L'aquarelle pour débutants : Comment ajouter de la profondeur et de la forme grâce à la superposition de couches

1. Introduction: [MUSIQUE] Les couches ne sont pas seulement destinées à survivre à l'hiver, elles rendent également vos aquarelles superbes. Bonjour, je suis Shelley. Je suis artiste et illustrateur vivant à Édimbourg, en Écosse, et je travaille principalement avec des aquarelles. J'aime créer d'autres choses mondaines avec une touche de fantaisie. L'une des choses avec lesquelles j'ai particulièrement lutté au début était comprendre comment donner de la profondeur et de la forme à mes pièces, comment rendre les choses en 3D. Dans ce cours, je vais vous montrer comment utiliser la technique de superposition à l'aquarelle pour transformer des pièces florales plates en œuvres d'art qui sortent de la page. Vous allez apprendre comment superposer des aquarelles, ce que cela signifie pour commencer et comment le faire. Ce qui fait que les choses ont l' air forme tridimensionnelle et comment l'appliquer dans un tableau. Sélection et décomposition d'une image de référence, comment choisir une image qui sera satisfaisante pour vous peindre et comment la simplifier , créer un tableau, faire étape par étape pour créer vos fabuleuses fleurs, et nous allons envisager travailler de manière satisfaisante, faire des choix en fonction de ce que vous aimez, plutôt que de nous concentrer sur une seule façon de faire quelque chose. Vous êtes le patron ici. À la fin de ce cours, vous aurez créé trois fleurs aquarelles uniques qui éclatent. Ce cours s'adresse à tous. Si vous débutez dans les aquarelles, vous pouvez sauter ici. Si vous peignez depuis un moment, mais que vous avez l'impression que vos pièces sont plates, cela vous guidera tout au long d'un processus de création constante de profondeur. Si vous êtes un artiste expérimenté, cela peut vous donner un espace sans pression pour jouer et expérimenter la forme. Êtes-vous prêt ? Procurez-vous vos fournitures artistiques et commençons. [MUSIQUE] 2. PROJET DE COURS: [MUSIQUE] Bonjour encore. Que va-t-on faire dans ce cours ? Nous allons créer trois fleurs aquarelles uniques qui pulpent en utilisant la technique de superposition. Nous plongerons dans cette technique puissante et nous pratiquerons la superposition de différentes couleurs afin mieux comprendre avant l'utiliser pour créer nos peintures florales. Les cours sont organisés pour s'appuyer les uns sur les autres, d'une compréhension approfondie des différents effets de superposition jusqu'à la création images florales avec des profondeurs et formes d'une manière qui vous convient. En cours de route, je vais partager ce que j'ai appris sur la façon de peindre à l'aquarelle d'une manière qui vous convient, ainsi que de donner des conseils pratiques sur façon de tirer le meilleur parti de vos matériaux. [BRUIT] Vous aurez besoin des matériaux suivants pour cette classe : certaines peintures aquarelles, y compris le rouge, le jaune et le bleu, le papier adapté à l'aquarelle, donc le papier plus lourd, généralement environ 300 grammes par mètre carré, deux pinceaux ronds, un gros et un petit, deux récipients pour l'eau, une serviette en papier ou un chiffon, un crayon, n'importe quel crayon , et une gomme à effacer. [BRUIT] Vous aurez également besoin d'une palette ou d'une assiette blanche, juste quelque chose sur lequel vous pouvez mélanger vos peintures, quelque chose de circulaire à dessiner ou une boussole et un peu de temps. Vous pourriez également avoir besoin d'un outil de dessin comme un sèche-cheveux ou un pistolet thermique. Les choix que vous faites concernant les fleurs que vous choisissez de peindre, les couleurs que vous utilisez et la méthode d'ombrage avec laquelle vous travaillez donneront des images florales uniques à vous. J'adorerais que vous vous sentiez prêt à les partager. Pour ce faire, vous pouvez ajouter un projet à la galerie de projets. Pour ce faire, prenez une photo de vos créations. Un smartphone convient bien à cela, bien qu'un appareil photo numérique fonctionne également bien. Envoyez ces photos sur votre ordinateur. Vous pouvez les envoyer par e-mail, les partager, les télécharger avec un câble. Créez un projet en cliquant sur le bouton vert «  créer un projet ». Vous pouvez ajouter une image de couverture et un titre. Ensuite, dans la description du projet, si vous cliquez sur « Ajouter plus de contenu » sur le bouton Image, vous pouvez ajouter d'autres images et réflexions que vous souhaitez partager. Ensuite, lorsque vous cliquez sur « Publier », votre travail sera téléchargé dans la galerie du projet. À tout moment, vous pouvez revenir en arrière et ajouter d'autres images à votre projet, mais gardez à l'esprit que vous ne pouvez avoir qu'un seul projet pour chaque classe. Si vous souhaitez partager ce que vous avez créé sur Instagram, n' hésitez pas à me taguer afin que je puisse voir ce que vous y avez fait. Je suis @shelleyskail. [BRUIT] Mon objectif pour ce cours est de vous donner les outils nécessaires pour représenter la scène de profondeur et de forme dans le monde naturel d'une manière avec laquelle vous êtes à l'aise, ainsi que la confiance pour créez vos propres peintures florales à l'aquarelle uniques et magnifiques. J'espère que vous trouverez ce cours amusant et éclairant. Si vous avez des questions, des commentaires ou des réflexions en cours de route, veuillez les publier dans la section discussion de ce cours. Êtes-vous prêt pour votre première leçon ? Venez vous joindre à moi là-bas. [MUSIQUE] 3. Superposer à l'aquarelle: Encore bonjour. Avant d' entrer dans les choses, je veux prendre le temps d'expliquer ce que signifie superposer et vitrer avec des aquarelles, comment vous le faites et pourquoi vous le faites. Vous avez peut-être entendu une aquarelle décrite comme un support transparent ou semi-transparent. Mais qu'est-ce que cela signifie ? Eh bien, cela signifie que lorsque vous mettez de l'aquarelle sur une page, vous pouvez toujours voir le papier et tout ce qui s'y trouve en dessous. Ce n'est pas le cas avec d'autres peintures comme les huiles, les acryliques et la gouache, mais elles recouvrent généralement complètement le papier ou la toile. Vous pouvez utiliser cette transparence pour créer des effets sympas et intéressants et simplement jouer car les couleurs sont généralement quelque peu transparentes et j'en dirai plus dans une minute. Si vous peignez une couleur sur une autre couleur séchée, ces couleurs se mélangent visuellement et vous donnent une troisième couleur. Un peu comme ces tasses semi-transparentes que j'ai empruntées à ma fille. Si je peins en bleu sur du jaune, ce que je verrai est vert. Je n'ai pas mélangé les couleurs, mais elles continuent de se mélanger cause de ce principe de superposition. Cette technique où vous placez une couleur sur une autre couleur séchée, est appelée vitrage ou superposition. Je vais utiliser ces mots de manière interchangeable. Le mot sur la