La valeur du monochrome : peindre une nature morte à l'aquarelle avec une seule couleur

1. Intro: Vous êtes à la recherche d'une pratique artistique qui vous aide à améliorer vos compétences tout en créant une œuvre d'art élégante, rejoignez-moi je le ramène aux bases de la valeur du monochrome ; peignez une nature morte avec une seule couleur. Je suis Jill Gustavis, artiste à la frontière de New York, Massachusetts. Mon voyage monochromatique a commencé quand j'étais enfant et j'adorais dessiner à l'encre et au graphite. Depuis lors, cet amour a saigné dans mon travail d'aquarelle aussi. Mon travail monochromatique a été destiné à un usage commercial, sélectionné pour des expositions et inscrit dans des collections personnelles. Dans ce cours, je vais vous aider à intégrer le précieux processus monochromatique dans votre propre pratique artistique. études monochromatiques et les peintures sont un processus précieux à ajouter dans n'importe quelle pratique artistique vous donnant une plate-forme pour vous concentrer sur des compétences comme la composition et la valeur sans couleur pour vous distraire. En plus d'utiliser des matériaux minimaux, œuvres d'art de couleur unique qui ne doivent pas être simplement noir et blanc sont également un ajout diversifié et intéressant à votre portfolio d'art. À la fin de la classe, vous comprendrez le comportement de la peinture, les compétences essentielles à l'aquarelle, caractéristiques communes des peintures monochromatiques réussies, et même des conseils personnels sur l'arrangement de la nature morte et la prise de photos de référence. Pour le projet de classe, nous utiliserons les processus des leçons pour créer et peindre une nature morte à l'aide de la peinture d'une couleur choisie. Comme mes cours précédents, je pense qu'il y a un peu ici pour tous les niveaux d'expérience, mais les leçons de techniques essentielles sont ciblées pour les débutants et comme un exercice d'exploration des couleurs. Les leçons sont clairement étiquetées, alors n' hésitez pas à sauter autour ou à revenir à une leçon préférée sur la route. Sachez si vous devez profiter du minimalisme, de l'accent sur la technique, ou simplement de l'élégance simple de celui-ci. J' espère que vous découvrirez aussi la valeur du monochrome. Êtes-vous prêt à plonger ? Je te verrai dans la première leçon. 2. Projet de classe: Maintenant, vous pouvez appliquer la peinture monochromatique à n'importe quel sujet, mais dans cette classe, nous allons peindre une nature morte monochromatique. natures mortes sont un excellent endroit pour commencer lorsque vous appliquez une nouvelle compétence. Ils sont faciles d'accès et il y a beaucoup d'options lorsqu'il s'agit de choisir des objets, des styles et des compositions. Je vous suggère de choisir des sujets pour votre nature morte qui vous intéressent. Cela vous aidera à rester investi dans l'apprentissage des compétences techniques et à créer une composition vraiment unique pour vous. Ne vous sentez pas pressé d'utiliser des choses que vous me voyez utiliser ou d'utiliser des objets qui, selon vous, devraient être dans une bonne nature morte. Utilisez simplement des objets qui vous parlent. Il y a encore plus de conseils à ce sujet lorsque vous arrivez à la leçon sur des sujets monochromatiques. N' ayez pas peur de recommencer ou de l'essayer quelques fois. Vous avez choisi la mauvaise couleur, peut-être que vous ne pouvez pas soulever la peinture et tout est devenu trop sombre, ne vous inquiétez pas. Je trouve que j'obtiens de meilleurs résultats plus rapidement sur un deuxième essai, plutôt que de passer mon temps à se battre sur une pièce qui a échoué. Dans ce cours, je vais vous guider à travers tout le processus et inclure quelques recommandations personnelles pour certaines des étapes de soutien. Nous allons explorer vos propres peintures, vous allez choisir une couleur et créer une échelle de valeur, vous allez organiser votre nature morte et esquisser votre composition. Ensuite, nous allons mettre en couches les valeurs de lumière, de ton moyen et d'obscurité et enfin ajuster toutes les valeurs pour créer un contraste et une peinture équilibrée. N' oubliez pas de poster vos questions dans le forum de discussion et de partager vos étapes dans la galerie de projets. Maintenant, sortons tes peintures et commençons. Je te vois dans la première leçon. 3. Matériaux: L' un des avantages les plus tangibles de la peinture en monochrome est juste le minimalisme pur de celui-ci. Outre le crayon, c'est l'un des moyens les plus réussis de créer sur papier. Dans cette leçon, je vais passer en revue les matériaux de base dont vous aurez besoin pour la classe. La beauté de la peinture monochromatique est ces matériaux minimaux. Je vais rapidement passer en revue les matériaux que j'utilise pour faire ce cours. En commençant par, bien sûr, votre peinture. J' utilise des tubes de peinture aquarelle de qualité professionnelle. Voici Daniel Smith, mais je n'ai pas de préférence pour la marque. Il se trouve qu'ils sont tous les deux les mêmes. Vous pouvez également acheter votre peinture dans des poêles pré-coulées, ce que vous préférez. Vous pouvez stocker soit dans, J'utilise une palette de céramique de bureau, ou comment je normalement, ou plus souvent utiliser mes peintures monochromatiques est que j'utilise une petite palette de voyage de— c'est une palette de poche, de Art Toolkit. Cela me permet juste de le prendre sur la route et genre de croquis sur la course. Sur les pinceaux, j'utilise la ligne Heritage de Princeton dans les tailles 16, 10, 5 et 2. Vous pouvez utiliser n'importe quelle gamme de brosses avec lesquelles vous êtes à l'aise. Vous pourriez utiliser des pinceaux fantaisie. Ça n'a pas d'importance. J' ai juste choisi d'utiliser une ligne de pinceaux que je connais. Ils m'ont donné une bonne gamme de travail dans les grands lavages jusqu'au travail en détail. Utilisez ce que vous avez, ce que vous connaissez, car lorsque vous apprenez une nouvelle technique, la dernière chose que vous voulez faire est de travailler avec d'autres variables. Quand il s'agit du papier que j'utilise dans cette classe, est-ce que je n'utilise que quelques types différents. La principale chose à savoir est que j'utilise du papier 100% coton. Nous allons expliquer pourquoi, dans une seconde, mais vous verrez que j'ai utilisé du papier Arches pour mes diagrammes de couleurs. J' utilise le sketch Kilimandjaro ou Paintbook de Cheap Joe's pour les vignettes et les croquis de progression. J' utilise un bloc de papier aquarelle de Blick pour le projet. Tous les trois sont de 140 livres de papier de presse froid. Mais la principale raison pour laquelle je recommande le coton 100 pour cent est parce que le papier de coton a les meilleures caractéristiques pour la peinture monochromatique en ce qu'il est moins susceptible de piler que vous êtes ajuster la valeur et de soulever et de frotter. Il est plus susceptible de vous donner un meilleur mélange car l'absorption est plus uniforme sur le papier de coton. Il va également vous permettre d'ajouter des couches supplémentaires de valeur. J' ai découvert à travers mon expérience avec le papier cellulose, qu'une fois que vous arrivez à un certain nombre de couches, vous avez tendance à commencer à essuyer les couches précédentes plutôt que de pouvoir ajouter des couches supplémentaires de peinture sur le dessus. Pour éviter la frustration, je recommande le papier de coton. Passons aux accessoires. Ils sont très simples et vous les avez probablement déjà devinés. Un chiffon pour éponger votre pinceau, serviette en papier pour éponger l'eau ou la peinture qui est sur votre peinture. Deux récipients d'eau qui, vous probablement déjà familier avec cette configuration. L' un pour rincer votre brosse et obtenir le pigment des poils, et l'autre de l'eau propre pour jeter juste de l'eau propre pour les lavages. Le dernier accessoire que j'ai utilisé était surtout pour l'efficacité du tournage en classe, et j'ai utilisé un pistolet thermique pour accélérer le processus de séchage du projet réel. Vous n'avez pas besoin d'en utiliser un si vous ne voulez pas, mais j'ai utilisé un pistolet thermique pour le projet. Mais vous pouvez voir que c'est très simple. Vous avez juste besoin de peinture, de pinceaux, et du papier avec, bien sûr, l'eau standard et les serviettes pour l'aquarelle. Mais tu devrais être prêt à partir en un rien de temps. Si vous avez déjà fait une peinture à l'aquarelle auparavant, vous avez probablement déjà tout ce dont vous avez besoin pour cette classe. Une liste d'approvisionnement courte est toujours agréable, mais ne laissez pas cela vous faire vous sentir limité aussi si vous voulez étendre cette pratique à l'avenir. Une fois que vous avez tout ce dont vous avez besoin pour cette classe, je vous verrai dans la leçon suivante où je vais passer une théorie de base et plus d'avantages à la création monochromatique. 4. L'approche monochromatique: Pourquoi voudriez-vous peindre avec une seule couleur ? Eh bien, dans cette leçon, je vais passer par trois points de vue différents. L' art monochromatique peut aider votre art techniquement, il peut améliorer votre productivité artistique, et il peut également être une belle forme d'art tout seul. Je parie que si vous avez déjà entendu un artiste parler de pourquoi ils ont commencé à travailler avec monochromatique, alors ils parlent probablement d'études de valeur ou peut-être qu'ils travaillent sur l'amélioration de leurs compétences en composition, ils travaillent donc à accroître d'autres compétences artistiques intrinsèques. Vous pouvez utiliser le monochrome pour tout cela, et c'est ce dont nous allons parler dans cette perspective et c'est améliorer la composition, améliorer votre compréhension de la valeur, augmenter l'humeur et travailler sur la façon dont vous dépeignez l'histoire. travail monochromatique peut vous aider à vous améliorer dans tous ces domaines. Par composition, cela signifie simplement que nous éliminons la distraction de la couleur, sans nous soucier du mélange des couleurs ou tout simplement profiter de la couleur. Vous pouvez vraiment vous concentrer sur les sujets de votre pièce, puis aussi dans la prochaine section de valeur. Voyant où ils sont et comment leurs valeurs sont liées à tout ce qui les entoure, tant dans leur forme que dans leur valeur, cela vous donne certainement une perception plus poussée de la façon dont votre peinture fonctionne ou ne fonctionne pas. C' est une excellente étape si vous utilisez une pièce monochromatique comme étude préliminaire pour corriger tout cela. Vous pouvez déplacer les choses et voir, eh bien cela fonctionne sur un niveau d'échelle de valeur. Vous avez de la lumière, puis sombre, puis clair puis sombre et le plus de contraste où vous voulez que l'œil de votre spectateur aille d'habitude. Vous pouvez travailler sur la force de votre pièce avant de choisir une palette de couleurs ou ce niveau suivant. C' est aussi un moment où vous commencez à vous pencher dans l'ambiance que vous voulez dépeindre dans votre pièce. Dites que si c'est une scène de cuisine réconfortante de votre maison d'enfance, peut-être que vous voulez vous pencher dans quelque chose de plus, plus comme une sienne brûlée ou peut-être faire cette étude monochromatique dans Payne Gray pourrait produire un effet plus sombre et plus frais. Vous avez le choix et jouer avec ça, il n'a pas besoin d'être en noir. Maintenant, tout cela fonctionne pour augmenter structure de l'histoire que vous racontez dans votre pièce. Je ne veux pas dire que ça doit être une illustration d'une histoire linéaire particulière. Ce que je veux dire, c'est que vous augmentez l'image et l'émotion que vous essayez de dépeindre. Il peut ne pas y avoir une émotion particulièrement forte, il peut être juste, disons que vous faites une étude de feuilles botaniques et que vous êtes juste d'attirer l'attention sur cet objet. Vous voyez que cet objet est important, et c'est l'histoire que vous dépeignez. Cela m'amène au dernier point que je veux faire inattention aux compétences techniques. En prenant la couleur, il est parfois plus facile de se concentrer sur la structure des détails qui sont là, de sorte que les lignes réelles dans la forme et la relation spatiale qui facteurs retour dans la