Paysages de montagne expressifs à l'aquarelle : contraste et atmosphère

1. Bienvenue au cours !: Bonjour, tout le monde. Je m' appelle Will Alliston, et aujourd'hui nous allons peindre à l' aquarelle une scène de montagne expressive et vibrante Ce cours met l'accent sur le contraste des couleurs et la liberté de travailler avec vos pinceaux pour capturer le drame et la beauté des grands espaces paysages de montagne offrent l'occasion idéale de jouer avec des formes audacieuses, des couleurs dynamiques et des avant-plans éclatants Il faut que tout soit précis ou réaliste. Nous nous concentrerons sur la création d'une ambiance expressive à l'aide de techniques souples et intuitives telles que la peinture humide et humide, technique du pinceau sec et les transitions de couleurs en couches. Je suis artiste professionnel depuis de nombreuses années, explorant de nombreux sujets différents, tels que la faune et les portraits, les paysages urbains et les J'ai toujours été fasciné par les possibilités de l'aquarelle, mais quand j'ai commencé, je ne savais pas où commencer ni comment m'améliorer Je ne savais pas de quel matériel j'avais besoin, comment créer les effets que je voulais, ni quelles couleurs mélanger. Aujourd'hui, j'ai participé à de nombreuses expositions dans le monde entier, figuré dans des magazines et j'ai eu la chance de remporter des prix décernés des organisations réputées telles que l'International Watercolor Society, la Masters of Watercolor Alliance, Windsor and Newton et la SAA L'aquarelle peut être bouleversante pour ceux qui débutent, c'est pourquoi mon objectif est de vous aider à vous sentir détendu et à apprécier ce médium étape par étape. Aujourd'hui, je vais vous guider à travers une peinture complète, démontrant diverses techniques et expliquant comment j'utilise toutes mes fournitures et tous mes matériaux. Que vous soyez débutant ou que vous ayez déjà de l'expérience, vous serez en mesure de suivre votre propre rythme et d'améliorer vos compétences en aquarelle Si ce cours est trop difficile ou trop facile pour vous, j'ai une variété de cours disponibles à différents niveaux de compétence. J'aime commencer par une approche expressive libre, sans crainte de faire des erreurs, lorsque nous créons des textures passionnantes pour la sous-couche Au fur et à mesure que la peinture progressera, nous ajouterons plus de détails pour lui donner vie et la faire ressortir. Je m'efforce de simplifier les sujets complexes en faire des formes plus faciles qui encouragent l'espièglerie Tout au long de ce cours, je partagerai de nombreux conseils et astuces. Je vais vous montrer comment transformer les erreurs en opportunités, éliminant le stress lié à la peinture pour vous amuser. Je vous fournirai également mes tableaux de mixage d'aquarelles, qui sont un outil précieux pour choisir et mélanger les couleurs Si vous avez des questions, vous pouvez les poster dans le fil de discussion ci-dessous. Je ne manquerai pas de lire et de répondre à tout ce que vous publiez. N'oubliez pas de me suivre sur Skillshare en cliquant sur le bouton Suivre en haut de la page Cela signifie que vous serez le premier à savoir quand je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux Vous pouvez également me suivre sur Instagram chez Will Elliston pour voir mes derniers travaux Alors lançons-nous et donnons vie à cette scène montagnarde animée. 2. Votre projet: Merci beaucoup de m'avoir rejoint aujourd'hui. J'ai hâte de le peindre pour vous. Nous travaillerons à peindre un paysage de montagne lumineux et audacieux avec des sommets enneigés, des arbres colorés et de profonds reflets dans l'eau Ce projet est parfait pour expérimenter l'énergie et le mouvement, et nous aborderons des techniques telles que la création profondeur et de lumière dans les montagnes avec des dégradés fluides, la création de feuillages expressifs, l'utilisation de couleurs et de textures au plomb et la peinture de reflets naturels et dynamiques Tout tourne autour de l'expression plutôt que de la précision. Nous adopterons des coups de pinceau souples, forts contrastes et une palette éclatante pour faire ressortir la peinture. Dans la section des ressources, j'ai ajouté une image en haute résolution de ma peinture terminée pour vous guider. Vous pouvez suivre exactement ma peinture ou expérimenter votre propre composition. Comme nous allons nous concentrer sur l' aspect peinture de l'aquarelle, j'ai fourni des modèles que vous pouvez utiliser pour transférer ou tracer le croquis avant de peindre Il est bon de le tracer lorsque vous l'utilisez comme guide pour apprendre à peindre. Il est important que le sous-dessin soit correct afin que vous puissiez vous détendre et vous amuser en apprenant le médium de l' aquarelle lui-même Quelle que soit la direction que vous prenez dans ce cours, serait formidable de voir vos résultats et les peintures que vous créerez grâce à ce cours. J'adore donner des commentaires à mes étudiants, alors prenez une photo par la suite et partagez-la dans la galerie de projets étudiants sous l'onglet Projet et ressources. Je suis toujours intriguée de voir combien d'élèves ont des approches différentes et comment ils progressent dans chaque classe J'aimerais connaître votre processus et ce que vous avez appris en cours de route, ou si vous avez rencontré des difficultés. Je vous recommande vivement de regarder travail de chacun dans la galerie de projets des étudiants. C'est tellement inspirant de voir le travail de chacun et extrêmement réconfortant de bénéficier du soutien de ses camarades de classe N'oubliez donc pas d'aimer et de commenter le travail de chacun. 3. Matériel et fournitures: Avant de commencer à peindre, examinons tous les matériaux et fournitures dont vous aurez besoin pour peindre. Le fait de disposer des bons matériaux peut un impact considérable sur le résultat de votre œuvre d'art. Je vais donc passer en revue toutes les fournitures que j'utilise pour ce cours et au-delà. est très utile de les avoir à votre disposition et nous vous aiderons Il est très utile de les avoir à votre disposition et nous vous aiderons à les suivre plus facilement. Commençons par les peintures elles-mêmes. Et comme la plupart des matériaux que nous utiliserons aujourd'hui, cela dépend en grande partie des préférences. J'ai 12 couleurs stables dans ma palette que je remplis à partir de tubes. Ils sont jaune cadmium, jaune ocre, sienne brûlée, rouge cadmium, rouge d'alizarine, bleu opramarne, bleu cobalt, bleu serléen, lavande, violet, viridien, noir, et à la fin du tableau, j'utilise souvent de la gouache blanche pour les petits reflets . Je n'utilise aucune marque en particulier, ces couleurs peuvent être obtenues de n'importe quelle marque, bien que j' utilise personnellement Daniel Smith, Windsor et Newton pour les peintures Holbein Passons donc aux pinceaux. Le pinceau que j'utilise le plus est un pinceau rond synthétique comme ce pinceau Escoda Purl ou ce pinceau Van Ils sont très polyvalents car non seulement vous pouvez les utiliser pour des travaux détaillés avec leur pointe fine, mais comme ils peuvent contenir beaucoup d'eau, ils conviennent également aux laveuses Ils sont également assez abordables, j' en ai donc pas mal de tailles différentes. Viennent ensuite les brosses à balai. Les pinceaux à balai sont parfaits pour les coups de pinceau larges, remplir de grandes surfaces et pour créer des transitions ou des lavages en douceur Ils ont également un joli embout qui peut être utilisé pour les petits détails. Mais pour les plus petits détails, les reflets ou tout ce qui demande plus de précision, j'utilise un pinceau synthétique de taille zéro. Toutes les marques en ont, et ils sont super bon marché. Un autre pinceau utile est un pinceau de calligraphie chinoise Ils ont tendance à avoir de longs poils et une pointe très pointue. Ils