La pratique de la narration visuelle : Entretiens avec des artistes

1. Introduction: Bonjour, je suis Debbie Millman et je suis designer, auteur, éducateur et animateur du podcast, Design Matters. Vous avez peut-être récemment vu ma classe sur Skillshare sur narration visuelle où j'emmène les gens à travers l'histoire sur la narration visuelle, et j'ai culminé ce spectacle en réalisant ma propre histoire visuelle, et en encourageant mes téléspectateurs à faire leur propre histoire aussi. Cet épisode particulier est plus sur la façon dont les autres le font. Et vous allez voir quatre approches différentes de la narration visuelle. Je définit la narration visuelle comme l'intersection entre le récit visuel et le texte. Quelque chose qui est dessiné, quelque chose qui est peint, des données qui se croisent avec la typographie en quelque sorte pour créer une forme artistique qui exprime un récit visuel et verbal. J' ai récemment organisé un spectacle pour le Museum of Design d'Atlanta appelé Text Me, et c'est un spectacle de 70 œuvres différentes qui se réunissent pour refléter la façon dont nous vivons maintenant entourés de messages et de communications de toutes sortes. Et j'ai eu le grand honneur de parler avec quatre des artistes qui sont présentés dans le spectacle au Musée du Design. Adam J. Kurtz est fantaisiste, esprit, et drôle, et il n'a pas peur de vous montrer exactement qui il est et vous emmène un voyage où vous vous sentez vraiment bien d'être en train découvrir ces choses sur vous-même comme Eh bien. J' écris des phrases. C'est ma voix. C' est ma voix visuelle. Je pense qu'il y a quelque chose l'écriture de chaque personne comme si sa voix était une empreinte de ce qu'elle est. Pam Butler est l'une des premières artistes de rue, et j'admire vraiment la façon dont elle a pu créer une carrière sans demander la permission de quiconque de faire quoi que ce soit. Je pense que c'est vraiment une question de ce qui est important pour vous. Pourquoi tu fais ça ? Et ce qui vous pousse à elle, c'est qu'il doit être partagé, alors vous devez faire une œuvre qui est facilement partagée. Si vous le faites parce que vous avez la contrainte de le faire, alors vous devez le faire, qu'il puisse être partagé ou non. Giorgia Lupi est une designer extraordinaire et est capable de créer de la poésie avec des données, et elles sont faites avec une esthétique que je n'ai jamais vue auparavant. Parfois, j'aimerais rappeler aux gens que les données n'existent pas. Donc, nous avons créé des données. Les données sont une abstraction de la réalité. Et les données sont toujours principalement fabriquées par l'homme. Donc, si nous commençons par ce point, nous pouvons aussi dire que les données sont souvent imparfaites. Paul Sahre est le concepteur le plus conceptuel que je connaisse. Tout ce qu'il fait a une idée vraiment forte et tout est construit sur cette idée. Tout ce qu'il fait est vraiment surreabral, mais aussi très beau. Vous savez, un graphiste n'a pas un public captif comme un cinéaste. Vous devez créer une situation avec elle qui raconte une histoire, mais qui attire aussi l'attention de quelqu'un, les fait arrêter, les amener à prendre quelque chose, les amener à agir. J' espère que vous avez apprécié cette série, et j'espère que vous faites vos propres histoires visuelles. 2. Interview : Adam J. Kurtz: Adam J. Kurtz est fantaisiste, esprit, drôle et déchirant, et apporte l'humanité, le pathos et une honnêteté que nous avons rarement vus aujourd'hui dans son œuvre. Il n'a pas peur de vous montrer exactement qui il est, exactement pourquoi il est, et vous emmène dans un voyage sur lequel vous vous sentez vraiment bien d'être, alors que vous découvrirez ces choses sur vous-même aussi. Bonjour, je suis ici avec Adam J. Kurtz, maître conteur visuel et nous allons parler de son processus, de ses livres, et de son point de vue général sur la vie. Salut Tabby, merci de m'avoir reçu. Mon plaisir. Félicitations pour le nouveau livre. Merci. Je meurs à l'intérieur. Vous l'êtes ? Je me sens comme, quand tu fais quelque chose dont tu es si fier, et que tu en donne naissance, et c'est juste tous ces sentiments en même temps. C'est vraiment excitant. Dites-nous ce que signifie la narration visuelle pour vous ? Je pense que, du moins du point de vue du design, ce que nous faisons tout le temps est de combiner le texte et l'image de la manière la plus efficace. Bien que nous utilisions littéralement, il y a une copie, et il y a votre photo, votre art, quoi qu'il en soit, il y a aussi beaucoup d'autres qui sont dit dans l'arrangement et l'alignement, et les choix de production. Donc, pour moi, la narration visuelle est une combinaison à la fois visuelle et évidente, mais aussi des choses subtiles que nous pensons, que nous tissons dans le processus. Une des choses que je dis à mes élèves quand j'enseigne des cours de narration visuelle, que si vous voulez écrire sur une pomme, il est normal d'utiliser le mot pomme, mais vous ne voulez probablement pas vraiment avoir une image d'une pomme, moins bien sûr, vous enseignez l'orthographe et la lecture. Alors, parlez de la façon dont vous combinez les éléments visuels avec le texte de votre manière unique et surprenante. J' ai vraiment atterri dans cet endroit très intéressant, où plus je suis émoussé, mieux ça semble être. Ce n'est pas nécessairement la bonne solution dans tous les cas, mais pour ce que je fais, je parle directement à une personne, et je lui parle d'une manière humaine familière comme si j'avais une conversation personnelle. Donc, je m'en sors avec beaucoup de