La transparence à l'aquarelle : découvrir la profondeur, la luminosité et les textures

1. Introduction: Bonjour, mes créatifs. Alors que nous entamons une nouvelle année, je souhaite à chacun d'entre vous un début d'année 2025 heureux, créatif et épanouissant. Cette période de l'année est parfaite pour rafraîchir notre esprit et adopter de nouvelles habitudes créatives qui nous apportent joie et croissance Et quelle meilleure façon de le faire que de plonger dans le monde polyvalent de l'aquarelle Si vous êtes nouveau ici et que vous ne savez pas grand-chose de moi, je suis Nilim Roy, professeur d' art et aquarelliste avec quatre ans d' expérience dans l'exploration de expérience dans l'exploration Je suis actuellement ambassadrice de la marque de peinture sud-coréenne Shinhanat and Sitar am Stationers Mon parcours avec l'aquarelle a été une exploration constante Chaque trait révèle quelque chose de nouveau, et c'est cette imprévisibilité qui rend l'aquarelle si fascinante Aujourd'hui, dans ce cours, nous nous concentrerons sur la maîtrise de l'une des qualités les plus magiques de l' aquarelle, à savoir la transparence C'est la transparence qui donne l'aquarelle son éclat lumineux et sa profondeur incroyable Dans ce cours, nous explorerons systématiquement ce qu'est la transparence et pourquoi elle est importante, comment identifier les pigments transparents, semi-transparents et opaques, la corrélation entre les pigments colorants et non colorants et la transparence et les techniques pour créer des mélanges transparents à partir de couleurs opaques Notre projet de classe renforcera tous ces apprentissages en créant cette magnifique peinture sur le thème de l'hiver Nous commencerons notre projet de classe en sélectionnant la palette de couleurs pour notre classe, en nous concentrant sur les propriétés de transparence et le comportement de coloration des pigments d'aquarelle Ensuite, nous simplifierons la référence et créerons une esquisse pour établir notre composition. Ensuite, nous allons nous plonger dans des mouvements lâches et expressifs mouillés pour créer des motifs et des formes organiques, imitant les fissures et les textures naturelles des yeux Le cours est conçu avec des étapes faciles à suivre et faciles à suivre, éliminant le stress lié à la recréation de la peinture et vous encourageant à apprécier le processus Au fur et à mesure de notre progression, nous utiliserons des techniques de pose pour créer une illusion de profondeur, donnant à la tige de la fleur l' impression d'être recouverte de glace C'est la magie de la transparence à l'aquarelle en action. À la fin de ce cours, vous aurez acquis une solide connaissance de la transparence de l'aquarelle, vous permettra d'améliorer votre travail en faisant qui vous permettra d'améliorer votre travail en faisant des choix de couleurs intentionnels que vous pourriez utiliser pour vos futurs projets Que vous soyez un passionné d' aquarelle ou cherchiez à rafraîchir vos compétences créatives, ce cours vous propose une exploration complète du sujet Alors, prenez vos pinceaux et vos peintures et c'est parti. Dans la section suivante, je vais vous expliquer comment le cours est organisé. Alors retrouvez-moi à la prochaine leçon. 2. Aperçu du cours: Merci d'avoir rejoint ce cours. Je suis ravi de vous avoir ici. Permettez-moi de vous expliquer rapidement comment le cours est organisé. Pour commencer le cours, nous verrons comment la transparence des aquarelles crée de la profondeur, la luminosité et des effets lumineux qui rendent vos Ensuite, nous apprendrons à identifier les couleurs transparentes, semi-transparentes et opaques à l'aide techniques simples telles que le test de grille et à comprendre leur impact sur votre travail. La leçon suivante porte sur la création de mélanges de couleurs transparents. Je vais vous montrer comment créer des mélanges transparents temporaires en mélangeant les création de mélanges de couleurs transparents Je vais vous montrer comment créer mélanges transparents temporaires en couleurs et en ajustant le niveau de l'eau Nous comprendrons ensuite comment la transparence influence la couche, le vitrage et l'ambiance générale de votre peinture à l'aide de nos tableaux de superposition ou de vitrage En combinant tous les enseignements des leçons précédentes, nous les mettrons en pratique en sélectionnant soigneusement une palette de couleurs transparentes en utilisant des techniques telles que la superposition et le mouillage sur mouillé pour reproduire la texture et la profondeur de notre projet de classe Je vous recommande également vivement de regarder d' abord l'intégralité du cours afin de pouvoir vous préparer mentalement à la suite. Cela vous permettra de mieux comprendre le processus et le flux, le suivre plus facilement et de profiter pleinement du voyage créatif qui vous attend. Dans la section des projets et des ressources, j'ai ajouté l'image de référence originale, mon œuvre finale et un croquis que vous pouvez tracer ou imprimer pour vous guider. N'hésitez pas à expérimenter et à télécharger votre peinture terminée sous Soumettre un projet. J'adorerais voir votre travail et mes commentaires pour vous aider à grandir. Si vous êtes sur les réseaux sociaux, taguez-moi au tarif Neil's Arts Underscore Cove Je serais ravie de partager vos créations. Enfin, n' oubliez pas de me suivre ici sur Skill Share pour des mises à jour sur les nouveaux cours et les cadeaux 3. À propos des fournitures: Bienvenue dans la section des approvisionnements. Jetons rapidement un coup d' œil à tous les matériaux ou fournitures dont nous aurons besoin pour créer un projet. Le premier et le plus important matériel dont nous aurons besoin pour ce cours est le papier pour aquarelle J'utilise ici du papier aquarelle Saunders, un papier pour aquarelle ou aquariole de qualité supérieure Il est fabriqué à partir de coton 100 % sans acide de qualité archivistique et est parfait pour des résultats professionnels Le papier que j'utilise est pressé au charbon, également connu sous le nom de grain fin, désigné par la lettre CiPi zéro Voici un aperçu de sa texture. Il n'est pas trop granuleux et il n'est pas aussi lisse que du papier pressé à chaud Il établit un équilibre parfait, offrant juste la bonne quantité de texture pour obtenir des résultats époustouflants pour toute peinture à l'aquarelle Maintenant, ce n'est pas grave si vous n'avez pas exactement la même marque de papier que celle que j'utilise. N'hésitez pas à utiliser n'importe quelle marque avec laquelle vous êtes à l'aise ou que vous avez sous la main. Tant qu'il s'agit de 100 % coton, pressé au charbon et d'une épaisseur d'au moins 300 g/m², tout devrait bien aller. Si 300 GSM n'est pas disponible, un minimum de 250 GSM fonctionnera également. Le papier que j'utilise ici est d'un format compris entre le A trois et le A quatre, mais vous pouvez choisir le format sur lequel vous vous sentez à l'aise pour peindre. L'essentiel est de travailler avec ce qui vous convient le mieux. Parlons maintenant de nos couleurs. Pour ce cours, j'utilise des peintures de qualité professionnelle issues des aquarelles extrafines de Shannan Arts J'utilise cette marque depuis plusieurs années et j' adore les couleurs. De qualité artistique et fabriqués à partir de pigments uniques, ils offrent une clarté et une transparence excellentes , comme le devraient les aquarelles Les couleurs spécifiques sélectionnées pour le projet de classe seront abordées en détail dans la leçon de sélection de la palette de couleurs où je partagerai les noms des pigments et expliquerai pourquoi ils ont été choisis. Comme mentionné précédemment, c'est parfaitement bien si vous n'avez pas exactement la même marque ou les mêmes couleurs que celles que j'utilise. N'hésitez pas à travailler avec les fournitures que vous avez en main. Vous pouvez toujours apprendre et investir dans matériaux de meilleure qualité au fur et à mesure de votre progression. Parlons de nos pinceaux. Pour les cours, j'utiliserai quelques-uns de mes pinceaux préférés. La première est cette brosse à merlu. Celui-ci est de la série Atia en argent et possède des poils en poil de chèvre Il est incroyablement doux et possède une excellente capacité de rétention de l'eau à peindre , ce qui le rend parfait pour les aquarelles et les lavages à plat Pinceaux ronds Nextus. J'utiliserai un pinceau rond taille 12 de la série Silver Black Velvet , idéal pour les coups polyvalents. Parallèlement, j' utiliserai un pinceau rond de taille 6 ou un pinceau ultra rond. Mon pinceau ultra rond est de la série Silver Silt. Le pinceau suivant est ce pinceau de détail. J'utiliserai un pinceau rond synthétique de taille 2 de la même série Silver Silt. Maintenant, en plus d'eux, je vais également utiliser ces pinceaux de mélange. Le but des serpillères est de mélanger les couleurs très doucement sur un fond mouillé ou mouillé Vous pouvez donc opter pour le pinceau argenté ReteliagTIR Mob, soit le pinceau argenté ReteliagTIR Mob, soit un balai à écureuil en mélange synthétique, soit un balai à écureuil naturel, soit un balai à écureuil en mélange synthétique, soit un balai à écureuil naturel, soit tout ce que vous avez. Si vous n'avez pas de brosses à balai, tant que vous avez des pinceaux ronds en tailles 12, 6 et 2, ou même un mini-liner ou un pinceau de détail en taille un ou deux, vous êtes prêt C'est à peu près tout ce qui concerne les pinceaux. Ensuite, nous aurons besoin d' un couteau à palette, que nous utiliserons pour créer des textures. Si vous n'avez pas de couteau à palette, vous pouvez également utiliser cartes périmées ou jetées comme substitut Nous aurons également besoin de sel pour des effets de texture supplémentaires. Le sel de table ordinaire fonctionne parfaitement, mais vous pouvez également essayer options plus épaisses, comme le sel gemme ou le sel casher Utilisez simplement ce que vous avez dans votre cuisine. Enfin, nous aurons besoin de fournitures de base pour esquisser, d'un crayon mécanique avec mine HB, de préférence d' une épaisseur de 0,3 mm et Maintenant, tu peux utiliser n'importe quel crayon que tu as. La prochaine fourniture dont vous aurez besoin est votre ruban de masquage. Cela sera utilisé pour coller votre papier sur des sites. Vient ensuite la palette. J'utiliserai une palette en céramique ainsi qu' un plateau de mélange pour créer des pools de couleurs. Ensuite, il y aura du papier de soie ou des serviettes. Ils sont essentiels pour le levage. Nous aurons également besoin de deux pots d'eau propre, l' un pour rincer vos pinceaux et l'autre pour servir de source d'eau douce pour la pose de lavis plats sur le papier Un autre produit essentiel dont vous aurez besoin est un flacon pulvérisateur pour oublier légèrement le papier et le garder humide au besoin. Et c'est tout le matériel dont vous aurez besoin pour commencer le cours. Rassemblez donc vos fournitures et entamons ensemble ce voyage créatif. Rendez-vous dans la première leçon. 