transparence, cependant, toutes les aquarelles ne sont pas aussi transparentes. Chaque couleur que vous possédez aura des niveaux de transparence différents. Je sais que quand j'ai commencé, j'ai eu du mal à m'enrouler la tête autour de ça. Je pensais vraiment qu'ils devraient tous être les mêmes. Cela devrait être standard, je pense que la vie serait probablement beaucoup plus facile si c' était le cas, mais ce n'est pas le cas. Lorsque vous recevez un ensemble de peintures ou si vous les achetez individuellement, les peintures sont généralement accompagnées d'informations sur leur transparence. Sur les tubes, il est dit en mots ou il y a un petit code et sur l' [inaudible], on le dira souvent aussi bien sur l'emballage quelque part. Vous pouvez consulter le site Web du fabricant. En règle générale, s'il s'agit d'une peinture faite à la main, le fabricant dira généralement s'il s'agit d'une couleur plus opaque. Mais si vous n'avez pas cette information ou si vous n'avez aucun moyen de le découvrir. Vous pouvez également le tester vous-même en les jetant. Si vous tracez une ligne avec un stylo ou un crayon, puis faites votre échantillon au-dessus de cette ligne. Si vous ne pouvez pas voir la ligne après le séchage de votre peinture , votre peinture n'est pas transparente. Il est opaque et s' il est un peu caché, il est semi-transparent, semi-opaque. C'est une façon de comprendre ce genre de choses par vous-même et probablement beaucoup plus amusant que de les consulter sur un site Web. Avec cela hors du chemin, craquons et apprenons sur votre couche de peinture. Joignez-vous à moi dans la prochaine leçon. 4. S'entraîner à superposer: [MUSIQUE] Bonjour, dans cette leçon, nous allons apprendre davantage sur vos aquarelles et comment les calquer. Nous allons examiner ce qui arrive à nos couleurs lorsque nous les superposons les unes sur les autres, et comment nous pouvons l'utiliser pour créer des ombres de différentes manières. Je veux vous montrer différents styles d'ombrage pour que vous puissiez expérimenter et que vous ayez des options. Je n'essaie pas de vous apprendre comme j'aime faire les choses, je veux vous donner des choix pour que vous puissiez peindre les choses de la manière la plus amusante. Tout d'abord, allons de l'avant et mettons une goutte d'eau dans notre jaune, rouge et bleu les plus purs pour les activer. Pendant leur activation, prenons un bout de papier et dessinons 12 boîtes [BRUIT] et une grille quatre par trois. Ils n'ont pas besoin d'être parfaits de quelque manière , de forme ou de forme, c'est juste un endroit où poser de la peinture que vous n'ayez pas à passer beaucoup de temps là-dessus. Une fois vos boîtes terminées, je veux que vous divisiez chaque boîte en deux , puis divisez une de ces moitiés en deux. Nous devrions avoir trois sections pour chaque boîte, une grande et deux plus petites. Je fais le mien en diagonale parce que je trouve ça cool , mais tu le fais et quelle que soit la façon qui fonctionne pour toi. Lorsque nous aurons fait cela, nous allons préparer nos couleurs à peindre en mélangeant une version assez aqueuse de chaque couleur. Pour éviter de gaspiller la peinture, je gratte le pinceau contre le côté de ma palette pour extraire autant de peinture poils avant de rincer le pinceau et le pot d' eau que j'ai décidé que mon eau sale. pot. [BRUIT] Puis je plonge mon pinceau dans le pot d'eau propre pour obtenir l'eau douce sur le pinceau pour la couleur suivante. De cette façon, nos couleurs ne sont pas mélangées ou boueuses. Nous mélangeons une bonne quantité de chaque couleur parce que nous aurons besoin beaucoup et la vie sera plus facile si nous ne manquons pas avant d'avoir fini. [RIRES] Maintenant, une fois nos couleurs prêtes, nous allons d'abord peindre les boîtes et avec de l'eau claire. Quoi ? Oui. Nous allons d'abord les peindre avec de l'eau, c'est pour pouvoir utiliser une technique appelée dispersion. J'ai tout un cours à ce sujet si vous voulez faire un plongeon profond sur cette technique, mais pour nos besoins ici, nous allons simplement remplir ces boîtes et les peindre avec de l'eau. Nous ne voulons pas qu'elle ressemble à une flaque d'eau ou qu'elle soit lisse avec de l'eau qui coule à l'intérieur, nous devrions quand même pouvoir voir un peu la texture du papier. Si vous inclinez la page, vous devriez pouvoir la faire capter la lumière d'une manière qui vous permet de voir l'eau plus facilement, et s'il y en a trop, vous pouvez sécher votre pinceau sur une serviette en papier ou un chiffon et utilisez votre pinceau comme une éponge pour absorber l'excès. [BRUIT] Avoir les carrés déjà mouillés, dilue un peu la peinture et ce que je pense est une façon super amusante. Une fois que votre première rangée de quatre boîtes est peinte à l'eau, peignez ces quatre boîtes en jaune à l'aide ce mélange aqueux que vous avez déjà préparé. Lorsque c'est fait, répétez ce processus pour la ligne suivante. Mouillez donc d'abord toutes les boîtes, mais pas trop mouillées, puis ajoutez le mélange aqueux de peinture rouge à chaque boîte. Ne vous inquiétez pas de rester dans les lignes, ce n'est pas grave. Je répète ensuite ce processus pour la dernière rangée. Alors mouillez d'abord toutes les boîtes, mais pas trop mouillées [RIRES], puis ajoutez le mélange aqueux de peinture bleue. Une fois qu'ils ont tous été peints, nous devons attendre qu'ils soient complètement secs Cela peut prendre un certain temps. Vous pouvez donc utiliser un outil pour accélérer le processus de séchage, comme un sèche-cheveux ou une chaleur. une arme si vous en avez une. Mais si ce n'est pas le cas, ne vous inquiétez pas, vous aurez juste besoin d'être patient. Va te faire un Kappa ou fais quelque chose de bien en attendant. Une fois que vos carrés sont secs, nous sommes prêts à passer à l'étape suivante. Nous allons peindre la moitié que nous avons subdivisée avec le même mélange de couleurs aqueuses. Cela signifie que la moitié de chaque carré aura été peinte deux fois et que l'autre moitié aura été peinte une fois. C'est de la superposition. Nous mettons une deuxième couche de la même couleur. Au-dessus de mes jaunes, je vais remplir tous ces triangles jaunes, pour mes rouges, mon rouge et pour mes bleus, bleus. Allez-y et faites remplir toutes ces moitiés et encore une fois, ne vous inquiétez pas de rester dans les files d'attente. Encore une fois, nous allons les laisser sécher, ils doivent être complètement secs avant de passer à l'étape suivante. Nous sommes maintenant prêts à passer à la troisième couche. Nous allons aborder ces questions par colonnes cette fois-ci ; 1, 2, 3 et 4. Nous allons travailler avec l' un des quartiers qui possède déjà deux couches de peinture. Pour la première colonne, nous allons peindre ce petit quart avec la même couleur que celle utilisée pour tous les autres calques. Il s'agit d'une troisième couche de la même couleur pour chacun d'entre eux. La deuxième colonne, pour le petit quart, nous allons utiliser les