L'aquarelle pour le plaisir : peindre des caméléons expressifs avec des couleurs vibrantes

1. Bienvenue au cours !: Bonjour, tout le monde. Je m' appelle Will Elliston Et aujourd'hui, nous allons peindre un caméléon expressif et vibrant à l'aquarelle Ce cours consiste à jouer avec les couleurs, expérimenter des techniques et à s'amuser avec un sujet qui encourage naturellement la créativité L'une des meilleures choses à propos de la peinture d'un caméléon, c'est qu'il n'y a pas de bien ou de mal en matière de couleur Les caméléons changent de teinte dans la vraie vie, nous avons donc toute liberté d' utiliser la palette de notre choix C'est l'excuse parfaite pour oser se détendre. Je suis artiste professionnel depuis de nombreuses années, explorant de nombreux sujets différents, tels que la faune et les portraits, les paysages urbains et les J'ai toujours été fasciné par les possibilités de l'aquarelle Mais quand j'ai commencé, je ne savais pas par où commencer ni comment m'améliorer. Je ne savais pas de quel matériel j'avais besoin, comment créer les effets que je voulais, ni quelles couleurs mélanger. Aujourd'hui, j'ai participé à de nombreuses expositions dans le monde entier, figuré dans des magazines et j'ai eu la chance de remporter des prix décernés des organisations réputées telles que l'International Watercolor Society, la Masters of Watercolor Alliance, Windsor and Newton et la SAA L'aquarelle peut être bouleversante pour ceux qui débutent, c'est pourquoi mon objectif est de vous aider à vous sentir détendu et à apprécier ce médium étape par étape. Aujourd'hui, je vais vous guider à travers une peinture complète, démontrant diverses techniques et expliquant comment j'utilise toutes mes fournitures et tous mes matériaux. Que vous soyez débutant ou que vous ayez déjà de l'expérience, vous serez en mesure de suivre votre propre rythme et d'améliorer vos compétences en aquarelle Si ce cours est trop difficile ou trop facile pour vous, j'ai une variété de cours disponibles à différents niveaux de compétence. J'aime commencer par une approche expressive libre, sans crainte de faire des erreurs, lorsque nous créons des textures passionnantes pour la sous-couche Au fur et à mesure que la peinture avance, nous ajouterons plus de détails pour lui donner vie et la faire ressortir. Je m'efforce de simplifier les sujets complexes en faire des formes plus faciles qui encouragent l'espièglerie Tout au long de ce cours, je partagerai de nombreux conseils et astuces. Je vais vous montrer comment transformer les erreurs en opportunités, éliminant le stress lié à la peinture pour vous amuser. Je vous fournirai également mes tableaux de mixage d'aquarelles, qui sont un outil précieux pour choisir et mélanger les couleurs Si vous avez des questions, vous pouvez les poster dans le fil de discussion ci-dessous. Je ne manquerai pas de lire et de répondre à tout ce que vous publiez. N'oubliez pas de me suivre sur Skillshare en cliquant sur le bouton « Suivre » en haut de la page Cela signifie que vous serez le premier à savoir quand je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux Vous pouvez également me suivre sur Instagram chez Will Elliston pour voir mes derniers travaux Alors, prenez vos peintures les plus brillantes et allons-y. 2. Votre projet: Merci beaucoup d'être ici et de m'avoir rejoint dans ce cours. Aujourd'hui, nous allons peindre un caméléon coloré et accrocheur perché sur L'accent est mis ici sur l'expressivité, spontanéité et le plaisir, et non sur la précision ou Nous explorerons les mélanges fluides et les transitions de couleurs pour créer un corps riche et irisé Nous utiliserons des pinceaux lâches et des couches pour développer la profondeur sans trop travailler couches pour développer la profondeur sans trop Parce que les caméléons sont naturellement colorés et changent constamment, ce sujet est extrêmement Vous pouvez expérimenter, prendre des risques et obtenir quelque chose de beau. Dans la section des ressources, j'ai ajouté une image en haute résolution de ma peinture terminée pour vous guider. Vous pouvez suivre exactement ma peinture ou expérimenter votre propre composition. Comme nous allons nous concentrer sur l'aspect peinture de l'aquarelle, j'ai fourni des modèles que vous pouvez utiliser pour transférer ou tracer le croquis avant de peindre Il est bon de le tracer lorsque vous l'utilisez comme guide pour apprendre à peindre. Il est important que le sous-dessin soit correct afin que vous puissiez vous détendre et vous amuser en apprenant le médium de l' aquarelle lui-même Quelle que soit la direction que vous prenez dans ce cours, serait formidable de voir vos résultats et les peintures que vous créerez grâce à ce cours. J'adore donner des commentaires à mes étudiants, alors prenez une photo par la suite et partagez-la dans la galerie de projets étudiants sous l'onglet Projet et ressources. Je suis toujours intriguée de voir combien d'élèves ont des approches différentes et comment ils progressent dans chaque classe J'aimerais connaître votre processus et ce que vous avez appris en cours de route ou si vous avez rencontré des difficultés. Je vous recommande vivement de regarder travail de chacun dans la galerie de projets des étudiants. C'est tellement inspirant de voir le travail de chacun et extrêmement réconfortant de bénéficier du soutien de ses camarades de classe N'oubliez donc pas d'aimer et de commenter le travail de chacun. 3. Matériel et fournitures: Avant de commencer avec cette peinture caméléon, passons en revue tous les matériaux et fournitures que vous pourriez avoir envie d'utiliser Le fait de disposer des bons matériaux peut un impact considérable sur le résultat de votre œuvre d'art. Je vais donc passer en revue toutes les fournitures que j'utilise pour ce cours et au-delà. est très utile de les avoir à votre disposition et nous vous aiderons Il est très utile de les avoir à votre disposition et nous vous aiderons à les suivre plus facilement. Commençons par les peintures elles-mêmes. Et comme la plupart des matériaux que nous utiliserons aujourd'hui, cela dépend en grande partie des préférences. J'ai 12 couleurs stables dans ma palette que je remplis à partir de tubes. Ils sont jaune cadmium, jaune ocre, sienne brûlée, rouge cadmium, rouge d'alizarine, bleu opramarne, bleu cobalt, bleu serléen, lavande, violet, viridien, noir Et à la fin du tableau, j'utilise souvent de la gouache blanche pour les petits reflets Je n'utilise aucune marque en particulier, ces couleurs peuvent être obtenues auprès de n'importe quelle marque, même si j' utilise personnellement les peintures Daniel Smith, Windsor and Newton ou Holbein Passons donc aux pinceaux. Le pinceau que j'utilise le plus est un pinceau rond synthétique comme ce pinceau Escoda Purl ou ce pinceau Van Ils sont très polyvalents car non seulement vous pouvez les utiliser pour des travaux détaillés avec leur pointe fine, mais comme ils peuvent contenir beaucoup d'eau, ils conviennent également aux laveuses Ils sont également assez abordables, j' en ai donc pas mal de tailles différentes. Viennent ensuite les brosses à balai. Les pinceaux à balai sont parfaits pour les coups de pinceau larges, remplir de grandes surfaces et pour créer des transitions ou des