piste audio sous la batterie et nommez-la. Les percussions devraient se déformer automatiquement en utilisant le mode beats. Si ce n'est pas le cas, cliquez sur Warp sur le clip audio dans la section des détails et appuyez manuellement sur BPM ici Vous pouvez également ajouter le même groove que celui que nous avons utilisé sur la batterie principale à ce clip audio. Enfin, ajustons le volume pour rendre le son de la batterie plus cohérent et éliminons les basses fréquences de la caisse claire, des pour rendre le son de la batterie plus cohérent chapeaux et des percussions à l'aide d'un égaliseur. Nous ferons également un mixage final de tous les éléments chantés à la fin. Mais cela fonctionne aussi bien pour ajuster les niveaux au fur et à mesure que vous le pouvez. Ici, j'ai donné le coup de pied et le piège les éléments traumatiques les plus bruyants. C'est généralement une bonne pratique pour récapituler La sélection des samples et le groove sont essentiels pour avoir une batterie solide sur votre morceau. En général, ajoutez votre caisse claire au deuxième et au quatrième battement. Le troisième battement est un bon point de départ. Vous pouvez ajouter du groove à votre rythme manuellement ou en utilisant le groove pool Modifier la vélocité des samples est un autre excellent moyen d'ajouter du rire à votre batterie. Les raccourcis que nous avons abordés dans cette leçon, lorsque nous créons un clip MIDI, se trouvent dans Command plus Shift plus M sur Mac ou Control plus Shift plus MPC. Régler une section en boucle en utilisant Command plus L sur Mac et Control plus L sur PC, nous pouvons dupliquer une note midi en utilisant Alt plus Drag ou Command plus D sur Mac et PC, Control Plus Drag ou Control Plus Drag ou control plus D vous a également montré comment ajuster notes MIDI sans qu'elles soient bloquées sur la grille. Pour ce faire, maintenez la touche Commande enfoncée et en utilisant les flèches gauche et droite sur Mac et PC, maintenez la touche Contrôle enfoncée. J'espère que vous vous êtes bien amusé à créer votre premier battement de batterie à Ableton et j'ai commencé à me faire une idée du programme. Ensuite, nous passerons à la création de votre première progression d' accords. 6. Principaux accords de piano : partie 1: Passons maintenant au contenu mélodique de la chanson, commençant par les accords, qui créeront l' émotion centrale de notre morceau. En règle générale, les chansons les plus joyeuses sont dans une tonalité majeure et les chansons les plus tristes dans une minute. Je vais aborder quelques notions de base de la théorie musicale. Dans cette leçon, nous serons en mesure d'écrire une progression d'accords et de jouer piano dans la liste suivante. Il existe également des outils dans Able to Live qui peuvent vous aider à créer une excellente progression d' accords Même si vous n'avez aucune connaissance de la théorie musicale, assurez-vous de télécharger mon aide-mémoire le section des ressources qui devrait simplifier davantage les concepts abordés avant de commencer à créer l'accord. Passons donc en revue la fonctionnalité du mode échelle. Cela vous aidera à commencer à créer des accords et des mélodies dans Ableton Live sans aucune connaissance préalable de la théorie musicale. Dans une application médicale, vous pouvez activer et désactiver le mode balance ici. Vous pouvez utiliser ces choix pour sélectionner l'échelle sur laquelle vous souhaitez travailler. Les notes comprises dans cette gamme seront désormais surlignées dans le clip midi. Maintenant, je vais vous montrer comment créer des accords majeurs et mineurs, ainsi que des accords de septième et neuvième accords, qui sont souvent utilisés dans le hip hop lo-fi. Pour vous montrer le processus de co-création , utilisons la gamme la plus simple, do majeur, qui se compose en fait de toutes les notes blanches du clavier. Pour créer un accord majeur, commencez par la note fondamentale de l'accord que vous souhaitez. Ici, j'ai choisi un do comme racine pour un accord de do majeur. Maintenant, dupliquez cette