Introduction au son de post-production pour le cinéma

1. Bienvenue !: son non seulement ajoute au film, mais c'est un élément essentiel du récit En tant que concepteur sonore, être capable de créer du son pour Film est vraiment gratifiant, mais si vous êtes réalisateur ou monteur vidéo ayant une compréhension de base du fonctionnement du son, dans une post-production particulière aidera à faire passer votre projet au niveau supérieur Bonjour à tous ! Je suis Gabby et, bienvenue « Une introduction à la post-production audio » dans ce cours, nous couvrirons tous les aspects fondamentaux de la publication audio que vous devez connaître pour obtenir les meilleurs résultats pour votre travail. post-production audio est l'endroit où tous les éléments du son se rejoignent, et vous avez peut-être vu nos cours précédents sur le son de préproduction et de production et, dans cette classe, nous rassemblons toutes ces connaissances et les résultats de ces étapes, pour créer un dernier morceau de film poli. Les éléments clés de la publication audio et les domaines sur lesquels nous allons couvrir les bases de cette classe sont : synchronisation et montage de dialogues, ADR, montage et conception sonore d'effets sonores, foley, montage et mixage de musique. La post-production cinématographique est l' une des phases les plus longues de la production d'un film. De nombreux éléments doivent être rassemblés, à différentes étapes du processus de post-production, afin d'obtenir une coupe finale prête à être distribuée. Tout au long de ce cours, je vais démontrer les techniques discutées et vous donner des exemples avant et après chaque étape et, dans l'intérêt de ce cours, toutes mes démonstrations auront lieu au sein de Pro Tools, car c'est la norme de l'industrie, mais si vous utilisez un autre programme ou un autre logiciel, ce que je vous montre dans Pro Tools est complètement transférable au logiciel que vous utilisez tant que les fonctionnalités sont disponibles. Il convient également de mentionner qu'il existe une version gratuite des outils Pro que vous pouvez également utiliser si nécessaire. Pour le projet de classe, vous pourrez débloquer votre créativité en travaillant sur une scène courte où vous pourrez pratiquer toutes les techniques apprises dans ce cours, de l'édition de dialogues à la conception d'effets sonores. Tout ce dont vous avez besoin se trouve dans le matériel de classe. Que vous soyez cinéaste, nouveau dans ce ou cinéaste qui travaille sur des films depuis longtemps mais qui n'a jamais pénétré dans le monde de la post-production audio, ce cours vous aidera à approfondir vos connaissances créatives. Je suis tellement content que vous ayez rejoint ce cours. Commençons maintenant et merci d'avoir regardé. 2. Verrouillage de photos: Pour commencer la post-production audio d'un film, verrou d' image doit être terminé. C'est pour que vous puissiez travailler sur une séquence vidéo qui ne subira aucun changement. En effet, si des modifications visuelles sont apportées, c'est-à-dire des scènes coupées, tous les sons précédemment synchronisés ne seront plus à la bonne position sur la chronologie. Et dans de nombreux cas, corriger cela va au-delà du simple déplacement de tout le son sur la chronologie. Le rasage des cadres ici et là peut signifier une modification complète des effets sonores, du foley et plus encore. Une fois votre film verrouillé, il est temps de commencer les séances de repérage. Une séance de repérage implique un réalisateur et une équipe de conception sonore. Au cours de ces séances, ils discuteront des éléments sonores du film en regardant le film et en marquant les points d'enregistrement, de montage et de création. s'agit d'un élément crucial du processus car il permet une communication claire de la vision du réalisateur à l'équipe sonore. choses qui devraient être discutées avec le réalisateur sont les suivantes : ton général et esthétique, construction du monde , à quoi ressemble le monde avec les personnages qui vivent ? Quel est le calendrier, des choses comme ça. Tous les moments spécifiques de conception sonore et de signalisation de zones problématiques telles que le mauvais son de production ou le dialogue. J'ai ajouté un modèle pour la feuille de repérage aux matériaux de la classe. Alors, n'hésitez pas à l'utiliser pour la classe ou pour n'importe lequel des mots que vous pourriez faire. 