La résolution de problèmes dans votre carnet de croquis

1. Introduction: s'avérer difficile d'adopter de nouveaux concepts peut s'avérer difficile d'adopter de nouveaux concepts dans votre travail. Mais lors de mon premier cours ici sur Skillshare, je veux vous emmener dans les coulisses et vous montrer comment je travaille à travers de nouveaux concepts dans mon carnet de croquis. m'appelle Jill Gustavis et je suis artiste indépendante et directrice artistique à plein temps. J'utilise mon carnet de croquis pour travailler à travers idées peu claires, complexes ou simplement nouvelles. J'utilise une mise en page de vignettes et de notes très simple mais flexible pour explorer et enregistrer de nouveaux concepts. J'utilise cela pour résoudre un problème actuel que j'ai et l'appliquer immédiatement ou en prenant des notes, je vais l'enregistrer pour utilisation future soit comme référence soit comme source d'inspiration. Nous allons couvrir les concepts que j'utilise le plus souvent pour inclure la composition, couleur et la superposition, mais je vais vous montrer comment vous pouvez appliquer pour configurer n'importe quel principe de conception. résolution de problèmes comme celle-ci par vous-même produit des résultats vraiment originaux et augmente votre indépendance en tant qu'artiste. Je vais vous montrer de l'aquarelle, mais vous pouvez utiliser tout ce que vous travaillez actuellement. Il est également accessible à tous les niveaux de compétence, mais les vignettes peuvent en tirer le meilleur parti car c'est un excellent moyen de décomposer de nouveaux matériaux et de le rendre plus gérable et un peu moins écrasant. C'est bon avec vos matériaux existants, il n'est donc pas nécessaire d'obtenir de nouveaux matériaux pour cette classe. Il s'intègre dans le temps que vous avez déjà pour votre pratique artistique. Que vous ayez une demi-heure toutes les deux semaines ou trois heures par jour, vous pouvez trouver une mise en page qui correspond à votre horaire actuel. À la fin de toutes les leçons, nous allons faire un projet de classe. Vous allez créer vous-même une page de carnet de croquis avec miniatures et des notes et aborder une idée de votre propre travail, quelque chose qui vous intéresse et quelque chose qui résonne vraiment chez vous. Lorsque vous avez terminé votre page, je vous encourage à la partager avec la galerie de projets avec toutes vos idées sur le processus lui-même. J'ai hâte de voir le travail de tout le monde et j'espère vraiment que ce processus vous aidera à résoudre vos problèmes dans votre pratique artistique. Je suis ravi de commencer, et je vous verrai lors de la prochaine session. 2. Mise en place: [MUSIQUE] Dans cette session nous allons parler configuration de base de l' une de ces pages de carnet de croquis que je fais. Je vais simplement réitérer ce que j'ai dit dans l'introduction, vous n'avez pas besoin de nouveaux matériaux pour ce cours. Si vous n'avez pas de carnet de croquis, vous n'avez pas besoin d'un carnet de croquis spécifique. Je vais juste utiliser ce terme qui a un terme général pour votre surface. Vous pouvez utiliser un canevas divisé en sections. Vous pouvez utiliser des feuilles de papier en vrac. Je garde souvent un dossier de feuilles de papier pour fouetter et travailler sans avoir l' impression de m' engager dans un corpus de travail. J'utilise cependant un carnet de croquis pour la plupart de mes miniatures. J'utilise un carnet de croquis relié qui contient également du papier de notes entre [NOISE] les feuilles de papier aquarelle. C'est ce que je vais utiliser. Vous pouvez utiliser n'importe quel matériau plus important, mais je vous suggère d'utiliser les mêmes matériaux que ceux que vous utilisez pour vos travaux finis. Si vous faites tout votre travail avec du matériel scolaire, je vous encourage à faire votre pratique avec cela. Si vous utilisez des matériaux de qualité pour vos travaux finis, je vous encourage à faire les pages du carnet de croquis dans ces mêmes matériaux. Parce que vous n'obtiendrez les mêmes résultats sur l'un et l' autre et que cela ne se traduit pas aussi bien qu'un outil d'apprentissage lorsque cela se produit. Je vous encourage à utiliser simplement les mêmes matériaux. Vous avez besoin d'un crayon ou d'un stylo. J'aime dessiner mes miniatures avec un crayon juste parce que cela me donne la chance de les effacer si je veux expérimenter des bords plus lâches et des bords perdus, lignes lâches, ou si j'ai besoin de efface quelque chose comme une note que je fais sur la page. J'aime bien faire beaucoup de mes notes au crayon quand elles sont sur du papier aquarelle. S'ils sont sur une feuille de papier séparée, j'aime utiliser un stylo simplement parce que je n'ai pas souvent [BRUIT] l'utiliser sur mon art. En plus de votre crayon ou de votre stylo et de votre carnet de croquis, ce n'est pas obligatoire, mais j'aime utiliser modèles pour rendre la configuration des miniatures un peu plus rapide. Par modèles, ils sont très rudimentaires. J'ai, pour les plus grands, tout comme le dos d' un carnet de croquis qui a été découpé en deux. Il s'agit d'un modèle cinq par sept. Mon préféré est d'utiliser des sous-verres. J'ai une variété de tailles de dessous de verre. Si vous voulez aller très petit et s'adapter beaucoup, vous pouvez faire des cartes de visite. Ce sont mes cartes de visite. Ou les cartes de certificat de cadeaux épuisées expirées. Toutes ces options sont excellentes. [BRUIT] Quand il s'agit de configurer la page, vous allez donc prendre le modèle de votre choix et simplement vous fournir suffisamment de panneaux pour explorer votre idée en question. Vous pouvez voir sur ceux-ci ici, je n'ai même pas fini de remplir la chose, je viens de tracer le haut de chaque modèle. Mais vous pouvez aussi voir que j'ai laissé beaucoup de place aux notes. J'ai appris que par essais et erreurs, j'aime écrire une bonne quantité de notes, puis dessiner mes flèches directement vers ce dont je parle. Il y avait eu des pages dans le passé où je ne l'ai pas fait et j'écris littéralement dans les plus petites sections, des notes à peine lisibles. [BRUIT] C'est la configuration très basique d'une page de carnet de croquis que j'avais l'habitude de travailler à travers l' une de ces idées. Nous allons passer en revue des exemples spécifiques plus tard. Mais c'est le moyen de base d'en créer un. Dans la section suivante, nous allons parler des types d'idées que j' explore habituellement et de la façon de configurer une page pour presque toutes les idées de design. 