lavages en douceur Ils ont également un joli embout qui peut être utilisé pour les petits détails. Mais pour les plus petits détails, les reflets ou tout ce qui demande plus de précision, j'utilise un pinceau synthétique de taille zéro. Toutes les marques en ont, et ils sont super bon marché. Un autre pinceau utile est un pinceau de calligraphie chinoise Ils ont tendance à avoir de longs poils et une pointe très pointue. Ils sont parfaits pour ajouter de la texture ou créer des lignes dynamiques dans vos peintures. Vous pouvez même les étaler ainsi pour obtenir des textures de fourrure ou de plumes Et c'est tout pour les pinceaux. Sur du papier. votre papier est de qualité, plus il sera facile à peindre. Le papier bon marché se plisse facilement et est très impitoyable, permettant pas Il est plus difficile de créer des effets attrayants et appliquer des techniques utiles comme le frottement des pigments. Cependant, le papier de bonne qualité, tel que le papier à base de coton, vous permet non seulement de retravailler les erreurs plusieurs fois, mais comme le pigment réagit beaucoup mieux, les risques d' erreur sont beaucoup plus faibles et vous aurez plus de chances faibles et vous aurez plus créer de meilleures peintures J'utilise du papier Arches parce que c'est ce que l'on trouve dans ma boutique d'art locale. Un jet d'eau est absolument indispensable. En l'utilisant, vous aurez plus de temps pour peindre les zones que vous souhaitez avant qu'elles ne sèchent. Cela vous permet également de réactiver la peinture si vous souhaitez ajouter une ligne lisse ou enlever de la peinture J'ai aussi un vieux chiffon ou t-shirt que j'utilise pour nettoyer mon pinceau Nettoyer la peinture avant de la plonger dans l' eau prolongera la durée de vie de l'eau Il est toujours utile d' avoir un mouchoir à portée de main lorsque vous peignez pour enlever l'excédent de peinture. De plus, vous ne savez jamais quand des éclaboussures ou des gouttes indésirables peuvent se produire et qu'il faut les essuyer rapidement. J'ai également un compte-gouttes pour garder les peintures humides. Lorsque vous peignez, il est important que leur consistance soit similaire à celle des tubes. De cette façon, il est plus facile de prélever suffisamment de pigment. Un sèche-cheveux est utile pour accélérer le temps de séchage et contrôler l' humidité du papier. Et enfin, du masking tape. Bien entendu, il s'agit simplement de maintenir le papier immobile sur surface pour l'empêcher de glisser pendant que vous peignez. De plus, si vous prévoyez de peindre jusqu'au bord, cela vous permettra de créer une bordure très nette et propre. Et ce sont tous les matériaux et fournitures que j'utilise pour peindre au quotidien. S'il y a quelque chose que vous souhaitez utiliser ou expérimenter, vous êtes le bienvenu. C'est un excellent cours pour cela. Maintenant, allons-y et commençons le processus. 4. Conseils pour l'ébauche: En commençant par ce croquis, nous allons tracer approximativement l'emplacement de la branche, et elle est assez diagonale, en partant nous allons tracer approximativement l'emplacement de la branche, et elle est assez diagonale, du coin inférieur gauche jusqu' à environ la moitié du côté droit. Ensuite, comme toujours, nous allons simplement masquer la forme principale du sujet, forme principale du sujet, qui est un caméléon à l'aide Ensuite, nous les connectons simplement à l'aide marques au crayon grossières et lâches Petit à petit, en liant le tout. Et si cela vous convient, vous pouvez utiliser un crayon à mine plus fin pour un peu plus de définition Mais si ce n'est pas le cas, vous pouvez l'effacer à nouveau et vous assurer qu'il est correct. J'utilise un mastic parce que je ne veux pas qu'aucun résidu ne colle au papier, et l'avantage d'un mastic, c'est qu' il ne laisse rien sur le C'est pourquoi nous commençons par des marques au crayon doux afin de pouvoir effacer ces lignes que nous ne voulons pas montrer plus tard Ce dessin au crayon, ce schéma ne sont qu'un guide pour l'aquarelle Inutile d'y être aussi fidèle, surtout avec les petites textures pointues sur le menton et le dos Une fois que nous savons où se trouvent les formes, nous pouvons être un peu plus confiants dans deux types de styles différents . Nous avons le style souple avec le plomb souple, puis le style confiant et rapide avec le plomb le plus dur et le plomb le plus fin 5. Commencer par la tête: Je vais commencer cette peinture de gauche à droite, commençant par un beau bleu vif, le bleu syllan Mais vous pouvez également utiliser de la turquoise. Et l'avantage de cette peinture caméléon c'est qu'elle est tellement ouverte à l' Tu n'es pas obligée de commencer là où je commence. Vous pouvez également commencer de droite à gauche. Que vous soyez droitier ou gaucher, peu importe. Vous pouvez commencer par les jambes ou les yeux, et vous pouvez commencer par ou choisir la couleur de votre choix. Vous n'êtes pas obligé d'utiliser du bleu. Vous pouvez utiliser un vert vif, un violet vif, un rouge, un jaune. En fait, je fais tomber de petits points violets sur ce bleu alors qu'il est encore humide pour augmenter sa texture. Parce que lorsque vous regardez un caméléon, en fait, il est plein de texture n'y a pas beaucoup de texture lisse et propre car elle est tellement froissée et tachetée. C'est donc une autre excellente occasion d'expérimenter de nombreuses manières différentes de créer de la texture. Passons maintenant à l'autre côté, je saute l' œil pour le moment parce que l'extérieur, le bord de l'œil, est mouillé de ce bleu, donc nous y reviendrons plus tard Commencez par un beau jaune vif, jaune cadmium au milieu, en ajoutant peut-être une touche d' orange ou de rouge à ce jaune pour le rendre orange. Et nous pouvons commencer à nous développer. Et au fur et à mesure que nous nous étendons, nous pouvons le rendre de plus en plus rouge. Et si vous trouvez que le rouge répand trop dans le jaune et que nous avons perdu cette essence d'orange, nous pouvons utiliser le pinceau, le nettoyer et simplement extraire une partie de ce pigment pour laisser cette lueur au milieu Et on peut le retoucher avec un peu plus de jaune. Ensuite, une fois que nous avons un joli bord rouge, nous pouvons commencer à intégrer un peu de violet. Et nous pouvons voir que nous suivons réellement la roue chromatique. Maintenant, nous avons du jaune, de l'orange, du rouge, du violet et peut-être un peu de bleu. Et c'est l'une des choses les plus importantes à prendre en compte dans ce cours lorsque vous expérimentez la couleur Quelle que soit la couleur que vous choisissez, regardez ce qui se trouve à côté sur la roue chromatique, et si vous souhaitez ajouter un peu de variation, choisissez la couleur suivante sur la roue chromatique. Ne choisissez pas nécessairement une couleur aléatoire sur le côté opposé, car elle risque de ne pas se mélanger ou de faire la transition aussi bien. Mais s'ils sont côte à côte sur la roue chromatique, ils devraient être assez faciles à utiliser l'un avec l' autre, assez indulgents Avec une peinture comme celle-ci avec toutes ces couleurs, les peintures tracent une ligne fine entre chaos et contrôle. Et c'est en partie ce qui le rend si amusant, en fait. Nous voulons que certaines couleurs explosent les