4. Qu'est-ce que la transparence ?: Si vous vous demandez ce qu'est la transparence, laissez-moi vous expliquer. transparence fait référence à la capacité de la peinture à l'aquarelle à laisser passer la lumière et à se refléter sur le papier sous-jacent est cette propriété qui rend l'aquarelle unique par rapport aux supports opaques tels que l'acrylique Permettez-moi de démontrer ce concept à l'aide de simples échantillons. Je commence par mon bleu outremer, une aquarelle transparente Tout d'abord, je crée un bassin aqueux de cette couleur en le diluant avec beaucoup d' Je l'applique ensuite en fine couche sur cette grille noire que j'ai préparée à l'aide d'une encre permanente noire. Comme vous pouvez le constater, la grille noire reste visible sur toute la couche transparente et le blanc du papier transparaît Cet effet sera plus prononcé lorsqu'il sera complètement sec. Ensuite, je répète la même chose en utilisant de la gouache, qui est un support opaque J'utilise la même teinte ultramarine mais je l'applique sur le quadrillage noir Remarquez comment la peinture repose sur le dessus de la grille, recouvrant partiellement les lignes noires et donnant un aspect plus solide. Enfin, je fais de même avec l'acrylique. Avec ce support opaque, l'effet est encore plus prononcé. La peinture recouvre complètement la grille noire située bien en évidence sur la surface, créant une couche éclatante et audacieuse Lorsque l'on compare les trois, la différence devient claire. L' aquarelle transparente semble trouver derrière la grille noire, laissant transparaître la texture et les détails sous-jacents En revanche, la gauche et l' acrylique se trouvent au-dessus de la grille, masquant et mettant en évidence leur opacité Jetons un coup d'œil à certaines de mes aquarelles Pour ce faire, j'ai combiné des pigments transparents et semi-opiques pour créer un contraste saisissant. Dans mes paysages marins, j'utilise du viridian, un pigment transparent pour l'eau dont les valeurs tonales Pour le ciel, j'utilise des pigments semi-transparents à opaques, ce qui leur confère une douceur veloutée, parfaite pour créer Les couleurs du ciel se reflètent sur la mer tandis que la transparence lumineuse du viridien fait briller les vagues Cela montre que les pigments opaques ne sont pas à éviter à l'aquarelle Elles sont essentielles lorsqu'elles sont associées judicieusement à des couleurs transparentes Comprendre les propriétés des pigments vous permet de faire des choix éclairés pour votre palette possibilités créatives infinies Dans la prochaine leçon, nous allons approfondir cette question. 5. Déterminer la transparence: La transparence d' une peinture à l'aquarelle peut être déterminée par les trois méthodes suivantes Examinons maintenant en détail chacune de ces méthodes. Jetons un coup d'œil à la première méthode. La plupart des marques d'aquarelle professionnelles fournissent des informations sur les pigments sur leur catalogue de produits, leurs brochures, leurs emballages en tubes et leurs sites Web Ces propriétés incluent la transparence, la coloration et la granulation Recherchez des symboles tels que le carré ouvert, le carré ouvert avec une diagonale, carré à moitié plein et un carré plein. Si votre tube ne contient pas ces informations, consultez le site Web du fabricant pour obtenir une description complète des propriétés du pigment. Cela est particulièrement utile pour vérifier les détails lorsque certaines propriétés ne sont pas spécifiées. Voici un exemple de la façon dont site Web de Daniel Smith fournit des informations détaillées sur leurs aquarelles La liste répertorie toutes les propriétés essentielles de chaque pigment, y compris leur transparence, leur coloration, leur granulation, leur résistance à la lumière et leur composition pigmentaire Vous pouvez trouver toutes les propriétés des pigments directement sur vos tubes de peinture. Recherchez les symboles couramment utilisés par fabricants d'aquarelles, tels que le carré plein pour un opaq, carré ouvert pour un transparent, carré à moitié plein pour un semi-opaq et carré ouvert avec une diagonale pour un Jetons maintenant un coup d' œil à la deuxième méthode. Il s'agit d'un test de réseau. Tracez une grille noire sur du papier aquarelle et appliquez un lavis de couleur dessus Observez le résultat une fois qu'il sèche. Si la peinture est transparente, les lignes noires sont clairement visibles. Si les lignes noires sont partiellement masquées, elles sont semi-opaques et si les lignes noires sont complètement recouvertes par la couche de peinture, elle est opaque Maintenant, si de la couleur apparaît, mais que la ligne noire reste visible, elle est semi-transparente. C'est un excellent moyen de tester vos couleurs et de vérifier leur transparence. Si les informations figurant sur l'étiquette ne semblent pas cohérentes, cela peut être la meilleure méthode pour tester la transparence de vos peintures. La méthode suivante consiste à expérimenter avec un lavage plat pour confirmer davantage la transparence, puis créer un lavage plat. Maintenant, qu'est-ce qu'un lavage à plat ? Un lavage à plat est une couche uniforme de peinture appliquée sur le papier en une seule fois sans soulever le pinceau. En observant comment la couleur interagit avec le papier, vous pouvez déterminer la transparence Les pigments transparents laisseront transparaître la texture et la blancheur du papier, tandis que les pigments opaques créeront une couche plate plus solide masquant le papier En testant vos couleurs à l'aide de cette méthode vous comprenez parfaitement leurs propriétés, ce qui vous permet de faire des choix éclairés pour vos futures œuvres d'art. 6. Corrélation des pigments colorants et non colorants avec la transparence: Dans cette leçon, nous allons comprendre comment les pigments colorants et non colorants affectent la transparence d'une couleur. Maintenant, des pigments qui colorent l'eau. Les pigments colorants sont ceux qui pénètrent dans les fibres du papier, ce qui les rend plus difficiles à soulever. Maintenant, comment savoir si une couleur ou un pigment est tachant ou non ? Nous pouvons le déterminer en effectuant ce simple test. Sur une grille noire, déposez un linge plat en travers et laissez-le sécher complètement. Je mélange mon bleu paon dans un mélange fin et aqueux. Après avoir appliqué une couche plate de mon bleu paon sur la grille noire, je la laisse sécher complètement Je vais répéter le même processus en utilisant un autre pigment, qui est mon ultramarine light, et répéter l'ensemble du processus Après avoir appliqué une couche plate de mon bleu outremer sur cette grille noire, j'attendrai qu'elle Maintenant, la meilleure méthode consiste à laisser les couleurs sécher 24 heures avant de procéder à ce test. Une fois les deux couches sèches, j'utilise un peu d'eau et j'humidifie une partie de ma couche bleu paon En essayant de retirer la peinture , nous remarquons qu' il est difficile de l'enlever complètement Une teinte bleutée subsiste sur les zones soulevées ce qui indique que ce pigment a été absorbé par les fibres du papier Les pigments colorants comme celui-ci, tels que le PB 153, Taloblue ou le bleu paon, sont connus pour leur éclat intense et leur transparence subtile, contribuant à un effet lumineux lumineux Je répète le même processus avec l'ultramarine, et je remarque que la peinture se réactive facilement et se détache en laissant apparaître le dessous du papier Cela indique qu'il s'agit d'un pigment non tachant qui n'est pas complètement absorbé par la fibre du papier. Une fois le papier sec, nous pouvons clairement comprendre la différence entre les deux couleurs Le blanc du papier est nettement visible sous le bleu outremer, tandis qu'une teinte bleutée apparaît sur les zones surélevées pour le bleu paon Ce test permet de déterminer clairement lequel est un pigment colorant et un pigment non colorant. Pour cette raison, les pigments non tachants sont plus faciles à manipuler, ce qui les rend idéaux pour corrections et les ajustements de votre travail. Comme ils sont facilement réactivés avec de l'eau, vous pouvez facilement retravailler zones sous-jacentes si nécessaire, offrant ainsi une flexibilité et un contrôle accrus pendant Si vous aviez remarqué, mes deux couleurs sont fabriquées à partir de pigments uniques, les pigments simples ont tendance à avoir transparence plus constante à cause des pigments, les caractéristiques naturelles ne sont pas altérées par le mélange de différents pigments propriétés différentes D'autre part, les pigments mélangés composés de plusieurs pigments peuvent entraîner une diminution transparence, car certains pigments utilisés dans les mélanges peuvent être plus opaques, affectant la transparence globale de la peinture. Voyons comment la transparence du pigment colorant affecte la peinture à l'aquarelle Dans cette peinture, j'utilise le bleu halo ou le bleu teinté chaud pour peindre un ciel bleu vif avec des nuages duveteux Lorsque j'ai essayé de retirer la peinture des zones censées représenter les nuages, il m'a été difficile de retirer complètement le bleu, laissant une légère teinte bleutée sur le papier Pour représenter efficacement les nuages blancs rougeoyants, j'ai utilisé la technique de la peinture négative Au lieu de me fier au soulèvement pour créer les formes des nuages, j'ai dessiné la forme des nuages avec mon bleu et j'ai volontairement laissé du papier non peint dans ces zones Cette approche m'a permis de capter la luminosité des nuages tout en évitant de devoir soulever un pigment colorant Ainsi, en comprenant le comportement des pigments colorants, vous pouvez prendre des décisions éclairées quant à la manière de les utiliser pour obtenir les effets souhaités. 7. Créer des mélanges transparents: Dans cette vidéo, nous allons apprendre à préparer un mélange de couleurs transparent à l'aide d'une couleur opaque. Pour démontrer la méthode de dilution, j'ai préparé une grille noire à l'aide d'un marqueur à encre permanent et je l'ai laissée sécher complètement. Une fois sec, je retire le ruban de masquage, laissant notre grille prête à être testée Notre réseau est maintenant prêt. Commençons. Pour ce test, j'utilise ma teinte neutre et ma couleur mixte opaque composée de deux pigments, PB 66 et le PBK 11 Vous pouvez maintenant opter pour n'importe quelle couleur opaque de votre choix, mais ici j'ai utilisé une teinte neutre car aucun pigment blanc n' y était mélangé. J'applique un peu de peinture sur ma palette et prépare un pool de peinture uniforme à l'aide d'un pinceau plat aqueux Ensuite, j'applique un seul trait de peinture sur la grille. Vous remarquerez que la peinture recouvre la grille noire, l' assombrissant considérablement Cela montre son caractère opaque. Ensuite, j'utilise un compte-gouttes pour ajouter de l'eau à la peinture, diluant pour créer une valeur tonale plus claire Je le mélange bien et je l'applique sur la grille. Vous pouvez voir le ton s'éclaircir, mais la peinture reste un peu opaque J'ajoute encore plus d'eau pour fluidifier la peinture. À ce stade, la couche devient semi-opaque, laissant apparaître des traces de la grille noire. En continuant à diluer la peinture, l'intensité diminue et le mélange passe de semi-transparent à totalement transparent. Ce processus est similaire à la création d' un diagramme de valeurs tonales pour les aquarelles Ces valeurs plus claires des couleurs opaques sont idéales pour les techniques de superposition. Cependant, étant donné que les couleurs optiques, en particulier celles fabriquées à partir de pigments mélangés, ont tendance à dominer les couches sous-jacentes, leur utilisation comme sous-couche peut parfois rendre les transparentes ou semi-opiques suivantes couches transparentes ou semi-opiques suivantes floues. En comprenant comment la dilution affecte l'opacité et la transparence, vous pouvez faire des choix plus éclairés lors de la création de couches dans vos compositions d'aquarelle La méthode suivante consiste à mélanger et à superposer les couleurs en comprenant