3. Concepts: [MUSIQUE] Dans cette leçon, nous allons parler des types d' idées que vous pouvez explorer, en les utilisant dans votre carnet de croquis. Comme je l'ai dit dans l'introduction, ceux pour lesquels j' utilise le plus souvent ce processus est la composition, et je pense que beaucoup de gens connaîtront très bien la façon dont vous utilisez les miniatures pour la composition. Palettes de couleurs et superpositions, qui sont un peu spécifiques à l'aquarelle mais qui sont définitivement traduisibles sur d'autres supports. Il existe également un concept qui n'est pas vraiment un concept de design, mais c'est au centre de mon travail. L'accent peut être mis sur n'importe lequel de ces principes de conception. Fondamentalement, ils travaillent tous pour concentrer votre attention sur ce que vous voulez voir dans votre pièce. Il peut s'agir de valeur, de détail, de contraste, de couleur ou de composition, que nous avons déjà mentionné. Cette mise en page peut être réalisée avec n'importe quel design principal. Je crois qu'il existe un ou deux cours de Skillshare qui couvrent les fondamentaux de ces éléments du design et l'un d'eux est celui des principes esthétiques du design. Souvent, je l'utilise pour la composition, surtout lorsque je travaille un nouveau sujet ou une nouvelle photo de référence et que c'est vraiment très frais pour moi et il y a peut-être beaucoup de choses que j'aime une scène et cela m'aide vraiment à me pencher sur ce que j'aime vraiment. C'est peut-être une très bonne idée, puis je l'ai reçue sur papier et ce n'est pas une bonne idée. En travaillant à travers quelques miniatures, j'obtiens la meilleure ligne de mire quant à endroit où je veux aller avec une pièce plus grande. Quand il s'agit d' une palette de couleurs, cela brille vraiment, c'est aussi un excellent échauffement. Qu'il s'agisse uniquement d'échantillons de couleurs, de vous assurer que vous connaissez toutes vos couleurs parce que j'ai perdu la trace des couleurs le passé et que c'est un jour triste quand je me rends compte que j'ai adoré la combinaison, je Je ne sais pas ce que c'était. Mais c'est aussi un très bon moyen d' utiliser une exploration de palette de couleurs. Si vous faites une scène que vous aimeriez peindre et que vous en faites une miniature rapide dans différentes palettes de couleurs et il est vraiment intéressant de voir comment l'ambiance change lorsque vous changez de couleur. C'est un très bon moyen de mieux comprendre la façon dont vous voulez aller avec votre pièce avant d'investir dans une plus grande feuille de papier. Ces deux sont de très bons moyens de se concentrer sur l' accent et c'est là que j'ai l'impression d'utiliser le plus cela. Je vais donc prendre une scène très complexe. Dites comme un tas d'arbres. Dans la vraie vie, votre œil a plus de facilité à se concentrer, car il ne se concentre que sur une seule chose à la fois. Je m'en sers pour décomposer la scène de différentes manières et voir comment différentes techniques de superposition amènent l'élément qui m' intéresse le plus au premier plan, pour ainsi dire, de votre œil. Tout au long des vignettes, j' explore comment faire cela par le biais de la couleur ? Est-ce que je modifie la composition ? Si je fais mieux attention aux valeurs que j'obtiens avec mes couleurs, est-ce que cela paraît plus important ? Si je ne mets que des détails dans ce domaine, est-ce que cela paraît plus important ? Je passe en revue toutes ces options dans une série de miniatures et je garde juste trace de tout ce que je fais différemment entre les miniatures et ce que j'aime, n'aime pas, les nouvelles techniques que j'aurais pu comprendre soudainement, soit dans ce but, soit un but différent, sans rapport. Il est toujours bon de prendre des notes car on ne sait jamais quand on aura besoin de ces informations. D'autres façons de l' utiliser consiste à explorer vos médias, ce qui pourrait être une nouvelle technique. Techniquement, la superposition se qualifie également comme une expérience multimédia, mais vous pouvez jouer davantage avec l' opacité des nouvelles peintures, notant votre temps de réaction et la mesure dans laquelle les choses saignent, par exemple si vous utilisez de l' aquarelle la réussite dans l'ordre dans lequel vous appliquez différents détails ou calques. Si vous utilisez un autre support, exemple l'acrylique ou l'huile, vous connaissez peut-être les techniques de vitrage ou les techniques de texture si vous utilisez un mélange de peinture plus rigide. Ensuite, cela se fond un peu avec des coups de pinceau. marquage est un excellent moyen de le faire comme échauffement ou de l'utiliser en conjonction avec une étude de couleur. Vous pouvez mélanger et faire correspondre, mais il est parfois préférable de n'explorer qu'une seule chose à la fois, car il est plus facile de gérer de suivre ce que vous avez fait et que vous n'avez pas aimé à chaque tentative. Mais le marquage est un bon moyen prendre des pinceaux que l' on ne cherche peut-être pas normalement et jouer vraiment et de voir ce qu'ils peuvent faire. Notez dans quelle direction, la teneur en eau, si vous utilisez de l'aquarelle ou une variance qui est entrée dans ce coup de pinceau qui la différencie peut-être de toutes les autres que vous avez faites auparavant. Utilisez-le pour explorer tous les différents éléments de vos sauveurs médiatiques dans une nouvelle feuille de papier et vous pouvez faire des feuilles de papier à explorer. Peut-être que si vous voulez changer ce que vous utilisez normalement , différents types de toile, différents types de revêtements que vous pouvez utiliser dessus comme principal. J'utilise des miniatures pour concevoir une collection. Je l'ai récemment utilisé l' année dernière, j'en faisais une basée sur des jardins et je savais que j'avais beaucoup de photos de référence et j'ai travaillé à travers une petite miniature de toutes celles que je pensais pourrait être un excellent candidat. Ensuite, vous parcourez les vignettes et choisissez celles qui vont le mieux ensemble. Vous verrez peut-être, à travers cette courte expérience, que vous pensiez adorer avoir dans une collection ne convient pas ou que vous l' aimez vraiment et que vous aimeriez réviser le toute la collection pour se transformer au centre de cette pièce que vous aimez. Le temps que vous investissez dans pages comme celle-ci revient vraiment décuplé parce que les pièces que vous continuez à faire après cela sont tellement plus concentrées et certainement plus puissantes et montrées. ce que vous pensiez et que vous avez une ligne de pensée claire. Les avantages de la résolution de problèmes par vous-même sont immenses car elle vous permet vraiment de travailler vos propres préférences et accroître l'indépendance en tant qu'artiste. Les avantages, vous pouvez le constater au fil du temps, sont un sentiment de liberté parce que vous travaillez seul à résoudre des problèmes. Confiance que vous comprenez de nouvelles compétences parce que vous les parcourez par essais et erreurs. L'authenticité qui commence à apparaître dans votre travail est que vous basez votre prochaine étape sur les choses que vous avez apprises de votre propre travail et vous savez que le résultat est tout ce que vous avez. Vous voyez les résultats de façon exponentielle, plus vous le faites aussi. Vous pouvez l'utiliser pour n'importe quelle question. Si vous faites un projet ou une pièce et que vous êtes comme, je me demande comment aborder le point, point, le point, l'espace vide, tout peut vraiment être fait avec ça. Il s'agit simplement d'essayer de poser les bonnes questions pendant que vous l'abordez. Je vais vous montrer quelques exemples précis plus tard de la façon dont je l'ai fait pour quelque chose qui n'est pas un principe de conception très clair et découpé. Mais nous allons passer à la prochaine leçon, qui sera plus sur les notes dont je parle sans cesse. 