couleurs directement de la casserole, de la même couleur que celle que nous avons déjà utilisée dans notre carré, ce qui nous donnera une version plus forte de la même couleur, alors allez-y et faites cela pour ces deux colonnes. Pour la troisième colonne, nous allons faire quelque chose de complètement différent. Nous allons utiliser des couleurs opposées. [BRUIT] Par couleurs opposées, je veux dire opposé sur la roue chromatique. Si vous n'en avez jamais vu auparavant, il s'agit d'une roue chromatique. [BRUIT] Il montre toutes les couleurs du spectre et comment elles sont liées les unes aux autres. Une couleur opposée est littéralement la couleur opposée à celle de la roue chromatique si vous tracez une ligne à travers le diamètre du cercle. Pour le jaune, le violet, bleu, l'orange et le rouge, c'est vert. Nous allons utiliser les couleurs que vous avez déjà sur votre palette pour mélanger ces couleurs. Pour obtenir votre violet, prenez un peu de votre rouge et mélangez-le avec un peu de votre bleu. Pour obtenir votre orange, prenez un peu de jaune et un peu de notre rouge pour composer notre mélange orange, et pour obtenir votre vert, mélangez votre jaune et votre bleu. Sur notre troisième colonne, peignez le mélange violet sur l'un des quartiers jaunes, puis le vert au-dessus du quartier rouge et enfin l'orange au-dessus du quartier bleu. Avec cela, nous pouvons voir comment les superpositions peuvent changer l'apparence des couleurs ; le violet, le vert et l'orange, qui sont si clairs sur ma palette, ne ressemblent plus à cela une fois qu'ils peints sur leur couleurs opposées. Très bien. [BRUIT] Nous sommes maintenant sur notre dernière colonne. Pour cela, nous allons créer une couleur discrète, et ce que je veux dire par là comme une couleur qui n'est pas si brillante et pure. Nous allons le faire en mélangeant les couleurs opposées pour que le violet que nous avons fait, nous allons mélanger cela avec du jaune. Je vais continuer à mélanger ça jusqu'à ce que nous ayons un jaune très grisâtre . Une fois que nous aurons obtenu cela, nous allons peindre cette couleur sur le quart de notre dernière colonne sur le carré jaune. Pour le carré rouge, nous allons mélanger le vert que nous avons créé avec le rouge que nous avons utilisé pour créer un rouge gris en sourdine, puis peindre avec ça. Pour le carré bleu, nous allons mélanger l'orange que nous avons faite avec un peu de bleu que nous devons faire un bleu gris en sourdine , puis le peindre dans notre dernière section. C'est fini avec les carrés. Une fois qu'ils sont secs, si nous examinons ce que nous avons fait dans notre première colonne, où nous utilisons la même couleur et le même mélange de cette couleur, ce que nous avons est une transition très progressive. de notre teinte la plus claire à notre ombre la plus profonde. C'est vraiment génial pour un dégradé subtil, et il peut également être un moyen d'approfondir couleur sans risquer d' obtenir ce look étrange et brillant que vous pouvez obtenir si vous appliquez la couleur à l' épaisseur pour commencer. avec. Dans notre deuxième colonne, où nous utilisons le mélange de couleurs plus épais ou plus profond pour cette teinte finale, vous pouvez voir qu'il y a une transition plus spectaculaire, et vous pouvez l'utiliser dans certains cas où il y a ombres plus nettes ou où vous souhaitez un aspect plus graphique. Il fonctionne également bien si vous peignez avec une seule couleur et un monochrome, et que vous souhaitez montrer des ombres qui s'approfondissent. Dans notre troisième chronique, qu'avons-nous ? [BRUIT] Nous sommes plus dramatiques, je dirais un ombrage audacieux. En ajoutant la couleur complémentaire ou la couleur opposée sur le dessus, il a créé un gris foncé qui contraste fortement avec les couleurs voisines. Vous pouvez donc créer des effets dramatiques assez audacieux avec cette superposition. N'oubliez pas que c'est la colonne où nous avons peint la couleur opposée sur ce dernier trimestre, alors comprenez comment superposition change la façon dont nous voyons les couleurs, et c'est très important. Si vous souhaitez utiliser différentes couleurs les unes sur les autres, vous devez tenir compte du fait que vous verrez toujours une partie de la couleur sous-jacente. Vous pouvez l'utiliser pour créer toutes sortes d' effets différents qui, à mon avis, sont super amusants et qui peuvent être un peu imprévisibles. J'utilise cette technique exacte pour peindre cette feuille. J'ai fait la première couche en jaune, puis j'ai peint sur le dessus avec du bleu, je n'ai jamais utilisé de vert ni mélangé mon propre vert. L'effet de superposition a fait ça pour moi, et je pense que c'est super cool. Dans le dernier ensemble de carrés où nous avons superposé une couleur grisâtre sur le dessus, vous pouvez voir que cela a créé une version plus foncée de la couleur d'origine et je pense que cela donne une ombre plus subtile ou naturelle. C'est l'ombrage avec lequel je vais travailler pour le reste de ce cours, mais vous pouvez vous sentir libre d'expérimenter la méthode d'ombrage la plus intéressante ou d'essayer les quatre eux. Il s'agit de quatre façons différentes d'utiliser la superposition pour créer des effets d' ombrage. Lorsque vous serez prêt, venez vous joindre à moi dans la prochaine leçon où nous allons mettre cela en pratique pour donner un objet, une forme et une profondeur simples . voit là-bas. [MUSIQUE] 5. Ombrage : donner des formes: [MUSIQUE] Hé, bon retour. Prêt à faire quelque chose avec la forme ? Dans cette leçon, nous allons nous entraîner à créer une sphère. Pour décomposer cela, nous allons utiliser seulement trois calques pour créer cet effet : un calque de surbrillance, un calque médian et un calque d'ombres. Avec seulement ces trois calques, vous pouvez donner l' impression que n'importe quoi a une forme, un volume , une dimension, où que vous voulez l'appeler, cela fait apparaître les choses hors de la page, et c'est ce que nous allons faire ici. Si vous regardez ce cliché d' un dessin animé appelé Bluey. C'est tout à fait incroyable, mais c'est à côté du problème. Si vous regardez la crème glacée de papa, vous pouvez voir qu'il y a trois nuances de marron différentes qui sont utilisées pour la rendre 3D. Vous pouvez dire à partir de cela qu'elle est courbée, à quoi ressemble sa texture et d'où vient la lumière, tout à partir de trois nuances seulement. C'est ce que nous allons utiliser. Nous allons commencer par dessiner trois cercles. Je vais tracer autour de ce pot de peinture. Vous pouvez aussi tracer quelque chose, utiliser une boussole, le faire à main levée. Où que vous vous sentez comme aujourd'hui, tant que nous finissons par trois cercles. Ensuite, je veux que vous dessiniez une forme de haricot en haut à gauche de votre premier cercle et une forme de croissant de lune sur le côté opposé du cercle. Mon croissant est un peu maigre, donc je vais m' épaissir un peu. Ne vous inquiétez pas si vos formes sont faucheuses, c'est