composition. Mais si vous êtes dans les détails, c'est un excellent moyen de vraiment se plonger et d'en profiter. Maintenant, il y a des raisons pour lesquelles vous pouvez simplement utiliser une couleur qui n'a pas à voir avec le renforcement de vos compétences artistiques. Pour commencer, c'est un excellent moyen pour les débutants d'entrer dans des matériaux de meilleure qualité plus tôt. Vous n'investissez que dans une couleur à la fois parce que vous n'utilisez qu'une seule couleur pour chaque peinture que vous faites. Vous pouvez même faire toute une collection en une seule couleur. C' est un moyen plus rapide d'entrer dans ces meilleurs matériaux. Il est également plus facile de les payer, de les stocker et de les transporter afin que vous puissiez faire ce travail dans plus d'endroits dès le début. La raison suivante est que si vous n'avez pas une situation artistique idéale, vous pouvez également faire du travail monochromatique dans d'autres scénarios. Ce dont je parle ici, c'est votre situation d'éclairage. Tout le monde n'a pas, disons, ampoules de lumière du jour ou d'accès à un studio bien éclairé. titre d'exemple personnel, quand j'ai commencé à faire des travaux monochromes, c'est parce qu'en hiver, cette pièce qui fonctionne comme mon studio devient très froide et j'ai tendance à préférer faire mon travail dans le salon, sur le canapé avec mes chats et avec la lumière blanche chaude et les lumières de Noël qui allument cette pièce, il est très faible et la lumière blanche chaude n'est pas grande pour la précision des couleurs, donc j'ai eu tendance à faire plus de travail monochromatique. Tout ce que j'ai à voir, c'est mon papier blanc et mon sombre sombre, et je peux comprendre la relation de valeur entre ces deux points. Je dois juste prendre une peinture ou deux, quelques pinceaux et je suis capable de continuer à travailler dans cette configuration modifiée. J' ai fait plus de travail en intégrant cela dans mon flux de travail. Cela fonctionnerait aussi pour tous ceux qui comme moi dans le nord-est, il y a très peu de lumière du jour pendant les mois d'hiver et si vous travaillez à temps plein, j'ai tendance à faire mon travail après le travail la nuit ou le week-end. Encore une fois, ayant cette configuration qui utilise pleinement n'importe quelle situation d'éclairage, n'importe quelle situation d'espace, j'ai fait plus de travail. C' est un grand avantage. La raison suivante est l'une des choses que j'ai relevées quand je suis entré dans aquarelle et que si vous venez d'avoir un fond lourd et le dessin, il est plus facile de passer à la peinture en utilisant l'une des techniques que vous pouvez faire peinture monochromatique avec. Autrement dit, parfois quand je fais ce processus, aborde comme je le ferais comme je l'esquissais, peut-être en utilisant un pinceau plus petit, en travaillant en petits coups, en construisant de la valeur. C' est très méditatif. C' est en fait assez amusant et vous avez obtenu un résultat qui ressemble à l'esquisse aussi. C' est un moyen facile de se mettre à l'aise avec peut-être vos fournitures de peinture pendant la transition. Le dernier point que je veux soulever est probablement le plus fondé sur les opinions. C' est que je pense que le travail monochromatique a juste cette allure intrinsèque que les gens trouvent cette connexion qui leur rappelle des croquis ou des dessins à l'encre et il y a cette attraction pour les configurations les plus basiques de la création d'art. Ce morceau de papier et moi avons fait une belle œuvre d'art. La peinture monochromatique que je ressens s'appuie sur cela et qu'elle a ce produit final simple et élégant, mais elle a beaucoup plus d'autres choses qui se passent et donc la peinture est un peu plus fluide. Vous pouvez obtenir des effets de couche plus mystérieux là-dedans. Il s'approche du spectateur comme s'il s'agissait d'un dessin basique, beau et simple, mais après une inspection plus approfondie, il y a une altérité intéressante qui se passe là. Je pense que c'est juste une belle façon d'enchanter tes collectionneurs. L' autre raison, je pense que le travail monochromatique aura toujours une place dans le monde de l'art est parce que si vous avez déjà entendu la phrase noir est le nouveau noir, il y a toujours une attraction classique à l'élégance qui est une couleur sombre. Que vous utilisiez du noir ou peut-être un neutre sombre, je pense même que cela s'applique à des teintes plus foncées comme le gris de Payne, vert pérylène, que nous aborderons dans la leçon. Mais ils ont juste cette élégance sobre pour eux. Ils correspondent à plus de choses si vous pensez dans un sens collectionneur. Si vous pensez comme une garde-robe capsule dans un sens de la mode, avoir quelque chose qui n'est pas surestimé correspond à plus de choses. Il est plus facile d'adopter et d'intégrer si votre propre collection, si vous publiez une collection d'œuvres d'art ou d'un point de vue collectionneur, ils sont plus susceptibles de voir quelque chose qu'ils peuvent faire travailler chez eux. Maintenant que nous avons examiné à quel point l'art monochromatique est bénéfique et à quel point il est un excellent ajout à votre pratique, j'aimerais vous montrer quelques exemples de sa beauté tout seul. Le premier exemple que j'ai pour vous est de Lara Gastinger. Lara est une artiste que je suis depuis quelques années. Elle fait du travail botanique dans une approche en couches utilisant juste l'aquarelle parfois pour stylo et elle aime construire des valeurs et recréer la forme dans beaucoup de détails. Elle documente minutieusement l'environnement qui l'entoure et je la vois raconter à quel point elle aime son environnement naturel local et la nécessité de le préserver. Notre exemple suivant est Olga Paperega et Olga font également une approche réaliste, mais son utilisation d'un noir profond en contraste élevé rend juste son travail lorsqu'il est fait à plus grande échelle parfois très dramatique. Il vous donne vraiment une idée de l' élégance et du drame que le travail monochrome peut atteindre. Notre prochain exemple vient de Denise Soden, et comme beaucoup d'entre vous connaissent son handle et le nom de chaîne YouTube In Liquid Color. Denise est aussi une enseignante de Skillshare et ses pièces réalistes et respectueuses de l'environnement comme celles-ci ici, ces crânes, vous qui avez vraiment l'impression qu'elle se concentre sur l' exploration de la couleur et des sujets à part entière. Vous voyez vraiment l'amour de trouver informations et d'utiliser ces informations pour produire une grande œuvre d'art. Notre exemple suivant est plus du côté paysage des œuvres d'art. pièces de Diane Klock ici sont des études de valeur qu'elle avait faites et certaines d'entre elles sont sans crayon, donc elle ne faisait que dessiner les valeurs et créer ces marques lâches mais dynamiques pour capturer l'énergie et l'atmosphère. Il vous donne presque plus de sens de la profondeur et de l'espace qui se trouve dans chacune de ces scènes, car il ne fait que délimiter chacune des formes d'objets. Notre dernier exemple est Marie Noelle Wurm, qui est également enseignante de Skillshare ici. Ses exemples que j'ai choisi de lister en dernier parce qu'elle est une vision si unique de l'utilisation du travail monochromatique. Elle fait ici, comme dans cette étude de branche et de feuille, a une approche miniature pour peut-être noter l'idée d'être une peinture plus tard. Mais une partie de son travail est [inaudible] cette belle, lâche, parfois abstraite explorations de peinture. Je pense qu'ils sont beaux. Elle fait aussi beaucoup de travail à l'encre que je voulais soulever parce que l'encre peut parfois produire des résultats similaires à ceux de l'aquarelle. Je n'abandonne jamais la chance de suivre quelques artistes d'encre parce que cela vous donne vraiment une idée plus large de ce que l'art monochromatique peut réaliser. Maintenant que vous avez vu comment le travail monochromatique peut améliorer vos compétences techniques en art, comment il peut vous aider à être plus productif dans votre pratique, et comment il est tout simplement beau avec de nombreuses variations, passons aux propriétés de peinture et comment qui ajoute à la beauté du travail monochromatique. 5. Propriétés de la peinture: Lorsque vous peignez avec une seule couleur, votre choix de peinture devient de plus en plus important. Maintenant, il y a beaucoup de choses dont je pourrais parler quand il s'agit de ce qui différencie les différentes peintures. Mais dans cette leçon, je vais juste passer quelques propriétés de base que vous devriez garder à l'esprit lors de l'exploration et du choix de votre peinture. Maintenant, il y a beaucoup de choses dont vous pouvez parler quand il s'agit propriétés de peinture et toutes celles dont je parle devraient être répertoriées sur votre emballage de peinture et sur le site Web du fabricant. Vous pouvez toujours google ce que vous y trouvez. Mais le premier et le principal est le pigment de la peinture. Cela est indiqué par un nombre P. Les nombres P sont divisés par teinte. Vous pouvez donc toujours prendre ce numéro et le consulter en ligne pour en savoir plus sur sa solidité à la lumière, origines, etc., tout ce qui vous intéresse. La transparence est la prochaine. Cela sera important pour votre peinture monochromatique car la transparence de la peinture indique la quantité de lumière qui traverse la peinture par rapport à celle qui s'y reflète. Une peinture opaque dans vos valeurs les plus profondes, va avoir l'air plus lambeau que lorsque vous faites une peinture avec un pigment transparent, vous allez être en mesure de voir à travers le papier plus souvent et cela lui donne une profondeur et une clarté, que je trouve vraiment agréable pour le travail détaillé par rapport à une peinture opaque est vraiment agréable pour un effet perforant graphique. La prochaine propriété est la coloration de votre pigment. Cela influencera le montant que vous pourrez soulever plus tard lorsque nous ajustons les valeurs. Si vous êtes nouveau à un travail monochromatique ou tout simplement nouveau pour les études de valeur en général, je recommande dans ceux pigment de coloration parce que vous allez être en mesure de soulever plus facilement sans avoir à frotter le papier ou ne pas l'obtenir à la valeur niveau que vous voulez. La dernière propriété est la granulation, ce qui est amusant et beaucoup de gens aiment ou détestent la granulation. Mais quand il s'agit de travail monochromatique, cela peut être un point culminant de votre peinture qui est l'une des principales caractéristiques pour lesquelles vous choisissez votre peinture. Ou cela peut être une distraction si vous faites une composition très détaillée. Le bruit des particules de pigment qui se déposent dans un lavage peut simplement enlever de quelque part que vous voulez que les gens regardent. Quand il s'agit de ces propriétés visuelles, n'oubliez pas de trouver un équilibre entre celles que vous voulez par rapport à votre vision pour votre peinture. Quelques notes supplémentaires que j'ai pour choisir de la peinture est de quel fabricant vous l'obtenez, que je ne dis pas l'un par rapport à l'autre je n'ai pas de préférence. C' est juste que chacun d'eux a un liant propriétaire qui va peindre différemment. Alors essayez un couple, voyez lequel vous aimez, et choisissez simplement vos peintures auprès du fabricant avec lequel vous aimez la peinture. L' autre chose avec les fabricants est qu'ils peuvent traiter le même pigment différemment. Vous pouvez obtenir une peinture du même nombre de pigments de différents fabricants, et il peut être une teinte différente. Gardez cela à l'esprit ainsi que des peintures nommées. Plusieurs peintures pigmentaires comme Neutral Tint, Payne's Grey, différents fabricants ont en fait des recettes différentes pour ceux-ci. Ils peuvent utiliser différents pigments, donc il suffit de garder à l'esprit qu'ils peuvent être des couleurs totalement différentes. Le long de la ligne sont des peintures multi-pigments, bien que la plupart sont juste faits pour couleurs de commodité et sont assez cohérentes lorsque vous les peignez, il y en a qui sont spécifiquement conçus pour séparer. Ceux qui viennent à l'esprit et surtout sont Cascade Green de Daniel Smith, qui se sépare en Sienne brute et Phthalo Blue, selon la quantité d'eau que vous appliquez. Cela pourrait être un peu frustrant si vous vous habituez à la peinture monochromatique. Il suffit de chercher des échantillons, d'essayer des peintures et de garder cela à l'esprit. Mais finalement, ils sont amusants à utiliser. Maintenant que nous avons plongé un orteil dans l'océan des propriétés de la peinture, nous avons un peu plus à regarder dans une peinture, en plus de la couleur. Dans la leçon suivante, je vais voir comment j'utilise les graphiques de couleurs pour naviguer visuellement toutes ces propriétés. 