comment les couleurs interagissent lorsqu'elles sont superposées, notamment les changements de teinte, de saturation et de transparence. Pour ce faire, nous allons procéder à la création d' un vitrage ou d'un nuancier en couches Maintenant, qu'est-ce qu'un diagramme de vitrage ou de stratification ? Il s'agit d'un outil qui vous aide à évaluer la transparence des peintures à l' aquarelle et la façon dont elles interagissent lorsqu'elles sont superposées Il est particulièrement utile pour comprendre le comportement des pigments lorsqu'ils se chevauchent, révélant ainsi leur capacité à créer de la profondeur, la luminosité et des effets de couleur complexes dans vos peintures Pour créer cette carte de vitrage, j'ai utilisé toutes mes couleurs primaires chaudes et froides. Vous remarquerez que la plupart de mes couleurs primaires entrent dans les catégories des couleurs transparentes, semi-transparentes et semi-opaques Ce tableau m'aide à comprendre comment chacune de ces couleurs interagit lorsqu'elle est superposée, fournissant ainsi des informations précieuses pour les projets futurs Pour commencer, j'ai peint une couche horizontale d'un trait de chaque couleur sur la grille et je l'ai laissée sécher complètement. Une fois secs, j'ai étiqueté tous mes produits primaires le long de l'axe X de la grille J'ai ensuite répété le processus pour l'axe Y en suivant le même ordre de couleur. À l'aide d'un seul trait pour chaque couleur, j'ai soigneusement peint verticalement le long de la grille sans lever mon pinceau, afin de garantir des superpositions lisses et uniformes J'ai observé que l'effet de granulation du bleu outremer était bien visible lorsqu'il était associé à transparentes et semi-transparentes Mélangé à du jaune chaud, il a créé des tons verts chauds et légèrement boueux au début tons verts chauds et légèrement boueux au En revanche, lorsqu'il est associé à des rouges et des jaunes plus froids, il donne des verts et des violets plus lisses et plus brillants avec une apparence nette et éclatante Remarquez à quel point des mélanges de couleurs lisses et éclatants se forment lorsque le bleu paon est associé au jaune citron semi-opaque Ces interactions mettent en évidence l' influence de la nature de chaque pigment sur le résultat final. En fonction de vos besoins, vous pouvez ensuite utiliser ces observations pour sélectionner les couleurs adaptées aux techniques spécifiques de vos futurs projets. Les possibilités sont infinies. Créez autant de diagrammes de vitrage que vous le souhaitez pour explorer les interactions entre les différentes couleurs et exploiter tout leur potentiel. C'est maintenant à vous de créer votre propre carte de vitrage et de vous laisser surprendre par les résultats. Je téléchargerai ma carte vitrée dans la section des projets et des ressources afin que vous puissiez la trouver ici. 8. Sélection de la palette de couleurs: Maintenant que nous avons exploré la transparence des couleurs, permettez-moi de vous expliquer comment j'ai soigneusement choisi la palette de couleurs pour notre projet de classe En regardant la référence, je sais que je devrai travailler avec différentes valeurs tonales ou bleus Ma première étape consiste à éliminer mes bleus et à effectuer le test de quadrillage pour identifier leurs propriétés de transparence et de coloration Je sélectionne ensuite le pigment unique transparent et teintant le bleu le plus approprié de ma collection. Voici mon processus de sélection des couleurs pour le projet. Pour la couleur de base, je vais choisir le bleu paon, qui est semi-transparent et teinté pour poser les bases plus claires Et maintenant, pour ajouter des textures, je vais utiliser la lumière ultramarine profonde et la lumière ultramarine pour Vous pouvez voir ici à quel point l'effet granulant de ce pigment bleu est magnifique l'effet granulant de ce pigment bleu est Pour la tige de la fleur, j'utiliserai de la Sienne brûlée, un pigment transparent et du vert sablé, qui est, encore une fois, un pigment transparent, suivis d'un mélange personnalisé de jaune froid et de vert sav pour créer une variation tonale plus claire Le stock de farine. Maintenant, le sourire de sève que j' utilise ici est transparent, ce qui le rend inutile pour créer des tons verts jaunâtres plus clairs personnalisés Pour ce faire, vous pouvez mélanger votre grain de sève à un jaune transparent, tel qu'un jaune permanent profond ou un jaune citron transparent Maintenant, le jaune citron que j' ai trouvé chez Shinhan est semi-opaque, mais je vais vous montrer comment rendre le mélange obtenu semi-transparent en ajustant le rapport eau/peinture entre une peinture opaque et une peinture semi-opaque Pour cela, j' utiliserai deux parties de vert sève transparent et une partie de jaune citron. Vous pouvez maintenant voir que le jaune citron est semi-opaque alors que le vert sève est transparent Voici quelques points clés que vous devez garder à l'esprit lorsque vous mélangez ces couleurs. Le mélange obtenu mélangeant du jaune citron et du vert sève sera d'un vert jaunâtre lisse, mais avec des propriétés semi-transparentes Maintenant, comment obtenir la propriété semi-transparente en ajustant la proportion de jaune citron ou la teneur en eau, vous pouvez contrôler la transparence. Lorsque vous ajoutez plus de jaune citron, le mélange tend vers des propriétés semi-transparentes ou semi-opaques. Et lorsque vous ajoutez de l'eau, cela augmente la transparence et éclaircit le mélange, qui nécessite plusieurs couches pour augmenter la profondeur Remarquez que la peinture commence à devenir translucide au fur et à mesure que j' ajoute du jaune citron. Cependant, lorsque j'augmente la quantité de sève verte, elle neutralise soudainement la translucidité, ce qui donne un mélange semi-transparent Lorsque le mélange est humide, il peut sembler légèrement semi-opaque, mais la véritable nature de la transparence devient évidente une fois qu'il sèche. Nous attendrons qu' il soit complètement sec. En séchant, vous remarquerez que la couleur apparaît semi-transparente et que le quadrillage noir est encore partiellement visible sous cette couche de peinture. Cela montre comment les proportions des pigments et le processus de séchage influencent de manière significative la transparence finale de vos mélanges d'aquarelle Pour améliorer la profondeur sur les bords du papier, je sélectionne l'indigo. Bien que Enhance Indigo ne corresponde pas à mes préférences pour ce projet, j'opte pour l'indigo issu de la philosophie de l'art, qui produit l'effet souhaité, étant donné qu'il s'agit d'un pigment semi-transparent et très colorant. Récapitulons les choix de couleurs. Pour les défauts de texture, j'utilise mon bleu outremer granulé, et pour ajouter du contraste en bas et sur les côtés, j'utilise de l' indigo, avec petites traces de violet permanent transparent Maintenant, la lueur autour de la tige proviendra d'un bleu froid très transparent. Dans mon cas, c'est du bleu paon. Et pour la tige de la fleur, j'utilise une combinaison de brun et de vert En sélectionnant les pigments en fonction de leur transparence, propriétés colorantes et de leur comportement, nous pouvons créer une peinture équilibrée et visuellement attrayante avec des couches éclatantes et des textures riches Plongeons-nous dans le vif du sujet et voyons ces choix en action. 9. Projet de cours - croquis: C'est la référence que j'ai choisie, même si elle peut paraître délicate, elle peut sembler complexe au premier abord. Nous allons donc le simplifier pour créer des textures et des effets similaires. Au lieu de le reproduire exactement, nous essaierons de lui donner une touche artistique unique Je vous recommande de regarder l'ensemble du processus d'esquisse avant de l'essayer vous-même. J'ai imprimé la référence sur une feuille A quatre car je peins sur du papier aquarelle légèrement plus grand que le A quatre, mais plus petit que le A trois Si vous travaillez sur une toile plus petite, observez attentivement la référence et notez la position des tiges florales. Il n'est pas aligné au centre, mais légèrement décalé vers la droite près de l'intersection des deux tiers. Je place la référence imprimée sur mon papier aquarelle et je marque grossièrement le placement des tiges florales le long du bord et du bas de la feuille Ensuite, je commence le processus d' esquisse en marquant la tige de farine et étendant vers le bas pour former la tige entière allant jusqu' au bas du papier Comme il s'agit d'un simple croquis, je vous recommande de regarder l'ensemble du processus avant de vous lancer vous-même. Je commence par marquer la tige de la fleur et l' étendre pour former la tige entière qui court jusqu' au bas du papier Mais d'abord, en formant la tige de la fleur, je crée cette forme en V. Comme vous pouvez le constater, les deux premières fleurs la référence sont positionnées exactement de la même manière, puis je les joins pour former la tige. Lorsque j'atteins la moitié inférieure de la tige de la fleur, je trace une autre ligne s'étendant vers la droite, forme de V pour créer l'entre-nœud d'une autre tige Le schéma de base de la tige est maintenant terminé. Nous ajoutons maintenant les tiges et les feuilles des fleurs pour terminer complètement le croquis R Maintenant, lentement, nous allons commencer à créer la fleur et à former ses pétales. Elles sont donc très simples. Cela ressemble plus à une sorte de tulipe, mais ce n'est pas vraiment une pointe Elle possède donc presque trois ou quatre pétales par fleur. Nous allons maintenant étendre la moitié inférieure de la tige laissant un espace de 1 centimètre par rapport au bord inférieur du papier, comme vous le voyez sur la référence Ensuite, nous ajouterons les tiges, les feuilles et compléterons le croquis en dessinant les pétales de fleurs sur la tige internodale Ici, je reproduis la tige de la fleur telle qu'elle apparaît dans la référence, puisque je travaille sur une feuille de papier plus grande Cependant, n'hésitez pas à ajuster votre composition en ajoutant plus ou en omettant quelques fleurs et tiges en fonction de la taille de votre papier Si vous travaillez sur un papier de plus petit format, je vous recommande d'omettre certaines fleurs afin que votre croquis soit net et qu' il ne soit pas trop encombré En apportant quelques corrections finales à la tige, et une fois que vous aurez terminé, notre croquis sera prêt à être peint. J'inclurai le plan esquissé, ainsi que l'image de référence dans la section des ressources de classe N'hésitez pas à le télécharger et à l'utiliser pour vos propres besoins en matière de croquis. 