cet extra, faute d'un meilleur mot, de cette saloperie supplémentaire. Eh bien, vous n'avez pas de filtre, ce qui est vraiment rafraîchissant. Une des autres choses que j'ai tant apprécié à propos de votre nouveau livre en particulier, était la façon dont vous avez aidé votre lecteur à identifier son auto non filtré. Et je pense que c'est l'une des clés d'une histoire visuelle réussie, quand vous partagez quelque chose qui est en quelque sorte universellement humain. C' est quelque chose que nous partageons tous, et vous révélez que, vous partagez cela, donne aux autres le courage de partager le leur. Je pense que c'est un très bon point. Beaucoup de fois, surtout quand nous sommes plus récents dans le processus, nous commençons un projet en pensant comme, oh je savais à quoi ressemble une affiche, ou je sais à quoi un essai est censé lire. Nous pantomime ce que nous pensons est au lieu de juste prendre une minute pour regarder vers l'intérieur et nous écouter et ensuite communiquer cela. Eh bien, je pense que vous inspirez ça chez les gens. Parlez du processus de création de votre nouveau livre. Pour moi, ce qui est vraiment important, c'est que vous me traiteriez d'un natif numérique. J' ai grandi à travers MySpace, et la montée des médias sociaux, et une grande partie de mon travail consiste à faire référence à cette culture dans cet endroit inné où la langue vit pour moi, mais à trouver des moyens de la rendre tactile et de la retirer ligne. Donc, ce livre aborde ces idées de choses que nous vivons en ligne, et la langue que nous utilisons, et la façon dont nous commercialisons, promotion ou construisons des choses pour le Web. S' il s'agit d'un livre manuscrit, sur des morceaux de papier arrachés, imprimés sur des feuilles de couleurs vives qui sont ensuite perforées pour reproduire cette idée de viralité, pour reproduire la façon dont nous partageons en ligne, ou épingler en ligne, mais pour le faire dans la vraie vie. Donc, c'est l'expérience métaphorique méta, dissubtile où je voulais faire, et je suis comme ça tout le temps. Je suis comme, comment faire un livre qui est un objet et un livre ? Comment faire un livre qui n'est pas seulement un livre ? Donc, penser d'abord à ce produit final est comment je suis arrivé au format. Maintenant, je comprends que vous avez créé votre propre police, votre propre police d'écriture, et je veux en parler un peu parce que je pense que beaucoup de gens font ça, beaucoup de gens font leur propre police d'écriture manuscrite. Mais il y en a, je pense que les gens font attention à la création d'une police manuscrite que parfois les gens ne réalisent pas. Donc, l'une des choses qui me frustrent particulièrement, c'est quand je vois des lettres qui se répètent et qui sont identiques. Donc, c'est pour n'importe quel fichier manuscrit, qu'il soit fabriqué, ou qu'il soit créé par une personne réelle, parce qu'il me semble que si vous allez faire quelque chose qui ressemble à la main, il doit vraiment regarder Fait à la main À la minute où vous devez e est dans une rangée qui sont exactement les mêmes, il efface tout sentiment de cela être fait. Oui, absolument. J' ai commencé à rire parce que j'ai l'impression qu'on est la même personne. Des phrases manuscrites, c'est ma voix, c'est ma voix visuelle. Un, je ne veux pas être un robot et deux, je ne peux pas dire ce que je dis avec une police traditionnelle, ce n'est pas qui je suis. Donc, je pense qu'il y a quelque chose à propos de l'écriture de chaque personne, que comme leur voix est une empreinte de qui ils sont, ce soit la cadence des lettres, la façon dont une queue r se forme, la façon dont les choses inclinées selon sur les outils qu'ils utilisent. Pour moi, il est vraiment important d'utiliser un crayon pour garder une certaine adhérence, du point de vue de la production, j'essaie de ne jamais convertir mes formes en vecteurs parce que je veux cette belle, croquante, basée sur des raster. Je veux cette brillance, je veux qu'elle ait l'air vraiment, vraiment humaine. Eh bien, il est intéressant que vous en vouliez intentionnellement, ce grossier, et cela fait partie intégrante de votre langage visuel dans vos histoires visuelles et dans tout votre travail. Je sais que James Victory, pour obtenir la qualité de type qu'il crée à la main, il détruit ses aiguisés, il les découpe pour qu'ils aient ce grain. Donc, je pense que pour tous ceux qui travaillent de leur propre main, il est important de comprendre comment votre propre main pourrait être identifiable à votre travail. Oui. En fait, je n'ai jamais admis cela, mais quand j'aiguise les crayons, je les aiguise et je rompt le point. Je ne pense même pas que je réalise que c'est ce que je fais, mais c'est ce que je fais. Parlons donc de l'utilisation du papier dans votre livre, car il semble juste être sorti d'un bloc-notes. À quel point ces pages étaient intentionnelles ? Il y avait beaucoup cette idée délibérée de s'assurer que les pages, bien qu'elles proviennent du même cahier, ou des mêmes deux ou trois cahiers, se sentaient un peu différentes. Donc, il y a certainement des chads suspendus, ou des coins pliés qui étaient intentionnels, mais pour la plupart dans le livre les pages déchirées que vous voyez, la taille de l'écriture réelle, c'est presque la taille réelle. Donc, le livre est quatre par six, et mon bloc-notes est trois par cinq. Donc, ce que vous voyez est presque exactement comme je l'ai créé. Pour moi, cela faisait partie de l'histoire visuelle de cette idée que je suis un créatif de travail, je ne suis pas un expert, mais je viens de vivre cette