note en maintenant la touche Alt enfoncée et montez quatre nœuds supplémentaires. Dupliquez ensuite cette note et remontez de trois nœuds supplémentaires. Il s'agit de la version la plus basique d'un accord majeur, appelée triade majeure. Comme vous le pouvez ici, le son est plus joyeux. Pour créer un accord mineur, commencez par la note fondamentale de l'accord que vous souhaitez. Ici, j'ai choisi un ré comme racine pour un accord en ré mineur. Maintenant, dupliquons ces notes et augmentons de trois notes cette fois. Dupliquez ensuite cette note et augmentez de quatre notes supplémentaires. Il s'agit de la version la plus basique d'un accord mineur, appelée triade mineure. Comme vous pouvez le faire ici, il a un son plus triste pour créer un septième accord en do majeur. Dupliquez la note supérieure et augmentez de quatre notes supplémentaires. Comme vous pouvez l'entendre, cela crée une ambiance plus soul et jazzy pour créer un neuvième accord en do majeur. Dupliquez la dernière nuit du septième accord et montez de trois nœuds supplémentaires. Ce son n'est même pas plus complet. Pour créer un septième accord en ré mineur, dupliquez la note de début et augmentez de trois nœuds. Neuvième accord en ré mineur intégré, dupliquez les dernières notes du septième accord et augmentez de quatre notes. Un autre concept important pour apprendre à créer des accords ou des inversions d'accords plus intéressants. Inversions d'accords, ou lorsque vous modifiez la position des notes dans un accord, par exemple déplaçant la note racine de l'accord et de l'application octave. Cela donnera un son légèrement différent au code. 7. Principaux accords de piano : partie 2: Vous pouvez utiliser ces formules pour créer des accords avec le nœud racine de votre choix. Cependant, pour rester dans la tonalité, veillez n'utiliser que des notes qui correspondent à la gamme. Vous travaillez avec cette connaissance des gammes et des accords jusqu'à présent J'espère que vous serez en mesure de me suivre tant que programme de progression des accords, ou même d'écrire vos propres courts sans mon aide. Commençons par créer notre progression d'accords. Tout d'abord, chargeons notre instrument. Accédez à la section Instruments et trouvez le son de piano que vous aimez. Je vais utiliser le piano droit, charger sur une nouvelle piste midi. Nommons ce morceau « piano principal ». Créez ensuite un nouveau clip midi en utilisant Command sur Mac ou Control sur PC et Shift plus M sur la piste de piano principale. Et sélectionnez l'échelle dans laquelle nous voulons travailler. Je vais sélectionner la gamme de ré dièse mineur. Au fur et à mesure que vous acquerrez de l' expérience musicale, vous découvrirez les touches sur lesquelles vous aimez travailler. Maintenant, je vais programmer la progression des accords de base. Lorsque je joue du piano, cette icône bleue du casque est généralement activée. Cela me permet d'entendre mes notes midi lorsque je les dessine. Comme vous le verrez, ce processus peut nécessiter de nombreux essais et erreurs. Cependant, cela fait partie du plaisir de faire de la musique, et c'est vraiment gratifiant d' obtenir quelque chose qui fonctionne. Et enfin, pour le rendre plus intéressant et y ajouter une touche humaine maussade qui suggère les philosophies, placement des notes et la sonorisation des accords. J'aime aussi parfois expérimenter cette fonctionnalité aléatoire de vélocité. Voici à quoi ressemble la progression finale avec la batterie. Passons en revue certains des concepts clés que nous avons abordés dans cette leçon. La fonction de mode échelle vous permet de voir facilement les notes que vous pouvez utiliser avec la touche que vous avez choisie. Ce sont des formules que nous pouvons utiliser pour créer des accords majeurs et mineurs dans le piano, ainsi que divers autres types de citations. Pour créer un accord majeur, commencez par le nœud racine de votre code, puis montez de quatre nœuds, puis de trois autres nœuds. Pour créer un accord mineur. Vous commencez par le nœud racine de votre code