sont parfaits pour ajouter de la texture ou créer des lignes dynamiques dans vos peintures. Vous pouvez même les étaler ainsi pour obtenir des textures de fourrure ou de plumes Et c'est tout pour les pinceaux. Sur du papier. votre papier est de qualité, plus il sera facile à peindre. Le papier bon marché se froisse facilement et est très impitoyable, ne vous permettant pas Il est plus difficile de créer des effets attrayants et appliquer des techniques utiles comme le frottement des pigments. Cependant, le papier de bonne qualité, tel que le papier à base de coton, vous permet non seulement de retravailler les erreurs plusieurs fois, mais comme le pigment réagit beaucoup mieux, les risques d' erreur sont beaucoup plus faibles et vous aurez plus de chances faibles et vous aurez plus créer de meilleures peintures J'utilise du papier Arches parce que c'est ce que l'on trouve dans ma boutique d'art locale. Un jet d'eau est absolument indispensable. En l'utilisant, vous aurez plus de temps pour peindre les zones que vous souhaitez avant qu'elles ne sèchent. Cela vous permet également de réactiver la peinture si vous souhaitez ajouter une ligne lisse ou enlever de la peinture J'ai aussi un vieux chiffon ou t-shirt que j'utilise pour nettoyer mon pinceau Nettoyer la peinture avant de la plonger dans l' eau prolongera la durée de vie de l'eau Il est toujours utile d' avoir un mouchoir à portée de main lorsque vous peignez pour enlever l'excédent de peinture. De plus, vous ne savez jamais quand des éclaboussures ou des gouttes indésirables peuvent se produire et qu'il faut les essuyer rapidement. J'ai également un compte-gouttes pour garder les peintures humides. Lorsque vous peignez, il est important que leur consistance soit similaire à celle des tubes. De cette façon, il est plus facile de prélever suffisamment de pigment. Un sèche-cheveux est utile pour accélérer le temps de séchage et contrôler l' humidité du papier. Et enfin, du masking tape. Bien entendu, il s'agit simplement de maintenir le papier immobile sur surface pour l'empêcher de glisser pendant que vous peignez. De plus, si vous prévoyez de peindre jusqu'au bord, cela vous permettra de créer une bordure très nette et propre. Et c'est tout ce dont vous avez besoin pour peindre. Je vous encourage à expérimenter et à explorer avec le matériel ou les fournitures que vous souhaitez utiliser. Maintenant, allons-y et commençons cette peinture. 4. Conseils pour l'ébauche: Avant même de commencer l'esquisse, nous devons réfléchir à ce nous voulons exprimer avec cette peinture car dès que nous posons notre crayon sur le papier, nous commençons déjà à exprimer quelque chose. Il est donc important d'avoir une idée de ce que nous voulons exprimer avant de commencer. Et le croquis au crayon avant une aquarelle peut prendre de nombreuses formes différentes Parfois, c'est très fluide, circulaire et ondulé. Mais à cause de cette scène, c'est montagneux, assez rigide et majestueux. Je m'en tiens essentiellement à des lignes dures, toutes des lignes droites, très angulaires. Vous pouvez voir qu'il n'y a pas beaucoup de courbes dans cette composition. aussi beaucoup de triangles différents, à commencer par les arbres et les montagnes éloignés , bien sûr, tous des triangles pour les pins Je dessine simplement des cônes comme des triangles à l' envers et presque comme des mâchoires venant du sol Quelques triangles horizontaux en zigzags. Pas de courbes, car nous allons également avoir quelques reflets dans l'eau ici. , C'est un joli crayon à mine souple me permet de toujours frotter et recommencer à zéro ou de me débarrasser d'une zone que je n'aime pas. Ensuite, je peux le nettoyer avec mon caoutchouc, puis y retourner avec un crayon plus dur comme celui-ci, juste pour affiner encore ce que je veux. 5. Sous-couche de montagnes lointaines layer: Commençons donc par peindre les montagnes lointaines, et nous n'utiliserons que deux couleurs, la Sienne brûlée Il suffit donc de créer un bon mélange dilué de Sienne brûlée Ensuite, dans une autre poêle, je vais juste utiliser un peu de bleu outremer juste pour me faire une idée, puis un peu de turquoise ou de bleu cerrillan Mais en fait, c'est à vous de décider. N'importe quel bleu fonctionnera en blanc. Travaillez bien. Mon préféré est ce bleu turquoise, serlean En fait, j'en ai mélangé un peu dans la même poêle parce que je vois toujours les turquois Cerlean de couleurs similaires, donc cela ne me dérange pas de les mélanger de temps en temps Je ne suis pas trop strict quant à la façon dont j'organise les couleurs de ma palette. Donc, en commençant par la gauche, légèrement dilué et en commençant par ce mélange bleu mon pinceau n'est ni trop petit ni trop gros. C'est juste parfait pour ça. Et si vous peignez sur une feuille de papier plus petite, vous pouvez utiliser un pinceau plus petit, et si vous peignez encore plus grand, vous pouvez utiliser un pinceau plus grand. Ensuite, quand on y mélange ce cerrillan, parce que c'est une couleur orange chaud. Il se marie très bien avec le bleu. Ces deux couleurs se marient très bien, et nous voulons qu'elles restent belles et légères pour commencer. Et nous pouvons progressivement en tirer parti lorsque nous nous sentons plus à l'aise. Certains sommets sont un peu bleus et d' autres sont un peu bruns. Il n'est pas nécessaire que ce soit strict. Tout est sujet à interprétation , comme vous le souhaitez. C'est quelque chose que vous pouvez explorer. Si vous trouvez que c'est un peu trop bleu, vous pouvez ajouter un peu plus de Sienne brûlée Et si, par contre, vous pensez qu'il y a un peu trop de Sienne brûlée, vous pouvez ajouter un peu plus de bleu pour équilibrer le tout C'est à vous de choisir. Vous voyez, j'essaie de garder le bord propre là où la montagne en face atteint le bord inférieur, en essayant de ne pas la chevaucher, en faisant en sorte qu' elle soit légèrement plus foncée au sommet, mais c'est assez imperceptible en ce moment Tout cela est d'un ton tellement léger. Nous n'avons pas à être trop inquiets ou aussi prudents. Il s'agit de se détendre et de se familiariser avec l'aquarelle sans trop de pression Vous pouvez commencer à travailler de bas en haut, en mouillant le papier puis en y ajoutant un peu de bleu, tout cela est vraiment très aléatoire, parce que la nature est aléatoire, nous n'avons donc pas besoin d'être aussi stricts Nous pouvons laisser le pigment et l'eau s'écouler là où ils le souhaitent pour créer cette sensation organique. C'est du bleu cerrillan pur pour le moment. Vous n'avez pas non plus à vous soucier du mélange des couleurs. 6. Blues et bruns: J'ai tendance à choisir une couleur principale dans ma poêle, que ce soit le bleu cerlan ou la sienne brûlée Et puis j'ajoute une touche de n'importe quelle autre couleur pour que ça reste un peu plus intéressant. Je peins donc rarement directement à partir du tube, mais c'est possible. Il n'y a rien de mal à cela. Si vous vous sentez plus à l'aise pour explorer les autres facettes de l'aquarelle , les autres techniques, vous pouvez rester simple et travailler directement à partir du tube J'achète toutes sortes de peintures différentes, mais je les garde toujours dans cette palette. Ainsi, lorsque vous y voyez ma sienne brûlée, elle peut être composée de trois marques différentes de sienne brûlée, Daniel Smith, Windsor Newton, de même, avec l'Alizarin cramoisi ou la sienne brûlée, le bleu Cerlan ou l'ultramarine , peu Je mélange toujours les couleurs de ma palette. Ils sont donc tous assez uniques, mais ils sont à peu la même couleur, car toutes ces entreprises ont leurs propres versions de Sienne brûlée, de bleu cérilien ou de bleu outremer Je trouve donc souvent qu'aucune d'entre elles n'est parfaite. Donc, le fait de les mélanger ensemble a les bonnes qualités de chacun d'entre eux. Peut-être qu'avec le bleu cobot, par exemple, j'aime