3. Sync du son: Avant le verrouillage de l'image et juste après que l'équipe du son de production ait fourni de l'audio à l'éditeur de films, synchronisation du son a généralement lieu. La synchronisation des sons est généralement effectuée par l'éditeur de films. Toutefois, si votre projet est un spectacle à une personne, vous pourriez vous retrouver seul à le faire. Pendant le film, l'équipe du son et de la photographie a dû s'assurer qu'elle capturait l'audio et la vidéo à la même fréquence d'images et s'est mise d'accord sur un système de synchronisation. Un clapperboard est incontournable et avoir cette référence à la fois pour l'image et le clap traditionnel, permettra aux éditeurs de synchroniser l'audio vers vidéo sans problème, quel que soit l'autre système de synchronisation implémenté et toute problématique pouvant découler de leur utilisation. L'utilisation de technologies permettant périphériques vidéo et audio inclut la synchronisation par une synchronisation de bourrage, qui utilise le code temporel SMPTE dans lequel un périphérique maître informe l'heure à un appareil qui en dépend. Cela peut être fait de diverses manières, par exemple en utilisant un appareil tel que le tentacule, qui communique avec l'appareil photo et le périphérique d'enregistrement audio via Bluetooth ou via la connexion d'un câble BNC pour n'en citer que quelques-uns. Tout cela fonctionne très bien, mais ils peuvent également apporter des problèmes inattendus, donc il est essentiel de toujours avoir un clapperboard low tech. Une fois que le monteur aura tous les séquences vidéo, il utilisera le logiciel de montage vidéo de votre choix. Un logiciel comme Premiere vous permettra de fusionner clips vidéo et audio en identifiant la forme d'onde créée par le clapper board. Et il existe maintenant d'autres fonctionnalités intelligentes, qui se synchronisent en fonction du code temporel. Quel que soit le chemin, si vous êtes éditeur, arrivez dans un projet peu de temps après le début de la production , ou même un peu plus tard, assurez-vous de demander toutes les notes. réalisé par l'équipe de son et le superviseur du scénario. 4. Comment modifier et Dialogue de la Clean: Une fois que vous avez suivi les sessions de repérage avec l' équipe, ou par vous-même si vous effectuez vous-même la post-production et que vous travaillez sur la post-production, il est temps de passer à l' édition du dialogue . Pendant la phase de verrouillage de l' image, l'éditeur aurait dû synchroniser tous les dialogues de production avec leurs modifications vidéo. Cela inclut idéalement non seulement une source comme le micro du fusil de chasse, mais également toutes les autres sources capturées comme la radio ou les micros de salle. À ce stade, l'éditeur de dialogue peut sélectionner les pistes de dialogue de production, fonctionner ou sonner le mieux pour la scène et commencer à les nettoyer et à les éditer au besoin. Cela dit, il n' est pas rare que le monteur et le réalisateur choisissent des prises audio. C'est également une bonne façon de travailler , mais il est toujours recommandé de placer ces prises en haut de la session et de garder l'autre audio synchronisé en bas. Si votre équipe est suffisamment grande pour que vous travailliez séparément avec les cinq éléments audio, alors une session avec uniquement des dialogues organisés de la manière que je viens expliquer est donnée au éditeur de dialogue sans effets sonores, ambiances ou pistes musicales nécessaires. Toutefois, si une seule personne travaille sur l'audio de votre film, il est sur l'audio de votre film, conseillé de coder ces pistes de dialogue en couleur. Une fois que vous avez vérifié la synchronisation ou effectué la synchronisation de la boîte de dialogue pour vous-même, vous devez vous assurer que tout bruit indésirable est supprimé des pistes et qu'ils sont réduits à la longueur requise. Avec le nettoyage du dialogue, nous commencerons par ce que on pourrait décrire comme une solution de faible technologie. Plutôt que d'être trop excité et de sauter immédiatement vers l'utilisation de plugins et d'autres outils auxiliaires plugins et d'autres outils auxiliaires tels que des égaliseurs et des compresseurs . Nous devons d'abord dégager la voie en coupant des morceaux audio indésirables et inutiles. Et