L'art pour une cause : comment traduire l'émotion en illustration

1. Vidéo d'introduction: Salut, tout le monde. Je suis Simona, et je suis illustrateur basé à Londres. Ma passion est de communiquer avec mon auditoire en illustrant les sentiments et en illustrant des sujets auxquels les gens se soucient, comme la santé mentale, la diversité et l'égalité. Je suis originaire des Pouilles, le talon de l'Italie, et je vis à Londres, je me sens un peu nostalgique pour le soleil et la mer. Je pense que c'est pourquoi mes illustrations sont pleines de ces couleurs chaudes et relaxantes, et pourtant puissantes. Dans ce cours de Coursera, nous allons parler d'émotions et d'illustrations, et comment traduire vos émotions en illustration. Parfois, nous nous sentons stressés, anxieux, ou simplement agités, et nous exprimons tout cela avec les mots. Nous savons tous que l'art peut être thérapeutique. Nous diviserons la classe en différentes étapes. Nous allons commencer par décider du sujet dont nous voulons parler, puis nous allons passer à quelques recherches sur le sujet. Une fois que nous aurons notre concept, notre idée de base de notre illustration, nous allons passer à quelques croquis. Nous allons passer à plus de détails sur la mise en page, équilibre, la façon de construire votre illustration dans l'espace. Nous allons voir une théorie des couleurs, comment choisir la bonne palette de couleurs. Ensuite, dans la dernière vidéo, je vais partager avec vous quelques conseils sur la façon de numériser votre illustration. Pour suivre ce cours, vous n'avez pas besoin d'être un illustrateur expérimenté ou un artiste professionnel, mais vous avez seulement besoin d'avoir les connaissances de base des techniques de dessin, numériques ou traditionnelles. À la fin du cours, vous aurez une illustration finie qui peut être utilisée comme une seule illustration, par exemple, pour une carte postale que vous pouvez envoyer à vos amis et à vos familles. Ou une affiche pour partager en ligne ou l'imprimer. Les émotions sont si personnelles et pourtant si communes à beaucoup d'entre nous, et je suis sûr que d'ici la fin de ce cours, chacun d'entre vous aura votre propre illustration unique qui nous reliera tous comme un grand câlin. S' il vous plaît ne partagez votre projet à la fin, et merci d'avoir choisi cette classe. 2. Aperçu du projet: Pour ce cours, nous allons créer une illustration pour une cause qui nous intéresse, puis nous pouvons utiliser cette illustration pour créer une carte postale, par exemple, à envoyer à nos amis et à nos familles, ou il peut s'agir d'une affiche ou d'une partie d'un projet plus grand comme une série de cahier ou un calendrier, les possibilités sont vraiment illimitées. Lorsque je lance un projet comme celui-ci, je trouve utile de prendre comme point de départ un événement ou une commémoration. Par exemple, pour ce projet, je voulais consacrer mon illustration à la santé mentale. J' ai profité de la Journée mondiale de la santé mentale qui a eu lieu le 10 octobre, et j'ai créé une illustration qui est devenue une carte postale, que j'ai envoyée à mes amis, à mes familles et à mes disciples. Surtout maintenant en ce moment, je pense qu'il est important de partager et de communiquer avec les autres, et de partager le sentiment et l'idée que nous ne sommes pas seuls dans cette situation, nous y sommes complètement. Tout le monde fait face à une période très difficile. Il est important surtout maintenant de prendre soin de nous-mêmes, prendre soin de notre santé mentale, partager nos sentiments les uns avec les autres et de se sentir mieux. Avec ce cours, vous apprendrez les principes fondamentaux de la communication visuelle et de l'illustration, et comment créer une illustration à partir de zéro, du début à l'œuvre finale. Nous allons parler de recherche, d'inspiration, construire votre illustration sur votre morceau de papier, comment utiliser l'espace. Nous allons parler de mise en page, de couleur, d'équilibre, toutes ces connaissances fondamentales et de base pour construire une image et une illustration finale. Si vous voulez créer une affiche ou des cartes postales ou toute autre illustration d'une cause qui vous intéresse, et sensibiliser à cette cause et partager vos émotions, idées et sentiments avec les autres, c'est la classe parfaite pour vous. La première étape consistera à étudier le sujet que nous avons choisi. Nous ne commencerons pas tout de suite à dessiner, mais nous allons écrire une liste de tous ces mots qui nous rappellent le sujet que nous voulons représenter. Par exemple, dans mon cas, j'ai choisi la santé mentale, donc je vais écrire tous ces mots qui sont importants pour moi sur la santé mentale. Pour moi, la santé mentale signifie prendre soin de nous-mêmes se sentir mieux, essayer d'être positif, donc je vais écrire tous ces mots qui me font me sentir mieux. 