le ton de Daniel Smith, le bleu cobot, mais je préfère en fait la texture du bleu cobot quand il s'agit de Windsor et Newton, alors j'en mets moitié-moitié dans ma 7. Sous-couche jaune vif: avons donc fini avec les montagnes lointaines et les reflets sur l'eau qui s'y trouvent. Et nous optons maintenant pour un jaune vif pour faire ressortir les choses. Je commence par ce jaune au premier plan parce que ce sera en fait la sous-couche Et comme le jaune est un ton assez clair par rapport aux tons foncés, nous l'appliquerons plus tard La loi générale de l'aquarelle est de peindre du clair au foncé Nous appliquons donc d'abord les couches claires C'est donc une sage décision de peindre en jaune avant de passer à l'obscurité. Et les détails de cette peinture sont assez aléatoires et organiques. Je ne pense pas aux détails à ce stade. Je ne penserai à eux qu'à la fin, vraiment. J'ai suggéré des détails avec le crayon. Dessin. Mais vous pouvez voir le jaune ici, je ne suis pas un schéma ou un flux de travail strict. Je veux juste avoir une idée générale du dessous. Je ne suis pas si précis. Et tu ne devrais pas être aussi précis. Il suffit de se faire une idée générale, superposer quelques arbres. Vous pouvez regarder ma dernière image pour voir où j'ai réellement préservé ce jaune car nous allons en passer en revue une grande partie . C'est juste une sous-couche Ainsi, vous pouvez voir quelles zones vous devez réellement peindre en jaune. Il est toujours utile que le tableau final soit ouvert un nouvel onglet de la fenêtre où vous le regardez, que vous le regardiez sur un ordinateur ou sur votre téléphone portable. Parce que la plupart du temps, à l'aquarelle, nous peignons les choses en pensant au but Les choses que je fais actuellement n'ont donc peut-être pas beaucoup de sens parce que c'est assez abstrait. Mais si vous voyez l'image finale, elle vous donne le contexte de ce que je fais actuellement. En fait, j'inclus toujours une photo de ma peinture finale dans la description du cours. Donc, si vous faites défiler l'écran vers le bas, vous pouvez en voir une photo. Vous n'avez donc pas nécessairement besoin de l' ouvrir dans une nouvelle fenêtre ou de l' avoir sur votre mobile. Vous pouvez simplement regarder en bas et comparer comparer 8. Couleurs analogues ours: Nous pouvons maintenant commencer à ajouter du vert. Je vais juste utiliser le vert viridien. Et mélangez-le à ce jaune pendant qu'il est encore un peu humide mais légèrement sec. Ajoutez même un peu de jaune de cadmium directement sur l' écran de ma palette. Et certains morceaux sont secs, d' autres sont très humides, ce qui crée un joli caractère aléatoire organique Ce n'est pas du tout un contrôle. Nous en sommes au stade où nous créons un peu de chaos. Nous laissons transparaître l'expression, le relâchement de l' aquarelle Ensuite, nous nous en servirons comme base pour faire en sorte que quelque chose se produise plus tard. C'est donc dans cette partie que nous essayons d'être expressifs, en ajoutant un peu de rouge camium au jaune Nous avons donc ajouté un peu de vert, qui se trouve de l'autre côté de la roue chromatique, et maintenant nous ajoutons du rouge, qui se trouve de l'autre côté du jaune sur la roue. Donc, une belle petite gamme de couleurs s'harmonise avec les couleurs. J'ai laissé quelques espaces blancs entre le jaune pour les pierres. Petits points saillants que nous voudrons peindre plus tard. Mais si vous les avez manqués, c'est très bien, car nous pouvons simplement utiliser guash blanc à la fin, juste pour les faire ressortir. Ah, euh 9. Ombres des montagnes lointaines: Maintenant que le jaune est sec, nous pouvons retourner dans la montagne pour une deuxième couche, car la première n'était qu'une sous-couche Et maintenant, nous voulons apporter un peu de contraste. La première fois, nous avons opté pour de jolis lavages doux avec de nombreux dégradés et des formes douces ambiguës Nous allons maintenant revenir en arrière pour créer quelques arêtes rigides supplémentaires pour trouver les montagnes, en commençant de gauche à droite. maintenant un peu plus prudents en ce qui concerne ce que nous voulons laisser les petits bouts de blanc que nous préservons en arrière-plan. Donc, en utilisant le bout du pinceau, créez ces ombres nettes. Mais en utilisant le même type de couleurs que bleu pour la première couleur et la Sienne brûlée, la deuxième couleur Et ces couleurs peuvent être vos couleurs de base. Il suffit de penser à Burnt Sienna et à Cerleanblue. Ensuite, vous pouvez utiliser de petites influences subtiles d' autres couleurs pour expérimenter et rendre les couleurs de base plus intéressantes. Alors, ajoutez peut-être un peu de rouge à la sienne brûlée, juste une touche ou ajoutez un peu de vert ou de violet au bleu, une petite touche, juste pour la rendre un peu plus intéressante, pour ne pas la rendre méconnaissable sienne brûlée ou du Maintenant, je mets un peu de vert Villian ici et je le mélange au bleu cérame bleu cerlean reste donc la couleur principale, mais nous l'avons influencée par une autre couleur pour rendre un peu plus excitante et dynamique Je pense à de nombreux angles. Mais sur cette petite section que je peins, je m'assure que le fond est souple, car nous allons peindre des arbres en dessous, et je veux qu'il y ait un fond clair en bas pour qu'il y ait un peu plus de contraste entre les arbres et la montagne. En haut, il est important d' être assez sombre parce que nous voulons obtenir ce contraste. Comme s'il y avait une sorte de bordure enneigée parsemée de neige et de glace Et puis une petite sensation de brume alors que nous passons au pied de la colline Maintenant, j'ajoute un peu de violet à ce bleu cérame. Donc tu vois, c'est très subtil. Sur la gauche, il y a un tout petit peu de vert, et ici, sur la droite, il devient bleu. Nous avons donc beaucoup de couleurs, et dans l'ensemble de la composition, nous avons tout le spectre de la roue chromatique, mais la façon dont nous les interprétons et les organisons est logique . C'est un bon moyen d' explorer la roue chromatique car je ne me contente pas d'ajouter des couleurs aléatoires, même si nous utilisons toutes les couleurs. Je place uniquement les couleurs les unes à côté des autres sur le cercle chromatique. Donc, avec le bleu, nous avons le vert et le violet avec lesquels nous pouvons jouer. Et puis nous avons aussi le contraire de la roue chromatique, avec laquelle nous pouvons jouer. Le côté gauche du tableau est donc ombragé. Et la lumière vient de la droite. Donc, sur toutes ces montagnes, je veux qu'il fasse clair sur la droite et plus ombragé sur la gauche. 10. Superposer les montagnes: Encore une fois, en restant dans ce bleu serléen, en ajoutant un peu de vert quelque part et de violet ailleurs. ne reviens pas toujours au bleu dans ma palette , pour que cela reste intéressant et que quelques touches de blanc apparaissent au hasard dans ce délavage. En haut, n'oubliez pas de rester net et en bas pour qu' il soit un peu plus doux. Vous pensez à l'atmosphère de la scène, il va faire beau et brumeux en bas, ce qui signifie un coup de pinceau doux, des bords souples Et en haut, là où il n'y aura pas trop de brouillard, il y aura de beaux bords nets et durs Maintenant, je vais juste terminer cette section ici, en ajoutant un peu de pigment plus foncé, pigment plus épais pour qu'il sèche, lui donne une gamme de tons un peu plus étendue, lui donne un peu plus de sensation. Mais maintenant, je veux le sécher complètement avant peindre le support suivant, car je veux qu' il y ait un bord dur. Et s'il est mouillé, cela ne fera que s'adoucir et le spectateur sera un peu confus, qu'il s'agisse de la même montagne ou d'une montagne différente , car il faut qu'il y ait une différence et qu'il y ait un bord dur Alors ici, assurez-vous d'avoir séché la couche inférieure