6. Naviguer dans le choix des couleurs avec des graphiques: Comme une image vaut 1000 mots, j'organise mes couleurs visuellement avec des nuances. Jetons un coup d'oeil à quelques façons différentes que vous pouvez utiliser nuanciers pour organiser vos couleurs et choisir une couleur plus facilement. Selon le nombre de couleurs que vous avez et la façon dont vous prévoyez de les utiliser. Il existe différentes configurations d'échantillons que vous pouvez créer. Maintenant, le premier type de configuration de nuancier que nous allons examiner, c'est le nuancier. Les diagrammes Swatch sont la méthode la plus simple, la moins longue et l'espace. Ils sont parfaits pour voir un grand choix de couleurs en un coup d'œil. J' utilise ce que j'aime appeler mon nuancier principal ici pour afficher et sélectionner rapidement des candidats de couleur pour les projets. Si je sais que j'ai besoin d'un rouge, je peux les voir tous en un coup d'œil ainsi que les candidats à proximité. Puisque nous allons faire de la monochromatique, nous allons aller dans la façon de voir cela pour voir les choix monochromatiques dans un peu. Mais pour en faire un, tout ce dont vous avez besoin est une feuille de papier, vrac ou dans un carnet de croquis, c'est le papier sur lequel vous comptez peindre. Donc, vous ne voulez pas choisir quelque chose juste parce que c'est moins cher ou etc, vous voulez vous entraîner sur le même papier que vous allez peindre. Maintenant, c'est sur Arches, presse à froid de 140 livres parce que c'est comme une norme de l'industrie pour le papier de qualité artistique. J' aime utiliser ceci pour mon go-to, pour mes nuanciers. Mais vous pouvez utiliser n'importe quel papier sur lequel vous comptez peindre. Ce que vous voulez faire une fois que vous avez votre papier, c'est que vous voulez le diviser en suffisamment de carrés pour que vous puissiez découper toutes vos couleurs que vous voulez regarder. Mais aussi, vous voulez vous assurer que ces échantillons sont assez grands pour que vous puissiez réellement laisser la peinture bouger et interagir avec l'eau. Je voudrais considérer que ces carrés sont de 1/2 pouce par pouce de long, et ils sont juste assez grands pour que je puisse tenir un peu dans ce papier, mais en même temps, mais en même temps, je peux voir des propriétés intéressantes de granulation, de dispersion, ce genre d'information comportementale. Parce que je veux le savoir si je vais faire un tableau entier avec une seule couleur. Maintenant, les cartes de nuancier sont les prochaines configurations dont nous allons parler. Ils servent deux buts pour moi. Ils me donnent un regard approfondi sur les propriétés d'une peinture. Ici vous pouvez voir la granulation supplémentaire. Ça n'en a pas. Ils me permettent également de réorganiser visuellement et de créer des palettes. Dites, si c'était une palette de tons neutres, je suis capable de sous-sortir des cartes pour voir comment ma palette peut jouer et peut ressembler et juste voir ce que je veux faire. Je veux également mentionner les graphiques de valeur avec les graphiques de couleurs et les cartes de nuancier, car ils peuvent également vous donner beaucoup d'informations sur une peinture. Nous allons les couvrir et en créer un dans une leçon ultérieure. Si vous regardez ceci et que vous ne savez même pas par où commencer avec l'achat de couleurs de peinture que vous voulez essayer, je vous recommande fortement de commencer par les cartes à points si elles sont disponibles auprès du fabricant de votre choix, ou de consulter différents fabricants. Maintenant, ils ne sont pas disponibles chez tous les fabricants, parce que ce que sont physiquement les cartes à points, c'est une peinture qui a séché sur un morceau de papier. Maintenant, comme nous l'avons discuté dans les propriétés de la peinture, tous les liants ne sont pas bien situés pour cela, aucun des liants avec du miel resterait encore collant et ils seraient probablement frottis, donc ils n'offrent généralement pas de cartes à points dans ce format. Maintenant, c'est le moyen le plus précis de sélectionner la couleur, car les écrans d'ordinateur et la photographie peuvent varier. Utilisez une carte à points pour analyser vos favoris parmi lesquels choisir. Certaines de ces cartes à points ont assez de peinture. Vous pouvez même faire une peinture minérale complète à partir de l'une des couleurs et vraiment avoir un sens de si vous voulez utiliser cette couleur pour la peinture monochromatique. C' est un excellent moyen d'éliminer les possibilités et pas si grandes possibilités pour votre travail monochromatique. Maintenant, que vous connaissez certaines options pour organiser vos choix de couleurs, créez un nuancier ou des cartes à partir de vos couleurs de peinture. Nous les utiliserons dans la prochaine leçon pour choisir la couleur de votre projet de classe. 7. Choisissez votre couleur: Maintenant, nous en savons beaucoup plus sur la peinture monochromatique et vos couleurs de peinture. Maintenant, il est temps de choisir une couleur pour votre projet de classe. Maintenant, avant de sélectionner une teinte spécifique, examinons vos propres couleurs et désherbons à travers elles voir quelles sont les meilleures candidates pour un travail monochromatique. Avec votre nuancier devant vous ou vos cartes d'échantillon, je veux que vous plissiez les yeux ou que vous preniez une photo avec le filtre noir et blanc. Maintenant, ce que nous faisons ici, c'est de voir qui ont la plage de valeurs la plus profonde. Toute couleur qui se distingue de votre graphique est une grande couleur monochromatique. Ceux qui se fondent presque, pas si grands. Ces couleurs de faible valeur seront difficiles à voir et manqueront de contraste. Ils t'ont fait mal aux yeux. Qu' en est-il des couleurs au milieu ? Ceux qui apparaissent comme différentes nuances de gris sont corrects au cas par cas. Par exemple, j'aime la lavande. Il ressemble à une peinture légère à première vue, au moins en couleur, mais je trouve qu'elle tient bien lorsqu'elle est superposée efficacement. Il pourrait être le choix parfait si vous deviez dire, faire un peu ou des motifs d'invitation de douche de bébé. Donc, il y a certainement une certaine marge de manœuvre dans la sélection couleurs réussies en fonction de votre vision. vos couleurs devant vous, sélectionnez une couleur que vous souhaitez utiliser pour votre projet de classe. Rappelez-vous, vous pouvez toujours changer cette décision, vous n'êtes pas enfermé dans ce choix, donc pas de pression. Tu as ta couleur ? Passons aux techniques d'aquarelle pour commencer à explorer ses propriétés. 8. Techniques d'aquarelle : ajouter de la couleur: Dans les deux prochaines leçons, nous allons passer en revue les techniques de base de l'aquarelle. Maintenant, c'est génial si vous venez dans ce domaine en tant que débutant et c'est vous utilisez le monochrome pour apprendre la peinture à l'aquarelle, mais cela va aussi être utile si vous êtes déjà un aquarelliste chevronné, et que vous voulez juste apprendre à connaître votre couleur particulière un peu mieux. Ces exercices vous permettront de le mettre à travers ses pas. Nous allons commencer par un lavage uniforme, ce qui peut parfois être plus difficile que le lavage dégradé parce que vous essayez de le garder uniforme. Nous allons commencer avec juste une force de lavage général, il n'a pas besoin d'être super fort. Je n'essaie pas de rester à l'intérieur des lignes. Je vais garder ça un carré général, mais on parlera de comment garder cette forme. J' ai ma peinture et je vais commencer par le haut. Je ne veux pas faire de grandes lignes. Si vous faites un contour et que vous le remplissez, selon la vitesse à laquelle votre peinture sèche, vous pourriez finir avec ces lignes de contour étant toujours visibles après l'avoir rempli, car vous créez essentiellement une seconde couche sur le dessus de cela avec votre lavage intérieur. Ce que je fais, c'est je descends un peu sur les côtés pour maintenir un peu de forme, mais ensuite je passe de haut en bas. Si vous peigniez une zone non carrée, essayez simplement de partir d'une zone et de passer à une autre qui ne laisse pas trop de côtés ouverts. Vous pouvez également travailler avec la règle générale de laisser un peu de peinture sur ce bord afin qu'il ait plus d'humidité à s'évaporer avant qu'il ne puisse réellement sécher. Vous pouvez voir que je suis descendu au fond et que je finis tout ça. Je vais nettoyer ma brosse, éponger pour avoir une belle brosse assoiffée. Ensuite, pour vérifier que je n'ai pas d'eau stagnante, je vais l'incliner et voir si quelque chose se fond. Maintenant, nous avons fait du bon travail ici pour ne pas trop mouillé, donc c'est bon. Si vous aviez une flaque d'eau, disons que si vous l'avez inclinée et qu'il y avait un bord d'égouttement ou une perle d'eau au fond, vous prendriez votre brosse assoiffée et coulez-la le long du bord inférieur et il boufferait toute l'eau restante, et vous l'effaciez et le feriez autant de fois que nécessaire jusqu'à ce qu'il ne reste plus trop de choses et vous pouvez le laisser sécher à plat. Vous laisseriez cela sécher maintenant et ne pas le toucher parce que si vous deviez y mettre de l'eau, vous auriez des fleurs dans différents effets visuels qui sont amusants, mais pas voulu si vous vouliez faire un lavage uniforme. La prochaine que nous allons faire est un lavage en dégradé. Quelle que soit la force de teinture que vous vouliez être sur l'extrémité sombre, vous allez commencer de la même façon et nous allons aller de haut en bas. Nous ne voulons pas faire de contours, surtout avec un lavage dégradé. Comme je descends, maintenant ma brosse va juste commencer naturellement à manquer de peinture, ou de pigment, et vous pouvez voir qu'il commence à naturel juste devenir plus léger. Maintenant, une fois qu'il commence à ne pas poser de peinture sur le papier du tout, disons que si je dois descendre ici, alors je vais commencer à ajouter de l'eau propre. me souvenant de cette nuance, je ne veux pas aller avec une approche soppy Enme souvenant de cette nuance, je ne veux pas aller avec une approche soppyparce que si je fais ça sur le bord, je vais vous montrer que ça va causer des effets visuels, mais nous allons y retourner et corriger ça dans une minute. J' ajoute juste de l'eau propre. Je vais rincer ma brosse et aller avec de l'eau complètement propre au fond. On y va. Vous pouvez voir. Maintenant, tu vois où je suis remonté un peu, il y a un peu de floraison. Si je voulais m'en débarrasser, rien n'a l' air aussi lisse que de ne pas en produire une la première fois, mais ici, je monte avec juste de l'eau propre et je réactive juste cette nuance entière pour que tout coule à nouveau. Comme je l'ai dit, rien n'est aussi facile que de le faire la première fois. Maintenant, c'est trop de légèreté à mon goût. Je viens juste avec de la peinture et de la recharge. Blotting mon pinceau pour enlever n'importe quel pigment supplémentaire et le laisser aller au fond. Nettoyer ma brosse est nécessaire, il y avait encore des pigments là-dedans, et puis monter et descendre est nécessaire pour égaliser cela. Comme c'est assez humide, il s'égalera au fur et à mesure qu'il se dépose, mais c'est le lavage en gradient. Maintenant que nous savons comment définir la couleur dans ces techniques de base de l'aquarelle, la deuxième des deux leçons de techniques d'aquarelle porte sur l'ajustement de la valeur. 