tout à fait parfait. Alerte spoiler ; ce seront nos zones d' ombre et de mise en évidence. Maintenant, je veux que vous choisissiez trois couleurs, quelles que soient les trois couleurs qui vous appellent aujourd'hui. Ça n'a vraiment pas d'importance. C'est tout ce qui vous apporte de la joie. Choisissez vos couleurs et ajoutez-y une goutte d' eau pour aider les peintures à s'activer. Allez-y ensuite et faites un mélange aqueux de votre première couleur. Nous allons faire beaucoup de choses pour ne pas manquer. Une fois cela fait, nous allons peindre notre premier cercle, celui avec le haricot, avec de l'eau. C'est exactement comme ce que nous avons fait lors de la dernière leçon. Nous voulons qu'ils soient mouillés, mais où vous pouvez toujours voir la texture du papier. Maintenant, je n'ai pas nettoyé correctement mon pinceau , donc l'eau est un peu verdâtre, mais c'est bon parce que maintenant nous allons laisser tomber les couleurs je viens de mélanger dans mon cercle de haricots. Nous allons répéter ce processus sur nos deux autres cercles sans haricots. Pour mon deuxième, je fais un mélange violet et pour mon troisième, un rouge clair. [MUSIQUE] Ce premier calque est notre calque de surbrillance. Une fois cela fait, nous allons sécher nos couches ou les laisser sécher par elles-mêmes. Va te chercher une tasse de thé, regarder des vidéos sur les chats, regarder des projets étudiants. Une fois que c'est sec, nous allons peindre notre deuxième couche. Il s'agit de la couche médiane. Le haricot de notre première couche va être le point culminant. La pâle est une tache sur la forme. Sur notre couche suivante, nous allons éviter ce point, mais peindre sur tout le reste. De cette façon, le haricot sera plus pâle que tout le reste. Lorsque vous avez fait cela pour votre premier cercle, essayez de marquer la forme du haricot sur vos deux autres cercles avec peinture en utilisant la couleur que vous avez commencé sur ce cercle. Pour ces cercles, vous allez devoir rattraper l' endroit où se trouve le haricot parce que vous ne l' avez pas dessiné en premier. C'est peut-être plus amusant. Ou vous pourriez trouver cela un peu stressant ou difficile, mais allez voir ce que vous pensez du processus. Effectuez la deuxième couche, ce sont nos tons moyens. Une fois que tout est sec, nous pouvons passer à notre couche finale, notre calque d'ombre. Je vais opter pour la quatrième option de notre exercice de superposition où je crée ce que l' on appelle parfois un gris tonal. Cela signifie simplement qu'un gris qui ne vient pas d'être une version pâle du noir, il vient du mélange de deux couleurs ou plus ensemble. Voici quelque chose qui m'a fait sauter l'esprit. Le gris n'est qu'une version bleuâtre du brun. Qui le savait. Je vais faire un gris à partir des couleurs que j'ai choisies pour mes cercles et elles sont opposées. Si vous voulez faire la même chose mais que vous n'êtes pas sûr de l'opposé de vos couleurs, jetez un coup d'œil à la roue chromatique. Je l'ai à l'écran. Il suffit de savoir et vous pouvez également le trouver dans la section ressources de cette classe. Vous pouvez également essayer l'une des trois autres approches si vous préférez. Préparez votre couleur d'ombre et peignez cette forme de croissant de lune dans votre premier cercle. Ce sera votre ombre. Pour vos deux prochains cercles, choisissez la couleur de votre ombre, préparez-la, puis peignez une forme de croissant de lune juste en face de vos haricots. Vous voudrez peut-être expérimenter et en faire des lunes plus grosses que votre premier cercle ou vos lunes plus minces, ou une de chacune puisque vous avez deux cercles avec lesquels jouer ici. Lorsque vous avez terminé, laissez-le sécher et prenez un moment pour voir ce que vous avez créé. Est-ce qu'ils ont l'air plus 3D pour vous ? Ont-ils plus de forme, plus de dimension ? Est-ce qu'ils ressemblent davantage à une sphère qu'à un cercle ? Non. Je trouve cela tellement excitant parce que c'est une technique si puissante qui est aussi si simple une fois que vous l' avez enroulé la tête. Cette technique consistant à avoir des morceaux plus clairs, des reflets plus sombres, des ombres est ce que nous allons utiliser pour donner forme et dimension à nos peintures florales. Sur ces sphères, j'ai une ligne très nette entre les tons clairs, les tons moyens et les ombres. C'est un choix stylistique. Il n'a pas l'air particulièrement naturel et c'est très bien. J'aime bien le look de ça. Je pense que c'est amusant. Si je voulais qu'il soit plus naturel, je pourrais utiliser plus de calques avec un changement de couleur plus subtil entre chaque calque ou flouter la ligne du surlignement ainsi que l'ombre pour créer un dégradé. Vous pouvez créer un dégradé flou en faisant un pinceau humide au-dessus la limite alors que la peinture est encore un peu humide. Un peu si elle va s'infiltrer et cela fera un dégradé. Prenez une minute pour réfléchir à ce les deux processus différents de création de reflets et d' ombres ont ressenti pour vous. Le premier était une approche planifiée et esquissée où nous avons dessiné ces zones d'abord, la seconde était plus spontanée, où nous sommes allés directement à les peindre. Si vous souhaitez partager un peu ce sujet lorsque vous téléchargez votre projet, j'aimerais en savoir plus. Cela vaut également la peine d'y penser car vous pouvez choisir comment vous souhaitez aborder les principales peintures florales. Si vous voulez dessiner d'abord les reflets et les ombres, ou si vous préférez les peindre et plus spontanément. Ni l'un ni l'autre n'est bien ni C'est juste une préférence personnelle. Nous avons maintenant une idée de l' utilisation des calques pour créer un formulaire. Nous allons examiner comment sélectionner et simplifier une image de référence florale en quelque chose qui vous semble facile à peindre. Venez vous joindre à moi là-bas. [MUSIQUE] 6. Choisir une référence: [MUSIQUE] Bonjour, Bienvenue. Dans cette leçon, nous allons parler de la façon de choisir une image de référence et de la décomposer en quelque chose de gérable. Parfois, il peut sembler très intimidant d'envisager peindre quelque chose de la vraie vie. Vous ne savez pas par où commencer et chaque fois que j'en ai envie, et pas seulement au sujet de la peinture, l' une des choses que je trouve le plus utile est de le décomposer et de simplifier tout ce qu'il est en morceaux plus faciles à gérer. C'est ce dont nous allons parler ici. Disons que je veux peindre des fleurs. J'utiliserais toujours une référence pour cela si je veux que soit réaliste parce que mon cerveau invente juste des choses. Tous nos cerveaux le font. C'est une compétence normalement super utile que nous avons pour pouvoir remplir les blancs, pour ainsi dire. Beaucoup de choses à l'époque qui inventent des choses sont vraiment amusantes et créatives. Mais si vous essayez de créer quelque chose qui ressemble à quelque chose d'autre, avoir une photo de cette chose est tellement utile car