4. Remarques sur les remarques: [MUSIQUE] Maintenant, je ne cesse parler de notes qui figurent dans votre carnet de croquis et ce n'est vraiment rien de trop pénible. Je ne veux pas que quelqu'un pense vraiment qu' il a devoirs ou quoi que ce soit de ce genre. Fondamentalement, comme vous faites des miniatures, la principale consiste à écrire ce que vous faites différemment d'une miniature à une miniature. Cela pourrait être juste de regarder les couleurs utilisées et de noter la peinture qu'elles étaient. Il peut s'agir d' écrire les outils que vous utilisez s'ils changent ou même d'écrire la ligne de base si l' outil ne change pas. J'ai tendance à utiliser un mélange de deux types de notes différentes, et il s'agit de la façon dont vous les abordez. Les notes actives sont les notes que je prends pendant que je fais les vignettes. Cela inclut ces échantillons, il comprend des outils, il inclut des techniques de superposition et de synchronisation. Pour moi, en tant qu'aquarelle, si je disais que j'ai attendu que le papier ne soit plus brillant , puis j'ai ajouté quelque chose pour obtenir un certain effet. C'est quelque chose que je veux m'assurer que je connais pendant que je le fais pour ne pas l'oublier. Ou si cela change, c'est quelque chose qui est très important entre ces vignettes. D'autres choses que j' écris en tant que notes actives pourraient être ce que j'essaie de réaliser. Si j'ai aimé quelque chose, si quelque chose était très amusant, si quelque chose a détruit le papier. Si je grattais des détails et que le papier était trop mouillé, je veux m'assurer de noter que comme, ne faites pas ça, ils le referont. Ensuite, je fais ce que j'appelle des notes réfléchissantes. C'est plutôt : comment tout cela s' est-il passé ensemble ? Ai-je une vignette préférée ? Ai-je appris quelque chose de particulièrement intéressant dans l'une des miniatures qui pourrait ne pas être applicable maintenant ? Mais c'est certainement quelque chose que je veux poursuivre à l'avenir. J'ai eu beaucoup d'idées juste en essayant de résoudre quelque chose et de trouver chose de complètement différent et soit je l'ai sauvegardé pour un jour futur ou j'ai tout simplement décidé de rouler avec ça. J'aime également revoir toutes ces notes de temps à autre parce que parfois j'oublie ce qui était là-dedans ou cela n'était pas applicable à l'époque, mais c'est certainement quelque chose que je veux voir maintenant. Le principal point d'écrire vos notes plutôt que de vous asseoir et de réfléchir sur votre pièce, ce qui est toujours utile, est de devoir mettre des mots à vos réactions, les solidifier dans la solidification la plus solide sens dans votre cerveau. Cela les rend un peu plus fluides à rappeler. C'est comme là où ils vous disent de gribouiller pendant que vous êtes au téléphone et que vous vous souvenez plus clairement de la conversation. Cela amène définitivement votre cerveau à se concentrer et entre vos réactions en mots qui les définissent clairement davantage. Cela augmente également les chances que vous vous souviez de ce que vous écrivez. J'ai vraiment senti que les choses étaient faciles à rappeler lorsque je vais les appliquer pendant un tableau. 5. Démo : Échauffement: Dans ce premier exemple approfondi, je veux vous montrer comment je l'utilise comme échauffement. Il existe de nombreuses façons de l'utiliser dans n'importe lequel de ces exemples. Mais ce n'est que celui que j'ai utilisé. Dans cette leçon, nous allons passer par un échauffement qui ne consiste pas seulement à baisser les couleurs, mais vous pourriez certainement le faire si vous utilisez cela. Mais nous allons fonder tout cela sur notre photo de référence, que vous pouvez voir. Je vais faire trois exemples différents de la façon dont je peux utiliser cet échauffement pour faciliter la réalisation de cette photo. Comme vous l'avez vu, j'ai configuré mon carnet de croquis. Je sais que c'est un portrait car j'ai déjà une idée de la façon dont je veux orienter mes petits carrés. J'ai mes outils. C'est un crayon, c'est un stylo plume et une règle. J'ai quelques modèles que nous allons utiliser. Nous allons commencer par dessiner nos carrés. Je vais utiliser ce sous-verre et utiliser notre crayon car vous pouvez toujours l'effacer plus tard si vous aimez vraiment son apparence ou si vous voulez expérimenter et voir à quoi ressemble votre étude sans limite. Nous allons dessiner trois carrés maintenant, et je dessine ce point décentré pour avoir de la place pour des notes. C'est juste quelque chose que je préfère, c'est peut-être ne pas avoir une feuille complète de carrés, ce qui, je suis sûr, j'ai probablement montré un exemple de l'endroit où les notes sont écrasées. Voici comment je vais les mettre en place. Ils n'ont même pas besoin d'être exactement l'orientation que vous allez dessiner. Vous ne pouvez puiser qu'un peu là-dessus. Vous n'avez pas besoin de remplir tout le carré. C'est juste la désignation de l'endroit où le dessiner. Ensuite, où vous brisez les espaces blancs et vous ne vous sentez pas aussi intimidé. Nous allons le faire. En regardant la photo de référence, il y a quelques éléments que j'aime pratiquer et que je ne suis pas aussi à l'aise. Je ne sais pas exactement comment je veux le peindre. Je vais prendre un pinceau. Juste une ronde standard. Il s'agit d'une taille 8. Je suis juste mouillé. Peu importe les couleurs que j'utilise pour cet échauffement particulier. Je vais juste plonger, et je vais m' entraîner à ces feuilles parce qu'il y a beaucoup de petites feuilles, et je ne veux pas vraiment m' occuper des détails de chacune d'entre elles. C'est quelque chose que je veux m'entraîner et me faciliter. Je n'essaie pas de faire des photos finies. Je vois à quel point certaines techniques pourraient ressembler, obtenir des idées. Croquis cool. Avant même de passer au croquis suivant, je peux m'arrêter, me demander ce que