effectuer l'automatisation des volumes. Veillez toujours à ce qu'il n' y ait pas de plongées audio dramatiques, coupures qui rendent le dialogue trop artificiel. Un exemple de cela est ici. Ici, la solution est assez simple. Une coupe de ce bit à la fin de l'audio et un fondu très court font l'affaire. Un autre concept très important et fondamental est celui du remplacement des espaces par la tonalité de la pièce. Tout au long de nos autres cours sur la préproduction et la production audio. Nous vous avons parlé du ton de la pièce et de l'importance de capturer autant que possible lors du tournage. édition des dialogues n'est pas la seule raison, mais c'est probablement l'une des raisons les plus importantes pour lesquelles nous le faisons. Prenons par exemple cette section ici. Nous devrons éliminer ce bruit. Cependant, si nous venons de le découper et même d'ajouter un fondu à la fin du clip audio et un fondu au début. Le silence est vraiment perceptible et rend le son audio artificiel. Heureusement, parce que nous avons le ton de la pièce à notre disposition, nous pouvons résoudre ce problème. N'oubliez pas que le dialogue doit être clair et intelligible. Si vous avez constaté au cours de la phase de repérage que ce n' est pas le cas pour certains dialogues de production. Vous devrez peut-être penser à faire de l'ADR, qui est automatisé ou un remplacement de dialogue supplémentaire. S'il y a des bruits en arrière-plan du dialogue, l'enregistrement peut être possible de les supprimer. Une bonne table de mixage garantit l'enregistrement de tous les polluants sonores qui n'ont pas pu être évités pendant la phase de tournage, par exemple, et d'une batterie portable bruyante utilisée pour alimenter les lumières ou le bourdonnement d'une unité frigorifique. La capture d'un enregistrement de ces sons eux-mêmes peut permettre aux éditeurs audio de filtrer ces sons en post en utilisant plugins tels que le débruit spectral d'Izotope. Nous avons résolu C'est une autre utilisation très importante des tonalités de pièce que nous avons résolue Avec tous vos dialogues bien synchronisés et nettoyés. Vous pouvez maintenant passer à ADR si c'est une étape requise pour votre projet. 5. Comment configurer une session ADR: Très souvent, vous constaterez qu'une partie de l'apparition audio enregistrée est soit trop bruyante, corrompue, manquante, soit tout simplement pas la qualité requise et l'ADR est le moyen de résoudre ces problèmes. ADR est le processus d'enregistrement de nouveaux dialogues dans un environnement studio pour synchroniser avec la vidéo. Il faudra que l' acteur se synchronise aussi étroitement que possible avec la performance originale. L'acteur doit s'assurer d'essayer de délivrer la même émotion et la même puissance qu'ils ont exprimées lors de l'enregistrement original. ensemble, une session ADR est composée d' un relais d'écran et d'un microphone de choix pour l'acteur. L' enregistreur ADR préparera une session avec l'image et synchronise n'importe quel audio comme référence pour l'acteur, et mettra en place une salle dans laquelle l'acteur pourra jouer. Ce qui est généralement dépourvu de tout bruit électronique provenant de l'équipement audio. Une fois que vous avez ceci, l'acteur peut décider s'il souhaite écouter son son de référence, ou s'il préfère le faire en silence, en regardant uniquement l' écran en guise de signal. particulier pour les projets à petit budget, il est courant que le réalisateur assiste à ces séances pour s' assurer que l'acteur peut être guidé ou coaché, dans le but de livrer quelque chose d'aussi proche de la performance originale possible. Pour préparer votre session d'enregistrement audio, tenez compte des mêmes aspects que ceux que nous avons abordés dans le module d'édition du dialogue. Vous ne devez fournir que nos pistes de dialogue avec les prises sélectionnées en haut et le reste ci-dessous. Et bien que vous soyez peut-être informé des aspects tels que profondeur de bits et la fréquence d'échantillonnage par le son de production. N'oubliez pas que la configuration minimale doit être 24 bits et de 48 kHz. nos jours, les enregistreurs de son et les concepteurs sonores ont tendance à utiliser presque 96 kilohertz comme standard, car cela permet un meilleur traitement des enregistrements sans bruit d' artefact, etc. Lors de la configuration