chose, et maintenant je vous passe juste mes notes comme, j'ai pris le cours un semestre à venir ici, vous allez. Plus que cela, je veux encourager d'autres personnes qui y trouvent de la valeur à lui donner encore plus de valeur émotionnelle en la donnant à quelqu'un qui, selon eux, pourrait l'utiliser. Ouais, chaque page de ce livre est un cadeau. C' est une de mes pièces préférées. Pourriez-vous le lire ? Bien sûr. Tu ne sais pas ce que c'est. C' est une surprise. C' est celui-là. Celui-ci est presque comme ma devise de vivre. Oh mon Dieu. Donc, c'est un chapitre sur l'échec. Ça dit : « Envie de chier, l'échec craint. Nous voulons tous réussir au premier essai, être les meilleurs et gagner instantanément, mais la vie ne fonctionne pas comme ça. Au lieu de vous blâmer ou d'autres, sachez simplement que de grandes choses prennent du temps. Sentez-vous un peu merdique, mais préparez-vous mentalement à aller de l'avant. » Tout ce qui vaut la peine prend beaucoup de temps. Ça prend tellement de temps, et je suis impatient, mais ça vaut la peine d'attendre. Oui. Alors que vous réfléchissez à mon interview avec Adam, j'aimerais que vous réfléchissiez à la façon dont vous pouvez révéler votre propre vérité humaine, parce que si vous pouvez révéler votre propre vérité humaine, vous serez inévitablement en mesure de vous connecter avec les autres, et leur la vérité humaine. Alors, demandez-vous, y a-t-il quelque chose de plus que je peux partager qui pourrait atteindre d'autres personnes, ou inspirer, ou aider d'autres personnes ? Je cache quelque chose ? Puis-je faire ressortir quelque chose qui pourrait permettre à quelqu'un de comprendre qu'ils ne sont pas seuls, qu'ils pensent de cette façon aussi et que nous sommes tous ensemble ? Pensez à la façon dont vous pourriez être capable d'apporter un peu de rigole, peut-être à votre histoire. Apportez ce petit bord denté qu'il a pour le rendre pithy, pour le rendre audacieux, et réfléchissez à la façon dont vous utilisez votre propre main pour refléter ce que vous écrivez. Est-ce quelque chose qui pourrait être identifiable avec votre voix, et votre main spécifique ? 3. Interview : Pam Butler: Pam Butler est l'un des premiers artistes de rue. Elle est devenue célèbre dans le street art au début des années 1990, quand tu risquais de te faire arrêter. Elle a fait de nombreux spectacles d'une seule femme. J' admire vraiment la façon dont elle a pu créer une carrière sans demander la permission de quiconque de faire quoi que ce soit. Salut. Je suis ici avec l'artiste de renom, Pam Butler. Nous allons parler du rôle de la narration visuelle dans son travail. J' ai pris connaissance de votre travail il y a près de 30 ans. Ça fait un moment. Vous avez été l'une des premières femmes artistes de rue avec Barbara Kruger et les Guerrilla Girls. Votre travail se distingue comme étant l'une des œuvres les plus importantes et provocatrices de l'art de rue des années 80 et 90. Pouvez-vous parler un peu de votre point de vue unique et du rôle global que joue la narration visuelle dans le travail que vous faites ? Je pense que notre culture sous-estime le pouvoir de l'image. Une partie de ce que je veux faire est de montrer la puissance de l'image et son impact réel sur nous. Une des façons de le faire est de répéter des images, faire beaucoup de répétitions. Donc, ça devient dans votre visage par la répétition et par la juxtaposition. Une fois que vous commencez à faire la répétition et la juxtaposition, même sans qu'il y ait une « histoire », vous obtenez quelque chose d'un récit. Vous avez une perception d'un récit et vous commencez à chercher ce qu'on vous demande de contempler. Parlez de la façon dont vous avez abordé la réalisation de ce projet. C' est le projet The Good Girl et c'est un corpus de travail qui met l'accent sur les femmes et les hommes avec des déclarations provocatrices qui sont très à votre visage. Parlez de la façon dont vous avez créé cette série. Donc, il fait des dessins très simplifiés, très caricaturaux, des dessins simples. J' avais le sentiment qu'il fallait très peu pour que nous lisions ce qu'est quelque chose, et ensuite nous y appliquons. J' ai fait un spectacle qui avait certains de ces dessins très simples avec des mots. Certaines choses politiques se passaient au début des années 90 et j'étais très irrité par le dialogue du mouvement féministe en ce moment et je ne savais pas comment en parler. Donc, je regardais ces dessins et j'ai dit, « Eh bien, ils pourraient être des affiches. » Parlez de la façon dont vous êtes capable d'obtenir des messages aussi profonds dans des juxtapositions aussi simples entre le langage et l'art. Il doit être en soi vraiment énergique et direct. Mon sentiment est que certaines des affiches n'ont pas fonctionné parce que les mots n'étaient pas aussi clairs ou que je cherchais trop fort pour un mot et ça montre ou quelque chose comme ça. Donc, c'est de cette façon que vous trouvez la bonne chose que vous pouvez tordre juste un peu. Ça vous donne le plus de coups de poing. La torsion est la chose la plus intéressante. Vous avez parlé de la lutte pour le rendre sans effort et de combien de travail va dans la simplicité, et comment vous pourriez avoir essayé trop dur et cela était évident. Quelle est la façon dont vous avez l'impression qu'il n'est pas torturé ? Comment obtenez-vous cela pour qu'il ne soit pas évident pour le spectateur que vous avez travaillé si dur là-dessus ? Tu sais juste quand tu travailles dessus. Si ça a l'air trop serré, il y a une étanchéité que vous obtenez dans le travail qui a été fait