j'ai adoré ? Qu'est-ce que je déteste ? Qu'est-ce que j'ai appris ? Je vais bien dessiner là-dessus. L'ajout d'eau propre au bord donnait l'illusion d'une lumière frappant des feuilles ou des feuilles plus éloignées. Cela peut aller dans un sens ou dans l'autre. Cela donne au spectateur une certaine liberté de le juger et de se faire une idée pour lui-même. La prochaine chose que je veux expérimenter est de regarder de l'autre côté du marais, il y a ces lignes répétitives de vert vif, vert plus foncé, puis d'une sienne brûlée. Je vais juste m'entraîner. Je veux faire ça mouillé et voir, et m'amuser un peu. Ce que j'ai fait ici, c'est que c'était mouillé et je vais aussi dire que le bord sec donne de superbes détails sur l'herbe. C'est notre deuxième étude. Vous l'avez déjà vu, nous avons commencé à réfléchir à la composition, mais sans le stress d'avoir plongé dans la composition. Maintenant, le troisième que je veux faire, c'est que si nous voulons inclure cette palette en bois, je veux jouer avec les textures. Je ne fais pas attention aux proportions et je ne fais attention à rien de ce genre. C'est juste la base. Il se peut que je ne finisse même pas par inclure ça. C'est juste plus jouer avec ça en essayant de voir si j'aime quelque chose qui n'est pas basé sur la composition. C'est plus que j'aime les détails, est-ce que j'aime les couleurs, juste m'échauffer à l'image. Parfois, je pense mieux en faisant ça. Certaines de ces leçons que j'ai réfléchies spécifiquement, afin de m'assurer de vous montrer comment les installer de la manière la moins déroutante, mais certaines d'entre elles je vais faire au fur et à mesure. Faire cela est parfois un très bon exercice de mémoire car il faut passer par là pour se souvenir de ce que vous avez cherché. Tout cela découle de cela, qui est cette base. Maintenant, vous pouvez voir que c'était de l'or vert, c'était la Sienne brûlée. Pour cela, je peux le dire. y avait qu'un seul vert vif, il n'y avait qu'un seul brun rougeâtre, brun jaunâtre. Si vous essayez différentes couleurs, vous voudrez peut-être vous retirer et être comme, ici, dans ce coin, j'utilise ce bleu, ou dans ce coin j'utilise ça. Nous avons terminé au moins une couche ici lors de notre échauffement. Si vous vous sentez encore un peu intimé, vous pouvez y retourner et ajouter. Vous pouvez même l'utiliser plus tard si, disons, vous allez dans les feuilles, si vous choisissez de les inclure et que vous me dites, comment vais-je ajouter le calque suivant ? Recommencez à bricoler ici. Mais n'oubliez pas que si vous incluez une nouvelle couleur, assurez-vous de la noter. C'est de l'indigo. Celui-là est apparemment vert. Je n'ai pas besoin de le noter, car c'est déjà là-dedans. C'est un bon échauffement. Nous n'avons qu'à remplir la page. Cela n'a pas pris beaucoup de temps et nous avons déjà commencé à réfléchir à ce tableau que nous voudrions peut-être peindre. Vous pouvez décider que ce n'était pas vraiment intéressant après tout, je n'aime pas vraiment peindre. Cela n'a vraiment pas attiré mon attention. La façon dont la peinture a bougé n'a pas attiré mon attention. Vous pouvez décider de ne pas vouloir utiliser un pinceau comme celui-ci, vous pouvez essayer différents pinceaux. Mais à part ça, c'est juste pour faire circuler tout . Passons à autre chose. 6. Démo : Composition: Bienvenue dans la prochaine leçon. Nous allons passer de notre échauffement où nous avons regardé cette image, et nous avons joué avec certains éléments pour tout desserrer et entrer dans l'environnement de cette image, à peu près. Nous allons passer à la composition, à la façon dont je décompose cette image, peut-être le faire de deux façons différentes, et voir si c'est une image que je veux utiliser. J'ai déjà dessiné quelques carrés de tailles différentes sur la page de mon carnet ici. Je l'ai fait ici depuis ce sous-verre, puis j'en ai deux plus petits paysages. Je regarde cette image et je vois quelques éléments et domaines différents lesquels je voudrais me concentrer. Pour celle-ci ici, évidemment, je regarde une verticale et je pense que l'élément vertical le plus fort cette image est la palette avec l'arbre derrière elle. C'est grungy, c'est tous les jours, et si c'est votre confiture, vous voudrez peut-être vous concentrer sur quelque chose comme ça. Nous ne faisons pas ces photos finales, nous ne faisons que bloquer les formes. Je vais jeter de la peinture là-dessus. Vous pouvez même faire une encre imperméable, donc un croquis et un lavage, cette façon, vous avez un peu plus de détails, le crayon peut ne pas apparaître, mais si vous voulez l'effacer, optez pour Le crayon. Je regarde aussi ces lignes, donc il y a l'arbre qui va descendre comme ça, mais il y a aussi cette ligne d'herbe qui arrive jusqu'ici. Je voudrais peut-être accepter cela, ou même l'exagérer. Il y a quelques herbes à l' apparence de mauvaises herbes et elles descendent en grappes , puis il y a une zone d'herbe plus petite ici. Vous allez également obtenir cette ombre très forte sur le côté de cette boîte. La lumière vient de cette direction et donc vous voulez juste vous assurer, parfois se concentrer sur la lumière vous donne la composition la plus crédible. Nous avons déjà vécu cela à l'échauffement, ce sont ces feuilles. Vous voulez faire croire qu'il y a beaucoup de petites feuilles sans dessiner beaucoup de petites feuilles. C'est le croquis que je vais faire. Je vais tomber en couleur dans une minute, mais je vais passer à la prochaine partie du crayon. La prochaine chose que je pense être vraiment forte dans cette image, c'est que derrière, Marsh, je pense que c'est comme un pont. Je ne suis pas sûr que nous y sommes allés pendant que nous étions debout. Mais comme je veux me concentrer sur les tiers, et que le point d' intérêt est la terre, je vais en fait faire mon horizon ici, je fais juste des lignes très étranges. Je ne veux pas qu'il descende trop loin, alors je veux que le pont soit ici. Mais c'est un peu suggéré parce qu'il n'est pas en question, et il y a quelques bâtiments, il y a ce bâtiment juste au bord. Ensuite, je veux voir ce qui se passe exactement. Parce que parfois, si vous cliquez sur le mauvais élément, cela semble un peu bancal. Je vais juste dessiner quelques tortillades. Il y a des trucs ici derrière l'arbre. Je ne suis pas sûr d' inclure l'arbre dans cette composition si je me concentrais sur cette partie de l'image. En fait, je vais dessiner comme si la rangée s' éteignait, et c'est le marais. Je ne sais pas si je mettrais trop de détails dans ce marais si je me concentrais là-dessus, mais nous allons juste mettre quelques croustilles. squiggles sont bons. Il n'y a pas grand-chose d'autre que je veux m' en sortir pour le moment. Ensuite, l'autre chose sur laquelle vous pourriez vous