unes dans les autres. Mais j'ai aussi besoin de certaines formes comme les yeux et le corps, silhouette générale, comme les jambes, pour rester nettes et reconnaissables. Au cours de ce cours, je vais donc vous donner des conseils sur la façon dont nous pouvons réfléchir à cet équilibre entre liberté d'expression et clarté structurelle. façon dont vous autorisez les fleurs et le dos dans des endroits où cela n'est pas si important, où vous souhaitez encourager cette énergie et où nous pouvons nous réserver le contrôle des principales caractéristiques. Et vous pouvez utiliser les bordures comme je le fais actuellement. donc garder cette petite section Nous pouvons donc garder cette petite section belle et expressive, mais peut-être que nous voulons un peu plus de contrôle plus tard sur le bord de la silhouette et sur le contour de l'œil . reviendrons donc à la section de raffinage plus tard. 6. Varier les couleurs: Je viens de nettoyer mon pinceau et de projeter de l'eau pure sur la zone que nous venons de peindre pendant qu'elle sèche Et cela ne fera qu'augmenter cette texture et la rendre un peu plus intéressante. Maintenant, en restant sur le thème du bleu, j'ai décidé de mettre l'accent sur le bleu dans cette peinture, puis nous pourrons contourner ce problème. Mais vous pouvez utiliser le vert si vous le souhaitez, ou encore une fois, n'importe quelle couleur Il est intéressant de voir comment vous en avez tous des interprétations différentes en fonction de vos pigments préférés. Vous pouvez également utiliser ce plâtre pour explorer différents pigments que vous souhaitez ou si vous souhaitez utiliser un tube de peinture, mais que vous ne savez pas où l'utiliser, c' est un cours parfait pour l'essayer. Mais je m'en tiens à ce bleu turquoise, ce serlean parce que c'est tellement vibrant et excitant Et une autre raison pour laquelle je pense que j'ai toujours tendance à choisir bleu, c'est parce qu'il se marie bien avec l'orange. Je pense que le bleu et orange sont mes groupes de couleurs préférés avec lesquels travailler. Plus tard, nous appliquerons également plus d'orange autour de cette composition, et les deux travailleront ensemble pour se faire vraiment remarquer. Maintenant, nous peignons cette section sous la mâchoire. Et dans mon esprit, je regarde mon dessin et je me demande où va aller ce lavis, jusqu'où je dois le peindre. Et sur la gauche, je fais un peu plus attention sur le bord. Je ne vais pas aller jusqu'à la zone épineuse située sous le menton. Et sur la droite, cela n'a pas vraiment d'importance. J'ai décidé parce que je vais revenir avec plus d'ombrage plus tard Donc, en fait, il suffit de trouver la forme, remplir d'une belle couche d'aquarelle, puis de créer une belle texture en y ajoutant du violet et Remarquez que le vert et le violet que je viens de tamponner une consistance légèrement plus épaisse que le vernis bleu. Cela signifie qu'il conservera un peu plus sa forme. Il ne va pas complètement se dissoudre. Et cela va permettre cette texture, et le fait de mettre du jaune pur sur ce bleu lui donne un aspect vert, bien sûr, le jaune et le bleu font du vert. Je n'ai donc pas besoin de mélanger du vert. Je peux juste le mettre directement et le mélanger sur la palette. Faites attention si vous utilisez l'orange car l'orange et le bleu sont des couleurs complémentaires. Ainsi, lorsqu'ils sont mélangés, ils se neutralisent pour former une sorte de gris boueux Ils sont beaux l'un à côté de l'autre, mais les uns sur les autres, ils créent des gris indésirables Maintenant, cette zone du cou et derrière la tête, nous voulons qu'elle soit un peu plus foncée. Nous reviendrons un peu plus tard pour la définition de l'ombrage, mais comme nous savons qu'il va être un peu plus foncé, nous n'avons pas à nous soucier autant des détails de cette zone Ajoutez un peu de bleu cobalt à cette zone, qui est légèrement plus chaude que le bleu turquoise car elle est un peu plus violette. Sa bordure est violette, tandis que le turquoise et le cerrillan s'orientent davantage vers tandis que le turquoise et le cerrillan s'orientent davantage Et quelque part ici, nous pouvons simplement cocher cette zone car nous y reviendrons et nous pourrons la réactiver pour la nettoyer 7. La patte avant: Passons maintenant à la section des jambes. Je vais commencer par ce vert, ce vert viridien, puis ajouter un bleu turquoise , car le bleu restera le motif principal, la couleur primaire principale Mais je vais commencer par ce vert, puis mélanger progressivement plus de bleu au fur et à mesure. Il suffit de voir mes lignes au crayon, la forme que je veux remplir, d'essayer de ne pas dépasser les lignes. Je peux également peindre la jambe derrière avec le même lavage car nous pouvons toujours y retourner plus tard pour la rendre plus foncée et ajouter plus de teinte plus tard En utilisant le bout de mon pinceau sur le contour extérieur de la forme, y laissant tomber un peu plus d'eau, peut-être en incorporant une autre couleur comme le violet. Ou violet. J'essaie d'être un peu désordonné. C'est pourquoi je continue à y appliquer de l'eau et différents pigments Mais dans cette section, je m'assure que mes marques de pinceau ne dépassent pas cette ligne de crayon. Je veux que la jambe reste bien définie. Mais dans ce cadre, je peux créer de nombreuses textures intéressantes. Continuez à tamponner différents pigments à différentes consistances À différents temps de séchage, si vous ajoutez ces touches, dès que vous les peignez, elles se dissoudront et se ramolliront davantage Mais si vous attendez quelques minutes puis que vous ajoutez les touches, il conservera un peu plus sa nature, son apparence de points irréguliers Sur le dessus de cette jambe, je l'éclaircit un peu parce que si vous pensez que la lumière vient d'en haut, elle va avoir des reflets sur le dessus de la jambe, puis au fur et à avoir des reflets sur le dessus de la jambe, puis au mesure qu'elle se plie dans cette ombre, elle s'assombrit Mais nous pouvons également le souligner plus tard en retirant un peu de pigment pour créer les reflets, si besoin est. Mais nous voulons créer une texture intéressante pour le moment, ne pas nous concentrer sur l'ombrage, pour ainsi dire 8. La patte arrière: Je lui ai donné quelques minutes pour sécher, et même s'il n'est pas complètement sec, je vais me concentrer sur la zone située au-dessus de la jambe maintenant, parce que, comme je l'ai dit, je ne suis pas trop précieuse, et s'il se répand sur la jambe et que nous perdons le point culminant sur le dessus de la jambe, ce n'est pas la fin du monde Nous pourrons nous occuper de cela plus tard. J'essaie de ne pas peindre de manière trop restrictive. Je veux en quelque sorte me permettre de ressentir l'expression et de me libérer parce que c'est ce qui est amusant de peindre. Je travaille toujours avec cette couleur bleue. Mais comme le violet sur les pattes fait un peu plus chaud, je vais le rendre un peu plus vert, juste au-dessus On ne l' appellerait pas nécessairement vert, mais c'est un peu plus turquoise. Il est teinté, un peu plus vert que les pieds. Mais en fait, cela n'a pas vraiment d'importance. Tant que la différence de ton à la fin de la peinture vous aide à différencier l'endroit où la jambe et le corps