Comment peindre des conditions d'eau sous de nombreuses formes : un défi aquarelle en 7 jours

1. À propos du cours: Il y a quelque chose de vraiment captivant dans la façon dont l'eau se déplace, en constante évolution, réfléchissante et pleine de vie. Pour peindre à l'eau, il ne suffit pas d'ajouter quelques touches bleues ou quelques éclaboussures sur le papier Il s'agit de capturer son âme, sa transparence, son rythme, son mouvement et la façon dont la lumière danse dessus. Mais soyons honnêtes, peindre de l'eau à l' aquarelle est l'un des défis les plus difficiles à relever, même pour les artistes expérimentés Traduire cette beauté insaisissable de l'eau sur du papier est en effet éprouvant pour les nerfs Croyez-moi, je ne connais que trop bien ce sentiment. Quand j'ai commencé, peindre de l'eau me semblait une tâche impossible. Les couleurs sont devenues floues, certaines zones ont été surchargées de travail et, d'une manière ou d'une autre, j'ai perdu le sens de la transparence, de la profondeur et du mouvement que je voulais capturer, ce qui a donné au résultat un aspect plat Et honnêtement, c' était tellement frustrant. Mais au fil du temps, après avoir essayé différents styles et techniques, j'ai découvert une approche qui rendait l'eau moins intimidante et beaucoup plus agréable à peindre Salut, les gars. Je suis Nelm Roy, aquarelliste et ambassadrice de la marque Shinhan Art and Silver Grâce à mes ateliers en personne et à mes cours en ligne, j'ai eu le privilège d'aider des milliers d'étudiants à prendre confiance en l'aquarelle, en les aidant à mieux comprendre leurs outils, techniques et leur voix artistique Et une question qui revient sans cesse est de savoir comment peindre l'eau sans perdre sa qualité lumineuse et transparente. Et c'est exactement ce qui a inspiré ce cours. Dans ce cours, nous allons explorer les nombreuses ambiances de l'eau, qu'il s'agisse de surfaces tranquilles, de légères ondulations, de mouvements dynamiques ou de reflets mouvements dynamiques ou de reflets Ce cours est conçu pour vous aider à peindre l'eau avec clarté, confiance et intention. Voici ce que vous allez apprendre dans ce cours comment analyser et simplifier compositions pour créer des paysages aquatiques efficaces, comprendre l'humidité du papier et affiner votre chronométrage, utiliser des valeurs tonales pour créer de la profondeur, mélanger les tons d'eau pour obtenir une eau d'apparence naturelle, appliquer des techniques d' aquarelle fondamentales pour créer de la lumière, de l' appliquer des techniques d' aquarelle fondamentales pour créer de la lumière, de : comment analyser et simplifier des compositions pour créer des paysages aquatiques efficaces, comprendre l'humidité du papier et affiner votre chronométrage, utiliser des valeurs tonales pour créer de la profondeur, mélanger les tons d'eau pour obtenir une eau d'apparence naturelle, appliquer des techniques d' aquarelle fondamentales pour créer de la lumière, de l'éclat et des textures. L'acquisition des compétences essentielles vous permettra de prendre en main n'importe quelle référence à l'eau et de la peindre facilement. Nous mettrons ces enseignements en pratique grâce à sept projets uniques sur sept jours, chacun illustrant les nombreuses humeurs insaisissables de l' Donc, que vous soyez un artiste débutant ou intermédiaire qui cherche à améliorer vos scènes aquatiques, ce cours est conçu spécialement pour vous Et si vous débutez dans le domaine de l'aquarelle, je vous recommande de consulter mon précédent cours sur la transparence C'est un excellent cours de base à associer à ce cours Alors, prenez vos fournitures et découvrons les mystères de l' eau, un coup de pinceau à la fois 2. Matériel nécessaire: Bienvenue dans cette leçon. Ici, je vais vous expliquer toutes les fournitures essentielles dont vous aurez besoin pour le cours. Commençons par le plus important notre papier vertical. Le papier que je vais utiliser ici aujourd'hui est le papier Saunders Waterford, un papier 100 % coton de qualité professionnelle, fabriqué sans acide et de qualité archivistique C'est une presse à froid, pas du papier à grain fin. Maintenant, si vous regardez la texture du papier, il n'est pas trop texturé comme les papiers rugueux. Il possède juste la bonne quantité de dents, ni trop granuleux, ni trop lisse, ce qui est idéal pour le type de mélanges et de textures doux que nous allons explorer dans ce cours C'est vraiment l'un de mes préférés. Pour ce qui est de la taille, je travaillerai avec un bloc de papier gommé de 12 à 9 pouces Si vous êtes débutant, je vous recommande vivement de commencer par une feuille plus petite, comme une feuille A cinq. Travailler sur une grande surface peut sembler un peu accablant au début. Il est donc préférable de maîtriser les techniques sur un format plus petit , puis de passer progressivement à tailles plus grandes, comme celle que j'utilise ici. Pour ce cours, je vais utiliser du papier grand format. Maintenant, j'utilise un bloc de papier gommé, qui est collé sur les quatre côtés, et c'est pourquoi je n'aurais pas besoin de surface supplémentaire pour coller mon papier avec du ruban adhésif Mais si vous utilisez des feuilles plus petites, vous aurez besoin d'une surface non absorbante pour coller votre papier et commencer à peindre dessus. Quelque chose comme ça, comme un panneau acrylique. Ici, je vais vous montrer. Quelque chose comme ça, un tableau en acrylique ou même des tableaux d' écriture en verre acrylique. L'avantage est que vous pouvez utiliser les deux surfaces pour coller votre papier avec du ruban adhésif. Il fonctionne parfaitement, maintient le papier plat et aide à obtenir des lavages uniformes Tout dépend du papier Passons au prochain outil essentiel qu'est l'aquarelle. Bien, passons à nos couleurs, je vais travailler avec la gamme d' aquarelles haut de gamme Shinhan Arts PWC Extra Fine Maintenant, il s'agit d'une gamme professionnelle de grande qualité artistique qui offre des couleurs éclatantes et une belle transparence. Parfait pour peindre nos scènes aquatiques. Maintenant, ne vous inquiétez pas si vous utilisez une autre marque. Vous pouvez tout à fait travailler avec ce que vous avez. Assurez-vous simplement d'utiliser des peintures Artist Great. De plus, pas besoin de s' inquiéter des noms des pigments. J'ai inclus une leçon séparée sur la sélection des pigments. Où je vais vous expliquer les couleurs exactes, j' utilise leurs codes pigmentaires et je vous propose des alternatives simples. De plus, au début de chaque projet, je ferai attention à toutes les couleurs que nous utiliserons afin que vous puissiez trouver des nuances similaires dans votre propre palette. Je suis là pour vous, alors ne vous inquiétez pas du tout. Passons maintenant à notre prochain approvisionnement, à savoir nos pinceaux. Ne vous laissez pas submerger par autant de pinceaux ici. Vous n'avez certainement pas besoin de tous. Je vais vous présenter ceux que j' utilise personnellement et mettre en évidence les pinceaux que vous me verrez. À utiliser le plus souvent tout au long de la classe. Tout d'abord, ma brosse à merlu. Celui-ci fait partie de la série argentée Otilia, taille dix, en poil de chèvre Il est idéal pour poser grands lavages plats et couvrir plus grandes surfaces rapidement et en douceur. Maintenant, si vous n'avez pas de brosse à sorcière, ne vous inquiétez pas. Vous pouvez facilement le remplacer par un balai à plumes ou une brosse ronde à large ventre L'une d'entre elles, par exemple, est issue de la même série Ailia, une brosse à plume qui sert même fin pour appliquer des lavis plats sur de grandes surfaces, comme une brosse à merlu, et vous me verrez l'utiliser très fréquemment dans mes prochains très fréquemment Ensuite, les pinceaux que vous me verrez le plus utiliser sont mes balais à plumes Les deux sont issus de la série Atia en argent. Encore une fois. L'un d'eux est un balai à plumes de taille 20 Go, incroyablement doux et idéal pour les travaux d'aquarelle fluides L'autre est un balai à plumes en mélange d' écureuils, taille 00, un autre de mes préférés J'alternerai entre les deux en fonction des scènes d'eau que nous peignons. Maintenant, si vous n'êtes pas à l'aise avec les pinceaux Quill Mob, pas de problème, vous pouvez facilement les remplacer par des brosses rondes de tailles 12, dix, huit et six Maintenant, laissez-moi vous montrer ici. Ils font partie de la série Silver Black Velvet d' un ensemble fantastique et polyvalent pour pinceaux à aquarelle tailles 10 et 12 sont idéales pour les lavages plus importants, ce qui peut facilement vous aider à couvrir de grandes surfaces, et puis la taille 8 est ma préférée C'est l'un de mes plus vieux pinceaux, et la taille 6 est idéale pour les détails et pour les petites surfaces. Donc, au lieu des pinceaux Mob, allez-y et utilisez vos pinceaux ronds. Jetons maintenant un coup d'œil à quelques autres pinceaux dont nous aurons besoin. Il s'agit d'un pinceau synthétique ultra rond de la série Silver Silk 88, taille numéro six. J'adore utiliser ce pinceau lorsque j'ai besoin de mieux contrôler la quantité d'eau et de pigment, c'est là que les pinceaux synthétiques brillent vraiment. Elles ne retiennent pas autant d'eau que les brosses à cheveux naturelles. Parallèlement à cela, j'utiliserai également le pinceau ultra rond taille 2 de la même série. Il a de longs poils et une belle pointe pointue. Parfait pour ajouter des détails précis à nos scènes aquatiques. Maintenant, si vous n'avez pas ces pinceaux ultra ronds, ne vous inquiétez pas. Même un pinceau rond ordinaire fonctionnera très bien tant qu'il a une pointe pointue. Passons maintenant à deux autres pinceaux spécialisés. J'ai beaucoup apprécié ces derniers temps. Ils font partie de la nouvelle série Bellet Aqua. Ils sont de plus petite taille, ce qui les rend parfaits pour détailler des zones plus petites ou même pour enlever la peinture du papier. Voici une brosse à langue pour chat taille 8. Il est incroyablement utile pour peindre des motifs de vagues lointains ou de douces ondulations dans Au loin, la forme unique contribue vraiment à créer cet aspect organique. Ensuite, il y a le pinceau brillant en taille 6 et d'autres outils fantastiques, en particulier pour soulever les pigments. Si vous n'avez pas de brosse à langue pour chat, vous pouvez également utiliser une brosse à bavardage angulaire Il est tout aussi efficace que pour soulever des objets ou créer des effets d'entraînement Enfin, parlons de rigueur ou de pinceaux à doublure. Celui-ci est de taille 2 d'une marque indienne appelée Bus, que j'ai également de Princeton, bien que l'embout soit un peu exempt d'usage intensif Les riders sont parfaits pour tracer des lignes fines, telles que des reflets d'eau ou des crêtes tissées subtilement Maintenant, si vous ne possédez pas Rigor ou de brosse à liner, c'est tout à fait normal. Même une brosse ronde ou ultra fine de petite taille peut servir de substitut. Pour en venir à nos fournitures de croquis, je vais utiliser un crayon mécanique, une règle et une gomme Vous pouvez également utiliser une gomme à pétrir. Si vous préférez, c'est totalement facultatif. Ensuite, il y a mon liquide de masquage. Pour préserver le blanc du papier, j'utilise le liquide de masquage LeFrank Burgoys. J'aime beaucoup ce liquide de masquage pas comme les autres. Il n'a pas une forte odeur. Maintenant, un conseil important. Chaque fois que vous utilisez un liquide de masquage, utilisez toujours un pinceau synthétique peu coûteux à bout pointu N'utilisez pas vos bons pinceaux pour cela. Ensuite, j'ai ce pinceau rond moelleux de taille 6, que j'utilise pour la technique du pinceau sec, en particulier pour créer des éclaboussures de vagues déferlantes C'est facultatif, mais si vous avez un pinceau similaire, cela peut être très utile. Maintenant, n'oubliez pas votre papier de soie ou votre serviette en tissu pour tamponner vos pinceaux Ensuite, nous aurions besoin de deux pots d'eau potable. Enfin, vous aurez également besoin d'une palette de mixage. J'utilise ici une palette en polycarbonate à 35 puits de Shinhan Art, mais n'hésitez pas à utiliser n'importe quel plastique en céramique, ou même des assiettes de cuisine ordinaires Tout ce que vous avez sous la main fonctionnera parfaitement. Et c'est tout. Ce sont les fournitures que nous utiliserons dans ce cours. Je te verrai dans la prochaine leçon. 3. Sélection des pigments - Transparence: Voyons maintenant pourquoi le choix des pigments ou des couleurs est particulièrement important pour peindre de l'eau, qu'il s'agisse d'une mer tropicale calme ou de scènes océaniques profondes. Maintenant, voici ma plus grande suggestion. Limitez votre palette à quelques pigments bleus ou verts. Cela vous donnera beaucoup plus de contrôle, créera des mélanges prévisibles et, surtout, vous aidera à maintenir transparence éclatante exigée par l'eau La question qui se pose est donc savoir comment choisir les bonnes couleurs ? Commencez par récupérer vos tubes ou pantalons d'aquarelle et recherchez les informations sur les pigments Ne vous inquiétez pas trop du nom de la couleur ou du numéro imprimé à côté. Elles varient d'une marque à l'autre. Concentrez-vous plutôt sur le code pigmentaire inscrit sur vos tubes. Maintenant, pour vous donner un exemple, le tube que j'ai ici contient le pigment PB 15 qui est trois. Maintenant, c'est un bleu teinté très frais et transparent. Maintenant, si vous regardez l'échantillon, vous pouvez voir à quel point il est magnifiquement transparent Il tache légèrement, mais en raison de sa transparence, il crée un bel effet lumineux lorsqu'il est utilisé dans des scènes aquatiques Même si j'en rehausse la couleur, elle conserve la lumière et la luminosité indispensables pour créer des scènes aquatiques réalistes Maintenant, voici quelque chose d' intéressant. Supposons que vous ayez un bleu thalo de la marque Rim, il pourrait être fabriqué avec un pigment PB 15 Alors que dans mes aquarelles extrafines Shinhan PWC, teinte bleu-rouge Thalo est fabriquée à partir OK, alors laissez-moi vous montrer ici l'échantillon du PV 29 Thalo Blue. Maintenant, c'est un bleu très vif et transparent, et je l'adore absolument. Mais encore une fois, les blues Thalo d' autres marques peuvent également utiliser PB 15 ou le PB 1523 ou même le PB 35 Vérifiez donc toujours le code pigmentaire et pas seulement le nom de la marque. En gardant cela à l'esprit, avant de commencer à composer l'eau, j'aime étaler tous mes bleus et verts et faire un test rapide sur des échantillons, en vérifiant leur coloration et leur transparence Vous pouvez le faire avec toutes les marques de couleurs que vous possédez. Cela m'aide à choisir les bons pigments qui amélioreront le toucher naturel de la peinture et garderont les couleurs propres et éclatantes, ce qui lui donnera un aspect très réaliste Maintenant, pour vous aider dans votre sélection de pigments, vous verrez ici à l'écran certains de mes pigments recommandés, pas des couleurs spécifiques, mais des pigments uniques qui, je pense, fonctionneront parfaitement pour n'importe quelle scène aquatique, marine ou océanique. Enfin, si vous utilisez des tubes ou des casseroles, ne mentionnez pas directement les informations sur les pigments , ne vous inquiétez pas. Rendez-vous simplement sur le site officiel de la marque. La plupart d'entre eux fournissent une charte pigmentaire détaillée à laquelle vous pouvez vous référer avant de faire votre choix. Bien, maintenant que nous avons trié notre sélection de pigments, passons à la prochaine partie passionnante qui consiste à créer nos propres mélanges aqueux Nous mélangerons certains de ces bleus et verts pour explorer une gamme de teintes transparentes de l'océan et de l'eau calme du turquoise tropical au bleu marin orageux Alors, prenez votre palette et plongeons-nous dans le vif du sujet. 4. Mélanger les tons d'eau: Bonjour. Bienvenue dans cette leçon. Aujourd'hui, dans cette leçon, nous verrons comment mélanger tons d'eau réalistes pour différentes scènes aquatiques telles que l'océan, la mer, les lacs, les cascades et les eaux calmes. Pour commencer, j'utilise une palette de tubes d'aquarelle à pigment unique, principalement des bleus et des verts de la gamme d'aquarelle extra fine de ShinhansPWC C'est ça. N'hésitez pas à utiliser la marque que vous avez sous la main. Tant que vous pourrez identifier les pigments, cet exercice sera toujours efficace. Et même si vous n'avez pas peintures à pigment unique, ne vous inquiétez pas, prenez simplement les bleus et les verts disponibles et suivez. Le premier bleu que je cherche est ma teinte rouge Talublue, qui dans mon cas, est le PB 29, mais la plupart des autres marques peuvent avoir teinte rouge Talublue composée du pigment Ensuite, j'ai extrait mon To Green, qui est PG Seven ou également connu sous le nom de Viridian Maintenant, lorsque je mélange ces deux couleurs, je forme une très belle couleur bleu turquoise. Maintenant, ça devient intéressant. Lorsque j'ajoute une touche de vermillon , le PO 16, une orange chaude à pigment unique à ce mélange de turquoise, cela neutralise instantanément la couleur et nous donne un ton brunâtre atténué Tu peux le voir ? Maintenant, cette couleur est utile pour créer ces zones aqueuses troubles et ombragées Maintenant, dans le même pigment que mon bleu turquoise, lorsque j'utilise un pigment mixte d'orange qui mélange le rouge et le jaune, j'obtiens un ton brun verdâtre plus chaud, presque semblable à celui du vert olive, qui est une belle couleur précoce souvent observée dans les reflets des rivières ou des lacs Ensuite, je vais essayer de mélanger mon bleu outremer avec mon vert qui est mon vert viridiant Le mélange qui en résulte, que j' obtiens, est un ton vert turquoise, mais cette fois, il est légèrement plus granuleux et une valeur tonale plus profonde grâce à la texture du bleu outremer et Comme dans le cas précédent, je vais diviser ce mélange vert turquoise en deux bassins. Dans le premier pool, j'ajouterai mon orange pigmentée unique, c' est-à-dire le PO 16 Maintenant, dès que je le mélange, vous remarquerez que la couleur s' assombrit instantanément et devient plus neutralisée Dans le deuxième pool, j' ajoute un mélange d'oranges que j'ai créé précédemment en utilisant une combinaison de pigments rouges et jaunes. Cette fois, la couleur obtenue tend vers un vert brunâtre atténué C'est un mélange très chaud qui sera parfait pour créer des textures et des reflets là où la clarté de l'eau est faible. Je passe maintenant à ma couleur suivante, qui est mon bleu moraine avec le pigment PB 15 est 23 Maintenant, au lieu de cela, vous pouvez également opter pour le bleu cobalt. Lorsque vous mélangez ce vert et ce bleu, vous voyez que le résultat est un vert turquoise foncé profond. Cela se produit parce que le PV 153 est déjà d'un bleu plus froid avec une légère nuance verte Ainsi, lorsqu'il est mélangé au PG 7, la profondeur s'intensifie. J'ai créé deux piscines séparées de mon vert turquoise. Dans le premier, je vais mélanger mon PO 16, qui est une orange à pigment unique, qui est une orange à pigment unique, et vous pouvez voir que le résultat est un neutre verdâtre désaturé . J'ajoute mon orange prémélangée, mais comme il y a plus de vert que d'orange, le mélange reste éclatant et n'est pas N'oubliez pas que votre couleur finale dépend toujours des ratios de pigments que vous utilisez. Je vais maintenant répéter ce même exercice de mixage en utilisant quelques autres blues en plus de mon PG Seven. C'est mon bleu paon et mon bleu Horizon. Cela nous aidera à explorer la grande variété de tons d'eau que nous pouvons créer en modifiant simplement nos couleurs de base et en observant comment elles interagissent avec le vert et l'orange. Je passe maintenant au bleu horizon, qui est une viande teintée de bleu avec le PV 154 et le PW six Au lieu de cela, vous pouvez également utiliser du bleu céruléen en remplacement du PB 35 comme pigment Observez ce qui se passe lorsque je mélange mon turquoise pastel avec cet orange brillant, le mélange se transforme en un brun pastel atténué, mais il est opaque Mais lorsque je mélange ce même bleu turquoise mon orange prémélangé, il se transforme en vert olive vif En effet, contrairement à l'orange à pigment unique, qui a tendance à neutraliser et à ternir la couleur, l'orange prémélangée contient du jaune, ce qui donne au mélange un vert olive plus chaud et plus vif Pour changer, je mélange ma teinte bleu-rouge halo avec PB 29 avec un vert jaune vif. Le résultat est un turquoise plus clair et plus frais , parfait pour les scènes tropicales ou en eaux peu profondes. Ensuite, j'ajoute de l' orange pure à ce mélange, et vous verrez qu'il se transforme en brun verdâtre trouble Et maintenant, je vais répéter le même processus avec bleu de Prusse avec le PB 27 et ce vert jaune vif Cela nous aidera à observer les variations uniques de la façon dont les différents bleus et verts modifient le ton final. Pour le dernier mix, nous allons directement désaturer notre bleu. Dans ce cas, nous ajouterons un peu de peinture grise ou teinte neutre à notre halo bleu. Cela atténue immédiatement l'éclat, nous donnant un bleu sourd et maussade, idéal pour peindre un ciel orageux ou des eaux profondes Maintenant, si vous prenez ce mélange désaturé et y ajoutez juste un soupçon d' orange, le ton sera encore plus atténué, ce qui donnera un gris bleuté foncé profond À titre de référence, vous pouvez également créer un nuancier de mélange de couleurs en alignant tous vos bleus sur une gamme de verts froids, de verts chauds, d'orange, de rouges, bruns et de teintes neutres Ici, c'est exactement ce que j'ai fait. Ce type de tableau est un outil puissant pour tout aquarelliste Cela vous aide non seulement à choisir les bons bleus et verts pour peindre à l'eau, mais vous permet également de mieux comprendre comment désaturer et contrôler votre palette de couleurs avec détermination Comme vous l'avez vu tout au long de cette leçon, même de petits changements dans le choix des pigments ou les rapports de mélange peuvent créer une incroyable variété de tons d'eau. Du turquoise tropical éclatant aux mers profondes et orageuses, en passant par les bruns ou les verts troubles , nous avons tout ce qu'il vous faut Que vous peigniez des océans, des cascades, des mers tropicales, du calme, des étangs ou des lacs, savoir comment contrôler la saturation et la température vous donne le pouvoir d'évoquer l'émotion, profondeur et le réalisme dans vos paysages Prenez donc votre temps avec cette pratique du mixage, observez, explorez et surtout amusez-vous à découvrir le langage de l'eau à travers les couleurs. 5. Simplifier ce que vous voyez !: Avant de commencer à peindre nos compositions d'eau, il y a une étape très importante qui est l'observation. Que vous soyez un artiste débutant ou intermédiaire, je vous recommande vivement de prendre le temps observer l'eau dans la vraie vie chaque fois que cela est possible, qu'il s' agisse de vagues, de lacs ou de flaques Et si ce n'est pas accessible, collectez autant d' images de référence que possible. Mais voici la clé. Toutes les références ne sont pas bonnes. La collection que vous avez réunie, choisissez une référence visuellement équilibrée. Recherchez des compositions dans lesquelles vous pouvez facilement appliquer la règle des deux tiers ou le nombre d'or ou dans lesquelles les éléments sont disposés de manière agréable. Cette première étape, qui consiste à sélectionner la bonne référence, fait toute la différence. Il donne le ton à l' ensemble du processus de peinture. Permettez-moi de vous montrer ce que je veux dire par ce premier exemple. Lorsque vous regardez cette référence, vos yeux sont instantanément attirés. Pourquoi ? À cause du contraste des couleurs et de la façon dont la lumière se reflète sur les ondes ? Les vagues elles-mêmes présentent belles zones d'ombre et de lumière, ajoutant du caractère, de la profondeur et du mouvement. Il est dynamique et visuellement attrayant, parfait pour une peinture. Prenons maintenant un autre exemple. Nous avons ici un sujet central clair, à savoir le dauphin. Remarquez comment les rayons lumineux du ciel se reflètent dans l'eau, créant une silhouette de dauphin sur la vague. Il se passe beaucoup de choses dans cette scène, mais même si vous simplifiez ou omettez certains éléments d' arrière-plan, la composition fonctionne toujours grâce à cette forte focalisation centrale Vous pouvez même jouer avec le dauphin comme point focal principal et créer votre propre interprétation. L'idée ici est d'entraîner votre œil à indiquer ou à remarquer ce qui fonctionne dans une référence et maintenant, il y aura des moments où la référence que vous choisirez peut sembler un peu trop compliquée. Jetons un coup d'œil à cette référence à titre d'exemple. Au premier coup d'œil, votre regard est naturellement attiré par les deux bateaux de la scène. Mais au fur et à mesure que vous regardez, vous remarquerez une variété d'éléments d'arrière-plan, que des bâtiments, des arbres ou des textures, qui ajoutent à la complexité. Voici ce qu'il est important de retenir. Vous n'avez pas besoin de peindre tout ce que vous voyez dans la référence. L'objectif étant de guider le regard du spectateur, il est souvent nécessaire de simplifier Dans cet exemple, je vais prendre le bateau sur la gauche car nous avons une vue dégagée sur l'ensemble du bateau et un beau reflet dans l'eau. J'ai décidé d' omettre complètement ce second bateau, le point focal et de rendre renforcer le point focal et de rendre la composition plus intentionnelle L'arrière-plan peut être atténué et moins afin de renforcer le point focal et de rendre la composition plus intentionnelle. L'arrière-plan peut être atténué et moins détaillé pour attirer davantage l'attention sur les bateaux au premier C'est ainsi que nous pouvons simplifier judicieusement votre référence en éliminant les distractions et en ne peignant que ce qui correspond l' histoire ou à l' ambiance que nous voulons transmettre J'espère donc que c'est clair. Vous n'êtes pas obligé de copier tous les détails de votre référence. Utilisez-le comme guide. 6. Techniques fondamentales dans: Avant de passer à nos principaux projets, prenons un moment pour explorer certaines techniques d' aquarelle essentielles qui constitueront la base de notre cours La première est la technique mouillé sur mouillé. Wet on Wet on Wet est une technique d'aquarelle qui consiste à mouiller d'abord la surface en paposurface sèche, puis appliquer de la peinture humide sur le fond Cette méthode permet au pigment de s' étaler et de s'écouler naturellement, créant ainsi de belles textures organiques. Il s'agit d'une technique très polyvalente qui peut être adaptée aux besoins spécifiques d'une peinture. Par exemple, dans notre cas, cette technique servira couche de base à l'eau. Pour ajouter des motifs et des textures intéressants à cette surface humide, nous pouvons ensuite pulvériser des pigments de couleur foncée ou de l'eau propre pour obtenir des fleurs douces qui imitent l'aspect texturé d' Il s'agit de la toute première technique que nous utiliserons dans notre premier projet. Explorons une variante de cette technique. Pour le fond, je vais commencer par mouiller le papier à l' aide d'un balai pour créer une couche d'eau encore plus fine Ensuite, je vais passer à un petit pinceau rond et essayer de réactiver ma peinture avec mon eau Ici, remarquez que la pointe de mon pinceau est chargée d'eau, et c'est ce qui rend mon mélange de peinture trop aqueux Lorsque j'essaie de peindre des vagues avec ce mélange de peinture, les formes deviennent indéfinies car la peinture s'étale trop rapidement. Maintenant, voici le truc. Lorsque j'efface mon pinceau avec un mouchoir ou une serviette pour éliminer l'excès d'eau, le pinceau devient plus contrôlable et, au fur et à mesure que je peins les formes des vagues , je remarque la différence Les bords sont encore souples, mais d'une manière ou d'une autre, les traits conservent leur forme. Cette technique est connue sous le nom technique contrôlée humide sur humide. Discutons maintenant d'une autre méthode importante, qui est la technique de levage. Cela implique d'utiliser le bout humide de votre pinceau pour retirer doucement l'excédent de peinture du papier encore humide. Il est parfait pour corriger des erreurs ou créer des points forts N'oubliez pas de toujours rincer votre pinceau à l'eau claire ou de le tamponner sur votre serviette en tissu ou votre papier, puis soulevez à nouveau la peinture Nous utiliserons cette technique très fréquemment dans presque tous nos projets à venir. Pendant que l'arrière-plan est encore humide, j'ajouterai doucement des tons indigo plus foncés au premier plan en utilisant un rapport peinture/eau contrôlé Cette méthode de création d'un contraste tonal s'appelle la superposition Son application sur une surface humide crée des vagues douces et mélangées. C'est l'une de mes méthodes préférées pour ajouter de profondeur tout en donnant à l'océan un aspect doux et fluide. Nous allons commencer à utiliser cette technique dans le projet 1 lui-même, mais elle deviendra plus importante à partir du projet 2. À l'aide de ce pinceau humide mais sec, je vais le charger de peinture sèche et commencer à faire des traits verticaux sur du papier sec. Comme vous pouvez le constater, cela crée des marques cassées texturées, une technique connue sous le nom de séchage sur sec. Maintenant, à titre de comparaison, si votre pinceau est trop humide, vous n'obtiendrez pas cet effet lorsque vous chargerez la peinture . L'excès d'eau adoucit les traits, éliminant ainsi la texture sèche Maintenant, je vais essayer encore une fois. Mais c'est toujours pareil. À la troisième tentative, lorsqu'il reste juste assez d'humidité sur le pinceau après avoir été utilisé, vous pouvez constater que les marques sèches idéales texturées et contrôlées Maintenant, quand je sèche complètement le pinceau, vous remarquerez à peine la peinture sur le papier. C'est trop sec. Le troisième coup en partant du haut montre donc un équilibre parfait pour le brossage à sec. Passons maintenant à une autre technique clé qui consiste à créer de la profondeur grâce à la perspective atmosphérique. Pour cela, je vais d'abord mouiller uniformément mon papier. Ensuite, chargez mon pinceau d' un mélange vert terne et commencez à ajouter quelques traits de vague. Remarquez que les valeurs sont plus sombres au premier plan, ce qui deviendra progressivement plus clair au fur et à mesure qu'elles se rapprocheront de l' horizon Cela suit le principe de la perspective. d'autres termes, à mesure que les objets s' éloignent, leurs valeurs tonales deviennent plus claires et moins définies Si vous souhaitez explorer ce concept un peu plus en détail, consultez mon cours dédié sur la perspective atmosphérique sur Skillshare OK. Pour résumer cette technique, fur et à mesure que l'on s' éloigne du premier plan, valeurs tonales s'éclaircissent progressivement et les formes deviennent un peu moins définies Désormais, le premier plan apparaîtra toujours plus sombre avec des formes plus grandes et plus détaillées car il se trouve le plus près du niveau de nos yeux C'est la perspective linéaire à l'œuvre, et c'est un moyen simple mais puissant créer de la profondeur dans vos peintures à l'eau. Bien, passons à la prochaine technique importante qui est la technique humide sur sec. Cela signifie simplement appliquer la peinture humide sur une surface de papier sèche. C'est l'une des techniques les plus couramment utilisées lorsque nous voulons des formes nettes et définies ou des contours clairs dans notre peinture. Par exemple, ici je peins la forme des pierres, et maintenant je vais la remplir avec un lavis de couleur plat. À ce stade, le résultat semble plutôt plat, mais si je passe à un ton légèrement plus foncé alors que la peinture est encore humide, les pierres commencent à avoir un aspect plus tridimensionnel, ce qui nous donne une belle pose douce avec une forme définie. Il s'agit donc vraiment de contrôler l'humidité, soit la peinture soit le papier sont mouillés, mais pas les deux. C'est le secret qui permet de créer à la fois forme et clarté avec cette technique. Nous allons utiliser cette technique pour créer des pierres sur la plage dans notre premier projet, et cette technique sera également utilisée pour peindre les reflets dans l'eau. Pour peindre des reflets sur l'eau, vous aurez besoin d' un pinceau à pointe fine qui retient également une bonne quantité d'eau. J'aime entendre utiliser mon pinceau ultra rond de la série Silver Silk pour cela. Par exemple, si vous peignez un poteau et son reflet, les deux éléments doivent être peints à l'aide de la technique humide sur sec. Lorsque vous peignez le reflet, assurez-vous que votre pinceau n'est pas surchargé d'eau Une trop grande quantité d'eau peut provoquer des mouvements incontrôlés tandis qu'une quantité insuffisante peut entraîner des marques sèches et rayées. L'essentiel ici est de maintenir le bon rapport peinture/eau pour que votre pinceau glisse en douceur, ce qui vous permet de créer lignes nettes et nettes pour le reflet Maintenant, juste à titre de démonstration, si votre pinceau est trop sec, vous ne serez pas en mesure de peindre des contours nets et nets pour le reflet. Au lieu de lignes lisses et étendues, vous vous retrouverez avec des marques brisées qui manquent de clarté Bien, voici donc un bref résumé des grandes techniques fondamentales que nous avons abordées dans cette leçon 7. Valeur tonale : profondeur et contraste: Maintenant, si vous vous demandez ce qu' est exactement la valeur tonale, laissez-moi vous expliquer La valeur tonale fait référence à la luminosité ou à l'obscurité relatives d'une couleur Il décrit la façon dont une couleur apparaît claire ou foncée , quelle que soit sa teinte, la teinte étant la couleur réelle, comme le rouge, le bleu ou le jaune. Aujourd'hui, dans les aquarelles, la valeur tonale joue un rôle crucial. C'est parce que l'aquarelle est un médium transparent. Vous pouvez toujours ajouter des tons plus foncés, mais vous ne pouvez pas facilement rendre les choses plus claires une fois qu'elles sont peintes. Donc, avant même de choisir votre pinceau, vous devez évaluer les valeurs tonales de votre composition Vous devez planifier à l'avance et réserver les zones les plus claires, généralement le papier blanc dès le départ. Une fois le ton défini, il est très difficile de le ramener au blanc. C'est pourquoi la compréhension de la valeur tonale est si essentielle dans les aquarelles Alors maintenant, la question se pose. Qu'est-ce que l'échelle des valeurs tonales exactement ? échelle des valeurs tonales est la plage de valeurs comprise entre le clair et le foncé au sein d'une couleur C'est-à-dire qu'il s'agit de la gamme complète qu'une couleur peut vous offrir, ce qui nous permet de déterminer les zones les plus claires ou les plus sombres d'une composition. Maintenant, cette échelle peut prendre différentes formes, le plus souvent sous la forme d'une échelle à cinq points ou d'une échelle plus détaillée à neuf points. L'échelle à neuf points divise les valeurs tonales en neuf étapes distinctes allant du blanc pur au noir pur Permettez-moi de vous le montrer sur l'échelle de neuf points. Permettez-moi maintenant de vous montrer l'échelle de valeur à neuf points pour une couleur. Vous pouvez voir la couleur la plus claire jusqu'à la plage la plus foncée que cette couleur peut produire Ici, neuf représente la valeur la plus foncée et un la valeur la plus claire, presque le blanc de votre papier Désormais, cette échelle offre une gamme de valeurs beaucoup plus large, permettant des dégradés ou des nuances plus subtils en termes d'ombrage et Cependant, cela peut devenir un peu accablant pour ceux qui débutent avec l'aquarelle Il est recommandé aux débutants de commencer par une échelle de valeurs à cinq points, qui permet de comprendre plus facilement le concept des valeurs de lumière et d'obscurité et de les appliquer dans la pratique. Passons donc à la création de notre échelle de valeur à cinq points. Ici, je vais créer cinq colonnes, les rendant plus ou moins égales en dimension. Pour cette échelle de valeurs, vous pouvez commencer par étalonner les plus foncées, telles que les couleurs vives, gris, les teintes neutres, le noir ou le bleu Ici, j'opte pour le bleu parce que je trouvais que le dégradé de noir n'était pas bien visible sur l'appareil photo Donc, pour votre entraînement, commencez par les couleurs les plus foncées puis les couleurs plus claires pour comprendre la différence entre la gamme tonale de chacune de ses teintes Revenons maintenant au marquage des colonnes. Je vais d'abord marquer ma valeur la plus claire, qui est un, puis je vais passer à ma valeur la plus foncée, qui sera mes cinq Maintenant, mélangeons nos valeurs. Nous allons d'abord commencer par notre valeur la plus sombre, qui est notre cinquième valeur Ici, il y aura 90 % de peinture et un peu moins d'eau. Je suis ici en envisageant environ 10 % d'eau. Le quatrième sera composé à 70 % de peinture, 30 % d'eau. Le troisième aura ainsi un rapport équilibré peinture/eau, soit 50 % de peinture et 50 % d'eau. Maintenant, il s'agira d'un rapport peinture/eau uniforme, votre mélange constant idéal de votre valeur moyenne. Maintenant, pour la deuxième valeur, la peinture va commencer à se diluer un peu plus. Nous utiliserons 30 % de peinture et 70 % d'eau, et une valeur sera l'inverse de la cinquième valeur. J'ai griffonné plus tôt, 10 % d'eau, mais il devrait y avoir 10 % de peinture et 90 % Désormais, dans les valeurs 1 à 5, les valeurs deuxième, troisième et quatrième présenteront les valeurs moyennes claires, moyennes et sombres En règle générale, nous savons qu'à l'aquarelle, nous partons toujours de la plus claire pour augmenter la valeur tonale vers la plus foncée car une fois que nous avons atteint les valeurs les plus sombres, il est difficile de redonner à votre peinture cette finition blanche sur papier Nous commençons donc toujours par la valeur la plus claire , puis nous augmentons progressivement les valeurs tonales vers la plus foncée Donc, de même, je vais faire de même ici. Je vais d'abord renseigner les valeurs les plus sombres et les plus claires de l'échelle des valeurs, puis les plages de valeurs moyennes et sombres Maintenant, en commençant par ma valeur la plus sombre. Voici ma peinture à 90 % avec 10 % d'eau. C'est la valeur la plus sombre que puisse atteindre mon ultramarine. Je vais faire un bon mélange, puis peindre cette boîte. Vous pouvez opter pour des bleus et des noirs plus neutres ou des teintes neutres et comparer la plage de valeurs entre le foncé et le clair avec les couleurs plus claires pour mieux comprendre la plage de valeurs de chacun des pigments OK, maintenant allons-y et inscrivons la valeur la plus légère de un. Ici, j'utiliserai 90 % d'eau et juste une petite pincée de peinture, soit 10 % d'une peinture, et je donnerai un bon mélange pour créer un mélange bleu outremer très léger aqueux. N'oubliez pas que plus vous ajoutez d'eau, plus votre mélange se dilue et plus la valeur sera faible. Si vous n'êtes pas sûr de la luminosité de la valeur, je vous recommande de faire un test d'échantillon rapide sur un bout de papier Vérifiez si le mélange est suffisamment clair pour transparaître le blanc du papier . C'est à ce moment-là que vous savez qu'il s'agit de la valeur réelle de la lumière. Une fois que vous en serez satisfait , remplissez-le dans la case de valeur d' une valeur sur votre balance. Ainsi, une fois que vous avez les valeurs les plus claires et les plus sombres, vous pouvez désormais effectuer le remplissage entre les plages Cette approche est beaucoup plus simple et vous aide à mieux comprendre quand vous devez éclaircir ou assombrir vos tons au fur et Passons maintenant à la valeur deux. Pour la valeur deux, je vais ajouter un peu plus de peinture à mon mélange de couleurs diluées existant, et vous remarquerez que la valeur est maintenant légèrement plus foncée que la valeur 1, juste assez pour apparaître sur un décalage clair. Maintenant, je vais rincer mon pinceau et tamponner légèrement sur mon essuie-tout Je vais maintenant charger de la peinture fraîche et la mélanger doucement à la piscine existante. Vous allez commencer à voir la valeur s'intensifier un peu. C'est notre valeur. Vous observez la consistance, vous remarquerez que le mélange reste lisse, brillant et bien pigmenté Parfait Pour cela, passez ensuite à un ton mi-drainé. Passons maintenant à la valeur quatre. Je vais répéter le même processus en ajoutant un peu plus de peinture au mélange de peinture existant. Et ici, vous remarquerez que par rapport à la valeur trois, il n'y a pas de changement radical de ton, ce qui indique qu'il s' agit de vos valeurs tonales moyennes, les transitions deviennent plus subtiles dans la gamme moyenne J'espère donc que vous avez maintenant une idée claire de la façon dont les valeurs tonales changent et de la façon dont vous pouvez les contrôler en ajustant simplement votre rapport peinture/eau Maintenant que vous savez comment une seule couleur peut changer de valeur avec de l'eau, prenez un moment pour observer la puissance de ce contrôle dans les aquarelles Passons maintenant à un exercice simple lequel nous allons mettre cela en pratique. 8. Analyse et étude de la valeur : Profondeur et contraste: Avant de vous lancer dans une aquarelle complète, l'une des choses les plus précieuses que vous puissiez faire est de prendre du recul et de créer une étude de valeur tonale pour la référence sélectionnée sous la forme d'une petite esquisse miniature Vous vous demandez peut-être pourquoi cette étape est si importante. À l'aquarelle, vous n'avez pas le luxe de travailler dans les deux sens comme sur des supports opaques Une fois la nuit tombée, il est presque impossible de revenir à la lumière. fait de disposer d'une carte claire des valeurs de lumière, de milieu et d'obscurité vous permet de planifier à l'avance, en vous assurant que votre pièce finale possède de la profondeur, l'équilibre et une clarté visuelle. Prenons cet exemple, un ciel couchant qui se reflète sur un plan d'eau calme avec légères ondulations à la surface À première vue, il est facile de se laisser emporter par les teintes éclatantes, les oranges chaudes, les roses tendres ou les coraux, puis par le bleu délavé Mais si vous supprimez la couleur et que vous vous concentrez uniquement sur la valeur, vous commencez à voir la structure qui se cache derrière cette beauté. Une fois que vous avez converti votre image de référence en noir et blanc, il devient beaucoup plus facile de commencer à analyser la composition en termes de valeurs tonales Vous pouvez désormais comparer différentes zones de la scène directement votre échelle de valeurs à cinq points pour identifier les valeurs claires, moyennes ou sombres. Ici, dans notre référence, le ciel sur le bord supérieur du papier est légèrement plus profond, quelque part autour valeurs du ton moyen ou de la valeur trois, et le ciel près de l' horizon où le soleil se couche est la zone la plus claire proche de la valeur un. Lorsque vous analysez le premier plan, les ondulations et les grandes formes de vagues apparaissent les plus sombres, entre quatre et cinq Une fois cette analyse de base terminée, vous êtes prêt à esquisser la composition ou simplement à bloquer les formes principales en utilisant une seule couleur, en les divisant en zones de valeurs claires, moyennes et sombres. Maintenant, nous allons créer ensemble un rapide croquis tonal en miniature pour cette composition de coucher Commençons ensemble notre étude de valeur simple et rapide. J'ai déjà créé un petit cadre avec du ruban adhésif. Je vais maintenant tracer la ligne d'horizon pour délimiter le ciel et l'eau La prochaine étape consiste à mouiller mon ciel. Je vais utiliser un pinceau rond doux juste assez pour lui donner un bel éclat sans créer de flaques d'eau Préparons maintenant une valeur d'obscurité moyenne en utilisant une teinte neutre. Vous pouvez utiliser n'importe quelle teinte foncée de votre choix pour cet exercice. Les douleurs, le gris, l'indigo ou même le bleu foncé fonctionnent très bien. Je vais commencer par appliquer cette valeur d'obscurité moyenne sur le bord supérieur du ciel et la faire passer doucement vers un ton plus clair à mesure que nous nous rapprochons de l'horizon. Ce passage en douceur du foncé au clair s'appelle le lavage dégradé, une technique fondamentale de l'aquarelle Cette technique de lavage en dégradé est particulièrement utile lorsque vous peignez des ciels ou des plans d'eau calmes où vous souhaitez montrer une perspective linéaire en action. Il permet de créer de la profondeur en passant de valeurs plus sombres au premier plan à des valeurs plus claires au fur et à mesure que vous vous déplacez au loin Si vous souhaitez approfondir cette question, vous pouvez consulter mon cours, le guide ultime pour peindre le ciel à l'aquarelle, un défi de sept jours, lequel je décompose différents types de laveurs et comment les appliquer efficacement dans vos paysages Nous allons maintenant commencer à peindre l'eau, mais dans cette étape, nous allons nous concentrer uniquement sur les formes d'ombre et de lumière des vagues et non sur les détails les plus fins Tout comme notre esquisse miniature réalisée au crayon, nous allons maintenant commencer à bloquer les formes les plus importantes à l' aide de la peinture Je vais maintenant commencer par placer les valeurs les plus sombres en premier, puis ajuster progressivement les tons les plus clairs au fur et à mesure que nous nous éloignons N'oubliez pas que cette étape concerne la simplification, capturant les grandes formes et leur relation de valeur. Il est important de comprendre que vous pouvez toujours ajuster les tons plus foncés ultérieurement si nécessaire, mais dans le cas des zones plus claires, vous devez être plus attentif dès le début. Parce qu'à l'aquarelle, une fois qu'on perd la lumière, il est difficile de la ramener Augmentez donc intentionnellement votre contraste et surveillez l' équilibre global entre les lumières et les ombres. Pour créer une impression de jeu de lumière à la surface des vagues, je commence par soulever doucement toute peinture qui s' infiltre dans les espaces blancs ou les reflets réservés espaces blancs ou les reflets Cela permet de préserver l' illusion de la lumière réfléchie et de maintenir les formes d'onde plus définies et dynamiques. Je vais maintenant ajouter des tons plus sombres aux grandes vagues de premier plan pour améliorer la profondeur et le contraste Maintenant, je vais rapidement identifier les valeurs tonales que nous avons utilisées dans notre peinture Comme vous pouvez le constater, nous avons utilisé efficacement les valeurs de l' échelle à cinq points, qui va des lumières les plus claires du ciel aux ombres les plus sombres des ondulations du premier plan Cela montre clairement à quel point la compétence de valeur en cinq points est utile dans la pratique lorsqu'il s'agit de planifier et d' exécuter une peinture. Il vous aide à simplifier les scènes complexes en formes de valeur gérables et garantit à votre composition une forte sensation de profondeur et de contraste J'espère donc que vous avez pu suivre et que vous avez compris l'importance d' une étude de valeur pour faire ressortir profondeur et le contraste de vos peintures. Il s'agit d'un exercice simple mais puissant. Dans le cadre de notre projet du deuxième jour, nous irons encore plus loin en peignant des vagues de surface tranquilles en nous concentrant davantage sur l'interaction de la lumière et de l'ombre sur l'eau 9. Jour 1 : Analyse de la composition: Prenons un moment pour analyser une composition du premier jour avant de commencer. J'aime commencer par convertir mes références en noir et blanc afin de pouvoir me concentrer uniquement sur les valeurs sans détruire les couleurs. Ensuite, j'observe et j'étudie attentivement la scène. La première chose qui attire mon attention est la direction et le mouvement de l'eau provoqués par le vent. Si vous regardez attentivement les deux références, vous remarquerez que l'eau s' écoule vers le rivage Cela crée une ligne directrice qui guide le regard du spectateur directement vers notre sujet principal, l'écume de mer et les vagues qui s'écrasent sur le rivage Ensuite, je regarde les ombres claires et le contraste. Les zones les plus sombres que vous voyez sont en fait des plaques d' algues qui poussent ou des ombres projetées par des objets immergés vus d'en haut Je cartographie également approximativement les valeurs tonales sur la référence Cela m'aide à comprendre où se situeront mes ténèbres les plus sombres et les lumières les plus claires Enfin, je prends note des minuscules textures présentes dans l'eau, qui apporteront plus de réalisme et d'intérêt à la peinture. Vous voyez donc que même une référence apparemment simple peut révéler tant éléments intéressants lorsque vous l'analysez. C'est pourquoi je recommande toujours de faire cette étape en premier. Je pose des bases solides pour votre peinture. 10. Jour 1 : Palette de couleurs: Jetons un coup d' œil aux couleurs que nous utiliserons pour notre premier projet. Je commence par le bleu de Marne avec le pigment PB 15 est 23. Maintenant, c'est un bleu très froid, mais vous pouvez utiliser n'importe quel autre bleu contenant du PB 27 ou du PV 15. Ce pigment est le plus souvent connu sous le nom de teinte bleu-vert Thalo, bien que le nom puisse varier d'une marque à l'autre Ensuite, nous avons le vert cobalt. Nous avons déjà expliqué comment créer ce ton dans notre leçon sur le mélange de tons d'eau. Mélangez simplement le bleu horizon avec viridien et vous obtiendrez une teinte similaire C'est ainsi que l'on obtient la teinte. Maintenant, si vous n'avez pas ce bleu d'horizon, vous pouvez mélanger un peu de votre pigment blanc votre bleu céruléen et obtenir ce bleu L'aide suivante consiste à faire attention à Indigo. Ajoutez un peu de rouge à vos bleus plus foncés et vous obtiendrez facilement cet indigo. Une autre façon de mélanger l'indigo consiste à ajouter un peu de peinture teinte adionutale grise votre bleu et de créer une couleur indigo d'apparence similaire Ensuite, nous allons pétrir un peu de sienne brûlée Maintenant, cette couleur est couramment présente dans tous les ensembles d'aquarelle de base, suivie du rose coquillage Il s'agit maintenant d'une couleur optionnelle. Vous pouvez le remplacer par de la courge blanche, mais personnellement, j'adore combiner le rose coquillage avec brun pour obtenir ce magnifique brun sable teinté. Regardez ce beau brun pastel que nous avons. Ensuite, des livres surveillent un vert jaunâtre très vif. Mon vert jaunâtre ici est un vert jaune granuleux. Si vous voulez faire granuler vos feuilles jaunes, je vous suggère de mélanger un milieu de granulation à un milieu de granulation votre couleur pour la rendre plus Nous aurons également besoin de sève verte. Je vais mélanger le vert sève et l'indigo pour créer ces verts foncés pour notre feuillage. De plus, lorsque vous mélangez du brun à de l'indigo, cela crée des tons bruns foncés parfaits pour ajouter de la profondeur aux rochers le long du rivage 11. Jour 1 : Océan humide sur humide: Très bien, commençons notre projet du premier jour. Je vais d'abord sécuriser mon papier à l'aide de ruban adhésif. Je vais maintenant esquisser le contour du rivage et y ajouter quelques rochers Je ne copie pas exactement la référence. Au lieu de cela, je capture l'essence générale de la scène. Excusez ma voix un peu rauque aujourd'hui. Je me remets d'une mauvaise grippe. Je vais rapidement terminer l'esquisse afin que vous puissiez mettre l'écran en pause et dessiner le vôtre. Si vous travaillez sur une feuille de papier plus petite, oubliez pas que le rivage ne devrait occuper qu'environ un tiers de l'espace , les deux tiers restants étant réservés à votre océan Maintenant, je vais commencer par bien mouiller mon papier. Comme je travaille sur une feuille légèrement plus grande que le A4, je m'assure qu'elle est uniformément recouverte d'une couche uniforme d'eau propre. Ainsi, lorsque je commence à appliquer mon bleu, les couleurs se mélangent et saignent magnifiquement en utilisant la technique humide sur humide dont nous avons parlé plus haut dans la section technique L'idée est de garder le papier humide plus longtemps, tout veillant à ce qu'il n'y ait pas de flaques ou de flaques d'eau échouées sur le Pour le premier jour, l'objectif est simplement vous aider à vous sentir à l'aise avec le processus. Nous maintenons nos traits fluides et libres et laissons le papier mouillé et peinture faire la majeure partie du travail à notre place. Maintenant, je passe à ma brosse à balai de plus petite taille. Je vais le tamponner légèrement sur un mouchoir puis commencer à préparer mon mélange de bleu marine Remarquez à quoi ressemble mon mélange de peinture. Il est légèrement sec mais encore humide. C'est parce que je vise ici la valeur la plus foncée du bleu marin Je vais commencer par le bord supérieur du papier, en tirant mes traits vers l'intérieur, en direction du rivage Fais attention à ce que je ne couvre pas toute la zone de bleu. Je laisse intentionnellement des espaces blancs entre les deux. Ils sont importants car ils deviendront notre point d'intérêt là où la lumière brillera Je couche maintenant un peu plus de bleu marine sur la couche de base, travaillant très légèrement pour ne pas perturber la peinture en dessous. Ensuite, je vais mélanger un bleu plus foncé en ajoutant une touche d'orange cadmium. Vous pouvez soit utiliser cette méthode, soit utiliser une teinte neutre ou des peintures grises pour un effet similaire. J'utiliserai ensuite mon flacon pulvérisateur pour vaporiser légèrement ces zones. Cela permet à la peinture de se déplacer plus librement et de conserver le grammage du papier, ce qui est particulièrement important lorsque vous travaillez sur de grandes surfaces, car elles ont tendance à sécher rapidement. N'oubliez pas de pulvériser doucement et à une certaine distance, car trop grande quantité d'eau trop près peut créer des effleurages indésirables ou des reflets indésirables, et nous voulons que notre transition reste douce et contrôlée. Maintenant, avant de commencer à peindre le rivage, j'utilise un pinceau de rinçage propre pour mouiller doucement les parties du rivage où les vagues se toucheront. Ensuite, je mélange des valeurs moyennes à légères de mon vert cobalt pour remplir les côtés gauche et droit près du rivage. Maintenant, je projette des gouttelettes d'eau zone peinte, en particulier sur les points les plus sombres Vous verrez bientôt que cela crée une belle texture. Au lieu d'eau, vous pouvez également saupoudrer un peu de sel de table pour encore plus de défauts de texture, mais je fais l'impasse ici parce que je voulais un look plus lisse Ensuite, à l'aide de mon pinceau rond Seisic Silver, je déplace doucement la peinture vers le rivage, suivant sa direction naturelle Cela ne fonctionne que si votre papier est suffisamment humide. S'il commence à sécher de manière inégale par endroits, il est préférable de sauter cette étape pour éviter les zones sèches indésirables À l'aide de mon pinceau propre et humide, je vais soulever une partie de la peinture qui coule dans les espaces blancs. Cela créera l'illusion d'une lumière scintillante dansant sur vagues de l'océan lorsqu'elles se précipitent vers le rivage Une fois cela fait, nous commencerons à peindre près du rivage avec de la Sienne brûlée, commençant Nous pourrons toujours approfondir ces valeurs ultérieurement si nécessaire. Pour obtenir un effet visuellement réaliste, je travaille dans la direction de l'océan qui se précipite L'utilisation de traits horizontaux ici n'aura pas l'air naturelle puisque nous visualisons la scène sous un angle supérieur. Il est donc important de garder à l'esprit la perspective linéaire. À l'aide de la pointe d'un pinceau légèrement aqueux et en inclinant le papier, je laisse les bruns se fondre naturellement dans les bleus Au fur et à mesure que le papier commence à sécher, je remarque que les zones vert cobalt plus claires commencent à s'estomper Je vais donc y retourner et appliquer un mélange légèrement aqueux de vert cobalt pour rafraîchir ces Je vais rapidement des gouttelettes d'eau sur les zones semi-sèches de l' Cela aide à garder la surface humide et me permettra d' ajouter des éclaboussures de pigments plus foncés plus tard pour créer la texture Avant que le papier ne commence à sécher dans cette zone, j'utiliserai le bout de mon pinceau taille 6 pour créer des motifs et des marques ici et là sur la surface humide de l'océan. N'oubliez pas que cette astuce ne fonctionne que si le papier est encore humide. Nous allons laisser cette partie de l'océan commencer à s'assécher maintenant et dans la prochaine leçon, nous allons commencer à travailler sur le rivage 12. Jour 1 : la rive sèche mouillée et les vagues en détail: Commençons par une chaussure pour ça, je crée un mélange de mon rose carapace et de ma sienne brûlée Maintenant, au lieu du rose carapace, vous pouvez également ajouter un peu de courge blanche dans votre sienne brûlée ou votre gobelet brûlé et créer un mélange similaire Je vais entrer et déposer cette couleur au centre du rivage. Ensuite, en utilisant un mélange légèrement aqueux d'ocre jaune, je vais remplir doucement le bord inférieur du papier, le mélanger au rose de la coque et faire brûler le mélange Avec le bout légèrement humide de mon pinceau, j'adoucis et j'élimine cette couche située près de la zone où les vagues vont s'écraser Ensuite, je vais aérer dans des tons bruns plus foncés le long du rivage et les mélanger Ici, j'utilise une approche humide sur humide prudente et contrôlée afin que mes couches paraissent douces, tout en contrôlant l'humidité de ma peinture et du papier À l'aide de mon pinceau taille 6 et de la pointe, j'ajoute des tons bruns plus foncés. Et vous pouvez voir la magie du mouillé sur mouillé se produire. C'est exactement l'effet que je recherchais pour cette zone créer des couches tout en conservant ces magnifiques bords souples. Nous allons laisser sécher le rivage situé près de la zone de déferlement des vagues pour le moment et en attendant, je vais commencer à travailler sur le bord inférieur du papier pour créer le feuillage Je commence par le jaune verdâtre à la base. Mon jaune verdâtre est une belle couleur granuleuse, qui ajoutera une belle texture lorsque nous commencerons à superposer valeurs moyennes et des tons de vert plus foncés pour créer cette texture, cette profondeur Pour les valeurs tonales moyennes du vert, je vais ajouter mon vert sève, en veillant à ne pas trop recouvrir le vert jaune de base Je veux qu'il transparaisse dans les petites poches. Cette étape doit être effectuée lorsque la zone est encore humide. S'il sèche, il suffit d' appliquer à nouveau une couche de base légère, aqueuse et jaune-verte, puis d' une consistance fluide mais pas trop aqueuse Cela garantit que vos couches restent éclatantes même après séchage. Pour ajouter de la texture, j' utilise ici la technique des éclaboussures d'eau Vous pouvez également utiliser un peu de sel de table, en saupoudrant simplement sur les zones humides. Mais n'oubliez pas que la technique du sel ne fonctionne pas toujours bien sur les papiers faits main. Si vous travaillez sur du papier Hadi fait main, il est préférable de vous en tenir à une technique d'éclaboussure d'eau qui devrait vous donner un effet fiable Comme vous pouvez déjà le constater, je suis passée aux tons plus clairs de ma Sienne brute, tons plus clairs de puis en ajoutant des tons plus foncés Eh bien, la première couche est encore humide. Cela permet de créer des bords arrondis et doux sur les rochers. Je vous recommande de regarder l'ensemble de ce processus une fois avant commencer afin de savoir ce qui va suivre et de pouvoir fonctionner sans problème. Comme je travaille sur une plus grande surface, les détails prendront un peu de temps, mais je vais garder le rythme rapide ici. Avec le bout humide de mon pinceau, je vais ajouter les petites pierres éparpillées sur le rivage Enfin, il est temps de travailler sur nos ondes. J'utilise un pinceau synthétique doux de taille 2 et applique une épaisse couche de gouache en utilisant simplement le bout du pinceau À ce stade, tout est une question de détails. Remarquez que mes coups de pinceau sont droits. C'est une erreur courante que commettent de nombreux débutants. L'essentiel est d'observer de près le mouvement des vagues dans votre référence et d'imiter flux lorsque vous peignez. Cela ajoute du réalisme et suit une perspective linéaire des vagues qui se courbent et se tordent le long de leur trajectoire Personnellement, je trouve ce processus très satisfaisant et thérapeutique. Mais si vous êtes débutant, je vous recommande de faire une courte pause et peut-être de prendre une tasse de chocolat chaud ou une boisson fraîche pour vous détendre avant de vous plonger dans les détails des vagues. À l'heure actuelle, notre zone côtière devrait être complètement sèche. Ne tentez pas cette étape s'il est encore humide. Sinon, vous n' obtiendrez pas ces marques de pinceau nettes et sèches qui sont essentielles pour donner à leurs vagues leur aspect texturé rugueux Une autre façon de peindre ces vagues est de préserver les blancs avec du liquide de masquage avant de commencer à peindre l'océan Personnellement, je ne trouve pas cette méthode très intéressante car créer fines lignes ondulées courbes avec le pinceau pointu et avec liquide de masquage peut être très, très difficile Même si vous enduisez d'abord les poils de votre brosse avec du savon, détailler autant de vagues plus petites et plus devient fastidieux de détailler autant de vagues plus petites et plus courbes, et le bout du pinceau finit par être obstrué C'est pourquoi j'ai préféré cette méthode que nous utilisons actuellement. Cela peut sembler un peu difficile au début, mais une fois que vous avez trouvé le rythme, il devient beaucoup plus facile et beaucoup plus confortable de travailler avec. Cette partie du processus prendra un peu plus de temps, je vous recommande donc de regarder d'abord l'intégralité de la leçon. Sois patient. Je vous promets que votre temps en vaudra la peine. J'adorerais également voir votre travail, alors n'hésitez pas à le partager dans la section des projets de classe. Et si vous avez des questions ou des doutes, n'hésitez pas à nous contacter via le fil de discussion. Je me ferai un plaisir de répondre à vos questions. Si vous travaillez sur une feuille de papier plus petite, vous couvrirez naturellement la zone plus rapidement et vous aurez besoin de moins de temps pour effectuer cette étape. C'est la principale différence entre travailler sur un papier de petite taille un papier volumineux impliquant autant de détails. Je voulais vous montrer ce processus en temps réel sur une feuille plus grande afin que vous puissiez voir comment je parviens à le faire fonctionner dans différentes sections une une pour éviter qu'il ne sèche trop rapidement. Vous pouvez toujours revoir cette leçon lorsque vous êtes prêt à essayer des peintures plus grandes Considérez cela comme votre point de référence. Observez comment j'utilise à la fois le bout et le bout de mon pinceau pour créer un mélange de traits fins et épais. J'ai déjà un cours sur Skillshare sur la peinture des océans et des mers, lequel j'ai inclus une leçon dédiée aux pinceau et à leur pratique Et parfois, l'entraînement est la véritable clé pour bien faire vos mouvements. Je ne voulais pas répéter cette leçon dans ce cours, donc si vous voulez approfondir vos couches et renforcer votre confiance en vos mouvements, vous pouvez regarder ce segment de mon cours précédent Maintenant, pour les derniers détails, je vais ajouter quelques coups de pinceau secs autour des plus gros rochers pour indiquer le retrait des vagues Cela ajoute une belle histoire visuelle à la scène. OK, donc avec ce dernier détail, nous en aurons fini avec nos vagues. Une fois que la peinture sera complètement sèche, nous retirerons soigneusement le ruban adhésif, ce qui clôturera à peu près notre projet du premier jour J'adore vraiment le résultat, et j'ai hâte de voir vos versions. J'ajouterai également quelques références pratiques supplémentaires pour que vous puissiez continuer à perfectionner les techniques d' aujourd'hui J'espère que vous avez apprécié le processus et que vous vous êtes amusé à peindre. Je vous reverrai demain immortaliser une autre ambiance aquatique. 13. Jour 2 : composition et analyse de la valeur: Bienvenue également aujourd'hui. Commençons par analyser notre composition. Voici notre image de référence. Je vais d'abord supprimer les couleurs et les convertir en une version monochrome ou en noir et blanc. Étudions-le maintenant en échelle de gris. Si l'on considère l'arrangement global, cette composition suit également la règle des deux tiers. Si nous superposons notre grille des deux tiers, vous verrez que le ciel se trouve le long de la troisième ligne supérieure et les deux tiers restants sont absorbés par l'eau Analysons encore plus la référence, en commençant par le ciel. Nous remarquons que les valeurs passent de légèrement plus foncées près de l'horizon à plus claires lorsque nous nous déplaçons vers le haut. Ici, les règles habituelles de la perspective atmosphérique changent car le soleil se trouve juste à l'horizon. Passons maintenant au premier plan. La première chose qui attire l'attention est une grosse vague devant Il possède un renflement concave avec un point lumineux à l'endroit où la lumière se réfléchit, ce qui en fait la valeur la plus faible dans cette zone éloignant légèrement du premier plan, nous remarquons un jeu d'ombre et de lumière Ici, les valeurs tonales varient entre quatre, trois, deux et un sur une valeur tonale à cinq échelles Dans les parties les plus lumineuses, la lumière rebondit sur l'onde et projette des ombres formant ces lignes horizontales distinctes C'est maintenant à vous de créer un petit croquis miniature avant de commencer votre peinture finale Cela vous aidera à mieux comprendre les valeurs tonales et à rendre la transition vers la couleur beaucoup plus fluide Pour notre projet final de la deuxième journée, j'ai créé un croquis dans lequel j'ai décrit les principales formes sans les remplir, afin de pouvoir ajuster les choses plus tard si nécessaire. L'objectif principal ici est de capturer l'essence de la scène et non de la copier exactement. Et cela conclut notre analyse de composition pour le deuxième jour. Jetons rapidement un coup d'œil aux couleurs dont nous aurons besoin pour mener à bien ce projet. 14. Jour 2 : Palette de couleurs: Bienvenue au deuxième jour. Plongeons-nous dans le vif du sujet et commençons par regarder nos couleurs. Tout d'abord, je commence par mon bleu marin avec le pigment PB 15, c'est trois. Vous pouvez choisir n'importe quel bleu pigmenté, mais essayez de choisir le avec le pigment PB 15 ou 15, c'est trois Ensuite, je vais utiliser du viridien ou mon halo vert avec le pigment PG sept Lorsque vous mélangez ces deux couleurs, vous obtiendrez un magnifique mélange de turquoise ou de vert marin. C'est la couleur que nous allons utiliser pour peindre nos vagues du premier plan à l'horizon Si vous ajoutez une touche d' orange à ce mélange, obtiendrez des nuances de vert marin plus profondes et plus foncées. Nous allons utiliser ces tons plus sombres de notre vert marin pour peindre les vagues au premier plan Maintenant, je vais rapidement éliminer mon orange. J'utilise ici de l' orange brillant avec le pigment Po 20, mais vous pouvez également utiliser une orange avec pigment Po 16 ou simplement mélanger vos rouges chauds avec des jaunes chauds Pour notre ciel, je vais mélanger jaune de Naples et mon opéra pour créer ce magnifique ton orange corail que nous allons peindre au coucher de soleil près de l'horizon. Pour notre ciel, nous allons d' abord commencer par le jaune de Naples, puis passer au rose opéra, mélanger les deux pour créer cette teinte orange corail, puis l'estomper doucement dans les tons plus clairs de lavande sur le dessus C'est donc tout pour les couleurs dont nous aurons besoin pour terminer notre projet du deuxième jour. Alors allez-y, testez vos propres couleurs et préparez-vous à vous lancer dans notre projet du deuxième jour 15. Jour 2 : Mouillé sur mouillé - Vague de ciel et d'avant-plan: OK, commençons notre projet de la deuxième journée. Tout d'abord, nous allons coller notre papier avec du ruban adhésif. Ensuite, je vais esquisser la ligne d'horizon comme nous l'avons analysée dans notre composition et marquer les principales formes des vagues. J'ai l'habitude de délimiter les formes les plus grandes lorsque je travaille sur scènes plus complexes où il y a beaucoup de lumière et d' ombre à cause des ondulations qui dansent sur les vagues Pour des compositions plus simples comme celle-ci, vous pouvez même opter pour les mains libres. Cette confiance ne vient qu'avec l'expérience de peindre de l'eau et des vagues. Je dessine ici les grandes formes de vagues juste pour vous afin que vous puissiez voir comment les aborder et les simplifier. Cela rend le processus de peinture non seulement plus gérer et faisable , mais aussi plus amusant Notre croquis est maintenant prêt ? Vous pouvez mettre l' écran en pause ici et décrire le vôtre avant de passer à autre chose. Notre croquis est prêt. Nous allons maintenant passer à la peinture du ciel en utilisant la technique humide sur humide. Je vais commencer par étendre une couche uniforme d' eau propre sur le ciel avec ma brosse à merlu, faisant attention de ne rien toucher en dessous de la ligne d'horizon Je vais parcourir le ciel deux ou trois fois pour m' assurer qu'il reste uniformément humide avant de laisser tomber les couleurs. Avant d'ajouter les couleurs, je prends un moment pour essuyer tout excès d'eau qui s'accumule sur le ruban adhésif Cela permet d'empêcher l'eau de refluer sur les zones peintes. Prenez toujours l'habitude de le faire avant de poser vos peintures, car les reflux peuvent être assez désagréables. Je l' ai appris par la dure. Je vais maintenant commencer à superposer les peintures. aide d'un pinceau humide, je charge un peu de jaune de Naples, en le mélangeant jusqu' à obtenir une consistance aqueuse mais pas trop liquide. Ensuite, j'ajouterai du rose opéra pour régler la luminosité, créant ainsi un orange corail doux. Avant d'appliquer la couleur, je passe une fois de plus mon pinceau à merlu humide sur le ciel pour m'assurer que le papier est toujours uniformément humide Chargez mon pinceau d'un mélange de corail jaune et tamponnez le surplus d'eau qui se trouve sur le ventre du pinceau Ensuite, en commençant par la ligne d'horizon, je pose les couleurs en utilisant de légers traits horizontaux. Je ne couvre pas tout le ciel. Je limite les teintes jaunes à peu près au milieu du ciel. Pour ce ciel, nous optons pour un délavage panaché, qui est un délavage dégradé de deux couleurs ou plus Si vous souhaitez en savoir plus sur cette technique, consultez mes leçons sur les types de lavages données par ma classe, le guide ultime pour peindre le ciel à l' aquarelle, un défi de sept jours Je vais maintenant mélanger la lavande dans tons moyens à clairs et la mélanger aux couches de transition d'orange caudale et de rose en utilisant de légers traits horizontaux Pendant ce temps, je tiens le pinceau près du bord du manche. Cela me donne plus de contrôle, flexibilité et de douceur dans mes traits Si vous observez bien, je mélange les couches avec une très légère pression en utilisant uniquement le bout et le bout de mon pinceau Je n'amène la couche de lavande claire que jusqu' au milieu du ciel. Ensuite, je vais charger à nouveau mon pinceau avec ce mix d'opéra jaune et commencer par la ligne d'horizon, le mélangeant vers le haut sans lever mon pinceau Je répète également ce processus avec les valeurs de lumière de la lavande, jusqu'à ce que je sois satisfaite la transition fluide et uniforme entre les couches. Maintenant, je vais prendre mon pinceau en velours Siixblack, humidifier le bout et le tamponner doucement sur le mouchoir pour éliminer l'excès d'eau Ici, au centre, je rehausse la couleur à l'aide doux traits circulaires pour créer le soleil couchant. Cela ne fait pas partie de l'image de référence. C'est quelque chose que j'ajoute de ma propre imagination. Vous pouvez choisir d'inclure le soleil ou de l'ignorer complètement. Si vous souhaitez créer un soleil, une autre méthode consiste à découper votre ruban de masquage en forme de cercle et à le coller avant de peindre ou à utiliser un coller avant de peindre ou liquide de masquage pour préserver le blanc du papier Et avec cela, le ciel est complet, maintenant nous allons le laisser sécher. Ensuite, passez à la peinture de l'eau. Pour peindre l'eau, j'ai une stratégie simple pour manipuler des surfaces plus grandes comme la mienne. Je vais diviser l'eau en deux. Vous verrez ce que je veux dire au fur et à mesure. J'ai commencé par une technique humide sur humide, en appliquant un lavage plat uniforme depuis le premier plan jusqu'à environ la moitié de l'horizon Mais j'évite d'attendre jusqu' à la ligne d'horizon, car cela peut provoquer des floraisons indésirables alors que le ciel continue de s'assécher. C'est un conseil super pratique à retenir, et je remarque que de nombreux débutants ont du mal à utiliser cette partie. Ensuite, je vais préparer un mélange de mon bleu marine et de mon vert halo pour créer un vert marin riche et beurré Assurez-vous d'en faire une bonne quantité avant de commencer à peindre votre eau. Ce sera votre mix Seagreen. La consistance doit être épaisse et non liquide, afin que vous puissiez facilement créer des valeurs sombres lorsque vous superposez le Maintenant, je vais commencer à peindre l'eau à l'aide de mon pinceau à serpillère taille 00, commençant par le bas du papier Prêtez attention à mes coups de pinceau et à la consistance de la peinture. Je contrôle soigneusement le rapport peinture/eau afin de conserver la forme distincte des vagues que je crée. Remarquez comment je tiens mon pinceau. Cette poignée me donne un meilleur contrôle et permet des coups fluides et expressifs. Je remplis les formes de contour que nous avons esquissées plus tôt tout en préservant les reflets lumineux entre elles. Cela est crucial car le bleu jaune ou bleu marin avec du PB 15 ou 1523 comme pigment est une couleur très colorante, ce qui signifie que le lifting ne rétablira pas ces Il est donc important de les protéger dès le départ. Préserver ici le blanc du papier en guise de points forts. Maintenant, j'ajoute de l'orange à mon mélange Sea Grin pour créer des valeurs plus sombres, que je vais commencer à superposer à la base des vagues Comme le papier est encore humide, ces tons plus foncés se fondront parfaitement dans les couches de base. Je dois travailler rapidement pour appliquer cette couche avant que la zone ne commence à sécher. Ensuite, je vais utiliser un pinceau Ford Bright de ma taille , l'humidifier et l'utiliser pour nettoyer en douceur les couleurs qui pourraient répandues dans les zones blanches que nous voulons préserver Je vais également répéter le même processus pour le premier sort de la vague. Assurez-vous toujours que le bout de votre pinceau est propre lorsque vous soulevez la couleur, surtout si vous reprenez le lifting. Maintenant, j'ajoute des tons plus sombres sous la houle de la vague. Cela représente l'ombre projetée par la vague en elle-même. La consistance de ma peinture est assez sèche, mais mon pinceau est humide et le fond est encore mouillé. Cela me permet d'ajouter l'ombre en douceur sans avoir à réappliquer les tons les plus foncés encore et encore. Au bas de l'article, j'ajouterai des tons plus foncés pour donner l'impression que les zones claires forment un globe entre les couches. Je réapplique les tons les plus foncés en exerçant une légère pression et en effectuant des mouvements doux pour éviter de déranger ou de soulever les couches de base Souvenez-vous toujours qu' avec les aquarelles, les couleurs sont plus sèches, les teintes sont plus claires qu'elles ne l'étaient lorsqu'elles sont mouillées Il est donc important de tenir compte de vos valeurs tonales lorsque vous peignez Nous avons commencé avec des valeurs tonales moyennes, mais nous pouvons désormais assombrir les zones selon les besoins en fonction de l'effet que nous voulons obtenir À l'aide de la pointe propre de mon pinceau brillant, je retire toutes les couleurs qui se sont infiltrées dans les zones blanches. Et avec cela, la première partie de l'eau, en particulier le premier plan, est terminée Nous allons laisser cette zone sécher complètement. 16. Jour 2 : Créer de la profondeur grâce aux éléments atmosphériques respectifs: Il est maintenant temps de passer à la partie suivante de la vague. Maintenant, à l'aide de ma brosse à merlu humide, je vais appliquer un chiffon plat sur la zone située juste au-dessus de la vague que nous avons peinte Si vous observez bien, j'ai commencé à poser ce linge plat par le centre, puis je me suis déplacé vers le bas Ici, revérifiez toujours le taux d'humidité de votre brosse. Une trop grande quantité d'eau peut provoquer des floraisons inutiles dans la zone peinte en train de sécher, en particulier dans le ciel et sur la vague du premier plan Voici une astuce utile. Si vous êtes débutant, essayez d'abord de peindre vos vagues et gardez le ciel pour la fin. De cette façon, vous réduisez le risque de ruiner accidentellement votre ciel ou l'eau du premier plan, car il peut être un peu difficile de contrôler l' humidité entre les deux zones Je ne m'en rends compte qu'après avoir d'abord peint le ciel Il peut être plus difficile de gérer l' humidité lorsque vous commencez à travailler sur les vagues par la suite Il est donc souvent plus sûr et plus facile de commencer par l'eau, qui est le principal élément central de la composition, et de terminer par le ciel. Je passe à la brosse à langue de mon chat, puis je soulève les zones où les couleurs répercutent sur les espaces blancs que nous voulons préserver. Maintenant, à l'aide de ce petit pinceau à langue de chat, j'utilise le bout et les orteils pour créer des vagues plus fines. Je commence par les valeurs tonales moyennes, puis ajoute des ombres si nécessaire avec des tons plus foncés Ici, remarquez que ma peinture ne la rend pas aqueuse, mais plutôt épaisse et crémeuse Plus ou moins, on peut dire qu'il est sec. C'est exactement ce dont vous avez besoin pour créer des vagues plus petites avec un bon contrôle. À ce stade, le processus est peu répétitif. C'est-à-dire que nous allons superposer les valeurs moyennes à plus faibles des vagues vertes à l' approche de l'horizon Observez comment j'alterne entre vagues plus courtes et des vagues plus longues pour suggérer le mouvement naturel de l'eau lorsque les vagues se retirent vers l'horizon, leur taille, leur forme et leur valeur tonale diminuent , selon le principe de la perspective atmosphérique Mais à l'aide la brosse à langue de mon petit chat, je crée maintenant de plus petites vagues à mesure que nous nous rapprochons de l'horizon. Soyez attentif à vos valeurs tonales et contrôlez soigneusement l'humidité de votre pinceau Vous devrez travailler rapidement ici car une fois que le papier commence à sécher, il devient difficile d'obtenir ces bords doux et lisses sur les vagues. Si nécessaire, utilisez un petit pinceau plat ou un pinceau rond pour humidifier doucement ces zones avant peindre les petites vagues. Soyez très prudents. Votre brosse doit simplement être humide, pas trop mouillée. Une trop grande quantité d'eau peut facilement abîmer votre peinture Soyez donc attentifs à l'humidité ou au niveau d'humidité votre pinceau et de votre papier Comme j'ai divisé cette peinture en petits segments et que j'ai mouillé chaque zone au fur et à mesure, il est beaucoup plus facile de contrôler l'humidité et maintenir le papier toujours humide dans les parties gérables Si j'avais essayé de mouiller toute la surface en une seule fois, il aurait été difficile de maintenir cette humidité et certaines zones des vagues auraient pu devenir irrégulières ou sèches C'est un défi que j'ai dû relever lorsque j'ai commencé à peindre à l'eau. Contrôler l' humidité de votre papier est donc une compétence qui ne se développe qu' avec de la pratique et de la curiosité Continuez à expérimenter et vous vous améliorerez au fil du temps. Je suis enfin contente l' apparence des vagues en ce moment, alors je vais les laisser telles quelles. Il est temps de tripler la lumière du soleil sur les zones les plus claires. Mm. 17. Jour 2 : Mouillé sur sec - Derniers détails Details: Nous avons atteint le stade final d'une peinture En ajoutant ces reflets ensoleillés qui dansent sur les vagues pour les rendre doux et lisses, je vais passer légèrement le bout humide de mon pinceau à balai de taille 20 le long des zones blanches du papier Ici, je fais très attention à ne pas trop saturer la surface en à ne pas trop saturer la surface N'oubliez pas que le pinceau doit simplement être humide et ne pas couler Ensuite, je vais préparer un mélange de nos couleurs de coucher de soleil, c' est-à-dire un mélange de jaune de Naples et de rose opéra, les mêmes que celles que nous avons utilisées pour le ciel. La consistance ici doit être lisse et beurrée. Veuillez prendre note du contrôle de l' eau ici. Ensuite, je vais utiliser ce mélange sur le bout de mon pinceau de rigueur et commencer à peindre de fines lignes courbes pour capturer la délicate lueur de la lumière qui danse sur la vague Au lieu d'un pinceau de rigueur ou d'un pinceau à doublure, vous pouvez également opter pour un petit pinceau rond avec une pointe pointue Pour une meilleure prise en main et un meilleur contrôle des mouvements de votre brosse, je tiens la mienne près de la virole Cela m'aide à créer des lignes plus stables et plus sûres. Avant de commencer cette étape de votre peinture, je vous recommande vivement de pratiquer les lignes courbes sur un bout de papier. De cette façon, vous pouvez vous assurer que vos traits sont fluides et qu'ils ne vacillent pas lorsque vous passez à la pièce finale Maintenant, j'utilise mon pinceau Silver Belle Aqua Cat Tongues de taille 8 et travaille doucement avec le bout et les orteils pour appliquer une très légère couche de mélange d'opéra jaune Je vais l'intégrer doucement aux zones blanches près de l'horizon, pour capturer la lueur chaude du soleil couchant reflétée sur l'eau Je passe à nouveau à mon pinceau à doublure et je crée ces fines lignes ici, dans la zone de réflexion. Certains de ces reflets commencent à apparaître un peu estompés Je vais donc y retourner pour les recouvrir de fines lignes, en les gardant souples, tout en m' assurant qu'ils restent éclatants et ne perdent pas leur présence OK, donc sur ce point, je vais m'arrêter là pour éviter de trop travailler le tableau Je suis très content de la façon dont cela s'est passé. Nous allons maintenant attendre que le papier soit complètement sec avant de décoller le ruban adhésif Le papier a complètement séché. Je vais maintenant décoller délicatement le ruban adhésif à un angle de 45 degrés pour éviter de le déchirer ou d' endommager les bords Nous arrivons ainsi à la fin de notre deuxième jour de projet. Je vais télécharger quelques références supplémentaires dans la section des projets et des ressources pour que vous puissiez les essayer. J'ai hâte de voir vos interprétations. Je te reverrai le troisième jour. 18. Jour 3 : composition et analyse de la valeur: Bienvenue au troisième jour, et commençons par analyser notre référence. C'est une très belle image. Il capture le mouvement dynamique des vagues qui s'écrasent ainsi qu'une vue époustouflante à moitié sous-marine Nos yeux sont d'abord attirés par la lumière sur la gauche, frappe les vagues et illumine l'eau de surface sur la droite, qui passe à des tons plus clairs tandis que le reste de l'eau prend des teintes d'un bleu profond Convertissons maintenant l' image en noir et blanc pour mieux étudier ses valeurs tonales Dans cette composition, nous pouvons clairement voir toute la gamme allant des lumières les plus claires aux plus sombres sur une échelle de un à cinq La lumière du ciel qui frappe les vagues est capturée dans les valeurs les plus claires, et les textures des bulles sont également mises en valeur, car la lumière ne pénètre que jusqu'à une certaine profondeur avant de s'estomper dans l' Bien, maintenant que nous avons analysé notre composition, c'est à vous de créer une petite esquisse miniature avant de vous lancer directement dans le projet Cette étape rapide vous aidera à cartographier la forme principale, les valeurs et le déroulement de la scène, rendant ainsi le processus de peinture beaucoup plus fluide. 19. Jour 3 : Palette de couleurs: Je suis tellement contente que tu aies décidé de te joindre à moi pour le troisième jour. Maintenant, examinons rapidement les couleurs dont nous aurons besoin pour le projet d'aujourd'hui. Pour cette peinture, nous ne travaillerons qu'avec quelques couleurs, et elles sont toutes bleues. La première couleur que je vais tester est mon bleu thalo de chez Shinhan Art, qui est un bleu très chaud contenant le pigment PB Vous pouvez également utiliser n'importe quel autre bleu vif similaire de votre propre collection. La prochaine couleur que je vais choisir est mon bleu turquoise Vous pouvez facilement mélanger le bleu turquoise en combinant un pigment bleu froid qui est le PB 15 avec votre vert halo qui est le PG 7, un pigment vert de mer et y ajoutant une touche de pigment blanc. Vous obtiendrez donc ce bleu turquoise, dont nous avons déjà vu comment créer cette couleur dans la leçon sur le mélange des tons d'eau. Maintenant, en ajustant simplement le rapport entre vos pigments vert et bleu, vous pouvez créer une large gamme de teintes tonales de vert marin, ajouter plus de bleu pour obtenir un bleu turquoise ou augmenter le vert dans le mélange pour obtenir une plus grande partie de cette teinte vert cobalt La prochaine couleur que je vais choisir est notre indigo Celui que j'utilise ici est issu de la gamme PWC de Shinhan Art, qui contient à la fois un pigment bleu et un pigment noir Vous pouvez également créer un bleu foncé similaire en mélangeant de la peinture, gris ou une teinte neutre à votre bleu. Enfin, il y a un guash, que nous allons utiliser pour ajouter détails fins ou des motifs de pinceau secs 20. Jour 3 : blues magique - l'avant-plan: Salut, les gars. Bon retour au troisième jour. Avant de commencer, une mise à jour rapide sur une fourniture vous aurez besoin pour ce projet, notre sel de table polyvalent. Gardez-le à portée de main car nous allons l'utiliser pour créer de belles textures dans la peinture d'aujourd'hui. Et comme d'habitude, j'utilise mon ruban adhésif pour coller mon papier Il est maintenant temps de commencer par un croquis. C'est très simple, n'y a pas grand-chose à dessiner à part la vague. Je commence par une forme en H inclinée, en ajoutant une autre forme juste au-dessus pour créer une double limite, puis je dessine la crête de la vague en haut Il s'agit d'une vue à moitié sous-marine, donc une partie de la vague se trouvera sous la ligne de flottaison et l'autre au sommet Je vais rapidement terminer mon croquis ici. Je suggère de regarder d' abord l'ensemble du processus de dessin , puis de créer votre propre croquis J'ai terminé mon croquis, alors passons directement au tableau. Nous allons commencer par une vue semi-sous-marine. Deuxièmement, nous travaillerons avec une technique humide sur mouillé pour obtenir ce magnifique mélange de couleurs et une transition fluide sous la ligne de flottaison Je m'assure de garder mes broussailles aqueuses confinées dans la ligne de flottaison sous-marine Nous aborderons cette peinture section par section. Nous allons d'abord terminer cette partie inférieure de l'eau, puis nous passerons à l'annonce sur l'eau. Et enfin le ciel. Cette approche étape par étape nous aidera à peindre la référence de manière plus méthodique et contrôlée Je passe maintenant à ma brosse Squirrel Blend Mob taille 00, mais vous pouvez également utiliser une brosse ronde taille 10 ou 12 pour cette étape Je suis ici en train de mélanger un ton vert cobalt en combinant mon bleu merine avec le PB 15 comme pigment, avec du jaune-vert avec le PG 7 comme pigment et en ajoutant une touche de bleu horizon contenant un peu de pigment blanc Je vise une belle consistance crémeuse dans une valeur tonale moyenne Vous pouvez toujours regarder ce mélange sur un morceau de papier d' abord pour vérifier la valeur avant de l'appliquer sur vos couches humides. Je commence maintenant par le coin supérieur droit de notre vue sous-marine, en appliquant le mélange selon des motifs délibérés. C'est important pour l'effet final. Ensuite, avec le bout aqueux de mon pinceau, je vais déplacer doucement les couleurs et les faire décolorer vers l'extérieur Maintenant, je vais préparer un mélange de bleu vif. La couleur que j'utilise provient de gamme Shinhan Arts PWC, bleu halo, teinte rouge Je prépare un mélange crémeux et foncé et je le mélange à notre vert cobalt Parce que nous travaillons mouillé sur mouillé, les couleurs se fondront à merveille. Remarquez que je superpose mon bleu vif en commençant par le bas du papier et en le laissant converger vers notre vert cobalt Pour créer une forte impression de profondeur, nous allons continuer à travailler avec ces traits convergents Ils aident à guider l'œil vers le haut et ajoutent de la dimension. L'utilisation de traits horizontaux ici ferait apparaître la zone plate. Le maintien de ce flux directionnel est donc la clé du succès de cette peinture. Maintenant, j'ajoute des tons de bleu plus foncés en mélangeant une touche de rouge à mon mélange de bleu halo. Je commence tout en bas de l'article, en travaillant par traits convergents vers le haut Vous pouvez obtenir cette teinte plus foncée en mélangeant du rouge ou en mélangeant du gris pâle, une teinte neutre ou même de l'indigo votre bleu pour obtenir cette teinte plus foncée. Je veille à ce que les coins inférieurs soient plus foncés que le milieu et le haut. Cela permet de transmettre l'effet du filtrage de la lumière à la surface de l'océan. La surface immédiate reste lumineuse, mais la lumière s' estompe progressivement au fur et à mesure qu'elle s'enfonce, laissant les profondeurs dans l'ombre Donc pour équilibrer les valeurs, je vais mélanger un peu de vert marin avec un peu de bleu et essayer très légèrement de mélanger sur la couche supérieure Maintenant, je rince mon pinceau et je charge des tons plus clairs de vert cobalt ou de vert marin pour les superposer sur le dessus Le fond est encore humide. Ces couleurs se mélangeront naturellement et créeront des transitions douces. Ensuite, je passe à mon pinceau de rigueur pour des gouttelettes d'eau sur Concentrez davantage d'éclaboussures dans le coin supérieur droit en utilisant un mélange de petites et moyennes gouttelettes. Voici un conseil. J'aime utiliser un pinceau Rigor pour cela en raison de sa forme allongée Il retient moins d'eau dans le ventre que les brosses rondes, ce qui facilite grandement le contrôle de la taille et de la forme des éclaboussures Cette technique fonctionne pour moi à chaque fois. Maintenant, j'utilise mon pinceau ultra rond de taille 2, qui est juste humide, et j'essaie de faire ressortir les couleurs en petits mouvements circulaires pour créer de minuscules bulles. Cela fonctionne mieux si vous utilisez cette technique de levage lorsque votre arrière-plan est encore humide. Ensuite, il est temps de saupoudrer un ingrédient magique qu'est notre sel de table. Voici un petit conseil. Le défaut de texture dû au sel ne se produira que lorsque le papier est humide mais pas trop mouillé. S'il y a trop d'eau, le sel se dissoudra simplement dans la peinture et vous ne créerez pas cette belle texture. De plus, j'ai remarqué que cet effet salin ne fonctionne pas vraiment sur 100 % coton faits à la main ou sur les papiers Adi 100 % coton. Donc, si vous utilisez ce type de papier et que vous n'obtenez pas la texture souhaitée, ne soyez pas frustré. Ce n'est pas ta technique. C'est juste la façon dont le papier réagit. Nous allons maintenant laisser le fond sécher complètement, mais avant qu'il ne sèche complètement, je soulève la peinture sur ces petits points ronds, car le fond mouillé permet aux couleurs de se fondre doucement dans les zones surélevées Cette étape m'aide donc à nettoyer et à définir un peu plus les taches. Si vous préférez, au lieu de cette technique, vous pouvez également utiliser votre liquide de masquage ou vous pouvez également créer les petites taches à l'aide de votre bougie blanche Ces méthodes fonctionnent également très bien. 21. Jour 3 : vague déferlante et ciel - Partie 2: Bon, passons maintenant à une vague déferlante. Je vais commencer par mouiller soigneusement cette zone avec mon pinceau Mob taille 80 de la série Silver Atelia Je vais m'assurer que l'eau de cette zone est uniforme , qu' aucune flaque ou flaque d'eau ne se forme sur le papier, et je fais également très attention à ne pas mouiller trop près de la ligne de flottaison sous-marine Maintenant, j'applique mon pinceau humide Squirrel Mob Size 00 sur un mouchoir en papier et je prépare une consistance crémeuse épaisse composée d'un mélange de vert marin ou de vert cobalt À l'aide de la pointe et du bout aplatis de mon pinceau, je peindrai en forme de C inversé Observez de près le mouvement de mon pinceau ici Je travaille à la fois avec le bout et le bout du pinceau, faisant varier la pression pour créer une sensation de mouvement et de direction du flux d'eau. Observez le mouvement de mon pinceau et remarquez comment je le tiens. Cette poignée me donne plus de flexibilité pour créer des traits fluides et expressifs tout en exerçant une pression sur le bout et le bout du pinceau. Si vous observez bien, lors de la création des traits de mer inversés, j'ai également laissé des espaces blancs entre eux. Je vais maintenant appliquer quelques valeurs tonales moyennes de mon bleu vif ou de mon bleu thalo sous les courbes de la vague Ce sont les zones où les vagues projettent des ombres, elles seront donc un peu plus sombres que le reste de la vague déferlante Maintenant que le bout de mon pinceau contient les valeurs moyennes du bleu thalo, j'ajoute des lignes plus fines, superposant les tons les plus foncés aux tons clairs pour mettre en valeur le jeu d'ombre et de lumière dans la vague Observez mon mélange de peinture ici. Ce n'est pas du tout aqueux. J'ai gardé un contrôle strict à la fois sur l'humidité de mon pinceau et sur la consistance de la peinture Avec le même pinceau, mais en utilisant sa pointe sèche, je tamponne pour créer des textures subtiles dans la vague Ce tamponnage à pointe sèche permet de donner à la surface un effet mousseux naturel Nous allons maintenant passer à la zone du ciel et la mouiller soigneusement avec un rinçage à l'eau plate. Veillez à ne pas mouiller les zones que vous venez de peindre. Assurez-vous de recouvrir votre papier d' une fine couche uniforme d'eau. Répétez cette opération deux, deux ou trois fois. Cela permet au papier de rester humide plus longtemps, qui vous laisse plus de temps pour travailler et mélanger les couleurs en douceur. À l'aide de la pointe humide effilochée de mon balai taille 00, je vais ajouter de légères nuances d' indigo et de bleu pour créer des ombres subtiles sur les vagues Regardez de plus près les mouvements de mes pinceaux ici. Il est doux et délibéré de mélanger doucement les couleurs dans le papier humide. Créez des mouvements de pinceau aléatoires ici pour représenter les vagues déferlantes et le flux de l' eau qui se disperse ici Maintenant, je mélange un mélange bleu turquoise clair et aqueux Ce sera notre base pour peindre le ciel avec une valeur tonale de lumière douce Comme j'ai de la difficulté à bien mélanger les couleurs, je vais très bientôt passer à mon balai taille 20 Je passe à mon balai taille 20. Je vais le mouiller, le charger avec un mélange de turquoise et replanter doucement la zone du ciel pour obtenir un dégradé doux À proximité de la vague déferlante, nous utiliserons une valeur tonale très légère de ce mélange pour que la transition reste douce Nous devons travailler assez rapidement pour terminer les dernières étapes avant que le papier ne commence à sécher. Pendant que mon papier est encore humide, j'utiliserai un papier de soie et je soulèverai doucement certaines des valeurs de lumière que nous venons de définir pour créer la forme de la vague et de la forme. Très bientôt, je vais commencer à mélanger mon bleu thalo et à superposer les valeurs tonales moyennes horizontalement, commençant par le coin supérieur droit du Et à mesure que je m'approche des vagues, je m'arrête à mi-chemin pour maintenir l'équilibre de la composition. Maintenant, à l'aide de la pointe propre et humide de mon pinceau, qui est un peu liquide, je mélange le ciel du bas vers le haut pour créer un dégradé lisse et uniforme Maintenant, je répète la technique de levage pour créer la mousse des vagues à l'aide du bout propre de mon balai taille 20 L'un des avantages des brosses à cheveux naturels est leur flexibilité Ils conservent bien leur forme, ce qui vous permet de contrôler vos traits avec précision. Après le lifting avec le pinceau, j'utilise du papier de soie pour tamponner doucement et faire ressortir complètement la couleur, mettant ainsi en valeur les reflets mousseux brillants Je suis en train de préparer un mélange de bleu et de sienne brûlée pour créer un ton foncé atténué pour superposer les vagues déferlantes J'ai remarqué que les tons paraissaient un peu trop vifs, alors je les éclaircis avec mon autre balai humide Ensuite, je soulève une partie de cette couleur pour adoucir l'effet et obtenir le bon mouvement. À l'aide de la pointe aplatie de mon pinceau humide chargé de nuances claires d'indigo et de bleu, je commence à façonner les vagues Une fois que ce sera fait, je passerai à un vieux pinceau à bout sec effiloché et plein de dry gosh Je le tamponne verticalement le long des bords blancs des vagues pour créer un effet de spray mousseux texturé Bien sûr. Ensuite, je vais prendre mon pinceau Liner Rigger taille 2 et ajouter quelques marques de pinceau sec près courbes ondulées pour imiter le spray en mousse donner à l'ensemble un aspect naturel et réaliste Maintenant, il s'agit d'ajouter ces dernières touches finales. Je vais continuer à brosser certaines zones à sec afin d' avoir l'apparence réaliste et naturelle de la vague qui s'écrase Encore une fois, avec le bout effiloché humide et sec de mon balai, j'ajoute quelques motifs texturés supplémentaires au bout des vagues déferlantes, mais je fais attention à ne pas Je suis plutôt content de son apparence actuelle. Nous allons donc nous arrêter ici et laisser le tableau sécher complètement. Mon papier est complètement sec, j'ai donc nettoyé le sel Maintenant, je décolle le ruban adhésif. Assurez-vous de bien retirer le sel. Si vous oubliez, cela peut endommager votre peinture ultérieurement. J'espère donc que vous avez apprécié ce voyage empreint d'un blues magique. J'ai hâte de voir tes magnifiques créations. C'est tout pour aujourd'hui. À bientôt pour Day Four Project. 22. À votre tour de vous entraîner - Journée de pause: C'est maintenant à vous de mettre en pratique les techniques que nous avons abordées du premier au troisième jour. Aujourd'hui est un jour de pause, occasion pour vous de revoir et renforcer toutes les techniques que nous avons apprises jusqu'à présent Vous pouvez utiliser les références supplémentaires que j'ai fournies dans la section projets et ressources ou celles que vous voyez ici à l'écran. Il suffit de suspendre l'écran, prendre une capture d'écran et de démarrer le processus. Pendant que vous travaillez sur les références, si vous avez des doutes ou si vous vous sentez bloqué, vous pouvez toujours me contacter dans la section discussion du cours. Je ferai de mon mieux pour clarifier vos questions et vous guider. Du quatrième au septième jour, nous passerons au niveau supérieur étape par étape chaque jour en vue d'un projet final le septième jour Alors prenez votre temps aujourd'hui, entraînez-vous bien, et je vous verrai mercredi pour le quatrième jour. Non. 23. Jour 4 : analyse de la composition: Bien, commençons donc analyser la composition pour le quatrième jour. À partir d'aujourd'hui, les compositions vont commencer à paraître un peu plus complexes, mais ne vous inquiétez pas. Je suis là pour vous expliquer tout cela. Tout d'abord, nous allons convertir l' image en noir et blanc, ce qui nous permet de nous concentrer sur la structure sans nous laisser distraire par les couleurs Commençons maintenant par les bases. En utilisant une grille des deux tiers, vous remarquerez que la composition suit plus ou moins la règle des deux tiers. La ligne d'horizon n'est pas placée exactement au centre, mais elle se trouve légèrement en dessous. Des vagues ondulantes s' alignaient magnifiquement avec les deux tiers de la ligne d' horizon. La principale formation rocheuse occupe le point d'intersection sur la droite et traverse les quatre quadrants, créant ainsi un solide Plus près du rivage, nous avons une autre série de vagues qui aident à guider l'œil du spectateur dans la scène. Une fois que nous avons décomposé la composition de cette façon, il devient beaucoup plus facile pour nous de décider comment placer nos propres éléments sur le plan de l'image. Dans notre cas, il s'agit de notre papier pour aquarelle. Analysons maintenant les valeurs tonales. Je les ai décomposés à l'écran. Étudiez ceci pendant un moment, et lorsque vous serez prêt, nous esquisserons la composition sur notre papier. 24. Jour 4 : Palette de couleurs: Très bien, passons directement aux couleurs dont nous aurons besoin pour le quatrième jour Aujourd'hui, il s'agit de capturer l'essence de l'Islande maussade, alors commençons Pour le ciel, je vais mélanger le bleu outremer à une pincée de teinte neutre Les deux couleurs sont magnifiquement granuleuses, et je vais travailler ici avec des valeurs tonales moyennes à claires pour le ciel Pour la structure rocheuse, nous nous en tiendrons à une teinte neutre. Maintenant, si vous n'avez pas de teinte neutre, vous pouvez très bien opter noir ivoire ou le gris pour vos peintures. Pour les vagues proches de la ligne d'horizon, nous utiliserons le vert thalo avec le pigment PG sept Les vagues les plus proches du rivage auront désormais des tons vert de mer plus sombres et plus maussades Nous allons donc mélanger l'orange au vert To pour obtenir ce ton foncé riche Maintenant, pour créer l'effet du recul des ondes, nous allons utiliser des valeurs tonales claires de mon bleu outremer mélangées à un peu Je vous propose donc ici mon bleu outremer. Enfin, nous aurons également besoin d'un peu de courge blanche pour les derniers reflets, parfaits pour l'écume de mer ou les éclaboussures de mer Maintenant, si vous n'avez pas de courge, aquarelle blanche au titane fonctionne tout aussi C'est juste pour les couleurs. Passons maintenant directement au projet. 25. Jour 4 : mer islandaise orageuse : partie 1: Bien, notre croquis est prêt, j'espère que le vôtre l'est aussi. Commençons ensemble notre aventure avec le ministère des Pêches et des Océans. Je vais commencer par le rugissement des vagues, la section océanique, sur laquelle nous nous concentrerons en premier Je vais de l'avant avec la technique humide et humide. Tout d'abord, je vais contourner les vagues esquissées juste un peu au-dessus de la base de cette structure rocheuse, mouillant ces zones Prenez votre temps ici, assurez-vous que le papier reste humide plus longtemps. Maintenant, je passe à ma brosse à écureuil humide Mob. J'ai évacué l' excès d'eau de son ventre et je vais réactiver mon halo vert Mais remarquez comment est mon mélange. Il est beurré et épais. Lorsque vous appliquez cette consistance de peinture sur une surface humide, vous pouvez mieux contrôler la forme et la taille de vos traits. Regardez comment j'utilise le bout et le bout de mon pinceau pour créer de longs traits obliques, en faisant varier la pression du pinceau et créant des textures semblables à celles des vagues Pour les zones d'ombre sous la houle des vagues, je vais utiliser les tons plus foncés de mon mélange tho green, qui consiste simplement à mélanger du vert vert avec une touche d'orange Regardez comment je superpose ces tons plus foncés, je fais attention à ne pas couvrir les valeurs moyennes que nous avons peintes plus tôt Au lieu de cela, je laisse de petits espaces pour que les verts des tons moyens puissent encore transparaître Cela crée un magnifique jeu d'ombres et de lumières. Notez également que j'ai laissé quelques fines lignes blanches entre les deux. Elles sont intentionnelles. Cela suggère que la lumière capte la crête des vagues, ajoutant cet éclat naturel à l'océan Ensuite, je passe à mon pinceau à langue Silver Belle Aqua Cat pour approfondir les tons foncés sous la houle Vous pouvez effectuer cette étape en utilisant un pinceau brillant de petite taille ou un pinceau plat, un pinceau brillant de petite taille ou un pinceau de préférence de taille quatre ou trois, ou un pinceau rond de taille huit, travaillant à la fois avec le bout et le bout de votre pinceau. Une fois cette section terminée, je passerai à mon petit pinceau de taille 20 pour mouiller les zones des vagues les plus proches du premier plan En utilisant le même pinceau à langue de chat, je mélange maintenant une touche d'orange à mon vert halo pour obtenir un ton plus profond et plus chaud. Je vais charger le bout de mon pinceau à l'aide de ce mélange plus foncé et commencer à créer des arcs inclinés de différentes tailles Elles s'agrandissent et s' arrondissent vers le coin droit en suivant la courbe naturelle de la vague mélangeant vos tons sombres en quantité suffisante dès le début , vous éviterez d' avoir à recréer le mix à mi-chemin Cela permet non seulement de fluidifier le flux de travail, mais également de réduire le risque de variation tonale vos valeurs pouvant légèrement changer si vous devez les remixer encore et encore. La cohérence est essentielle pour que vos ombres restent unies. Ici, dans le coin le plus à droite, je travaille avec une technique humide sur sec en superposant la peinture foncée en utilisant des traits de mer inversés. Je m'assure de conserver certains de ces espaces blancs entre les deux. Ce contraste permet de suggérer l'écume de mer brillante par rapport à cette eau plus foncée. Une fois cette étape terminée, je passe à mon balai humide de petite taille, de taille 20 et je commence à mouiller les zones situées sous les vagues Cela permet d'éviter les marques trop fortes et donner aux bords un aspect doux et diffus. Maintenant, jetez un œil à ce bout de papier. Vous pouvez voir à quel point mon pinceau est sec en ce moment. À l'aide de cette même pointe aplatie humide, je commence à créer des traits parce que son arrière-plan est encore humide Remarquez à quel point la peinture se fond parfaitement dans la peinture Ici, je vais rapidement essayer d' utiliser des tons plus foncés pour former les zones ombragées situées sous les tissages Maintenant, avec le bout propre et humide de ma brosse à balai, je commence par le bas de la vague et je tire doucement le plus clair vers le haut C'est ainsi que je crée cette couche d'eau mousseuse sur le point de s'écraser Ici, votre brosse doit être humide et sèche. S'il est trop liquide, il peut facilement le gâcher. Alors fais un peu attention. Cette technique permet non seulement d' améliorer la texture de la mousse, mais donne également une impression plus réaliste de vagues, transportant la saleté et le sable, ajoutant ainsi une couche supplémentaire de réalisme à la scène. Maintenant, avec ma brosse plus grande taille 80 M humide, je commence à ventiler les poils Cela permet de créer l' effet des embruns marins. À ce stade, la vague supérieure est semi-humide Je me déplace donc rapidement en utilisant ce mouvement de ventilation pour faire ressortir un peu de peinture et suggérer une fine brume Comme le papier ici a déjà commencé à sécher, je prends un mouchoir en papier et je le tamponne rapidement sur les zones Je le soulève simplement pour renforcer cet effet. Ensuite, je charge la pointe de mon pinceau taille 00 avec des valeurs sombres de vert halo et je commence à utiliser la technique humide sur sec pour peindre la mer à la ligne d'horizon. Je fais attention à ne pas couvrir toute la zone, mais à laisser un espace blanc en forme de vague. Ensuite, avec le bout humide de mon balai propre, je soulève doucement la couleur très légèrement pour suggérer à nouveau les embruns marins Je suis content de la façon dont cela s'est passé, il est donc temps de passer à la partie suivante. 26. Jour 4 : le rocher et la mer - mouillé sur sec: OK, passons à la section suivante qui consiste à peindre notre rocher. Cette partie est assez simple. Nous utiliserons la technique humide sur sec avec notre teinte neutre dans des tons foncés. Près de la base, je vais laisser quelques zones blanches pour les reflets. Remarquez que je laisse de côté certaines zones blanches irrégulières qui visent à illustrer la texture de la roche OK. Maintenant, avec un pinceau humide et aqueux, je touche la fin du dernier trait Regarde comment je rehausse la couleur. Chaque fois que je retire la peinture, je m'assure de frotter le pinceau sur du papier de soie pour enlever tout résidu de peinture. Ainsi, lorsque je le soulève à nouveau de la surface humide, je ne redépose pas accidentellement couleur sur le papier J'utiliserai également du tissu concassé pour tamponner et créer un défaut de texture qui suggère que du spray a heurté la roche Cette technique fonctionne mieux lorsque les couches précédentes sont encore humides. Si votre peinture est déjà sèche, utilisez un vaporisateur pour vaporiser légèrement uniquement la zone rocheuse que vous souhaitez soulever Laissez-le tremper pendant environ 30 secondes, puis vous pouvez utiliser votre mouchoir pour tamponner doucement la peinture Ensuite, je charge mon pinceau taille 00m et je peins l' autre côté de la mer Encore une fois, en utilisant la technique humide sur sec, parce que je veux avoir des traits contrôlés ici, je vais laisser des espaces blancs sous les boucles ondulées que je suis en train de faire. Pour adoucir les bords des vagues, j'utiliserai un pinceau aqueux humide pour les lisser doucement Ensuite, je vais préparer un mélange de ma teinte ultramarine et neutre pour notre ciel Vous pouvez également utiliser directement de l'indigo si vous préférez, mais j'ai choisi une teinte ultramarine et neutre pour deux raisons Premièrement, ils sont tous les deux granuleux, ce qui donne une belle texture à mon ciel sombre Et deuxièmement, les deux couleurs sont transparentes, sorte que le ciel paraîtra maussade et sombre sans devenir trop sombre, laissant le contraste perdurer Vous remarquez, j' utilise votre technique humide sur sec pour le ciel avec un mélange de peinture aqueux J'ai d'abord commencé par les valeurs tonales moyennes et progressivement introduites jusqu'aux valeurs les plus claires La raison pour laquelle j'ai choisi le mouillé sur le sec ici, c'est parce qu'un rocher se dresse haut au centre. Si j'avais été mouillé sur mouillé, les bords des rochers seraient flous et leur forme aurait perdu toute définition Deuxièmement, vous pouvez également peindre le ciel d'abord, puis le rocher, et cela fonctionnera parfaitement. Mais dans ce cas, vous ne pourriez pas créer la texture des embruns marins éclaboussant la base de la roche aussi efficacement que nous l' avons créée ici Maintenant, à l'aide d'une pointe évasée d'un pinceau humide légèrement aqueux, je vais créer un bord lisse pour mélanger le ciel et l'océan En utilisant un mélange de tons très légers entre teinte neutre et outremer, je le pose au bas du ciel, juste au-dessus de la ligne je le pose au bas du ciel, juste au-dessus de la Cela donne un aspect volumineux et suggère la montée des embruns marins Ensuite, je vais compléter le ciel sur le côté droit en utilisant le même mélange aqueux que nous avons préparé plus tôt Il est important de préparer suffisamment de ce mélange au début pour pouvoir commencer à peindre le ciel entier en une seule couche lisse, en maintenant la cohérence des tons et en les mélangeant Pour ajouter de la profondeur aux vagues et à la mousse de la mer, je mouille ces zones blanches et j'y ajoute de très légères valeurs aqueuses très légères valeurs aqueuses, soit une teinte neutre et un mélange ultramarin Cela permet de créer une sensation de profondeur dans les vagues déferlantes Je trouve cet effet uniquement dans la moitié inférieure des vagues , puis je le diffuse vers le haut à l'aide de la pointe humide de mon pinceau, en gardant la transition douce et naturelle. 27. Jour 4 : Mousse de côte et derniers détails: Bien, passons donc aux derniers détails de la peinture, le spectacle parsemé de points forts. Je commence par superposer les tons plus foncés de ma teinte neutre et un mélange de bleu outremer en traits inclinés en utilisant la technique humide sur sec juste en dessous de la couche d'écume de mer, la zone que j'ai Ensuite, je passe à mon petit pinceau Mob rempli d'un mélange aqueux de bleu outremer et j'y retourne pour créer des traits plus inclinés, en recoupant pour créer des traits plus inclinés, en rempli d'un mélange aqueux de bleu outremer et j'y retourne pour créer des traits plus inclinés, en recoupant les précédents. Je superpose des couches de bas en haut avec des traits obliques de teinte neutre, et nous avons maintenant ce contraste entre le clair et le foncé Ensuite, avec la pointe humide de mon pinceau à balai, je soulève la peinture dans le même mouvement incliné, observe mes coups de pinceau ici et Et n'oubliez pas qu'à chaque fois que je soulève, je nettoie mon pinceau sur du mouchoir avant de rentrer. Vous commencez rapidement à voir l'effet prendre forme. Je construis la zone où les vagues de la mer viennent de se retirer. Vous pouvez ajouter des tons beaucoup plus foncés ici sous l'écume de mer pour renforcer leur effet tridimensionnel. À l'aide d'une brosse de la taille de la langue de mon chat, je mouille la zone située près du bord de la mousse. Ensuite, avec le bout de mon pinceau, j'ajoute de petites formes et des poches qui ressemblent des bulles qui moussent lorsque la mousse s'accumule sur le rivage Enfin, je retouche les bords avec les tons les plus foncés à l'aide du bout de mon pinceau pour obtenir beaucoup plus de reflets et de définition Maintenant, je couvre mon ciel et mes rochers, ne laissant apparaître que la vague du premier plan avec une feuille de papier supplémentaire Vous vous souvenez de celui où nous avons créé le spray marin ? Ici, nous allons ajouter quelques éclaboussures blanches en utilisant une fine consistance de peinture à la gouache Ensuite, avec mon vieux pinceau rond moelleux bout sec et effiloché, je charge un peu de whiteqh et je commence à le tamponner sur cette je charge un peu de whiteqh et je zone. J'utilise du whiteqh ici parce que thalo est un vert marin très colorant soulever aurait laissé des résidus sur le papier, comme vous pouvez le constater. L'ajout de quelques textures de pinceau sec en blanc donne aux embruns un aspect plus réaliste. Vous pouvez également ajouter des textures sèches sur les bords des plus grosses vagues de premier plan Je pense que je suis plutôt contente du résultat de toute cette peinture Je vais donc ajouter quelques mouettes se dirigeant vers le rocher, une petite histoire aux abeilles comme si elles rentraient chez elles après leur journée À l'aide d'une teinte neutre et d'un pinceau, je peins les oiseaux en m' assurant que la peinture soit beurrée, lisse et pas trop sèche J'ajouterai également quelques boucles blanches pour varier la scène. En ajoutant ces mouettes blanches qui rentrent chez elles. Et c'est tout pour ce tableau. Je laisse l'ensemble sécher complètement avant de décoller les rubans. OK, donc notre papier est complètement sec. Enlevons les cassettes. J'adore vraiment la façon dont cela s'est passé et je suis nostalgique temps que j' ai passé sur la plage de sable noir en Islande C'est un endroit si spécial. J'espère que vous avez apprécié le processus d' aujourd'hui, et j'ai hâte de voir le vôtre. Je vous reverrai donc dans le prochain, d'ici là, bonne peinture. 28. Jour 5 : composition et analyse de la valeur: Commençons le cinquième jour en analysant d'abord notre composition, puis en examinant les valeurs tonales Je vais commencer par convertir notre image de référence en noir et blanc. Cela m'aide à évaluer clairement les règles de composition et à décider si je souhaite apporter des ajustements avant de commencer à dessiner Selon la règle des deux tiers, notre sujet principal se situe entre les quadrants central et supérieur de la grille le sujet étant placé juste au centre Les vagues déferlantes sont également positionnées au centre, formant fortes lignes directrices directionnelles qui guident naturellement l' œil du spectateur vers le point focal principal Vous observez la direction de la houle des vagues, elles convergent toutes vers zone centrale, ce qui en fait une composition équilibrée Évaluons maintenant les valeurs tonales. J'observe d'abord l'ensemble des zones claires et sombres, puis je réexamine chaque section pour comprendre les nuances tonales subtiles À l'écran, vous pouvez voir la répartition de ces valeurs. ce qui concerne le phare, le centre de la vitre de la lanterne est la zone la plus claire, et le côté gauche de la coupole apparaît légèrement plus foncé car la lumière est obstruée et projette des ombres Le côté droit, cependant, capte le plus de lumière et reste le plus lumineux Avec cette analyse en place, nous avons maintenant un plan clair sur la manière d'aborder notre référence et de passer en toute confiance au processus de peinture 29. Jour 5 : Palette de couleurs: Bien, passons au cinquième jour et examinons la palette de couleurs dont nous aurons besoin pour créer le projet. Tout d'abord, je commence par le bleu halo avec mon pigment PB 29. Maintenant, c'est un bleu très chaud et brillant. Vérifiez donc vos couleurs et choisissez n'importe quel pigment PB 29. Ensuite, suivi de l'indigo. Maintenant, si vous n'avez pas d'indigo, vous pouvez simplement mélanger votre teinte neutre votre bleu halo pour obtenir un ton profond similaire. Ensuite, nous avons brûlé de la Sienne avec notre pigment PR 101. Il peut également contenir du PBR 7 comme pigment, puis de l'ocre jaune, un jaune très terne et atténué Ensuite, je vais faire attention à mon rouge. Le rouge que j'utilise ici est un rouge chaud et non un rouge froid. Un rouge froid est un rouge qui contient des roses Maintenant, pour le vert To, qui contient le pigment PG 7, je vais l'utiliser pour l'eau, mais j' utiliserai également un peu de mon bleu marin, mon bleu thalo, avec le pigment PB 15 ou 1523 avec le pigment PB 15 ou 1523 avec ce vert pour obtenir ce ton d'eau frais et éclatant C'est donc à peu près pour les couleurs dont nous aurons besoin pour ce projet. Passons maintenant au projet. JE 30. Jour 5 : croquis du phare: OK, commençons le processus de dessin pour le cinquième jour. Tout d'abord, je vais commencer par coller le papier avec mon ruban adhésif le papier avec mon ruban Une fois terminé, je regarde le point central d'un document. Maintenant, je vais commencer par placer une maison d'écriture juste au centre de la grille des deux tiers. Maintenant, si vous le souhaitez, vous pouvez créer une grille imaginaire des deux tiers avec un croquis au crayon très léger sur votre papier , puis l'effacer une fois que vous avez terminé de placer le phare. Vous pouvez me suivre pendant que je travaille, et une fois l'esquisse terminée, n'hésitez pas à mettre l'écran en pause et à compléter le vôtre. Notre croquis est maintenant prêt. Passons maintenant à la peinture. Tout d'abord, le ciel en utilisant la technique humide sur mouillé. Je te verrai dans la prochaine leçon. 31. Jour 5 : Ciel et eau - Humide sur humide Partie 1: Bien, commençons par le ciel. Comme toujours, j'utilise la technique mouillé sur mouillé. Je m'assure de bien mouiller le papier, mais pas au point qu'il devienne trop saturé et commence Une chose importante à retenir est que seule la zone du ciel est mouillée. Si vous mouillez les parties esquissées du phare, le bleu du ciel commencera à se répandre dans les zones du phare, ce qui pourrait causer des problèmes plus tard Ici, nous utiliserons la technique de la peinture négative, peignant le ciel tout en préservant le phare. Notez également que je mouille les zones situées près de la base du phare où les vagues s'écrasent et rencontrent la mer Cette étape est importante car nous avons besoin que ces zones restent humides afin que les peintures puissent s'écouler et se fondre parfaitement. Comme vous pouvez le constater, je passe plusieurs fois un pinceau humide sur ces zones afin que le papier absorbe l'eau tout en retenant une légère humidité de surface. Voici le truc. Après votre premier lavage à l'eau, le bout de votre plus gros pinceau doit être légèrement humide et ne pas être trempé Cela vous permet de mieux contrôler la quantité d' eau sur le papier. En passant à ma petite brosse à écureuil de taille 00, remarquez comment je contrôle son humidité Il n'est pas trop liquide après le rinçage, je le tamponne sur un mouchoir pour éliminer l'excès d'eau sur un mouchoir pour éliminer l'excès d' Maintenant, je vais le charger d' un bleu vif et chaud. Ici, dans mon cas, c'est du bleu thalo avec le pigment PB 29. Vous pouvez également utiliser du bleu cobalt ou du bleu céruléen, si vous préférez Pendant que je peins le ciel, observez comment je laisse certains espaces blancs intacts Cela servira de nuages duveteux entre les deux, aidant à créer un contraste en équilibrant tons moyens et clairs plus foncés du ciel Pour les valeurs les plus sombres, j'utiliserai de l'indigo. Je vais devoir travailler rapidement pour que la peinture saigne lorsqu'elle est encore mouillée, donnant au ciel un effet doux mais spectaculaire Maintenant, je commence à charger mon pinceau avec des valeurs moyennes d'indigo. Je commence par superposer des couches sur les bleus plus clairs, en faisant attention de ne pas les recouvrir complètement Ensuite, à l'aide de la pointe de mon pinceau en velours noir argenté taille 6 qui est humide, je soulève et lisse délicatement les bords situés aux coins du ciel et autour du phare dessiné Ici, dans la moitié inférieure du papier, je constate que mon papier sèche très rapidement Je vais donc le vaporiser légèrement en biais pour préserver l'humidité globale du papier intacte. Si vous observez vers le bas du ciel, j'ai appliqué des tons plus foncés d'indigo, et voilà que je laisse tomber de l'eau à l'aide de mon compte-gouttes dans le but d'obtenir un effet que j'avais déjà obtenu sur la collection de papier aquarelle de Honeymole, où la peinture se déposait et voilà que je laisse tomber de l'eau aide de mon compte-gouttes dans le but d' un effet que j'avais déjà naturellement sur le dessus, naturellement sur le dessus, créant ainsi de belles textures et formes imitant les éclaboussures de vagues Malheureusement, je n'ai pas le même effet sur cet article. Je vais donc le recréer manuellement à l'aide de mon pinceau à balai, dispersant la peinture et l'eau tout en rehaussant la couleur en même temps Observez attentivement la direction et le mouvement de mes coups de pinceau, car ils jouent un rôle clé dans la création de cet effet de spray ondulé texturé Maintenant, avant de commencer à peindre l'eau, il me manque légèrement la moitié inférieure du papier. Ensuite, à l'aide de la pointe de ma brosse taille 80, je répartirai l'eau uniformément pour que la surface reste humide, qui me permettra de travailler plus longtemps avec l'eau. Maintenant, j'utilise mon balai à écureuil Atelier taille 00 balai à écureuil Atelier et je commence à appliquer du vert émeraude ou du vert halo mélangé à un peu de bleu halo ou de bleu moraine en utilisant des traits de mer inversés Notez que le papier est très humide ici, il est donc important de contrôler le rapport eau/peinture sur votre pinceau. Utilisez une valeur tonale moyenne à foncée pour que vos couleurs conservent leur éclat même lorsque le papier commence à sécher vos couleurs conservent leur éclat N'oubliez pas qu'à l'aquarelle, la peinture sèche généralement d'une teinte plus claire qu'elle n'apparaît lorsqu'elle est mouillée Observez mes coups de pinceau ici et la façon dont je crée du volume et de la profondeur dans les vagues lorsqu' elles s'écrasent et interagissent les unes avec les autres. Tout dépend de la superposition, des valeurs tonales claires, moyennes et foncées pour obtenir cette sensation de profondeur et de mouvement Pour que la moitié inférieure du papier reste humide, je vais utiliser à nouveau la technique de brumisation. Ensuite, à l'aide de mon plus grand balai, je vais étaler l'eau doucement sur cette zone, préparant pour l'étape suivante qui consiste superposer les tons vert de mer de l' Pour accentuer les formes des vagues déferlantes, je vais soulever certaines zones avec du papier de soie en biais et en tamponnant pour créer de l' écume ou des embruns marins et pour rendre les vagues beaucoup plus prononcées 32. Jour 5 : la maison d'eau et de lumière - Humide sur sec: Bien, mélangeons rapidement nos tons d'eau. Je vais combiner mon vert halo avec bleu marine pour créer un mélange de peinture crémeux et lisse. Je vais commencer par superposer ces tons en utilisant des traits inversés, laissant quelques espaces blancs entre les L'essentiel ici est de conserver une consistance optimale de votre peinture, sans trop couler, afin que les traits tiennent bien sur le fond mouillé Ce sont ces coups qui donnent à votre eau son sens du mouvement. D'une certaine manière, vous peignez pratiquement le vent qui fait bouger l'eau. Si vous pensez que votre papier sèche trop tôt, vous risquez de le rater légèrement. C'est un excellent moyen de garder l'ensemble de la peinture souple et fluide, mais aussi de vous assurer qu' une fois que vous l'avez oubliée, vous devez passer par-dessus ces zones et appliquer une nouvelle couche de peinture. Ici, j'applique des tons de vert jaune vif et les mélange avec du vert marin pour donner de la fraîcheur à l'eau Maintenant, je vais ajouter quelques valeurs moyennes du mélange de vert marin au centre de la mousse blanche que vous voyez sur la droite, dans centre de la mousse blanche que vous voyez sur la droite, but de reproduire le mouvement des éclaboussures d'eau, en gardant le dessus Je vais également mélanger doucement les bords supérieurs avec un pinceau humide ou les soulever doucement. Vous pouvez également tamponner légèrement avec un mouchoir pour adoucir ces zones Après avoir bien estompé les bords des éclaboussures d'eau, l'étape suivante consiste à éclabousser gouttelettes d'eau pour créer des Pour obtenir de belles textures florales, votre arrière-plan doit être encore humide. S'il a commencé à sécher, oubliez légèrement la zone à distance et attendez quelques secondes avant de commencer à projeter les gouttelettes d'eau Ici, soyez attentifs. Si vous avez oublié vos couches trop souvent au cours des étapes, assurez-vous de les réutiliser avec votre mélange de peinture. Dans le cas contraire, les couleurs risquent de s'estomper une fois séchées. Travaillez donc rapidement ici et terminez l'étape avant que votre papier ne sèche complètement. Je suis en train d'éclabousser de la gouache blanche car la consistance de votre mélange de gouache ne doit pas être trop liquide, sinon elle se décolorera à nouveau lorsque Il doit avoir une consistance crémeuse mais pas trop aqueuse pour que les éclaboussures puissent apparaître sur le papier Ensuite, je vais passer à mon vieux pinceau rond à pointe libre humide, mais suffisamment sec pour conserver sa forme et rempli de peinture fraîchement pressée. Je vais commencer par tamponner le pinceau très légèrement le long des bords blancs des éclaboussures pour créer un effet spray texturé sec. Utilisez des touches douces et variées, en appliquant différentes pressions pour créer une gamme de formes et de tailles pour un look plus naturel Maintenant, pour donner plus de volume aux éclaboussures blanches des vagues, je vais déposer un mélange aqueux d'indigo avec une touche de vert marin au centre et sur le bord Ensuite, à l'aide du bout de ma brosse à tondre propre et humide, je vais l'estomper doucement. Cela crée de la profondeur et donne à la vague une apparence plus volumineuse. Avec cela, nous avons terminé à la fois l'arrière-plan et le premier plan. Passons maintenant à la peinture du phare, dernier et dernier élément de ce tableau. Pour cela, nous utiliserons à la fois les techniques mouillé sur sec et sec sur sec. Commençons par peindre le corps du phare. Pour cela, je vais créer un mélange d' ocre jaune visant à obtenir des valeurs tonales moyennes Comme l'ocre jaune est un pigment semi-optique, dans mon cas, je vais opter pour des valeurs moyennes à plus claires pour le garder doux Je suis ici en train d'utiliser mon pinceau en velours noir argenté taille 6 pour créer des traits doux et contrôlés. Cependant, vous pouvez utiliser n'importe quelle autre brosse souple synthétique à bout pointu qui peut vous donner des résultats similaires. À la base, là où elle rencontre l'eau, je vais estomper la couleur à l'aide de la pointe humide de mon pinceau. Je vais suivre le même processus pour terminer le reste du corps du phare que nous avons esquissé plus tôt Je vais maintenant commencer lentement à peindre la partie supérieure du phare. Je vais commencer par les valeurs tonales moyennes , puis les atténuer progressivement pour obtenir des tons plus clairs Maintenant, je prépare une ombre très claire pour le phare en diluant mon mélange de teintes neutres Le mélange sera un peu aqueux, alors assurez-vous que le corps du phare est complètement sec avant d'appliquer l'ombre Nous allons continuer sur cette question dans la prochaine leçon. 33. Jour 5 : brossage mouillé sur sec et sec - Détails finaux Details: OK, commençons. Mais avant cela, j'ai posé du papier de soie sur les zones aquatiques parce que je ne veux pas soulever les légumes lorsque le côté de ma paume frotte la zone pendant que je peins le phare. Je travaille actuellement sur l'ombre du corps du phare. Je vais appliquer une teinte neutre légèrement aqueuse sur le bout de mon pinceau et estomper doucement dans les zones ombragées. L'ombre doit rester claire, pas trop foncée, commencer par une valeur tonale très claire et, si nécessaire, ajouter une autre couche de lumière pour augmenter progressivement la profondeur de l'ombre Je suis ici pour ajouter une autre couche de valeur tonale pour augmenter la profondeur de l'ombre Une fois l'ombre terminée, nous passerons à la peinture de coupole et de la base du mât de la lanterne Je commence par la couche de base en orange cadmium, puis je vais appliquer du rouge sur le dessus Ainsi, lorsque je soulèverai la couche supérieure plus tard pour créer une lueur de lumière, elle dégagera une très belle chaleur. Pour créer des ombres sur le côté gauche, je mélange un peu de teinte neutre au rouge et je l'intègre doucement à la couche de base. Je vais maintenant commencer à peindre la coupole. J'utiliserai la même technique que celle que nous avons utilisée pour la base du mât de la lanterne Tout d'abord, je vais commencer par une couche de base en orange cadmium, puis je vais déposer du rouge sur le dessus. Ainsi, lorsque je soulève la couche supérieure pour créer une lueur de lumière, elle dégage une chaleur agréable. Vous êtes-vous déjà demandé pourquoi la plupart des phares ont leurs coupoles et pourquoi la base du mât de la lanterne Eh bien, je me suis aussi posé la question, et cela s'explique par le fait que rouge se détache des décors naturels tels que la mer, ciel et les falaises Cela rend le phare facilement visible de loin pendant la journée. Les marins peuvent également identifier rapidement les phares et les différencier autres structures situées le long du littoral, en particulier lorsque plusieurs phares sont présents dans la Cela crée donc un contraste. Maintenant, je vais peindre la valve solaire du phare, que je peins encore une fois avec le même rouge. Je vais maintenant passer à mon pinceau ultra rond taille 2 de la série Silver Silk et commencer à peindre la base de la coupole Je vais d'abord créer un contour dans des tons rouges plus foncés, puis utiliser le bout légèrement aqueux du pinceau pour le décolorer, créant ainsi des reflets sur la face supérieure Il est important de garder le contrôle de l'eau sur le bout de votre brosse. Une trop grande quantité d'eau peut provoquer des écoulements indésirables vers la coupole ou d'autres zones Maintenant, je suis passée à ma taille pour le liner ou pinceau et je vais commencer à peindre cette peinture pour lanterne Maintenant, vous pouvez également utiliser votre pinceau rond pointu numéro un ou deux et faire la même étape, mais assurez-vous que les lignes que vous peignez sont presque droites à la verticale. revenir au corps du phare, je vais rapidement utiliser ces coups de pinceau secs pour créer des textures sur le phare, ce qui lui donnera également un aspect très rustique et vintage. Avant d'appliquer ces coups de pinceau secs sur le corps du phare, testez vos coups de pinceau secs sur une feuille de papier pourri avant de commencer à peindre Maintenant, si vous le remarquez, toute la partie de la peinture des phares repose sur des techniques humides et sèches et sèches, créer les textures et les détails une étape à la fois. Pendant que vous y êtes, n' oubliez pas de compléter les poteaux de la galerie. J'avais en fait oublié de les ajouter jusqu' au tout dernier moment. Après avoir retiré le ruban adhésif, je me suis souvenu que je ne les avais pas peintes, puis je suis retournée les Pour créer une lumière chaude et rougeoyante au centre des peintures de la galerie, j'aurais d' abord dû peindre la lueur jaune , puis ajouter les peintures J'ai fait l'inverse cette fois, alors voyons comment cela va se passer. Je vais maintenant commencer à peindre la fenêtre du phare. Je vais commencer par le remplir de jaune, puis le superposer d'une teinte neutre pour créer cette couleur grise. Maintenant, j'ajoute des tons bruns plus foncés pour encadrer la fenêtre. L'ensemble du phare s' assemble progressivement de manière si belle avec les bonnes textures et techniques. Parce que nous avons utilisé des méthodes humides sur sèches, il est dynamique, précis et plein de vie. Maintenant que j'ai créé cette lumière jaune chaud au centre du volet de la galerie, je vais ajouter son reflet lumineux juste en dessous du volet situé à la base J'utiliserai la technique de levage. Je vais laisser tomber un peu d'eau, attendre quelques secondes et commencer à la soulever doucement pour créer une douce lueur. Nous sommes presque à la fin d'un tableau. Je vais ajouter quelques textures de pinceau sec finales aux éclaboussures de vagues en utilisant le bout effiloché et moelleux de mon vieux pinceau rempli J'applique ces textures le long des bords extérieurs des éclaboussures blanches pour rendre les embruns plus réalistes Il a maintenant terminé la peinture principale et nous sommes terminé la peinture principale et prêts à décoller les rubans de masquage Quand j'ai épluché le mien, je me suis rendu compte que j'avais oublié d'ajouter la clôture de la galerie. Je vais donc ajouter les bâtons à l'aide du bout pointu de mon pinceau synthétique ultra rond taille 2, en mélangeant un peu de teinte neutre avec du rouge foncé. En ce qui concerne les poteaux de galerie, il faut un peu de perspective. Les poteaux situés à l'avant devraient paraître plus grands tandis que ceux situés à l'arrière seront légèrement plus petits. Lorsque vous peignez les poteaux, utilisez des traits droits et réguliers. Évitez les lignes ondulées pour qu' elles restent nettes et réalistes. Je dessine le bout de mon pinceau pour créer des textures sèches sur le corps du phare. Une fois que je serai satisfait de ces textures, nous en aurons fini avec la peinture d' aujourd'hui. J'espère que vous avez apprécié le processus et j'ai hâte de voir vos créations. N'oubliez pas de les télécharger dans la section Soumettre le projet, et je vous reverrai dans Project 6. 34. Jour 6 : composition et analyse de la valeur: Analysez notre composition pour le sixième jour. Nous allons d'abord convertir notre référence en noir et blanc pour étudier plus clairement les valeurs tonales Mais d'abord, examinons la grille de la règle des deux tiers, et vous remarquerez que la ligne d'horizon s'aligne sur la première ligne horizontale des deux tiers Le sujet principal, le bateau est placé en diagonale depuis le quadrant gauche du centre jusqu'aux derniers quadrants de la Ce placement en diagonale, ainsi que le reflet et les ondulations de l'eau, aident à guider le regard du spectateur à travers le tableau Il suggère non seulement le mouvement, mais crée également un intérêt visuel tout en attirant l' attention sur le point focal. Maintenant, si vous observez la référence de près, vous remarquerez qu'elle suit clairement la règle de la perspective atmosphérique selon laquelle les valeurs de couleur s'estompent fur et à mesure que l'on s' éloigne , l'horizon et le ciel affichant les valeurs les plus claires. Pendant ce temps, les reflets du bateau présentent une gamme complète de tons allant des ombres sombres profondes situées juste en dessous du bateau aux valeurs moyennes et claires. Ce contraste fait ressortir encore plus clairement un point focal . Maintenant que nous avons fini d'analyser la composition, passons à la leçon suivante savoir notre palette de couleurs. 35. Jour 6 : Palette de couleurs: OK, commençons par le sixième jour. Pour la couleur de l'eau, j'utiliserai le bleu turquoise. Mais ne vous inquiétez pas si vous n'avez pas cette teinte exacte. Ici, je vais facilement vous montrer comment vous pouvez mixer le vôtre. Combinez simplement votre pigment bleu avec le PB 15 ou 15 E trois, qui est un bleu froid, avec le PG sept, qui est, encore une fois, un vert froid tendant vers bleu et ajoutez une touche de blanc pour créer ce ton turquoise frais. Maintenant, la prochaine couleur dont nous aurons besoin est celle des reflets. Maintenant, je vais regarder un vert jaune clair et transparent Pour cela, j'utilise mon numéro un vert permanent de la gamme PWC, qui est, encore une fois, fabriqué à partir de PG 7 C'est une très belle couleur transparente. Si vous n'avez pas cette teinte exacte, vous pouvez facilement la créer en mélangeant un jaune transparent avec votre To green. Ensuite, j'ai également extrait mon To green, puis j'ai brûlé du bois, puis je vais essayer ma Sienne brute Ainsi, les couleurs comme le jaune-vert, le vert halo et le bois brûlé travailleront parfaitement ensemble pour créer nos reflets. C'est donc tout pour l'étude des couleurs d' aujourd'hui. Je vous reverrai lors de la prochaine leçon. 36. Jour 6 : croquis du bateau: Bienvenue au sixième jour. Aujourd'hui, nous allons commencer à dessiner, mais avant cela, permettez-moi vous informer rapidement sur les fournitures Pour ce projet, nous utiliserons notre liquide de masquage, alors assurez-vous de le garder à portée Nous allons également appliquer du ruban adhésif sur notre papier pour que tout reste propre et sécurisé Passons maintenant à l'esquisse. Pour notre composition, j'ai décidé de déplacer légèrement le bateau vers le haut afin qu'il s'aligne sur la deuxième ligne horizontale de la grille des deux tiers au lieu de placer dans les quadrants inférieurs Ce n'est là que le changement majeur. La plupart des autres éléments restent les mêmes, et nous simplifierons ceux qui se profilent à l'horizon. Pour commencer à dessiner le bateau, j'ai commencé par une boucle infinie pour établir la direction puis j'ai relié les lignes pour former le plat-bord sur les flancs du À partir de là, je vais continuer à construire la structure étape par étape. Je vous recommande de regarder l'ensemble de ce processus une fois , puis de suspendre l'écran pour esquisser votre propre plan Je l'ai décomposé le plus simplement possible pour faciliter vos croquis Maintenant, je travaille sur le tableau arrière du bateau Cette étape implique souvent un peu de va-et-vient pour effacer et affiner les lignes Ne vous inquiétez donc pas si cela prend quelques essais. Je recommande de regarder d' abord le processus complet pour comprendre comment j'ai décomposé la structure , puis d'essayer de l'esquisser vous-même Maintenant que les grandes lignes du bateau sont en place, affinons un peu plus l' esquisse. À ce stade, concentrez-vous sur l' affûtage des arêtes, correction des proportions et le réglage des courbes du bateau pour qu' il soit plus équilibré Vous pouvez également ajouter des détails subtils, tout en restant simple. Nous voulons simplement un contour clair et net qui nous guidera une fois que nous aurons commencé à peindre. Je vais maintenant créer le contour de la réflexion. Pour ce faire, j'utilise des lignes droites en pointillés pour marquer la limite située sous le bateau Cela m'aide à vérifier les proportions et à m' assurer que le reflet correspond correctement à la structure du bateau Je vais maintenant peaufiner l'intérieur du bateau. passant un peu plus de temps sur votre esquisse initiale ici , vous gagnerez du temps plus tard lorsque vous commencerez à peindre, car toutes les pièces sont déjà clairement définies. Pour les débutants, cette étape est indispensable. Au fur et à mesure que vous vous entraînez à dessiner, vous commencez à développer une mémoire musculaire qui vous permet finalement de peindre directement sans avoir besoin de croquis détaillés C'est le niveau de compétence que vous atteignez avec une pratique constante. Voici les grandes lignes de notre port. Vous pouvez mettre un écran en pause ici et commencer votre processus d' esquisse J'inclurai également le plan esquissé dans la section des projets et des ressources afin que vous puissiez l' utiliser comme référence Ensuite, j' utiliserai rapidement une règle pour marquer l'horizon au tiers du papier. Et avec cela, notre croquis est maintenant terminé. Passons à la peinture de l'eau. Mmm, hum. 37. Jour 6 : Peindre l'eau - Partie 1: Avant de commencer à peindre l'eau, j'utiliserai mon pinceau synthétique rond taille 2 à bout pointu pour appliquer liquide de masquage le long du contour supérieur du bateau Vous pouvez également masquer les flancs du bateau si vous préférez, mais je vais m'en tenir au sommet pour cette démonstration. Une fois l'étape terminée, nous attendrons que le liquide de masquage soit complètement sec, puis nous commencerons à peindre l'eau en utilisant la technique humide sur humide Comme toujours, la première étape consiste à mouiller votre pinceau et le papier. Je suis ici en train d'utiliser un grand balai rond en poil de chèvre, série Argentée Atelia taille 80 Vous pouvez également utiliser un gros pinceau rond, une sorcière ou même un pinceau plat pour cette étape Je préfère le balai rond car son bout pointu permet d'atteindre plus facilement les zones sinueuses du bateau et l'eau Je mouillerai soigneusement le papier jusqu'à la ligne d'horizon en contournant le tableau afin que le contour esquissé reste sec. Assurez-vous de répéter ce lavage à plat plusieurs fois. Cela aidera à garder le papier humide un peu plus longtemps. Ensuite, je passe à mon pinceau Atelier Mob Squirrel Blend taille 00, et maintenant je vais légèrement vaporiser mes peintures avec un vaporisateur, puis préparer une consistance beurrée de bleu turquoise pour une première couche d' Pour préparer mon mélange de bleu turquoise, je combinerai le bleu marine avec mon vert halo ou mon vert viridien et j'ajouterai juste une touche de bleu horizon pour juste une touche de bleu horizon pour obtenir le bon ton de bleu turquoise Lorsque vous mélangez, veillez à contrôler l'eau, fois dans la peinture et sur votre pinceau. Maintenant, commençons à peindre l'eau. J'utilise à la fois le bout et le bout de mon pinceau pour créer les ondulations Au premier plan, nous pouvons utiliser traits légèrement plus épais, en laissant quelques blancs entre les deux pour les reflets Je commence par les valeurs tonales moyennes, mais n'oubliez pas que nous pouvons toujours ajouter des tons plus foncés plus tard alors que l' arrière-plan est encore humide Ensuite, à l'aide d'un petit pinceau brillant de taille 6, je retirerai doucement toutes les zones où les couleurs se sont fondues dans le blanc. Je suis ici avec mon Silver Belle Aqua Bright Side Six Je vais continuer à peindre l'eau en utilisant le même réseau de traits entrecroisés Pour adoucir et décolorer, en particulier près des reflets, je passe à mon pinceau rond en velours noir argenté taille 6 rond en velours noir argenté Puisque le bateau et le reflet sont au centre de cette composition, elle minimisera l'eau. Avant que notre premier plan ne sèche, je vais utiliser une valeur légèrement plus foncée pour peindre les ondulations en utilisant des traits très légers et doux Remarquez les valeurs au premier plan. Ils restent un peu plus foncés et, au fur et à mesure que nous nous déplaçons vers le haut, ils s'éclaircissent progressivement. C'est la règle de la perspective atmosphérique. Avant d'ajouter cette couche, je vais passer une fois de plus un pinceau humide sur les zones vides, juste pour garder la surface humide. Cela garantit un écoulement fluide de la peinture et nous aide à obtenir cet effet doux et naturel dans l'eau. Maintenant, je vais passer à un autre pinceau de taille 20 et le charger avec un mélange aqueux de bleu turquoise À l'aide de ce produit, je vais appliquer un lavage à plat tout en laissant quelques espaces blancs entre les deux pour les reflets. Ensuite, je vais rapidement enlever les taches bleues du bateau avec le bout humide de ma brosse à balai Ensuite, je passerai rapidement à mon pinceau rond cisic en velours noir argenté pour peindre de petites ondulations et vagues avec une valeur plus claire de Remarquez qu'à mesure que nous nous rapprochons de l'horizon, les ondulations deviennent plus petites, plus fines et plus délicates À ce stade, je vais travailler assez rapidement pour que le fond reste humide et permette un mélange fluide Ici, je vais travailler rapidement en utilisant à la fois le bout et le ventre de mon pinceau pour créer des ondulations naturelles Appliquez une très légère pression lorsque vous n'utilisez que le bout pour les ridules et délicates, puis exercez une légère pression sur le ventre pour obtenir des traits plus larges. Cette variation donne à votre eau un mouvement plus réaliste. Je vais continuer à faire le même pas répétitif jusqu'à ce que l'eau soit complète, en utilisant les tons nécessaires pour créer de la profondeur. Une fois que l'eau sera prête, nous passerons à la peinture du bateau. 38. Jour 6 : peindre le bateau sec sur mouillé: OK, alors commençons à peindre notre bateau. Pour la face avant, je vais commencer par une très légère valeur tonale de ma Sienne brute, et à l'aide d'un pinceau humide, je vais simplement commencer à appliquer la couleur sur le côté du bateau Observez à quel point ma valeur de Sienne brute est faible ici. Maintenant, à l'aide d'un pinceau humide, je vais soulever doucement une partie de cette couleur pour éclaircir le devant Il s'agit d'une technique de levage, et je vais également répéter le même lavage léger à l'arrière du bateau. Ici, le contrôle de l'eau est crucial. Si votre mélange de peinture est trop liquide, il peut s'infiltrer dans la zone d'eau et créer des taches indésirables dans les Cela peut perturber l' équilibre des tons de la peinture Vérifiez donc toujours la consistance de votre peinture avant de l'appliquer Ensuite, alertez les valeurs situées aux coins du bateau à l'aide d'un pinceau humide presque sec pour créer des textures subtiles. Observez attentivement les mouvements de mon pinceau ici. Maintenant, je vais sécher complètement le pinceau et le charger avec du bois brûlé. Plus vos tons sont foncés, mieux c'est et créez des pinceau secs le long de la partie inférieure du bateau. Cela donne l'illusion d' une surface du bateau plus ancienne et altérée Je vais maintenant ajouter même quelques traits secs avec une touche de bleu pour plus de caractère. Une fois cela fait, je passerai à un pinceau pour appliquer des valeurs plus sombres et des contours nets. À l'aide de mon pinceau à doublure, j'essaie ici de créer l'arrière du bateau. Je vais d'abord utiliser des tons plus foncés, puis éclaircir avec le petit bout aqueux de mon pinceau Petit à petit, je vais continuer à superposer mes bruns et mes bleus étape par étape jusqu'à ce que nous obtenions un bateau à l'apparence réaliste Continuez donc à observer de près au fur et à mesure que les détails s'accumulent. Je vais maintenant commencer à construire des couches pour la face intérieure du bateau. J'ai préparé un mélange de bleu foncé atténué en combinant mon bleu turquoise avec un peu de brun, mais vous pouvez également ajouter un peu de teinte neutre à votre bleu turquoise pour obtenir cette couleur À l'aide de mon pinceau humide rond taille 6, je vais commencer à peindre les parois intérieures du bateau. Cette étape nécessite des coups de précision et de contrôle pour maintenir les proportions et l'uniformité appropriées Tout au long du processus, je travaillerai avec des techniques de brosse humide , sèche et sèche pour créer à la fois la structure et les textures du bateau. Il n'y a pas grand-chose que j'ai besoin de décrire en détail ici. Vous pouvez simplement observer comment je construis progressivement le formulaire, passant des valeurs tonales aux couleurs pour créer de la profondeur et des ombres Je vais maintenant utiliser des tons clairs de Sienne brute pour peindre le pont avant du bateau Je vais laisser le coin droit légèrement plus foncé et suivre la courbe du deck avec mes traits pour lui donner forme et profondeur. Maintenant, à l'aide de mon pinceau brillant chargé de tons bleus plus foncés, je vais à nouveau les superposer sur les murs intérieurs pour créer plus de profondeur et de dimension. Ensuite, je vais peindre les murs intérieurs du pont avant en utilisant le même mélange de bleu neutre et d'une touche d'ombre. Pour cela, je passe à nouveau à mon pinceau brillant taille 8, et je limiterai toujours tons les plus foncés vers ma droite À l'aide de la pointe humide d'un pinceau propre, nous allons ensuite lisser doucement les tons foncés pour adoucir la transition entre la lumière et l'ombre. Avec le même pinceau maintenant chargé avec les valeurs moyennes à foncées du bois brûlé, je vais commencer à peindre la banquette arrière ou la traverse du bateau Remarquez comment je crée le formulaire holographique ici. Au lieu d'utiliser des traits horizontaux plats, je travaille avec des traits de mer incurvés. La tête plate du pinceau aide vraiment à obtenir cette forme. Sur la paroi intérieure droite de l'écran, je vais utiliser des tons légèrement plus foncés pour créer de l'ombre, comme nous l'avons fait plus tôt pour le recto aujourd'hui J'ai également superposé certaines valeurs tonales moyennes du bois brûlé à l'ouverture du du bois brûlé à l'ouverture du pont avant afin de maintenir cette uniformité avec les couches intérieures inférieures du bateau Je passe maintenant à un pinceau de rigueur synthétique de taille 2 pour ajouter quelques lignes semi-sèches le long de la partie arrière du bateau et quelques traits texturés sur le Ces détails subtils peuvent aider à créer une texture beaucoup plus réaliste pour le bateau. Nous avons ainsi complété la forme de base du bateau. Nous allons maintenant passer à la peinture des reflets dans la prochaine leçon. 39. Jour 6 Peindre les reflets et les détails finaux: Bien, commençons par les réflexions. Je passe à un pinceau ultra rond synthétique souple de taille 6 de série Silver Silt et je l'ai chargé d'un mélange transparent de couleur moyenne jaune-vert Ajoutez un peu d'eau supplémentaire à votre mélange pour que la couche réfléchissante soit lisse sur cette surface sèche. Pendant que cette couche est encore humide, nous allons rapidement charger mon pinceau d' un vert légèrement plus foncé créé en mélangeant du bleu et du brun et peindre l'ombre juste en dessous du tableau. Travailler mouillé sur mouillé permet à la transition de rester douce et naturelle. Observez comment je continue de mélanger l'obscurité et lumière pour que le reflet soit fluide et homogène À l'aide de la pointe pointue de mon pinceau, je dessine les courbes des reflets et je les mélange dans les couches transparentes Nous travaillons ici avec la technique de contrôle humide sur humide, puis nous allons appliquer des valeurs plus sombres sur les bords des reflets pour leur donner vie Je vais maintenant commencer à superposer des valeurs de vert plus sombres en mélangeant les bruns, bleus et les verts Je vais commencer à appliquer les pierres le long des coins des reflets, puis je les mélangerai doucement aux verts plus clairs, travaillant alors que le fond est encore humide. C'est très important. Observez attentivement mes coups de pinceau et mes mouvements pendant que je forme les couches pour donner vie à ce reflet. À ce stade, si votre arrière-plan est sec, ne vous inquiétez pas, utilisez un pinceau humide pour mouiller à nouveau la zone avant mélanger afin que la transition reste douce et fluide Maintenant, je vais commencer à ajouter des tons plus foncés à nos reflets, créer des bords plus nets et plus de contraste Dans le même temps, je veillerai à ne pas couvrir complètement les zones claires. Le fait de laisser certains tons clairs visibles permet capter la lumière réfléchie par le bateau dans l'eau. Maintenant, je vais ajouter quelques reflets supplémentaires sur l'eau, qui sera dispersée et brisée. Pour cela, vous aurez besoin d'un mélange de peinture légèrement crémeux, ni trop aqueux ni trop épais. Les deux extrêmes peuvent provoquer des taches indésirables, alors assurez-vous que la consistance de votre peinture est parfaite Votre pinceau doit pouvoir glisser doucement sur le papier avec un minimum de friction pour créer des reflets doux et naturels Je suis plutôt content de l'évolution des reflets. J'ajouterai quelques petits reflets supplémentaires sur les vagues, puis nous en aurons fini avec les reflets de l'eau. Ensuite, nous pouvons passer à la peinture du ciel et des éléments d'arrière-plan le long de l'horizon. Pour le ciel, je commence par la technique mouillé sur mouillé. Ici, nous allons procéder à un dégradé pour le ciel en utilisant notre mélange bleu turquoise à coutures Je vais commencer par mélanger une valeur moyenne légèrement aqueuse du même bleu turquoise que celui que nous avons utilisé pour l'eau À l'aide de mouvements rapides de va-et-vient du pinceau, je vais créer un dégradé plus foncé en haut et progressivement plus clair vers l'horizon. C'est ainsi que nous allons peindre notre ciel. Au milieu du plan, le long de la ligne d'horizon, j'ajouterai quelques collines dont les valeurs tonales moyennes sont celles du bois brûlé mélangé à un peu de bleu turquoise Je passe à mon balai à plumes Atelier taille 00 pour dessiner le contour de la colline en arrière-plan Le papier n'est que légèrement humide et pas trempé. Nous obtenons donc un léger effet flou qui suggère Cela nous aide à suivre la règle de la perspective atmosphérique créer de la profondeur dans le tableau. Maintenant, je vais retirer le liquide de masquage qui se trouve sur les bords extérieurs supérieurs du bateau et affiner les bordures à l'aide d'un pinceau à doublure synthétique chargé de bois brûlé Ensuite, j'ajouterai quelques petits poteaux. Ceci est facultatif, vous pouvez donc l'ignorer si vous préférez. Ici, j'utiliserai des tons brulés plus foncés pour peindre les reflets de la corde dans l' eau, en laissant de minuscules blancs sur le dessus pour mettre en valeur les reflets Vous pouvez également utiliser de la gouache blanche pour ajouter les reflets après avoir peint la corde avec votre gobelet brûlé Ces petits détails donnent vie à l' ensemble du tableau. Une fois terminé, vous laissez le papier sécher complètement, puis nous décollerons soigneusement les rubans de masquage en biais Notre papier est complètement sec, alors décollons nos rubans adhésifs. C'est ainsi que nous avons terminé notre projet du sixième jour. J'espère que vous avez apprécié le processus et que vous avez peint avec moi. J'ai vraiment hâte de voir vos versions. 40. Jour 7 : composition et analyse de la valeur: Étudions donc rapidement notre référence et décomposons-la. Au premier coup d'œil, notre attention est immédiatement attirée par le cygne et par un reflet scintillant, faisant du cygne notre principal point focal Convertissons maintenant notre référence en noir et blanc pour faciliter la composition globale. Nous allons maintenant placer la grille de la règle des deux tiers et analyser le positionnement des éléments. Vous remarquerez que le cygne se trouve juste au centre du quadrant quadrillé, et nous utiliserons la deuxième ligne horizontale de la grille comme ligne de référence pour dessiner la base du cygne Et maintenant, si vous souhaitez modifier un peu la composition, vous pouvez essayer changer la direction du cygne, en le plaçant sur une diapositive en diagonale le long des lignes de la grille pour qu'il soit plus dynamique ou simplement en ajustant la direction du cygne. Les possibilités sont infinies selon la manière dont vous choisissez d'interpréter la référence. Un autre détail intéressant à observer dans cette référence est la roche sous-marine visible au premier plan de l'eau, et c'est exactement ce qui distingue ce projet du projet 6 Maintenant, sur votre écran, vous trouverez l' analyse de la valeur tonale pour la référence Suivez les flèches de guidage et prenez un moment pour observer les variations subtiles des valeurs tonales tout au long de la scène Vous remarquerez que cette référence suit à merveille le principe de la perspective atmosphérique, lequel les couleurs et les tons deviennent en plus clairs et plus doux au fur et à mesure qu'ils s'éloignent Avant de terminer, n' oubliez pas de télécharger toutes les autres références incluses dans la section projets et ressources. Prenez le temps d'étudier la façon dont la composition varie dans chacune d' elles et essayez de les interpréter à votre manière. Passons maintenant à la leçon suivante et poursuivons le processus de peinture. 41. Jour 7 : Palette de couleurs: Commençons par jeter un coup d'œil aux couleurs que nous utiliserons pour ce projet. Notre bleu froid principal sera notre bleu marine, que je vais d' abord examiner Maintenant, au lieu du bleu marin, vous pouvez utiliser n'importe quel autre bleu légèrement penché vers le vert et contenant un seul pigment. En général, le PB 15 est bleu comme ça. Maintenant, je vais mélanger mon bleu marin avec mon vert viridien ou telo composé du pigment Maintenant, lorsque vous mélangez ces deux couleurs, vous créerez un très beau mélange de vert marin ou de vert turquoise , parfait pour créer ces reflets d'eau. Ensuite, la couleur que je vais sélectionner est un vert jaune vif, appelé vert feuille d'après la branche d'une gamme d'aquarelles Arts PWC, et nous allons utiliser cette couleur pour créer le reflet du cygne dans l'eau, qui sera la couleur de base du Maintenant, il est suivi par le numéro un vert permanent de la même branche dans une œuvre d'art Maintenant, lorsque vous mélangez le vert permanent avec le bleu marine bleu outremer ou tout autre bleu foncé, vous obtenez une couleur riche et profonde qui convient parfaitement aux zones ombragées du Maintenant, pour ce qui est des cygnes en eux-mêmes, nous aurons besoin de quelques couleurs supplémentaires pour capturer les reflets et les ombres subtiles Pour cela, je vais d' abord mon jaune de Naples pour les reflets vifs, puis par le bleu outremer pour créer ces tons d'ombres doux et froids La prochaine couleur dont nous aurions besoin est notre teinte noire ou neutre. Ici, j'utilise ma teinte neutre, mais vous pouvez également opter pour votre noir ivoire ou vos peintures grises, c'est à vous de choisir. J'espère donc que toutes vos couleurs sont prêtes maintenant. Passons donc à notre prochaine leçon. 42. Jour 7 : processus d'ébauche: Alors bonjour, et bienvenue au septième jour. Tout d'abord, nous allons coller un papier sur les quatre côtés avec du ruban adhésif Maintenant, à l'aide du crayon et de l'image de référence, je vais mesurer légèrement et bloquer l'emplacement du cygne. Notez que même si le cygne apparaît près du centre de la référence, il se trouve légèrement en dessous du véritable point médian de la référence, autour de la deuxième ligne horizontale de la grille des deux tiers que nous avons abordée dans la leçon précédente J'ai marqué la base du cygne sur cette seconde horizontale et indiqué le bord supérieur du corps, qui peut être simplifié en ovale. Vous préférerez peut-être d' abord dessiner l'ovale , puis l'affiner pour obtenir le contour du cygne L'une ou l'autre approche fonctionne à partir de là. Je vais décomposer le formulaire étape par étape, dessinant légèrement chaque élément structurel et en ajustant les proportions selon les besoins. Comme pour mes autres projets précédents, regardez d'abord la démonstration complète et le processus de dessin J'apporterai de petites corrections en cours de route pour assurer que le cygne ressemble vraiment à un cygne. Je vais maintenant dessiner la tête, le bec et le cou du cygne À ce stade, je remarque que le cou ne semble pas tout à fait correct. Cela semble un peu décalé par rapport à la référence. Je vais donc redessiner le cou cette fois, en insistant sur cette élégante courbe en forme de S que vous pouvez remarquer sur l'image de référence La courbe du cou définit vraiment la posture gracieuse et le caractère du cygne Vous devez donc le faire correctement. Dans les références supplémentaires que j'ai téléchargées pour le septième jour dans la section Projets et ressources, vous trouverez des cygnes dans différentes poses et angles Prenez également le temps de les étudier et de les pratiquer. C'est un excellent exercice pour renforcer votre confiance en vous et améliorer votre compréhension de la structure et du mouvement des animaux. Maintenant, je vais peaufiner le dos à plumes du cygne. Commencez par dessiner un contour clair pour capturer les contours généraux des ailes Nous ne visons pas ici des détails complexes. L'objectif est de suggérer la forme plutôt que de rendre chaque plume Gardez vos lignes minimales et fluides, en vous concentrant sur la définition de la structure globale. N'oubliez pas que dans cette peinture, nous mettrons principalement l' accent sur le reflet du cygne qui scintille dans l'eau. Simplifier le cygne lui-même permet donc d'attirer l' cygne lui-même permet donc d'attirer l'attention du spectateur sur Maintenant que le cygne est gracieusement posé sur le papier, il est temps d'esquisser son reflet Pour conserver les proportions du Kadc, voici une méthode simple ou une astuce dont j'aimerais vous montrer la technique du trait pointillé Tracez légèrement des lignes de guidage en pointillés pour refléter les dimensions principales du cygne, puis utilisez-les comme référence pour créer le reflet situé en dessous Cette approche vous permet de capturer avec précision la forme et flux du reflet sans qu'il apparaisse déformé ou irrégulier. Comme l'eau a des ondulations et bouge, le reflet apparaîtra comme ondulé et Cependant, les proportions générales et la structure du cygne restent les mêmes. Regardez comment je construis le reflet étape par étape, je suis les lignes directrices en pointillés et les formes établies plus tôt, puis je traduis ces formes en traits horizontaux brisés qui imitent le mouvement de l'eau Gardez vos marques lâches et fluides pour que le reflet naturel tout en respectant la forme sous-jacente du cygne Ici, si vous pouvez remarquer que mon reflet apparaît un peu plus long qu' il ne le devrait par rapport à la référence. Pour corriger cela, j'ai mesuré approximativement la largeur du corps du cygne et j'ai ajusté le reflet en conséquence, en veillant à ce qu'il reste proportionnel et crédible Cette étape permet de maintenir la précision tout en maintenant l' harmonie du reflet avec la figure principale. Enfin, je vais esquisser la subtile dépression dans l'eau sur la droite, montrant le mouvement doux provoqué par celle-ci. Avec ce dernier détail, notre croquis est maintenant terminé Vous pouvez maintenant mettre la vidéo en pause ici après avoir visionné la démonstration complète ou simplement télécharger l' image de référence dans la section projets et ressources et commencer votre plan à votre rythme. 43. Jour 7 : partie 1 l'eau au premier plan: OK. Maintenant que notre croquis est terminé, étape suivante consiste à masquer le cygne à l'aide du liquide de masquage Cela facilitera considérablement notre processus de peinture par la suite. Lorsque nous commencerons par le processus humide sur humide, je me concentrerai sur le masquage minutieux des bords extérieurs du cygne, puis j'ajouterai quelques touches pour masquer les reflets à la surface de l' Une fois le masquage terminé, nous commencerons par mouiller notre papier, commençant par le bas et en remontant jusqu'à environ la moitié de la Pendant ce temps, assurez-vous de passer plusieurs fois sur la surface avec une brosse humide. Cela permet de maintenir l'humidité sur le papier un peu plus longtemps, qui nous laisse suffisamment de temps pour travailler en douceur avec nos lavages mouillés ou mouillés Vous remarquerez que je n'ai pas pondéré les domaines dans lesquels nous avons esquissé les reflets. Cela nous aidera vraiment plus tard, lorsque nous commencerons à créer ces reflets, en les gardant nets et clairs au lieu de laisser ces couleurs trop se fondre les unes dans autres et de devenir floues au cours du processus Maintenant, je vais rapidement créer un mélange de mon mélange de vert turquoise en combinant mon bleu mérin avec du viridian Je prépare ce mélange en quantité généreuse afin pouvoir facilement ajuster les valeurs tonales selon les besoins de la peinture Je vais maintenant préparer un autre mélange en utilisant mon jaune-vert, combiné à une touche de sienne brûlée pour créer les roches sous-marines Pour cela, j'utiliserai le pinceau argenté Belle Aqua en forme de langue de chat, mais vous pouvez également utiliser votre brosse ronde, une brosse à tête plate ou une brosse brillante. Avec cela, je vais créer quelques traits inclinés irréguliers. Remarquez comment je superpose les verts jaunes et les bruns. Mon mélange n'est pas trop aqueux, mais plutôt crémeux et présente des variations de tons allant de moyen à léger Mon papier est encore humide, alors je vais rapidement créer une très légère valeur tonale de mon bleu moraine et commencer à le superposer Maintenant, avant de passer au blues, assurez-vous que votre papier est encore humide. S'il a commencé à sécher, mouillez à nouveau doucement les zones vierges l'aide d'une brosse humide, non d'une brosse trempée Maintenant, commencez à superposer les bleus. Veillez à ne pas recouvrir complètement les verts sous-jacents et les bruns que nous venons de superposer Laissez-les y jeter un coup d'œil subtilement. Faites également attention aux contours esquissés des reflets C'est là que la transparence de votre pigment bleu brillera vraiment. À ce stade, si vous avez l'impression d' avoir exagéré avec la superposition, il vous suffit de retirer un peu de pigment de peinture pour l'équilibrer lorsque le papier est encore humide Une fois que le papier commence à sécher, il sera difficile de retirer les peintures. Maintenant, avant que la partie inférieure du papier ne commence à sécher, je vais rapidement créer le plus grand reflet dans le coin inférieur droit Pour cela, je passe à mon pinceau argenté rond taille 2 et je soulève doucement la couleur dans un mouvement circulaire rond. Chaque fois que je soulève la peinture, je rince mon pinceau à l'eau claire, le tamponne sur un mouchoir et je soulève à nouveau la peinture jusqu'à obtenir un bel éclat brillant Maintenant, voici un conseil. Vous pouvez également essayer d'ajouter une petite goutte d'eau propre à cet endroit avant de le soulever. Cela permet d'exposer magnifiquement le blanc du papier. Maintenant, pour améliorer l'éclat, je vais terminer en soulevant des rayons doux plus courts autour de la lueur pour créer un effet solaire étincelant Ici, l'éclat semble un peu terne, alors je vais ajouter une touche de courge blanche pour l'égayer Une fois cela fait, je remarque que la partie inférieure a déjà commencé à sécher Je vais donc rapidement prendre mon pinceau à mousse plus large et mouiller doucement les zones blanches à peu près à mi-hauteur du papier. Maintenant, je vais commencer à superposer mon blues, mais, oh mon Dieu, la partie inférieure est déjà sèche Alors, que devons-nous faire ? OK, voici une solution pour réactiver ces couches Je vais utiliser mon flacon pulvérisateur et ne rater que légèrement ces sections Ensuite, je vais rapidement m'y remettre avec mon pinceau et mes peintures bleues et commencer par créer les ondulations de manière ce que le tout soit parfaitement mélangé À ce stade, nous devons travailler rapidement afin de pouvoir couvrir les zones que nous venons de réhumidifier avant qu'elles ne recommencent à sécher C'est le même processus que précédemment, ajustant les valeurs tonales pour créer l'illusion d'ondulations dans l'eau pendant que vous maintenez Maintenant, dans le coin gauche du papier, je vais commencer à ajouter Mon papier est encore mouillé, donc je peux faire le mien paisiblement. Mais si vous constatez que le vôtre est desséché, mouillez-le rapidement à nouveau avec un balai ou en le vaporisant légèrement avec votre flacon pulvérisateur, puis en répartissant l'humidité uniformément avec votre brosse mouillez-le rapidement à nouveau avec un balai ou en le vaporisant légèrement avec votre flacon pulvérisateur, puis répartissant l'humidité uniformément avec votre Vous remarquerez également que j'utilise une valeur de bleu plus claire cette fois plutôt que le mélange de vert marin que nous avons utilisé en bas de la page. Cela permet de capter la sensation de lumière et la présence subtile de roches sous-marines près du premier plan Au fur et à mesure que nous nous déplaçons vers le haut, l'eau paraîtra plus transparente J'utiliserai donc des valeurs tonales moyennes au centre du papier, pour passer progressivement à des tons encore plus clairs vers le haut Cette transition progressive nous aide à suivre la règle de la perspective atmosphérique, conférant à notre peinture une belle sensation de profondeur et de distance. Observez la teneur en eau de mon pinceau ici. Je travaille avec une valeur tonale moyenne en utilisant moins d'eau et plus de pigment D'une main légère, je crée doucement le mouvement ondulant de l'eau Remarquez comment les mouvements de contrôle doux aident à créer ce flux et ce rythme naturels à la surface de l'eau. OK. Ensuite, je vais passer à mouiller une petite section afin que nous puissions continuer à travailler mouillé sur mouillé dans les plus petites zones. Un conseil est de garder votre papier légèrement incliné afin que l'eau ne coule pas vers le bas et ne cause saignements indésirables dans la partie inférieure, qui est encore en train de sécher Maintenant, une autre astuce consiste à contrôler la quantité d'eau dans votre brosse à balai plus large ou toute brosse large que vous utilisez pour enduire la surface d'eau Il ne reste plus qu' à répéter le même processus et à créer ces légères ondulations, maintenir un flux d' eau fluide Comme je travaille sur un papier de plus grande taille, cela prend un peu plus de temps. Quel que soit le format de papier que vous avez choisi pour ce projet, je vous recommande de suivre l'ensemble du processus et le déroulement de la peinture avant de commencer le vôtre. Cela vous aidera à comprendre la séquence et à comprendre comment chaque couche se construit sur la suivante. Et n'oubliez pas que si vous vous sentez bloqué à un moment ou à un autre, vous pouvez toujours revenir à cette leçon , revoir la section et peindre à votre rythme Je vais maintenant travailler un peu vite pour que mon papier ne sèche pas. À l'aide d'un mélange de coups de pinceau plus longs et plus courts, je continuerai à créer des ondulations dans Au fur et à mesure que nous nous déplaçons vers le haut, remarquez que la taille des ondulations devient progressivement de plus en plus petite Cela permet de créer un sentiment naturel de distance et de perspective. Maintenant, une fois cette section terminée, nous passerons à la peinture de la partie restante de l'eau, c' est-à-dire la partie supérieure de l'eau, que nous verrons dans la prochaine leçon. 44. Jour 7 : partie 2: OK, nous allons maintenant répéter la même étape inclinant légèrement le papier et en passant un balai humide sur les zones vierges restantes Ici, mon pinceau n'est pas trop mouillé. Il est complètement humide afin couvrir la zone en douceur. Mais ici aussi, nous travaillerons par petites portions afin que le papier ne sèche pas trop vite. Passez en revue chaque section plusieurs fois pour vous assurer qu'elle reste uniformément humide plus longtemps. Une fois que la surface sera bien mouillée, nous passerons à la création de motifs ondulés, comme nous l'avons fait auparavant Examinez maintenant la référence et observez comment la lumière atteint l'eau, la direction, le mouvement et le rythme de ces ondulations Essayez de capturer cette essence sur votre papier, mais ne vous inquiétez pas de l' adapter exactement. L'objectif est de l'interpréter à votre façon et de le rendre naturel. Maintenant, cette technique humide sur humide et la prolongation de l'humidité du papier ne fonctionneront mieux que si vous utilisez du papier 100 % coton 300 USM Si vous utilisez du papier cellulosique, il risque de sécher beaucoup plus rapidement Tenez-en donc compte lors de la création de votre projet. Observez ici comment je contrôle l'eau sur mon pinceau et sur mes peintures Vous remarquerez que la peinture ne saigne pas excessivement sur la surface du papier humide. Il conserve plutôt la forme de chaque trait que j'applique. C'est l'un des principaux aspects clés de la maîtrise de la peinture à l'eau Une fois que vous avez appris à contrôler et à équilibrer la quantité d'eau sur votre papier, votre pinceau et votre peinture, tout devient beaucoup plus facile, pas seulement pour l'eau, mais aussi pour tout sujet que vous peignez à l'aquarelle Ensuite, il s'agit de comprendre les principes fondamentaux de la perspective et de comprendre comment la valeur tonale change d'une peinture à l'autre Après avoir examiné la partie supérieure du papier avec mon pinceau Mob plus large, je vais prendre mon pinceau Mob taille 00 de la série Silver Ateliers Squirrel et commencer à créer des traits larges en utilisant une valeur tonale claire de mon mélange de bleu marin, en laissant quelques blancs entre les deux pour laisser transparaître le blanc du papier Observez le bout courbé et étalé de mon pinceau. Cela m'aide à lisser les zones où la couleur a perdu de la couleur C'est la beauté d'une brosse à cheveux naturelle. Il retient non seulement une bonne quantité d'eau et de peinture, mais conserve également la forme de vos traits précédents, ce qui vous permet d'affiner et de mélanger parfaitement. Maintenant, je suis revenue à la brosse à langue de mon chat. Mais au lieu de ce pinceau, vous pouvez également utiliser un pinceau brillant portant le numéro six ou huit et créer des ondulations de plus en plus fines À l'aide de la pointe, créez des ondulations très fines et courtes l'approche de l'horizon Comme il s'agit de la partie la plus claire d'une peinture, nous allons remplir cette section avec le même motif ondulé, en gardant les traits doux et subtils Avant même que vous ne vous en rendiez compte, tout votre papier sera rempli de ces ondulations délicates, créant une belle sensation de mouvement Une fois la partie consacrée à l'eau terminée, nous passerons rapidement à la moitié inférieure du premier plan et ajouterons des reflets brillants à l'aide du bout pointu d' un pinceau à l' aquarelle blanche ou au guash J'en ajouterai quelques unes ici dans différentes formes et tailles pour donner un effet chatoyant plus naturel Nous reviendrons sur les reflets chatoyants plus tard dans le projet, mais laissons maintenant le papier sécher complètement avant de décoller le liquide de OK, alors que je commence à peler le liquide, je remarque qu'une petite portion de papier près du cou du cygne s'est détachée avec lui. Cela s'est probablement produit parce que j'étais un peu trop impatiente et que j'ai essayé enlever avant que la surface ne soit complètement sèche. Prenez donc votre temps et assurez-vous que votre papier est complètement sec avant de retirer le liquide de masquage pour éviter de le déchirer Comme j'ai utilisé une gomme pour retirer le liquide de masquage, certaines marques au crayon sur les plumes de cygnes ont également été supprimées Je vais donc rapidement redessiner les contours des plumes pour retrouver ces détails Dans la prochaine leçon, nous passerons à la peinture du cygne et de son reflet. 45. Jour 7 : les détails finaux: OK. Passons maintenant à la peinture de celui-ci. Je commence par la zone du cou en utilisant mon pinceau ultra rond en soie argentée taille 6. Tout d'abord, je mouille le cou avec de l'eau propre. Il sera ainsi beaucoup plus facile de contrôler et de mélanger les lumières et les ombres en douceur. Je vais commencer par appliquer une légère couche de jaune de Naples sur le cou, mais attention à la quantité d'eau que vous avez sur le bout de votre pinceau et de votre peinture. Le long du col et de la base, je vais commencer à le mélanger de manière égale. Comme le papier situé près du col s'est décollé un peu plus tôt, il se comporte légèrement différemment. La peinture jaune se répand dans les fibres du papier plus rapidement que je ne le pensais. C'est tout à fait normal. Je vais essayer de travailler sur cette partie et de l'ajuster. Ensuite, pour créer les ombres, je mélange une légère valeur tonale de bleu outremer avec une touche de Les deux sont de couleurs transparentes, elles se superposeront magnifiquement au jaune mais ne vous donneront pas un mélange de vert. J'applique ce mélange par les bords extérieurs et mélange doucement dans les tons jaunes Continuez à observer comment je construis progressivement les valeurs et, au besoin, j'utilise une combinaison de techniques telles que le lifting et superposition pour faire ressortir naturellement la lumière et les ombres Maintenant, avec le bout de mon pinceau ultra rond en soie argentée humide , je soulève doucement les gris autour du cou pour éclaircir et affiner les transitions tonales Prenez votre temps pour retirer la couleur, rincez et épongez votre pinceau aussi souvent que nécessaire pour garder le bout de votre pinceau propre et contrôlé Ensuite, je vais peindre la tête du cygne , puis passer au bec, procédant étape par étape Utilisez un petit pinceau précis pour le bec et façonnez lentement la forme en passant des valeurs claires aux valeurs légèrement plus foncées Il est préférable d'opter pour un pinceau rond synthétique afin de mieux contrôler la quantité d'eau. Il est essentiel de bien contrôler l'eau de votre pinceau et la consistance de vos peintures. Trop de liquide et la couleur s'écoulera sur les bords extérieurs de vos contours. Gardez donc la pointe de votre pinceau humide plutôt que trempée . Testez toujours l'équilibre entre l'eau et le pigment sur un bout de papier avant de travailler sur les zones délicates Je vais laisser le bec sécher complètement avant de revenir pour ajouter des tons légèrement plus foncés sur les bords pour plus de définition En attendant, je vais passer au dos à plumes du cygne Et pour cela, j'utilise une valeur tonale claire de mon bleu outremer. Si votre brosse semble trop humide, il suffit de la tamponner sur un mouchoir pour absorber l'excès d'eau Cela vous aidera à mieux contrôler vos coups. Maintenant, à l'aide de la pointe de votre pinceau, créez des traits incurvés nets le long des contours du dos. Observez comment je m'y prends ici. Pour créer la deuxième série de plumes intérieures, j'utiliserai la technique humide sur humide avec le même pinceau synthétique. Je vais commencer par humidifier légèrement cette zone avec de l'eau propre avant de m'étendre sur le blues Continuez à observer comment je fabrique les couches, commençant par de légers lavages de tons outremer, puis en ajoutant progressivement des tons légèrement plus foncés pour dessiner le contour et définir la forme des plumes, en leur donnant à la fois profondeur et douceur. Oh. Revenons-en maintenant au bec. Ici, je suis passée à mon pinceau ultra-rond en soie argentée taille 2, parfait pour créer des lignes fines et des traits précis pour ajouter les derniers détails Maintenant, en utilisant juste le bout du pinceau, je vais le faire passer soigneusement le long des bords extérieurs du bec Cette touche subtile définit la forme et donne au bec un bel effet tridimensionnel Et si vous l'avez remarqué, nous avons fait le bec avec une technique humide sur sec. Il est maintenant temps de passer au reflet dans l'eau. Je vais commencer par définir une valeur tonale moyenne semi-aqueuse ma couche de base à l'aide de mon pinceau ultra rond Sisi Silver Ensuite, je vais préparer un mélange vert plus foncé en combinant du bleu marin avec une touche de Sienne brûlée pour créer un vert ombré riche et trouble. Ensuite, je vais préparer un mélange vert plus foncé en combinant du bleu marin avec une touche de Sienne brûlée pour créer un vert ombré riche et trouble Je vais maintenant appliquer ce mélange vert foncé le long de la base du cygne. Je ne suis pas vraiment content du green. Donc, sur un bout de papier, je vais rapidement repérer ce mélange vert pour tester le ton Je pense qu'il doit faire un peu plus frais, alors je vais y ajouter une touche de vert sève. Maintenant, je suis content de la couleur, et je vais utiliser ce mélange pour peindre les ombres le long du bord droit du reflet dessiné. Je vais maintenant utiliser une teinte neutre directement dans le coin droit. Comme la couche est encore humide, elle se fondra en douceur. Ici, j'ajoute de la profondeur et de la dimension aux ombres en créant moins trois variations subtiles de vert. Cette superposition de valeurs tonales donne au reflet un aspect plus naturel et dynamique Je vais continuer à m'appuyer sur cette réflexion, alors continuez à observer mes coups de pinceau et les mouvements de mes mains. Maintenant, une fois cette partie de réflexion terminée, je vais passer à la création du reflet du cou du cygne dans l'eau. Ici, dans certaines zones, de gauche à droite, je vais simplement utiliser le bout humide du pinceau et soulever certaines zones pour créer également l'illusion de lumière scintillante dans ce reflet Passons maintenant à la peinture du reflet du cou. Je vais commencer par le même mélange jaune-vert, en l'appliquant légèrement sur la pierre de base. Faites des mouvements doux avec votre pinceau et suivez la courbe naturelle du cou du cygne pour conserver ce reflet gracieux dans l'eau Je vais maintenant commencer à ajouter les tons plus foncés de mon vert dans les coins droits, comme nous l'avons fait dans la réflexion précédente. Nous allons maintenant passer à la création du reflet ici au premier plan de l'eau C'est le même exercice. J'ai d'abord dessiné mon vert avec un ton plus foncé , puis je l'ai rempli avec une valeur plus claire. Maintenant, sur les côtés, je vais juste mélanger des tons plus foncés, en gardant le centre lumineux. Cette partie de réflexion est en fait assez simple, pas du tout la plus difficile. Il vous suffit d'une pointe pointue sur votre pinceau pour obtenir les bords nets et légèrement déformés du reflet. Concentrez-vous sur le fait de porter vos valeurs tonales du clair au foncé pour que le reflet reste réaliste J'utilise votre méthode humide sur sec car elle m'aide à maintenir ces contours propres et définis dans l'eau. Bon, nous en avons maintenant terminé avec les principales réflexions. Il est temps d'ajouter les petits reflets sur les ondulations. Utilisez une pointe pointue sur votre pinceau pour créer ces lignes fines et délicates. Il n'y a pas grand-chose à expliquer ici. Nous continuerons à utiliser la même technique humide sur sec, alors continuez à observer ma façon de travailler. Une fois cette section terminée, nous laisserons la peinture sécher complètement puis nous retirerons soigneusement les rubans de masquage Nous avons enfin terminé notre projet du septième jour, et c'est ainsi que nous terminons notre voyage en explorant les nombreux modes d'utilisation de l'eau. J'espère que vous avez aimé peindre avec moi. J'ai vraiment hâte de voir tes magnifiques créations. Et j'ai une petite surprise pour toi. Une leçon supplémentaire vous attend juste au coin de la rue, alors restez à l'affût. 46. Projet bonus : La palette de couleurs: Avant de commencer, examinons les couleurs dont nous aurons besoin pour cette leçon bonus. La première couleur que je vais sélectionner est le vert de mes feuilles, un vert jaune chaud, et voici comment vous pouvez le mélanger Pour créer votre propre feuille verte, prenez votre vert thalo, qui est composé du pigment PG seven Maintenant, cela peut également être appelé viridian dans différentes marques Vérifiez donc en conséquence et ajoutez un peu de jaune citron. Mon jaune citron est composé du pigment PY 81, mais la marque que vous utilisez peut contenir un pigment jaune différent. Alors vérifiez cela, et vous obtiendrez un vert fluorescent brillant lorsque vous mélangez ces deux couleurs. Regarde comme cette couleur est belle. C'est ce que j'appelle la couleur vert gazon. Maintenant, lorsque vous ajoutez à cette couleur votre jaune orange chaud, vous obtiendrez un vert feuille d' apparence similaire. J'espère que cela vous aidera à mélanger et à créer votre propre couleur verte de feuille. La couleur suivante que je vais tester est mon vert halo composé du pigment PG Seven Il s'agit maintenant du vert que nous avions déjà utilisé dans les projets précédents, suivi du bleu marin, qui est, encore une fois, un bleu froid composé du pigment PB 15. Ensuite, nous avons notre numéro brûlé. Maintenant, lorsque vous mélangez votre ombre brûlée à votre bleu, vous obtenez des tons bruns atténués, ce qui est parfait pour créer la profondeur que nous voulons pour les pierres sous-marines Enfin, nous aurons également besoin d'aquarelle blanche ou de courge blanche pour créer les reflets scintillants de l' 47. Leçon bonus : partie 1: Trois. Salut, les gars. Bienvenue à cette leçon bonus spéciale. Je vais commencer par esquisser rapidement la vue de la plate-forme Veuillez ignorer le faible contour d'un oiseau qui apparaît encore. Je l'ai effacé, mais certaines impressions demeurent. Nous avons les mains libres pour celui-ci. Cette leçon consiste à faire confiance au processus et appliquer tout ce que nous avons appris du premier au septième jour J'ai déjà déposé une couche d'eau uniforme, commençant par le bas du papier à mi-chemin vers le haut. Nous allons d'abord utiliser la technique mouillé sur mouillé. Maintenant, je commence à ajouter mes pigments vert jaune vif dans des formes lâches et circulaires, en laissant de petits espaces entre eux. Ensuite, je pose ma sienne brûlée à la base des légumes verts. Maintenant, ma Sienne brûlée est atténuée à l'aide d'un petit rose coquillage pastel, que j'ai utilisé, mais vous pouvez totalement ignorer cette étape et utiliser votre valeur tonale moyenne de sienne brûlée, ou au lieu de brûler de la sienne, ou au lieu de brûler de la sienne, vous pouvez également opter Si vous observez dans cette peinture, je commence à créer des couches. J'ai d'abord commencé avec des valeurs tonales très légères, puis j'augmente le niveau des valeurs tonales Ici, j'utilise la valeur tonale moyenne de mon bleu marin. Pour que cette peinture soit un succès , notre papier doit être humide en permanence J'utilise donc mon flacon pulvérisateur pour oublier légèrement la surface chaque fois que c'est nécessaire. Maintenant, surveillez mes mouvements de pinceaux et mes choix de couleurs et essayez de les relier aux techniques que nous avons mises en pratique dans les leçons Elan Je vous recommande de regarder le processus complet une fois avant de commencer à peindre. Cela vous aidera à comprendre le flux et à vous préparer mentalement à ce qui va suivre. À l'aide du bout de mon pinceau Mob, je vais commencer à superposer mes légumes verts en petits et longs traits ondulés Assurez-vous que votre mélange de peinture n'est pas trop liquide pour obtenir une consistance crémeuse De plus, si vous sentez que votre brosse est trop humide, il vous suffit de tamponner l' excès d'eau sur le ventre de votre brosse pour un meilleur contrôle de l'eau Je vais maintenant préparer un mélange foncé en combinant un peu d' indigo avec de la sienne brûlée En fait, j'ai ajouté un peu trop d'indigo ici, alors ne faites pas ça. Gardez plutôt votre mélange plus proche d'un brun profond, foncé et atténué En utilisant le même mélange, je vais commencer par superposer ces tons plus foncés pour augmenter la profondeur et suggérer la présence de pierres sous-marines Mais ici, si vous remarquez que les couleurs ne se fondent autant dans les couches de base que sur fond humide Le papier est encore assez humide, donc je pense que le format du papier est perdu Ici, j'essaie de mélanger ces taches, en particulier sur le côté gauche, mais le pigment brun semble avoir été absorbé trop rapidement par le papier. Ils ne bougent pas vraiment, même lorsque j' essaie de les mélanger avec le bout humide de mon pinceau Je commence à être un peu frustré, mais ça va. Restons calmes et évitons de surcharger cette zone. Passons plutôt aux autres sections et revenons plus tard si nécessaire. Nous devons travailler rapidement ici et utiliser la technique de levage pour créer ces reflets ondulés sur les pierres Maintenant, je vais utiliser mon pinceau Belle Aqua humide et brillant, taille 6, pour atténuer les reflets et suggérer ondulations sur les pierres sous-marines Déplacez-vous rapidement ici car le papier est encore humide pour que vous puissiez créer ces techniques de levage. Recherchez la couche de couleurs la plus vive que vous avez posée plus tôt et soulevez-la de ces zones pour indiquer où la lumière capte les pierres Surveillez le fonctionnement de mon pinceau et le chronométrage de chaque levage. Ce petit rapide déplace ce qui rend les reflets lus aussi crédibles Je continue cette étape jusqu'à ce que les reflets apparaissent sur la plupart des pierres. Une fois cela fait, nous mouillerons la partie supérieure du papier et continuerons à accumuler de l'eau. Nous allons maintenant mouiller la partie supérieure du papier et continuer à faire couler l'eau. Une fois que vous avez appliqué uniformément la partie supérieure à l'aide d'un balai humide ou d'un pinceau plat de votre choix, l'étape suivante consiste à répéter la technique d'ondulation que nous avons utilisée dans les projets six Observez attentivement comment je laisse de petits espaces blancs entre les couches et comment je pose les verts et les bleus pour créer la profondeur et le mouvement de Maintenant, en utilisant ma colle marine à tons moyens et à traits larges, je vais peindre la partie supérieure de l'eau N'oubliez pas de conserver la perspective atmosphérique en gardant à l'esprit la profondeur. La couche de base en haut est maintenant prête. Nous allons maintenant ajouter des valeurs plus sombres si nécessaire pour améliorer la dimension de l'eau. Une fois cette couche terminée, l'étape suivante consiste à préserver le blanc du papier qui passe à travers le bleu J'utilise mon pinceau brillant pour affiner avec soin les zones où les couleurs ont commencé à se fondre dans les blancs Petit à petit, vous commencerez à voir le tableau prendre vie. Je dois avouer que je crains un peu que mes couleurs soient un peu ternes par rapport à d'habitude, mais nous verrons comment tout cela s' harmonise une fois la peinture terminée. N'abandonnons pas encore. Mon papier est encore mouillé ici, alors je vais y ajouter quelques touches de blues. Mais si votre papier est sec, vous pouvez ignorer cette étape. Nous allons maintenant passer à la peinture du chien dans la prochaine leçon. 48. Leçon bonus : partie 2: Bien, passons maintenant à la peinture de la plate-forme d' observation surélevée. Pour cela, j'utiliserai la technique Wet on Rye. Je prépare d'abord un mélange légèrement aqueux de Sienne brûlée, auquel j'ai ajouté une petite touche de rose coquillage pastel Mais vous pouvez complètement ignorer cette teinte pastel, si vous préférez. Il suffit de mélanger un peu de whitequah pour éclaircir la couleur. Lorsque vous appliquez la couleur, superposez-la de manière à obtenir une variation tonale entre le moyen clair tout en laissant une fine ligne blanche entre chaque planche pour suggérer la séparation Pour donner de la texture et de la profondeur à cette planche, je vais ensuite ajouter une ligne brun foncé le long des bords, suivie d'un trait brun moyen à côté Ensuite, à l'aide de la pointe de la brosse à langue de mon chat, légèrement chargée d'eau, je vais mélanger et atténuer doucement ces lignes sombres pour créer un aspect boisé naturel Maintenant, en utilisant un pinceau rond pointu de taille 2, j'utilise ici le pinceau ultra rond de la série Silver Silt. Je vais ajouter de fines textures aux planches de bois. Voici un petit conseil. Assurez-vous que les couches précédentes sont complètement sèches avant de passer à cette étape. Si la couche de base est encore humide, les nouveaux traits risquent de saigner ou de paraître trop épais, et vous perdrez la texture nette que nous recherchons Une fois que c'est fait, il est temps de passer à l'étape finale. C'est pour créer ces magnifiques reflets scintillants sur l'eau Notre zone d'eau est maintenant complètement sèche, retirons donc le liquide de masquage J'aime utiliser le bout de mon doigt pour le peler soigneusement. Mon journal agit vraiment bizarrement. Je ne m'attendais pas à ce que les étincelles soient aussi ternes. Je vais donc passer à une mini-ligne de pinceaux et ajouter un peu de blanc épais pour faire ressortir les reflets et les reflets à la surface de l'eau Parfois, même lorsque vos techniques sont parfaites, les résultats peuvent ne pas donner les résultats escomptés, et la raison réside souvent dans les matériaux que vous utilisez. Oui, c'est tout à fait vrai. Dans mon cas, c'est le journal qui me pose problème aujourd'hui dans la création de ce projet. Il semble avoir perdu sa taille car , dans certains cas , les peintures ne s' étalaient pas comme elles le devraient sur ce beau papier, et les couleurs paraissaient un peu ternes par rapport à d'habitude Donc, tous ces petits changements que vous remarquez lorsque vous avez l'habitude de peindre sur la même marque de papier indiquent que quelque chose ne va pas avec le papier, le format est perdu Cela nous rappelle que parfois nos petites habitudes imprudentes peuvent finir par nous coûter nos fournitures artistiques coûteuses, et aïe, ça nous pince beaucoup, n' Cela vous est-il déjà arrivé ? Alors laisse-moi être honnête avec toi. Les résultats ne se sont pas tout à fait déroulés comme je m'y attendais, mais c'est tout à fait normal. Chaque tableau, qu'il soit considéré comme un succès ou non, nous apprend quelque chose de nouveau. Pour cette leçon bonus, je voulais que les choses restent simples et exemptes de stress afin que vous ne vous laissiez pas submerger. En fait, j'ai l'intention de recréer ce projet, mais honnêtement, la vie a été un peu folle et je n'en ai pas eu l'occasion Je pense que je l'aime bien maintenant, mais si vous le faites , essayez-le et partagez votre version dans la section Créer un projet.