9. Techniques d'aquarelle : ajuster la valeur: Dans cette deuxième leçon de techniques d'aquarelle, nous allons examiner comment ajuster la valeur de votre peinture. Comme dans le travail monochromatique, vous utilisez de la valeur pour créer votre peinture, il est bon de savoir comment ajuster vos valeurs tout au long de votre peinture pour créer le meilleur effet. Dans celui-ci, nous examinons quelques propriétés supplémentaires pour ajuster vos valeurs. Nous allons entrer dans certaines techniques que nous avons abordées, mais beaucoup plus en profondeur. Le premier que nous allons couvrir est l'ajout de pigment, aussi connu sous le nom de charge. Ce que j'ai ici, c'est trois sections sur cette petite carte d'exercice. Vous pouvez tout faire sur un seul morceau de papier, mais c'est juste plus facile pour moi de le démontrer, étant sur de petites cartes individuelles. Ce que je vais faire, c'est mettre de l'eau claire dans chacune de ces trois boîtes. Assez pour qu'il soit mouillé mais pas paresseux. Comme vous pouvez le voir, ils sont chacun étiquetés. Dans ce top, nous allons immédiatement mettre un point de peinture. C' est un pinceau assez saturé, je l'ai posé, je l'ai tenu pendant un moment, et je l'ai repris. On va voir jusqu'où ça va. Pour les deux autres, nous allons attendre un temps prédéterminé. Le milieu, je vais attendre une minute, et l'autre sera à cinq minutes. Ça fait une minute, donc on va ajouter le même point saturé au centre. Je vais le poser, le laisser s'asseoir, et tirer vers le haut. On verra jusqu'où ça va. Maintenant, cela fait cinq minutes, et je vais une fois de plus obtenir une belle charge de pinceau saturée de peinture et faire un point et soulever. Vous pouvez voir que cela va beaucoup moins loin du côté de l'application que les deux autres. Votre carte peut sembler légèrement différente. Donc je suis dans le nord-est, c'est le premier jour du printemps, peut-être que ma chambre est plus sèche ou plus humide que votre chambre, donc votre papier peut sécher à des taux différents. Essayez ceci avec des intervalles différents, immédiatement, peut-être 30 secondes, et deux minutes, si vous vivez dans un climat plus sec, ou si vous pourriez avoir besoin d'un espace si vous vivez dans un climat très humide, parce que votre papier va sec plus lentement. Ceci est utile lorsque nous allons faire la nature morte et la peinture monochromatique, parce que vous voudrez peut-être obtenir un bord doux sur quelque chose, mais la douceur dépend de la date à laquelle vous placez votre peinture dans votre lavage humide. Ce sera très utile. La prochaine des techniques de réglage de la valeur que nous allons examiner est de lever des pigments. On va peindre chacune de ces boîtes avec le même lavage. Je vais laver ma brosse, l' effacer, m'assurer qu'elle est belle et assoiffée. Ce premier est comme l'autre, c'est tout de suite. Je vais immédiatement soulever mon pigment, et je tiens juste ce pinceau là, lui donnant un petit tourbillon, et ensuite je tache, faisant la même chose. Comme vous pouvez le voir, parce que c'est tout de suite, le papier est encore humide sous l'endroit où j'essayais de tirer le pigment, donc une partie de ce pigment humide se déplace toujours dans la zone. Maintenant, on va attendre une minute. Cela fait une minute et je vais prendre un pinceau humide et brosser au milieu où je veux que ma nuance soit, puis tamponner légèrement, peut-être effacer mon pinceau un peu, soulever une partie de ce pigment avec ma brosse. Ascenseur. Vous pouvez voir que je commence à arriver là où cette eau a poussé un peu, parce qu'elle n'était pas complètement sèche et qu'elle crée sa propre petite floraison, ce qui est un effet propre, mais vous pouvez voir, moins elle est apparue. Maintenant, nous allons attendre jusqu'à ce que ce soit complètement sec et faire le fond. C' est complètement sec, donc nous allons faire la même chose, humidifier ma brosse, la brosser là où je voudrais soulever, et chatouiller le papier avec la brosse, parce que je ne veux pas être trop rugueux sur mes beaux pinceaux. Une fois que l'eau bouge, je vais prendre un pinceau assoiffé et essuyer ce que je peux. Vous pouvez voir que c'est à quel point je peux soulever une fois qu'il est sec, vous pouvez voir une nette progression de moins en moins de peinture pouvant être soulevée. Si vous voulez aussi voir, disons que si vous avez une brosse de lavage, vous pouvez en faire une seconde. On va faire la même chose et avoir le même effet ici. Blot et essuyez-le, puis nous allons prendre une brosse à poils durs si vous en avez une, et voir combien nous pourrions en obtenir. Il est toujours agréable de savoir ce que vous pouvez obtenir avec une brosse douce, et la différence entre ce que vous pouvez obtenir avec la brosse de lavage, car tous les papiers ne peuvent pas résister à une brosse de lavage. Je ne suis pas très dur ici, fais juste des petits cercles. Je veux juste prendre mon joli pinceau et juste l'éponger à nouveau. Comme vous pouvez le voir, j'en ai un peu plus, mais ce n'est peut-être pas toujours une option. Si vous vouliez garder ces petits documents, vous pouvez dire que c'est avec le nettoyage, et que l'un est sans, tout comme les deux autres. C' est ainsi que vous pouvez utiliser un pigment de levage pour peut-être supprimer une certaine valeur des zones de votre peinture qui sont devenues un peu trop sombres, ou ajouter quelques reflets. Pour le troisième des techniques de réglage de la valeur, nous allons travailler sur la superposition ou le vitrage. Cela fonctionne avec des peintures transparentes et opaques. Évidemment, vous obtenez un résultat différent. On va utiliser la même teinte neutre ici. On va utiliser la même teinte pour les trois glaçages ici. Nous allons commencer par faire à peu près un grand rectangle. On en a sur notre surface. Tu vois qu'il n'est pas si sombre. Comme je l'ai dit, je ne veux pas faire un plan complet et ensuite je le laisse, alors je fais mon plan et je commence rapidement à bouger dans une direction. C' est notre couche 1. Maintenant, nous allons attendre que cela sèche, puis je vais ajouter la couche 2 puis la couche 3. Je vais vérifier que j'ajoute chaque couche avec vous. Notre première couche a séché, et si elle vous semble plus léger, c'est parce qu'il est, aquarelle sèche plus léger C'est en fait l'une des raisons pour lesquelles le vitrage commence à entrer en jeu, parce que vous Mettez un lavage et une fois qu'il sèche, vous découvrirez qu'il n'était pas assez sombre. Maintenant, nous allons ajouter notre deuxième couche. Encore une fois, nous allons faire une force de teinte similaire, puis nous allons commencer à partir d'ici, puis juste travailler notre chemin vers le bas. Vous pouvez voir que j' ai un peu d'humidité en bas, donc je vais faire ce pourboire où je l'incline, et avec une brosse assoiffée, je vais juste tamponner, puis éponger, tamponner et juste tirer une partie de cette humidité supplémentaire. Maintenant, nous allons laisser sécher ça et revenir pour notre troisième couche. Notre deuxième couche a séché, et nous allons faire notre troisième et dernière couche. Vous pouvez voir que nous construisons lentement cette valeur. Prenez ma peinture, puis ajoutez-la sur cette troisième couche. Chacune de ces couches est toujours la même force de teinture approximativement que la première couche, mais c'est juste le fait que vous les empilez, qui vous permet d'accumuler de la valeur. Vous pouvez l'utiliser comme méthode principale ou juste pour corriger peut-être une zone qui n'a pas assez de profondeur de valeur. Vous pouvez voir, c'est à ça que ça ressemble, ça a l'air très non pondéré, humide. Laisse-moi le sécher très vite et je reviendrai et on le regardera après. Vous pouvez voir maintenant que les trois couches ont séché et vous voyez une nette progression de l'obtention d'une valeur plus foncée. Comme je l'ai dit, chaque couche a été faite avec la même force de teinture, et cela vous permet juste d'avoir plus de contrôle sur la façon dont une zone est sombre, En ajoutant de plus en plus chaque couche. Il faut juste plus de temps pour tout faire en une seule couche. Maintenant, nous avons fini avec nos techniques de base de l'aquarelle, des lavages à l'ajustement de la valeur, et vous devriez avoir une excellente base pour commencer votre projet de classe. En utilisant ces techniques d'ajustement supplémentaires, vous devriez être prêt à créer une plage de valeurs réussie. Dans la leçon suivante, nous allons utiliser ces techniques pour créer une échelle de valeur avec la couleur que vous avez choisie. 10. Échelles de valeur: Étant donné que les valeurs d'une peinture monochromatique contribuent grandement à créer la force de votre composition, il est recommandé de créer une échelle de valeur pour voir la couleur de votre peinture décomposée étape par étape. Dans cette leçon, nous allons créer une échelle de valeur avec la couleur que vous avez choisie. Désormais, les échelles de valeur peuvent sembler différentes selon la façon dont vous souhaitez l'utiliser pour votre pratique. De nombreux guides de terrain incluent parfois une échelle monochromatique de gris noir et blanc pour le placer à côté de quelque chose pour essayer de comprendre où il se trouve dans la plage. Mais vous pouvez en créer un vous-même, que ce soit... celui-ci est cinq carrés et celui-ci est 14 carrés, qui est un peu exagéré. La plupart d'entre eux sont environ 10, parce que c'est ce qui est utilisé dans l'échelle de Munsell. Il va d'un qui est du papier blanc, puis le numéro 10 va être la valeur maximale. Pour l'aquarelle, pour moi, la valeur maximale va être aussi épaisse que je peux appliquer la peinture sans qu'elle devienne un revêtement sur le papier. Vous aimerez peut-être ce regard, qui, par tous les moyens, vont de l'avant et superposent ça. Mais je trouve que les caractéristiques de réflexion de la peinture changent à ce stade, elle devient mate, elle attire l'attention parfois favorable, parfois de manière défavorable, mais j'essaie d'éviter cela. Je vais aller à une valeur maximale où il fait aussi sombre que possible avant qu'il ne commence à ressembler à la peinture sur le papier plutôt que mélangée avec le papier. Vous pouvez voir ici, j'ai le morceau de papier qui est préparé pour mon échelle de valeur. J' ai 10 carrés ici sur la gauche, puis les chiffres juste sur la droite pour ma référence. Maintenant, il y a deux façons différentes de faire une échelle de valeur. Il y en a peut-être plus, mais je les ai fait de deux façons différentes. Je les ai fait dans la version que je vais vous montrer, c' est-à-dire que je commence avec une teinte claire, la teinte la plus foncée, et une teinte médiane. Ensuite, je travaille entre les deux pour avoir une idée de ce que je vise en termes de valeur pour chaque carré. Mais vous pouvez également le faire en utilisant des vitrages. Tout comme notre exercice de vitrage, vous pouvez commencer avec le numéro 2 jusqu'à 10. Maintenant, nous laissons le numéro 1 en papier blanc, et faisons une légère teinte ici, laissez-le sécher, puis continuez à superposer ces teintes sur des couches sèches jusqu'à ce que vous atteigniez une teinte la plus sombre. Le seul problème que j'ai eu avec ça dans le passé, c'est parfois que je ne vais pas assez vite dans l'obscurité. Je n'ai juste aucun moyen de jauger où je suis à moins que vous soyez très familier avec la couleur que vous expérimentez. Essayez les deux, voyez ce qui convient à votre style. Mais je vais le faire par le ton le plus léger, l'obscurité et le ton moyen. Je vais juste avoir ce laps de temps, et vous pouvez suivre, et je viendrai si j'ai quelque chose à noter. Maintenant, je vais supposer que tout ça va sécher un peu plus léger. Cela peut sembler qu'il devrait être plus bas, mais je vais probablement mettre une autre couche sur le dessus de 10 car je trouve à quel point il sèche sombre. Vous pouvez voir ici que j'utilise la capacité de levage pour aspirer partie de cette peinture et pigment parce qu'il était un peu proche, bien que celui-ci soit légèrement séché, donc celui-ci va sécher plus tard. Mais je m'ajuste au fur et à mesure que j'y vais. Je n'attends pas particulièrement que chacun d'entre eux sèche, je laisse un petit peu d'espace blanc entre les deux. J' ai tous les carrés remplis. En essayant de revenir étudier, j'ai pu voir une partie de ma peinture de trois saignée en deux. Mais je veux en retirer certains sur deux de toute façon. Je vais juste mouiller toute cette zone. Je n'ai pas commencé probablement assez léger. Maintenant, chacune de ces étapes, si vous regardez