cela empêche notre cerveau d' inventer leurs propres affaires. Si vous n'êtes pas sûr de quoi je parle, sans le regarder, essayez de dessiner l' écran d'accueil de votre téléphone. Il n'est pas nécessaire que ce soit un chef-d'œuvre, juste une esquisse rapide montrant les principaux éléments et où ils se trouvent à l'écran les uns par rapport aux autres. Je vais attendre. Vous pouvez simplement faire une pause et y aller. [BRUIT] Maintenant, comparez votre esquisse à la vraie chose. Je parie qu'il y aura des différences significatives et c'est pourquoi les images de référence sont si utiles. abord, lorsque vous choisissez une image de référence, vous voulez opter pour quelque chose qui vous excite, que lorsque vous regardez, vous pensez, oh, c'est magnifique, j'aime vraiment ça. Je veux faire quelque chose comme ça. Il est également important d' obtenir une image présentant une bonne quantité de contraste, ce qui constitue une bonne variation des tons clairs aux ombres. Cela rendra la peinture beaucoup plus satisfaisante. Maintenant, pour vous faciliter les choses, vous pouvez choisir des fleurs d' une seule couleur et non pas de nuances différentes ou de nuances complètement différentes au sein d'une seule fleur. Cela peut être difficile à faire lorsque vous vous familiarisez également avec l'ombrage. Cela dit, si vous voulez y aller, n'hésitez pas. Je ne suis pas le patron de vous. [RIRES] Une mise en garde contre la couleur est choisir une couleur qui n'est pas blanche. Peindre le blanc est un tout autre niveau de complexité que je ne vais pas couvrir dans cette classe, car l'aquarelle et le blanc besoin d'une classe entière pour lui-même. J'ai créé un tableau d' inspiration sur Pinterest pour vous aider à trouver de magnifiques photos de fleurs monochromes et contrastées. Ce sont des fleurs qui, je pense, seraient bonnes à peindre en utilisant les techniques de cette classe. Vous trouverez le lien vers le tableau Pinterest et les informations de cours ci-dessous. Quelle est la suite une fois que vous avez choisi quelques fleurs unicolores non blanches que vous trouvez excitantes et inspirantes ? Vous allez flouter l'image. La façon la plus rapide de le faire est de loucher. Quand on plisse les choses, ça les rend plus floues. Mais vous voudrez peut-être également utiliser une application de retouche d'images pour la rendre floue partout où vous trouvez fonctionne le mieux pour vous . Maintenant, pourquoi sommes-nous floue l'image ? Lorsque vous regardez quelque chose, en particulier des fleurs qui contiennent énormément de détails, cela peut devenir un peu accablant et vous pouvez vous perdre dans tous ces détails. En le floutant, nous lissons une grande partie des détails, ce qui nous permet de voir les formes de base et où se trouvent les principaux points de couleur : les tons clairs, les tons moyens et les ombres. partir de ces choses, nous commençons à comprendre comment le peindre sans être submergé par les détails. Votre tâche pour cette leçon est de trouver une ou plusieurs images de référence de fleurs qui vous inspirent, qui sont d'une seule couleur et non blanche. Je vais mettre en place ceux que je vais utiliser et vous pouvez les utiliser trop particulièrement lors de votre premier passage. Mais si vous le faites, vous voudrez peut-être répéter le processus, mais avec vos propres images. Allez trouver des images que vous aimez et venez me rejoindre dans la prochaine leçon où je vais parler de la mise en place d'un croquis grossier avant de commencer à peindre. [MUSIQUE] 7. Croquis sommaire: [MUSIQUE] Bienvenue. Dans cette leçon, nous allons examiner la création des croquis grossiers que nous allons utiliser pour guider notre peinture. Le principe de notre façon de procéder reste le même, que nous voulions quelque chose de réaliste ou que nous voulions quelque chose de plus stylisé. Quoi qu'il en soit, tout commence par déterminer les formes qui composent l'objet et où ils vont s' asseoir sur la page. Maintenant, si vous avez l' impression de ne pas pouvoir dessiner ou la pensée de cela vous stresse, respirez. Je vais vous montrer comment j' approche de l'esquisse de ces trois images, commençant par la forme la plus simple, le bouton de crocus jusqu'à une forme légèrement plus complexe avec le lys de paix jusqu'à l'image finale est un magnolia, et c'est la forme la plus complexe. Je vais lancer la plupart de ces images en temps réel pour que vous puissiez voir combien de temps cela prend réellement. Je pense que parfois, avec l'utilisation généralisée du timelapse pour montrer de l'art, cela peut le rendre beaucoup plus rapide, plus confiant et plus pour la première fois qu'il ne l'est réellement. J'ai une gomme à effacer et je n'ai pas peur de l'utiliser. Je ne vais pas esquisser dans les hautes lumières et les ombres, mais si vous préférez, vous êtes plus que bienvenu. J'ai créé une version de chaque photo, simplifiée pour montrer où je diviserais les tons clairs, les tons moyens et les ombres que vous pouvez utiliser pour référence si vous utilisez les mêmes photos que moi. Lorsque nous dessinons ces lignes, il est parfois très clair s'il y a une limite nette, autres fois c'est plus flou et il faut faire un jugement à moins y faire un dégradé. C'est juste une option de style personnel qui viendra avec la pratique. Pour commencer, je pense à la taille que je veux que ce bouton crocus soit sur la page , puis je marque très grossièrement son contour. J'ignore ce petit pétale qui sort à droite, parce que je veux me concentrer sur la forme principale du bourgeon de crocus, cette forme longue et étroite, et je pense que c'est Un petit peu de pétale est désordonné. Je fais un choix artistique ici pour ignorer cela. Vous pouvez faire des choix similaires quant aux morceaux de la plante que vous souhaitez inclure et aux bits que vous souhaitez exclure. Je ne suis pas tout à fait content la partie supérieure, alors je la frotte et j'en ai un autre. Tout le temps, je me réfère à la photo du crocus et j'adapte mes lignes à ce que j'y vois. Quand je suis satisfait du contour, je passe à la fleur suivante. Pour mon lys de paix, encore une fois, j'ai réfléchi à la façon dont il va s'asseoir sur la page avec des lignes prétendues avant de commencer à faire des marques. Il s'agit d'une forme un peu plus complexe avec lignes droites dans la moitié inférieure et une partie supérieure incurvée. Je marque à peu près cela , puis je décide que ce n'est pas tout à fait comme je veux que ce soit, alors j'efface cela et j'essaie à nouveau. Vous pouvez me voir déplacer mon crayon du haut de la page vers la ligne droite et c'est moi qui travaille sur l'échelle. Quelle est la proportion de la fleur entière de cette forme supérieure courbée ? Une fois que j' ai l'impression d'avoir une bonne idée, j'ai posé mes lignes. Une fois que c'est terminé , je commence à affiner le reste de la forme. Je m'intéresse principalement au contour de la forme et à la structure principale du pétale