changent, tout ira bien Cela aura du sens. Tout est question de tons qui les unissent. Les couleurs peuvent être belles et expressives et changer partout. Ce sont les tons qui donnent un sens visuel aux choses. J'ai ajouté une jolie touche de violet sur le ventre, dans laquelle il n' y a pas beaucoup ou pas de bleu , mais il y a un joli dégradé doux dans le bleu Et je sais que je vais ajouter plus de violet au reste de la composition sur le côté droit. J'ai donc senti que j' avais besoin d'un peu plus de violet pour équilibrer les choses. Je ne voulais pas juste du violet pur sur le côté droit sans qu'il apparaisse ailleurs. J'ai remarqué à ce moment-là, maintenant que la première jambe est sèche, j'ai simplement utilisé l'humidité du papier pour extraire une partie de ce pigment et faire ressortir sur le dessus de la Et cette zone m'a manqué. Je suis donc en train de frotter le pigment et de le ramener sur le bord du crayon. Donc, en travaillant avec du violet épais, comme je l'ai dit, j'ai voulu ajouter beaucoup de violet sur ce côté et en faire un violet très chaud, en y ajoutant un sarin cramoisi Ensuite, je peux utiliser de l'eau pure sur mon pinceau pour mélanger sur le papier et décider de la consistance que je veux lui donner. Remarquez que je n'ai même pas touché ce violet ou ce pourpre rose sur ma palette Je le fais uniquement sur le papier. Et comme le bleu de gauche est déjà mouillé, je peux le fusionner, mouillé sur peinture humide. Ne pas être trop précieux du tout, mais en essayant d'éviter les arêtes vives. 9. Ajouter du vert: Avant de peindre la moitié supérieure du corps, je voudrais simplement souligner cette sorte de rayure obscure, cette ligne ondulée qui se trouve sur le côté du corps et qui, déjà sur le côté droit, vous pouvez voir que j'ai peint en négatif ou que j'ai laissé du blanc à l'endroit où se trouve cette ligne Et vous pouvez le voir avec des marques de crayon. Mes légères marques au crayon sur le papier. Vous pouvez généralement voir que c'est là et lorsque je remplis cette zone, je ne veux pas m'attarder sur cette zone, car il se peut que ce soit un petit détail qui soit négligé ou oublié dans le chaos de cette étape expressive. Mais nous en aurons besoin pour rester blancs parce que je veux que ce soit un orange vif, et pour obtenir cette vivacité de l'orange, il faut un beau fond blanc pur Quoi qu'il en soit, passons à ce vert. J'ai commencé avec une belle couleur légèrement diluée à la chaux. Puis, alors que nous nous dirigions vers la périphérie, j'y ai appliqué un vert un peu plus foncé et plus viridien Et maintenant, nous revenons au bleu turquoise classique pour l'intégrer Avant de commencer une section, je détermine où mène exactement l'ensemble de la section, car j'ai besoin de savoir où je veux qu'il y un bord dur, comme cette ligne blanche en bas, et où tout se connecte, car je ne veux pas créer de bords durs indésirables. Avec cette étape expressive, presque tout doit être connecté de manière douce. Même s'il y a beaucoup d'expression et de gamme de textures, ce sont presque toutes des textures douces. Il n'y a pas vraiment de limites sauf celles que nous voulons vraiment, et ce sont celles que nous devons planifier et auxquelles nous devons réfléchir. C'est plus facile à dire qu'à faire. Mais si vous remplissez la zone le plus rapidement possible avec de l'eau ou du pigment, alors au moins les zones couvertes, vous pourrez travailler à partir de là. Vous pouvez retirer le pigment avec un pinceau vide ou ajouter plus de pigment humide sur mouillé. Mais si vous hésitez à mi-chemin d'un lavage ou d'une section et apportez quelques corrections de ton ou de consistance à mi-chemin, vous créerez un bord dur là où vous ne le souhaitez pas. Il est donc préférable de remplir complètement la zone que vous souhaitez d'abord, puis d'ajouter plus de pigment, comme je le fais actuellement, ou d'en retirer plus de pigment Il est généralement plus sûr de remplir la forme et le contour généraux, car je bloque en quelque sorte . Bien sûr, si vous finissez par créer une ligne dure, vous pouvez utiliser votre brosse pour la frotter un peu et vous débarrasser de ces lignes dures UN 10. Créer une texture: en revenir à ce que j'ai déjà mentionné à propos de l' orange et du bleu, sont des couleurs complémentaires, nous ne voulons pas qu' elles se mélangent. Cela va avec n'importe quelle autre couleur complémentaire avec le jaune et le violet ou le vert et le rouge. Je n'ai pas utilisé de rouge direct à ce sujet, donc ce n'est pas un problème pour moi, mais si vous prévoyez d'utiliser du rouge, c'est quelque chose qui pourrait vous inquiéter ou dont vous devez être conscient. Mais j'ai utilisé du jaune et du violet, et vous avez vu que si je mets ces deux couleurs dessus, je ne veux pas qu'elles soient directement connectées. Je m'assure donc qu'il y a une couleur entre les deux comme le bleu entre le jaune et le violet, parce que le bleu transformera le jaune en vert, et le bleu est déjà en harmonie avec le violet, sorte qu'il se fondra naturellement dans le jaune d'une manière esthétique Alors que si le jaune se mélangeait directement au violet, je passerais au gris ou à une couleur trouble. Je choisirais une couleur brunâtre et boueuse. Donc, tant que vous ne mélangez pas des couleurs complémentaires, tout est normal et vous pouvez y mélanger les couleurs que vous voulez. Et il sera harmonieusement agréable et bien connecté, et il n'aura pas l'air hors de propos J'ajoute quelques gouttes d'orange ici, en faisant très attention lorsque c'est entre le bleu et le vert. 11. La queue: Maintenant, peignez la queue, et c'est la zone qui demande le plus de précision. Utilisez donc un pinceau doté d'une très bonne pointe et assurez-vous que votre dessin est clair, car lorsque vous peignez une forme semblable à une spirale comme celle-ci, il peut être difficile de tout comprendre et passez quelques secondes supplémentaires à vous assurer que le bout de la queue est pointu. Et régulièrement espacé lorsqu'il s'enroule. Parce que ce sont ces petits détails qui l'ancrent et donnent du sens à toute l'expression. Quelques secondes supplémentaires de concentration et de précision ajoutent à cette sensation de sophistication. Remarquez comment je me suis créé un petit point de contrôle. J'ai gradué ou supprimé ce bleu afin de me laisser le temps de mélanger une couleur sans créer de bord dur Chaque fois que vous avez besoin de faire une pause ou de mélanger les couleurs et que vous n'avez pas terminé la forme parce que la queue est assez longue, vous devez en quelque sorte la mélanger au lieu de simplement vous arrêter et laisser un bord dur. Maintenant que je l'ai réactivé, je peux y retourner sans craindre qu'il n'y ait un problème ajouté beaucoup d' eau pour que je puisse l'étirer et utiliser le pinceau pour déplacer cette eau complètement vers le haut. Je n' utilise pas nécessairement le bout de mon pinceau pour peindre dans cette section. Je sais l'épaisseur de mon pinceau lorsque j'applique une pression et je l'utilise sur le côté du crayon pour remplir cette zone. Vous voyez comment j'ai utilisé un peu d' orange par-dessus le bleu, et c'est un peu confus, mais peu importe parce que je vais refaire avec un violet plus épais, et il restera dans