10. Projet de cours - Contexte I: Notre croquis est prêt, et nous allons bientôt commencer par l'arrière-plan. Avant cela, je fais sortir les peintures des tubes. Vous pouvez voir les couleurs que je vais utiliser dans le coin gauche de l'écran. Si vous n'avez pas de peinture pour tubes, c'est parfaitement bien. Vous pouvez utiliser des peintures à la poêle à la place. Assurez-vous simplement d'avoir des bleus froids et chauds dans votre palette. Nos peintures fraîchement pressées sont maintenant prêtes à être utilisées. Un jet d'eau rapide les activera. Avant de commencer à peindre, nous allons soigneusement peser notre papier, et je le ferai en utilisant mon pinceau souple en velours noir argenté de taille 10. Mais vous pouvez utiliser n'importe quel pinceau large et plat dont vous disposez. Idéalement, une brosse à sorcière plate en poil de chèvre doux vous donnera de meilleurs résultats de mélange, ce que vous remarquerez au fur et à mesure que nous avancerons dans la peinture J'applique actuellement une couche uniforme d'eau sur la surface du papier. Veillez à répartir l'eau uniformément, évitant les flaques d'eau ou les endroits irréguliers À l'aide d'un mouvement de va-et-vient avec mon pinceau, je m'assure que le papier est uniformément recouvert d'eau douce. Vous pouvez effectuer cette étape plusieurs fois, en veillant à ce que le papier soit uniformément recouvert d'eau Une fois que le papier aura une brillance uniforme et que vous serez satisfait de l'application uniforme de l'eau, nous passerons à l'étape suivante savoir l'application de peinture. Pour cela, je vais passer à mon pinceau rond taille 12 en velours noir argenté. J'ai choisi ce pinceau pour bout pointu et son ventre arrondi qui retient efficacement l'eau. À l'aide du bout et du bout de ma brosse humide, je vais ramasser un peu de mon bleu paon Le bleu paon que j'utilise ici paon de Shannan Arts En utilisant le pigment PB 15, on obtient 23. C'est un pigment froid et semi-transparent, mais il possède également une propriété semi-colorante. Je crée donc un bassin d'eau d'une légère valeur tonale. Ce mélange dilué assurera aspect transparent lorsque la peinture commence à sécher, préservant ainsi l' effet délicat que nous visons. Je commence par un très léger lavis de bleu froid, couvrant de manière aléatoire les zones situées sur le côté gauche du papier tout en laissant apparaître des espaces blancs Notez que j'ai évité peindre près de la tige de la fleur, en laissant ces zones blanches pour le moment. Au fur et à mesure que nous progressons, nous pouvons ensuite décider combler certaines de ces lacunes en fonction de nos préférences. Ensuite, à l'aide d'un pinceau aqueux, je vais mélanger du bleu outremer profond à une valeur tonale moyenne Il s'agit d'un beau bleu chaud granulé et transparent Je vais l'utiliser pour superposer les coins les plus à gauche, améliorant ainsi la profondeur sans couvrir complètement le léger bleu froid qui se trouve Commençons par ajouter des valeurs moyennes de bleu outremer dans le coin inférieur droit du papier, en gardant le mélange aqueux pour qu'il reste humide plus longtemps Cela permet aux tons les plus foncés et les plus clairs de se mélanger harmonieusement pour obtenir l'apparence douce que nous recherchons Maintenant, plus près de la tige de la fleur, je vais appliquer avec soin un très léger vernis ton sur ton de bleu plus froid C'est mon bleu paon pour préserver sa qualité lumineuse. Ensuite, passez à une brosse ronde humide à six pointes de taille numéro . Je vais remplir les petits détails autour d'une tige avec un léger lavage délicat. Une fois cette couche sèche, vous remarquerez l'effet lumineux onirique que nous sommes en train de créer Ici, dans le coin supérieur droit, vous pouvez voir que la couche précédente est déjà sèche. Donc, afin de créer un mélange lisse, je vais utiliser mon pinceau taille 12 chargé d'un mélange aqueux de mon bleu paon et commencer à remplir la zone tout en mélangeant parfaitement les couleurs Cette technique est connue sous le nom superposition avec des lavis tonaux transparents, qui permet d'obtenir la profondeur et la dimension que nous recherchons Mais avec le même pinceau numéro six, je vais charger une petite valeur tonale moyenne de mon bleu paon et le mélanger tons plus clairs que nous avons superposés plus tôt, en le mélangeant parfaitement . Maintenant, nous allons commencer superposer nos tons plus foncés vers les coins gauche Avant de commencer à ajouter des tons de bleu plus foncés, pour améliorer la texture, j'ajouterai des éclaboussures d'eau, qui aideront à disperser la peinture et produire de magnifiques motifs organiques J'adore la façon dont le bleu outremer s' est granulé et s'est si bien mélangé au bleu paon, créant un effet spontané maussade est granulé et s'est si bien mélangé au bleu paon, créant un effet spontané maussade qui met en valeur la texture. Pour accentuer la profondeur, je vais maintenant ajouter des tons plus foncés de bleu outremer avec un soupçon de violet permanent dans les coins gauches du papier mélange une petite quantité de mon violet outremer avec ce mélange aqueux de bleu outremer et le déposer au hasard à certains endroits Ici, les traits sont totalement aléatoires. Comme le papier est mouillé, les couleurs se disperseront magnifiquement sur le fond mouillé À l'aide de mon pinceau humide, je fais ressortir les tons plus froids du bleu vers les tons plus foncés de mon ultramarin, que je pose simplement pour faciliter Pour préparer l' apparence de la jambe gelée, j'utilise le bout de mon pinceau pour créer de subtils traits inclinés Ces traits joueront un rôle clé plus tard dans le processus, car ils contribuent à créer l'illusion de fissures, ajoutant une touche de réalisme et de texture à la surface glacée. À l'aide de ma brosse à cheveux tri-coat humide, je mélange doucement les couleurs, commençant par le bleu paon clair et en me dirigeant vers les tons Observez ici les mouvements doux de la brosse de contrôle. appliquez une pression trop forte, vous risquez de faire décoller la couche, car notre arrière-plan est encore humide. Je répète ce processus pour le bas et le côté des tons plus foncés de l' outremer, mais cette fois, j'inverse les traits en les faisant converger vers l' intérieur pour créer un optant pour mon pinceau Blended Squirrel Mob, je crée une flaque d'eau aux couleurs foncées en mélangeant de l' indigo avec du bleu outremer pour créer de la profondeur. Assurez-vous que la consistance de ce mélange est équilibrée. Il doit être suffisamment fluide pour être appliqué sur du papier mouillé, mais pas trop aqueux, car cela peut rendre difficile le contrôle du flux de couleurs À ce stade, si vous remarquez que les couleurs ne se dispersent pas ou ne bougent pas correctement sur le papier humide comme il se doit, cela indique que la surface a commencé à sécher pour ne pas perturber les couches sous-jacentes légèrement le papier avec un flacon pulvérisateur pour le réhydrater, ce qui permet un mélange fluide Une fois que vous aurez effectué cette étape, vous remarquerez la différence flagrante. Désormais, les couleurs se déplaceront et circuleront facilement sur le papier et votre pinceau glissera très facilement sur votre papier C'est la magie du mouillé sur mouillé. À l'aide du même pinceau, je commence à superposer les valeurs les plus sombres sur les bords supérieurs et inférieurs du papier, laissant les zones centrales plus claires pour créer du contraste et améliorer la composition, répétant le même processus le côté droit du papier également, en ajoutant les valeurs les plus sombres aux zones les angulaires tout en laissant les zones plus proches de le briquet à tige. Maintenant, pour créer l'illusion de fissures dans les yeux, je vais ajouter quelques lignes nettes l'aide du bout pointu de mon pinceau. Cependant, il me semble préférable de passer à mon pinceau rond synthétique de taille 6 pour plus de précision. Comme le papier est mouillé, ces lignes se mélangent doucement, créant un effet lisse et naturel lieu de paraître très dures et rigides Ces lignes serviront guides pour ajouter d'autres textures ultérieurement. En ajoutant également les lignes à ma gauche, j'utilise ici le mélange de mon bleu outremer et de mon violet permanent En utilisant un léger trait doux du bout de mon pinceau, je crée les traits, en ajoutant maintenant des tons plus foncés de mon indigo mélangé à du Je pense que nous pouvons aller de l'avant et ajouter un peu plus de tons plus foncés d' indigo dans ce coin gauche. Une fois que vous êtes satisfait des lignes et des valeurs, et avant que le papier ne commence à sécher complètement, utilisez rapidement un pinceau sec moelleux pour mélanger à nouveau doucement les couches, comme nous l'avons fait Ici, j'utilise mon petit pinceau Mob pour mélanger parfaitement la valeur la plus foncée, afin d'obtenir le même effet de cohésion doux qu'auparavant Ici, en bas à gauche, si vous observez bien, nos ultramarins sont entièrement recouverts d'un mélange d'indigo Je vais donc superposer rapidement un mélange humide d'ultramarine, en mélangeant le Il est maintenant temps d'ajouter tonale très légère de notre bleu outremer à notre bleu paon et de créer ce mélange doux très léger près de la tige de la fleur, tout en préservant les espaces blancs Il est maintenant temps de créer de la magie. Je suis ici en train d'utiliser du sel de table et de le saupoudrer sur ce fond humide dans toute la zone, en particulier dans les zones les plus sombres Cela donnera un très beau résultat. De plus, si vous souhaitez expérimenter et améliorer les textures, vous pouvez y ajouter d' autres gros morceaux de particules de sel, comme du sel casher ou du sel gemme, pour obtenir effet plus prononcé Un conseil de pro pour vous. Ajoutez du sel pour obtenir des textures supplémentaires, uniquement lorsque vous sentez que le papier a atteint un état semi-humide. Si vous ajoutez bien du sel, si le papier est trop humide ou trop détrempé, le sel commencera à se dissoudre, ce qui l' empêchera de créer la texture souhaitée. Le timing est la clé de cette technique. En regardant mon papier, je peux constater que certaines zones ont commencé à sécher, ce qui signifie que le sel risque ne pas créer les textures souhaitées. Pour faciliter le processus, j'ai donc décidé d'ajouter quelques éclaboussures d'eau pour permettre au sel d'opérer sa magie À ce stade, je pense que quelques éclaboussures plus foncées dans les coins et avec parcimonie dans les zones plus claires donneront également le ton à notre prochaine étape Alors vas-y et amuse-toi bien. Laissez la spontanéité des éclaboussures renforcer l' Continuez avec les éclaboussures, mais en faisant attention à ne pas en aller trop loin. Je pense qu'avec ça, je vais arrêter d'ajouter des éclaboussures et me préparer à passer à l'étape suivante avec mon couteau à palette 11. Arrière-plan II- Textures: À ce stade, notre papier est semi-humide, c'est donc le moment idéal pour commencer avec nos textures. temps de s'amuser avec un couteau à palette, de créer la texture des fissures, utiliser le côté du couteau et faire glisser doucement sur le papier. Dans la direction dans laquelle vous souhaitez que les fissures apparaissent. L'essentiel ici est de le faire lorsque le papier est encore semi-humide, suffisamment humide pour permettre à la peinture de bouger, mais pas trop humide pour que tout se mélange. Vous devez maintenant vous demander comment identifier le stade semi-humide du papier. Nous n'en avons aucune idée. Voici deux de mes conseils de pro. L'un est un indice visuel. Le papier commencera à perdre de son éclat mais semblera toujours légèrement humide. Vous pouvez également identifier l' étape par le test tactile. Autrement dit, touchez légèrement le papier avec votre doigt. Si la couleur se déplace immédiatement, c'est qu'elle est encore trop humide. Si vous sentez l'humidité, mais que la couleur reste en place, c'est le moment idéal pour commencer à créer des textures. Mais attention. Vous ne devez pas appliquer trop de pression lorsque vous touchez le papier, vous pouvez simplement soulever la peinture car après tout, le papier est encore humide. Une fois que vous avez trouvé le bon niveau, appuyez légèrement sur le couteau à palette et faites-le glisser. Vous pouvez également utiliser des outils alternatifs tels que de vieilles cartes de crédit, cartes en plastique