dur. Donc, si ça commence à ressembler de cette façon, il doit être complètement retravaillé ou jeté. Avec ma façon de travailler, cela signifie souvent le jeter. D' habitude, c'est la ligne. C' est juste, si c'est serré, s'il n'a pas cette morsure, s'il semble que l'effort est trop fort. Quel est le rôle que vous attendez du spectateur à apporter aux pièces par projection ? Je veux qu'ils se projettent, tout comme je me projette dedans, je veux que le spectateur s'y projette et voit comment ceux-ci sont liés à leur relation avec le monde. Mais ceux-ci peuvent être tout à fait différents. Ils le sont souvent. Parfois, ils le sont. Mais je suis surpris qu'ils ne soient pas toujours aussi différents que je pense qu'ils le seront. Pourquoi c'est comme ça ? Pourquoi ça vous surprend ? Je suis surpris de voir combien de fois les gens voient vraiment ce que j'essaie de projeter. Je pense que la série Miss America a probablement été la plus grande lutte dans ce domaine, parce que les mots dans le projet Guerrilla ont rendu beaucoup plus explicite ce que je travaillais avec. Les gens du projet Miss America apportent beaucoup de leur propre histoire sans, et ils mettent également fin à leur propre lecture féministe. Donc, en grande partie, c'est que j'ai mis la politique dessus avant qu'ils ne s'y mettent. Quand tu fais ça, tu n'arrives pas à ce qu'il y a en dessous. Pourquoi avez-vous l'impression que nous manquons des messages ? Est-ce parce que nous sommes tellement surchargés par eux ? En partie parce que nous sommes tellement surchargés par eux, en partie parce que nous nous estimons en tant qu' individus et nous pensons que nous contrôlons comment ces choses nous affectent, alors qu'en fait, nous ne le sommes pas. Pourquoi pas ? Je pense que ce n'est pas un niveau d'honnêteté avec nous-mêmes, pas d'honnêteté avec la façon dont nous ne sommes pas les êtres humains totalement autonomes en contrôle total de nous-mêmes, que nous sommes manipulés et que l'imagerie est un facteur très important dans la façon dont nous sommes manipulé, et que les histoires sont construites autour des images. Les histoires comme un symbole vraiment puissant dans l'Europe chrétienne était la Vierge et l'Enfant. Il parlait beaucoup et disait beaucoup de choses. Les gens savaient qui ils étaient et leur relation avec cette image. Oui. Nous aimerions nous voir libres de cela, mais nous ne le sommes pas. Nous ne le sommes pas. Alors, qu'est-ce que votre travail essaie d'exprimer dans ce royaume ? Pour être honnête avec vous-même, ces images jouent un rôle dans votre vie et influent sur la façon dont vous pensez de vous-même et de la culture dans laquelle vous vivez et sur le fonctionnement de cette culture. Parce que sinon, vous allez être manipulé par eux et vous pas en mesure d'être aussi efficace que vous voulez l'être dans le monde. Pour quelqu'un qui est intéressé par la création d'un ensemble d'œuvres fois auto-expressives et universelles, quel genre de conseils leur donneriez-vous ? Soyez brutalement honnête avec vous-même d'abord. Comment commencez-vous à décoller les couches pour arriver à cette honnêteté ? Quel genre de questions vous posez-vous ? Vous vous demandez pourquoi je fais ça ? Qu' est-ce que cela signifie vraiment pour moi ? Qu' est-ce que ça va vraiment dire ? Ne soyez pas satisfait de la réponse facile. Ne vous attendez pas à ce que votre première réponse soit la bonne réponse. Tu es quelqu'un qui n'a jamais demandé la permission de faire ton art. Pour tous ceux qui sont intéressés à créer leur propre travail mais qui ont peur de le faire parce qu'ils ne savent pas si quelqu'un sera intéressé si quelqu'un va l'acheter ou si quelqu'un s'en souciera, que dites-vous à cette personne ? Si vous voulez être artiste, vous allez dans le studio et vous faites du travail. Si l'exposition et la vente sont ce qui est important pour vous, alors demandez-vous si vous êtes doué dans le domaine de l'art et si cela vaut la peine des luttes en studio. Si le montrer est ce qui est important pour vous, alors vous ne serez pas en mesure d'atteindre les niveaux les plus profonds. Tu ne l'es pas parce que tu vas toujours avoir l'idée de l' autre et comment tu projettes et ce qu'ils pensent. C' est horrible pour moi de devoir le montrer maintenant parce que je me sens très exposé et c'est beaucoup plus sûr de garder ce travail en studio et de contrôler très qui le voit. Donc, vous devez être prêt à faire face à ça. Donc, je pense que c'est vraiment une question de ce qui est important ? Pourquoi tu fais ça ? Qu' est-ce qui vous pousse à elle ? Si ce qui vous pousse, c'est qu'il doit être partagé, alors vous devez faire une œuvre qui est facilement partagée. Si vous le faites parce que vous avez la contrainte de le faire, alors vous devez le faire, qu'il puisse être partagé ou non. Alors que vous réfléchissez à mon entretien avec Pam, pensez à combien d'autorisation exigez-vous des autres. Si vous pensez que vous êtes trop occupé pour faire quelque chose ou faire quelque chose, reconnaissez que occupé est une décision. Nous décidons de faire ce que nous voulons faire, si nous pensons que c'est une priorité. Donc, si ça veut dire que vous devez être debout au milieu de la nuit, mettre des affiches de mauvaises herbes quelque part dans la ville où vous vivez, peut-être que c'est ce que vous devez faire. Mais ne demandez à personne la permission de créer votre propre travail généré par vous-même. C' est la seule fois que tu peux faire ce que tu veux. La grande chose à propos de la narration visuelle est que vous êtes à la fois l'auteur et l'artiste. Ainsi, vous pouvez changer le texte. Vous pouvez changer l'art. Vous n'avez pas besoin de demander la permission de quelqu'un pour faire quoi que ce soit. Alors, ouvrez les chaînes, libérez votre esprit et essayez de créer quelque chose comme si personne ne mettait jamais de paramètres sur ce que vous faites. 