et vous montez de trois nœuds , puis quatre autres notes pour créer un septième accord majeur, vous formez l' accord majeur, puis prenez la note supérieure et vous montez par quatre notes. Pour créer un neuvième code majeur, vous formez le septième accord majeur, prenez cette note de tête et augmentez de trois nœuds. Pour créer un septième accord mineur, nous commençons par un accord mineur, dupliquons la note de dupliquons la note de début et augmentons de trois nœuds pour créer un neuvième accord mineur, reformons le septième accord, puis nous le dupliquons nœud supérieur et hausse de quatre nœuds, inversions d' accords. Ou lorsque vous modifiez la position des notes dans un accord, ce qui constitue autre excellent moyen de créer des progressions d'accords plus intéressantes. Il est également important d'expérimenter la vitesse et l'emplacement des notes pour créer une sensation plus humaine. À présent, vous devriez avoir une bien meilleure compréhension de la façon de créer vos propres progressions d'accords. Ensuite, nous allons ajouter à notre son un son plus lo-fi à l'aide d'un rack d'effets Ableton. 8. Créer un rack à effets Lofi: Dans cette leçon, nous allons créer notre propre rack d'effets pour les ajouter ou du son lo-fi à notre mélodie de piano. Le son hip-hop lo-fi utilise en grande partie des sons à la texture chaude, ainsi que de l'ajout de bruit et d'un léger champ H. Deux effets sont utilisés pour y parvenir, un effet wow et flatter. Ces effets proviennent à l'origine des magnétophones et des tours. L'effet wow se produit lorsqu' il y a des basses fréquences. Et l'effet le plus plat, c'est lorsqu' ils regardent à haute fréquence des couleurs perdantes ou anti-rétro et une cassette de croquis, ou deux plugins très populaires pour obtenir ces effets. Cependant, nous pouvons les simuler à l'aide plug-ins Ableton Stock dans un rack d'effets. Créons le rack d'effets sur le canal du piano. Accédez aux effets et chargez un quart de travail. Cliquez dessus avec le bouton droit de la souris et cliquez sur Groupe. Nous avons maintenant une épave. Nous allons utiliser des macros pour contrôler le décalage de fréquence pour l'effet wow. Cliquez sur l'icône macro en haut à gauche. Cliquez avec le bouton droit sur la première macro et renommez-la. Waouh. Cliquez ensuite avec le bouton droit sur le sommet de la montagne dans le levier et attribuez-le à la macro WOW. Nous pouvons désormais contrôler le montant des effets avec la macro wow. Jouez avec la macro while jusqu'à ce que vous obteniez une ambiance. Je vais également remplacer le LFO une onde sinusoïdale pour une sensation plus douce. Pour un effet plus plat, renommez la macro en plus plate. Cliquez ensuite avec le bouton droit sur le taux dans le levier de vitesses et associez-le aux appartements et à la macro. Nous pouvons maintenant contrôler les effets en utilisant la macro aplatie. Jouez avec les plats plats et les macros jusqu'à ce que cela vous convienne. Vous pouvez également étendre ce rack, mais en ajoutant des éléments tels que la saturation, la distorsion, la compression, la réduction des animaux de compagnie, etc. Conservons le rack pour une utilisation ultérieure. Cliquez sur l'icône Enregistrer dans le coin droit du rack, et je vais le nommer lo-fi affects red Skillshare. Vous pouvez désormais le faire glisser depuis votre bibliothèque utilisateur chaque fois que vous en avez besoin. Encore une fois, récapitulons ce que nous avons abordé dans cette leçon. Vous pouvez utiliser des macros dans un rack d'effets pour contrôler les différents paramètres d'un effet. Les effets Wow et Flutter proviennent à l'origine de l'utilisation de magnétophones et de platines. Ces effets créent des irrégularités son et permettent d'obtenir un son lo-fi. Vous pouvez enregistrer et stocker les effets pour une utilisation ultérieure. Nuts, vous venez de créer vos premiers effets et d'autres fonctionnalités incroyables avec des fonctionnalités. Passons maintenant à la mélodie principale. 