dur ou tout autre objet similaire pour obtenir des effets similaires. Voici quelques conseils de pro pour vous. Légère pression. Évitez d'appliquer une pression trop forte car cela pourrait déchirer le papier Pratiquez quelques coups sur du papier brouillon pour vous y habituer . Ensuite, le deuxième point est la réactivation des zones sèches. Si vous remarquez que certaines parties du papier sont sèches et que vous ne parvenez pas à créer la texture, mouillez légèrement le papier avec un jet d' eau et attendez quelques secondes que les couches se réactivent Veillez à ne pas trop pulvériser, sinon vous devrez peut-être attendre plus longtemps pour le papier revienne à l'état semi-humide J'espère que ces conseils vous seront utiles si vous rencontrez des problèmes en cours de route, ce qui rendra le processus beaucoup plus fluide et agréable pour vous Je continuerai à créer les fissures jusqu'à ce que je sois satisfait et qu'elles ressemblent à la texture de notre référence. Une fois que je saurai qu'ils sont bons, j'arrêterai et j'éviterai de les surcharger. À ce stade, le papier situé en haut commence à sécher. Eh bien, la partie inférieure est encore humide. Je passe donc à l'étape suivante qui consiste à utiliser un papier de soie concassé pour créer des textures supplémentaires. Mais cette étape est totalement facultative pour vous. Si vous pensez que votre papier a commencé à sécher, veuillez ignorer cette étape. Inutile de continuer avec ce papier de soie sec sur un papier sec car vous ne pourrez pas obtenir le résultat souhaité. Si vous ne savez pas quelle technique j'utilise ici, cette technique de tamponnage est également connue sous le nom de technique de levage, qui consiste à retirer la peinture humide du papier pour créer des textures Ici, j'utilise un tissu concassé enroulé en boule pour créer les textures subtiles d'un lac gelé. Remarquez à quel point je tape doucement et aléatoirement la boule de mouchoir sur les zones humides pour obtenir cet effet Nous allons maintenant passer à l' étape suivante qui consiste créer les bulles piégées dans les eaux glacées. Si vous vous sentez un peu dépassé à ce stade, faites une pause et revenez lorsque vous vous sentirez revigoré Il n'y a aucune précipitation. Cette étape utilise la technique humide sur sec, afin que vous puissiez reprendre exactement là où vous vous êtes arrêté lorsque vous êtes prêt. Je commence par réactiver mon bleu froid sur la palette de mixage Pour cette étape, nous allons utiliser une valeur tonale claire pour marquer la forme de chaque bulle Notez que je me concentre sur les zones plus claires où nous avions précédemment éclaboussé notre couleur plus foncée Je contourne soigneusement ces petits points en forme de plateaux, en les façonnant en bulles Ensuite, je remplis les bulles avec des valeurs plus foncées, les mélangeant doucement avec le pinceau de barrage dans les zones les plus claires Ce mélange crée une transition naturelle, donnant aux bulles un aspect réaliste et tridimensionnel Pour cette étape, je recommande d'utiliser un pinceau rond fin et pointu, de préférence de taille un ou deux ou même de taille zéro Choisissez la taille de pinceau avec laquelle vous êtes le plus à l' aise pour créer les bulles délicates. le pinceau est fin, plus vous aurez de précision pour façonner et détailler les bulles, leur donnant un aspect réaliste et raffiné Je vais continuer à créer ces bulles différentes tailles pour obtenir un aspect similaire à notre référence. Mais je ferai attention à ne pas aller trop loin. Rappelez-vous toujours qu'il n'y a pas de fin à ajouter des détails, il est donc essentiel de savoir quand s'arrêter. Un moyen efficace de prendre une décision est de faire une pause et de regarder votre peinture à distance. Si vous vous sentez heureuse et satisfaite de son apparence, c' est le bon signe pour arrêter. Fiez-vous à votre instinct et appréciez le processus. Les prochaines minutes seront consacrées à l'ajout et à la mise en forme de ces bulles, pour leur donner vie sur le papier. Bien qu'il s'agisse d'une étape facile, elle peut prendre un peu de temps car nous créons plusieurs bulles de différentes tailles à la fois. Comme il s'agit d'un processus répétitif, je l'ai accéléré. Je vous suggère de regarder la vidéo dans son intégralité avant de commencer à peindre. De cette façon, vous serez parfaitement préparé pour l'étape suivante et pourrez suivre le cours plus facilement. Avec cette dernière bulle, je vais m'arrêter ici et me préparer l'étape suivante qui consiste à peindre la tige moyenne de la fleur et les pétales. 12. Tige de fleur - humide sur sec: C'est bon. Commençons par la tige et les pétales de la fleur. Je vais commencer par peindre le pétale de fleur en utilisant la technique de la superposition. Tout d'abord, je vais appliquer un léger nettoyant ton sur ton avec mon indigo et mon bleu paon J'utiliserai de l'indigo pour dessiner la forme du pétale, puis avec un pinceau légèrement humide, je vais passer au bleu paon Cela crée l'illusion d'un pétale blanc enfermé dans les yeux, ajoutant de la profondeur et la texture requise au motif Comme vous pouvez le constater, une fois que j'ai fini de dessiner le premier pétale, je charge le bout de mon pinceau avec une très légère valeur tonale de Je commence à remplir le pétale, commençant par les bords et me dirigeant progressivement vers le centre Cela garantit qu'il n'y a pas de lignes raides entre le contour et le corps du pétale, même en utilisant la technique humide sur sec. Maintenant, si vous vous demandez ce qu'est la technique humide sur sec, c'est une technique qui consiste appliquer de la peinture humide sur du papier sec, ce qui permet d'obtenir des couches contrôlées et des transitions douces. Je continuerai à peindre les autres pétales de la même manière. Comme les pétales sont petits, il est important de garder le contrôle sur vos coups de pinceau. C'est pourquoi je recommande d'utiliser un pinceau rond de taille 2 à bout pointu, comme celui que j'utilise dans cette vidéo. Cela vous aidera à obtenir précision et contrôle tout en peignant les détails délicats des pétales. Je vais continuer à utiliser la même technique pour compléter les autres pétales et les laisser sécher. Une fois sec, je vais réévaluer et voir si des couches supplémentaires sont nécessaires pour améliorer la profondeur Et avec ce dernier pétale, j'en ai fini de peindre la farine Je vais maintenant passer à la peinture du bouillon de farine qui le relie à la tige. Pour la tige, j'utiliserai une belle couleur vert jaunâtre. Vous pouvez mélanger le jaune citron avec vert sève pour créer une teinte similaire. Ici, j'ai ajouté une teinte de ma sienne brûlée dans ce mélange jaune verdâtre pour le transformer en une couleur similaire à celle que vous voyez dans Vers le bas de la tige, j'ajouterai des tons verts plus foncés Pour ce faire, vous pouvez soit mélanger votre bleu outremer avec le mélange jaune-vert Ou utilisez directement le vert sa avec une valeur tonale moyenne. Je vous recommande de mélanger les couleurs et de les tester d'abord sur un bout de papier pour assurer qu'elles correspondent au ton que vous recherchez. Je peins ici directement sur le papier grâce à des années d'expérience en matière de valeurs tonales et de mélange de couleurs Mais pour les débutants, il est toujours préférable de tester vos mélanges de couleurs sur un bout de papier avant de peindre le pédoncule et le pédoncule de la farine L'ensemble du processus de peinture de la crosse et de la tige se fera en utilisant la technique humide sur sec. Cela peut parfois sembler un peu monotone, car nous allons passer du brun au allons passer du brun vert pour terminer la peinture de la tige. Pour rendre ce processus plus efficace, je vais l'accélérer ici. Je recommande de regarder d' abord l'intégralité de la vidéo afin de voir où se produisent les changements de couleur. Cela vous aidera à rester préparé et organisé lorsque vous peindrez avec moi. Si vous observez bien, je vais d'abord compléter les tiges florales avant de passer à la tige principale Il n'y a rien de nouveau à expliquer ici. Je répète simplement les mêmes étapes que celles que nous avons utilisées pour peindre les tiges plus tôt Alors détendez-vous et profitez du processus avec une boisson chaude et peut-être de la bonne musique. Et vous pouvez maintenant voir lentement comment notre peinture prend vie au fur et à mesure que nous complétons les tiges des fleurs Il est maintenant temps de passer à la tige principale. Pour commencer, je vais d'abord appliquer une légère valeur tonale jaune-vert sur près de la moitié de la tige, en la reliant aux tiges situées au sommet Ensuite, j'utiliserai la valeur médiane du tunnel de Burnt Sienna pour terminer la tige Je m'assure de m'en tenir au contour de la tige que nous avons créée, car je ne veux pas qu'elle paraisse trop épaisse ou disproportionnée. Et pour ce faire, j'utilise un petit pinceau pointu de taille 2. Prenez votre temps et soyez patient avec vos coups. Voici un petit conseil. Vous obtiendrez des traits lisses et nets du bout de votre pinceau uniquement si votre mélange de peinture a une consistance crémeuse. Si votre peinture est trop sèche, traits secs et irréguliers apparaîtront sur le papier Veillez donc à ajuster la consistance de la peinture en conséquence Maintenant, vers le bas de la tige, je vais commencer à ajouter tons bruns plus foncés en mélangeant du bleu outremer. Lorsque vous mélangez du bleu outremer à de la sienne brûlée, vous obtenez une teinte plus foncée car ces couleurs se complètent sur la roue chromatique Les couleurs complémentaires lorsqu'elles sont mélangées se neutralisent pour créer un ton plus riche et plus profond Notre tige prend lentement vie. Je peaufine maintenant les lignes bancales pour les rendre nettes et réalistes Ensuite, je vais commencer à travailler sur la tige internodale reliant les tiges florales vers Au fur et à mesure, faites attention à la quantité d' eau que vous ajoutez lorsque préparez votre mélange de peinture pour la tige. La bonne consistance de la peinture est essentielle pour obtenir des traits lisses et précis. Je vais maintenant commencer à ajouter les tiges de fleurs vides séchées en utilisant mon même mélange de Sienne brûlée Une fois celles-ci terminées, nous passerons à la peinture des feuilles. Juste ici, à ce stade, je vais ajouter un peu de mélange jaune-vert et le mélanger directement sur le papier. Ce réglage ne concerne que cette zone spécifique, car vous pouvez observer le même effet est présent dans la référence à. Oh, je viens de remarquer que j'ai oublié peindre le pédoncule de la fleur sur la gauche Je vais donc rapidement terminer cela maintenant, et je constate également que le bas des quelques tiges situées sur le dessus de ces fleurs est fané Nous allons donc y revenir et ajouter les valeurs tonales moyennes du vert sève pour donner plus de profondeur à ces zones Hormis les ulivations, je pense qu'il n'y a pas grand-chose à expliquer à propos de la peinture de cette tige Cela va de soi si vous suivez à l'écran. Il est maintenant temps d'ajouter les feuilles. Je vais commencer par le haut en peignant les deux premières petites feuilles en utilisant les valeurs tonales moyennes du vert sève Pour apporter de la variation et aux feuilles un aspect un peu plus dynamique, j'ajoute de temps en temps des tons de vert plus foncés et plus clairs pendant que nous peignons les autres feuilles. La variation aidera le stem à ressortir et à paraître