3. Choisir le sujet: Commençons par écrire tous les mots liés à notre sujet. Comme je l'ai déjà dit, j'ai choisi le sujet de la santé mentale. Je commencerai par écrire le sujet que j'ai choisi et penser tous les mots liés au sujet et comment ces mots me font sentir. Comment je peux extranet ce que je ressens en ce moment. Lorsque vous écrivez tous ces mots dans cette première étape, n'oubliez pas d'être vraiment fidèle à vous-même et d'écouter vos propres émotions et sentiments. Je vous conseille de ne pas aller tout de suite sur Internet pour regarder ce qu'il y a sur le sujet que vous avez choisi. Mais connectez-vous vraiment avec vous-même et pensez à ce qui vous fait vous sentir mieux. Par exemple, dans mon cas, j'ai choisi la santé mentale. Je veux vraiment me concentrer sur moi-même et réfléchir un instant à toutes ces choses qui me font me sentir mieux. J' ai choisi la détente, l'amour et l'isolement. Je veux vraiment me concentrer sur l'isolement. Je veux écrire toutes ces choses qui m'ont fait me sentir mieux en isolement. Parce que la santé mentale, après tout, c'est penser à se sentir mieux avec vous-même, essayer de se sentir mieux. Qu' est-ce qui ne me fait pas me sentir mieux en isolement ? Que puis-je faire pour m'occuper de moi-même ou de m' occuper et de ma santé mentale pendant que je suis en isolement ? Ce que la santé mentale signifie pour moi, pour moi la santé mentale, c'est prendre soin de toi. Ça veut dire se détendre. Ça veut dire positivité, rester positif. Je pense que dans ma liste j'ai quelques concepts que j'aime, comme se détendre, prendre soin de moi, l'amour. J' aime aussi développer plus d'isolement même si c'est dans ma liste négative, disons. Mais je veux développer le concept d'isolement, qui est négatif. Je veux le transformer en un concept positif. Comment puis-je représenter le concept d'isolement, qui est négatif, en une image positive qui permettra aux gens de se sentir mieux. Laissera les gens et moi-même se sentir mieux. Maintenant, j'ai mon concept, mon idée de la façon dont je veux représenter le sujet dont je veux parler. Je veux parler d'être isolé et être capable de prendre soin de vous-même, votre santé mentale, et d'être positif. Maintenant, l'heure doit trouver un concept pour représenter l'idée d'isolement que j'ai choisi. Isolation, comment puis-je me sentir bien en isolement ? En cuisant peut-être un bon repas. Allumer quelques bougies. Peut-être profiter d'une pizza et d'un film. Toute l'activité que nous pouvons faire maintenant. Pensez, ça n'a pas besoin d'être une véritable action, ça peut être abstrait. Nous pouvons penser à, vous n'êtes pas seul. Nous pouvons penser au fait que ce n'est pas toujours. Cette position, nous ne sommes pas dans cette position pour toujours, il ira mieux. Je crois que j'ai le concept que j'aime. J' aime le fait que nous pensons que ce n'est pas pour toujours et qu'il va s'améliorer, il le fera. Je veux développer ce concept plus maintenant. En pensant à l'isolement et au bien-être, en essayant de me sentir positif, à la positivité, j'ai commencé à penser à la floraison, au concept du printemps. J' ai décidé de représenter mon sujet avec des fleurs et le concept de floraison à nouveau, étant positif à nouveau. Je tiens à communiquer avec les gens que ce n'est pas une situation dans laquelle nous allons vivre éternellement, mais qu'elle va s'améliorer, que nous devons être positifs et que nous allons fleurir à nouveau. L' idée principale, mes textes qu'à la fin je veux insérer dans ma carte postale aussi, est que nous allons fleurir à nouveau. Comment puis-je représenter ce concept ? Comme vous pouvez l'imaginer, la même idée peut être représentée de tant de façons. C' est la partie amusante de l'illustration, et d'être un artiste, que nous pouvons représenter sentiments communs qui sont communs à beaucoup d'entre nous mais de notre manière unique. 4. Développer le concept: Avant de commencer mon croquis, j'aime avoir quelques entrées visuelles, et j'aime utiliser Pinterest pour créer des tableaux d'ambiance. Pinterest est un logiciel numérique. Vous pouvez créer votre profil, et créer vos propres tableaux d'humeur, ils peuvent être publics ou privés. C' est un peu comme Google Images, vous commencez par taper le mot que vous voulez rechercher, puis vous avez beaucoup d'images, puis il va dans les images connexes. Vous pouvez trouver des choses liées à ce mot que vous pourriez même penser. J' aime beaucoup Pinterest pour ça, et vous pouvez le sauver. Vous pouvez enregistrer toutes les images dans votre tableau d'ambiance, sorte que vous avez toutes vos images ensemble. Par exemple, j'ai commencé par taper des fleurs en fleurs. J' ai commencé à avoir toutes ces belles images sur les fleurs, puis j'ai trouvé un coquelicot. J' aime vraiment le concept du coquelicot pour mon illustration car il a une couleur rouge très vif, très puissant, donc c'est bon l'illustration que je veux. Je l'aime parce qu'il peut être représenté dans les différentes étapes du coquelicot de quand il est un petit bourgeon, puis aller ouvrir, puis enfin ouvrir. Je l'aime comme un concept, comme une fleur, alors j'ai décidé d'aller avec le coquelicot, et j'ai créé mon tableau d'humeur sur la fleur. Une fois que j'ai une idée du concept que je veux représenter, il est temps de prendre du papier, ou notre logiciel numérique, et de commencer à dessiner. 