9. La mélodie: Dans cette leçon, je vais vous montrer comment créer un son show pluck à l'aide des opérateurs Ableton. Le processus de création de vos propres sons de synthé s' appelle la conception sonore utiliserez ensuite le son pour créer une mélodie apaisante en plus d'ici. Créons notre son de synthé, dupliquons le canal principal du piano et renommons-le en sentimentalité. Ouvrez le MIDI sur le canal de la phrase, sélectionnez tout à l'aide de Command sur Mac ou Control sur PC plus a, puis appuyez sur zéro pour désactiver toutes les notes MIDI. Cela nous permet désormais de commencer facilement à créer une mélodie en utilisant les codes originaux comme guide. Activez ensuite les trois premières notes en ré dièse sélectionnant et en appuyant sur zéro. Encore une fois. C'est pour que nous puissions entendre à quoi ressemble le centre . Comme nous avons créé à côté du glisser-déposer et de l'opérateur à partir d'instruments pour remplacer le piano, je vais augmenter le volume et la vélocité du canal pour que nous puissions l'entendre correctement lors de la création du son. Voici à quoi ressemble le correctif opérateur par défaut. Concevons maintenant le son. Cliquez sur cet oscillateur inférieur, abaissez complètement le sustain. Un sustain court est l'une des principales caractéristiques d'un son pluck. Réglez la décélération à environ 2 s ou expérimentez-la vous-même. Voyons ensuite si nous pouvons ajouter un caractère sympa au son en utilisant la section filtre à côté l'option de filtre qui contient du lecteur. Voyons si une autre forme d'onde fonctionne. Je vais également modifier l'attaque pour adoucir un peu le son. En fait, retirons le lecteur car cela rend le son trop dur pour ce que je recherche. Rendons maintenant le son plus riche et plus intéressant à l'aide d'effets. Les effets les plus courants que j'utilise sur les sons pluck sont la réverbération et le delay, ainsi que les effets wow et flatter que nous avons utilisés sur la piste de piano dans une réverbération des effets audio. L'un de mes préréglages préférés est celui de la cathédrale. Génial. Mettez-le donc à environ 17 % de son poids pour le moment. Juste votre goût pour votre morceau. Ensuite, ajustons les paramètres de notre rack d'effets lo-fi jusqu'à ce que nous obtenions l'ambiance souhaitée. Enfin, ajoutons un retard de huitième note après la réverbération, ce qui portera le retard à 40 % de poids et 66 % de feedback. Mais encore une fois, adaptez-les à votre goût ou essayez d'autres délais. Faisons monter le témoin de la réverbération ou des paris, puis égalisons les graves du son émis les graves du son émis avant de commencer à écrire la mélodie. Passons maintenant à l'écriture de la mélodie. Je vais être simple pour le bien de ce cours. Et utilisons les notes singulières de chaque accord pour commencer notre mélodie. Continuez à jouer avec notes de la progression des accords jusqu'à ce que vous trouviez la mélodie que vous aimez ou suivez la mienne. N'hésitez pas à utiliser également d'autres notes de la gamme si vous le souhaitez. Enfin, ajustons l'emplacement des notes pour ajouter un champ plus humain à la mélodie. Veillez à enregistrer l'option sécurisée, assurez-vous que tous vos échantillons sont enregistrés dans le dossier de votre projet. Maintenant, pour récapituler rapidement ce que nous avons abordé dans cette leçon, nous pouvons facilement commencer à créer notre mélodie en utilisant le midi de nos accords principaux comme guide. réverbération et le delay sont souvent utilisés sur les sons de pluck. Le processus de création de vos propres sons de synthé s' appelle Sound Design. Le synthétiseur opérateur Ableton est un outil populaire à cet effet. Les raccourcis que nous avons abordés étaient Select all using Command sur Mac ou Control sur PC plus a, ainsi que le raccourci Désactiver ou activer de nombreuses notes, qui se fait en appuyant sur zéro. J'espère que vous vous êtes amusé à créer votre première mélodie et que vous avez eu un avant-goût de ce que c'est que de créer des joints. Ensuite, passons à la base de référence. 