avant d' appliquer le trait. Et encore une fois, en bas, nous voulons qu'elle s'adoucisse là où se trouveront ces arbres plus tard. Nous voulons que ce soit un arrière-plan clair. Je ne fais donc pas trop attention à cela, en appliquant un coup de pinceau propre en bas, puis les pigments s'y fondront progressivement de manière organique. Peignez jusqu'au bout, puis un bord dur vers le bas. Il y aura de nombreux arbres au premier plan dans cette section ou au milieu du plan Nous n'avons donc pas à nous inquiéter trop de ce qui se passe en dessous Juste entre les arbres, là où nous les verrons, en ajoutant un peu plus de pigment. Comme cette monture est la plus proche, je pense qu'il va falloir augmenter le contraste. Donc, sur la gauche, je vais juste ajouter un peu plus de pigment pour le rendre plus foncé, car les objets situés au loin présentent moins de contraste à cause de toute l'atmosphère et des particules présentes dans l'air. Donc, plus quelque chose est proche, plus il y aura de contraste. Et comme c'est encore humide , je n'ai qu'à y déposer le pigment et l'eau l' étalera pour nous. Un, 11. Ombres de roches: OK. J'aime vraiment encourager les étudiants à explorer différentes interprétations de ces cours. Vous pouvez le suivre aussi exactement que vous le souhaitez, car c'est aussi un bon exercice pour apprendre des techniques spécifiques, c'est apprendre exactement comment je peins. Surtout si vous êtes débutant, c'est une excellente stratégie. Même si le projet semble trop complexe ou trop complexe, vous n'avez rien à perdre. Essayez simplement de le peindre exactement tel qu'il est et de me suivre pas à pas. Cela vous met dans le bon état d'esprit et c'est un bon tremplin. Mais au fur et à mesure que vous progressez, si vous avez envie d'avoir une vision plus personnelle, si vous voulez travailler sur votre propre style, si ce qui vous anime et vous motive à créer de l'art est une vision personnelle C'est quelque chose que vous voulez faire en dehors de mes projets ou d'autres cours sur Skillshare Vous pouvez utiliser ces cours comme vous le souhaitez, et vous pouvez les utiliser comme point de départ pour explorer n' et vous pouvez les utiliser comme point de départ importe quel élément de la peinture que vous souhaitez pratiquer. Donc, si vous voulez vous concentrer sur la couleur, vous pouvez suivre ce cours et ne penser qu'à l'aspect des couleurs, couleurs que vous souhaitez utiliser, peut-être modifier le schéma de couleurs. Vous souhaitez expérimenter avec des couleurs chaudes et froides ou peut-être des couleurs complémentaires. Peut-être que vous voulez simplement vous en tenir à deux couleurs ou à une palette limitée. Ou peut-être que vous n'êtes pas du tout concerné par la couleur et que vous voulez vous concentrer sur les tons, car les tons, la lumière et les ombres sont encore plus importants lorsqu'il s'agit de peindre. Oubliez peut-être complètement la couleur et vous voudriez peindre la scène en noir et blanc, juste pour savoir comment penser en termes de ton sans vous laisser distraire par la couleur. Vous pouvez facilement le faire et vous pouvez le faire dans n'importe lequel de mes cours. Vous devriez peut-être penser à la texture. Et c'est votre concentration. Et vous pouvez utiliser ce projet pour réfléchir à la manière dont vous allez placer les lignes dures et à placer les lignes dures et où vous allez placer des lignes douces, des transitions douces ou des marques de pinceau sèches ou mouiller sur humide sur sec. Vous pouvez décomposer tous ces différents éléments et, au lieu de vous laisser submerger, vous pouvez vous autoriser à accepter la tournure que cela pourrait prendre. Vous n'avez pas besoin de ressentir la pression de penser à toutes ces choses différentes en même temps, car l'aquarelle , en particulier, contient tellement d'éléments auxquels vous devez penser en même temps Ce cours et les miens sont en quelque sorte un domaine d'entraînement que vous pouvez vous autoriser à explorer sans être trop dur envers vous-même. Nous n'essayons pas de créer des chefs-d'œuvre de ces classes. Nous essayons de grandir en tant qu'artistes. Donc, quels que soient vos résultats, vous ne voulez pas vous punir ou vous mépriser. C'est exactement ce que vous devriez encourager. Vous devriez vous féliciter. J'ai récemment fait part commentaires à une étudiante qui s'est montrée très critique envers elle-même et envers le résultat de sa peinture. Pourtant, à mes yeux, ce fut un succès absolu. On ne pouvait rien demander de plus parce qu'elle a beaucoup appris grâce à cela. Et c'est grâce à ces erreurs, quittant votre zone de confort et en vous surpassant , que vous devenez un meilleur artiste. Euh, 13. Le feuillage sur la gauche: Est. La section sur le feuillage que je peins maintenant sur la gauche est juste une belle exploration de la couleur. En fait, je place les couleurs de manière très aléatoire . Bien sûr, avec les arbres que nous avons peints ci-dessus, utilisé un peu plus de contrôle sur la forme pour les rendre assez évidents en tant qu'arbres. Mais même dans les branches de ces arbres, c'est assez aléatoire, suivant un schéma. Mais alors que nous abordons ce feuillage, je ne fais que mélanger et mélanger des couleurs aléatoires Les faire passer ensemble, en fait. Je ne mélange pas nécessairement des tonnes de couleurs en une seule couleur, mais je transfère des tonnes de couleurs les unes dans les autres Et les petits trous de jaune que je laisse sont assez ambigus, assez aléatoires. Ils ajoutent des textures nettes et feuillues, peut-être des pierres, juste pour créer de l'intrigue, une gamme de bords de tons, de couleurs C'est l'une de ces zones qui n' est pas le point central, mais elle doit être peinte Nous l'utilisons donc simplement pour être un peu plus abstraite. Parce que, bien sûr, certaines zones seront plus détaillées devront être un peu plus précises. Mais dans ces domaines qui ne sont pas au centre de l'attention ou qui ne nécessitent pas beaucoup de détails, nous avons en fait une belle opportunité exploiter la nature de l'aquarelle Ces parties calmes du tableau qui n'ont pas besoin d'être expliquées en détail. Ils ne sont pas là où le spectateur regarde ou regarde ses yeux ne pourra pas se reposer Grâce à cela, ils nous donnent la liberté d' être un peu plus ludiques, intuitifs et plus expressifs. Plutôt que de remplir chaque petit espace d'informations, nous pouvons laisser l'aquarelle faire ce qu'elle fait le mieux pour nous imprégner, fondre et nous surprendre Lâcher le contrôle dans ces zones invite le médium à créer des textures et des transitions que nous ne pouvions ni planifier ni même reproduire Vous pouvez peindre un objet similaire sans avoir à le reproduire En fait, il est impossible de le reproduire. Je ne voudrais pas le reproduire moi-même, car je laisse l'aquarelle être spontanée La granulation, les petites fleurs, les petits dégradés doux, les petites rivières de pigments Cela se produit lorsque nous laissons la peinture bouger d'elle-même, en réagissant également à l' eau, au papier et au chronométrage. Ensuite, nous pouvons utiliser le bout de notre pinceau juste pour créer quelques petites feuilles épineuses au bord de cette section 14. Arbres distants es: Ensuite, nous allons le relier au sommet aux arbres éloignés. Tout est donc lié d' une manière ou d'une autre. Rien n'est vraiment isolé. J'utilise le vert Vidian, mais j'ajoute ensuite du turquoise ou du bleu sérien à ce vert pour l'harmoniser un peu plus avec la composition Et même lorsque je peins ces arbres, je fais en sorte que la silhouette, la forme générale de l' arbre soient claires à l'œil nu. Je veux que le spectateur comprenne qu'il s'agit d'un arbre. Mais à l'intérieur, j' utilise l'abstraction. Parce que même les zones les plus lâches peuvent aider à soutenir le point focal en le faisant ressortir