l'échelle de Munsell, devrait représenter environ 10 % de la couleur totale. Maintenant, c'est difficile à évaluer. J' essaie de le faire visuellement. Vous pouvez voir qu'il est là depuis si longtemps, qu'il ne soulève pas très bien, donc je vais essayer avec ma brosse de lavage ici. Cela pourrait nous donner un bon exemple d'ajustement. Maintenant, une fois de plus, c'est humide, donc il va sécher un peu plus tard. C' est également à moitié sec. Il a l'air un peu d'avant en arrière. Au fur et à mesure qu'il sèche, revenons-y, puis évaluons où nous devons ajouter ou soustraire de la valeur. Maintenant, mon échelle de valeur, la première couche ici a complètement séché, et je vais revenir et réévaluer ce qui a besoin de valeur, ce qui a besoin de valeur enlevée, etc. Je peux dire que j'ai des groupes où ces deux sont similaires, et ces deux sont similaires, mais il y a de la place entre eux pour apporter quelques changements. Je ne veux pas avoir une obscurité terriblement... en fait, je vais faire glisser ça, pour que vous puissiez voir ma palette de mixage ici. Vous pouvez voir, ce n'est pas une teinte terriblement sombre, c'est juste assez pour ajouter un peu de ton. Nous allons parcourir l'obscurité de chacune de ces étapes, et en fait juste ajouter un peu à toutes ces étapes ici dessous aussi. Comme je l'ai dit, je voulais ajouter. Voyons voir si je peux en ajouter plus. Espérons que ça ne devienne pas trop pâteux, c'est ce que je veux éviter. Tout est sec maintenant, et il est assez proche d'une bonne échelle 1-10 ici. Une fois que vous avez terminé, continuez à réévaluer votre échelle et essayez d'utiliser certaines techniques d'ajustement pour affiner les étapes. Trop de correction cependant, peut rapidement bousiller la balance. C' est pourquoi je ne vais pas revenir en arrière et essayer de soulever plus de cette couleur parce que ça aurait pu être un peu plus léger, mais c'est difficile à dire. Mais évidemment, parfois, il vaut mieux le prendre plus lentement. Si vous n'avez pas commencé à créer des échelles de valeur, essayez de recréer l'échelle maintenant que vous avez une certaine expérience de la façon dont les étapes doivent être ventilées. C' est là pour me donner une idée pendant que je fais ma peinture de l'endroit où je suis en termes d'approcher de cette valeur maximale. Je vais savoir, si je prends notre carte de lavage plat, c'est assez proche de ce bas à milieu de gamme ici. J' ai plus de place pour aller si j'ai besoin d'ajouter des sombres, mais j'espère que c'est dans une zone d'ombre. Si ce n'était pas une zone qui était supposée être dans l'ombre, je voudrais certainement soit soulever une partie ou essayer à nouveau si elle n'est pas soulevable. C' est un bon moyen de garder un œil sur les choses au fur et à mesure que vous progressez avec votre peinture. Maintenant que nous sommes prêts à peindre, explorons ce que nous allons peindre dans la prochaine leçon. 11. Sujets monochromes: Maintenant que nous sommes prêts à peindre, notre prochaine étape est de créer notre nature morte. Un bon endroit pour commencer est ce qui fait une bonne référence pour cela. Examinons quelques caractéristiques clés des peintures monochromatiques et retirez ce qu'il faut chercher. Comme une variation de couleur ne fait pas avancer une peinture monochromatique, nous devrons nous assurer que l'intérêt pour le sujet est basé sur d'autres caractéristiques. Les principales caractéristiques des peintures monochromatiques pourraient plutôt inclure des sujets à contraste élevé. Donc, une plage de valeurs qui est utilisée efficacement. Ils ont une composition claire, ce qui ne signifie pas nécessairement réaliste ou très détaillé. Cela pourrait être abstrait, mais au moins que l'intention de la composition est claire, et que vous savez où l'artiste voulait que vous regardiez. La peinture monochromatique a également tendance à utiliser des sujets plus intéressants, donc que ce soit un but intéressant d'un objet, la forme de l'objet, la texture du sujet, ou simplement le motif de lumière qui est venant à travers la composition. Tous ces éléments peuvent être utilisés pour faire avancer votre composition, au lieu de s'appuyer sur la couleur de ces objets. En même temps, cela ne signifie pas que vous ne pouvez pas choisir un objet coloré à peindre avec ou sans intention sous-jacente de placer cette couleur vive comme une déclaration. Pour le rendre plus facile de commencer à voir à quoi ressemblent les compositions en monochrome. Je suggère soit de marcher avec l'appareil photo de votre téléphone en noir et blanc avec un filtre. Ou si vous voulez simplement prendre un tas de photos avec votre téléphone ou un appareil photo ordinaire, puis les modifier pour enlever la couleur et juste voir ce qui attire votre attention, ce qui fonctionne, et ce qui ne fonctionne pas. Vous pouvez remarquer des caractéristiques partagées que vous appréciez entre les objets. Par exemple, j'aime utiliser verre, les variations de texture et un éclairage fort pour beaucoup de mes sujets monochromes. Remarquez comment certains des objets colorés dans des endroits qui semblent accrocheurs en couleur peuvent sembler peu excitants en noir et blanc en raison de plages de valeurs étroites. Maintenant, développer votre œil pour une grande nature morte monochromatique que vous aimez peut prendre du temps. N' hésitez pas à essayer quelques arrangements différents pour votre projet de classe. Dans la leçon suivante, nous allons faire une chasse au trésor pour récupérer vos objets préférés que vous avez trouvés et organiser cette nature morte. 12. Créez votre nature morte: Maintenant, il est temps que notre projet de classe commence à prendre forme. Suivez-moi sur la petite chasse au trésor alors que je magasine ma maison pour trouver des objets et des endroits préférés. Je vais vous donner quelques conseils pour vous aider à trouver des objets qui vous parlent à l'intérieur et autour de votre propre maison. Si nous regardons différents endroits où vous passez beaucoup de temps, se concentrer sur des endroits comme votre entrée ou votre garage peut être des sujets vraiment intéressants. Ce sont des endroits que vous utilisez beaucoup, donc il y a certainement des objets de vie intéressants ici. La cuisine est toujours un favori quand il s'agit de matériaux de nature morte. Les fruits, légumes, couverts et autres articles de cuisine sont des sujets essentiels de la nature morte depuis des siècles. L' autre endroit où je cherche des matériaux de nature morte intéressants est mon studio, ou n'importe quel endroit où votre passe-temps ou votre travail est fait. Cela aura des outils qui racontent l'histoire de la création, et qu'il s'agisse d'outils utilisés ou d'outils au repos, ceux-ci peuvent toujours être des compositions intéressantes. Gardez également un œil sur les endroits tels que les appuis de fenêtre, les tables, les étagères pour livres. mises en place spécialement pour les natures mortes sont largement acceptées, ce qui signifie une table avec une nappe et mis en place spécialement pour une nature morte, mais évidemment, semblent plus mis en scène dans formel. Voyez ce qui fonctionne pour vous et votre matériel. Pendant que vous configurez votre nature morte, prenez quelques instants pour visualiser aspect de votre composition dans les dimensions de votre peinture. En commençant par l'espace négatif, y a-t-il trop d'espace négatif ? Votre sujet se sent-il perdu ? Ou peut-être n'y a-t-il pas assez ? Y a-t-il de mauvaises tangentes ? L' éclairage doit-il être réglé ? Maintenant, cela pourrait signifier soit que l'éclairage réel de la scène doit être ajusté soit que vos objets doivent-ils être réarrangés pour que les valeurs alternent ? Une autre chose à surveiller sont juste des distractions involontaires. Ça pourrait être quelque chose qui se trouve dans ta chambre. Vous ne remarquez pas vraiment parce que vous y êtes habitué ou que cela pourrait être quelque chose dans la composition elle-même que vous ne voulez pas intentionnellement attirer votre attention. Eh bien, j'espère que vous avez trouvé des objets et emplacements dans votre maison qui sont équivalents à des trésors de nature morte, et vous avez quelques configurations prometteuses pour notre prochaine étape, qui consiste à créer une composition à l'aide de quelques miniatures et à dépanner que mis en place. Maintenant, si vous êtes comme moi et que vous ne pouvez pas laisser votre vie morte pendant la durée de votre projet de classe dans les séances de peinture, alors j'aime prendre beaucoup de photos que vous avez vues. J' ai quelques conseils pour vous aider si vous êtes aussi dans ce bateau et avez besoin de compter sur des photos de référence pour obtenir toutes vos informations. Mon premier conseil est de m'assurer que vous prenez beaucoup de photos de différents arrangements. Même si vous voyez un arrangement et que vous pensez à 100 %, vous allez l'utiliser pour votre configuration, continuant de déplacer les choses et de prendre d'autres photos, de l' attraper sous différents angles, même si vous ne voulez pas déplacer les choses. Parce que vous serez surpris lors de l'étape suivante lorsque vous l'analysez comme un sujet de peinture, que parfois les choses ne fonctionnent pas, vous devez déplacer visuellement les choses et vous aurez besoin d' informations supplémentaires sur votre sujet. La même prémisse à l'astuce suivante est de vous assurer de saisir votre plage de valeur complète. Parce que vous utilisez ceci comme référence de peinture, vous avez l'avantage de prendre quelques photos qui ne montrent pas tout à fait toute l'image. Ce que je veux dire, c'est que vous pouvez soit prendre comme une image HDR qui capturerait plus de valeurs, ou vous pouvez simplement prendre une exposition plus faible pour capturer tous vos points forts et l'exposition plus élevée pour capturer toutes vos ombres. Ensuite, utilisez simplement les informations dont vous avez besoin de chacun de ces clichés pour remplir vos détails. Une autre remarque est que si les animaux de compagnie ne sont pas exactement la nature morte, ils peuvent certainement ajouter une certaine dimension vivante. Vous devrez peut-être avoir au moins une photo de référence avant qu'ils ne s'ennuient et décident qu'ils ne veulent plus être dans votre photo. Dans la même ligne que cela, assurez-vous de saisir les photos de détail, plus près pour les éléments que vous voulez exagérer ou vous concentrer sur parce que vous seriez surpris en bas de la ligne si vous voulez ensuite mettre l'accent sur quelque chose, vous pouvez n'ont plus accès à cet objet ou il a changé. Supposons que vous utilisez des fruits ou des fleurs, ils ont tendance à se flétrir ou à regarder un peu au cours de la semaine prochaine. Prenez des photos supplémentaires, plus de photos de près des détails que vous souhaitez inclure. Mon dernier conseil est plutôt une préférence personnelle, et je tourne toutes mes photos de référence en couleur. J' ai appris ma leçon depuis des années que même si je tourne pour un projet monochromatique, je tourne toujours tout en couleur parce que vous ne savez jamais à quoi d'autre vous pouvez appliquer cette inspiration, et vous ne voulez pas gauche souhaitant vous tirer en couleur dans quelques années. Dites, vous voulez faire une nature morte à l'huile ou une palette de couleurs différente à l'aquarelle. Je photographie toujours en couleur, puis juste éditer une copie de la photo en monochrome pour ma référence de valeur. Maintenant, avec tous ces conseils, vous devriez être sur le chemin de vos photos de référence ou de votre nature morte en personne, et passer à l'étape suivante, qui consiste à esquisser avec des miniatures et à dépanner votre composition. 