5. Croquis: Il est enfin temps d'esquisser notre idée. J' utiliserai Adobe Fresco. Encore une fois, vous êtes les bienvenus et libre d'utiliser tout autre logiciel ou technique traditionnelle. Maintenant, il est temps de commencer un croquis. Je ne m'inquiète pas trop de la mise en page. Maintenant, je vais juste esquisser mon idée de base et ensuite voir après sur la mise en page et les couleurs. Je veux représenter une personne. Je vais prendre mon crayon à croquis, un peu plus grand pour que tu puisses voir. J' ai décidé d'aller avec la personne entre une personne et une fleur pour représenter mon idée florissante. Je vais commencer à esquisser quelques positions de base du corps humain. Parce que l'idée est de représenter quelqu'un qui aime lui-même, j'aime le représenter comme si elle s'étreignait. Peut-être dans une position qui m'a donné l'idée du calme et de l'amour de soi, de l'auto-câlin. Elle étreint ses propres jambes avec une main sur l'autre. Elle croise les jambes ce qui me rappelle comme une position, je ne sais pas, ça me rappelle la protection, elle se protège et l'amour de soi. On peut voir son visage. Ce sera le visage, alors ne vous inquiétez pas trop pour les détails maintenant. Je sais qu'ici il y aura une fleur sur la tête et c'est juste pour connaître la forme et la position de base. Mais ne vous inquiétez pas trop, ça va être rapide. Celui-ci est orienté vers la gauche. Je vais essayer de la représenter sur son dos, comme si elle était assise sur le sol et qu'on la reverrait. Parce que c'est un personnage entre fleur et humain, je dis qu'elle, mais je ne m'inquiète pas vraiment du sexe ou des vêtements parce qu'il doit être une vraie personne, mais pas une vraie personne. Il doit nous rappeler une personne. Mais il n'a pas besoin d'être réaliste. Disons que les yeux sont fermés, comme si elle pensait. Ça pourrait être une bonne chose par ici. Mais je continue, peut-être que je veux essayer de le dessiner de l'autre côté, comme faire face de l'autre côté. Toujours à l'arrière. Elle fait face à ce côté-ci, mais on ne voit pas vraiment son visage. Peut-être qu'elle est encore assise sur le sol. J' aime cette position de m'asseoir sur le sol. Lorsque vous parlez d'émotions et comment les représenter, la position représentera le corps. C' est vraiment important parce que le langage corporel, c'est vraiment important d'exprimer quelque chose. dessiner sur le dos, que nous ne pouvons pas voir son visage nous donner plus de sens privé, comme nous pouvons la voir, mais elle ne peut pas vraiment nous voir comme si elle se concentrait sur elle-même. Eh bien, si je veux communiquer plus, si je veux que mon personnage communique plus avec la personne qui regarde mon illustration, je vais certainement la mettre face parce que nous pouvons la regarder et elle peut nous regarder, et nous nous connectons. J' aime l'idée non seulement d'avoir une fleur sur la tête, mais parce qu'elle fleurit, peut-être qu'elle pourrait être elle-même la plante. Donc cette colonne vertébrale me rappelle une branche ou ce peut être des feuilles qui finissent par la floraison d'une fleur. J' aime cette idée, ne vous inquiétez pas trop de l'anatomie parfaite aussi, nous pouvons toujours ajuster plus tard. Maintenant, ça doit être quelque chose de vraiment un croquis rapide. J' aime cette idée de la floraison dans les feuilles. Je veux essayer peut-être une autre position qui est un peu plus bas, comme si elle devait encore fleurir. Ici, nous avons juste la feuille, pas la fleur encore. J' aime cette idée de la colonne vertébrale, donc je vais la ramener ici. Peut-être qu'elle s'embrasse les jambes, mais elle est toujours accroupie par terre. J' ai ces quatre langages corporels différents maintenant. Analysons un peu ces croquis que j'ai fait, et ce différents langages corporels, et voyons ce qu'ils communiquent en termes de sentiments et d'émotions. Je peux voir dans ma première. C' est une position réconfortante parce que c'est comme un câlin, et elle fait face à nous pour qu'on puisse voir ses expressions, on peut ajouter un peu les yeux fermés et un petit sourire, très positif, et elle fait face à gauche, mais elle va vers la gauche. Celle-ci, je pense que j'ai aimé celle-là parce que ça exonère vraiment toute mon idée de, nous ne sommes pas bons maintenant en ce moment, mais nous allons fleurir à nouveau, donc elle se ferme encore, se referme nous ne sommes pas bons maintenant en ce moment, mais nous allons fleurir à nouveau, donc elle se ferme encore, se referme, va vers la positivité. Celle-ci que j'aime, mais c'est peut-être un peu trop triste parce que ça me rappelle comme un gamin pleure câliné sur une chaise, pleurant. C' est peut-être un peu trop triste. Nous pouvons voir son visage, mais seulement les yeux est donc seulement triste. Ce serait bizarre de mettre, voyez-vous, un sourire, ce serait très bizarre. On ne peut que la revoir. Elle fait face à gauche. Ils sont tous les éléments pour représenter la tristesse. Si nous voulons représenter quelque chose qui va vraiment mal, la dépression, l'anxiété, celle-ci, cette position va tout vers la tristesse. Celle-ci même si elle fait face à droite, elle est toujours sur le dos donc on ne peut pas voir son visage. On ne peut pas vraiment se connecter avec le personnage. Comme je l'ai dit, j'aime cette idée de la colonne vertébrale se transformant en feuilles, puis se terminant dans une fleur sur une tête, mais quand même il donne le sens de la floraison, mais pas vraiment connecter, et je veux que mon public à vraiment se connecter avec le personnage. Celui-ci, je dirais, est le même problème de ce est vraiment triste, fait face à gauche, nous ne pouvons pas la voir face arrière. Cette position est très bonne si nous voulons représenter un traumatisme. Celui-ci est vraiment une position forte dans le langage corporel pour exprimer quelque chose de vraiment mauvais qui s'est passé sur cette personne, l' isolement, elle ne veut parler avec personne, elle fait face à droite. Pour ce projet particulier, je suppose que j'irai avec cette position parce qu'il a tous les éléments que je veux représenter dans mon illustration. 6. Créer la mise en page: Maintenant, nous avons notre dernier croquis, que j'ai déjà fait pour des raisons de temps. Comment puis-je placer ce personnage dans la bonne position dans l'espace ? Il peut être centré, il peut être ici, il peut être là, il peut être là. Mais comment puis-je savoir où mettre cela dans l'espace avec une bonne composition et un bon équilibre ? Habituellement, j'utilise la règle des tiers, qui est utilisé soit dans la photographie, dans la peinture, n'importe quelle technique visuelle vraiment. Faire une bonne composition, c'est essentiellement diviser l'espace en neuf parties égales en utilisant deux lignes. Ça n'a pas besoin d'être vraiment précis dans ce cas. Par les intersections de lignes, nous avons quatre points focaux. En plaçant l'image, au lieu de simplement centrer l'image, en plaçant le sujet que nous voulons nous concentrer sur l'un de ces points focaux, nous allons créer une composition avec beaucoup plus d'attention, d'énergie et d'intérêt. Si je veux créer une image vraiment engageante où le sujet s'engage vraiment avec le public, je vais la placer ici parce que c'est le point le plus proche de l'observatoire, pour nous. Si je veux communiquer quelque chose de plus loin que le sujet est loin de nous, je vais probablement le placer ici. Si je veux créer une composition vraiment équilibrée avec pas vraiment de tension, quelque chose de vraiment apaisant, j'utiliserai l'espace central. Dans ce cas, je veux utiliser une certaine tension, un peu d'énergie, ma composition, et connecter mon personnage avec le spectateur. Donc je vais le placer juste ici. Une autre règle pour créer une bonne composition équilibrée utilisée par tous les peintres et artistes de Leonardo Da Vinci à même précédemment et où vous pouvez voir une brève description du ratio d'or dans les diapositives que j'ai fournies, est en effet d'utiliser le ratio d'or, qui est ce. Si les points focaux, qui est celui-ci, il tombe où je mets mon personnage et je vais utiliser cette courbe parce que si tous les autres éléments en arrière-plan, donc avec le rapport d'or est fondamentalement comment l'œil va regarder à notre illustration qui suit, à partir du point focal, puis il suivra ces courbes naturelles. Donc, par exemple, dans mon illustration, je veux inclure un élément de texte. Je vais placer mon texte ici. Mon oeil, même sans le rapport d'or lui-même, il peut encore suivre cette courbe naturelle et aller directement au point focal, nous pouvons le voir même si elle n'est pas là. Comme vous pouvez le voir, j'ai utilisé un format vertical, un portrait, mais vous pouvez choisir d'utiliser un carré ou un paysage. Comment choisir le format sur lequel je souhaite faire mes illustrations ? Fondamentalement, cela dépend de l'utilisation que vous allez faire de l'illustration. Comment choisir si j'utilise la verticale, le paysage ou le carré ? Je vais vous donner un exemple avec certaines de mes illustrations. J' utilise la verticale au cas où je veux représenter quelqu'un qui vole, comme monter. Donc, dans cette illustration, il est bon d'utiliser la verticale parce qu'elle donne le sens du personnage volant de haut en haut et en haut vers le ciel. Bien que j'utilise aussi vertical pour le paysage, mais ils ont plus d'un des éléments verticaux que horizontaux, comme ceci est l'illustration de Berlin et c'est vraiment élevé. Il est plus important de donner de l'importance à ces éléments que l'autre. Je veux que vous vous concentriez davantage sur ces éléments, la grande tour plutôt que sur le paysage ici. J' ai choisi un format vertical. Bien que horizontal, par exemple, si je veux représenter plus de nature et que je veux garder l'œil du spectateur au niveau du terrain, j'utiliserai davantage un format horizontal. Si je fais quelque chose à des fins Instagram, pour mon social, et je sais déjà que ce sera sur Instagram, je choisis juste le format carré. Alors je n'ai pas à couper des éléments importants. Je construis l'image directement sur notre format carré. Revenons à notre illustration, maintenant, nous avons dit que j'avais mon personnage, je sais où le placer. Maintenant, il est temps de remplir l'arrière-plan avec des éléments importants qui sont liés à notre personnage. Parce que c'est une fleur, je veux mettre mon personnage dans un fond avec quelques fleurs, ligne horizontale, et cela donne vraiment calme à mon illustration. Parce que je veux vraiment être un positif et que je veux donner le sentiment de monter et de devenir positif, nous allons tirer plus de dynamisme au lieu de l'immobilité dans mon arrière-plan. Pour donner plus de sens du mouvement, je vais choisir une ligne diagonale au lieu d'une horizontale. Ça donne vraiment l'impression de monter. Je vais donner un peu de feuille à ma fleur et parce que je veux garder le sens de monter en diagonale, je vais mettre une plus grande feuille ici et peut-être une petite là-bas. Aussi si je veux sur le fond, je