plus réaliste. Pour les feuilles, je continue d'utiliser la même technique que celle que nous avons utilisée auparavant, à savoir la technique « humide sur sec ». Pour peindre les feuilles, j'ai opté pour mon pinceau ultra rond taille 6. Son bout magnifiquement pointu me permet de créer ces traits tranchants, tandis que son ventre bien ajusté contient suffisamment de peinture et d'eau pour peindre ces feuilles en un seul trait lisse. Si vous utilisez un pinceau plus petit, le processus risque de prendre plus de temps car vous devrez recharger fréquemment votre pinceau, ce qui pourrait également entraîner des incohérences dans la valeur tonale de la C'est pourquoi je recommande d' utiliser un pinceau à pointe pointue pour précision et un bon ventre pour obtenir ces traits larges et réguliers sans effort Donc, selon ma recommandation, les tailles quatre, cinq ou six d' un pinceau rond à bout pointu sont un bon choix pour peindre les manches. J'ai récemment ajouté ce pinceau ultra rond à ma collection, et je ne pourrais pas être plus heureuse de ma décision. Maintenant, vous devez vous demander quelle est la différence entre un pinceau ultra rond et un pinceau rond standard. Voici donc la différence. Les pinceaux ultra ronds sont dotés de cette pointe pointue exceptionnellement fine et pointue, qui vous permet de créer des lignes fines, des détails ou tout autre travail complexe. Eh bien, les pinceaux ronds standard ont une pointe modérément pointue, ce qui peut être polyvalent pour un usage général, mais vous ne pouvez pas l'utiliser pour un travail détaillé très précis. Et aussi le Stroke Control. design effilé des pinceaux ultra ronds Le design effilé des pinceaux ultra ronds offre un excellent contrôle des traits délicats et audacieux, ce qui les rend polyvalents pour la technique d' un seul coup D'où ma recommandation d' avoir au moins un pinceau à ultrasons dans votre collection de pinceaux Je compléterai les feuilles restantes en utilisant les mêmes techniques, commençant par un léger lavis de vert sève, puis en ajoutant de la profondeur aux côtés en utilisant des tons plus foncés. Ensuite, je finirai de dessiner la tige qui se trouve derrière la première fleur que nous avons peinte Une fois cela fait, nous passerons au segment suivant qui consiste à peindre les pétales de fleurs. 13. Pétales de fleurs-superposition: OK, commençons à peindre les fleurs restantes comme nous l'avons fait pour la première. Je vais commencer par appliquer une valeur tonale moyenne d' indigo pour délimiter les bords des pétales À l'aide de mon pinceau ultra rond Sisix, je peindrai ensuite l'intérieur avec une légère teinte indigo, en retirant pigment au besoin pour exposer le bleu du papier sous-peint La même approche sera utilisée pour toutes les fleurs. Prenez note de la source lumineuse. Pour les fleurs situées dans les zones claires, veillez à ce que la valeur tonale soit douce et délicate Pour les fleurs situées dans les zones les plus sombres, vous pouvez ajouter des couches supplémentaires pour créer un contraste plus fort donner une illusion d'ombre et de lumière. Ici, j'ai légèrement utilisé une valeur foncée aqueuse d' indigo pour délimiter les bords des pétales, mais c'était trop aqueux Donc, pour y remédier, j'utilise un pinceau humide Je mélange doucement les zones pour adoucir les bords. Avec le même pinceau humide, j'ai essayé de retirer un peu de peinture en excès. Cependant, j'ai remarqué qu' il y avait trop d'eau, alors j'ai tamponné légèrement la zone avec du papier de soie pour absorber le surplus de peinture aqueuse Voici un exemple de technique de levage. Vous pouvez voir ici comment nous avons transformé une erreur potentielle en opportunité. C'est l'une des plus grandes joies du travail à l'aquarelle La maîtrise des bonnes techniques permet corriger les erreurs sans avoir à retravailler l'ensemble de la pièce Cela dit, votre capacité à corriger dépend du sujet que vous peignez et la palette de couleurs que vous avez choisie. Les propriétés des couleurs, telles que le fait qu'elles tachent ou non, jouent un rôle important dans facilité avec laquelle vous pouvez effectuer des ajustements, et j'espère que vous pourrez clairement remarquer la différence ici. Un autre conseil pratique que j'aimerais partager lorsque vous travaillez, c'est chaque fois que vous avez impression que votre pinceau contient trop de peinture à l'eau ou qu'il a une valeur tonale plus foncée que prévu Gardez toujours un papier de soie ou une serviette à portée de main, frottez le bout de votre pinceau pour éliminer l'excès d'eau ou de peinture. Cette petite étape vous permet d'ajuster la valeur de la peinture et de travailler de manière plus contrôlée et précise. suivant le même processus, je vais compléter le reste des fleurs et les laisser sécher complètement. Une fois que vous avez terminé toutes les fleurs, observez le tableau et associez-le à la référence, puis décidez si des couches supplémentaires sont nécessaires pour les fleurs. Si vous êtes satisfait du résultat, passez à l'étape suivante. Sinon, ajoutez soigneusement une autre couche pour approfondir les tons et faire ressortir plus de profondeur. Mais voici un conseil de prudence. Évitez de trop travailler cette zone car cela peut compromettre la fraîcheur de la peinture Lorsque la peinture est complètement sèche, retirez le sel séché du papier à l'aide d'un pinceau doux et moelleux ou en frottant doucement un papier de soie sur le Veillez à ne pas appuyer trop fort, surtout si les couleurs les plus foncées se trouvent près de la base du papier, car vous risquez de les faire ressortir par inadvertance Une fois que votre papier est complètement sec, nous passerons à l'étape suivante. C'est pour donner à la tige de farine apparence réaliste encastrée dans Pour ce faire, nous allons procéder à une technique de superposition avec un mélange très dilué de pigment bleu froid colorant Dans notre cas, j'utilise ici du bleu paon. Assurez-vous que le mélange est fortement dilué pour maintenir la transparence, en particulier si votre bleu froid n'est pas naturellement transparent. Comme vous pouvez le constater dans la référence, les poches d'air autour de la fleur renforcent l'effet d' incrustation de glace. Pour obtenir cet effet enveloppant, nous allons dessiner autour de la fleur un léger mélange de bleu paon mélangé à un peu d'indigo Cette combinaison crée un effet subtil et réaliste de la fleur recouverte de glace Pour cette étape, j'utilise le bout long et pointu de mon pinceau ultra rond taille 6. Cependant, vous pouvez choisir n'importe quel pinceau à pointe fine pour appliquer ces détails avec précision. À l'aide d'un simple pinceau humide, je remplirai doucement les zones autour du boîtier. Observez comment le mélange de peinture reste très léger et se fond parfaitement grâce à une technique humide contrôlée. Ici, je passe juste en revue la zone avec le bout humide de mon pinceau. Je commence par préparer une piscine de mélange bleu paon très dilué l'aide de mon pinceau en velours noir taille 12 Ce pinceau au ventre arrondi offre un excellent rapport peinture/eau, ce qui me permet d' appliquer le mélange aqueux en douceur sur la tige de la fleur et dans ces grands espaces Le large ventre assure un flux constant de peinture, ce qui rend le processus de superposition fluide, tandis que la pointe peut atteindre tous les coins et Lors de l'application, veillez à ne pas passer plusieurs fois sur la même zone, car cela pourrait réactiver les couches sous-jacentes et perturber la transparence Utilisez des traits fluides et très légers en un seul mouvement. N'oubliez pas que plus le pinceau est large, plus vous pouvez couvrir une grande surface en une seule fois, ce qui rend cette étape plus efficace. Cette étape est cruciale car l'utilisation d'un pigment hautement transparent est essentielle pour obtenir les résultats souhaités. Commencez par appliquer un très léger vernis ton sur ton de bleu froid pour laisser une légère teinte bleue sur le papier une fois qu' Si votre peinture n'est pas transparente, diluez-la jusqu'à ce qu'elle atteigne une valeur tonale similaire à la mienne et testez toujours le mélange sur un bout de papier avant de l'appliquer votre peinture pour obtenir la transparence et le ton souhaités Je ne vais pas trop m' attarder sur ce point. Je vais m'arrêter ici et le laisser sécher complètement. 14. Bulles de glace tampées et couches finales: À l'aide de ce mélange aqueux de bleu paon et d'un peu d'indigo, j'identifie d'abord les formes de la texture pour former les bulles, en soulignant la forme des bulles, soulignant la forme des bulles, puis j'ajoute les tons plus foncés de l'indigo vers le bas de la bulle, pour créer de la Maintenant, à l'aide d'un pinceau propre et humide, j'applique doucement le ton le plus foncé vers le haut pour maintenir une zone plus claire sur le dessus, donnant ainsi l'illusion que la lumière frappe la bulle. Je vais répéter cette technique pour créer des bulles de différentes formes et tailles, en veillant à ce que chacune ait son caractère et son éclat uniques. Vous n'avez plus besoin de remplir toute la zone le long des textures avec des bulles. Quelques-uns seulement illustreront efficacement la scène des bulles piégées dans les yeux Ici, j'utilise mon mini-pinceau pour créer des bulles de différentes tailles, petites et moyennes. Un pinceau à pointe fine fonctionne bien, je vous recommande donc d'utiliser un pinceau dont le bout pointu très fin vous permet de peindre facilement les petites bulles. L'essentiel est de varier la taille et le placement pour que l'effet reste naturel et réaliste. Je peux identifier une bulle plus grosse dans la texture de cette zone plus foncée Je vais donc dessiner avec une valeur tonale moyenne d' indigo, car elle se trouve dans la zone la plus sombre de la peinture Ensuite, je touche le fond de la bulle avec un ton légèrement plus foncé pour créer de la profondeur. Maintenant, à l'aide d'un pinceau propre, j'estompe doucement les tons foncés vers le haut, en laissant le dessus plus clair pour capter l'effet de la lumière C'est la même technique que précédemment, à appliquer sur une bulle plus grande. Il est maintenant temps de passer à aquarelle blanche ou au whiteqh et d'utiliser un pinceau fin et pointu, de préférence un pinceau décoratif pour créer les bulles sur les quatre tiges Nous créerons des bulles autour de la tige de la farine pour reproduire l'effet des bulles piégées La technique reste la même. Cela est décrit en forme de bulle en utilisant d' abord de la peinture blanche, en se concentrant sur les zones vertes plus foncées de la tige Comme vous pouvez le voir dans la référence, cela permet d'améliorer le réalisme et faire ressortir magnifiquement la bulle le fond plus sombre. Assurez-vous de préparer une peinture blanche de consistance crémeuse qui ne soit ni trop épaisse ni trop aqueuse. L'obtention d' une consistance parfaite permet à votre pinceau de glisser en douceur tout en dessinant les bulles Comme vous pouvez le voir ici, j'ai eu un peu de mal avec cette consistance de peinture blanche. Préparez donc votre mix en conséquence. Concentrez-vous sur la création de bulles taille moyenne à petite, comme vous pouvez l'observer dans la référence, plutôt que d' opter pour des bulles plus grandes. Cet équilibre permettra de conserver le réalisme de l'effet des bulles piégées. Voici un aperçu plus détaillé du processus. Je vais continuer à créer ces bulles jusqu'à ce le résultat ressemble beaucoup