13. Esquissez votre composition: [ MUSIQUE] Très bien, à ce stade, vous avez des objets, peut-être un emplacement, ou un tas de choses que vous voulez essayer pour la taille. Dans cette leçon, nous allons utiliser des miniatures pour créer un arrangement de vos objets dans leur environnement et créer une composition qui ressemble bien en monochrome. Cette leçon peut être faite soit esquisser de votre nature morte alors qu'elle est en face de vous ou utiliser une photo de référence pour travailler à travers votre composition avec les vignettes, je vais vous montrer les deux processus dans mon carnet de croquis. Si vous avez besoin de plus d'informations sur la prise de photos de référence, revenez à la leçon précédente à examiner. Lorsque vous faites vos miniatures avec votre nature morte devant vous, je trouve que j'aime travailler avec peut-être des miniatures plus grandes. Cela me donne plus de place pour réfléchir au sujet et avoir la capacité de bouger physiquement autour du sujet me donne l'occasion d'explorer des perspectives différentes. Quand je fais les vignettes ici, je le garde assez lâche au début, puis je me resserre comme je trouve si j'aime ce que j'ai dessiné ou reformaté ça, effacer, resketching. Il suffit de voir si la perspective fonctionne, si la pièce autour de la situation fonctionne, et si l'œil du spectateur est intéressé ou non, si les choses semblent gênantes, vous pouvez l'enlever, le déplacer, et avoir cette nature morte en face de vous permet également de déplacer physiquement ces objets. Aussi, n'ayez pas peur de pouvoir emprunter une route et dire que ça ne marche pas. Vous pouvez voir la vignette du haut là je viens de l'abandonner parce que ça ne fonctionnait pas. Ce dernier, ici, j'ai décidé de me recadrer. C' est toujours une option. [ MUSIQUE] J'ai ici ma photo de référence préférée de la séance photo que j'ai fait mettre en place ma nature morte, en essayant différentes perspectives. Je pense que celui-ci va être génial parce qu'il ne se passe pas trop. J' ai décidé d'un sans les fleurs parce que c'était juste trop de détails quand nous essayons de juste se concentrer sur les valeurs, ce sont les vignettes que j'ai inventées pour résoudre certains problèmes et je vais juste revoir rapidement ce que j'ai découvert, ce que j'ai changé et bougé et ce que j'ai décidé de faire. Vous pouvez voir ici que j'avais commencé à penser à la culture, à l'origine je voulais recadrer cela et couper le bord de ces raisins pour qu'il ne soit pas juste près du bord, il serait en fait hors du bord. J' ai fini par décider que c'était mieux d'avoir cet espace négatif intéressant autour d'elle plutôt que d'être coupé. Le reste de mes croquis incluait cet espace autour des raisins parce que je pensais juste que c'est tout simplement génial, grand contraste qu'ils apparaîtront vraiment sympa en monochrome. Maintenant, les autres choses que je cherchais, des choses comme les mauvaises tangentes. Il y en a quelques-uns. La tige se croise ici avec le rebord de la fenêtre, la bouteille et le verre se croisent, et le niveau du vin reste dans la bouteille et le haut du verre ou au même niveau. Toutes ces choses que j'ai joué avec différents ajustements. Déplacer la tige au-delà du rebord de la fenêtre, déplacer la bouteille de vin ou le verre l'un devant l'autre. La raison pour laquelle j'ai choisi de déplacer le verre devant la bouteille et non vice versa est que cette ligne droite de la bouteille étant à l'avant n'est pas aussi intéressante que cette ligne courbe. Cela rendra une juxtaposition plus intéressante de formes et valeurs qui apparaîtront comme plus accrocheur en monochrome. Puis la dernière chose que j'ai changée, c'est que j'ai fini par brouiller ce fond un peu plus parce que chaque fois que j'essayais de le dessiner, je viens de trouver qu'il attirait mon attention. Ce seuil est un peu dans l'ombre, donc il attirait mon œil et ne le dessinait pas et le ramenait dans la composition. Il vous fait sortir de la composition. Je pensais que si je finis peut-être par mettre en arrière-plan plus humide et humide, cela fera un motif plus atmosphérique d'ombres derrière elle. Puis j'ai essayé ce dernier croquis ici, supprimer, ne pas mettre dans la bouteille de vin du tout et j'ai juste senti qu'il semblait vraiment vide et gênant, j'ai décidé que ce n'était pas quelque chose que je voulais poursuivre. Je n'ai même pas mis mes valeurs dans ce croquis. Je l'ai juste nixé dès que j'ai su que ce n'était pas une direction dans laquelle je voulais aller. Le reste d'entre eux, vous pouvez voir, j'ai fait esquissé dans mes valeurs et je travaille sur cette juxtaposition, cette oscillation entre la lumière et l'obscurité. Vous pouvez voir que c'est ainsi que j'utilise les miniatures pour penser visuellement à travers ces. Je les dessine, c' est sur un morceau de papier aquarelle. C' est en fait le carnet de croquis que j'utilise dans mon autre cours de Skillshare, problèmes dans votre carnet de croquis, parce que c'est Kilimandjaro de Cheap Joe's, parce qu'il a du papier de croquis entre les pages. Je peux travailler sur des notes et mes pensées, mais ce papier est sympa parce que je ne le considère vraiment pas précieux et je peux juste utiliser un crayon sur si je me sens comme ça ou si je veux passer par et faire quelques études sur l'aquarelle. C' est celui que j'ai fait précédemment, mais la nature morte différente. Je peux alors, dans la même page, entrer et entrer là-dedans. Je n'ai pas besoin d'avoir deux, quatre pages qui flottent autour. Vous pouvez voir ici que c'est le même processus. Cela fonctionnait à partir d'une photo de référence et j'ai bougé les choses, assuré d'aligner les choses ici, les bouteilles au centre qui n'avaient pas l'air bien, alors j'ai fini de sorte que les deux objets étaient à une troisième ligne, et cetera, et a travaillé sur les détails, veillant à ce que le contraste soit le plus élevé là où vous vouliez vous concentrer. Nous allons continuer à travailler sur celui-ci ici. J' ai maintenant cette photo avec ce recadrage similaire ici en noir et blanc. Puisque je n'ai pas la photo avec la bouteille, je vais supposer que je bouge ça parce que je veux bouger cette bouteille. Vous pouvez voir que c'est mon échelle. C' est environ cinq par sept, photo. Alors l'autre décision que je dois prendre en ce moment est, suis-je satisfait de mon choix de couleur ? J' ai fait tous mes exercices dans la teinte neutre de Daniel Smith. Je pense que c'est un peu trop cool d' une couleur pour le design que j'ai choisi. J' ai réévalué les couleurs que j'ai à ma disposition. Je voulais une couleur plus chaude et j'ai fini par choisir ce bois brut. C' est un ton beaucoup plus chaud, vous pouvez voir de l'obscurité à la lumière ici, je pense que ce sera un beau soleil, peut-être vieilli un peu de couleur. En réponse à cela, j'ai également fait une nouvelle échelle de valeur, celle-ci avec seulement cinq étapes, et pour vous donner un peu de variété, celle-ci a été faite dans la méthode du vitrage. Ça a l'air un peu plus propre. Je suis aussi beaucoup plus familier avec cette couleur que de faire l'échelle de valeur teinte neutre que vous pouvez voir qu'il est sorti beaucoup plus propre. Je suis plus familier avec l'endroit où ces marches tombent en panne et l'épaisseur que j'aimerais que cela aille. Ce sera la couleur dans laquelle je vais faire ma peinture. Je vais passer à l'étape suivante. Obtenez votre composition choisie tracée sur votre surface de peinture désirée et je vous verrai dans la vidéo suivante. J' ai vraiment l'impression que les miniatures sont un excellent outil pour travailler à travers des idées de composition. Si vous avez un ou deux favoris, je vous encourage vraiment à poster certains dans votre projet dans la galerie. J' aimerais voir comment vous travaillez à travers vos problèmes ou idées et obtenir de nouvelles perspectives sur ce que pourrait être votre nature morte. Si vous avez des problèmes. Je vous recommande de poster quelques photos et vos pensées en ce moment dans le forum de discussion ci-dessous et nous reviendrons vers vous avec quelques idées, quelques perspectives différentes. Que ce soit de moi-même ou peut-être d'autres élèves qui se jettent avec leurs propres points de vue. Une fois que vous avez une composition avec laquelle vous voulez aller de l'avant, nous allons passer à la leçon suivante. Nous allons commencer notre première couche de peinture avec les valeurs les plus légères. [MUSIQUE] 14. Peinture : Valeurs lumineuses: Dans la première de nos leçons de démonstration, nous allons faire des valeurs de lumière. Dans cette leçon, nous allons nous concentrer sur la mise en place quelques lavages légers et juste commencer à délimiter où sont nos objets. Une autre bonne façon de regarder cela est à peu près simplement réserver les faits saillants et commencer à indiquer ce qui a n'importe quelle couleur. Ensuite, nous allons ajouter une couche supplémentaire pour commencer à construire ces valeurs et séparer un peu les choses. Pour les valeurs les plus légères, la première chose à laquelle vous voulez vous assurer de faire attention est à quel point votre lavage est arrosé. Vous pouvez voir que j'ai ajouté beaucoup d'eau pour en faire un bon lavage léger. Ensuite, cette toute première couche, comme je l'ai mentionné, nous réservons à peu près les points forts. Je prévois de couvrir la majeure partie de cette zone avec de la peinture, mais pour ce faire et ne pas obtenir des bords durs dans le cadre de cette flaque d'eau commence à sécher, je travaille d'un coin, vers l'autre, se déplaçant autour pour essayer de garder tout ces bords actifs ou humides. Vous pouvez voir que j'ajoute peut-être même de l'eau propre pour garder le papier humide, puis je reviendrai avec plus de pigment plus tard. essaye juste de faire attention que je ne peigne pas sur une zone que je veux rester complètement blanche. C' est à peu près de quoi il s'agit de cette couche. Une autre chose à mentionner est que votre couche n'a pas besoin d'être un ton uniforme à travers le tableau. Vous pouvez voir qu'il ajoute des intérêts visuels pour obtenir des zones qui ont cette qualité plus fluide pour laquelle l'aquarelle est connue, et qui, même sous toutes les couches supplémentaires que nous allons ajouter, va simplement créer un certain intérêt. Vous pouvez voir que c'est maintenant sec et j'y vais avec la deuxième couche. C' est là que je vais commencer à analyser quelles zones ont plus de valeur, plus de volume, et commencer à travailler avec plus d' entre elles soit humide pour créer un bord doux ou se fondre. Comme cette couche ne couvre pas entièrement ou principalement la surface de la peinture, je suis capable de mieux contrôler où je pose la peinture, mes bords humides. Je suis capable d'aborder chaque section au fur et à mesure que je vais. Je n'ai pas besoin d'aborder une grande section en soi dans cette couche. Il y a des zones qui seront plus grandes que d'autres, mais vous pouvez voir que je me concentre sur les zones contrôlables. Une bonne façon de s'assurer que vous n'ajoutez pas trop de détails trop tôt est de plisser les yeux sur votre photo de référence ou sur votre nature morte et d'essayer de juger à ce stade « Est-ce que tout ce que je regarde une valeur en dessous de cela, un au-dessus de cela ? » et maintenant vous pouvez généraliser des zones et si la plupart des détails entre les objets se produisent à un stade plus sombre, alors il n'est pas nécessaire de différencier ce détail maintenant. Vous pouvez voir ici pour appliquer ce mouillé en effet humide, je voulais faire le fond pour le garder pas concentré. J' ai ajouté de l'eau propre et puis j'ajoute du pigment qui va couler dans cette eau propre pour créer de beaux bords doux et lui donner un effet atmosphérique floue. Rappelez-vous, vous pouvez toujours incliner votre papier et absorber tout pigment supplémentaire avec une brosse assoiffée. J' ai laissé sécher la valeur de cette première leçon de couches. Cette leçon était avant tout de bloquer nos lumières. La première couche que j'ai mise était probablement entre un et deux, plupart du temps réservant mes points forts. La couche suivante était plus entre deux et trois, et c'était pour commencer à bloquer sous une forme ou une autre. Il est parfois un peu difficile de penser en arrière comme ça. Vous pouvez travailler de la façon que vous voulez, mais ceci est, j'ai parfois trouvé un moyen agréable et facile de garder un oeil sur votre valeur pour juste travailler de la lumière à l'obscurité. Nous allons passer à travers et ajuster les choses au fur et à mesure que nous allons. Ne vous inquiétez pas de tout mettre sur la couche que vous êtes censé mettre. Le calque suivant, cependant, nous allons commencer à travailler un peu plus sur ces formes et ces ombres, et nous allons entrer dans les tons moyens. Ok, donc on a mis dans notre lavage le plus léger. Vous avez vu que première couche était essentiellement de réserver nos points forts, puis la couche au-dessus de cela, les premiers pas vers la création de valeur dans les zones qui ont, pas blanc. Dans la prochaine leçon, nous allons aller plus loin. Nous allons commencer à construire nos tons moyens, ajouter des calques et commencer à construire la forme de tous ces objets séparant l'avant de l'arrière, l'ombre et la lumière, et à travailler sur la majeure partie de cette plage de valeurs. 