plus clairement Si tout est peint de manière aussi nette ou détaillée, le tableau peut sembler encombré visuellement. Mais lorsque nous utilisons l'abstraction, nous pouvons créer une marge de manœuvre. Quand on pense à la musique, il faut faire de petites pauses entre les notes pour apprécier la mélodie Ces petites textures abstraites expressives sont donc des pauses, des petits bouts d'air et d'espace. Ils ne retirent pas l' attention, mais ils aident à transmettre leurs émotions d'une manière un peu insaisissable Ils laissent libre cours à l'imagination du spectateur ou permettent à la peinture de paraître un peu plus ouverte et vivante. Ainsi, lorsque vous peignez ces arbres d' arrière-plan, s'il y a une petite parcelle d'arrière-plan un coin ombragé ou une étendue de feuillage qui n'ont pas besoin de précision, lâchez N'essayez pas d'en faire quelque chose. Laissez-le devenir ce que l'eau et le pigment veulent qu'il soit. Ce sont les moments où l'aquarelle parle d' elle-même et fait ressortir la magie du médium C'est pourquoi il s'agit d'un support passionnant avec lequel travailler. Rarement à l'huile ou à l'acrylique, on laisse le pigment agir par lui-même. Tout dépend de vous en tant que spectateur. Tout est très contrôlé. C'est pourquoi je pense qu' à l'aquarelle, j'essaie d'encourager beaucoup de ces moments spontanés, car ce sont souvent ces moments qui donnent à la peinture l' impression la plus réelle En ce qui concerne l'aspect technique de la peinture de ces arbres, je commence par un pigment plus épais, juste pour tracer le contour de ces arbres où les pointes sont l'espacement entre eux. Bien sûr, j'ai le croquis au crayon ci-dessous pour m'aider à me guider. Mais c'est presque comme une brosse sèche au départ. Et une fois que j'ai peint le bout des arbres, je peux le recouvrir d'eau. Et agitez-le et laissez-le se déplacer tout seul. Mais je ne veux pas qu'il soit complètement bloqué. Je souhaite conserver une partie de ce livre blanc ci-dessous. Vous pouvez maintenant voir l'importance de ce fond brumeux, comment nous avons transformé cette montagne une montagne blanche au C'est une couleur similaire à celle de la montagne, mais beaucoup plus foncée. Nous avons le bleu Cerlan turquoise foncé et le vert viridien, mais beaucoup plus concentrés. C'est pourquoi le ton est si important, car c'est la même couleur, le ton qui le rend différent. 15. Pourquoi le ton est important: Je vais expliquer pourquoi le ton est important, même dans une peinture colorée comme celle-ci. Parce que cette peinture a un spectre complet de couleurs, et nous ne ferons qu'en ajouter de plus en plus. Vous pouvez regarder de l'autre côté de la roue chromatique, simplement indiquer n'importe quelle couleur et l'ajouter à cette scène. Nous avons des verts éclatants, des jaunes, des violets profonds, des bleus, des oranges et même des rouges Et l'idée est d'explorer la couleur. Et je suis curieux de voir comment vous pouvez donner de la couleur à votre scène. Mais ironiquement, c'est exactement pourquoi il est encore plus important de comprendre ton, la légèreté et le ton, la légèreté et l'obscurité de ces couleurs Ils vont de pair. Lorsque vous voyez cette peinture pour la première fois, elle ressemble à une peinture en couleur, ce qui est le cas, mais elle est tout aussi tonale lorsque nous utilisons autant de couleurs, en particulier celles qui ne sont peut-être pas entièrement naturelles ou réalistes, comme les arbres violets ou les ombres oranges La seule chose qui permet à la peinture de rester ancrée, crédible et lisible pour le spectateur est le ton Vous pourriez peindre une montagne d'un turquoise vif et les arbres qui la bordent pourraient être d'un pourpre profond Et cela pourrait toujours fonctionner tant que le contraste de tons entre eux renforce cette sensation de profondeur, de lumière et de forme Et c'est le pouvoir des relations tonales. C'est ce qui indique au spectateur ce qui est proche, ce qui est loin, ce qui capte la lumière et ce qui se trouve dans l'ombre, quelle que soit la couleur utilisée. O. Et c'est particulièrement important dans des scènes comme celle-ci. La nature nous surprend souvent avec ses couleurs, surtout tôt le matin ou tard le soir. Mais notre travail en tant qu'artistes ne consiste pas simplement à copier ce que nous voyons. Il s'agit de le transmettre ou de le traduire sur papier afin de donner au spectateur suffisamment d'indices pour comprendre ce que nous voyons dans la scène qui est émotionnel ou pour le comprendre structurellement Parfois, ce qui crée l'illusion de distance n'est pas du tout la couleur. C'est une séparation tonale, comme dans ces arbres ici. Nous avons des arbres au milieu et une montagne en arrière-plan. Techniquement, ils sont plus ou moins de la même couleur Mais comme l'arbre est plus foncé et que la montagne est beaucoup plus claire, nous percevons cette profondeur et notre cerveau décode automatiquement le contraste des tons sans avoir besoin de chaque Et d'un autre côté, nous aurons plusieurs couleurs les unes à côté autres qui sont totalement différentes, comme sur la gauche dans ce feuillage, le jaune, le vert, le rouge. Mais s'ils sont tous assis au même niveau de tonalité, ils peuvent paraître étrangement plats. Ils ont l'air combinés et connectés. Donc, si vous n'êtes pas sûr du choix d'une couleur, essayez d'abord de penser en termes de ton. Cette zone est-elle destinée à rester les bras croisés ou à se manifester ? Est-ce dans l'ombre ou dans la lumière ? Et puis, une fois que vous avez cette clarté, vous pouvez utiliser la couleur de votre choix, même des tons inattendus, et la peinture restera cohérente, expressive et même crédible 16. S'amuser avec les couleurs: L'une des leçons les plus libératrices de l'aquarelle, en particulier dans un paysage comme celui-ci, est que la couleur n'est pas simplement quelque chose que l'on copie du monde réel C'est quelque chose que nous ressentons. C'est un outil d'expression, pas seulement de représentation. Dans cette scène, par exemple, je ne demande pas de quelle couleur est exactement cet arbre. Qu'est-ce que ça devrait être ? Je me demande de quelle énergie cette partie du tableau a besoin. C'est peut-être de la chaleur, peut-être une explosion de contraste, ou peut-être le contraire, peut-être une note rafraîchissante et apaisante qui repousse quelque chose au loin. Les couleurs que je choisis sont autant guidées par l'intuition et l'équilibre que par l'observation. En fait, j'essaie souvent de faire des peintures purement imaginatives à partir de croquis de mon carnet de croquis Vous pouvez voir ici que dans ce tableau, j'utilise une palette très vive. Nous avons des turquoises éclatantes moustiquaires de tente, des oranges riches Et bien que certaines de ces couleurs existent dans la nature, elles ne sont pas nécessairement celles que vous verriez si vous vous trouviez devant ce paysage dans la vraie vie. Mais là n'est pas le problème. Le but n'est pas de copier exactement la nature. L'objectif est de capturer la sensation d'être dans cet endroit, la lumière, la fraîcheur, la sensation d'espace, même l'odeur du pin ou le bruit du ruissellement de la rivière que nous allons peindre dans une minute Parfois, exagérer la couleur aide simplement à communiquer des choses comme ça un peu plus clairement Et c'est agréable de jouer avec la façon dont la couleur peut avoir différentes significations. Je suis tout aussi enthousiasmé par les peintures grises que par les peintures fortes et vibrantes comme celle-ci. Parfois, les peintures grises un peu plus d'ambiance, un peu plus de caractère. En fait, je peux être un peu plus rassurant parce que vous le regardez d' un point de vue extérieur Si vous regardez une scène de rue pluvieuse où des gens courent avec des parapluies, mais que vous êtes à l'intérieur dans une pièce chaude, voir cette peinture peut créer une sensation de confort Est-ce ce genre de couleur expressive ou de couleur clown qui donne une personnalité à la peinture Cela permet au spectateur de savoir qu'il ne s'agit pas simplement d'un document sur un lieu. C'est une réponse, un souvenir, un rêve ou même une célébration de celui-ci. meilleur, c'est que lorsque vous abandonnez le besoin d'être correct avec couleur ou avec tout autre aspect de l'aquarelle, vous gagnez en liberté en tant que peintre et vous commencez à faire des choix plus audacieux, vous jouez davantage, vous commencez à remarquer comment les couleurs interagissent les unes avec les autres et comment elles ont un impact sur l'ambiance d'une œuvre C'est ainsi que nous passons de l' imitation à l'expression. 