concentrer est la même composition , mais en se concentrant sur l'herbe devant le marais. Vous pouvez même inclure la même ligne d'horizon, vous pouvez inclure le même pont suggéré, le marais. Vous pouvez généraliser ces bâtiments un peu plus, puis créer des blobs lorsque nous venons les peindre. Mais ensuite, nous voulons nous concentrer sur ce marais. Je suis juste en train de dessiner. Je suis un peu plus floue vers l'avant parce que je veux maintenant me concentrer sur cette ligne d'herbe et je vais souligner la direction ascendante car cela va lui donner une ligne plus dynamique. C'est l'essentiel des trois compositions que j'en retirerais. Je vais prendre mon pinceau et y jeter un peu de couleur. Vous pouvez également utiliser de la gouache et la gouache sèche beaucoup plus rapidement. Peut-être préférez que cette composition soit pour le changement de textures que vous obtenez entre le dessus noir sale, la palette. Vous devenez un peu anormal dans la nature. Donc celui-ci est à propos de cela, affleurements de bâtiments apparaissent. J'essaie de porter un peu plus d'attention à mes formes. Peut-être ne pas les obtenir exacts parce qu'il n'est pas toujours possible d'accepter le point de mire de l' opinion, mais m' assurer que je leur accorde une certaine importance. Quand vous arrivez au point où ce n'est pas le sujet de la photo, vous pouvez l'inventer, ma chronique comme celle-ci j'ai entendu la palette. Puisque c'est quelque chose que j'aime , je vais l'écrire. C'est une excellente référence que je ne l' utilise peut-être même pas sur cette photo, mais je peux l'utiliser pour y jeter un peu d'ombre, continuer à picorer les choses et peut-être mettre en continuer à picorer les choses place un nouveau photo. Nous allons nous concentrer sur le marais. Parfois, on ne voit pas de combinaison de couleurs. Vous êtes comme, oh, je suis vraiment tombée amoureuse du fait que ce jaune représente maintenant un tiers de la page, se balance avec elle en bas, le rend vraiment ancré et toute cette zone d'herbe abrite le peinture, mais ensuite vous êtes dessiné ici, puis sur votre deuxième couche, vous commencez à avoir des idées comme peut-être que je voudrais mettre un peu plus de détails sur ces bâtiments et ensuite votre œil ira ici et ensuite, votre œil ira ici et peut-être, vous allez mettre un peu de détails dans le marais à ce moment-là, ce qui ramènera votre œil droit bas et vos yeux resteront sur la photo. et c'est ce que vous analysez lorsque vous effectuez ces études. Quand j'ai fait celui-là, je n'ai vraiment pas sauté là-dessus. faire, il se peut que vous ayez besoin d'une deuxième couche. Mais je vais prendre quelques notes et nous reviendrons les examiner. Ce que j'ai fait, c'est prendre quelques notes sur la composition finale et j'y suis retourné et noté quelques pensées. Sur le premier, j'avais ajouté un deuxième calque et les mêmes couleurs que celles que nous utilisons la première fois que vous ajoutez vos ombres dans moins d'air. Pourcentage de chaque couche de votre peinture pour approfondir vos valeurs. Je me suis concentré sur le contraste de la lumière et ombre, donc ce contraste est vraiment agréable et vous obtenez un beau mélange de bords organiques et de bords durs artificiels. Le contraste ici entre le vert sève que j'ai appliqué presque comme une force totale sur ce joli lavage pâle de l'or vert dans le bleu céruléen parce qu'il s'agit de très bons contrastes qui donnent une bonne indication de la lumière qui frappe le bord de cet objet. Ensuite, la transition des choses de pin, mais elle donne une bonne transition en douceur pour devenir lentement plus dans l'ombre. De même avec ces bords durs vous pouvez voir ce que la lumière frappe, ce qui ne l'est pas et cela lui donne plus de forme et de forme, la rend plus crédible. L'espace blanc ici, nous n'avons pas colorié dans toute l' eau et cela donne vraiment l'éclat à l'eau et vous donne l'impression de regarder de l'autre côté. Il y a vraiment plus de sens de l'espace que vous ne le pensez et jusqu'à présent, et jusqu'à présent, j'apprécie vraiment l' espace de cette miniature. Ensuite, les notes et les échantillons que j'ai mis ici me donnent une idée de la façon dont je l'ai superposé, alors je suis descendu et puis ça s'est estompé. Ensuite, nous avons ajouté cela avec les deux verts différents , puis la sienne brute, puis nous avons dessiné avec de l'eau que nous avons dessinée par la suite et vous pouvez voir une de ces marques là, donc je ne peux pas en souligner quelques-unes. Ils sont ironiques de cela dans ce dont je parlais. Parfois, je reviens en arrière et mes notes n'ont pas de sens. Ensuite, la prochaine fois que je les lirai, ils auront de nouveau du sens. C'est pourquoi plus vous pouvez prendre de notes et plus vous pouvez être clairs, plus vite vous apprendrez ce que vous avez capté dans vos croquis. Parfois, le simple fait de lui donner des mots automatiquement vous rappelle. Alors voici les pointes de l'herbe et je l'ai mise sur une épaisse. Il ne saignerait pas trop. D'autres classes couvrent cela plus en profondeur, mais distance de propagation de votre peinture dépend de la quantité d'eau qu'elle contient et en appliquant une peinture épaisse, elle n'ira pas aussi loin. Si je mettais une concentration aqueuse lâche, ils l'auraient juste repris sur le croquis et vous auriez des fleurs partout, comme la façon dont vous obtiendrez une floraison bleue là-bas. Bien que j'aime bien celui-ci, je pense que celui-ci est peut-être mon préféré et je vais juste le mettre en vedette. Je pense qu'en allant de l'avant à l'étape ultérieure, nous allons utiliser celui-ci comme exemple. Mais vous préférez peut-être cette composition avec les calques. Mais celui-ci, je pense, va être le plus facile à présenter nos exemples ultérieurs. 