10. La Bassline: Le moyen le plus simple d'ajouter une ligne de base à votre morceau serait de jouer chaque note de base sur les courts à l'aide d'un simple sous-son. Cela peut fonctionner s' il y a beaucoup d' autres contenus mélodiques dans votre morceau. Cependant, pour cette chanson, je souhaite créer une base de référence empreinte de vie morale. Tout d'abord, trouvez la guitare opérateur, les préréglages de basse et faites-les glisser sous la mélodie. J'aime aussi souvent choisir ma propre couleur pour le piège, ce que vous pouvez faire en cliquant avec le bouton droit de la souris et en choisissant une couleur ici Nommons la base de la piste. Sélectionnez ensuite la mélodie du piano, appuyez sur Alt sur Mac ou Control sur PC et faites glisser la boue pour la dupliquer sur la piste de basse. Ouvrez la boue et sélectionnez-la à nouveau, puis appuyez sur zéro pour désactiver les nœuds. Activez le D-dièse pour noter en le sélectionnant et en appuyant sur zéro. Encore une fois. Cela ne semble pas assez bas. Nous allons donc sélectionner tous les MIDI, puis appuyer sur Shift plus la flèche vers le bas. Cela déplacera tout d'une octave vers le bas. Maintenant, jouons avec les notes contenues dans les accords et voyons comment cela sonne à côté du piano. Et je vais réduire le volume autant que vous pouvez l'entendre, le son se déforme à cause de l'écrêtage, c' est-à-dire lorsqu'il dépasse zéro dB. Une fois que j'ai défini les bases de la base de référence, j'aime commencer à ajouter plus de variations avec des notes supplémentaires. Essayez d'expérimenter ou suivez ma ligne de base. bleu. bleu. bleu. Enfin, égalisons certaines des hautes fréquences de la base afin qu'elles n' entrent pas en conflit avec le piano et le synthétiseur. Récapitulons certaines des idées clés que nous avons abordées dans cette leçon. Encore une fois, vous pouvez vous servir de vos accords principaux comme guide pour commencer à programmer votre base de référence pour le hip hop lo-fi Vous ne voulez généralement pas beaucoup de contenu à haute fréquence dans votre base afin qu'il n' entre pas en conflit avec votre instruments à haute fréquence. Le raccourci principal récupéré dans cette leçon nous a permis de déplacer une note midi vers le haut ou vers le bas d'une octave entière. Pour ce faire, utilisez Shift plus la flèche vers le bas ou vers le haut. Nous avons maintenant une solide boucle qui inclut tous nos principaux éléments. Ensuite, nous allons transformer cette boucle en une chanson complète. 11. Arrangement : transformer la boucle en une chanson complète: Dans cette leçon, nous allons transformer notre boucle de quatre mesures en une chanson complète. Nous ajouterons également des effets, des échantillons, des échantillons complets et l'automatisation pour plus de mouvement et de texture J'ai trouvé que l'arrangement était la partie la plus difficile de la notation de l'échantillon. Cependant, il existe des moyens de simplifier le processus. façon la plus simple d' arranger une chanson serait de commencer par une intro qui passe dans la première section principale, depuis leurs commutateurs jusqu'à une répartition menant à la deuxième section principale. Et puis se termine finalement par une outro. La mise en page peut fonctionner dans de nombreux cas, surtout s'il y a suffisamment de changements intéressants en cours avec les instruments et la batterie. Pour ce cours, j'utiliserai la formule d' arrangement standard, mais le hip hop lo-fi s'éloigne souvent de cette mise en page. Vous pouvez également utiliser l'une de vos chansons préférées dans un tempo similaire comme guide lorsque vous travaillez sur votre arrangement. Créons notre mise en page de base. Les marqueurs sont utiles pour cela car ils vous permettent de donner un titre à chaque section de votre chanson. Tout d'abord, déplaçons notre boucle principale deux par neuf et dupliquons-la trois fois, créant ainsi une section principale de 16 barres. Ensuite, pour nommer cette section, cliquez avec le bouton droit sur la ligne située en dessous de la ligne et cliquez