plié où la plupart des ombres seront concentrées. Une fois que je suis content de cette fleur, je passe au magnolia. [MUSIQUE] Lorsque je réfléchis à la façon de positionner cela sur la page, je dois adapter un peu mon croquis à droite, car je n' ai pas assez d'espace et je ne veux pas rétrécir. le reste de la fleur vers le bas. Ici, je représente définitivement ce magnolia sans le reproduire complètement. Je marque les contours de chaque pétale, comme je l'ai fait avec le lys de paix car ce sont les zones où les ombres seront concentrées et je prends un peu de temps pour affiner ces lignes pour obtenir là où je me sens content d'eux. marquant le contour de ce magnolia, je choisis de simplifier et de fusionner deux pétales. Je pense que ce détail supplémentaire n'ajoutera rien à ma pièce finie, alors encore une fois, je fais le choix de l'exclure au profit de la simplification de la forme globale. Vous êtes également libre de faire des choix similaires avec vos fleurs, vous pouvez choisir ce qu'il faut ignorer, ce qu'il faut simplifier et si vous aimez quoi ajouter. Je vois que les pétales sont un peu triangulaires en haut, donc je m'assure que mon contour capture ces formes pointues. Je regarde constamment en arrière ma photo de référence. Maintenant, j'ai le contour du magnolia, de la silhouette, je vais chercher ce pétale qui est en position intérieure. Je vois qu'il traverse ces autres pétales, alors une fois que je suis satisfait du placement, je trace ma ligne. Avec tous les pétales terminés, je regarde toute la forme que j'ai dessinée et j'entrerai avec ma gomme pour enlever les petits morceaux de ligne où les pétales sont croisés et où la ligne n'est pas nécessaire. Je cherche aussi à voir s'il y a quelque chose que je veux modifier. J'essaie d'éviter la tentation de rendre cette fleur plus symétrique et parfaite qu'elle ne l'est vraiment parce que ce sont ces imperfections qui la rendent plus réaliste, et c' est le look que je vais faire. pour cette pièce. Si vous voulez créer quelque chose de plus stylisé, vous pourriez vraiment vous appuyer pour rendre ces formes plus régulières et vous obtiendrez un effet totalement différent et cela peut aussi être vraiment cool. C'est ça. Je n'ai besoin de rien de plus que ça pour l'esquisse initiale. C'est vraiment juste un guide que je peux utiliser pour suspendre mon tableau. Si vous êtes plus à l'aise avec les reflets et les ombres également attirés, je vous encourage à le faire, même si peut-être soyez audacieux et essayez de vous laisser tomber pour l'une des trois fleurs et de voir comment vous trouvez que vous travaillez de cette façon. C'est suffisant pour commencer. Une fois que votre croquis est prêt, nous sommes prêts à passer à la prochaine leçon, où nous allons choisir les couleurs que nous utiliserons. Venez vous joindre à moi quand vous serez prêt. [MUSIQUE] 8. Préparer vos couleurs: [MUSIQUE] Salut les gens. Bienvenue de retour. Dans cette leçon, nous allons chercher à préparer vos couleurs. Ce sont les couleurs que vous allez utiliser dans votre peinture. Avant d'entrer dans ce domaine, je voudrais dire quelques mots sur les couleurs que vous utilisez. Vous n'avez pas besoin de reproduire la réalité, c'est de l'art. Vous pouvez faire correspondre la couleur réelle si vous souhaitez et vous y êtes très bienvenu, mais vous pouvez également peindre avec des couleurs que vous aimez. Même si vous faites une fleur très reconnaissable, vous pouvez toujours la peindre dans les couleurs que vous voulez, car vous savez quoi ? C'est votre art et il doit vous plaire et vous seul, alors peignez toutes les couleurs qui vous rendent heureux. Vous voulez un chiot bleu vif, allez-y. Un magnolia turquoise. Pourquoi pas ? Je vais rester assez près de mes images de référence, mais je ne vais pas les transpirer si les nuances sont différentes. Je ne m'en soucie pas beaucoup car je n'essaie pas de recréer la réalité, je la représente et c'est une chose différente. C'est pour le plaisir, pour le plaisir. Si je voulais que quelque chose soit complètement exact, j'en prendrais probablement une photo. En parlant de couleurs, je vais parler un peu la façon dont vous voulez qu'elles soient quand elles sont sèches. Parfois, cela peut être un peu décevant car la couleur aura un aspect unique lorsqu'elle est mouillée sur la page et qu'elle peut avoir l'air vraiment vibrante, puis quand elle sèche, elle peut perdre beaucoup de son éclat. Si cela vous est déjà arrivé, vous n'êtes pas seul. Il a même obtenu un nom, un quart de séchage. Certaines couleurs le font plus que d'autres, mais en gros, la couleur devient plus pâle et parfois plus grisâtre à mesure qu'elle sèche. Une règle de base à garder à l'esprit est que si la couleur exactement comme vous le souhaitez lorsqu'elle est mouillée, elle ne sera pas comme vous le souhaitez lorsqu'elle est sèche. C'est l'une des choses qui peut rendre l'aquarelle difficile à naviguer. n'y a pas de solution rapide pour cela, une partie de cela implique d'apprendre comment fonctionne chacune de vos peintures. Avoir des échantillons aide à cela. [BRUIT] Vous pouvez également essayer vos mélanges sur du papier de rechange et les laisser sécher pour voir leur apparence et prendre le temps d' affiner les choses de cette façon. Sinon, vous pouvez simplement l'utiliser et rendre le mélange humide plus vif et plus sombre que vous ne le souhaitez quand il est sec, puis simplement voir comment il se passe. C'est vraiment à vous de décider. Quelle que soit l'approche que vous trouvez la plus amusante ou satisfaisante, choisissez-la et faites-le. Une autre chose à garder à l'esprit lorsque vous mélangez vos couleurs, c'est qu'avec les aquarelles, l'eau est notre blanc. C'est ainsi que vous allégez les choses. Si vous avez besoin d'un bleu plus clair que celui que vous avez, faites-en un mélange aqueux. C'est comme si on y ajoute du blanc, ça va le rendre plus pâle. Si vous voulez peindre une fleur rose comme moi, gardez à l'esprit que le rose n'est vraiment qu' un violet pâle [BRUIT]. Je vais laisser un moment pour que ça s'enfonce là-dedans. Vous créez des nuances roses comme [inaudibles] et des choses comme ça en prenant une version légère des rouges et en y ajoutant un peu de bleu. Si vous faites des fleurs roses et que vous n'avez pas de rose en bouche, c'est comme ça que vous le faites. Quelles que soient les couleurs que vous souhaitez utiliser, et n'oubliez pas qu'elles ne doivent pas correspondre à la réalité, assurez-vous d'en mélanger beaucoup car vous l' utiliserez pour au moins trois couches et vous aurez besoin de suffisamment de peinture pour couvrir la zone au moins trois fois. Mélangez plus que ce dont vous pensez avoir besoin, car vous l'utiliserez probablement. Sinon, vous avez toujours une belle couleur que vous aimez sauvegardée pour quelque chose d'autre que vous voulez peindre. Peut-être que tu auras un autre coup à ce sujet. Vous pouvez également créer vos couleurs d'ombre à l'avance