d'une session ADR et exécuter, il peut s'agir d'une classe à elle seule. Je vais simplement aborder quelques aspects qui doivent être pris en considération. Le plus important est d' avoir un système de file d'attente. De nos jours, il existe des logiciels tels que EdiPrompt ou le système Colin Broad. Dans les deux cas, vous pouvez choisir entre utiliser bips audio pour mettre vos acteurs en file d'attente avant la lecture de la scène, ou vous pouvez utiliser des lingettes visuelles pour faire de même. Avec une technologie très basse, vous pouvez programmer ces files d'attente manuellement, mais cela peut prendre beaucoup de temps, en particulier pour un film qui nécessite beaucoup de ADR. Quel que soit votre choix, est important de se rappeler que vous devez avoir un système en place pour que vos acteurs puissent savoir quand l'action se déroule. Les autres aspects à garder à l'esprit sont la surveillance. Comme je l'ai déjà mentionné, les acteurs seront généralement dans une salle d'enregistrement avec un enregistreur dans une salle de contrôle. Il est donc nécessaire de créer un mix de surveillance pour les acteurs puissent s' entendre eux-mêmes, ainsi que toute rétroaction de la salle de contrôle et, si nécessaire, tous les aspects de l'audio enregistré du film qu' ils souhaitent entendre, comme une performance précédente ou des effets sonores spécifiques ou des sons ambiants. Nous publierons un cours axé sur l'ADR dans lequel nous allons examiner chaque étape de la configuration en détail. 6. Les bases de la conception du son: conception sonore est le processus de création d'effets audio pour l'image. concepteurs sonores ajouteront des pistes sauvages et des enregistrements sur le terrain pour créer une ambiance pour chaque scène. En plus de cela, ils ajouteront tous les effets sonores spécifiques ou spéciaux nécessaires. Les effets sonores peuvent être créés de plusieurs façons. Il s'agit généralement d'un mélange de sons enregistrés qui sont superposés et parfois soumis à un traitement léger à lourd, en fonction de l'effet sonore et du genre du film. Le travail d'un concepteur sonore consiste à donner vie à la scène grâce au son. Et le son joue un rôle important dans la narration, et un excellent concepteur sonore peut ajouter beaucoup plus à l'histoire que ce que l'image peut transmettre par elle-même. La conception sonore peut être aussi simple ou aussi détaillée et élaborée que vous le souhaitez, mais elle doit avoir du sens pour le type de film. Dans cette classe, nous passerons par la conception sonore de base, qui constitue généralement la base de presque tous les films produits. C'est parce qu'à un certain niveau, tous les films sont composés des mêmes types de sons dans ma propre expérience et de ce que j'ai entendu et vu de la part d'autres concepteurs sonores. La clé pour créer un excellent design sonore est collecter et d'utiliser de belles matières organiques, sorte que les sons, qui à eux seuls ne sonnent pas comme quelque chose de spécial, mais une fois superposés ensemble, créer un moment dynamique et sonore intéressant pour l'auditeur. De même, une compréhension et une utilisation correctes du silence sont également nécessaires. Prenons par exemple ce son ici. Ce sont les couches qui sont impliquées. La prochaine fois que vous regarderez votre film préféré. Écoutez, en particulier les scènes les plus convaincantes. Que se passe-t-il au niveau du son ? Comment le film utilise-t-il des couches ou même le silence pour transmettre le mouvement ou l'absence de mouvement ? Réfléchissez maintenant à la façon dont vous pouvez appliquer cela à votre travail. 7. Qu'est-: Foley est similaire à la conception sonore, car il s' agit du processus de création d'effets sonores pour améliorer l'image et la rendre plus réaliste pour le public. Foley fait cependant référence aux effets sonores créés par l'homme tels que les pas, les mouvements vestimentaires et la manipulation des accessoires par les personnages à l'écran. Les artistes de Foley effectueront des actions en même temps que les images. Et de la même manière que l'ADR, il doit être synchronisé et correspondre aux performances affichées à l'écran. Il peut ensuite être édité pour s'assurer que le son correspond à la scène, non seulement en termes de synchronisation, mais en termes d' intention spatiale et plus