15. Peinture : valeurs des tons moyens: Dans cette leçon, nous travaillons dans la section mi-ton. Il s'agit de la section principale de la plage de valeurs. Nous commençons vraiment à obtenir toutes vos informations, et cela ne scelle pas vraiment comme le fait le contraste, mais nous prenons cette première section de couches, les lavages de lumière, et ajoutons mais nous prenons cette première section de couches, de façon plus de forme, de valeur et de délimitation. Nous allons vraiment commencer à avoir une idée de notre nature morte. C' est aussi une grande étape que vous avez le sentiment que quelque chose fonctionne, ou ne fonctionne pas. Donc, si vous voyez quelque chose, faites un changement ou peut-être revenir à la première leçon, et redémarrez avec une composition différente. Il s'agit d'une excellente section pour garder les yeux ouverts et surveiller tout problème potentiel. Donc, cette leçon, nous allons commencer à entrer dans cette forme et cette ombre avec un peu plus de détails et plus d'obscurité, donc nous allons travailler sur nos tons moyens. Ça va être là sur mes petites échelles de valeur de cinq pièces, qui vont être entre trois et quatre. Si vous travaillez avec une échelle de valeur en dix étapes, c'est probablement autour de cinq, six, peut-être en arriver à sept aussi. C' est cette fois dans la peinture où les choses vont commencer à ressembler à des objets. C' est une peinture très délavée. Nous allons commencer à définir, pas vraiment entrer dans ces détails pointus, car généralement cela se fait avec ce contraste profond. Ce sera quelque chose que nous aborderons dans la dernière leçon, créant des contrastes. Nous allons commencer, et je vais probablement commencer avec mon arrière-plan d' abord avec un beau lavage humide et blanc pour garder cette attention douce dont je parlais dans mes miniatures. Vous pouvez voir, comme je l'avais prévu, que je commence par ce lavage de fond, peu comme dans l'autre vidéo, sauf pour cette fois je mouille toute la surface de l'arrière-plan par rapport à l'endroit où la peinture va s'écouler. Je pose une couche d'eau propre, et je travaille maintenant avec un lavage légèrement plus sombre pour commencer à l'extrême gauche là et l'amener vers la droite. Je vais le laisser juste errer cependant et créer ces bons effets de décantation pigmentaire. Ensuite, une autre chose que je veux faire différemment est que je vais ajouter plus de pigment à ce coin et commencer à bloquer dans cette suggestion du cadre de la fenêtre et juste laisser tout couler et devenir très atmosphérique. Alors qu'il est mouillé, vous pouvez aussi simplement déposer un pigment supplémentaire pour souligner cette descente dans l'ombre. Je m'assure de sécher cette pièce entre ces grandes zones parce que ce que je ne veux pas, c'est que la prochaine zone saigne dedans. Dans cette couche, je vais commencer à ajouter le volume à mon sujet principal, qui est le bol de raisin au lieu de commencer par le verre et la bouteille. Je vais passer le plus de temps sur cette zone à créer ces formes, à essayer d'obtenir les ombres et cette lumière réfléchie qui est si importante à la fois sur le bol hors de la table et dans les raisins eux-mêmes. Parfois, quand vous avez affaire à un sujet compliqué comme celui-ci où il y a beaucoup de différentes formes qui se croisent, il est utile de travailler avec les formes les plus basiques, c'est le bol, et juste sortir ça du chemin, puis plonger dans le plus complexe. Il suffit de franchir la prochaine étape la plus simple et de vous frayer un chemin dans cette zone compliquée. Vous pouvez voir ici la façon dont j'approche les raisins et j'ajoute dans cette ombre, puis je mets de l'eau propre à côté pour permettre à une partie de ce pigment de s'écouler. On dirait qu'il coule autour de la forme du raisin. Vous avez une idée de cet éclairage et de la lumière qui traverse, mais les zones sont toujours hors de sa portée. Vous pouvez voir que je travaille, je prends également soin d'effacer peut-être les zones où la peinture a coulé trop. Maintenant, je peux réguler ma valeur quand elle change à travers la surface des raisins et vous donne cette illusion d'une surface convexe. Vous allez aussi voir que je vais sauter d'avant en arrière entre différentes zones au fur et à mesure que la peinture sèche et je vois si je veux ajouter ou ajuster. Je sais que je peux revenir sur ces domaines à l'étape suivante aussi, mais c'est toujours bon si vous voyez que vous n'aimez pas comment certaines choses sortent pour l'ajuster au fur et à mesure qu'il arrive. Sur ces groupes les plus légers, je dois être très prudent de ne pas ajouter trop ou laisser aller trop loin vers la droite parce que garder ces points forts vraiment vibrants sur le côté droit de ces raisins où la lumière est frappant très brillamment va créer l'attraction principale pour cette pièce, pour cette composition. Je m'assure de prêter plus d'attention à ça. Vous pouvez voir ici, je commence à ajouter une partie de la valeur pour les branches commencent à donner un sens visuel à la composition. Il a tendance à rendre plus facile pour votre cerveau d'analyser ensuite les autres sujets. Se déplacer dans les objets de soutien, qui seront notre verre de vin et la bouteille de vin. Je commence par des formes nettes dans la valeur qui est appropriée pour ce calque, donc dans mes cinq échelles, autour d'un trois. Si vous travaillez sur une échelle de dix, ce serait environ cinq, six. Vous allez voir que ça ne sera pas aussi détaillé que les raisins. Je vais même travailler pour diminuer une partie du détail au fur et à mesure qu'il entre, donc je vais l'ajouter et le retirer ; ajouter un peu plus et en prendre plus juste pour trouver l'équilibre parfait de la définition et le garder pas le sujet principal. Vous pouvez voir ici parce que l'ombre sous les raisins est aussi un autre élément important de cette composition que j'ai rempli la plupart de l'ombre avec de la peinture, mais cette petite section sous le raisin, En fait, je le remplit avec de l'eau et laisse la peinture rouler, juste parce que dans beaucoup de ces zones, il y a beaucoup de lumière réfléchie qui circule, c'est pourquoi utiliser de l'eau propre pour se fondre et créer des bords souples est si efficace. Je le dessèche à nouveau parce que je veux travailler sur ces faits saillants, comme vous pouvez le voir dans de petits moments ici. Je mets de l'eau et je soulève quelques faits saillants que j'ai manqués sur le bol. Nous avons donc terminé les séances sur les tons moyens. Comme vous pouvez le voir en me regardant, que je commençais par l'objectif réel de la peinture. Cette fois, j'ai passé le plus de temps à m'assurer que les raisins étaient bien ombragés et à créer une forme. Je n'ai pas tout à fait fini, évidemment, nous avons encore une leçon à faire. J' ajoute dans les détails certains de ces sombres les plus profonds, mais vous pouvez voir, ils ont les intérêts les plus délicats. J' ai passé beaucoup moins de temps à tomber en arrière-plan, faire le verre, à faire la bouteille. Vous pouvez voir, je profite de l' endroit où l'aquarelle veut juste faire son truc. Donc, qu'il s'agisse d'une fleur ou d'un endroit où elle coule d'avant en arrière, elle lui donne certainement un peu plus de texture et donne une caractéristique à ces objets qui sont en céramique, c'est-à-dire le verre, le liquide. Vous voulez que cette caractéristique fluide vienne à travers, donc ça rend votre peinture plus intéressante. Vous pouvez aussi voir où peut-être, l'aquarelle coulait trop et soit je l'ai effacée avec mon pinceau, un pinceau assoiffé, ou avec une serviette en papier. Celui-ci que vous pouvez voir est plutôt utilisé, mais il est extrêmement doux et absorbant, donc j'ai juste utilisé ça pour souffler de petits reflets, surtout, ici. C' est là que se trouve la plupart de mes intérêts. Je veux faire attention à l'endroit où il y a de la lumière réfléchie. Cette ombre ici est plus claire parce qu' elle reflète également la légèreté de la lumière qui traverse le raisin, puis le raisin a également un point culminant réfléchi de la table. C' est capturer ces petits détails qui lui donnent une touche spéciale supplémentaire. Dans la leçon suivante, nous allons passer par l'ajout d'un accent supplémentaire sur le contraste dans les détails. Nous avons maintenant nos tons moyens dans. Vous devriez vraiment avoir un sens pour votre composition maintenant, assurez-vous que tout fonctionne. Ce n'est pas encore tout à fait fini parce que c'est ce que la prochaine leçon va vraiment vous donner ce contraste. Beaucoup de gens qui pensent que leurs peintures ne fonctionnent pas tout à fait ; parfois, c'est juste parce qu'ils sont coincés à ce stade. C' est la prochaine étape qui va vraiment pousser votre tableau à saisir l'œil du spectateur alors passons à celle-ci. 16. Peinture : valeurs sombres et faire le contraste: Nous sommes arrivés à la finale des vidéos du projet. Nous faisons des touches de contraste et de finition à votre peinture. Maintenant, je pense, c'est l' une des étapes les plus excitantes de faire une peinture. Il faut juste beaucoup de travail pour y arriver, ce qui est parfois la raison pour laquelle c'est si agréable quand on le fait. Dans cette leçon, nous allons ajouter nos dernières couches sombres. Nous allons également revoir tous les domaines qui semblent être la mauvaise valeur. Que nous souhaitions soulever des pigments ou ajouter des couches supplémentaires, ce ne sont peut-être pas les couches les plus sombres. Juste pour créer une fourchette de valeur complète, nous allons examiner tout cela en effectuant ces derniers ajustements. Parce que cette leçon consiste à créer les bons types de contraste et à faire fonctionner la composition dans son ensemble. Comme vous pouvez le voir, ce dernier les tons moyens étaient 3 et 4. Nous allons travailler dans cette plage de quatre à cinq selon l'endroit où nous travaillons. Ici, nous allons avoir besoin d'atteindre ce rayon de cinq. Ou si vous travaillez avec l'étape 10, cette gamme de neuf et 10 par rapport certains domaines où ne sont pas mon objectif ou sont tout simplement plus légers en valeur. Nous arriverons à la prochaine étape de ce qui est actuellement là. Vous pouvez voir ici, je me concentre plus sur l'ajout des éléments les plus sombres de cette composition. C' est amusant d'ajouter un contraste supplémentaire, mais je veux m'assurer que certaines de ces zones restent dans ces gammes de valeur plus légères. Je n'ajouterai pas trop aux raisins. Je me concentre sur les ombres, je me concentre sur les éléments qui sont naturellement plus sombres comme le côté de ce bol ici. Je vais faire attention à préserver ces teintes supérieures, alors voyez ici utiliser de l'eau propre pour se fondre dans ce lavage de peinture plus sombre pour préserver toute cette lumière réfléchie qui se passe. Puis ici, en m'assurant que je travaille lentement à créer l'illusion de ce raisin réfléchi sur le bol. Il peut prendre quelques couches de peaufiner cela, effacer, ajouter plus de couches. L' une des raisons pour lesquelles j'ai aussi choisi le bois brut est parce que c'est un pigment plus facile à soulever. Vous allez voir ici que je suis capable de rémouiller les zones, soulever, ajouter plus, soulever plus, et maintenant je peux réaliser cette délicate superposition de toutes ces sources de lumière réfléchies. J' ai aussi pris la décision de remettre ce raisin dans le bol. Ça ne marchait pas. C' est juste une décision que vous pouvez jouer au fur et à mesure que vous allez. Ajouter plus de ces sombres supplémentaires au bord des tiges juste pour les faire ressortir un peu plus parce qu'ils sont nettement plus foncés que la valeur des raisins. Vous pouvez voir que je commence sur les éléments d'arrière-plan maintenant. J' ai