vais commencer petit et grandir plus grand. Tout a vraiment envie de suivre cette ligne diagonale. Peut-être un autre ici. Peut-être ici, une autre fleur qui ressemblera plus à un coquelicot, parce que j'ai dit, je veux représenter le coquelicot et peut-être entendre un coquelicot qui n'est pas encore vraiment ouvert. Nous avons ce sens du temps qui passe en une seule image parce que nous avons le fermé, le presque ouvert et ensuite notre ouvert. On a dit que j'avais retrouvé mon taux d'or. Nous avons dit que les textes seront là pour ma carte postale, si vous avez inclus un texte. Sinon, vous n'avez pas à vous inquiéter. Notre illustration commence à avoir le look final, nous avons notre croquis final. Maintenant, je veux vraiment vous montrer la différence de cette diagonale qui monte ou descend en termes d'expression de la bonne émotion. Comme je l'ai dit, je voulais être positif, donner le sens de la croissance, temps passe en commençant par le coquelicot proche allant vers son ouverture, aller vers elle est vraiment ouverte. Je veux vous montrer comment ça change le sentiment si je retourne toute l'image. Tu peux voir si je retourne toute l'image, on dirait qu'elle débarque d'une montagne. Il transforme tout en allant vers la positivité et en allant vers le bas. Elle s'embrasse soudainement, sourit face à nous, mais ça ne donne pas la sensation de positivité d'aller vers la floraison. Aussi parce que nous lisons de gauche à droite, nous allons lire cette image comme ceci. On va lire comme le coquelicot est ou complètement ouvert ici, puis il se ferme et puis il se ferme. Il va en arrière au lieu d'aller vers l'avant avec le temps. façon dont vous positionnez ces lignes de diagonales est vraiment importante. Si vous voulez donner un sens du temps, passant en arrière, aller vers quelque chose vers le bas, comme je l'ai dit, c'est la ligne à utiliser si vous voulez représenter quelque chose que j'ai commencé bien et puis ça va vers la ruine. C' est bon d'utiliser le capteur qui descend. Si vous voulez représenter quelqu'un qui descend en dessous ou qui va profondément dans les océans en nageant vers le bas, vous utilisez la personne qui nage ici avec cette diagonale allant vers le bas. Mais dans ce cas, parce que nous voulons être positifs et que nous voulons tout mettre en place, fleurir, aller vers le printemps, nous allons utiliser cette mise en page finale. Aussi en arrière-plan, je mets ces plantes de plus en plus et de plus en plus pour renouer avec la floraison de ce personnage. Aussi en tant que personnage principal, les plantes en arrière-plan grandissent et fleurissent. C' est notre croquis final, maintenant nous allons choisir quelques couleurs. 7. Choisir les couleurs: Quand on parle d'émotions et comment les représenter dans une illustration le bon choix de la couleur est vraiment important parce que chaque couleur a sa propre signification. Il est vraiment important de créer une bonne palette de couleurs et d'essayer différentes couleurs avant d'entrer dans l'illustration finale. Je suggère de choisir une palette de couleurs avec trois, maximum quatre couleurs pour garder l'harmonie et un bon équilibre. Parfois, j'utilise certaines applications pour m'aider à choisir la palette de couleurs, par exemple j'aime vraiment cette application appelée Adobe Capture. Vous pouvez le télécharger gratuitement et c'est essentiellement une application Adobe où vous pouvez prendre une photo de quelque chose. Par exemple, parfois je marche dans la rue et je vois une très bonne fenêtre ou une voiture, j'aime la couleur et je prends juste une photo. Vous pouvez le télécharger aussi avec le téléphone, vous prenez une photo de quelque chose et il crée la palette de couleurs basée sur cette image. Alors maintenant, j'ai pris une photo de cette boîte et l'application a créé une palette de couleurs avec le jaune, le rouge, là nous allons en utilisant cette image. C' est vraiment utile d'avoir nouvelles idées de palettes de couleurs et c'est vraiment bon si vous voulez garder la palette de couleurs naturelle, par exemple je veux illustrer le paysage en automne. Si je suis dans le parc et que je prends une photo et que je peux avoir cette palette de couleurs avec le jaune droit, le brun droit et le vert droit. C' est une application vraiment utile, je vais fournir le lien dans les ressources ou vous pouvez simplement prendre des images, vieilles peintures et y choisir la couleur avec Adobe et Photoshop, il existe de nombreuses techniques différentes pour choisir la palette de couleurs. Je fournirais aussi un titre de bons livres sur la théorie des couleurs et la palette de couleurs. Lorsque vous parlez d'émotions, les couleurs sont vraiment importantes parce que chaque couleur a sa propre signification et dans la courte vidéo, j'ai parlé de la façon de choisir une palette de couleurs et quel logiciel j'utilise, Adobe Capture ou tout simplement prendre inspiration d'autres peintures ou images. Essayez la palette de couleurs sur l'illustration, elle est évidemment libérée si vous utilisez le numérique, il suffit de créer un nouveau calque sous le calque d'esquisse. Si vous utilisez traditionnel, soit un croquis très rapide de mon croquis sur mon dessin final sur un papier différent, puis j'essaie différentes palettes de couleurs avec des pastels ou je scanne l'illustration