encore. Beaucoup de sons Foley sont relativement simples et un artiste fou peut simplement utiliser des objets similaires à ceux utilisés par l'acteur. Mais pour certains sons, les artistes de Foley doivent faire preuve de créativité avec les matériaux qu' ils ont autour d'eux. Comme dans de nombreux cas, l'objet réel peut ne pas ressembler à ce que vous attendez. Voici comment un concepteur de son va superposer plusieurs enregistrements pour obtenir le son dont il a besoin. Un artiste Foley peut contenir plusieurs objets même temps et les déplacer pour obtenir l'effet sonore souhaité. le monde de Foley nous obtenons de nombreuses astuces les plus connues Dans le monde de Foley, nous obtenons de nombreuses astuces les plus connues du son cinématographique, telles que des coquilles de noix de coco pour le son des chevaux de course, bacon bouillant pour la pluie. Et bien d'autres astuces amusantes mais super utiles pour penser que les artistes de Foley se sont développés au fil des ans et que nos oreilles en tant spectateurs viennent de s'habituer. Vous vous demandez peut-être si l'enregistreur du son et l'opérateur de boom ont fait bon travail pendant la phase de tournage, alors pourquoi avons-nous besoin de jouer en premier lieu ? Eh bien, la réalité est que pendant la phase de tournage, l'enregistreur du son essaiera de capturer tout le son au mieux de ses capacités. Mais la priorité sera toujours donnée au dialogue. Si vous avez vu nos cours sur le son de production et de préproduction, vous saurez qu'il existe de nombreux éléments différents qui peuvent affecter l' audio pendant le tournage, y compris des bruits provenant de plusieurs sources qui ne peuvent pas être contrôlés comme le trafic, passer achète des bruits électroniques, pour n'en citer que quelques-uns. Les techniques d'enregistrement et le placement du microphone seront donc toujours axées sur la capture de dialogues clairs et nets. Ce qui signifie que pour ces environnements bruyants, capture de pas, de vêtements , de mouvements, etc., ce n'est tout simplement pas une priorité, mais il est mal conseillé d'être honnête. Pour cette raison, si un enregistreur du son a fait du bon travail, ce que vous entendrez souvent c'est dialogue très clair avec peu ou pas d'autres sources de son. En termes de budget, création de foley est un élément très courant de la postproduction. Et cela signifie que les coûts ne sont pas significativement élevés par rapport à la nécessité de faire de l'ADR, par exemple. Gardez également à l'esprit que création et le foley en post-production peuvent en fait être un avantage, car cela permet aux concepteurs de sons de contrôler les circonstances dans lesquelles ces sons de foley sont enregistré, ce qui permet d'obtenir un son net qui peut ensuite être transformé de la manière souhaitée pour le film. 8. Édition de musique: La musique est un élément très important du récit. Lorsqu'il est composé et utilisé correctement, il peut ajouter aux éléments viscérales d'un film. Le montage musical est crucial, et c'est un rôle qui sert pont entre l'équipe sonore, le compositeur de musique et l'image. Un éditeur musical aidera le réalisateur réaliser sa vision musicale du film. Et selon la taille du projet, l' éditeur de musique travaillera en étroite collaboration avec le compositeur, réalisateur et même l' éditeur pour obtenir un rythme cohérent qui aligne vidéo et la musique au même rythme. des principales responsabilités d' un éditeur de musique est de créer une feuille de repère les musiciens ou compositeurs doivent suivre lors l' interprétation de la musique afin qu'elle corresponde au rythme de montage. De plus, le choix et la compréhension de l'entrée et de la sortie de la musique d'une scène particulière sont des décisions qu'un éditeur de musique peut aider à prendre. Cela s'étend également à l'utilisation intelligente du silence et lorsqu'il y a de la musique dont la source est libre de droits, l'éditeur de musique peut vous aider à décider quels sont les meilleurs morceaux de musique. pour s'adapter à chaque scène et à des moments narratifs importants. Dans les projets plus importants, l' éditeur de musique travaillera ensuite avec le superviseur musical pour accomplir cette tâche. édition musicale est un processus complexe et beau, qui implique non seulement une connaissance du rythme, mais aussi