sur Ajouter un localisateur. Appelons-la section principale 1. Pour commencer l'intro, dupliquons deux fois les accords de piano , ajoutons un marqueur sur la première barre et nommez-la intro. Faites la même chose après la première section principale et nommez-la par décomposer. Pour la partie suivante, dupliquez la première section principale, placez-la à la fois sur 33 et nommez-la section principale deux. Pour l'outro, prenons juste les accords de piano pour 4 mesures. Ajoutez un marqueur sur la barre 49 et nommez-le altro. Nous avons maintenant notre arrangement de base, qui est techniquement une chanson complète. Cependant, si on laissait le morceau comme ça, ce serait une expérience d' écoute plutôt ennuyeuse. Pour rendre l'arrangement plus intéressant, nous pouvons procéder comme suit. Ajoutez des échantillons d'effets pour passer d'une section à l'autre. Utilisez l'automatisation, c' est-à-dire lorsque vous contrôlez le périmètre d'un instrument à effet ou d'une piste pour qu'il change au fil du temps dans votre chanson sur le terrain et que vous enregistrez des enregistrements complets pour plus de texture, plus de variations par rapport à notre batterie et contenu mélodique, créez plus de contenu mélodique à ajouter tout au long de la chanson. Je vais maintenant aborder brièvement ces étapes, mais assurez-vous d' expérimenter chacune d'elles pour votre propre chanson et de voir ce que vous allez trouver. À des fins de démonstration, je vais utiliser les sons de la bibliothèque principale d' Ableton, laquelle vous pouvez accéder ici, ainsi que télécharger divers autres packs. Je vais maintenant ajouter des échantillons d'effets pour faire la transition entre les différentes sections , puis expliquer ce que j'ai fait. Voici à quoi ressemblent les effets. entrant dans la première section principale, j'ai ajouté un élévateur de bruit blanc d'Ableton, appelé bibliothèque ainsi qu'un ensemble d'effets pour nous amener à la première section principale. J'ai également ajouté un correctif à court terme à mi-chemin de la première section principale, puis j'ai réutilisé tous les effets pour nous aider à comprendre. Tous ces effets sont copiés dans la deuxième section principale. Je garde souvent mes échantillons fixes sur des échantillons déformés pour obtenir un champ plus biologique. J'ai également ajouté de la réverbération et de l'écho aux basses fréquences. Vous avez probablement entendu des chansons comme des vinyles Crackle and Rain et du hip hop lo-fi. L'utilisation d'enregistrements sur le terrain est un autre excellent moyen d'ajouter la chaleur et de la texture à votre morceau. J'ai ajouté un enregistrement Ray In and Train Atmosphere. Je l'ai gardé sur Warped et placé pour qu'il joue tout au long du morceau. J'ai également joué le rôle principal dans un enregistrement vinyle de Crackle. J'ai décidé de garder ça déformé et dupliqué tout au long du morceau, sauf pour l'outro. C'est ce à quoi cela ressemble à côté du piano. Comme vous pouvez probablement le constater, nos principaux éléments sont encore assez répétitifs. Corrigons ce problème en ajoutant plus de variation. Nous pouvons y parvenir en ajoutant ou en supprimant des éléments dans différentes sections, en ajustant les notes de notre contenu mélodique ou en séparant les batteries. Passons en revue les modifications que j'ai apportées à la batterie. Le principal changement que vous voyez est cette boucle supérieure qui se trouve à mi-chemin de la première section principale. Comme vous pouvez le voir, j'ai dû modifier légèrement le warping pour m'assurer qu'il s'adapte parfaitement à mes autres batteries. Une technique que j'aime appliquer souvent aux boucles supérieures consiste à utiliser cette option ici pour contrôler les transitoires de la boucle. Cela aide souvent Fitbit sur la piste et c'est aussi un bon moyen de vous personnaliser une boucle. Assurez-vous également d'égaliser les plus bas afin qu'il n'entre pas en conflit avec la base de démarrage. J'ai également ajouté plus de variation aux principaux tubes de