4. Interview : Giorgia Lupi: Giorgia Lupi est une designer extraordinaire et est capable de créer de la poésie avec des données. Ses histoires visuelles sont entièrement faites avec des données et elles sont faites avec une esthétique que je n'ai jamais vue auparavant. J' ai aujourd'hui le grand privilège de m'entretenir avec Giorgia Lupi, la célèbre conceptrice d'informations. Giorgia, félicitations. J' ai cru comprendre que vous travaillez maintenant dans deux musées. Merci, Debbie. Le Museum of Design d'Atlanta et le Museum of Modern Art de New York. Ça fait un an avec la publication de votre livre, Dear Data. Je n'ai jamais rencontré quelqu'un qui soit capable de créer une histoire visuelle avec des données tout à fait comme vous le pouvez. Dites-moi comment vous avez réalisé que les données pouvaient être poétiques ? Eh bien, j'ai toujours été très fasciné par les chiffres. Pour moi, les chiffres ont toujours été beaux, même quand j'étudiais. Je pense que les chiffres sont pour moi des règles qui peuvent conduire à des créations qui sont moins arbitraires que le simple dessin et la création graphique en soi. Donc, je pense que pour moi, chiffres ont toujours été beaux, et d'une certaine façon, ils sont encore plus beaux quand ils deviennent des histoires qualitatives et donc pas seulement des chiffres, mais quand les données deviennent un moyen d'interpréter ce qui se passe sur. Pour moi, avoir des règles et avoir des nombres, des quantités et des variables m'ouvrent mon imagination visuelle. Emmenez-moi à travers votre approche, emmenez-moi à travers les étapes que vous prendrez pour faire quelque chose. Bien sûr. Donc, par exemple, je pense que c'est plus facile si j'explique le travail qui est maintenant au MoMA. Oui. Donc, j'ai commencé avec une exposition qui est une exposition fascinante sur mode qui, à travers 111 articles, donc vêtements et accessoires, nous aident vraiment à comprendre comment la mode a influencé et influence encore notre vie et la façon dont nous nous rapportons les uns aux autres. Donc, j'ai commencé avec une liste de 111 articles et j'ai commencé à formuler quelques questions. Alors, qu'est-ce qui est intéressant de comprendre sur le processus de conservation, par exemple, et j'ai commencé à classer chaque élément selon, est-ce un support ou un message ? Ainsi, par exemple, c'est dans l'exposition en raison de ses caractéristiques techniques et esthétiques ou pour ce qu'elle représente et c'est déjà quelque chose qui peut m'aider à construire deux paramètres. Puis, quand était-ce l'émergence la plus intéressante au fil du temps ? C' est une autre colonne que je vais remplir avec des données. Alors, est-ce un symbole du mouvement ou la conséquence d'un mouvement ? Avec Paola Antonelli, qui est la conservatrice de ce spectacle, nous avons rempli ces catégories et bien d'autres. Ainsi, vous voyez, à partir d'une liste d'éléments, vous pouvez ajouter des catégories et des types d'analyses qui vous aident à apporter des paramètres pour cette feuille de calcul que vous allez remplir. Après cela, je pense qu'il est important de comprendre quelle est l'histoire principale qui doit sortir. C' est la chose qui doit se démarquer visuellement le plus, et c'est beaucoup de croquis pour moi. Ensuite, vous testez avec les données et la plupart du temps, vous devez revenir et esquisser à nouveau. Mon approche des données est très artisanale. Je ne code moi-même pas, et j'ai pensé que je vais apporter cette non-capacité à coder au niveau extrême et vraiment le faire sur le travail et les mains. Donc, vous avez la liste fixe et ensuite vous avez la liste subjective que vous apportez à l'analyse de la liste fixe, et ce sont des questions que vous créez qui vous permettent comprendre les constructions et le contexte de ce que vous êtes l'analyse. C' est une façon parfaite de le dire. Dans ce cas, j'ai collaboré avec des gens qui sont experts sur ce spectacle, en utilisant leurs recherches de fond comme point de départ pour poser les questions, mais je pense que c'est vraiment important parce que parfois nous pensons que nous sommes avec des données et peut-être que nous n'avons qu'à les visualiser. Mais nous pouvons également créer des données qui peuvent nous aider à comprendre les schémas cachés des histoires et, pour moi, c'est ce qui est le plus convaincant. Donnez-moi quelques exemples, si vous le pouvez, c'est vraiment intéressant, les schémas cachés des histoires. Eh bien, je pense qu'il est facile de le comprendre quand il s'agit de données personnelles, par exemple, à travers le travail de Dear Data. Bien sûr, nos jours et nos vies et même nos biens peuvent être vus comme une collection de choses et une collection de moments, mais plus vous analysez chaque instant, chaque possession unique selon questions que vous voudrez peut-être poser et comprendre, elles commencent à devenir des données. Vous avez écrit Dear Data à un ami. Oui. Vous avez communiqué via des cartes postales et vous vous êtes envoyé une carte postale chaque semaine dans laquelle vous visualisez une expérience de cette semaine via des données. Pouvez-vous parler un peu de la façon dont vous approchez de faire le travail. Eh bien, par exemple, il est intéressant de se rapporter à Dear Data parce que pendant 