de la composition musicale et du style. Des coupes et des modifications créatives pour compresser des thèmes musicaux pertinents, ainsi que pour rassembler des phrases musicales qui ne sont normalement pas en séquence de manière transparente, nécessitent toutes ces connaissances antérieures. Consultez les ressources de la classe pour voir un exemple de montage musical et l'impact positif sur le film. 9. Traitement de dialogue: Nous avons déjà discuté du nettoyage et de la synchronisation du dialogue, mais y a-t-il autre chose que nous puissions en faire ? La réponse est oui. Le travail d'un éditeur de dialogue va au-delà de s'assurer que les lacunes de silence sont comblées et que le dialogue est toujours intelligible. En tant qu'êtres humains, nos oreilles sont conçues pour reconnaître des subtilités dans les voix d'autres êtres humains. Nous pouvons reconnaître l'intention, l' émotion et même dans certaines situations, les niveaux de santé globaux et les problèmes médicaux basés uniquement sur la voix. Lorsque vous travaillez avec le dialogue, il y a beaucoup d' éléments créatifs à garder à l'esprit. Qui sont les acteurs qui prennent la parole sur scène et quelles sont leurs motivations ? Dans un film récent avec lequel mon équipe et moi avons eu la chance de travailler. Nous avions un personnage dont les qualités étaient charmantes, intelligentes et rassurantes. Et cela malgré le fait que le développement de leur scénario a fini par montrer au public que le personnage n'était pas si bon après tout. En tant que tel, il était important de s' assurer que la voix de ce personnage était attrayante et agréable pour les oreilles des personnages. Pour ce faire, nous avons veillé à ce qu'un mix d'égaliseur spécial soit créé pour la voix de ce personnage et un pour chaque source. Donc, dans ce cas, un micro fusil de chasse et un micro cravate. Le mix EQ a permis de réduire certaines des fréquences semblables les plus aiguës sur la voix de l'acteur. Tout en augmentant subtilement les bandes moyennes, moyennes à hautes fréquences pour donner à la voix une texture chaude et mielleuse. Quelques options prédéfinies de réverbération et de compression ont également été créées pour ce personnage afin de s'assurer que la voix était toujours douce mais présente. D'autre part, un personnage différent devait mettre le public mal à l' aise. Et les caractéristiques étaient plus lancinantes, pétulantes et poignantes en tant que telles, une approche presque opposée a été adoptée l'aide de la compression et de l'égalisation pour s' assurer qu'il y avait un léger coup de pouce sur les bandes de fréquences avec lesquelles nos cavités nasales résonnent lorsque les voix sont plus aiguës et aiguës. Tout cela devait être fait de manière subtile, mais l'effet était assez grand, mais l'audio n'a pas été déformé ou modifié d'une manière qui donne l'impression que ces personnages se trouvaient tous deux à des endroits différents. Ce n'est qu'un exemple parmi beaucoup d'autres sur ce qui peut être fait dans le dialogue pour en transmettre davantage sur les personnages. Si vous faites de l'ADR, vous devez également en tenir compte afin que lorsque vous enregistrez, vous devez choisir le bon microphone et équipement qui vous aideront dans ce processus. 10. Sons ambiants: Avant de me lancer dans le mixage, je veux parler un peu des sons ambiants. La foley, les effets sonores et la musique reçoivent beaucoup d'attention en matière de conception sonore. Et depuis longtemps, surtout dans les premiers stades du cinéma et aussi avec l' essor de la télévision. Les sons ambiants étaient considérés comme charges ou des portions d' audio qui pouvaient être utilisées pour faire passer un lit au reste des sons et des dialogues, comme un moyen tromper l'oreille pour qu'elle entende tout dans son contexte. Cependant, lorsqu'on parle de film, ambiances peuvent faire avancer le récit autant que n'importe quel autre élément sonore. Parce que le son ambiant est quelque chose que nos oreilles ont l'habitude d'interagir avec ou parfois même de négliger en faveur des sons parlés. Et l'occasion est présentée d'utiliser ambiances pour introduire un élément moins évident dans le récit. Des changements doux dans la tonalité de la pièce, l' introduction d'éléments spécifiques dans l'espace comme le bruissement des feuilles ou les aboiements