finale et j'imprime quelques base de base de celui-ci sur du papier normal juste pour essayer avec des couleurs et des pastels. Nous utilisons le numérique ici, donc je vais créer ces nouveaux calques en dessous et essayer différentes palette de couleurs. Je vais commencer par le rouge du coquelicot, parce que j'ai choisi le coquelicot surtout à cause de la couleur. Le rouge est une couleur puissante, il est très fort et je pense que c'est bon pour notre personnage d'avoir une couleur forte qui communique l'énergie, se battre, mais dans ce cas, se battre de bonne façon, comme se battre pour fleurir à nouveau. Je vais mettre ici sur un autre niveau, vous pouvez soit enregistrer la couleur de l'interrupteur si vous êtes sur Photoshop ou dans le cas de fresque, je les fais généralement sur une autre couche, alors après que je peux juste ramasser la couleur à nouveau avec l'outil de dépôt, nous avons donc fait cela. Vous pouvez soit faire tout en un seul calque lorsque vous essayez la couleur, soit vous pouvez utiliser différents calques, donc après il est plus facile de le modifier. Je vais aller avec le vert turquoise, qui est l'une de mes couleurs préférées, je l'utilise beaucoup dans mon illustration parce que c'est vraiment plus délicat que le vert et ça donne un sentiment de calme. Si vous pensez aux écoles, aux hôpitaux, ils ont tous des murs avec turquoise ou bleu clair parce que c'est une couleur vraiment apaisante. Vous n'avez pas à être, désolé, précis à ce stade. J' ai changé le pinceau. Je ne m'inquiète pas du tout d'être précis. C' est juste de savoir quelle couleur va où et si elle fonctionne ensemble parce que nous pouvons appliquer la théorie, mais tant que je ne vois pas quelque chose avec mes yeux, je ne sais pas vraiment si ça marche ou non, donc la seule façon de savoir est pour essayer. Ensuite, pour le ciel, j'essaie de garder trois, quatre couleurs maximum dans ma palette de couleurs et puis une fois que vous avez votre couleur, vous pouvez aller avec la même couleur, mais un peu moins saturé ou moins sombre comme celui-ci, peut-être un peu plus. Oui, donc je vais créer un autre niveau pour mes antécédents. Je vais le faire et je vais aller tout droit avec le seau, donc gagner du temps. J' aime ça, ça a l'air bien jusqu'à présent. Il nous faut une troisième couleur pour la Terre ici. Je voulais une couleur forte qui donne de la positivité et attire vraiment l'attention. Le jaune est parfait comme notre couleur vive. Cela rappelle la positivité du Soleil. Imaginez un champ de coquelicots au printemps avec le soleil brille. Ces trois couleurs sont très harmoniques ensemble. Ensuite, pour mon personnage, nous allons juste garder le jaune et aller avec moins de saturation et cela fonctionne bien. Peut-être qu'on a besoin d'équilibrer davantage. Cachez ceux-ci. Nous devons équilibrer un peu plus. Pour équilibrer est toujours bon de mettre un élément sur le coin opposé. Si toute notre illustration est basée sur ce coin, nous devons mettre un petit élément pour équilibrer le poids est comme penser à une échelle de poids. Vous devez équilibrer mettre de la même façon plus ou moins dans les deux. Je veux équilibrer dans ce coin. Dans mon cas, je prendrai la même couleur de mon personnage et mon élément d'équilibre sera mon texte. Je veux insérer. Nous allons fleurir à nouveau. Si vous n'avez pas de SMS. Si vous utilisez un paysage où il y a un peu de ciel, il est généralement très agréable d'équilibrer le tout avec un nuage sur le coin qui ferme le cadre. Vous pouvez insérer des nuages ou insérer une autre feuille d'arbre. Il peut être n'importe quoi, peut être n'importe quel élément lié à votre illustration, tant qu'il n'est pas trop proéminent, utilise une couleur que vous avez utilisée ici dans ce coin. Il peut s'agir de cette couleur ou du jaune. N' utilisez pas le rouge. Je veux dire, n'utilise pas la couleur que tu as utilisée au centre. Utilisez la couleur que vous avez utilisée plus près de ce coin de votre image. Je vais supprimer ça. J' ai remis mon texte dans mon cas, et ensuite je jouais avec ceux-ci. J' ai ces quatre couleurs et je vais jouer toutes mes illustrations avec ces couleurs. Si je veux continuer avec les plantes sur le dos, j'utiliserai le jaune. N' utilisez aucune autre couleur, utilisez uniquement les quatre couleurs que vous avez choisies pour votre palette de couleurs. Si je veux mettre en évidence les lignes dans la feuille, je vais jouer avec l'espace négatif. J' utiliserai la couleur de l'arrière-plan. Peut-être que cette feuille peut être en fait jaune, donc elle équilibre le jaune de cette partie. C' est vraiment comme, je pense à cette étape comme un échiquier, comme vous pouvez utiliser les couleurs comme un échiquier. Si c'est jaune, c'est bleu, alors c'est jaune. Ne mettez pas trop de couleur vraiment similaire l'un à côté de l'autre, mais j'ai essayé d'alterner les couleurs. Je veux utiliser un élément plus rouge pour reprendre le rouge. Peut-être que je vais faire les joues et ensuite je vais essayer d'utiliser aussi la couleur de mon personnage pour équilibrer avec la feuille. J' aime jouer avec de l'espace négatif aussi. C' est quelque chose de très personnel avec mon style, mais puisque nous le faisons ensemble, je vais vous montrer que vous aimez diviser un élément là où il y a la ligne. Par exemple, dans