ou vous pouvez le faire pendant que l'un de vos calques sèche. Comme nous l'avons fait dans la leçon d'ombrage, assurez-vous que la couleur principale avec son opposé. Vérifiez la roue chromatique si vous n'êtes pas sûr d'obtenir un mélange verdâtre ; c'est ce que je vais utiliser, ou prenez l'une des trois autres approches, selon votre préférence. Un petit mot sur la langue ici. Les couleurs opposées sur la roue chromatique sont appelées gratuites. Cela semble être une utilisation vraiment bizarre du langage, mais cela vient du fait que lorsque vous placez ces couleurs à côté de l' autre, elles se distinguent vraiment les unes les autres une à côté de l' autre, elles se distinguent vraiment les unes les autres. Ils se complimentent donc mutuellement. Cela dit, vous avez beaucoup d'informations sur façon de rassembler les couleurs que vous souhaitez utiliser pour peindre vos fleurs. Une fois vos couleurs prêtes, rejoignez-moi, et nous commencerons à peindre. [MUSIQUE] 9. Première couche : Les lumières: [MUSIQUE] Êtes-vous prêt à commencer ? Donc, vous avez fait votre croquis grossier, votre palette est prête à être utilisée. Allons poser notre premier lavage. Nous allons utiliser la même technique que celle que nous avons faite pour nos sphères et pour nos carrés, que l'on appelle mouillé sur mouillé, c'est ce qu'elle dit. Vous mouillez le papier, puis vous peignez sur ce papier mouillé. Prenez votre forme, c'est là que se trouve votre fleur et peignez cette forme avec de l'eau. Comme avant, nous ne voulons pas que ce soit une flaque d'eau, nous voulons pouvoir voir la texture du papier. Je peins d'abord toutes mes fleurs avec de l'eau, et j'essaie d'être assez prudent avec cette couche, qui peut être délicate parce que l'eau est invisible, mais où que l'eau aille, la couleur va aussi. Donc rester dans les files d'attente compte pour vous, surveillez où vous mettez l'eau. Vous pouvez garder un œil là-dessus littéralement en inclinant la page pour capter la lumière ou en bougeant la tête. Habituellement, vous devez être assez près de la page pour voir clairement l'eau. Maintenant que l'eau est tombée, on laisse tomber nos couleurs. Je trouve assez amusant de faire de gros éclats de couleur dans l'eau et de la regarder se propager un instant. Je pense que c'est vraiment magnifique. Ensuite, je peins sur les bords et j'étale la peinture à l'intérieur pour m'assurer que la fleur entière est colorée. Je fais la même chose sur ma pièce Lily. Pour ce magnolia, l' eau sèche déjà, donc je la remouille avant d'y mettre la couleur. Maintenant, je suis content qu'il soit suffisamment mouillé, je commence à dessiner ma couleur et je contourne soigneusement les bords et je laisse la couleur se disperser dans l'eau. C'est tellement joli, avant de commencer à remplir l'intérieur. Maintenant, les couleurs se répandent vraiment autour. Je peux voir quelques petits morceaux autour du bord qui doivent être retouchés. Je les remplis tous jusqu'à ce que je sois heureux qu'il y ait une bonne couche de couleur uniforme. Ensuite, nous les laissons sécher ou les sécher, et maintenant nous avons une couche de surbrillance prête à être utilisée. Prenez un moment pour prendre une photo rapide de votre tableau et c'est incroyable de voir la transition. Ensuite, rejoignez-moi dans la prochaine leçon, où nous allons envisager de mettre nos tons médians avec un deuxième lavage ou une deuxième couche. voit là-bas. [MUSIQUE] 10. Deuxième couche : Les tons moyens: [MUSIQUE] Bienvenue de retour. Maintenant, nous allons faire notre deuxième couche, nos tons moyens. Pour cela, comme nous l'avons pratiqué avec nos carrés et nos cercles, nous allons utiliser la technique humide sur sec, savoir la peinture humide sur papier sec. Mouillez à nouveau votre pinceau et revenez à votre premier mélange de couleurs. Donnez-lui un coup de fouet pour réactiver la peinture car elle aurait pu sécher un peu, surtout si vous avez dû attendre un moment. J'ai ma version simplifiée de chaque fleur montrant les reflets à l'écran et vous pouvez l'utiliser comme guide si vous préférez. Vous pouvez également le télécharger à partir de la section Ressources. Cela dit, allez-y et peignez vos deuxièmes couches. Parce que je préfère travailler un peu plus spontanément là-dessus, je n'ai pas dessiné les faits saillants. Cela signifie que je prends le temps d'étudier mon image de référence et de la plisser dessus, cherchant quels morceaux sont les plus légers pour que je sache ne pas y peindre. Tout le reste a une bonne couche de notre mélange de couleurs et c'est ce que je fais pour chacune de mes fleurs. Maintenant, si vous pensiez faire la même chose, mais que vous êtes soudainement un peu stressé idée de poser la peinture directement sans aucune ligne de crayon, vous pouvez tout à fait aller de l'avant et dessiner ceux qui sont maintenant si vous voulez. Tant que votre première couche est complètement sèche, vous pouvez dessiner dessus et effacer ces lignes. Il suffit de ne pas pousser trop fort dans le papier, sinon il met bien en retrait et laisse une marque, même si vous l'effacez. [BRUIT] Je veux dire un mot sur la phase dite moche ou la phase laide de la peinture. Vous avez peut-être l'impression de regarder vos affaires et que vous pensez, je n'aime pas vraiment ça ou ça n'a pas l'air très bien et je voulais dire que ça arrive à tout le monde. La plupart des peintures passent par au moins une étape, voire plusieurs, où cela ne vous semble pas juste. Cela peut être un signe que nous n'avons pas assez de variation de la clarté à obscurité et cela semble un peu plat quand on veut qu'il ne soit pas plat. Si cela vous arrive, en particulier avec la deuxième couche, ne vous inquiétez pas, nous ajouterons ensuite nos ombres, ce qui lui donne un peu plus de contraste, un peu plus de variation entre la lumière et la lumière sombre. Ces deux étapes suivantes sont les moments où votre photo commence vraiment à se réunir, donc si vous avez l'impression qu'elle ne se réunit pas en ce moment, c'est normal, mais il aura foi. Maintenant, si vous n'avez pas mélangé vos couleurs d'ombre, peut-être le moment idéal pour le faire. Prenez peut-être un moment pour prendre une photo rapide de votre tableau pour documenter la transition, puis venez me rejoindre dans la prochaine leçon, où nous allons ajouter les ombres. [MUSIQUE] 11. Troisième couche : Ombres: Bienvenue de retour. Dans cette leçon, nous allons ajouter nos ombres. J'adore ça, mais pour moi c'est généralement là une pièce commence vraiment à se réunir et c'est tellement excitant. Si vous faites des croquis de l' où vous allez placer vos ombres, il est possible qu'il soit assez difficile de voir ces marques maintenant. Si c'est le cas, vous pouvez aller de l'avant et les redessiner si vous souhaitez ou comme dans la dernière leçon, si vous ne les avez pas encore dessinés, mais que vous voulez les ajouter là-dedans, allez-y. Tant que votre papier est sec, il est totalement fin. Quoi