l' ombre de toute façon, donc peu importe J'ai déjà peint la jambe, mais je vois toujours la ligne au crayon sous cette peinture, et je dois définir la distance entre la patte et la queue. Je vais donc simplement ajouter un pigment plus foncé ici. C'est encore très dilué. Mais c'est un pigment foncé, il va donc se fondre naturellement dans le nettoyant humide ci-dessous. Et en utilisant ce pigment pour ce type de coup de pinceau mouillé sur mouillé, je suis presque en train de suivre la courbure de la queue, mais comme elle est tellement mouillée sur mouillée, elle va avoir une belle douceur, donc elle sera à peine perceptible Il faut aussi nettoyer mon pinceau avec cette éponge et aspirer l'eau qui se trouve au milieu pour créer une sorte de reflets. Et même un mouchoir pour faire ressortir encore plus de texture, l' enroulant en pointe puis en le faisant glisser sur le papier Faites couler un peu d'eau et de l' eau propre dessus pendant qu'elle sèche temps en temps, je mélange l'ensemble de la composition avec de l'eau pour augmenter sa texture, car l'eau l' agite lorsqu'elle sèche Et comme les éclaboussures ne sont pas uniformes, certaines zones restent sèches et d' autres encore humides Cela crée une incohérence, ce que nous voulons lorsque nous voulons créer plus de texture 12. Éclats: Maintenant, je l'ai complètement asséché et cette prochaine étape est facultative. Tu peux le faire à la fin. Je décide de le faire maintenant parce que j'ai défini mon schéma de couleurs principal, donc je sais quelles couleurs je veux y avoir. J'utilise de l'orange vif pour commencer, et je tape sur mon pinceau pour obtenir quelques petites éclaboussures d'eau ou de pigment Mais quand il s'agit des plus grandes, je les peins moi-même. Je les extrait de mon pinceau, et j'utilise mon pinceau pour les agrandir ou les contrôler. Comme le caméléon est bleu, moins le mien l'est, j'utilise ces tons orange comme principale tache, car, encore une fois, l'orange complète le bleu j'utilise ces tons orange comme principale tache, car, encore une fois, l' car, encore une fois, J'ai un peu de vert là-dedans, c'est pourquoi j'utilise un peu de rouge pour compléter ce vert maintenant. Ensuite, nous ajouterons peut-être du jaune pour compléter le violet par la suite. Mais si vous optez pour une couleur différente, si vous avez choisi votre iguane, vous pouvez mélanger et modifier les lamelles que vous souhaitez pour compléter la couleur que vous avez Remarquez que je ne fais pas éclabousser le caméléon lui-même. Je ne veux pas que les éclaboussures atterrissent dessus. Donc, si vous n'êtes pas sûr des éclaboussures, vous pouvez toujours utiliser quelques mouchoirs pour couvrir le caméléon Vous pouvez également sauter toute la phase d'éclaboussure car les éclaboussures sont incroyablement difficiles à contrôler. Cela dépend également du pinceau. Vous ne voulez pas utiliser un petit pinceau. Il doit contenir beaucoup d'eau. Il doit être complètement saturé pour qu' il soit presque prêt à tomber du pinceau tel quel. Il suffit de quelques petits robinets pour que l'eau tombe. Il y a donc des éclaboussures oranges en haut et des taches bleues en bas Et les éclaboussures bleues compléteront la branche orangée que nous peindrons Ce sera une branche brune, mais le brun est en fait une couleur orange brûlé. Le bleu fonctionne donc aussi bien avec le marron. Mets-y aussi quelques plaques vertes . La plupart des éclaboussures du pinceau sont les plus petites, et je peins moi-même les plus grosses J'essaie de ne pas exagérer parce qu'il y a certainement un juste milieu entre trop de splats et pas Et il vaut mieux opter pour le « pas assez ». Et certains d'entre eux peuvent également sembler trop sombres. Donc, une fois que je suis généralement satisfaite avant qu'ils ne soient séchés, je le laisse agir environ 3 minutes, et j'utilise mon mouchoir pour 13. Pops de orange m: Ainsi, une fois les éclaboussures éliminées, elles sont beaucoup plus légères et attirent moins Il s'agit davantage d'un élément secondaire que d'une partie du tableau qui attire l'attention Et maintenant, il est complètement sec. J'utilise le sèche-cheveux. Je peux poser ma main sur le tableau sans avoir peur de toucher les zones humides. Et j'utilise ce mélange de jaune cadmium et de rouge camium pour créer un orange très vif Et nous pouvons maintenant passer en revue les zones blanches. Cela borde le bleu pour vraiment faire ressortir ces contrastes. Mais il faut faire très attention à ne pas superposer l'orange et le bleu, car encore une fois, la nature complémentaire de leur relation les empêchera de bien se mélanger. Je compte sur un peu plus de précision pour réaliser ces parties. Je n'explore donc pas différentes gammes de tons et de couleurs avec cela. Je garde essentiellement le même ton orange partout, et même à l'intérieur de ces marques de pinceau, je laisse de petites lignes blanches sur le papier en dessous pour renforcer encore cette sensation de précision, car cela contraste avec l'expression que nous avons peinte auparavant et la base. Nous ne pouvons pas avoir tous les tableaux abstraits. Au fur et à mesure que nous atteignons le haut et descendons cette bande blanche, j'ajoute de petits anneaux et cercles plutôt que de les masquer complètement, créer de la texture à partir du bout de mon pinceau. Petits anneaux ou cerceaux. Une ligne juste en travers de laquelle le joint de la bouche ne se trouve pas sur les lèvres, mais là où il se connecte. Mais il n'est pas nécessaire que ce soit trop précis. Il suffit de faire briller mon pinceau pour créer ce genre de texture organique Je n'essaie pas de le rendre trop artificiel. Maintenant, je peux peindre cette bande sur le côté du corps. En commençant par le milieu, loin des bords. Ensuite, nous pouvons revenir en arrière et nous rapprocher le plus possible du bord. Parfois, nous le recouvrons naturellement, mais nous pouvons toujours le frotter et le nettoyer si nécessaire. C'est trop. Le visage est la zone qui nécessitait le plus de détails, plus de précision. Cette petite bande, peu importe si on dépasse les limites, et s'il fait plus sombre, c'est bon. Cela ajoute juste un peu plus à la texture. En laissant quelques trous blancs aléatoires sur le papier en dessous. Ensuite, j'utilise juste un pigment que j' avais déjà sur mon palais. Ajoutez un peu d'Asarin cramoisi cette orange et tamponnez-le au hasard dans une partie de ce nettoyant pour qu' au hasard dans une partie de ce nettoyant pour Utilisez-le comme pigment foncé pour souligner certains bords et lignes où les fines ombres formeront le pli de la bouche. Euh, 14. Sous les crêtes: Maintenant, je mélange un peu plus de cette orange, et je peins les petites pointes d'orange qui vont du dessous du menton jusqu'au ventre Ce sont de jolis petits détails car ils perturbent la douceur du corps avec un peu de texture et de rythme J'ai choisi un orange vif et chaud pour contraster avec les couleurs froides qui l'entourent. Cela les aide à se démarquer sans avoir besoin d' être trop détaillés. Je fais également attention à ce que leurs bords soient légèrement cassés et irréguliers, afin qu'ils soient naturels et organiques, et ne soient pas raides ou délimités. Ce sont ces petits moments de contraste qui peuvent