7. Démo : Lumière, couleur et ambiance: La couleur est définitivement un principe théorique avec lequel beaucoup de gens aiment jouer. Je pense que beaucoup de gens connaissent simplement le fait de faire échantillons, de jouer et d'écrire des choses. Dans cet exemple, je vais vous montrer moyen un peu plus structuré d'explorer les couleurs à l'aide des miniatures et des notes, et de l'utiliser pour faire avancer mes réflexions sur cette photo de référence. Dans cette vidéo, je vais parler de lumière, de couleur et d'humeur. Comme vous pouvez le voir, j'ai configuré ma page un peu différemment. C'est en trois, donc je vais explorer trois palettes de couleurs différentes. J'ai une section pour chacun de mes croquis et une section pour chacune de mes primaires. J'ai commencé à mettre en place un ensemble primaire commun avec lequel beaucoup de gens commencent, et il est basé sur le cyan, les jaunes, magentas, donc j'ai Quinacridone Rose, c'est le Bleu Phthalo Abat-jour vert. Je vais en fait utiliser un jaune citron, j'ai Hansa Yellow Medium mais je vais utiliser jaune citron pour cela parce qu' il devient beaucoup plus lumineux. Je vais tout de suite écrire cela juste parce que j'ai eu quelques réflexions sur ce que je voulais faire. C'est celui de Daniel Smith, et c'est Phthalo Blue Green Shade, et c'est le jaune citron. Je veux aborder ce paysage que nous avons fait et voir comment quand j'ai changé les couleurs, je nettoyais un espace, préparez-vous à ne pas me mélanger avec des verts. Nous verrons comment ces couleurs affectent cette tonalité globale. Encore une fois, vous voulez que tout soit exact, ce n'est qu'une esquisse, nous explorons simplement la couleur dans ce croquis par rapport aux autres pour la composition ou la technique. En fait, j'aime vraiment comment cette eau remonte et je pourrais essayer de le reproduire ici, alors je prends juste une brosse humide. C'est peut-être plutôt basé sur une technique, mais il faut se souvenir de chaque couleur, chaque pigment réagit différemment au fait d'être perturbé. Certains soulèvent plus facilement, d' autres ne fleurissent pas, peuvent fleurir mais avec plus d'eau que moins. Nous avons notre première étude. Ensuite, la prochaine série que je veux faire est une couleur appelée Vermillon Bio. Je vais les aligner. Lors de notre prochaine primaire, j'ai commencé ici avec leur Vermillon biologique, puis je vais ajouter de l'indigo. C'est un nouveau gamboge. Je pense que mon chat est juste assis, il a sauté sur le bureau. Voyons si nous pouvons l'éloigner. Comme vous pouvez le constater, ils sont beaucoup moins brillants, donc nous allons plonger dans notre indigo, et c'est une couleur beaucoup plus foncée. Il va tout naturellement paraître plus orageux. En fait, nous allons mettre un peu de CFP cause de mon chat et de plus de couleur. Nous allons mettre le Vermillon Bio dedans parce que ceci et cela va produire un violet très trouble. Pour ce dernier, nous allons faire très, très sombre et je vais faire Perylene Maroon. Ensuite, pour mon bleu, nous allons faire de l'Apatite Genuine bleue, ce qui n'est pas tout ce sombre échec d'un bleu, vous pouvez voir qu'il n'est pas aussi sombre que l'indigo, mais c'est définitivement plus neutre. Ensuite, pour notre jaune, je vais faire une forme d'ocre jaune. Vous allez vraiment remarquer que cela va paraître très orageux encore plus que l'indigo. Voyez que mon motif en faisant le match n'est pas le même à chaque fois parce que nous ne regardons que la couleur, nous ne regardons pas la composition. Vous pouvez les marquer avec ceux-ci et c'est plus un nouveau gamboge, vous pouvez marquer tous vos échantillons. C'est comme ça que vous obtenez les bottes de couleur. Quand il s'agit de la lumière, vous commencerez à vouloir faire attention à la valeur. Celle-ci ici a le plus de valeur en termes d'échelle. Je peux devenir beaucoup plus sombre et j'aurai pu obtenir ces formulaires une fois que j'ai ajouté ma deuxième couche, beaucoup plus de définition, donc nous le ferons dès que ça sèche. Cela a un peu séché. J'ai également ajouté des valeurs plus sombres à mes échantillons ici. Vous pouvez voir que c'est plein de force, la rose quinacridone, bleu phtalo, le jaune citron, et certains ne deviennent pas si sombres, beaucoup de jaunes sont très appréciés. Certaines valeurs plus foncées que vous pourriez essayer sont comme l'or vert sur le jaune [inaudible]. Je pense que généralement Quin Gold, [inaudible] mélangé maintenant, ils peuvent devenir un peu plus sombres si vous recherchez des valeurs plus profondes, et les bleus ont tendance à être les plus foncés. Mon ensemble neutre ici est la valeur bleue la plus légère que j'ai sur cette page. où c'est à peu près aussi sombre qu'il va, donc si vous bâtissez dessus, il va peut-être ici, c' est aussi sombre que ça va. L'indigo se rapproche du noir et le bleu phtalo peut aussi devenir assez sombre, mais il faut beaucoup de couches, puis il a tendance à paraître un peu trouble. Le fait que l'indigo puisse devenir assez sombre au lavage initial est un bon signe si vous recherchez une valeur supérieure. Nous allons commencer à y ajouter une deuxième couche et je vais parler de ce que je cherche. Si je cherche quelles couleurs sont les meilleures pour représenter la lumière qui peut produire. Dans ce cas, je ne m'attends pas qu'il soit beaucoup plus sombre et cela pourrait donner l'impression d'une journée couverte trouble, peut-être de la brume dans l'air. Je devrais commencer par celui-là. N'oubliez pas que pour notre composition, nous voulons vraiment nous concentrer là-dessus. Nous n'essayons pas de mettre tous les détails dans les détails, mais je veux que le contraste le plus et le plus d'implication soient dans ce domaine. Celui-là, je pense que c'est bien, alors nous allons passer à la prochaine. Je pense que cela donne une bonne idée d'obtenir cette valeur pour comprendre que c'est l'arrière. Le côté ombragé de ces booléens sur lequel nous attirons notre attention. Il a le plus de contraste, et il est également important d'avoir l'œil guidé par le marais. Pour ce top, voyons voir, il peut devenir assez sombre avec phtalo et la rose du Quin. Parfois, même si ces couleurs le rendent aussi sombre que celui-ci, ce n'est donc pas un bon exemple. Supposons que vous ayez trop brossé dans une zone et qu'ils se fondent ensemble, vous perdez une partie du contraste. Vous pouvez aussi attendre et essayer soulever pour récupérer un peu de contraste pour voir si les couleurs étaient le problème ou si votre marque de pinceau a peut-être été le problème. Comme celui-ci, je pense qu'ils se sont mélangés un peu plus. Parce que ces couleurs sont parfois un peu plus brillantes et elles deviennent un peu boueuses, donc c'était probablement ma faute. Vous pouvez noter que si vous le vouliez ou si vous pouviez prendre votre crayon et faire une autre section, comme rétractation, parce que j' aime comment ces bâtiments sont sortis, mais je n'aime pas comment le marais est sorti. C'est peut-être juste la couleur, je n' aime pas vraiment le mélange ici, j'en ai peut-être aussi besoin de plus. Ce sont plus de mes palettes de couleurs auxquelles je vais normalement, je n'y vais généralement pas. Cela pourrait être ma propre expérience. Mais nous allons laisser celle-ci tranquille alors. Je vais dire que je l'aime le plus. Nous pouvons aller de l'avant avec cela ou je pouvais toujours utiliser la palette originale, qui était toutes des couleurs individuelles, donc notre ciel était bleu céruléen, puis nous avons fait le vert cascade et ensuite nous faisons notre des bâtiments, donc c'était un mélange de lavande et je m'en souviens dans une minute. Ensuite, nous avons eu notre vert sève et notre or vert , puis un mélange de sienne brûlée et d'une sienne brute. Ce que je voulais faire rapidement, c'est laisser tomber ça. Si elles sont plus légères, j'essaie juste de ramener la mémoire de ce palais. Pas vrai, cela semble beaucoup plus côtier que cela, cela semble plus léger et aéré. autant plus que ce bleu céruléen est beaucoup plus léger que cet indigo. Je sais que j'ai utilisé quelque chose [inaudible], je pense ici pour l'obtenir ou il y a peut-être aussi eu des morts jetées et que aussi eu des morts jetées Sienna brûlée aurait pu être ça. Mais c'est là que je suis à la fin de cette étude. Non. 8. Démo : Détails spécifiques: [MUSIQUE] Dans cet exemple, je vais vous montrer comment j'ai travaillé un ou deux détails spécifiques qui ont surgi en abordant cette photo de référence. C' est certainement quelque chose qui existe à cause de la photo spécifique, mais vous pouvez utiliser cette technique et tout ce que vous trouvez difficile dans une pièce. Cette section ici à gauche, le détail spécifique que j'ai connu avec lequel j'avais des problèmes était de garder cette zone marécageuse propre. [RIRES] Assez drôle, pas boueux, même si c'est ce que sont les marais. Je vais essayer quelques détails différents pour essayer de m' empêcher de trop travailler. Je vais essayer un lavage humide et humide et voir si cela m'aide à créer la structure avec certaines de ces couleurs mélangées sans avoir à mélanger les couleurs. C'est une pensée que j'ai eue. Je pense que je vais utiliser les couleurs originales. [MUSIQUE] revenant dans cette étude sur les détails spécifiques, vous verrez que j'ai ajouté beaucoup de notes et j'ai également essayé quelques secondes couches. Parce que tous les résultats finaux ne sont pas égaux, il s'agissait donc d'un mouillé et d'un mouillé, ce que le premier lavage sera avec moins de définition. J'ai ajouté une deuxième couche afin qu'elle soit comparable à cette étude sur les coups secs et humides. Vous pouvez voir entre les deux, au départ, je n'étais pas vraiment fan du mouillé et du mouillé parce qu'il a perdu l'éclat blanc dans l'eau du marais, mais une fois que j'ai ajouté cette deuxième couche, les couleurs ont tendance à paraître un peu plus cohérent avec ce lavage sous-jacent. C'est peut-être un prétendant si je veux peindre ça un jour. Ensuite, pour cette version des marais ici, je l' ai préférée au départ parce que les traits sont beaucoup plus définis, les couleurs étaient beaucoup plus claires quant à l' endroit où se trouvait l'un et à l' endroit où se trouvaient les autres. Mais j'ai ajouté un peu de deuxième lavage, mais ça a l'air très esquissé, ce qui n'est pas mauvais. Mais si je voulais un tableau plus raffiné qui évoque le calme de l'après-midi, je ne veux peut-être pas cet effet, cette déchirure dans mes traits. Je préférerai peut-être cela mouillé et humide car il semble beaucoup plus lisse dans l'image. Quand il s'agissait de faire l' étude pour les maisons, au départ, celle-ci ici, je n'avais vraiment pas de couleur d'ombre. Comme vous l'avez probablement vu dans la vidéo, je finis par revenir et ajouter cette couche d'ombres supplémentaire, que j'ai appris de celle-ci. J'ai aimé l'indantrone, le bleu comme ombre. Sur celui-ci, j'ai utilisé des chaînes grises, et il n'y avait pas assez de saturation des couleurs pour me démarquer comme une ombre profonde. Ensuite, j'ai également appris de la différence entre ces deux-là parce qu'ils ont toujours les mêmes couleurs, sauf que celui-ci a le vert de jade au lieu de l'indantrone. La différence entre celle-ci et celle-ci est que tout cela a été ajouté dans la même couche. Tout était humide et sec, mais toutes ces couleurs sont humides et humides. Vous pouvez voir que ces bords sont un peu plus organiques. Ils ont choisi de s'écouler là où ils le voulaient, ce qui rend le bord complet un peu plus naturel que ces arêtes sont un peu difficiles parce qu'il s' agissait d'une couche sur le dessus. J'aurais pu ajouter une couche d'eau puis ajouter ces couleurs mais je voulais voir à quoi cela ressemblerait si j'avais ces bords durs pour les bâtiments. Cela peut en arriver là. Je préfère un mélange des deux parce que je pense que celui-ci serait réellement avantageux d'avoir peut-être un ou deux bords d'ombre là où se trouvent les lignes de toit et ce serait à peu près tout. Je ne voudrais pas que les bords soient sur le bord complet. J'aime bien ça. Il indique et indique la distance dans l'image. Je pense que parmi eux, j'aime le plus celui-ci et j'aime bien certains de ces bords. Nous dirons que nous pourrions utiliser le bord dur ou deux. Je pense que celui-ci est un toit comme celui-là et celui-ci a un toit là-bas. En fait, puisque mes peintures sont ici, nous allons juste prendre un peu de temps pour voir si cette conjecture est juste. C'est ça et le toit est en fait plus sombre que le bâtiment. Nous allons le faire. Ensuite, ici, nos lignes les plus sombres sont ici. Ensuite, il descend tout droit au bord du bâtiment. Puis un peu de forme sur celui-ci. Je ne veux pas que celui-ci soit trop sombre, mais il y a un toit à montrer. C'est un angle bizarre. J'adore ça. Chaque fois que vous le pratiquez, vous vous améliorez un peu mieux. Vous ajouterez à votre répertoire vos préférences, ce qui est presque aussi important que le répertoire de compétences, car vous saurez déjà ce que vous préférez en termes d'équilibre et ce que vous préférez dans termes de bords et autres. Je ne fais que bricoler ici définir certains de ces toits. C'est un peu comme ça. Nous allons laisser ça avec ça. 9. Démo : Notes de réflexion: [MUSIQUE] Je pensais qu'une excellente page pour vous montrer un exemple de mon processus de notes réfléchissantes serait pour cette page de détails spécifique parce que c'est parfois mon type de référence pour utiliser les pages d'étude si je J'essaie de trouver une partie spécifique d'un tableau que je veux peindre. J'ai les notes pour le côté gauche et le côté droit, mais je trace généralement une ligne au milieu juste pour pouvoir écrire en petits paragraphes ou faire des notes à puces sans traverser toute la page. plupart du temps, les notes ne sont peut-être pas beaucoup plus qu' une réécriture d'un mètre de ce que j'ai écrit sur la page d'étude réelle. J'ai tendance à réécrire des choses, puis parfois je trouve de nouvelles idées au fur et à mesure que j'écris. Je les ajouterai ensuite, ou j'ai peut-être déjà une idée d'une pensée que j'ai imaginée en y réfléchissant et qui sera également dans le mélange. Mais vous verrez que sur le côté gauche, j'ai écrit comment je l'ai fait. L'un était mouillé et humide, l'autre était mouillé à sec. Ensuite, je pensais à l'origine que le mouillé et le mouillé avait l'air bien lavable, mais cette deuxième couche l'a vraiment resserrée dans la couche de base sous-jacente la rendait beaucoup plus cohérente par rapport au mouillé sur sec, c'était l'inverse. Il a commencé à paraître très distinct et cohérent, puis avec cette deuxième couche, puisque les choses ne correspondent pas toujours parfaitement, il y avait beaucoup de bords déchiquetés, beaucoup de hachures, et couleurs disjointes, et je finis par préférer celle mouillée et humide. Si je ne faisais qu'une seule couche , j'irais probablement avec ce mouillé sur sec parce que c' était le meilleur dans la couche. J'ai également noté que les deux pouvaient utiliser un troisième calque juste pour quelques petits détails dans cette zone de mise au point afin d'attirer votre attention. l'autre côté, j'écrivais s' il était mouillé sur mouillé. S'il y avait plus de temps entre le dessin des formes, lesquelles j'ai préféré. Ensuite, notez que j'avais également écrit que les gènes n'étaient vraiment pas si profonds d'une couleur. Il n'était pas aussi saturé que les deux idées de l'indanthrène. Ensuite, vous pouvez voir sur la note pour la troisième que l' indanthrène ce que j'ai vraiment aimé chez lui comme ombres plus vives qui lui donnent une plus grande sensation de profondeur. C'est certainement quelque chose qui rend votre travail un peu plus crédible, attire vraiment votre attention et attire le spectateur. Je souligne que je vais essayer de m'en souvenir. Je ne veux peut-être pas chercher un truc pratique. Je veux peut-être mélanger quelque chose avec plus de bleu, ou mélanger la couleur que j' ai dans ma peinture pour obtenir une plus grande saturation qui repoussera vraiment la zone et l'ombre. J'ai également noté que, la deuxième couche de formes de toit que j'ai ajoutée à la troisième étude, qui était mon étude préférée. Je ne suis pas sûr de préférer ajouter ces formes supplémentaires. Avoir la vidéo pour revenir en arrière et voir à quoi elle ressemblait avant d'ajouter celles qui m'ont incité à écrire la note que je devrais peut-être prendre plus de photos de processus pour revenir arrière. et voir si peut-être j'ajoute trop de détails. Est-ce que j'aime les choses avant ? Parce que c'est vraiment la seule façon apprendre que c'est d'aller trop loin, puis la prochaine fois que vous le récupérez un peu. Vous ne faites pas ce coup de pinceau supplémentaire et voyez si vous aimez le résultat. Ensuite, la dernière note que j'ai faite était d' écrire quelques mélanges de couleurs que j'ai aimé comment elles sont sorties. La couleur du feuillage, qui était un mélange de prémélanges dans l'indanthrène. Ensuite, les couleurs que j'ai mélangées pour les bâtiments blancs et neutres toujours à l'ombre. J'avais utilisé de la lavande, qui est une excellente couleur pour le blanc ombré. Puis l'indanthrène et la sienne brûlée, qui ont fait une grande neutre. C'est un bon exemple de la façon dont je vais passer en revue mes notes réfléchissantes. Dans cet exemple particulier, il n'y a pas eu de découvertes révolutionnaires, sauf que je devrais peut-être prendre plus de photos de processus et réfléchir, les feuilleter après avoir fini d'être comme, « Non, j'aurais dû le sauver à ce stade », et des choses comme ça. Mais après les avoir réécrits la deuxième fois, même si je les avais déjà écrits sur ma page, cimente définitivement toutes ces pensées dans mon cerveau. Je me souviendrai la prochaine fois de mélanger mes bleus pour les ombres, même si vous pensez, je le sais déjà, mais parfois vous ne le faites pas la prochaine fois que vous les peignez parce que votre le cerveau a déjà un chemin qu'il aime suivre. C'est à quoi ressemble une de mes pages d'étude réfléchissantes. 10. Projet de cours: C'est maintenant l'heure de votre mandat. Pour votre projet de classe, je vous encourage à créer votre propre page de carnet de croquis créer une série de miniatures et à prendre quelques notes. Je suis certain que vous êtes curieux et résonnez de votre propre travail. C'est certainement le plus intéressant lorsque vous faites quelque chose qui compte pour vous. Je veux que vous preniez une feuille en vrac ou une page de carnet de croquis pour Canvas, quel que soit le substrat que vous souhaitez utiliser, créer une série de miniatures et travailler votre expérience avec elles. Dans les notes, notez les échantillons, les techniques, les superpositions, tout ce qui vous vient à l'esprit que vous faites différemment et apprenez de la miniature à la miniature. Vous pouvez faire n'importe lequel des différents exemples que je vous ai montrés pour des concepts ou créer les vôtres. Je vais également fournir un tas d'exemples dans la description du projet. Regardez-les si vous vous sentez un peu coincé. Vous pouvez également l'utiliser comme échauffement. Jouez avec ça, vous ne savez jamais que vous pourriez soudainement trouver de l'inspiration pendant que vous le faites. N'oubliez pas de prendre les notes actives. Prenez des notes pendant que vous faites vos miniatures, et notez ensuite quelques notes réfléchissantes. Vous pouvez les faire sur une feuille de papier séparée, vous pouvez les faire si vous avez plus de place sur la page sur laquelle vous peignez. Vous pouvez également, dans ce cas, les inclure dans la description de votre projet. La description de votre projet vous permet également de savoir si le processus vous a plu. Tout ce que vous avez fait a changé ou que vous voudriez changer la prochaine fois. Si vous voyez vraiment cela, vous pensez que vous pourriez utiliser cela pour vous aider à résoudre certaines choses. J'aimerais entendre les commentaires de tout le monde sur le processus et s'il l'a aimé ou s' il leur a été utile. J'ai hâte de voir les projets de tous dans la galerie. Je serai certainement là pour les vérifier et proposer des commentaires ou répondre à des questions. Je vous y verrai. 11. Dernières réflexions: Cela conclut mon premier cours ici sur Skillshare et je ne peux pas assez vous remercier d'avoir vécu cela avec moi. J' espère vraiment que cela aidera beaucoup d'entre vous à résoudre les problèmes par vous-même, en utilisant votre carnet de croquis pour vraiment dynamiser vos processus. Je sais vraiment que cela a fait une énorme différence pour moi cette année car j' y ai passé plus de temps et j'ai hâte de voir à quel point cela vous aide dans vos projets dans la galerie. N'oubliez pas de partager votre projet et si vous avez apprécié le cours ou vous voulez me laisser des commentaires à ce sujet, définitivement passé en revue la classe. Si vous voulez savoir quand je vais sortir de nouvelles classes, cliquez sur le bouton « Suivre » sous le nom de mon professeur, la description, Skillshare vous en informera dès que je publierai un nouveau cours. J'ai hâte de vous voir à l'avenir, et j'ai hâte de voir vos projets dans la galerie. ici là, je vous verrai plus tard. Merci.