passé la plupart de mon temps sur les éléments de premier plan, qui est ce bol de raisin. Maintenant, je peux observer lentement que j'ajoute des couches à ces éléments d'arrière-plan et je peux arrêter quand je pense que la composition a atteint le look que je cherche, essentiellement. Parfois, on ne le sait pas avant de le voir. Mais ici, j'ajoute juste la valeur pour rendre les valeurs correctes parce que vous voulez vous assurer que vous obtenez cela. À propos de ce que je vais faire est de brouiller une partie de la netteté de ces couches parce que je veux que les valeurs soient correctes, mais je ne veux pas que le détail soit aussi important que ce calque de premier plan. Parfois, lorsque vous travaillez dans des zones, vous vous retrouvez avec ces borderlines blanches. Je me débarrasse de certains d'entre eux parce qu'ils ne sont pas toujours apparents. Parfois, ils sont vraiment agréables d'accentuer vos faits saillants et ils ajoutent un bel élément stylisé à l'aquarelle. Mais je ne voulais pas d'eux partout, alors je me suis débarrassé de certains d'entre eux. Vous voyez ici, je prends juste de l'eau propre et floue. Adoucir ces lignes pour qu'elles ne soient pas aussi nettes. À ce stade, je suis juste en train d'ajouter quelques sombres supplémentaires dans l'arrière-plan pour repousser cela un peu plus. Ensuite, je vais juste nitpick dans les zones que je pense qui nécessitent plus de définition, séparer les objets, cette chose, et envelopper. Il est important de ne pas ajouter trop de sombres pendant que vous mouillez et que vous vous laissez emporter parce que c'est le contraste qui est important. Nous avons terminé la leçon d'ajouter du contraste et d'ajouter nos sombres. Vous pouvez voir que je suis descendu à cette échelle de valeur numéro 5 si vous utilisez l'échelle 10. Ce serait votre 10e valeur. Tout ce qu'il me reste, c'est à moi de le signer. Habituellement, je ne signe pas mes peintures tant que je ne sais pas si elles vont être emmêlées ou etc. Mais comme c'est un exercice, je vais juste le signer dans ce coin inférieur. Pendant que ça sèche, nous parlerons de certains des changements que j'ai pu apporter dans la dernière leçon. N' importe quel détail que j'avais ajouté et des lignes nettes et ces deux objets, j'ai fuzé un peu en prenant juste l'eau et puis buvant un peu et puis peut-être ajouter une certaine valeur pendant qu'il était mouillé pour juste garder la valeur mais perdre la netteté. L' autre chose que j'ai fait, c'est que j'ai ramené ce raisin dans le bol. Comme vous pouvez le voir sur ma photo de référence, elle n'est pas suspendue à l'extérieur du bol. J' avais pris cette décision de conception pour ajouter de l'intérêt, mais j'ai pensé que c'était gênant, alors je l'ai réintégré. Autre que cela, je viens d'utiliser cette leçon pour ajouter ces zones de contraste et de valeur super profonds. Continuez à tirer en arrière. Alors je me penche juste de mon bureau. Continuez à regarder en arrière ou prenez une photo et regardez la photo juste pour voir où elle manque. Une bonne façon de dire si vous n'avez pas assez de contraste de valeur est de regarder une zone et que vous ne pouvez pas dire ce qui se passe. Ceci est particulièrement utile si vous avez cette zone ici avec les raisins où ils sont tous de la même valeur moyenne. Mais si vous ne pouvez pas dire si elle recule ou s'approche de vous, cela signifie que vous devez faire une certaine différenciation. Même entre ces deux cépages à valeur légère, vous pouvez voir que ce raisin est en face de ce raisin parce qu' il y a un bord sombre de celui derrière lui. Retouchez votre dernier calque ici et nous passons à la leçon suivante. Félicitations. Nous avons fini d'ajouter du contraste. Si vous êtes comme moi, je suis toujours stupéfait de voir combien un tableau change dans cette dernière étape. Ce que nous avons fait, c'est que nous avons examiné la composition dans son ensemble. Assurez-vous que cela fonctionne, en vous assurant que notre gamme de valeurs déplace l'œil du spectateur dans la composition et en l'orientant vers votre domaine de concentration. Nous nous sommes également assurés que si nous avons besoin d'ajouter ou de soustraire des pigments dans les zones qui peuvent être distrayants ou ne pas recevoir suffisamment d'attention, nous avons également pris soin de ces pigments. Mais maintenant que votre peinture est terminée, 1, assurez-vous de le poster dans la galerie du projet parce que j'aimerais les voir et 2, eh bien, si vous vous demandez quoi faire de votre peinture maintenant, d'ailleurs, encadrez et admirez, je avoir quelques leçons bonus pour vous à venir après cette leçon. N' hésitez pas à sauter dans ceux-ci et vous pouvez voir quelques petites astuces pour utiliser votre peinture après cela. 17. Bonus 1 : manipulation numérique: Les avantages du monochrome n'ont pas à se terminer lorsque vous peignez est sec. Dans cette leçon bonus, je vais vous donner un aperçu de la façon dont vous pouvez manipuler numériquement votre travail monochromatique pour une valeur ajoutée. Dans cette leçon, je vais juste passer en revue un petit aperçu de la façon dont vous pouvez utiliser un logiciel comme Photoshop pour approfondir ce que vous pouvez faire avec votre peinture finie. Ici vous pouvez voir, j'ai scanné et nettoyé ma peinture et c'est le fichier dans Photoshop, et vous pouvez voir que je l'ai dans l'espace colorimétrique CMJN. C' est parce que si je veux envoyer ça à une imprimerie, c'est déjà dans un espace colorimétrique que la plupart des imprimeries demanderaient. Vous pouvez toujours l'exporter en RVB aussi bien sur la route. Maintenant, je vais travailler dans ce que Photoshop appelle des couches d'ajustement. C' est la fenêtre par ici. S' il n'apparaît pas dans votre mise en page particulière, vous allez dans le panneau de la fenêtre et sélectionnez les réglages. Évidemment, je l'ai éteint. Ajustements. Je vais travailler d'abord pour corriger la couleur que cela a scanné dans. Si je corrige, je vais juste le garder avec ces curseurs et je dois le déplacer vers la droite pour le rendre moins chaud et augmenter la saturation. En même temps, je regarde ma peinture réelle et je vois où elle a l'air le plus précis. Je dis que c'est assez bon pour le bois brut que j'ai ici. Je veux aussi corriger une partie de ce manque de contraste avec lequel il a scanné, ce qui arrive. Je dis que ça a l'air assez proche de ce que je vois devant moi. Je vais étiqueter ces originaux. Si vous le souhaitez, vous pouvez étiqueter ce nombre brut, mais nous allons simplement l'appeler original, puis revenir au panneau des ajustements. Je vais ajouter une autre saturation de teinte. Je veux voir à quoi ça ressemblerait si j'avais fait ça dans le gris de Payne. Au lieu de commencer ici et vous voyez aller à droite et tout est relatif à ce que j'avais commencé avec je vais cliquer sur « Colorize » et puis de cette façon, où que soit mon curseur, c'est la couleur ou les données qu'il va montrer. Je veux que ce soit un bleu désaturé. Je ne veux pas vraiment jouer avec la légèreté parce que ça le fait partout. Je laisserai celui-là tranquille. Au lieu de cela, parce que vous voyez cela aplati un peu, je vais ajouter un autre calque et juste faire apparaître ce curseur inférieur afin qu'il semble correctement contrasté à nouveau. Cette fois, je vais étiqueter que Payne est gris. Alors même chose, c'est une valeur noire ajoutée. C' est à ça que ça ressemblerait avec l'ombre grise de Payne , le gris de Payne. Vous pouvez continuer à le faire et ajouter des coloris différents si vous voulez proposer une impression de différentes façons de couleur, ou si vous le faites, comme nous allons entrer dans la leçon suivante, pour plus d'images stock à être en mesure d'offrir différentes options dans un bundle. Vous pouvez l'utiliser à diverses fins. commencez à voir les possibilités avec la manipulation numérique ? Dans la prochaine leçon bonus, je vais développer cela en vous montrant comment appliquer davantage votre travail monochromatique. 18. Bonus 2 : applications: Dans cette deuxième leçon bonus, j'aborderai d'autres applications pour votre travail monochromatique. Quand il s'agit de penser à ce que vous pouvez faire avec votre travail monochromatique, la première chose qui vient toujours à l'esprit est de l' encadrer et de l'utiliser comme une œuvre d'art originale, ce qui est toujours une excellente option et vous avez même une occasion de jouer avec cela aussi. Que vous choisissiez de l'encadrer traditionnellement avec un tapis à une surface rectangulaire, vous obtiendrez un joli look de peinture classique. Ensuite, si vous choisissez de cadre flottant votre peinture à l'aquarelle monochromatique et montrer peut-être quelques bords décalés, vous obtenez un croquis plus crayon, sur le brassard, ou look antique studieux à votre peinture, qui peut ajouter un certain élément de style esthétique. La prochaine chose qui arrive dans ce que beaucoup d'artistes entrent naturellement, c'est que ce sont les empreintes. Donc, si vous faites juste des impressions de l'original tel quel, ou en utilisant la leçon de bonus précédente pour manipuler numériquement cette teinte et offrir différentes façons de couleur. Il y a beaucoup d'options que vous pouvez descendre, vous les imprimiez tel quel, ou peut-être que vous imprimiez et embellissez à la main avec des métaux ou des accents complémentaires. Il y a beaucoup d'opportunités là-bas. Ensuite, la dernière section est un énorme élément de possibilité, et c'est la licence. Si vous vous engagez dans l'octroi de licences pour votre travail monochromatique, il y a tellement d'opportunités, vous soyez en train de concéder une licence pour une peinture en tant que produits papetaires ou en tant que produits en papier, ou que vous vous engagez dans d'autres produits 3D. Peut-être même offrir des vignettes de travail monochromatique. C' est un peu plus facile à appliquer et cela pourrait être utilisé pour les logos, ou l'application à laquelle je pense toujours, quand je pense à la peinture monochromatique est sur des bouteilles de vin. Je pense toujours qu'ils ont des étiquettes si chics et ils ont l' air vraiment attrayant dans ce style. L' autre chose que vous pouvez entrer dans, en plus de produits de papier comme les calendriers, les images de bureau, etc. Il est également entrer dans l'imagerie de stock. Ainsi, les graphistes sont peut-être à la recherche de quelque chose de très simple qu'ils peuvent appliquer à un large éventail d'utilisations. Que ce soit pour des invitations, pour des mariages, douches de bébé ou pour du matériel de marketing. Si vous êtes capable de leur offrir un motif très simple et largement utilisable, peut-être de différentes façons de couleurs, si vous êtes capable de manipuler cela numériquement, vous serez un bon premier choix pour eux, et de distribuer davantage votre travail. Il y a tellement de possibilités pour appliquer votre nouvelle pratique de peinture. J' aimerais vraiment savoir comment vous comptez partager votre nouveau travail. Ajoutez des pensées à votre projet dans la galerie. 19. Conclusion: Félicitations pour avoir terminé la classe. Dans les leçons, nous avons commencé avec vos matériaux actuels et plongé profondément dans l'exploration de la couleur en tant que facteur autonome. Ensuite, après avoir choisi notre couleur préférée, nous avons jeté ensemble un arrangement de nature morte afin que nous puissions créer un chef-d'œuvre monochromatique. Après tout ce que nous avons couvert, j'espère que vous partagez maintenant mon amour pour la peinture monochromatique. Des matériaux minimaux à l'esthétique classique, il y a vraiment une valeur discrète au processus. Maintenant, n'oubliez pas de partager vos progrès et votre projet à la galerie pour que nous puissions tous admirer. Veuillez poster vos questions en cours de route dans le forum de discussion ci-dessous. Maintenant, si vous êtes sur Instagram, hésitez pas à marquer votre projet avec #valueofmonochrome afin que je puisse le voir et partager votre succès dans mes histoires. Avant de terminer, veuillez envisager de me laisser un avis pour la classe et suivre mon profil si vous voulez des notifications sur les offres futures ou des mises à jour ici sur Skillshare. Merci encore. Je te verrai la prochaine fois.