17. Tout connecter: L'une des choses les plus importantes que nous puissions faire lors de la construction d'une composition de paysage ou de toute autre composition, même d'un portrait, cet élément peut être très important. C'est pour nous assurer que tout semble connecté, et c'est particulièrement pertinent lorsque nous peignons ces arbres. Même si elle est très subtile, cette connexion n'a pas toujours besoin d' être physique ou littérale Cela peut être une chose visuelle. Cela peut être sous-entendu. Mais l'idée est que rien ne doit sembler isolé ou flotter maladroitement dans Chaque chose doit avoir l'impression d'appartenir à un tout, de faire partie d' un tout plus vaste. Et les arbres jouent un rôle très important à cet égard. Ils agissent comme des ponts visuels entre les imposantes montagnes en arrière-plan et le premier plan herbeux et coloré, premier plan herbeux et coloré, même leurs reflets dans Et l'arbre qui monte dans le ciel en ce moment, même s'il a un ton différent, une couleur différente, est connecté au ciel. Sans ces arbres au milieu du sol, nous serions un peu déconnectés Les sommets lointains, puis le saut soudain dans les détails des basses terres, vous serez visuellement bouleversant, presque comme si vous écoutiez la scène Mais en plaçant ces arbres au milieu de la composition ou à l'endroit où nous voulons les placer afin relier une chose à une autre, et en faisant attention à leur espacement, à leur taille, leur placement, nous créons une sorte de flux visuel naturel Ils nous aident à guider le regard du spectateur depuis le sommet des montagnes, en passant par le milieu de la scène et jusqu' passant par le milieu de la scène et aux riches textures du premier plan Il y a un rythme, une sorte de fil invisible qui unit tout. Parfois, ce sentiment de connexion est créé avec des formes réelles. D'autres fois, c'est simplement suggéré par la direction de vos coups de pinceau, l'alignement des taches de couleur ou la façon dont certains éléments se font écho en taille et en ton Même une ombre ou un bord souple pointant vers une autre forme. Peut servir de ligne implicite qui aide tout à se sentir unifié. Lorsqu'il s'agit de peindre, le feuillage utilise beaucoup d' ombres et d' ondulations dans l'herbe pour utiliser essentiellement des lignes pour relier le tout Lorsque cela est bien fait, la composition s'écoule presque sans effort C'est l'une de ces choses qui semble simple, et c'est une sensation de confort parce que c'est si simple, mais il faut des efforts pour planifier cette simplification. 18. Espace négatif: Alors que je commence par la zone centrale et avant-plan, je la relie au feuillage que nous avons créé auparavant J'ai ajouté un pigment brun, un brun délavé juste pour m' assurer qu'il y ait une transition et ces lignes que j'ajoute maintenant, ces lignes horizontales facilitent cette connexion. L'œil du spectateur se déplace confortablement dans une pièce sans retrouver dans une impasse ou rester coincé dans une zone. Et même s'ils ne peuvent pas expliquer pourquoi la peinture semble équilibrée ou engageante, ils peuvent le ressentir inconsciemment C'est le pouvoir de la connexion dans la composition. Cela crée une harmonie et donne l'ensemble du tableau une sensation de vie et d'intention. Alors que nous peignons ces arbres, réfléchissons au fait qu'ils ne sont pas simplement décoratifs. Ils sont vraiment fonctionnels. Ils nous aident à établir un pont entre les différentes parties du paysage, entre la distance et le premier plan, les zones froides et chaudes, les zones calmes et les zones plus détaillées Ils font partie de l'histoire et de la structure de tout cela . Vous pouvez voir les rochers que j'ai peints maintenant ou que je n'ai pas peints, laissés de côté en utilisant un espace négatif. Et pendant que je peins cette zone de feuillage entourée de quelques pierres , je pense autant aux espaces autour des objets qu' aux objets eux-mêmes. C'est là que le pouvoir de l'espace négatif entre réellement en jeu. L'espace négatif est tout ce qui entoure le sujet, les interstices, la lumière, la marge de manœuvre. Et à l'aquarelle, c'est souvent ce qui est particulièrement puissant, parce que nous nous appuyons sur le blanc du papier Même si nous avons ajouté cette sous-couche jaune, c'est le blanc qui la rend si brillante Nous l'utilisons pour créer la lumière et l'atmosphère. Ainsi, plutôt que de compléter chaque détail ou de dessiner chaque feuille ou pierre, je laisse intentionnellement certaines zones intactes Et ces lacunes ne sont pas des erreurs ou des zones vides. Ce sont des éléments actifs de la composition. Ils aident à définir le formulaire, tout comme les coups de pinceau que nous utilisons. Remarquez comment je pourrais suggérer le bord d'un rocher, non pas en peignant le rocher entier, mais en peignant les ombres et les herbes qui l' entourent et au-dessus. La forme de l'objet est révélée par le contraste, par ce qui n'est pas peint. Pour le feuillage, j'utilise pinceaux cassés et laisse de nombreux espaces entre les formes. De petites poches qui laissent entrevoir la lumière filtrer à travers les arbres ou les feuilles, qu'il y ait sur le sol ou dans l'espace éloigné derrière les feuilles. Il n'y a que quatre ou cinq rochers. Il s'agit simplement d'une zone que nous avons laissée blanche, ajoutant une petite ombre sur un côté, et vous pouvez voir sur la gauche pour le moment , elles sont clairement définies, et les deux sur la droite n'ont pas encore été peaufinées Elles semblent donc un peu étranges à ce stade. 19. Donner un sens à l'abstrait act: Les ombres environnantes font le travail à ma place. Ils définissent la forme, la profondeur sans avoir besoin de lignes dures. En peignant cette zone, je me rends compte que c'est peut-être l'une des zones les plus difficiles à peindre. Non pas parce que c'est très détaillé ou technique, mais parce que c'est assez abstrait. Toute cette zone intermédiaire est essentiellement une plaine plate en termes de perspective. C'est un peu en montée, mais la surface est fragmentée et ondulée avec toutes ces touffes de buissons, d' herbes, de rochers éparpillés , herbes, de rochers éparpillés , Et pourtant, d'une manière ou d'une autre, cela doit toujours avoir du sens. Il doit être convaincant, car il se situe dans l'espace entre l'eau et les arbres éloignés. Ce qui rend cela difficile, c'est qu'il n'y a pas de référence claire ou unique ou de formule à suivre. Nous ne peignons pas une montagne , un arbre ou un nuage. Nous peignons simplement la texture, la profondeur et la lumière, et nous le faisons d'une manière qui nous oblige à utiliser notre intuition, peut-être même plus que notre simple technique. Donc, la façon dont je l'aborde est de commencer par diviser l'espace en zones subtiles de couleur et d'ombre. Je pense en termes de chaleur et de froid, lumière et d'obscurité, plutôt qu' d'objets spécifiques. Où arrive la lumière ? Où un buisson peut-il projeter de l'ombre ? Quelles sont les zones susceptibles de capter la lumière ? Et quelles sont les zones qui s'enfoncent un peu dans