52 semaines, nous avons dû, chaque semaine, faire une création originale et l'envoyer hors du chemin avant la fin du week-end, mais alors le processus commence à ressembler aux données de la semaine et ce étaient données personnelles sur les activités, puis nous avons enrichi avec des détails sur nos jours. Alors regardez quelle était l'histoire principale que nous voulions raconter, et la plupart du temps, il était simplement chronologique de montrer à l'autre personne le rythme de nos jours à travers cette activité. Bien sûr, lorsque vous travaillez avec des données, vous avez des règles à l'esprit. Donc je sais que si vous voulez raconter une histoire chronologiquement, je pourrais utiliser un passage par exemple de jours et d'heures ou je peux construire une chronologie ou je peux organiser les choses juste l'une après l'autre et donc vous avez déjà une grille dans votre esprit, mais alors vous devez trouver des moyens de visualiser les éléments, de sorte que les points de données. Donc, pouvez-vous parler un peu de la façon dont vous combinez ce qui devient vraiment trois éléments. Dans la narration visuelle, nous en parlons principalement comme un langage et un art, mais ici, nous parlons vraiment de trois éléments qui rendent beaucoup plus difficile, à savoir la langue, l'art et les données. Oui. Eh bien, il y a tellement de choses à dire à ce sujet. Ce que je fais, je pense que c'est plus du côté de l'utilisation d'une expression artistique, comme une expression visuelle qui n'est pas nécessairement celle qui est définie par une convention déjà intégrée pour une donnée de présentation, mais ensuite chaque fois essayer de construire un qui est vraiment spécifique pour les données avec lesquelles je travaille, et la façon dont je communique ensuite ce qu'il y a dans les données est de créer une légende, une clé. Mon travail est toujours combiné avec la légende. C' est un autre alphabet. Oui. Je pense que c'est un alphabet qui, je suis vraiment amoureux de mon travail. C' est incroyable parce que chaque fois que vous créez un nouvel alphabet. Donc, nous avons beaucoup entendu parler de fausses nouvelles ou de faits alternatifs. Quelle est la part de ce qui est impliqué dans la visualisation des données ou en est exempté ? Ouais, eh bien, je commencerais par dire que parfois, j'aimerais rappeler aux gens que les données n'existent pas. Nous avons donc créé des données parce que nous ne pouvions pas stocker la vie sur un disque dur. Donc, les données sont une abstraction de la réalité, et les données sont toujours et principalement fabriquées par l'homme, et même si elles proviennent d'un capteur ou d'un logiciel, un être humain a conçu le capteur, le logiciel, et a décidé quoi inclure et ce qu'il faut laisser de côté. Donc, si nous commençons par ces points, nous pouvons aussi dire que les données sont souvent imparfaites, et pourquoi je pense que nous manquons beaucoup de temps est certainement cette connaissance que les données ne sont pas parfaites, parce que ce que vous dites est aussi que si les données sont sujettes à une interprétation, est probablement mauvais. Eh bien, les données sont toujours sujettes à une interprétation, donc je pense que nous devrions arrêter de penser que nous avons des données, fin de la conversation. C' est la réponse ultime à notre vérité. Je pense que les données sont mieux basées que les données aléatoires, mais nous devons quand même tenir compte du fait que nous sommes tous des êtres humains et même les histoires basées sur les données sont imparfaites et sujettes à une interprétation. Je pense qu'un aspect qui pourrait prêter à confusion pour les gens avec des données est qu'il y a une hypothèse selon laquelle les données sont en quelque sorte liées ou basées sur des mathématiques ou des chiffres, et bien que cela puisse avoir à voir avec des modèles ou avec des répétitions, ce n'est pas toujours basé sur les nombres, c'est souvent interprété. Oui. Je veux dire, il peut aussi être toujours numéroté, mais même s'il est numéroté, les angles que vous regardez ces nombres et les agrégations que vous avez faites sont faits par l'homme. Donc, il y a toujours un aspect de l' orientation directionnelle plutôt que de la vérité empirique. Je pense que oui. Alors que vous réfléchissez à mon entretien avec Giorgia, réfléchissez à la façon dont vous pourriez être capable de prendre le type de messagerie le plus banal et de le rendre significatif. Si vous êtes capable de déconstruire n'importe quel type d' expérience en la plus petite quantité d'informations, comment pouvez-vous reconstruire cela d'une manière qui est surprenante ? L' alphabet anglais a 26 lettres. Comment pouvez-vous utiliser ces lettres ou chiffres qui sont infinis pour être en mesure créer de l'art qui permet aux gens de comprendre une expérience humaine, n'importe quelle expérience humaine, et si vous pouvez déconstruire n'importe quelle expérience en ses plus petites parties, puis le reconstruire en quelque chose de plus grand que la vie, les chances sont que vous êtes sur quelque chose de vraiment intéressant. 