ce cas de mon personnage, la ligne de mon personnage divise la feuille en deux. J' aime jouer avec la palette de couleurs et alterner les couleurs. Si la feuille sort de mon personnage, j'utilise la couleur de mon personnage et la feuille qui va à l'intérieur, j'utilise la couleur de l'arrière-plan ou la troisième couleur que j'ai utilisée dans ce cas, ce vert et la même chose avec cette feuille. Ensuite, à la fin, je peux ajouter des éléments, ne vous inquiétez pas pour la fin que vous voulez ajouter des éléments est très bien. Peut-être que je veux ajouter quelques petits détails à la fin. Aussi à ce stade, vous n'avez pas besoin d'être super parfait avec tous les détails. Comme choisir la couleur de base, la couleur générale de toute la composition et à la fin, vous pouvez ajouter les petits détails. Rappelez-vous que c'est vraiment important quand vous dessinez numérique. Je dessine chaque petit élément dans un calque différent. Si je ne suis pas satisfait à la fin, je peux facilement changer la couleur d'une seule feuille ou la couleur des joues de la couleur de l'intérieur du point p très facilement. 8. Ajouter les détails finaux: Droit ? D' accord. D' accord. 9. Numériser l'illustration: Comme je l'ai dit au début dans la dernière vidéo, je veux vous montrer comment j'intègre mes textures aquarelles dans nombreux dessins numériques ou comment numériser votre illustration finale si vous travaillez dans le traditionnel. Je vais prendre comme exemple, cette texture que j'ai faite précédemment est une texture aquarelle. Nous allons le scanner, je vais vous montrer comment le numériser sur Photoshop, et comment le regrouper avec l'illustration. C' est le même processus que vous souhaitez numériser votre illustration finale, puis nettoyer et ajuster certaines expositions et certains contrastes sur Photoshop. Commençons par placer l'illustration dans le scanner, puis ouvrez Photoshop, et allez dans Fichier, Importer, Support, choisissez le « Scanner », Démarrer. Rappelez-vous chose très importante pour personnaliser les paramètres en cliquant ici, puis ajuster la qualité de l'image numérisée. Ajustez la résolution à 300 DPI, qui est la résolution minimale pour l'impression de documents et d'images en couleur, OK, puis Numérisez. Une fois que nous avons notre illustration de la texture dans Photoshop, je prends généralement l'outil Recadrage et recadre tout le bord ou les pièces dont nous n'avons pas besoin. Alors ce que je fais est d'aller à Image, Ajustement, Niveaux. Mais encore mieux, nous allons à Calque, Nouveau Calque d'ajustement, puis je vais jouer avec les Niveaux. faisant cela, nous avons effectivement appliqué l'ajustement à un nouveau calque et non au fichier d'origine. Comme ça, nous pouvons revenir à notre fichier d'origine si nous n'aimons pas l'ajustement et faire un ajustement sans toucher le fichier d'origine réel. Je vais juste ajuster légèrement le contraste. Maintenant, on va le sauver. Enregistrer sous. Je l'enregistre généralement dans TIFF, ce qui me donne la possibilité, texture, de garder la qualité d'origine, ce DPI d'origine sans perdre aucune qualité. Je peux l'enregistrer en tant que copie, Enregistrer. Ici, dans l'option Options TIFF, cochez aucune pour que nous n'ayons aucune compression, et OK. Maintenant, nous avons sauvé notre texture. Ouvrons à nouveau notre fichier d'origine. Nous voulons insérer la texture dans et allons dans Fichier, Place, et trouver le mot texture, Place. Mettons-le aussi gros que le dossier. Je joue habituellement avec le mode Blending. Comme vous pouvez le voir, chacun d'entre eux a une interaction différente avec le calque en dessous. Vous pouvez jouer avec eux, choisir le meilleur effet qui vous satisfait. Allons pour Multiply, puis ajustez l'Opacité. Ajustez le remplissage jusqu'à ce que vous soyez plus heureux du résultat. Vous pouvez également dupliquer votre calque par clic maintenez et aller à cette petite icône avec un plus. Cela dupliquera notre calque, puis appliquera un autre mode de fusion sur le deuxième calque, et vous aurez encore plus d'effets différents. Une fois que vous en êtes satisfait, sauvegardons, File. Nous pouvons enregistrer différents selon la façon dont nous allons utiliser cette illustration. Si vous souhaitez l'enregistrer pour une utilisation sur le Web, par exemple, partager sur les réseaux sociaux ou télécharger sur votre site Web, nous allons à Fichier, Exporter, Enregistrer pour le Web. Ensuite, ici, nous choisissons « JPEG », et ici, nous pouvons ajuster la taille en pixels de notre image. Si je veux l'utiliser sur Instagram, par exemple, je peux rendre ce fichier moins grand et en fait mieux pour le télécharger sur Internet en changeant ce nombre en pixel. Parce que 3000 pixels est un peu trop, donc je vais aller à 1024, ce qui pour Instagram est très bien, et économiser. Je vais l'enregistrer sur mon bureau pour l'instant. Si vous voulez l'utiliser pour l'impression, n'oubliez pas d'enregistrer d'une manière différente. Accédez à Fichier, Enregistrer sous. J' utilise généralement Photoshop PDF quand je vais à l'impression, et je vais mettre le nom de l'impression du fichier, donc je peux me rappeler que c'est la haute résolution. En tant que copie, nous pouvons supprimer les calques parce que nous n'en avons pas besoin, nous pouvons tout enregistrer comme un