la profondeur. Cela permet de créer du rythme et de la profondeur sans avoir à définir chaque arbuste ou brin d'herbe individuellement. Je fais beaucoup de traits verticaux , comme sur une lame de verre, et vous pouvez voir comment j'ai changé et mélangé mon pinceau, du pinceau fin au pinceau rond. J'utilise mon fin pinceau ce moment pour récupérer ces brins d'herbe. J'essaie donc de varier mes pinceaux, en alternant entre des lavages doux et humides et des marques plus texturées plus sèches pour suggérer différents types de plantes et marques plus texturées plus sèches pour de terrains. Même un simple changement de direction ou de qualité de l'arête peut faire une grande différence dans la sensation du sol. L'une des choses les plus importantes est de ne pas trop expliquer. Nous voulons que le spectateur interprète cet espace. Nous pouvons suggérer des rochers sans les peindre dans les moindres détails. Nous pouvons montrer des tas de buissons sur une section un peu pointue et c'est juste suffisant pour exprimer ce que c'est 20. Plus de feuillage age: Nous continuons donc avec cette section sur le feuillage, et il est facile de se demander si cela fonctionne. Cela ne fonctionne-t-il pas ? Cela ressemble-t-il à un gâchis ? Mais en fait, cette section du tableau ne veut pas être soignée, nous n'avons donc pas à nous en préoccuper trop. Pendant que nous peignons et que nous nous concentrons sur cette section, cela peut sembler un peu étrange, mais en fait, nous n'avons pas à trop nous y attarder. Nous pouvons toujours revenir à la fin si ce n'est pas le cas si cela nous fait perdre trop d'attention. Mais tout ce que nous avons à faire, c' est donner l'impression que c'est un peu sauvage et débridé. Lorsque je peins ces touffes de feuillage et ces rochers éparpillés, je vise en fait l'énergie, demandant comment je pourrais tirer le meilleur parti de cette énergie plutôt que de la précision Peut-être un peu de rythme pour quelque chose qui semble vivant, en pleine croissance et altéré presque par une sorte de temps intemporel dans n'y a pas beaucoup de nettoyage à faire, parce que c'est tentant Je ressens le besoin de nettoyer les objets, tracer le contour de chaque feuille, rendre chaque pinceau parfait ou de rendre les rochers trop symétriques. Mais lorsque nous faisons cela, nous commençons en fait à perdre le caractère du monde naturel. La nature n'est pas vraiment ordonnée comme nous essayons souvent de la créer. Il est superposé, spontané et plein de belles irrégularités. Et c'est en quelque sorte ce que nous essayons de refléter ici, donc nous n'avons pas besoin d'être parfaits. Nous suggérons des choses, du mouvement, la variation et un peu de chaos. Essayez de ne pas vous concentrer sur des formes individuelles. Je pense aux groupements, à la direction et au contraste. Je vais mélanger les verts directement sur le papier, peut-être ajouter des tons chauds ou froids dans le même patch pour créer de la profondeur et de la surprise. Un peu de pinceau sec, peut-être, ou un trait grossier peuvent donner une illusion de texture meilleure que n'importe quel rendu soigné. Mais quand je dis que je m'en fous. Je n'essaie pas de l'être, il ne s'agit pas d'être vague quant à ce qu'est ce domaine. Il s'agit d'être expressif, laisser place à l'œil pour s'émerveiller et à l'imagination pour participer. Et parfois, cela signifie laisser les choses un peu rugueuses sur les bords. 21. Commencer l'eau: Maintenant, je commence à peindre l'eau en utilisant du bleu cérlean, du bleu turquoise, et en intégrant une partie de la couleur que nous avons utilisée ci-dessus Vous remarquerez que je ne suis pas en train de peindre l'eau elle-même. En fait, je peins les reflets. C'est ce qui crée l'illusion de l'eau dans cette scène. Il est intéressant de noter que ces reflets ne sont même pas des représentations précises ou honnêtes de ce qui est ci-dessus Je ne copie pas exactement chaque petit buisson, chaque couleur ou chaque forme. Je ne fais que faire écho à la forme générale, au rythme, aux lignes verticales, aux doux changements de couleur, la suggestion de ce qui se reflète Et il est étonnant de constater le peu d'informations dont l'œil a réellement besoin pour interpréter quelque chose comme de l'eau. Il suffit de quelques coups de pinceau vers le bas adoucir les bords et les formes brisées Et tout à coup, la scène semble ancrée et immobile. C'est la magie de la suggestion. j'essaie de le rendre très intéressant, Mais j'essaie de le rendre très intéressant, en n'utilisant pas une couleur uniforme, en ajoutant du brun là où le sol se connecte à l'eau, puis en le fusionnant dans cette couleur verte, bleu-turquoise L'aquarelle est parfaite pour ce genre d' illusion car elle nous permet brouiller les bords naturellement et de laisser les choses se dissoudre les unes dans les autres, comme le font les vrais reflets Je ne fais même pas correspondre les couleurs. Vous pouvez voir la montagne que nous peignons ici. Son reflet n'est pas de la même couleur. Et nous pouvons être assez abstraits parce que les distorsions de l'eau vont faire abstraction de la forme Gardez une petite arête jaune à cet endroit car plus l' objet est proche de l'eau, moins il sera déformé. Ajoutez donc quelques lignes horizontales en bas. Et puis en gardant le bord un peu plus raffiné du jaune vers le haut. Mais vous n'avez pas besoin de trop réfléchir à cette partie. L'objectif n'est pas le réalisme. Il s'agit de capturer la sensation d'une eau calme, capter la couleur et la lumière. Laissez votre pinceau bouger doucement et laissez les formes paraître un peu abstraites. Ce relâchement rend en fait le reflet plus crédible Ajouter un peu plus de jaune de cadmium, en le mélangeant un peu. Ajoutez un peu de bleu foncé et peut-être un peu de pigment noir très épais mouillé sur une surface trop humide, mais pas très humide, juste assez pour laisser le bord s' écouler là où l'eau rencontre l'herbe, la crête, la laissant tomber dedans Rendre le sol un peu plus foncé que l'eau. Ensuite, nous pouvons ajouter un peu d'ondulations. 22. Peindre les reflets: Maintenant, je mélange un joli bleu vif et un peu de ridian juste pour le rendre légèrement vert afin qu' il ne soit pas d'un bleu pur Peindre très soigneusement les formes de cette herbe, cette herbe haute, en fait, de l'herbe haute jaune, peignant négativement les brins d'herbe. Et puis il suffit de remplir la zone. L'avantage d' utiliser cette couleur bleue, lorsqu'elle passe par-dessus le jaune, que lorsqu'elle passe par-dessus le jaune, elle devient de toute façon verte, ce qui est déjà en harmonie avec le reste du tableau. Peu importe donc s' il y a un peu de chevauchement. Il est très important d'utiliser un pinceau à pointe fine. Assurez-vous également d'avoir mélangé suffisamment de cette couleur dans votre palette, car vous ne voulez pas commencer à la peindre ensuite mélanger davantage de cette couleur. Et puis, au moment où vous êtes prêt à appliquer à nouveau la peinture, vous avez un bord dur en plein milieu du reflet de votre eau. Nous remplissons donc cette zone avec une couleur bleue de base. Profitez de la forme générale. Et puis, une fois que nous avons atteint le bord, là où il y a une sorte de ligne horizontale, nous pouvons revenir en arrière et ajouter ces coups de pinceau, ces coups de pinceau horizontaux avec une pigmentation plus épaisse pour donner cette sensation d'eau, d'ondulation La lumière ondule dans l'eau. Et nous pouvons recommencer à travailler, en le connectant. Nous pouvons maintenant commencer à regarder les arbres au milieu du plan et essayer de les imiter. En gros, comme un miroir, un miroir horizontal, mais beaucoup plus léger et beaucoup plus insouciant cette fois Nous n'avons pas vraiment besoin de faire correspondre les tons ou les couleurs , un simple blocage. Nous essayons de ne pas trop varier