donner tant de vie à un tableau. Remarquez que je ne les ai pas encore rejoints. Je n'ai pas peint les parties bleues jusqu'au bord, et même avec l'orange ici, je ne vais pas me tourner vers le bleu. Je vais les mélanger doucement plus tard. Ces éléments ne sont pas si techniques. Ils ont juste besoin d'un peu de précision et de patience pour bien faire les choses. Lorsque je peins ces petites pointes oranges, je pense au contraste entre le staccato Et sigato signifie que c'est comme ces notes de frappe aiguës, précises, rythmées et courtes, Ils interrompent les zones plus douces et plus fluides du tableau, où les couleurs se mélangent et dérivent les unes dans les autres. Et le contraste entre ces deux textures visuelles est partie ce qui donne à la peinture son énergie. Si tout était doux et mélangé, l'ensemble pourrait commencer à devenir un peu flou ou passif. autre côté, si tout était net et détaillé, cela pourrait devenir accablant ou sembler surchargé Cet équilibre entre netteté et douceur entre ce que j'appelle marques de staccato et les transitions fluides contribue à créer un rythme visuel et contribue à créer Ces pointes fonctionnent presque comme des signes de ponctuation. Elles donnent à l' œil du spectateur quelque chose sur lequel se poser, une petite bouffée d'énergie qui fait vivre le tableau. Et comme il s'agit d'une marque tellement différente des autres, elle attire naturellement l' attention sans avoir besoin d'être volumineuse ou complexe. 15. Des crêtes supérieures: Nous pouvons maintenant commencer à peindre les petites pointes sur le dessus. Et celles-ci sont un peu plus évidentes, un peu plus longues. Nous devons donc être un peu plus précis avec eux. Mais en utilisant simplement le bout de votre pinceau, avoir un pinceau à pointe fine facilite infiniment les choses Tout d'abord, j'ai en fait mis une seule ligne, un seul trait fin. Et puis une fois que je l'ai fait quelques fois, dizaine de fois, j'y retourne et je les remplis un peu. Remplissez-les à la base. Et il n'est pas nécessaire qu'ils soient tous parfaits. Vous n'avez besoin que d'une ou deux réponses parfaites, puis l' esprit saisit les détails et comprend ce que cela est censé être. Plus tôt, j'ai utilisé le terme staccato, qui est en fait un terme musical Mais en fait, beaucoup de mes artistes préférés, des artistes qui m'ont aidée à m'apprendre par leurs explications et leurs concepts, utilisent des termes musicaux pour exprimer ce qu'ils essaient de transmettre car il existe en fait de nombreuses similitudes entre les concepts musicaux et les concepts artistiques. Et dans mon apprentissage, cela m'a vraiment aidée d'avoir ce genre de métaphore C'est pourquoi j'ai tendance à utiliser beaucoup de termes musicaux lorsque je décrit la peinture. Des mots comme le rythme, voire le tempo ou l'harmonie. Ils ne sont pas simplement poétiques. Ils m'aident en fait à comprendre ce qui se passe visuellement. Parce que tout comme la musique, la peinture est une question de contraste, de répétition et de variation. Vous pouvez avoir un petit passage ou une section tranquille , comme un lavage doux, suivi d'une soudaine explosion d'intensité, comme l'étaient ces petites pointes oranges Vous pouvez également répéter une certaine forme ou couleur comme un motif musical. En fait, je crois qu'au début du cours, j'ai dit que le motif bleu est le motif de ce cours. Légèrement varié à chaque fois pour que cela reste intéressant. Et dans un certain sens, le rythme et le rythme de l' aquarelle sont liés et semblent très musicaux, car nous devons travailler avec l'humidité du papier et la façon dont le pigment Et lorsque tout est réuni, lorsque toutes les marques et les transitions semblent synchronisées, cela donne l'impression d'être une œuvre d'art bien composée. Donc, penser en termes musicaux me rappelle d'aborder peinture non seulement comme une création d'images, mais comme une sorte d'œuvre d'art, de performance 16. Commencer l'œil: Ensuite, nous allons peindre l'œil, et pour commencer, nous allons presque créer une jolie petite roue chromatique. Il s'agit simplement d'une combinaison de couleurs aléatoires, commençant par un orange jaunâtre, puis en effectuant une rotation, nous pouvons incorporer d'autres couleurs Il n'est pas nécessaire que cette couche soit trop foncée. En fait, il devrait être assez léger car ce n'est que la couche de base. Voyez comment je m'assure que le bleu et l'orange ne se mélangent pas, même s'ils sont côte à côte. Il suffit de les rendre plus légers là où ils se mélangent. Donc, des couleurs claires agréables et douces, rien de trop net. Et j'ai juste utilisé un mouchoir en papier pour éponger le centre, pour qu'il y ait plus de lumière au milieu Maintenant, j'utilise le bout de mon pinceau et j'ai chargé mon pinceau pigment foncé. Peu importe quoi. se trouve que j'utilise du vert parce qu' il en restait un peu sur ma palette. Et maintenant j'y mélange un peu d'outremer. Et ce sont les termes techniques que je ne connais pas, les petites rides ou les yeux, comme les paupières, les bouts de cercle qui ne font que tourner Mais à cause de la nature de leurs ombres, de leurs plis, ils ressemblent à de petits anneaux Je suis donc en train de peindre plein de petits anneaux en cercle. Assurez-vous qu'il ne touche pas le centre que nous venons de peindre. Je mélange un peu de violet. Encore une fois, parce que c'est une couleur foncée. Ce n'est pas trop dynamique. Maintenant, tracez simplement de petites lignes, des lignes horizontales de chaque côté de l'œil. 17. Définir les ombres: Je vais juste me laisser guider pour le moment. Nous pourrons y revenir plus tard. Maintenant, je vais mettre l' accent sur les ombres, ce qui donnera vie à la forme. Ainsi, en commençant par la moitié supérieure du ventre sous les jambes, en peignant dans ces ombres, cela définit réellement la forme des jambes. Et si vous pensez à la nature des ombres et de la lumière, à l' endroit où la lumière entre en contact, il devrait être légèrement plus foncé à mesure que les plis des ombres se rétrécissent Donc, là où il est ouvert, il fait assez clair. Et puis, au fur et à mesure que nous nous retrouvons dans un coin, il fait beaucoup plus sombre L'ajout d'un peu de pigment ici n'a pas besoin d' être beaucoup plus foncé, mais simplement pour souligner le bord du haut de la jambe. Il suffit de faire un trait sûr, puis nous pouvons revenir en arrière et l'adoucir . Plus il fait sombre, plus il y aura de contraste et plus la sensation et plus la sensation de profondeur sera également grande. Comme nous avons déjà un fond bleu, il n'est pas si difficile de le mélanger. Si elle était d'une couleur différente, elle peut sembler un peu déformée, mais elle se fond très bien dans la montre précédente que nous avons peinte Il en va de même pour les pattes arrière. Tout d'abord, ajoutez une ligne précise l' endroit où se trouve le contour des jambes, puis nous pouvons remplir le reste de la forme avec de l'eau pure. Je fais le lien entre les deux sections. Il y a un peu plus de violet là-dedans. N'oubliez pas qu'un pigment foncé comme celui-ci est beaucoup plus clair. Donc, lorsqu'il est mouillé comme ça, il semble beaucoup plus sombre qu' il ne le sera à la fin. Vous devez donc compenser un peu pour