qu'il en soit, regardez bien votre image de référence. Il est toujours utile d'avoir cela à portée de main tout au long de notre peinture parce que nos cerveaux aiment inventer les choses et nous inciter à penser que nous nous souvenons. J'ai ma version simplifiée de chaque fleur montrant les reflets et les ombres à l'écran, mais vous pouvez l'utiliser comme guide si vous préférez. N'oubliez pas que vous pouvez également les télécharger à partir de la section Ressources. Allez-y et obtenez vos couleurs d'ombre et commencez à peindre vos ombres. N'oubliez pas qu'ils n'ont pas besoin d' être exactement comme votre photo. Ils peuvent être plus grands ou plus petits. C'est votre photo, alors essayez de ne pas trop insister là-dessus. Essayez de vous amuser avec ça. Je sors mon petit pinceau ici pour pouvoir entrer dans les petits détails des lits ombragés. J'étudie vraiment attentivement la référence. Prenez votre temps avec nous et laissez-vous absorber complètement dans le processus. [MUSIQUE] Lorsque vous avez terminé et qu'il est sec, prenez du recul et regardez vos tableaux. Prenez une photo et prenez un moment pour vous féliciter d'avoir le temps de créer quelque chose. Veuillez partager votre création avec moi dans la galerie des projets. J'aimerais voir ce que vous avez fait et ce serait vraiment cool de voir la transition si vous saisissez cela en cours de route. Si vous regardez votre travail et impression que ce n'est peut-être pas tout à fait correct, il se peut que ce n'est pas encore fini. Joignez-vous à moi dans la prochaine leçon et nous discuterons de ce que vous pouvez faire pour obtenir un sentiment fini. Je vous y verrai. [MUSIQUE] 12. Finir votre peinture: [MUSIQUE] Hé, bon retour. Dans cette leçon, nous allons parler de quelques choses que vous pouvez faire pour aider à amener un tableau là où il se sent fini. [MUSIQUE] Parfois, même après avoir posé votre calque d'ombre, il peut toujours sembler un peu plat. Si cela se produit, peignez sur votre calque d'ombre avec un autre calque d'ombre. Cela peut même prendre deux fois de plus avant d'avoir l'impression qu'il y a suffisamment de profondeur dans le tableau. Essayez-le. Une autre chose qui peut se produire est qu'une pièce peut sembler trop simpliste, surtout si vous vouliez une peinture plus réaliste. Votre aide ici est détaillée. fleurs en particulier regorgent de détails et parfois ajouter un peu plus de détails peuvent vous aider à vous sentir plus à l'aise avec la pièce finie. Peut-être qu'un pétale a besoin d' un peu d'ombre mouchetée comme dans un de mes autres magnolias ici, ou peut-être qu'il a besoin de quelque chose comme les petits détails sur mon bulbe de crocus que vous pouvez voir ici. Parfois, il suffit d'un peu de temps. mettre de côté pendant une journée ou semaine peut aider à supprimer l'idée que vous aviez initialement pour la peinture et vous libérer de voir la beauté la pièce que vous avez réellement faite. toutes les peintures, l' aquarelle est un support vraiment spontané qui peut faire sa propre chose, et apprendre à travailler avec cela, à être d'accord avec ce qui s'est retrouvé sur la page plutôt que dans votre tête vous aidera énormément. J'aime utiliser cette pièce que j'ai peinte comme exemple. Cela ne s'est pas déroulé comme je le voulais. Mais après un peu de temps et d'espace, j'ai pu apprécier ce que j'ai fait et j' adore cette pièce. J'espère que cela vous aidera et je serais vraiment intéressé de savoir ce que vous pensez des pièces que vous avez faites si vous êtes prêt à partager cela dans votre projet de classe. Venez vous joindre à moi dans la prochaine leçon où je parlerai d'autres applications pour cette technique de superposition. Je vous y verrai. [MUSIQUE] 13. Autres applications: [MUSIQUE] Bonjour, encore une fois. Dans cette leçon, je vais parler des autres applications que nous pouvons utiliser pour la technique de superposition que nous avons pratiquée dans ce cours. Nous avons vu dans la leçon d'ombrage que nous pouvions utiliser cette technique pour transformer un cercle plat en sphère 3D, puis nous l'utilisons pour donner la dimension de notre fleur. Il en va de même pour tout ce que vous voulez peindre. Dans les montagnes ? Oui. Des champignons ? Oui. Des créatures magiques de la forêt aux cheveux longs et folles qui pourraient vous faire du bien oral ? Oui. J'utilise cette approche dans presque tout ce que je peins. C'est la clé du royaume, en ce qui me concerne. Allez-y et peignez ce que vous voulez. Si vous le faites, revenez mettre à jour votre projet ici, j'aimerais savoir où vous allez prendre cette technique. Nous sommes à peu près finis. Venez vous joindre à moi dans la dernière leçon pour quelques dernières réflexions. [MUSIQUE] 14. Réflexions finales: [MUSIQUE] Hé, tu l'as fait. Bien joué. [MUSIQUE] Merci de vous joindre à moi alors que nous avons creusé dans la superposition et comment l'utiliser pour créer des fleurs qui éclatent. Nous avons tiré le rideau en arrière sur ce que signifie superposition ou vitrage, comment les couleurs peuvent se combiner lorsqu'elles sont empilées les unes sur et comment empiler les couleurs de différentes manières pour obtenir différentes effets. Nous avons examiné comment créer des clairs et des ombres à l' aide de calques, et comment cela donne à un objet l' apparence de sa forme et de sa profondeur. Nous avons ensuite fait un pas plus loin pour créer des fleurs qui ont l' air d'avoir une dimension, en les construisant petit à petit. Enfin, nous avons exploré comment aider une pièce à se sentir finie. Ce que j' aimerais vraiment que vous retiriez de ce cours, c'est que faire en sorte que quelque chose semble avoir une forme n'est pas aussi difficile que cela puisse paraître. Une fois que vous pouvez modifier votre façon de voir les choses et commencer à les décomposer en zones claires, moyennes et sombres, vous pouvez le représenter sur une page manière dont vous aimez le mieux. Je pense que c'est vraiment stimulant. Si vous avez envie de partager vos créations, j'aimerais les voir. Vous pouvez les poster dans la galerie des projets de classe, et si vous souhaitez vous arrêter là et laisser un mot aimable pour les projets d'autres personnes, ce serait vraiment bien. Si vous aimez partager des choses sur Instagram, n'hésitez pas à m'y taguer. J'aimerais bien voir ce que vous créez. Si vous voulez savoir quand je libère un autre cours, vous pouvez me suivre ici. Il devrait y avoir un petit bouton vert là-haut, et si vous cliquez dessus, sur mon nom, cela vous amènera à mon profil qui contient mes autres cours dessus. Si vous pouviez laisser un avis à cette classe, cela serait très utile. Il peut indiquer aux autres étudiants potentiels ce que est une classe et si c' la chose qui les intéresse également. Merci encore de vous joindre à moi ici pour apprendre et pratiquer la superposition. J'espère que vous avez apprécié cette fois et que je vous verrai bientôt dans l'un de mes autres cours. [MUSIQUE]