les couleurs comme nous l'avons fait avec les arbres ci-dessus. Nous ne voulons pas que cela soit aussi gênant car ces reflets vont légèrement prendre la couleur de l'eau Nous utilisons donc cette turquoise verte pour suggérer que c'est de l'eau. Mais encore une fois, nous ne peignons pas réellement l'eau. Nous ne faisons que peindre les reflets. Bien sûr, le ciel ne sera pas blanc dans la vraie vie, mais c'est l'illusion de la peinture qui le rend tel. Euh, 23. Mélanger les verts: Alors que je peins les reflets des arbres dans l'eau, vous remarquerez que je ne cherche pas un vert prêt à l'emploi dans la palette, un vert pur. J'utilise un peu de viridian de temps en temps, mais je n'ai pas de vert préfabriqué Et c'est un choix délibéré, car les légumes verts prémélangés, peut-être même le vert sève, souvent l'air un peu trop artificiels ou trop plats. Il est donc agréable de créer de la variété. Vous pouvez voir toute la gamme de légumes verts que j'ai là-bas. Je n'utilise pas de vert pur, surtout lorsque nous essayons de capturer la richesse et la variété de la nature. Ouais plupart du temps, en fait, je mélange mes légumes verts à partir de zéro. En général, cela commence par un bleu et un jaune. Et j'ai le choix entre trois blues différents. J'ai du cobalt cerrillan et du bleu outremer. Ensuite, vous pouvez le mélanger avec jaune cabium ou de l'ocre jaune Il y a un peu d'ocre jaune dans ce reflet en particulier en ce moment Cela me permet de mieux contrôler non seulement la teinte exacte que je souhaite, mais également la température et l'ambiance du vert. Par exemple, si je mélange bleu ultra marin avec le jaune chaud de l'ocre jaune, j'obtiendrai un vert terreux plus doux, parfait pour les arbres à feuilles persistantes ou les ombres de la forêt ou Et puis, si j'utilise quelque chose comme le turquoise ou bleu serlean avec du jaune citron ou du jaune camium, j'obtiens un vert beaucoup plus vif, plus vif, qui convient bien aux herbes ensoleillées ou aux sections de feuillage éclatantes de cette peinture Et ce qui est intéressant dans cette approche, c'est que vous pouvez créer des variations en un seul trait. Si je charge mon pinceau avec un peu plus bleu d'un côté et un peu plus de jaune de l'autre, ils se mélangeront directement sur le papier et créeront des transitions subtiles et créeront des transitions subtiles beaucoup plus organiques, en particulier dans l'eau et dans les reflets que en particulier dans l'eau et dans les nous produisons actuellement , où vous recherchez un peu plus de mouvement et de fluidité Et vous pouvez même sortir des sentiers battus. Vous pouvez choisir de changer les légumes verts en ajoutant une touche de rouge ou même un peu de sienne brûlée Cela neutralise légèrement le mélange et l'empêche de devenir trop néon ou trop Bien sûr, il y a beaucoup de dynamisme dans cette peinture, mais parfois, plupart du temps, si vous voulez adopter une approche plus réaliste, vous ne voulez pas que les choses soient aussi dynamiques Et cela est également utile pour les ombres des arbres ou les feuillages éloignés. Ou là où vous voulez que les greens s'intègrent à nouveau dans le paysage plutôt que de sauter en avant. 24. Touches finales: Je suis donc en train de terminer les réflexions. J'ai ajouté des lignes sombres, mouillées sur mouillées, là où le sol rencontre l'eau, car cela favorise l'illusion la séparation de la surface. Et j'utilise un mélange de lignes horizontales pour les ondulations et de lignes verticales pour les reflets des arbres Je veux que ce soit un peu plus abstrait dans ce coin inférieur droit. Comme je l'ai déjà dit, plus le contraste est fort, plus il est proche. Vous voyez, j'ajoute donc beaucoup plus de contraste avec la luminosité de ce feuillage et le noir foncé de ces coups de pinceau Dans les dernières étapes de la peinture, j' essaie maintenant de tout dessiner ensemble. Je crois que c'est connecté ici. Comme pour le moment, j' ajoute juste un léger lavage qui donne un peu plus de profondeur. Une seule trace de pinceau comme celle-ci a la taille d'un champ. J'y ajoute un peu plus de texture. OK. Et c'est autour de cette partie d' un tableau que vous devez vous demander que dois-je ajouter d'autre pour l'améliorer ? Et j'ajouterai quoi que ce soit d'autre puis je le retirerai. Et c'est à ce moment que vous vous rendez compte des peintures réalisées. Lorsque j'arrive à ce point, je passe à ma gouache blanche pour reflets que nous avons perdus en cours de route, en valeur les reflets sur le flanc de la montagne, peut-être en faisant ressortir certains arbres J'ajoute quelques petits points forts. Organiser une partie du chaos qui règne dans ce feuillage. Quelques lignes simples et fines peuvent tout maintenir ensemble. Donnez un sens à ce chaos. Quelques touches aléatoires ces arbres donnent l'illusion que la lumière les traverse. Il y a quelques lignes verticales sur l'eau. Ajouter quelques ombres supplémentaires. Et lorsque vous aurez l'impression que c'est fait, c'est le bon moment pour arrêter, et peut-être pourrez-vous vous déconnecter pendant une heure ou deux et y revenir avec un œil neuf. 25. Réflexions finales: Bon retour et bravo pour avoir complété votre paysage de montagne dynamique. J'espère que vous avez aimé expérimenter avec des couleurs éclatantes, traits expressifs et des techniques plus souples pour créer une scène pleine d'énergie et de Tout au long de ce cours, nous nous sommes concentrés sur la création d'une ambiance et d'un mouvement par le biais de la couleur, du contraste et de la fluidité, sans nous concentrer sur les détails. C'est la beauté des paysages expressifs à l'aquarelle. Ils invitent à l'audace et récompensent le lâcher-prise. N'oubliez pas que la peinture à l'aquarelle n'est pas seulement une question de compétences techniques, mais aussi d'expression votre créativité et de votre style personnel Je vous encourage à continuer à explorer, à expérimenter et à repousser vos limites pour créer vos propres chefs-d'œuvre d' aquarelle uniques À la fin de ce cours, j'espère que vous vous sentirez plus en confiance et aise avec vos capacités de peinture à l'aquarelle La pratique est essentielle pour améliorer vos compétences, alors continuez à peindre et à expérimenter Je tiens à exprimer ma gratitude à chacun d'entre vous. Votre passion pour la peinture à l'aquarelle est tellement inspirante, et je suis honoré d' être votre professeur Si vous souhaitez avoir des commentaires sur votre peinture, je serais ravi de vous en faire part. Veuillez donc partager votre peinture dans la galerie de projets étudiants ci-dessous, et je ne manquerai pas de vous répondre. Si tu préfères, tu peux le partager sur Instagram en me taguant sur Will Elliston, car j'adorerais le voir Skillshare aime aussi voir mes étudiants travailler, alors taguez-les également sur Skillshare Après y avoir consacré tant d'efforts, pourquoi ne pas partager votre création ? Si vous avez des questions ou des commentaires sur cours d' aujourd'hui ou si vous souhaitez des conseils spécifiques concernant l'aquarelle, veuillez me contacter dans la section discussion Vous pouvez également me faire part de tout sujet sur la faune ou scènes sur lequel vous aimeriez que je donne un cours. Si vous avez trouvé ce cours utile, j'apprécierais vraiment de recevoir vos commentaires à ce sujet. La lecture de vos critiques me remplit le cœur de joie et m'aide à créer la meilleure expérience pour mes étudiants. Enfin, veuillez cliquer sur le bouton « Suivre » en haut pour pouvoir me suivre sur Skillshare Cela signifie que vous serez les premiers informés lorsque je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux Merci d'avoir peint avec moi aujourd'hui. J'espère que ce cours vous a incité à expérimenter davantage avec des paysages expressifs et vibrants. Jusqu'à la prochaine fois, bonne peinture. Au revoir.