de chiens , les grillons ou tout autre aspect environnemental peuvent nous indiquer où nous en sommes. Et indiquez-nous inconsciemment ce qui va se passer ensuite. Phénomènes naturels exprimés par sons ambiants tels que la pluie, l'eau courante, le vent froid ou chaud. peut nous faire preuve d'empathie avec les personnages à l'écran et donner l'ambiance à un changement de contenu émotionnel. D'autre part, le son ambiant peut également être utilisé de manière beaucoup plus avancée. ambiances créées avec des droons doux, des gronds et même des changements vent peuvent aider à dire ouvertement au public que quelque chose de mauvais est sur le point de se produire. atmosphères plus artistiques constituent une part importante de ce que l'on fait des films d'horreur par exemple. Une chose importante à retenir lorsque vous travaillez avec ambiances est que, à l'instar d'une conception d'effets sonores, configuration d'une ambiance pour une scène peut nécessiter plusieurs couches d'enregistrements pour obtenir les résultats souhaités. effet. Dans la vraie vie, nos oreilles reçoivent constamment de nombreuses couches d'informations sonores complexes. Et nos cerveaux font le travail ou priorisent différentes couches en fonction notre état d'esprit et de nos contextes émotionnels. Lorsque nous travaillons avec des ambiances, nous ajoutons ces couches et nous faisons la tâche passionnante de choisir ce que nous devons prioriser pour le public, ajouter du sens et même d'entrer dans le la psychologie du personnage en faisant cela. 11. Mélanger: L'une des dernières étapes de la post-production est le mixage. À ce stade, tous les autres composants dont nous avons discuté sont regroupés et combinés par le mixeur de doublage ou le mélangeur de réenregistrement. Au cours de cette étape, l'audio est équilibré pour créer un mixage audio final. Cela nécessite un nivellement sur chaque son provenant de toutes les sources, effets, le foley, le dialogue, la musique et les ambiances doivent être fusionnés de manière transparente. Il s'agit d'un processus ardu et long qui nécessite l'utilisation intensive de automatisation et d'autres outils tels que égaliseur et la compression pour s'assurer que tous les sons pertinents peuvent être audibles, plutôt qu'une masse de bruit dont aucun détail ne peut être mis à part. Parallèlement à la mise en place des décisions concernant l'utilisation du silence, comme nous l'avons déjà mentionné, sont également prises. Le réalisateur participera à plusieurs sessions avec le mixeur pour s'assurer que la vision globale est atteinte. La table de mixage est également responsable des réglages tels que le positionnement et les niveaux de sonie. Ce dernier aspect est peut-être l'un des les plus techniques à garder à l'esprit lors mélange. Le son à des fins cinématographiques et tout matériel audiovisuel présenté sur n'importe quel support , qu' il s'agisse de cinémas, de télévision ou de plateformes de streaming, doit être mesuré en niveaux sonores. Plusieurs normes ont été développées et doivent être suivies en fonction de la plateforme sur laquelle le film sera joué et de votre situation géographique. La vérité, c'est que nous pourrions consacrer toute une classe aux normes de sonie et à la préparation de mélanges pour leur reproduction dans différents supports. Et nous aurons un cours axé sur ce domaine à l'avenir. Mais pour l'instant, je vais me concentrer sur deux normes utilisées pour la projection de films au cinéma. L'UER R 128, l'ATSC. Avant de le faire, je pense qu'il est important de parler la sonie et de la différence du volume. Volume, qui est un concept que nous utilisons dans différents contextes et qui est très souvent simple, la mesure scientifique de la puissance dans le son. Nous parlons de volume lorsque nous réglons le niveau auquel le son est diffusé sur nos ordinateurs ou nos téléviseurs, nous pouvons augmenter le volume et, par conséquent, nous entendons le son apparaître comme plus fort. Cependant, la sonie est une chose très différente. Il fait référence à notre perception subjective du son et est beaucoup plus complexe à mesurer. En effet, non seulement l'amplitude et la puissance du son sont mesurées, mais également la fréquence, la composition et la durée. Par exemple, la façon dont nous percevons quel point un son à hauteur élevée est très