cela. Tu utilises du violet ici ? Essayez de faire correspondre à peu près la même couleur la première couche, car que la première couche, car il est d'autant plus facile de la fondre. À l'aide d'un pinceau propre, juste pour éliminer ce pigment, le petit pli, petites rides et le petit peu, je ne sais pas ce que c'est le genou, la partie intérieure du genou 18. Finir l'œil: Et maintenant, nous pouvons laisser cette section sécher et revenir à l'œil, continuant avec la même idée que précédemment, en ajoutant plusieurs anneaux, mais cette fois en pénétrant dans le contour des yeux lui-même. Cela ressemble à un gros pinceau amusant, mais encore une fois, je dois souligner qu'il a une pointe très fine N'essayez pas cela sur un pinceau qui n'a pas une pointe fine. Il existe des pinceaux Scoda qui ont des pointes très, très fines. Ce sont des pinceaux synthétiques, mais ils peuvent être chers Ils ne sont pas chers pour un achat unique, mais la pointe peut s'user après environ sept peintures, selon la rugosité avec laquelle vous l'utilisez. En fait, j'utilise très souvent ces pinceaux bon marché vendus dans mon magasin d'art. Ce sont en quelque sorte des pinceaux synthétiques, mais ils ont une pointe très fine et ils coûtent la moitié du prix de la coda Et je n'ai pas peur de les remplacer chaque fois que je perds un pourboire, car cela se produit naturellement. Et ils sont synthétiques. Ce ne sont pas des cheveux naturels. Je ne suis donc pas trop mal devoir les remplacer tout le temps, bien sûr, les cheveux naturels utilisent des poils anaux. Et les pinceaux synthétiques durent en fait plus longtemps que les brosses à cheveux naturels. Donc, l'ajout de ce point noir sur l'œil termine l'œil. Maintenant, nous utilisons ce bleu pour simplement ajouter de petites stries, suivant le rythme et aidant à définir la profondeur du caméléon Imaginez où se trouvent les courbes du formulaire et suivez cela Mais ils ne sont pas trop évidents. C'est un bleu très dilué et translucide que j'utilise. Maintenant, très soigneusement, peignez entre ces pointes jaunes pour peindre l'ombre du pied de l'autre côté du corps, la jambe plutôt de l' autre côté du corps C'est dans l'ombre. Souvenez-vous que lorsque nous l'avons peint pour la première fois lors du premier lavage, nous ne l'avons pas vraiment différencié de l'autre jambe. Nous n'avons fait qu'un lavage clair, et le moment est venu de faire une nette différence en ajoutant cette ombre. Je décide également de peindre le caméléon avant de peindre la branche, car je suis d'accord pour la superposer Et je voulais d'abord m'assurer que le caméléon avait raison. Si je peignais d'abord la branche, cela limiterait la façon dont je vais composer le caméléon 19. Jambes derrière: En continuant avec les autres jambes de l'autre côté, j'utilise la même couleur turquoise serléenne La raison pour laquelle je n'arrête pas de sauter entre le terme « serlean » et le « turquoise », c'est parce que je mélange toujours mon pigment dans cette poêle Parfois j'y injecte un peu de serleon. Parfois j'y jette de la turquoise. Je ne connais donc jamais vraiment la consistance de ce mélange car j'aime les deux couleurs, et elles sont toutes deux similaires sur le cercle chromatique. Alors je les ai juste mis dans les mêmes. Et mon violet est très différent J'utilise plusieurs tubes de peinture différents de la famille des violets à l'intérieur, même pour mes rouges mes ocres jaunes, parce que pour moi, ce n'est pas une question de spécificités du pigment Il s'agit de la température et de la relation entre la roue chromatique. Mélangez un vert dans celui-ci juste pour ajouter un peu de diversité et de variation Et puis adoucir cette transition. À propos de laisser un bord dur là où se trouve la queue. Et même si tout est mouillé comme ça, vous pouvez continuer à appliquer de plus en plus de pigments avec des consistances plus épaisses, juste pour vous assurer que le ton est le bon Et s'il fait trop sombre, vous pouvez emporter, et s' il fait trop clair, vous pouvez continuer à y ajouter de l'eau pure de temps en temps pour qu'il corresponde à la texture de la peau Un petit bout d'orteil ou main passe de l' autre côté de la branche C'est en fait assez sombre. Je dessine donc un pigment et je vais y mettre un peu de bleu parce que c'était un peu trop, la couleur ne correspondait pas, elle n'était pas assez éclatante. Utilisez également le mouchoir pour faire ressortir un peu de pigment et ajouter de la texture. 20. Sous-couche de branche: Nous pouvons maintenant commencer à peindre la branche, et nous suivons la même procédure que pour le caméléon W, mélangeant une sous-couche pour commencer, et nous allons utiliser quelques variantes de bruns en commençant par un orange vif. Et puis, lorsque nous ajoutons un peu de violet, cela le neutralise et fait baisser son éclat Et nous n'avons pas besoin d'être aussi propres. Je ne peins même pas jusqu'aux traits du crayon, peins juste le centre, peut-être en essayant d'y ajouter un peu cet effet de pinceau sec. Un petit blocage grossier. En utilisant le même pinceau. Je pense que j'ai utilisé le même pinceau tout au long de la peinture. Si mon papier était plus grand, j'utiliserais un gros pinceau, et si mon papier était plus petit, j'utiliserais un pinceau plus petit. Ce n'est donc pas tant la taille du pinceau que j'utilise. Il s'agit de la taille de la peinture que vous faites et de la façon dont elle se rapporte à cela. La taille des formes que vous prévoyez de peindre. Il s'agit d'une taille de pinceau très polyvalente pour mon format de papier. Maintenant, je vais revenir à la deuxième couche alors qu' elle est encore légèrement humide. Et tu vois, j'y ai mélangé deux types de couleurs. J'ai un brun violacé, un peu violet tamisé, violet tamisé, et j'ai une sienne brûlée Et les deux ensemble se neutralisent. Et en fait, j'ajoute également un joli petit gris chaud pour le dessus. Je remplis juste de petites formes abstraites, puis petit à petit, je les assemble. Utilisez des traits larges pour les traits horizontaux qui vont dans la direction de la branche, puis des traits fins, des coups de pinceau fins pour les traits verticaux qui suivent la courbure de la branche. Et il faut toujours s'assurer qu'il y a un peu de variation. Vous pouvez donc voir qu'il y a une variation de couleur, de température, de texture, d'épaisseur, de finesse et de consistance Des hachures croisées apparaissent un peu. Je vais droit au bord de ce caméléon bleu. Utilisez la même couleur pour établir un lien visuel, même s'ils ne se touchent pas de ce côté ou de l'autre. Nous voulons nous assurer que ces couleurs sont identiques de chaque côté, afin qu'elles soient visuellement connectées. M. 21. Couleurs des branches ours: Ajoutez du bleu serlean ou du bleu outremer ou du bleu cobot par-dessus ce brun, et cela rend la couleur moins vive car, et cela rend la couleur moins comme je l'ai déjà dit, le marron et le bleu sont des couleurs complémentaires, marron et le bleu sont des couleurs complémentaires, donc ils Surtout avec ces pointes orange éclatantes si proches. Nous ne voulons pas que la vivacité de la branche fasse concurrence dans cette section Oh lorsque vous choisissez les couleurs de la branche, il en va de même pour le choix