5. Interview : Paul Sahre: Paul Sahre est le concepteur le plus conceptuel que je connaisse. Tout ce qu'il fait, qu'il s'agisse d'une pièce pour le New York Times ou d'une couverture de livre, a une idée vraiment forte, et tout est construit sur cette idée. Tout ce qu'il fait est vraiment cérébral, mais aussi très beau. Bonjour, je suis ici avec Paul Sahre, l'incroyable et brillant auteur, illustrateur et designer. Aujourd'hui, nous allons parler un peu de narration visuelle. Paul, même si j'aime le mot narration visuelle, le sous-titre de votre tout nouveau livre, Two Dimensional Man, est un mémoire graphique. Alors, comment décririez-vous ce qu'est un mémoire graphique ? Je pense que c'était une autre façon de dire un mémoire de graphisme. En ce qui concerne l'idée de raconter des histoires, c'est le récit réel avec des mots. Les mots et les visuels. Les visuels donnent vie aux mots. Tu le crois ? Sans aucun doute. D' accord. Ce serait un livre complètement différent si ce n'était que des mots. Je suppose que je n'y avais pas pensé de cette façon. Je résistais aux images. Oui, en termes de mémoire d'un graphiste, je pense que c'est, en fin de compte, je pense qu'il est important qu'une partie du travail soit là parce que le travail établit le point de vue dans une certaine mesure, sorte que quand je parle de choses qui apparemment n'ont rien à voir avec le design graphique, vous pouvez voir une connexion. Certaines des choses que j'ai fini par faire, je pense que certaines des choses auxquelles vous répondez aiment la table des matières et faire des choses avec la typographie qui accentuent ce qui se passe. Il aurait pu y avoir beaucoup plus de cela. En fait, il y avait beaucoup plus de cela et j'ai en quelque sorte édité une partie. Pourquoi ? Eh bien, c'est un livre sur le design. Ce n'est pas un livre de design. Comment différenciez-vous ? Je voulais que ce soit un mémoire et pas une monographie. Je voulais que ce soit sur la façon dont quelqu'un peut faire ce truc. Obsédé par la forme typographique et la sémiotique et l'espace bidimensionnel et les grilles. Pour un lecteur général, comme pourquoi quelqu'un voudrait-il consacrer sa vie à cette chose ? Pourquoi consacrez-vous votre vie à cette chose ? Je ne dirais pas que ma mère serait la première en ce qui concerne un lecteur. J' ai trouvé du design à la fac. J'ai beaucoup dessiné. C' est une sorte d'entrée dans l'histoire, mais j'ai beaucoup dessiné et je ne savais pas vraiment dans quoi je m'embarquais. Puis on m'a initié à la culture du graphisme quand j'étais au Kent State où j'étudiais en tant que premier cycle et on m'a appris qu'être graphiste était une vocation. Ce n'est pas un boulot. C'est qui tu es. Votre travail est très basé sur les mots. Je vous considère comme le concepteur conceptuel le plus important. Tout est basé sur des idées. Parlez de la façon dont vous abordez le design en utilisant les mots comme un élément visuel si important. Je pense que la plupart des designers finissent par être ainsi simplement parce que c'est comme si tu étais en classe de peinture à l'université et que tu utilises juste pour une raison quelconque des mots dans ton travail, et la typographie est quelque chose pour lequel nous développons un amour et un comprendre, après le fait, nous grandissons avec des mots évidemment, les mots sont importants. Puis quand vous êtes en école de design, et que vous ne pensez pas à la forme de ça, et quand vous concevez l'école, c'est une sorte de révélation parce que tout d'un coup, vous êtes comme des polices de caractères. La forme que prend la typographie peut changer totalement le sens, modifier, la diriger dans cette direction et cela prend un certain temps. Cela m'a pris un certain temps et avoir enseigné pendant de nombreuses années. Une des choses qui est le plus difficile dès le début avec les étudiants en design, c'est de comprendre que, non, oublier ce que le mot signifie. Maintenant, vous vous concentrez sur elle, ce sont des formes, et E est une forme et cela peut signifier et sentir une certaine manière totalement dépourvue de ce qu'elle fait ou du mot dans lequel elle se trouve. C' est une chose très difficile pour les étudiants en design d'embrasser parce que nous sommes tellement habitués à lire et à penser que les lettres sont déjà nos amis, et ils savent que nous n'avons pas à y penser. Apprendre à respirer. Une fois que vous commencez, puis mettez la forme et le sens ensemble, cela crée toutes ces opportunités. Vous devez avoir une certaine propriété de ce que vous faites avec la typographie, et cela semble encore une fois que cela n'aurait aucun sens parce qu'un graphiste typiquement, bien que beaucoup le fassent, ne crée pas les formulaires. Nous utilisons des formulaires que les typographes ont créés, puis nous les recombinons de différentes manières et le fait qu'un designer aurait un style typographique très, très différent de quelqu'un, ou un voix typographique être très différente d'une autre personne, quelque sorte sur le visage, c'est comme bien, comment est-ce que ça pourrait même être ? Si vous n'inventez pas les formes, mais c'est totalement l'est. Donc, je pense que c'est certainement quelque chose dont je suis conscient que je dois m'assurer que je ne vais pas dans l'espace de quelqu'un d'autre. Alors j'ai toujours l'impression qu'il doit aussi pousser là où vous êtes typiquement. Il doit y avoir un certain risque. Est-ce que ça a l'air revigorant, ou est-ce que ça fait peur ou ? Oh, non, je pense que les deux. C' est dur aussi. Si vous ne faites pas que quelque chose que vous êtes à l'aise. Je ne dis pas que je ne me répète pas parce que je pense que ça fait partie de ce que nous faisons aussi. Il y a aussi une vue d' ensemble de la situation particulière que vous réclamez. Qu' est-ce qu'il a besoin, qu'est-ce qu'il veut, et cède à cela. Combien. Mais je pense que dans un sens plus large aussi que vous voulez faire quelque chose, un graphiste n'a pas un public captif comme un cinéaste. Un cinéaste, je suppose que vous vous levez et partez. Mais nous allons dans une pièce et