à celui de la référence. Bien que je ne cherche pas à reproduire exactement la référence, mon objectif est de créer un effet quelque peu similaire qui transmet efficacement la même idée À l'aide du bout pointu du pinceau, je crée des lignes fines et nettes pour indiquer l' effet de gel sur la tige. Ces lignes délicates ajouteront de la texture et amélioreront l' aspect réaliste de la tige gelée Ici, je suis passée à mon pinceau ultra rond taille 6 ai chargé d'une teinte légèrement aqueuse de bleu paon pour combler les zones les plus blanches de la Si vous vous souvenez bien, nous avons d'abord appliqué un lavant ton très léger ou bleu paon sur cette zone, mais il est maintenant estompé Je vais maintenant le recouvrir d' un autre vernis délicat ou d'un autre bleu pour lui redonner des tons subtils et améliorer l'effet général. cours des prochaines minutes, je continuerai à peindre ces minuscules gouttelettes d'eau sur les tiges des fleurs et à ajouter des textures à la tige pour illustrer cet effet enveloppant J'espère que tu ne t' ennuies pas. Parfois, la patience dans le processus nous récompense généreusement à la fin Restons donc concentrés et profitons de ce processus. Si vous vous sentez dépassé ou fatigué à force de peindre continuellement, prenez un moment pour vous étirer, faites une petite pause, promenez-vous ou sirotez une boisson rafraîchissante. Prendre de petites pauses pendant le processus peut vous aider à retrouver votre concentration et à retrouver une énergie nouvelle. Essayez-le et dites-moi comment cela a affecté votre humeur et votre perspective lorsque vous avez repris votre peinture. Oh. Poursuivez avec quelques lignes fines et délicates le long de la tige en mélangeant mon blanc à cette teinte très claire du bleu paon pour que les choses restent intéressantes et Et ici, j'ai accéléré ce processus parce qu' il s'agit de la même répétition d' étapes que celle que je fais ici Alors n'hésitez pas à regarder l'ensemble du processus, puis vous pourrez peindre. Une fois que vous aurez terminé les textures gelées sur les fleurs et les tiges, nous passerons à l'étape finale, savoir le processus de superposition Pour l'étape suivante, assurez-vous que votre papier est complètement sec et posé à plat. Pour nous assurer que la tige de la fleur semble recouverte de glace, nous appliquerons une fine couche de bleu paon clair sur la tige, concentrant uniquement sur les zones les plus claires Veillez à ne pas toucher les zones les plus sombres car il est essentiel de préserver leur contraste. Le processus de superposition améliorera la profondeur et donnera l' effet d'encasteffement que nous visons Pour cette étape, préparez un bassin très clair de votre bleu froid et chargez-le sur votre large brosse à merlu à tête plate Une brosse plus douce est recommandée pour cette étape, car vous devez passer très légèrement et doucement sur ces zones et l'étaler vers l'extérieur sur les zones les plus sombres comme je le fais ici Veillez à ne pas exercer trop de pression car vous risqueriez de faire ressortir les couleurs de la tige Parce que ces couleurs ne tachent pas, vous devez donc être très prudent et continuer superposer cette couleur sur les zones Ne touchez pas les zones les plus sombres. Il vous suffit de limiter vos traits aux zones les plus claires du papier L'étape suivante consiste à laisser votre papier sécher complètement pour qu' il repose à plat une fois qu'il est plat et qu'il est complètement sec, décoller les rubans en appuyant doucement sur le papier, tout en veillant à ne pas l'arracher Et avec cela, notre magnifique lac d'hiver gelé est complet. Prenez un moment pour prendre du recul, admirer votre travail et vous féliciter d' avoir atteint le bout du fil. Je vous verrai dans la prochaine leçon où nous terminerons le cours avec un résumé de tout ce que nous avons appris jusqu'à présent Excellent travail, et merci d'avoir peint avec moi. 15. Réflexions finales: Félicitations pour avoir terminé le cours. Prenons un moment pour récapituler rapidement les enseignements de ce cours transparence est le cœur et l'âme de la peinture à l'aquarelle, laissant passer la lumière et créer les magnifiques effets lumineux que nous aimons tant Nous avons ensuite appris comment identifier les couleurs transparentes, semi-transparentes et opaques et comment ces propriétés influencent la superposition et la profondeur de vos œuvres d'art Ensemble, nous explorons des techniques telles que le laçage, la dilution et la création de mélanges transparents, qui sont de puissants outils pour améliorer vos compétences en aquarelle Voici quelques conseils supplémentaires pour sélectionner les pigments. Choisissez des couleurs transparentes lorsque la superposition est essentielle car elles aident à créer de la profondeur sans créer de boue Utilisez des pigments colorants pour obtenir des glaçures éclatantes et des pigments non tachants pour obtenir des défauts de texture doux Testez toujours vos pigments au préalable pour comprendre comment ils interagissent avec la lumière et le papier. J'ai hâte de voir la magie que tu créeras. N'hésitez pas à télécharger votre travail dans la section Soumettre un projet du cours. Pendant que vous y êtes, prenez le temps de parcourir les projets de vos collègues artistes. L et commentez pour les encourager. Célébrons la créativité de chacun. Si vous avez des recommandations ou des suggestions spéciales pour les prochains cours, n' hésitez pas à les partager dans la section de discussion du cours. Vous pouvez également poser des questions sur les aquarelles ou sur ce cours, et je ferai de mon mieux pour y répondre rapidement. J'espère que vous avez apprécié ce cours. Si vous avez trouvé ce cours utile, n'hésitez pas à laisser un avis. Cela permet non seulement à la classe d' atteindre un public plus large, mais cela me soutient également dans mon parcours en tant qu'instructeur. Merci encore une fois de votre participation. Je te verrai dans mon prochain cours. 16. Leçon en bonus : la palette de couleurs: Bonjour, mes créatifs. Je suis de retour avec une leçon supplémentaire pour ce cours. Et pour l'ensemble de ce tableau, nous n'utiliserons que les cinq couleurs de base. Permettez-moi de les examiner rapidement et de vous expliquer la palette Une chose importante à garder à l'esprit, comme nous l'avons vu dans les leçons précédentes, est de toujours vérifier la transparence ou les propriétés de vos aquarelles avant de commencer Maintenant, j'ai déjà dessiné la ligne d'horizon et les montagnes au loin Ici, nous introduirons couleurs chaudes du coucher de soleil pour le ciel et pour le lac gelé, nous nous en tiendrons aux bleus plus froids au premier plan et imiterons subtilement les teintes du coucher de soleil sous forme de reflets sur la surface glacée sous forme de reflets sur la Alors maintenant, commençons par tacher nos jaunes. La première couleur est mon jaune de Naples, la seule couleur opaque de notre palette sélectionnée. Maintenant, lorsque vous observez que ce jaune est très opaque, mais lorsque vous l' atténuez avec de l'eau, vous obtenez des valeurs tonales claires qui sont à peu près transparentes Le jaune suivant que je vais éliminer est mon jaune orange permanent Il s'agit d'un très beau jaune orange chaud et très transparent de chez Shinhan Ces deux couleurs sont issues de la gamme d'aquarelle Shinhanart PWC Extrafin Passons maintenant au blues, pour une fois, je vais utiliser le bleu d'Izaro Watercolors, marque belge connue pour ses magnifiques peintures faites à la main, et j'adore ça Et vous pouvez voir à quel point ils sont richement pigmentés. Le bleu que je crache ici est le bleu de mon halo, et il est très transparent Vous pouvez le voir clairement, n'est-ce pas ? Le bleu Thalo que j' ai testé ici est un bleu froid composé du pigment PB 15 est 23 Maintenant, le bleu suivant que je vais tester ici est le bleu Idanthn, qui est une couleur très chaude, très pigmentée et également très qui est une couleur très chaude, très pigmentée et également très transparente. Maintenant, il s'agit du pigment PB 60. Maintenant, lorsque vous mélangez votre bleu danthan avec votre bois brûlé ou toute autre teinte de brun plus foncé, cela crée des valeurs de bleu très profondes et plus foncées Si vous utilisez ces deux couleurs comme couleurs transparentes, le mélange le plus foncé sera également transparent. Mais si l'une de ces couleurs de mélange semi-transparente ou semi-opaque, le résultat dépendra également en conséquence Maintenant, au lieu de ce donthnblue, vous pouvez également utiliser votre indigo ou mélanger un peu de teinte neutre à votre bleu thalo Voici un récapitulatif des couleurs que nous avons sélectionnées. 17. Leçon bonus : le ciel partie 1: Bien, commençons maintenant avec notre croquis. L'esquisse est très simple. Nous traçons simplement la ligne d'horizon au tiers de l'article, puis nous esquisserons les montagnes lointaines, en restant très simples et basiques Il n'y a aucun détail ici. Une fois que notre croquis sera prêt, nous passerons ensuite au ciel où nous utiliserons la technique humide sur humide. Nous peignons un ciel couchant, nous aurions donc besoin de tons jaunes chauds pour notre ciel. Commençons donc. Pour ce qui est du ciel, je vais opter pour une technique humide sur humide qui consiste à appliquer de la peinture humide sur une surface de papier mouillée un premier temps, je vais donc mouiller généreusement le ciel avec mon pinceau Hake de Silver Limited Maintenant, en m'assurant qu'il n'y a pas de flaques ou de flaques d'eau et en évitant soigneusement les montagnes tracées, je vais répartir l'eau uniformément sur Avec le bout humide de mon balai, je vais préparer un mélange de mon jaune de Naples, en gardant une valeur tonale moyenne Je n'en ai pas besoin car le fond est déjà humide Je vais donc préparer une belle consistance beurrée avec mon jaune de Naples et commencer à mon jaune de Naples et commencer superposer à la base de l'horizon, en remontant vers le haut et en laissant un espace Quelle est l'une des raisons pour lesquelles je préfère toujours une couche de base opaque pour la lumière dans le ciel ? Peux-tu deviner pourquoi ? Si vous avez suivi mes leçons précédentes dans ce cours sur la transparence ou mon guide ultime pour peindre le ciel à l'aquarelle, vous connaîtrez la réponse Curieux de savoir pourquoi, le voici. Les aquarelles transparentes laissent passer le papier , ce qui est beau, mais il est souvent difficile d'obtenir des couches fortes et éclatantes, en particulier lorsque vous utilisez la technique du lifting ou la superposition pour peindre vos nuages Une base opaque recouvre plus complètement le papier, sorte que les couches suivantes ne sont pas diluées par le blanc du papier. Il est donc plus facile de contrôler les transitions entre la lumière et l' obscurité, en particulier lorsque vous peignez un ciel dégradé. C'est pourquoi il est essentiel de connaître les propriétés de vos couleurs, qu'elles soient opaques, transparentes ou colorantes. Comprendre le comportement de votre pigment vous permet prendre les bonnes décisions et de choisir vos couleurs, qu'il s'agisse de créer un ciel éclatant, de créer de la profondeur dans des couches ou contrôler vos valeurs de lumière et d'obscurité. Lorsque vous connaissez bien vos couleurs, chaque coup de pinceau devient intentionnel et votre peinture prend vie exactement comme vous le souhaitez Ici, je voulais que mon ciel ait des tons orange plus chauds, alors j'ai ajouté un peu d'opéra. J'adore son apparence. Maintenant, si vous n' avez pas d'opéra avec vous, vous pouvez obtenir un effet similaire en mélangeant des rouges vermillon plus chauds à votre jaune de base pour créer un orange brillant, puis vous pouvez le superposer progressivement sur le ciel Un conseil important est de vous assurer que les couleurs que vous mélangez sont transparentes. L'utilisation de couleurs opaques pour les mélanger et les superposer la couche de base opaque peut donner au ciel un aspect lourd et irréaliste Les couches transparentes le rendent léger et aéré, ce qui donne au ciel un aspect lumineux et naturel. Et c'est tout pour notre ciel. Pendant que nous le laissons sécher, nous passerons à la peinture du lac gelé. Commençons donc par notre lac dans la prochaine leçon. 18. Leçon bonus : le lac - Partie 2: Bien, commençons maintenant par le lac gelé. Nous allons refléter le ciel en reproduisant les mêmes couleurs du coucher de soleil dans le lac Je vais d'abord commencer par les très légères touches de mon jaune de Naples, puis ajouter un peu de jaune-orange chaud pour créer également les teintes du coucher de soleil sur le lac Maintenant, pour ce lac gelé, nous allons travailler en une seule couche humide sur humide. Cela signifie que l'ensemble du lac sera terminé en une seule fois. Pendant que le papier est encore humide, nous allons renforcer la profondeur et le contraste en superposant différentes valeurs tonales, allant du clair au légèrement foncé, afin permettre aux couleurs de se mélanger naturellement et de créer une sensation de reflet glacé OK, alors allons-y maintenant. Je vais commencer près de la base de l'horizon en utilisant jaune de Naples dans une valeur tonale aqueuse moyenne à légère, et nous l'appliquerons sur notre surface en papier sec. Nous travaillons donc ici sur une technique humide sur sec. À ce stade, je suis encore décider si je veux peindre des ondulations de soleil scintillantes sur le lac gelé ou simplement refléter le doux halo de lumière que nous avons créé dans le ciel Je pense que j'ai laissé cette décision fur et à mesure que nous progressons dans la peinture Comme nous travaillons mouillé sur sec avec un mélange aqueux, nous aurons la flexibilité de repenser et d' ajuster la réflexion du soleil au fur Nous continuerons à construire le lac en couches, afin les laveuses restent légères et fluides Cette approche nous permettra de mieux contrôler la fois l'intensité des couleurs et le niveau d'humidité, ce qui nous permettra de travailler efficacement tout en préservant la douceur et la clarté des reflets Maintenant, je vais utiliser mon orange permanent dans un mélange moyennement aqueux Ici, mon orange jaune est très transparent, ce qui est très important car si vos couleurs sont assez opaques ou semi-opaques, la couche elle-même commencera à être très lourde. Il est très important que vous choisissiez judicieusement vos pigments, surtout si vous choisissez des pigments transparents, cela permettra aux couches sous-jacentes de briller à travers, gardant le lac lumineux et lumineux Si vous utilisez des couleurs opaques ou semi-opaques, elles ont tendance à être épaisses sur la surface ce qui peut donner au lac gelé un aspect plat ou crayeux et vous risquez de perdre l'impression de lumière et de reflet que vous recherchez dans votre peau gelée J'ai ajouté une touche de rose opéra mes couleurs jaune, orange et jaune de Naples Si vous n'avez pas de rose opéra, une petite quantité de vermillon chaud ou de tout autre rose chaud convient tout aussi En mélangeant ce mélange chaud aux jaunes, j'ai décidé de le superposer complètement d'abord, puis d'utiliser la technique du lifting pour créer le reflet du soleil Maintenant, je commence à soulever quelques zones pour suggérer des fissures dans le lac gelé. Maintenant, vous pouvez également choisir de pratiquer cette technique de levage plus tard, surtout si vous êtes à l'aise travailler rapidement et que vous pouvez maintenir un dégradé doux entre le bleu et le jaune avant de passer au lifting Cette approche a tendance à être beaucoup plus facile pour les artistes de niveau intermédiaire, car elle nécessite un bon contrôle du timing, humidité du papier et de la pression lors du levage Bgness peut avoir du mal à maintenir le papier au bon niveau d'humidité sans soulever accidentellement une trop grande quantité C'est pourquoi je fais une démonstration du processus de levage très tôt ici. Maintenant, je suis passé à un pinceau plat pour créer ces marques de fissures en utilisant la technique du lifting, en utilisant un pinceau plat doux et en appliquant une pression très douce. Nous ne voulons pas de lignes dures ou nettes ici. L'objectif est de garder les marques de fissures très douces et subtiles à ce stade. Nous allons maintenant passer au premier plan. Je prépare un mélange aqueux généreux de mon bleu halo transparent et frais Même si nous travaillons techniquement mouillé sur sec, la forte teneur en eau et la stratification continue empêcheront les lavages sous-jacents de sécher complètement Cette approche est l'une de mes préférées et elle est souvent utilisée par plupart des autres aquarellistes qui apprécient l'apparence et la sensation de mouillé sur mouillé, mais avec beaucoup plus de mouillé sur mouillé, mais avec beaucoup plus L'avantage de cette technique est qu'elle nous permet de créer des couches tout en gérant l' humidité du papier L'essentiel ici est d'observer constamment votre papier et d'ajuster votre ratio eau/peinture en conséquence. Il s'agit d'une approche intentionnelle et opportune. Une fois que vous l'avez compris, cela joue totalement en votre faveur. Mon papier est encore humide, c'est pourquoi le bleu se fond magnifiquement dans les mélanges jaune-orange De temps en temps, il se peut que je doive passer à un pinceau plat et retoucher la couleur pour m'assurer que les fissures sont plus visibles. Nous devons travailler rapidement et enduire la moitié inférieure du lac d' une autre couche légèrement aqueuse de bleu jaune pour garantir l' humidité du papier. Pour travailler sur la moitié inférieure, je vais légèrement humidifier le papier en biais afin que les couches jaune chaud et orange du haut restent intactes Je vais maintenant superposer sur la moitié inférieure une valeur tonale légèrement aqueuse de mon mélange de bleu thalo transparent Je vais ensuite mélanger une valeur moyenne à foncée du bleu Idothron, avec une touche de mon gobelet audio ndiki brown pour créer un bleu profond Assurez-vous que le mélange est transparent. Je vais m'en servir pour créer du contraste au pied du lac. À ce stade, nous devons travailler rapidement pour créer une transition fluide entre le clair et le foncé tout en laissant transparaître le halo bleu sous-jacent. Au fur et à mesure que je me rapproche de la ligne d'horizon, je charge sur le bout de mon pinceau une valeur claire de mon mix d'opéra jaune et j' écris doucement en couches. Cela permet de maintenir la surface active et de redimensionner la couche inférieure, ce qui me permet ensuite de retoucher facilement la couleur et de créer le reflet du soleil dans le lac La moitié inférieure de mon papier est encore humide, alors je vais rapidement ajouter quelques petites éclaboussures d'eau et le laisser reposer un moment Une fois que la surface sera parfaite, j'utiliserai mon couteau à palette. Au lieu d'un couteau à palette, vous pouvez également utiliser vos cartes de crédit ou toute autre carte en plastique pour travailler sur les bords latéraux et créer les textures des fissures. Une autre alternative est d'utiliser votre Kling wrap. J'ai déjà un cours sur la création de ce lac gelé à l'aide de Kling Wrap. Tu pourrais vérifier ça. À ce stade, un conseil important est si le papier est complètement sec à ce stade, la peinture ne se dispersera pas et vous ne pourrez pas obtenir les textures naturelles que vous créez avec votre couteau à palette Touchez donc toujours votre papier. Remarquez s'il est encore humide. S'il y a de l'éclat sur votre papier, c'est qu'il est encore humide. Et s'il commence à sécher, vous remarquerez des plaques sèches. W Ici, j'ai un peu exagéré en ce qui concerne le nombre de fissures Si vous êtes satisfait de quelques lignes qui révèlent ce magnifique blanc et bleu jaune clair papier texturé blanc et bleu jaune clair, arrêtez-vous là Vous pouvez toujours améliorer l'effet en projetant plus tard de minuscules gouttelettes d'eau Cela donne un bel effet d' minuscule couleur violette d'eau attachée sous la glace Pour améliorer le contraste foncé au fond du lac, à l'aide mon pinceau très sec et de mon mélange bleu foncé très sec, je vais simplement le brosser le long des bords. Ce brossage à sec ajoute une belle texture sur les bords inférieurs, je vais donc m'arrêter là Je ne veux pas trop travailler dans ce domaine. Il est maintenant temps de terminer le tableau en brossant à sec les montagnes. 19. Bonus : Les derniers détails: À l'aide de mon pinceau synthétique ultra rond humide, je vais préparer un mélange sec foncé pour créer des textures de pinceau sèches sur la montagne, et avant de peindre, je vais le tester sur un bout de papier. Cela m'aide à vérifier si la consistance de la peinture est correcte. Maintenant, si vous sentez que votre pinceau est trop humide, tamponnez-le sur un mouchoir et frottez-le à nouveau légèrement sur du papier rugueux jusqu'à ce que vous commenciez à voir ces marques sèches et rayées Maintenant, je vais commencer à créer des marques de pinceau sèches directement sur la montagne en utilisant uniquement le bout et le bout de mon pinceau synthétique. Lorsque je crée ces textures, je veille à ce que mes coups de pinceau soient unidirectionnels, suivant la courbe et le flux naturels de la forme de la montagne Vous pouvez vous référer à la référence ici. Cela donne aux textures un aspect plus organique et améliore le sens de la structure et de la profondeur des montagnes. Avec cela, nous en avons fini avec les montagnes. L'étape suivante consiste à ajouter quelques reflets secs au pinceau en utilisant whiteqh épais, car au fur et à mesure que le papier a séché, les fissures blanches que nous avons créées sur la moitié inférieure du papier ont presque disparu Je passe donc à un pinceau à doublure synthétique pour créer avec soin ces motifs de pinceau secs. Plus tôt, j'ai gratté le papier lorsque la surface était trop humide, et au fur et à mesure qu'il séchait, les couleurs se sont déplacées et se sont rétablies dans le blanc du papier, atténuant ainsi les fissures C'est exactement pourquoi le timing est si crucial dans les aquarelles. Savoir quand ajouter de la texture peut faire ou défaire l'effet que vous essayez d'obtenir. Notre peinture est terminée. Nous allons maintenant laisser le papier sécher complètement, puis nous allons décoller nos rubans adhésifs des quatre côtés. Avant de décoller les cassettes, je voulais vous montrer la différence que font les couleurs transparentes, en particulier dans le ciel. Je pense que vous pouvez le voir clairement maintenant. Bien que j'adore l'effet de lac gelé dans le tableau de gauche, le résultat s'est traduit par un meilleur timing. J'ai commencé à rayer et à disperser la peinture juste au moment où la surface commençait à sécher, ce qui a permis de conserver parfaitement ces taches. Cela met vraiment en évidence l'importance de la transparence et du timing dans les aquarelles, et j'espère que vous avez apprécié cette leçon Je vous reverrai dans mon prochain cours Bonne peinture.