batterie. Pour les variations sur piano, j'ai ajouté ces notes supplémentaires à la fin de la progression. Une autre méthode qui peut mal fonctionner consiste à ajouter une deuxième responsabilité qui joue sur la mélodie existante. J'ai utilisé les codes R et la fonction d'échelle comme guide pour le créer. Pour le son, j'utilise ce préréglage Ocean Pluck créé avec Ableton is Collision Instrument. Cependant, j'ai édité pas mal de choses pour mieux m' adapter et pour obtenir des données d'égalisation plus faibles. J'ai également ajouté des chaînes de fond qui apparaissent lors de la panne. J'ai utilisé des cordes orchestrales Ableton, que vous pouvez télécharger ici. Pour cordes et pads. J'aime qu' ils soient calmes, simples et spacieux. J'ai donc utilisé deux nœuds espacés chaque accord que nous avons créé pour la progression au piano. Ensuite, pour un peu plus d'intérêt, antigène une troisième note sur le dernier accord. J'ai ajouté de la réverbération et de l'écho aux graves et à la soumission, continué à jouer les cordes au fur et à mesure que la deuxième section principale arrive. est une autre excellente technique à utiliser pour créer automatisation est une autre excellente technique à utiliser pour créer une transition en douceur vers une nouvelle section. Ici, je vais utiliser un filtre automatique pour filtrer les hautes fréquences du piano, puis les ramener juste avant la première section principale, charger et les filtrer automatiquement sur la piste de piano. Pour activer l'automatisation, cliquez sur le bouton d'automatisation ici. Nous pouvons maintenant choisir les paramètres de notre appareil que nous voulons automatiser ici ou en les déplaçant sur l'appareil. Cliquez sur le signe plus pour créer des voies d'automatisation afin de voir l'automatisation séparément de la boue, ainsi que plusieurs paramètres d'automatisation à la fois. Sélectionnez ensuite la dernière partie de notre piano dans l'intro. Maintenez la touche Shift enfoncée et faites glisser le pointeur vers le bas pour faire descendre la ligne d'un seul coup. Ensuite, modifions-le pour que les hautes fréquences soient filtrées puis réapparaissent juste avant le démarrage de la batterie. Copions ensuite l'automatisation pour passer de chaque section principale. Récapitulons. Ce que nous avons abordé dans cette leçon. L'arrangement des chansons, c'est lorsque nous prenons notre idée principale et la transformons en une chanson complète. Nous pouvons ajouter ou supprimer des éléments pour créer différentes sections afin de nous assurer que la chanson ne devienne pas ennuyeuse Nous devons nous assurer qu'il y a suffisamment de variations tout au long de la chanson. Les effets, les échantillons et l'automatisation sont d' excellents outils pour faciliter les transitions entre les sections. Si vous êtes bloqué dans votre arrangement, vous pouvez utiliser une piste de référence comme guide. Super, j'espère avoir réussi à rendre l'arrangement des chansons moins intimidant pendant cette leçon. Ensuite, nous passerons à la dernière étape créer une chanson, à la mixer et à la masteriser. 12. Mélanger et maîtriser: Dans cette leçon, je vais brièvement aborder le processus de mixage et de mastering. Je ne vais pas approfondir ce sujet qui sort du cadre de ce cours. Cependant, je vais passer en revue quelques idées qui devraient vous aider à réfléchir lorsque vous mixez et masterisez votre propre musique. Il a quelques concepts clés qui devraient vous simplifier le processus de mixage et de mastering. Tout d'abord, les idées musicales et l'ambiance, mais c'est toujours le plus important, surtout dans le hip hop lo-fi. Utilisez vos oreilles au-dessus de toute surveillance visuelle. Si ça sonne bien, c'est bien. Utilisez des échantillons de bonne qualité. Faites de votre mieux pour vous assurer que chaque élément n' entre pas en conflit avec un autre, en réglant les niveaux, l'égaliseur, le panoramique, etc. À partir de là, nous pouvons effectuer la majeure partie du travail ajustant simplement les niveaux de volume, autant plus