des couleurs de l'iguane ou de tout autre sujet Il ne s'agit pas simplement de choisir une couleur au hasard. Il s'agit de regarder la roue chromatique et de choisir la couleur qui se trouve à côté. Vous pouvez donc voir que j'ai du marron, qui est une couleur orange. Et j'utilise un peu de rouge, qui se trouve à côté sur la roue chromatique. Et après le rouge sur la roue chromatique, le violet devient progressivement violet. Et il y a un peu de violet là-dedans. C'est un violet très chaud. Donc, dans ce contexte, cela ressemble presque à du brun. C'est comme du brun , un peu du violet, parce que c'est très monotone J'ai utilisé l'orange comme couleur de base pour la branche parce que nous avons beaucoup de bleus, donc cela la complète très bien. Cela n'aurait pas vraiment de sens d'en faire une couleur verdâtre, même si vous pourriez facilement avoir une branche verte dans la nature Je ne travaillerais pas nécessairement sur cette composition. Cependant, si vous décidiez de peindre votre caméléon plus en rouge, le vert ferait Je ne joue pas seulement avec les teintes et les couleurs, je joue avec la saturation, c'est-à-dire le dynamisme et la matité Vous pouvez voir que certaines zones de cette branche sont plus vives et que certaines zones sont grises ou noires. C'est donc un autre type de contraste et de variation que vous pouvez expérimenter. Euh. À l'arrière, j'ai bloqué quelques formes organiques, et maintenant je reviens avec de l'eau pure, et vous pouvez voir qu' il y avait tellement de pigments là-dedans que tout se remplit tout seul. Mais c'est un peu trop orange, alors ajoutez-y un peu de bleu pour faire baisser le ton. Je pourrais utiliser du noir pour le faire baisser, mais cela garderait tout de même cette couleur brune. En y ajoutant du bleu, on le neutralise de façon beaucoup plus harmonieuse Et maintenant, l'autre côté a eu un peu de temps pour sécher. Je vais juste y ajouter un peu de gris, une légère touche de gris, juste pour l'adoucir légèrement et pour remplir les parties supérieures de la branche juste pour la distinguer de l'arrière-plan. 22. Taches blanches: Nous arrivons maintenant à la dernière partie du tableau. Nous en avons donc terminé la majeure partie. Il ne nous reste plus qu'à le rassembler et à en ressortir quelques points saillants. J'utilise donc le guash blanc directement sorti du tube, juste pour faire ressortir certaines taches J'essaie de le garder beau et organique, pas trop rond, assez oblong, suivant également certains de ces anneaux autour des yeux Et vous devez réfléchir à la section que vous êtes en train de peindre. Dans les grandes sections comme ici, nous pouvons peindre des points plus grands. Et dans certaines sections plus petites, les points devront être un peu plus petits. Et leur espacement aussi. Si nous peignons de gros points, écart entre eux sera plus grand, et les petits points comme celui-ci peuvent être un peu plus rapprochés les uns des autres, un peu plus serrés les uns contre les autres Et je ne les fais pas absolument partout. Je choisis quelques zones sélectionnées. Et puis cela implique une sorte de texture que l'œil du spectateur peut combler avec le reste. Lorsque vous le peignez à la chaux, il est très blanc lorsqu'il est mouillé mais il sèche plus légèrement. Vous pouvez toujours effectuer une deuxième prise. Je prévois également de remplacer certains de ces points blancs orange, car comme dans cette zone, où le bleu foncé est présent, il aurait été impossible de garder un petit point et de le peindre en orange vif pendant la phase de lavage, l'étape de la sous-couche Donc, il suffit de faire quelques points comme celui-ci, en attendant qu'ils sèchent, y revenir en orange vif, et ces points oranges sur le bleu apparaîtront vraiment. Je fais donc quelques points de plus que je ne le souhaite pour pouvoir ajouter quelques couleurs supplémentaires. Ajout de quelques reflets sur les bords des bras et des jambes. J'ai également fait quelques points sur le noir de l'œil lui-même pour exprimer cette sensation d'humidité et de réflexion Quelques points collés sur les genoux ou les coudes. 23. Touches finales: Et même sur la queue, on peut utiliser de tels reflets pour souligner la courbure et les petites rides qui apparaîtraient à l'intérieur des boucles ou des courbes Et j'utilise une consistance épaisse. Il y a donc des traces de pinceau presque sèches. Quelques coups directionnels également. J'essaie d'obtenir une sensation de brosse sèche. Et maintenant, nous pouvons mélanger un peu de couleur au-dessus de ces points blancs, juste pour en sélectionner quelques-uns. Et vous pouvez voir que la différence de contraste entre le bleu et l'orange ajoute vraiment à cette lueur, cette sensation presque irisée J'essaie de ne pas me chevaucher. Je ne veux pas toucher les zones bleues. Je préfère laisser un petit espace blanc plutôt que de passer dans le bleu car si je peins dans le bleu, j'aurai l'air trop foncé. Comme nous avons presque terminé, vous pouvez voir que nous avons opté pour une couleur de base principale bleue, et l'orange comme type de contraste secondaire tout en ajoutant des variations sur ce thème, un peu de vert bleuté, de violet bleuté Bien sûr, vous pouvez suivre exactement comment je l'ai fait, mais j'aimerais voir si des étudiants expérimentent différentes combinaisons de couleurs, modifiant légèrement les teintes. 24. Réflexions finales: Bienvenue et félicitations pour avoir terminé ce cours de caméléon J'espère que cela vous a donné la permission d'explorer, jouer et d'apprécier le côté expressif de l'aquarelle Nous nous sommes penchés sur la liberté des couleurs, les textures et les techniques dynamiques pour donner de la personnalité et du dynamisme à un sujet vraiment amusant La magie de peindre quelque chose comme un caméléon réside dans le fait que vous pouvez utiliser votre propre voix et votre propre style, tout en restant authentique. Amusez-vous à explorer ce médium avec lui. N'oubliez pas que la peinture à l'aquarelle n'est pas seulement une question de compétences techniques, mais aussi d'expression votre créativité et de votre style personnel Je vous encourage à continuer à explorer, expérimenter et à repousser vos limites pour créer vos propres chefs-d'œuvre d' aquarelle uniques À la fin de ce cours, j'espère que vous vous sentirez plus en confiance et aise avec vos capacités de peinture à l'aquarelle La pratique est essentielle pour améliorer vos compétences, alors continuez à peindre et à expérimenter Je tiens à exprimer ma gratitude à chacun d'entre vous. Votre passion pour la peinture à l'aquarelle est tellement inspirante, et je suis honoré d' être votre professeur Si vous souhaitez avoir des commentaires sur votre peinture, je serais ravi de vous en faire part. Veuillez donc partager votre peinture dans la galerie de projets étudiants ci-dessous, et je ne manquerai pas de vous répondre. 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Enfin, veuillez cliquer sur le bouton « Suivre » en haut pour pouvoir me suivre sur Skillshare Cela signifie que vous serez les premiers informés lorsque je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux Merci beaucoup encore, et j'espère pouvoir peindre à nouveau avec vous bientôt , d'ici là, bonne peinture.