calque unique mais en conservant la qualité PDF. C' est notre fichier prêt à être imprimé. Compression, laisser tout tel qu'il est parce que par défaut, il va avec une qualité maximale et juste Enregistrer PDF. Ce sera notre fichier prêt pour l'impression. Avec le même processus, si nous avons travaillé avec la technique traditionnelle, nous pouvons à nouveau mettre notre illustration dans le scanner, ouvrir notre Photoshop, aller au fichier, importer, support WIA, démarrer, choisir notre scanner, D'accord. N' oubliez pas toujours de personnaliser les paramètres, ajuster la qualité, minimum 300 DPI, qui est le DPI minimum pour haute résolution. Imprimer, OK, scanner, on y va. Une fois que j'ai mon illustration, je peux recadrer le bord droit dessus. Ensuite, je vais travailler à nouveau pas sur l'ajustement sur l'image mais je vais aller Nouveau calque d'ajustement. Je vais jouer avec les niveaux pour ajuster le contraste. Encore une fois, ceux-ci nous permettent de faire des ajustements sur un nouveau calque sans toucher l'image originale réelle. Juste un petit peu, donc nous voulons garder les couleurs originales en ajustant simplement le contraste et rendre la couleur plus vibrante. Ensuite, il est généralement bon de zoomer pour voir s'il y a quelque chose que nous voulons laisser. Par exemple, ici j'ai ceci et je peux prendre mon outil, l'outil de patch. N' oubliez pas de déverrouiller le calque original. Nous devons travailler sur l'image réelle. On y va. Avec ça, je peux nettoyer tout ce que je n'aime pas. Habituellement, le scanner fait cet effet sale sur le bord pour que je puisse travailler là-dessus. Je peux nettoyer toutes les choses que je n'aime pas une fois que je suis satisfait des couleurs. Si je veux ajouter plus de bord, je peux réellement maintenir Alt Windows et agrandir la toile. Maintenant, j'ai plus de bord, et puis je peux ajouter un autre calque, le maintenir, le déplacer derrière. Prenez notre goutte d'oeil, prenez la couleur de l'arrière-plan, remplissez le seau. Si maintenant nous avons ce bord, nous pouvons revenir sur le calque de notre image. Nous pouvons également utiliser l'outil gomme, mettre la dureté au minimum, zéro pour cent, vérifier la taille, et nous pouvons supprimer. C' est vraiment juste d'avoir de la patience et de le faire, il n' y a pas vraiment d'autres façons de le faire. Si nous voulons aller tout droit quand nous cliquons sur notre gomme, nous pouvons maintenir Shift et il ira tout droit comme ça évidemment. Maintenant, je ne fais pas vraiment dans les détails très précis. C' est juste pour vous montrer le processus. Mais oui, j'ai nettoyé toutes les parties que je n'aimais pas. Je dirais maintenant qu'il est prêt, et encore une fois, comme avant, nous allons le sauvegarder, exporter, enregistrer pour le Web si nous voulons l'utiliser comme une image à télécharger en ligne. Nous pouvons mettre un plus petit nombre de pixels ici pour rendre l'image plus petite pour la publication en ligne. Instagram, Facebook, cette résolution va bien. Sinon pour l'impression, nous allons Enregistrer sous, enregistrer comme Photoshop PDF, en tant que copie. Vous pouvez déplacer les calques avec ceci et enregistrer. Rappelez-vous de ne rien toucher ici parce que par défaut, il va de qualité maximale. Enregistrer au format PDF. N' oubliez pas alors d'enregistrer une copie en tant que PSD réel si vous voulez changer à l'avenir. Vous pouvez enregistrer Photoshop PSD ou TIFF. Enregistrer dans les calques. Je fais habituellement en couches afin que je puisse me rappeler est la couche réelle. Ne pas enregistrer en tant que copie, mais n'oubliez pas de conserver les calques. Vous sauverez dans le fichier tous les calques, et à l'avenir si vous voulez supprimer cet ajustement, nous voulons mettre d'autres calques de réglage ou nous voulons changer quoi que ce soit, nous avons tous nos calques sauvegardés. 10. Conclusion: Félicitations, vous avez fait le cours, vous avez terminé vos propres illustrations et illustrations, et je veux vous montrer à la fin ce que mon illustration est devenue. Je l'ai imprimé et l'ai envoyé à mes amis, familles, à mes partisans et à mes adeptes. L' illustration, vous pouvez voir, peut être utilisée de plusieurs façons. Il peut être imprimé et envoyé. Il peut être simplement partagé en tant que poste social pour sensibiliser votre cause, ou il peut faire partie d'un projet plus vaste. Vous pouvez prendre, par exemple, tous les mots trouvés au début et à côté de cette illustration, vous pouvez illustrer tous les autres mots trouvés et créer une série d'illustrations avec le même sujet, puis pourrait devenir un projet plus grand comme un petit livre électronique, ou un petit livre d'images que vous voulez produire par exemple. Personnellement, je me sens beaucoup mieux quand j'illustrer quelque chose au sujet d'une cause qui m'intéresse, ou quand je me connecte à mes propres sentiments sur un sujet comme la santé mentale, et parfois je découvre des sentiments ou des émotions que je ne connaissais pas vraiment, ou je n'était pas au courant de. Parce que c'est un processus qui me relie vraiment à moi-même et à ce que je ressens à ce moment particulier en pensant à ce sujet. J' espère vraiment que vous avez aimé la classe et s'il vous plaît partager votre projet à la fin, et merci encore d'avoir choisi ma classe.