que nous avons effectué la majeure partie du traitement de chaque son au fur et à mesure, que nous avons défini les idées principales comme étant les plus fortes et que, à partir de là, créé une bonne relation rythmique. Vous pouvez y parvenir avec des niveaux d'égalisation et en utilisant des techniques telles que la compression par chaîne latérale si nécessaire, en insérant des pistes comme toutes les batteries, instruments et, depuis, les effets et Foley dans leur vos propres groupes peuvent également contribuer à simplifier le processus et à garder les choses organisées. Tout d'abord, regroupons nos pistes en conséquence. Vous pouvez regrouper les pistes en les sélectionnant et en utilisant Command sur Mac ou Control sur PC plus g. Pour définir les niveaux finaux, j'aimerais utiliser cette technique, passer en mode session en appuyant sur la touche Tab, puis ramenez toutes les traces à zéro. Et amenez lentement chaque élément commençant par la batterie, qui est généralement la plus bruyante. Vous pouvez sélectionner plusieurs pistes à la fois en utilisant Shift pour réduire tous les niveaux ensemble. Voici un time-lapse où j' utilise cette technique pour fabriquer le piège. Voici à quoi cela ressemblera une fois les derniers niveaux définis. La maîtrise est la dernière étape du processus de production. Nous pouvons en fait garder cette étape assez simple si le mixage est bon L'objectif principal du mastering est d'obtenir un niveau sonore similaire à celui autres morceaux lo-fi et de tout assembler. Nous le faisons principalement avec un compresseur et un limiteur. Comme vous pouvez le constater, ma chaîne de mastering est assez simple et n'utilise que des plug-ins Ableton d'origine, qui incluent un limiteur de compresseur de colle saturée EQ. J'ajusterai ensuite si nécessaire en fonction de la piste sur laquelle je travaille. Sélectionnez une section dans laquelle la plupart des éléments jouent ensemble. Ensuite, poussez le compresseur de colle et limiteur jusqu'à ce que le son ne commence à être coupé. Il doit y avoir un niveau sonore suffisant. Mais j'utilise aussi souvent des pistes de référence pour tester. Enfin, exportons la chanson finale dans un fichier Web de haute qualité. Assurez-vous que l'ensemble de l'arrangement sélectionné avec les crochets. Accédez ensuite à Fichier, Exportez l'audio, la barre oblique vidéo ou utilisez le raccourci Shift plus Command sur Mac ou Control sur Windows plus R. Par défaut, la piste principale sera exportée. Assurez-vous que la fréquence d'échantillonnage est de 44 100. Le type de fichier est défini sur Web et la profondeur de bits est définie sur 24. Pour cette chanson, il ne devrait pas être nécessaire de tergiverser , car le fichier Web que nous exportons possède les mêmes qualités audio que les samples nous avons utilisés jusqu'à présent et nous ne sous-échantillonnons pas. agitation ajoute un peu de bruit au son final, mais réduit les artefacts lors de l' apprentissage de la profondeur de bits. Vous pouvez également exporter sous forme de fichier MP3 en activant cette option. Cliquez maintenant sur Exporter, nommez votre piste et enregistrez-la où vous le souhaitez. J'espère que cette leçon a rendu le processus de mixage et de mastering moins intimidant. Vous disposez désormais d'une base solide pour mixer et masteriser votre propre musique et êtes en mesure de franchir la ligne d'arrivée pour terminer un morceau final. 13. Conclusion: Bravo d'être arrivée à la fin de ce cours. J'espère que vous l'avez apprécié et que vous commencez à tomber amoureux d'Ableton Live. Vous avez maintenant une solide compréhension de base des fonctionnalités d'Ableton Labs et des principes essentiels pour créer du hip hop lo-fi, ainsi que des modes de pensée qui, je espère, vous aideront à créer de la musique plus efficacement. plaît, partagez les pistes que vous avez créées et créez-en une autre. J'ai hâte de tous les écouter. Vous pouvez me suivre sur toutes les plateformes sociales via Fair Game Songs ou écouter ma musique sur Spotify. Bonne création.