différente par rapport à un son faible hauteur. Et gardez cela à l'esprit. n'est qu'un seul son, ajoutez les milliers de sons que vous entendrez sur un film. Et c'est une toute autre épreuve. Des normes de mesure intensité sonore dans les salles de projection de cinéma ont déjà été développées et testées. même pour les normes relatives aux plateformes de streaming en ligne, aux lecteurs multimédias sur ordinateurs et à la télévision. Ce qui nous ramène à l'UER, R 128 et à l'ATSC. Ces deux normes sont des normes de sonorisation qui garantissent que les mixeurs de sons suivent un protocole afin que tous les films publiés au cinéma aient le même volume perçu tout au long. La norme R 128 de l'UER est la norme européenne. Alors que l'ATSC, qui signifie Advanced Television Systems Committee, est plus couramment utilisé en Amérique. Leurs niveaux sonores sont mesurés dans LA UFS ou LLF KS. qui représente une unité de sonie, ne varie que d'un ou deux points. Certes, quelques points plus forts en Europe qu' en Amérique et cela concerne la construction moyenne salles de cinéma et des équipements de projection et aspects beaucoup plus complexes que nous n'entrera pas dans ce cours d'introduction. Il suffit de savoir que les plug-ins sonores standard de l'industrie sont intégrés à ces mesures déjà en cours. Par exemple, insight, qui est un plug-in de mastering d'une entreprise appelée Izotope, que les messages sont nivelés dans votre projet en fonction de la norme de votre choix. Izotope n'est pas la seule entreprise produire ce type d'outils de mesure. Nous avons Waves, Nugen Audio et bien d'autres. Un film doit avoir un niveau de programme moyen d'environ -27 LF KS avec un pic réel de -1 dB maximum. Ces deux mesures seront affichées dans votre plug-in, alors faites preuve de prudence avec votre film s'il est supérieur ou inférieur à ces niveaux et ajustez-le si nécessaire. oreille et l'expérience sont également utiles, car ajustements requis par les normes auront besoin du mixeur sonore pour utiliser leurs oreilles afin de ne pas perdre l'effet désiré lorsqu'il est dans l'ensemble. niveaux. Une fois le film mélangé. La prochaine partie dépend de votre plateforme de distribution. Si votre film est présenté dans des cinémas commerciaux, il est fort probable que votre film passe par encodage et la création d' un pack cinéma numérique sera nécessaire. Consultez nos ressources de cours pour en savoir plus sur les spécificités d'un package cinéma numérique, qui pourrait devoir être créé si vous envoyez votre film pour dire des festivals de films internationaux. Pour un film à petit budget, votre film associé au mixage synchronisé peut être envoyé vers un centre de codage de cinéma numérique pour créer un maître de distribution DCDM ou de cinéma numérique. Mais c'est un sujet plus avancé que nous aborderons plus en détail sur les futurs cours. 12. Réflexions finales: Nous sommes arrivés à la conclusion de ce cours. Félicitations et merci d'avoir fait ce voyage avec moi. J'espère que ce que nous avons abordé ici vous donne un aperçu de l' importance cruciale du son de post-production pour le succès de n'importe quel film. Mais aussi que vous avez trouvé les concepts ici et l'artisanat aussi intéressants et aussi beaux que moi. Nous avons abordé des concepts de base sur la synchronisation du son, façon de nettoyer et de traiter le dialogue, ainsi que le fonctionnement de la conception des effets sonores et foley. Nous avons également appris le mixage et la préparation d'un film pour le son et sa distribution. À l'avenir, nous lancerons de nouvelles classes avec des concepts beaucoup plus avancés en post-production audio. Et nous approfondissons encore plus spécifiques de montage et techniques spécifiques de montage et de conception sonore qui peuvent être utilisées pour travailler sur divers genres de films. Dans nos exercices et ressources de cours, vous trouverez les matériaux nécessaires à la réalisation de votre projet de classe, que nous vous verrons nettoyer, éditer et effectuer un nivellement de base sur une scène à partir du documentaire « Finding Sid ». De plus, vous trouverez quelques exercices optionnels supplémentaires pour pratiquer les effets sonores et la superposition ambiante. Veuillez partager les résultats avec le reste de la classe. Bonne chance, et je vous reverrai très bientôt.