nous nous asseyons, puis nous regardons l'écran, et vous regardez l'écran. Le travail d'un graphiste s'étend quelque part, ou il se déplace sur le côté d'un bus ou quelque chose comme ça, et c'est comme. Donc, il y a ça qui se passe aussi. Vous devez créer une situation avec elle qui raconte une histoire, mais qui attire aussi l'attention de quelqu'un, les fait arrêter, les amener à prendre quelque chose, les amener à agir. Je plaisante toujours autour de la conception d'une carte de visite qui semble être un peu d'espace de deux pouces par trois pouces là-bas et je pense que la plupart des gens iraient pourquoi vous vous soucieriez de concevoir une carte de visite, mais c'est super fascinant. Pensez à son fonctionnement. Je suis vraiment intéressé par la façon dont vous avez édité votre propre travail dans le livre. Je veux dire que beaucoup de choses dans ce cas ont eu à voir avec l'écriture. J' ai eu l'impression qu'à un certain moment, je devais avoir cette conversation comme je vais le faire, nous allons trop loin dans cette autre direction. On doit le garder là-bas. Mais une grande partie de cela était liée à essayer de comprendre quelle était ma voix en termes d'écriture. Vraiment avoir un plan en termes de ce qui est dans le livre doit revenir et se rapporter à la conception et à la forme de l'histoire. Si c'est quelque chose qui est juste une histoire intéressante et qui ne se rapporte pas, alors il ne devrait probablement pas être là dedans. Était-ce douloureux de prendre ces décisions ? Certains d'entre eux oui. Certains d'entre eux l'étaient. Mais encore une fois oui, comme vous l'avez dit, je pense qu'en tant que designer, vous devez être rédacteur dans une certaine mesure et vous êtes habitué à idée qu'à un moment donné, vous travaillez sur ce truc depuis quelques semaines et que vous êtes en quelque sorte amoureuse de ça, et puis vous dites : « Je dois tuer ça », parce que ça ne fait pas ou qu'il doit aller dans une autre direction et j'ai appris il y a longtemps à être capable de lâcher prise dans ces situations. Donc, je pense que cela a rendu les choses plus faciles quand il s'agit de mots. Vous avez actuellement trois pièces en vue dans un autre musée, le Musée du Design d'Atlanta. Une des pièces est une affiche que j'ai vu dans Christoph meme en studio, et il a les mots essayer, essayer à nouveau comme le message. Alors, pouvez-vous parler un peu de la raison pour laquelle vous avez décidé d'utiliser ces mots particuliers de la façon dont vous avez conçu l'affiche ? Cette affiche est un peu intéressante parce que le message et la forme qu'il prend sont totalement, je me demande vraiment ce que les gens en retirent, parce que le contexte dans lequel l'affiche a été conçue est totalement différent maintenant. Parce que si quelqu'un le voit maintenant, il est retiré de ce contexte et le contexte original était un projet que j'ai fait qui implique les missions Apollo, et un lancement de fusée pour impliquer mon père, un accident de fusée modèle et puis une relance de 40 ans plus tard. C' est pourquoi il a été conçu à l'origine. Il se référait spécifiquement aux missions lunaires d'Apollon dans la fusée Saturne 5 et à l'idée que l'espoir jaillit éternel, je suppose. Donc, la forme qu'il prend est, c'est un rouge et argent et je ne sais pas à quel point cela se trouve en termes d'exploration spatiale, au début des années 70, ou comment cela a changé ce message. Parce que bien sûr, nous avons entendu beaucoup, beaucoup, beaucoup de fois dans notre vie essayer, essayer à nouveau. Je ne sais même pas d'où vient cette phrase. Mais la forme et ce qu'elle dit sont une sorte de collision bizarre. Donc, ça crée quelque chose de nouveau. Ce qu'il crée, je reconnais en tant que designer, je n'ai aucun contrôle sur maintenant, qu'il est libéré de son contexte d'origine. Je pense que de bien des façons, cela arrive à l' une des choses qui est la chose la plus intéressante dans le design de toute façon, parce que vous faites des associations visuelles pour des raisons spécifiques. Ensuite, il sort du monde, libéré dans beaucoup de cas de ces raisons et de la nécessité. Alors, qu'est-ce que cela signifie pour les gens, et s'en soucient-ils ? Je pense que c'est constamment un processus d'apprentissage pour un designer, et aussi le fait que j'ai l'impression que nous pourrions en être des étudiants pour toute votre carrière et être encore novice. droite. Alors, comment as-tu pu t'ennuyer en tant que designer ? Alors que vous réfléchissez à mon entretien avec Paul, pensez à ce que vous créez votre histoire visuelle, quelle est votre grande idée, et comment allez-vous révéler cette idée ? Tu donnes trop ? L' un des grands problèmes que je vois dans la narration visuelle est de donner toute l'histoire. Comment pourriez-vous engager votre public en diffusant le matériel d'une manière à la fois dramatique et qui évolue vraiment bien. Continuez à penser à ramener l'histoire à cette idée et à finalement créer une résolution à la fin qui nous permet de comprendre ce qu'est cette idée et pourquoi elle est importante. 6. Conclusion: Merci beaucoup d'avoir regardé ces interviews aujourd'hui. J' espère que vous avez vraiment apprécié mes conversations avec Georgia Lupi et Paul Sér, Pam Butler et Adam J. Kurtz. Joseph Campbell a dit que le besoin pour les humains, pour les homosexuels de raconter des histoires est l'une des manifestations profondes de l'esprit humain. Donc, j'espère que cela vous a inspiré à faire vos propres histoires visuelles et à révéler votre profondeur et votre esprit humain. 7. Plus à explorer: