Introduction au son de préproduction pour le cinéma

1. Bienvenue: Bonjour, je suis Ana. Bienvenue dans une introduction au son de pré-production pour film. Je suis le cofondateur et directeur de Black Goblin, une entreprise de services audio et de technologie basée à Édimbourg, en Écosse. J'ai un peu plus de dix ans d' expérience dans le domaine du son pour film, endossé différents rôles tout au long de ma carrière, notamment ceux d'opérateur de flèche, mixeur de sons de localisation, d'éditeur de son et de mixeur de doublage. Collectivement, le co-animateur de cette chaîne, Gabby et moi possédons plus de 17 ans d'expérience dans les industries créatives. Ce cours s'adresse aux cinéastes à tous les niveaux. Pour tous ceux qui s' intéressent au son pour le film et qui veulent en connaître tous les aspects afin d' obtenir les meilleurs résultats possibles. Le son de pré-production est un sujet dont on n'entend pas trop parler, mais il est tellement crucial pour le succès d'un film. Au fur et à mesure que le secteur indépendant augmente, la façon dont nous réalisons des films a changé et redéfini. C'est génial. Mais il est important qu'aucun département ni aucun aspect de la production de films ne tombe entre les mailles du filet. Après tout, le son représente 50 % de votre projet. Vous nous entendrez dire cela d'innombrables fois tout au long de nos cours. Il est juste sage d'y penser dès que possible et de l'intégrer dans le processus créatif. Dans ce cours, nous découvrirons les différentes étapes de la réalisation du film et l'endroit où le son commence et se termine. Nous parlerons également de tous ces aspects peu importants de la gestion cinématographique, tels que la budgétisation, la planification, la planification et l'équipement. Pour le projet de classe, vous allez faire une ventilation de script à partir d'une œuvre originale de l'étonnante scénariste Anna [inaudible]. Vous aurez la chance de débloquer votre créativité et d'imaginer un monde plein de possibilités sonores tout en prévision problèmes potentiels qui pourraient survenir, ce qui nous aidera à sauver le film. Le son est l'un de ces domaines cinématographiques qui semble être tout à fait erroné. Franchement, c'est pourquoi j'adore ça. Mais en tant que cinéaste, vous voulez passer autant de temps développer vos oreilles que vous consacrez à développer vos yeux. Commençons et merci d'avoir regardé. 2. Les phases de la réalisation de films: Bienvenue de retour. Je suis tellement content que vous ayez décidé de vous joindre à moi. Pour commencer, je veux brièvement passer par les phases du cinéma. Selon la littérature que vous consultez, le processus de réalisation comporte cinq ou sept phases. Je vais passer par les sept en premier. Nous avons le développement, la préproduction, la production, la photographie, l'emballage, la post-production et la distribution. La photographie et l'emballage sont deux aspects de la réalisation cinématographique qui marquent une gestion supplémentaire des ressources et des tâches spécifiques spécifiques à la phase de production. Ils peuvent être compressés au cours de cette phase , ce qui ne nous laisse que cinq phases. Pour les besoins de ce cours et de futurs cours, nous nous en tiendrons uniquement à cinq phases. En gros, le développement du film commence par une idée. L'élaboration de cette idée et la rédaction de la première ébauche du scénario ainsi que la logistique financière du projet sont tous aspects cruciaux de la phase de développement, qui peut être assez longue ou assez courte, selon la complexité du film. Il n'est pas habituel de trouver des professionnels du son incarnés dans cette phase. C'est tout à fait correct. De façon réaliste, vous n'avez pas encore besoin d' embrasser une personne saine ici. Pas du moins avant d'avoir une idée plus claire de ce que sera le projet. Ensuite, c'est la pré-production, le centre de ce cours. La préproduction a lieu une fois que le film est éclairé au vert. C'est là que commence la planification du tournage du film, et elle comprend des aspects tels que la finalisation du scénario, le repérage de l' emplacement, le budget de production, planification, les décisions d'équipement et l'embauche de l'équipe de tournage, tels que en tant que casting, équipe de production, directeur de la photographie, directeurs adjoints, [inaudible] et, bien sûr, très important dans le département du son. De là, nous arrivons à la partie amusante, qui est le processus créatif, et le script se décompose. Le réalisateur s'entretient également avec les responsables de chaque département et partage la dérivation du film. En fin de compte, la production cherche également à comprendre ce que chaque département a besoin pour réaliser une telle vision. Nous avons maintenant la production, que certains appellent également la photographie principale. Il s'agit du moment où la prise de vue commence. Toute équipe supplémentaire sera embauchée à ce stade, comme un superviseur de script, maquillage, l'éclairage, etc. À ce stade, des répétitions avec le talent ont lieu, et il est impératif que vous considériez au moins votre mixeur sonore, mais idéalement, votre opérateur de flèche aussi pour assister à ces répétitions. À l'heure actuelle, vos éditeurs vidéo et audio devraient être embauchés. Bien que nous soutiendrons dans cette classe que cela devrait se faire dès la phase de pré-production. La post-production arrive juste après le tournage du film. C'est ici que les matériaux audio et visuels sont coupés ensemble pour créer le film. Une fois que l'éditeur vidéo a assemblé les séquences, la post-production audio démarre. L'ADR et la voix off planifiées sont enregistrées. Les artistes de Foley viennent au studio et recréent tous les sons de mouvement pertinents, ainsi que les éditeurs audio pour chacune des cinq catégories sonores, savoir les effets sonores, Foley, ambient, dialogue, et de la musique, ils éditent et réfèrent le matériel. Enfin, le mélangeur de doublage travaille à positionner toute amélioration de l'édition, niveler le déséquilibre, ainsi qu'à préparer les matériaux pour leur distribution et leur encodage si nécessaire. Enfin, nous avons le stade de distribution. engagements envers les investisseurs sont respectés à ce stade, la publicité, bien sûr, et votre offre de distribution commence, et vous devrez peut-être sortir des films dans les salles, en ligne, sur DVD ou sur toute autre plateforme de votre choix. C'est également là les anciennes parties impliquées dans le processus peuvent célébrer et attendre les délibérations sur le succès ou l'échec du projet. Comme vous pouvez le constater dans ce bref résumé, vous pouvez vous attendre à ce que le travail sonore débute plus tard au début de la pré-production et se termine parallèlement à la fin de la phase de post-production. 3. Pourquoi préproduction ?: En tant que cinéaste, je parie que vous avez passé d'innombrables heures, jours et semaines, et même des mois, à vous préparer tous les pires problèmes de scénario qui pourraient survenir lors du tournage. Par exemple, que se passe-t-il si la garde-robe ne fonctionne pas ou si elle n'a pas l'air bien et l'appareil photo ? Est-ce que nous avons assez de temps pour entrer et sortir d'un endroit précis ? Que se passe-t-il si votre appareil photo cesse soudainement de fonctionner, et bien d'autres encore ? Vous prenez d'innombrables précautions pour cette planification, en établissant des accords , en effectuant des recherches de localisation, ainsi que de nombreuses rencontres avec le directeur et les chefs du département. Comme vous le devriez. Mais réfléchissez maintenant à tous les problèmes potentiels que vous pouvez avoir avec le son. Vous en avez peut-être déjà une longue liste, ou peut-être n'en avez-vous pas parce que vous n' avez aucune idée de ce que cela pourrait être. Dans les deux cas, ce que cela vous indique, c'est que vous devez préparer et faire venir les experts dès que possible. Lorsque nous parlons de réunions de production, par exemple, vous devez toujours inclure votre éditeur sonore superviseur ou votre concepteur sonore. C'est bien sûr la personne qui coordonne votre post-production sonore et fait des choix artistiques concernant le son de votre son. Vous devriez certainement également inclure, sans aucun doute, votre mixeur de son de localisation. Leur expérience et leurs connaissances combinées vous aideront à éviter d'innombrables pièges. Si vous pensez que c'est trop tôt ou trop, attendez la post-production, vous verrez qu'il n'est pas trop tôt. Une bonne règle générale est que vous devriez interroger les candidats à la fois pour votre conception sonore et votre son de production dès le moment où votre projet est éclairé en vert. Vous devriez les avoir embauchés au moment où vous commencez à peine à chercher des emplacements, mais bien avant d'avoir effectué un rekey ou même votre détecteur de localisation initiale et de préférence. Si vous avez effectué des recherches de localisation et pris des décisions avant d'avoir votre équipe d'experts du son à bord, vous êtes trop tard. Pourquoi ? Eh bien, en termes simples, lorsque le dépistage, les DOP et les réalisateurs peuvent être vraiment excités par les composants visuels de l'espace, et tout le monde oublie d'écouter. C'est pourquoi vous voulez qu'un professionnel du son avec vous se concentre uniquement sur le son. Mais nous reviendrons plus en détail à ce sujet dans le lieu et reviendrons la leçon. De plus, vous voulez vous assurer que votre équipe de son est déjà mise en place pour maximiser le résultat artistique du son dans votre projet. Le son peut vous aider à véhiculer bien au-delà du dialogue. Lorsqu'il est bien pensé, il peut guider le récit, vous donner des informations qui ne sont pas immédiatement visibles sur l'image et faire ressortir des émotions sous-jacentes qui agissent globalement au sens de la notion. Apporter des sons à l'étape de la pré-production peut être la principale différence de votre projet et vous aider à récolter toutes les récompenses que votre belle histoire mérite. 4. Recruter une équipe de son: Vous pourriez me dire, Anna, que vous m'avez dit mille fois que j'ai besoin d'une équipe de son et d'un concepteur sonore dès que possible. Je comprends. Mais qui dois-je embaucher alors ? quoi ressemble cette équipe de son ? Eh bien, commençons avec votre équipe de son de localisation. De façon réaliste, et en particulier pour un long métrage plus complexe, vous aurez besoin d'un minimum de trois membres de l'équipe de son, d'une résistance au mixage sonore, d'un opérateur de flèche et d'une table de mixage. Au cours de mes plus de 10 ans d'expérience, j'ai constaté à plusieurs reprises que la production souhaitait réduire les coûts, choisissant de réduire le nombre de membres d' équipage dans certains départements. Malheureusement, le son a tendance à être l'un d'entre eux. Mais je suggère toujours de comparer le département son au département de photographie. Votre équipe minimale pour le département photo est votre directeur de la photographie, votre premier assistant de photographie et votre deuxième assistant de photographie. Les trois membres de l'équipage ont une fonction essentielle. Je suis sûr que vous êtes plus que conscient que si vous en retirez une de l'équation, votre photo en souffrira. C'est exactement la même chose avec le son. Chaque membre de l'équipage a une fonction vitale et de retirer l' un d'eux peut entraîner des temps de configuration plus longs , des erreurs et, globalement, pas les meilleurs résultats que vous pouvez obtenir. Vous avez peut-être vu des équipages plus petits. Eh bien, pour les courts métrages, qui ne sont peut-être pas trop complexes et avec peu d'action ou d'acteurs, vous pouvez peut-être ramener ce nombre à deux membres. Cependant, n'oubliez pas que si vous souhaitez recruter seulement deux personnes, il vaut mieux être les personnes les plus expérimentées que vous puissiez trouver. Ces deux membres sont bien sûr, l'opérateur de flèche et le mixeur sonore. 5. Recruter une équipe de son de son - Équipe de son de son de lieu de lieu: Maintenant, que font chacun de ces gens ? Un opérateur de boom est un rôle clé au sein du département du son et contrairement à la croyance populaire, il ne s'agit pas d'une position d'entrée. Pour le rôle d'opérateur de flèche, vous aurez besoin d'une personne possédant un ensemble de compétences allant de la résistance physique Je veux dire, bien sûr, vous avez vu un opérateur de flèche résister pendant des heures d'affilée pour obtenir le meilleur son. Mais surtout, ce dont vous avez vraiment besoin, c'est quelqu'un qui a une oreille exceptionnelle et une grande attention aux détails. Un exemple de cela est la capacité de maîtriser mon désir de scènes avec plusieurs acteurs dans un plan large, où il se passe peut-être beaucoup de discussions et quand la disposition des talents n'est quand la disposition des talents pas si proche. distance l'une dans l'autre. Dans ce scénario, l'opérateur de boom doit trouver des solutions créatives pour micro efficacement chaque acteur au fur et à mesure qu'il parle sans provoquer de changements dramatiques, plongeons dans l'audio ou pire encore, produire bruits dus au mouvement trop soudain du poteau de flèche. L'opérateur de flèche travaille avec le mixeur de son et le directeur de photographie pour chorégraphier rapidement tout changement de dernière minute. De plus, les connaissances des opérateurs s'étendent également à la manipulation de divers microphones pour différentes situations. Habituellement, votre équipe de son vient s' installer avec au moins deux micros pour fusil de chasse pour capturer le son bien sûr et quelques autres pour l'ambiance intérieure. L'opérateur de flèche ainsi que le mixeur de son, ils doivent tous deux très bien connaître leur enfant et identifier quel microphone de fusil de chasse est optimal pour chaque scène comprendre très rapidement quand [inaudible] et la cohérence doit être maintenue en respectant le même modèle, par exemple. Tout comme la lumière et les filtres, les décisions du microphone ont un impact sur la qualité du son. Il existe également des décisions artistiques qui peuvent représenter la voix d'un personnage sous un jour spécifique et peut-être améliorer la narration à un niveau subconscient lorsqu'il est bien fait. aller de l'avant, nous avons le mixeur sonore. Un mixeur de son est parfois le poste le plus élevé de l'équipe de son. Cependant, différents équipages ont bien sûr des stratégies différentes. À tout le moins, il s'agit d'un poste occupé par un expert du son qui a eu l'expérience avec plusieurs aspects, sinon tous de la production sonore. Au sein de notre équipe, par exemple, l'opérateur de flèche et le mixeur de sons sont considérés comme des postes de direction , car chacun d'entre nous possède des années d'expérience et développé des compétences propres à nos rôles. Cela dit, le mixeur est généralement responsable de l'enregistrement global des dialogues et autres sons pendant le tournage. Ils détectent également toute problématique et suggèrent des solutions au nom de l'équipe de son lors de la pré-production telles que les changements de localisation, décisions relatives à l'équipement audio, et tout comme une photographie. le mixeur de son peut également influencer le positionnement du micro et la pertinence des personnages dans le but de capturer le son. Le mixeur de son crée également différents mixages de surveillance. Un mixage de moniteurs est une version de ce que le périphérique d'enregistrement audio capture qui est ensuite envoyé à n'importe quelle sortie audio si nécessaire. Par exemple, la création et l'envoi du mixage à l'opérateur du boom pour qu'il puisse entendre la durée de vie de son micro de fusil de chasse par exemple, mais sans écouter les micros radio ou les micros ambiants qui le mélange est capturé en même temps. Un autre exemple très réaliste est la création d'un mixage qui peut être envoyé aux écouteurs du réalisateur et qui pourrait inclure principalement le micro du fusil de chasse, mais également un signal beaucoup plus faible provenant des micros radio donnant au réalisateur une image claire de ce que le micro entend , mais sans être trop chaotique ou distrayant. est très important d'envoyer un son au réalisateur , car il permet non seulement au réalisateur de s'immerger pleinement dans la performance, mais aussi de sensibiliser le public au son et aux aspects potentiels peut ruiner une performance si elle n'est pas prise en compte. Il explique également pourquoi l'équipe de son est toujours si catégorique pour tout le monde soit extrêmement silencieux sur le plateau, entre autres choses. Selon la taille de l'équipe de son, dépannage technique supplémentaire peut également faire partie de la description de travail d'une table de mixage qui m'amène au dernier rôle. Le micro sonore est résistant. Lorsque nous parlons d'un microphone résistant au son, il y a plusieurs responsabilités que ce membre d'équipage peut assumer. Une chose est sûre, quel que soit l'un de ces trois rôles. Vous avez besoin d'un spécialiste de la dissimulation de microphones. Au sein de notre équipe, cette tâche est exécutée par Gaby Haley, qui a beaucoup d'expérience dans la dissimulation de micros et point de solutions créatives pour capturer le meilleur son possible tout en conservant microphones caché et sécurisé. Au fait, elle montre beaucoup de ses techniques et astuces étonnantes dans le cours et l'introduction au son de production pour le film le tout sur cette chaîne. Mais, de toute façon, dans d'autres équipes, cette tâche pourrait tomber sur la résistance du micro sonore, par exemple, tous les micros sonores sont égaux. Tout dépend des capacités et des compétences développées par chaque membre d'équipage. Dans tous les cas, assurez-vous que lors de l'embauche, vous avez à bord un expert capable de dissimuler des microphones car cet aspect fait souvent la différence entre une capture audio super et médiocre. Pour revenir à la résistance au microphone sonore, une partie cruciale de ce rôle inclut la sauvegarde des données. C'est essentiel pour garantir sécurité de nos données sonores à tout moment. Il nous permet également d'effectuer certaines tâches de préparation pendant le tournage, telles que le balisage des métadonnées, par exemple, préparation d'un rapport sonore pour l'éditeur, nous fait gagner beaucoup de temps et d'agitation. De nombreuses autres tâches techniques devraient relever du champ d'application de la résistance du microphone sonore. Certains d'entre eux comprennent balayage de fréquence pour les interférences, par exemple la configuration de micros radio et de micros d'ambiance, changement de batterie, le câblage de sécurité et le dépannage rapide, pour n'en citer que quelques-uns. De nos jours, il est assez courant de voir de la publicité pour la recherche d'emploi pour un opérateur de boom et des micros sonores séparément. fait, il n'y a absolument rien de mal à cette approche. En fait, certains professionnels de l'audio travaillant en freelance sont très habitués à travailler de cette façon et vous pouvez obtenir des résultats exceptionnels. Cela dit, je n' escompterais pas la valeur de trouver une équipe qui peut offrir aux membres pour tous les postes car cela apporte certainement des avantages, car cela vous garantit que vous avez une équipe de son habituée à travailler les uns avec les autres et qui a développé un système de communication efficace et un rythme qui, bien sûr , fera fonctionner tout en douceur. Si vous souhaitez en savoir plus sur ce que vous devez rechercher lors du recrutement équipe de son et sur les questions à poser lors d'une entrevue, consultez notre cours sur introduction au son de production pour film où Gaby vous donnera des conseils utiles pour vous attaquer à cette tâche. 6. Recruter une équipe de son - Concepteur de son son son: En ce qui concerne votre concepteur sonore, son de localisation et son de post-production sont des compétences très différentes. Certaines équipes ont beaucoup d' expérience des deux côtés ou qui ont un équipage suffisamment grand pour avoir des experts dans chaque domaine requis et voir votre son complété à partir de la pré-version -production jusqu'au stade de la post-production. C'est certainement le cas de la façon dont Agave et moi-même, notre équipe, travaillons au sein de notre entreprise. D'une certaine manière, c'est un avantage, bien sûr, parce que si, en tant que cinéaste, vous trouvez une équipe capable de répondre efficacement à tous vos besoins sonores, alors, bien sûr, vous pouvez être assuré que le son seront capturés d'une manière qui sera bénéfique pour la conception sonore. De même, vous pouvez également vous assurer que votre concepteur sonore est impliqué dès que nécessaire dans le projet et participe à aspects tels que la reconnaissance et la ventilation du script, ce dont nous parlerons dans le leçon suivante. Cela ne signifie pas que vous devez toujours chercher à adopter cette approche consistant à embaucher une équipe complète. Lorsque vous recherchez un concepteur sonore, assurez-vous que leur engagement envers le projet semble assez ouvert et non unique à la phase de post-production. Plus le concepteur sonore souligne l'importance d'être impliqué tôt ou dès que vous les entrez en contact avec eux, plus ils ont de questions sur la pré-production. Vous pouvez parier qu'il y a de l'expérience et une disposition à contribuer de manière significative au projet. De plus, vous avez demandé de voir une bobine de démonstration ou une preuve d' œuvres antérieures et de regarder le style. Il ne s'agit pas toujours du nombre de crédits que je dirais, mais leur qualité y a-t-il, par exemple, une bonne valeur de production ? Est-ce que tu entends ça ? Pouvez-vous entendre ces œuvres peut-être confortablement au cinéma, les imaginez-vous là ? Par exemple, si votre film est de l'horreur, mais que le concepteur sonore n' a pas films d'horreur dans le portfolio, ne les jetez pas pour l'instant, mais demandez pourquoi l'intérêt pour l'horreur. Si le concepteur sonore montre une bonne maîtrise et une bonne connaissance de la réalisation de films d' horreur et donne exemples de dessin à votre scénario, c'est vraiment un bon signal. Une œuvre antérieure sur le genre ne garantira pas que le travail réalisé pour votre film sera le meilleur. Mais l'intérêt et l'engagement le projet et les suggestions que vous vous sentez à l'aise et attirés, c'est une bonne personne à faire entrer dans votre équipage. Si vous avez trouvé le concepteur sonore avec toutes ces caractéristiques et beaucoup d'expérience dans le genre de votre film, vous devriez probablement les embaucher bientôt. 7. Décomposition de scénarios: Nous sommes maintenant arrivés à l'une de mes parties préférées de la pré-production. La ventilation du script. Il y avait quelque chose de tellement excitant à lire un scénario pour la première fois c'est presque comme découvrir quelque chose de nouveau. Lorsque nous effectuons une ventilation de script, il y a deux domaines principaux sur lesquels vous souhaitez prendre des notes, techniques et artistiques. Lisez le scénario et mettez en évidence scènes difficiles, en particulier celles qui ont des espaces uniques ou difficiles. Est-ce que nous avons des parkings, par exemple ? Ou êtes-vous pris au piège dans un train en mouvement pendant les 16 premières minutes du film ? Je ne sais pas. Est-ce que nous avons plusieurs scènes dans un aéroport réel ? Ce sont toutes des questions de nature de dépannage que vous souhaitez poser immédiatement et identifier lors de la lecture du script pour la toute première fois. Nous en verrons plus sur les espaces problématiques potentiels et sur ce que recherche un professionnel du son lorsqu'il fait de la reconnaissance. Cependant, nous pouvons identifier des problèmes spécifiques liés à l'espace et à l'emplacement même à partir du script. C'est une chose très précieuse à faire car elle permet aux réalisateurs et aux photographes de réfléchir à ces choses lors de leur repérage initial. Une autre information très importante que vous pouvez obtenir des scripts du côté technique des choses concerne le nombre de personnes qui parlent à tout moment dans une scène. Est-ce quatre personnes à la fois, deux ou peut-être huit ? Dans quelle mesure sont-ils tous importants ? Ceci est crucial pour comprendre la quantité maximale de micros radio, par exemple, dont vous avez besoin. Si vous avez 100 personnages dans le film, mais qu'il n'y a pas une seule chose qui a plus de deux personnages parlent ou s'engagent dans une conversation, il ne faut probablement que trois micros radio, un pour chacun de ces personnages et un autre pour plus de prudence. Vous devez également rechercher dans le script des scènes coordonnées complexes. Un bon exemple est celui des longues séquences qui sont tentées d'un seul coup et qui se déplacent dans une ou plusieurs pièces. Vous voudrez peut-être demander comment la scène sera coordonnée. Y aura-t-il un chariot ou peut-être un Steadicam ? façon dont l'opérateur de flèche peut-il naviguer dans cette scène dépendra beaucoup de la façon dont la scène est prise, mais aussi du contenu de celle-ci. Y a-t-il un dialogue en cours ou un effet sonore que nous capturons ? Si nous devons capturer des effets sonores, il est également important de poser la question, devons-nous le faire pendant la représentation de la ville ou peut-on le faire à un autre moment pour éviter caméra et les gens ? se déplacer autour des bruits ? Une table de mixage doit faire partie du processus de reconnaissance et d'approbation de localisation, comme nous l'avons déjà mentionné à maintes reprises. La production et les réalisateurs doivent être aussi accommodants que possible. De plus, comme nous l'avons dit, parce que la panne du script est un excellent moyen d'identifier les problèmes potentiels avant même cinéastes ne se rendent à la recherche de localisation, cela signifie que vous pouvez prendre en compte tous les problèmes lorsque choisir un espace plutôt que de dire, tombé amoureux d'un lieu, seulement pour découvrir qu'il ruinera performances de tout le monde parce qu'il ne fonctionne pas judicieusement. 8. Décomposition de scénarios - Partie 2: Maintenant, en ce qui concerne les aspects artistiques de la rupture du scénario, cela est normalement fait par le concepteur sonore. Mais si vous n'avez qu' une seule équipe, comme nous l'avons discuté dans la leçon précédente, il peut y avoir des chevauchements sur les gens. Cependant, si votre audio de production et de post-production sont des équipes totalement différentes, il est également génial d'obtenir opinion de vos mixeurs sonores d'un point de vue artistique. Cela peut garantir que les accords entre le réalisateur, concepteur de son, le mélangeur de son de localisation, le DOP et l'équipe de production sont conclus de sorte que tous les aspects de la planification tiennent compte de l' audio à des fins artistiques. Pour la rupture artistique audio, nous pouvons commencer par visualiser tous les objets une scène et les sons qu'ils produisent. En fait, nos cerveaux sont très intéressants en ce sens que lorsque vous lisez n'importe quelle histoire, il s'agisse d'un scénario ou d'une autre forme narrative, nous ne pouvons pas seulement imaginer à quoi ressemblent les objets, mais nous pouvons également attacher une mémoire sonore à eux. Le fait de visualiser des objets et de les entendre dans votre tête peut mettre au premier plan certains éléments la scène qui n'auraient peut-être pas été considérés comme significatifs par le scénariste, mais ils peuvent servir au récit à cause du son qu'ils produisent. Dans l'un des films les plus récents dans lesquels j'ai eu l'occasion de travailler, deux scènes mentionnaient une horloge dans une pièce particulière. Dans ce cas, le personnage ou personnage spécifique regarderait et verrait l'heure. C'était autant de description que le script le donnerait réellement. Cependant, mon équipe et moi avons commencé à remarquer d'autres éléments à travers la façon dont le récit qui indiquait assez clairement le temps, comme une cloche d'église et non seulement cela, mais tout le récit avait un thème sous-jacent le temps et l'âge et vulnérabilité en raison du temps et de l'âge également. Cela nous a donné l'idée que l'horloge de cette pièce pourrait être un personnage supplémentaire qui pourrait se connecter au récit et apparemment courir contre l'aspect horloge qui s'y trouve. Nous proposons, via notre script l'horloge devienne cet élément sonore qui, selon le contexte, serait plus ou moins important dans le son ambiant. Sur la base de ces notes, le réalisateur a ensuite décidé d'ajouter quelques inserts de cette horloge à la liste restreinte et a donc commencé développer cet aspect dans le récit. s'agit simplement d'un exemple très simple sur la façon dont le son peut être utilisé pour transférer le récit comme vous utiliseriez la lumière ou une couleur, et vous pouvez le faire à partir de la répartition du script. En tant que cinéaste, n'ayez pas peur de prendre certaines idées proposées par votre concepteur sonore et de les intégrer. C'est l'une des raisons essentielles pour lesquelles vous avez un concepteur sonore si tôt. N'oubliez pas que les concepteurs sonores sont de vieux artistes, alors utilisez-les pour améliorer davantage votre narration. Pour cette partie de la classe, j'aimerais vous faire découvrir une scène où nous faisons exactement ce que je viens de décrire dans mes exemples précédents. Il existe plusieurs méthodes que j'ai utilisées pour prendre notes sur le script, et si vous obtenez une copie PDF, vous pouvez utiliser un éditeur tel qu'Adobe Acrobat Pro. Cependant, vous pouvez également utiliser une version de document Word et faire peu près la même chose. Ici, pour cet exemple, j'utiliserai Adobe Acrobat car c'est le logiciel que j'utilise normalement de toute façon, mais le processus d'édition sera très similaire en termes de mots et de tout ce que vous décidez d'aller. Ce ne sont en aucun cas les seules méthodes pour y parvenir. Je sais que si vous êtes, par exemple, réalisateur ou scénariste, vous utilisez peut-être un logiciel de rédaction de scripts et vous pourriez trouver plus facile d'y mettre vos notes. C'est tout à fait très bien. Quoi que vous utilisiez, le processus créatif est à peu près le même. Pour cette leçon, nous emprunterons un scénario à un film brillant, Eternal Sunshine of the Spotless Mind, réalisé par Michel Gondry. Il existe de nombreux scripts brillants avec lesquels vous pouvez vous entraîner tant que vous respectez les règles du droit d'auteur. Mais à des fins éducatives, il existe quelques sites en ligne où vous pouvez en trouver une pléthore et pratiquer cet exercice autant de fois que nécessaire. De même, si vous avez votre propre script pendant que vous suivez ce cours, commencez par décomposer le manuscrit avec votre propre travail. Pour cet exemple de classe, nous ferons deux choses. abord, nous allons regarder le scénario sans prendre en compte le film. Si vous l'avez vu, essayez d'en sortir les souvenirs qui seront tout à fait adaptés au film. Si vous ne l'avez pas vu, alors fantastique, vous y êtes déjà. Voyons d' abord une lecture et cette première scène que je vous présente maintenant. 9. Débit de scénarios - Semblance éternelle d'un esprit sans tache: Bienvenue de retour. Maintenant que nous avons lu cette scène d'ouverture du film, Eternal Sunshine of the Spotless Mind , commençons. Maintenant, vous n'avez pas à écrire des notes dans un ordre particulier, je vous encourage simplement à laisser circuler vos idées. Mais prenez note de toutes les pensées qui vous viennent à l'esprit. Pour cet exemple, je vais choisir un surligneur vert pour tous les modes techniques que vous pouvez trouver ici. Je l'ai déjà sélectionné, puis je vais choisir une couleur jaune pour tout ce que je considère comme plus artistique. Pour donner un exemple sur la façon de passer du vert au jaune, par exemple, je vais sélectionner cette phrase dispersée ici et, par défaut, vous pouvez voir qu'elle est verte. Mais si je veux qu'il soit jaune, je clique dessus et vous pouvez voir la couleur verte ici, je cliquerai aussi dessus et je peux la modifier. Je vais utiliser ce jaune pour toutes les notes artistiques. Je vais simplement supprimer ça pour l'instant. La première chose à laquelle je pense après avoir lu ce script, c'est quoi ressemble un manque de couleur ? C'est définitivement une note créative. Je vais mettre en évidence la phrase qui fait vraiment référence au manque de couleur au manque de couleur et j'écrirai cette question là-bas. Je clique dessus et vous pouvez voir une petite boîte de commentaires sur le côté gauche qui indique ajouter une note. Je vais cliquer dessus et c'est ma question que je vais écrire. À quoi ressemble le manque de couleurs ? Précédemment sur le script, nous avions également une référence à la couleur grise, que vous pouvez voir qu'il y a beaucoup de références de couleur et c'est juste un petit paragraphe qui est incroyable. Pour des raisons météorologiques, gris signifie souvent couvert, pluvieux ou froid. En tant que personne saine, je sais que la meilleure façon de le dépeindre est d'avoir un traitement ambiant par temps très froid. Une question technique à poser à cet égard pourrait être quand cela sera-t-il enregistré ? Quand ou quelles sont les dates de tournage en or ? Y a-t-il un type de météo que nous visons pour cela ? D'une certaine manière, il s'agit d'une note technique mais aussi artistique. Comme vous pouvez déjà imaginer que si vous filmez aujourd'hui, par exemple, dans tempête de neige ou un jour de pluie, cela peut causer des problèmes lors de la capture avec le dialogue. Je vais écrire tous ces nœuds dans mes scripts. Je vais sélectionner, c'est génial ici, cliquez dessus, puis j'irai avec ma note créative. Je vais juste mettre une note disant que c'est aussi une question créative et technique frontalière. C'est toutes les notes dont nous parlions tout à l'heure. Je vais les poster. Maintenant, il y a beaucoup de choses mentionnées, je veux dire, depuis le début, nous avons une mention de la gare ici. Nous pouvons également avoir l'impression que l'air ne coule pas autant que dans un espace ouvert régulier. Les gares sont toujours un espace étrange car elles varient énormément d'une gare à l'autre. Mais il est bon de comprendre s'il y a déjà eu plusieurs endroits différents qui ont été repérés ou sinon, qui est normalement comme nous l'avons mentionné tout au long de ce cours, la chose optimale, nous allons ici avec l'idée que le réalisateur et la production n'ont pas encore sélectionné les lieux avec Irish Siren Crew. Mais même s'ils n'ont sélectionné aucun emplacement, que pensent-ils de l'idée de l' annuaire de cette scène ? De quelle gare s'agit-il ? Un espace blanc fermé ou est-ce l'un de ces espaces locaux plus petits, ce qui semble le plus semblable parce que nous avons une description d'une plateforme ici. Les plates-formes sont parfois étranges car elles ne sont pas complètement ouvertes, mais elles ne sont pas du tout à l'intérieur. Quelle est la vision de cet espace et, bien sûr, quelles en sont les implications ? Dans le même sens, nous pouvons également avoir le sentiment que, comme je l'ai dit, l'air n'y circule pas et parfois cette forme particulière de n'importe quelle station choisie aura une certaine implication. Nous allons écrire cela et plutôt que de sélectionner la section spécifique, je vais simplement l'écrire en tant que commentaire général. Pour ce faire, je vais simplement cliquer ici sur l'icône de commentaire ou la note adhésive et je l' ajouterai juste à côté de la description de la scène. Sur cette même note, nous tournons dans la gare. L'une des premières questions que j' aurais probablement dû écrire est avons-nous un dialogue ? La raison pour laquelle je l'ai sauté, c'est parce que nous n'atteignons évidemment pas. Nous fait vraiment de la chance parce que c'est peut-être un très gros problème d'être dans un espace ouvert où il n'y a peut-être pas beaucoup de contrôle sur les allées et venues des gens. Ne pas avoir de dialogue, c'est très chanceux ici. Ce sera vraiment bruyant, comme je l'ai dit. Nous devrons peut-être refaire l' ensemble du design sonore en post-production. C'est définitivement un récit technique, qui encore une fois, je vais ajouter par opposition à un récit général et je vais juste mettre cela vers la fin et dire la plupart de la conception sonore devra potentiellement être réalisée en post-⸺- production. Le mélangeur de localisation voudra certainement capturer autant de pistes sauvages que possible depuis cette station, idéalement sans personne. Encore une fois, où est cette station qui est vraiment importante. Comme je l'ai dit, nous supposons à ce stade que nous ne savons pas encore vraiment, mais c'est quelque chose à ajouter en considération. Peut-on se débarrasser ? Pouvons-nous essayer de choisir un endroit où nous pourrons nous débarrasser des gens un peu et faire de courtes sessions d'enregistrement avec seulement de l'audio, juste des pistes sauvages ? Bien sûr, cela n'a pas à être fait pendant le programme principal ou lors du tournage principal. Il pourrait être programmé à une autre époque, mais c'est une chose à considérer immédiatement par un premier assistant réalisateur de production . Encore une fois, c'est une note générale plutôt que quelque chose que nous allons souligner ici. Je vais créer un autre commentaire à cet égard. Je viens de poster ça. Maintenant, j'adore les trains, je ne sais pas pour vous. Il y a tout un paysage sonore dans la pièce, ce qui est vraiment cool. Mais quel est leur rôle ici dans le film dans cette scène particulière, et comment peuvent-ils contribuer au récit ? Cela m'amène à l'intention générale de la scène, qui est une scène de nature beaucoup plus créative, ce qui me rappelle en passant, que nous avons créé celle-ci. C'est la grâce d'une question technique et créative. Je vais en fait changer la couleur ici ou essayer à tout le moins. On y va. Je disais quelle est l'intention de la scène ? Pour moi tout de suite, ce que je vois, c'est ce message immédiat selon lequel il semble parler d'un manque d'individualité dans ce monde. Nous avons tous ces gens qui se ressemblent exactement avec quelques petites lumières d'individualité ici et là avec la forme de cœur, la boîte rouge de bonbons sous le bras de quelqu'un. Tout le monde est à peu près le même, presque noir et blanc. Encore une fois, cette référence au manque de couleur, vient aussi un peu comme le reflet de la solitude qui résulte de ce manque d' individualité et que chacun s'est vraiment immergé dans sa propre vie. D'une certaine manière, les trains ont cette qualité de noter beaucoup de choses comme le passage du temps et l'environnement qui est vraiment occupé et riche, mais qui noie l'individualité d'une certaine manière. Je pense que toutes ces choses sont très, très importantes à noter ici et à réfléchir à la façon dont le son peut le désigner. Pour moi, l'une des façons dont nous pouvons le faire est que si nous avons tous les personnages ou les mouvements des gens, sentons petits et presque isolés, eh bien, l'espace qui entoure tout, c'est un peu plus. étouffé et prenant le relais. Cela signifie qu'il est possible d'avoir un type d'ambiance légèrement écrasant. Potentiellement, les trains vont et viennent, et nous voyons potentiellement beaucoup de mouvements si les gens ne bougent pas du tout, mais c'est vraiment très petit. Nous allons mettre une note à ce sujet ici. Je veux dire qu'il peut être légèrement étouffé et prendre le contrôle des mouvements des gens. Je pense que c'est intéressant de jouer avec ça. Une autre chose à garder à l'esprit ici est qu'il y a un grand potentiel, une excellente occasion pour le compositeur de musique faire un bon thème ici. C'est quelque chose auquel vous voulez vraiment être ouvert en tant que concepteur sonore et les dislocations s' assurent qu'il propose des trucs artistiques ici. Cependant, personnellement, je suis enclin à ce que cette scène en particulier fasse pression pour une scène sans musique. Je pense que cela renforcerait définitivement ce sentiment que nous envisageons en termes de solitude. Parfois, quelque chose comme le silence ou plus comme la perception du silence peut rendre les gens vraiment mal à l'aise, ce qui peut certainement être utilisé à notre avantage ici. Je vais également écrire cela et dire que nous pouvons certainement utiliser le silence de manière intelligente ici pour créer ce sentiment de solitude, mais aussi des sentiments inconfortables. Je pense que dans cette même note, une autre chose intéressante ici est que nous avons un train qui se dirige vers le quai de l'autre côté et nous voyons ces hommes qui montent les escaliers deux à la fois. Je pense que c'est l'une de ces situations où le train ambiant et l'ambiance générale dépassent. Nous pouvons voir cet homme bouger, mais nous n'entendons pas vraiment les mouvements, nous voyons simplement l'action et tout le reste prend le dessus. Je vais en fait souligner cela et nous allons le souligner, passer au jaune et dire précisément cela. C'est un exemple de ce que j' ai dit dans les commentaires. Je pense que ce son ici est l'ouverture de la porte, qui doit probablement être l' un des seuls sons qui sera assez lumineux au sens de sa fréquence et de sa composition. Non seulement parce que les portes du train auront une composition plus haute fréquence ou haute hauteur naturellement, mais aussi parce que nous avons besoin de quelques effets sonores qui nous donnent un peu de lumière et nous disent c'est le statu quo, c'est à quoi ressemble le monde pour ce personnage inconnu jusqu'à présent. Mais il y a un aperçu des choses qui vont changer pour ce personnage dès le début de ce film. C'est certainement quelque chose à considérer et je le soulignerai également. abord, je vais le mettre comme une nouveauté créative, puis j'ajouterai un autre commentaire disant, techniquement parlant des lieux, je vais mélanger cela voudra enregistrer le plus grand nombre possible de portes de train pour pouvoir ont des effets sonores originaux que nous pouvons ensuite traiter en post-production plutôt que chercher uniquement ce qui existe. On y va. Je vais m' arrêter un peu ici parce que la vérité est que je pourrais continuer et encore. Il y a beaucoup plus d'informations que vous ne pouvez l' imaginer dans l'un de ces paragraphes du script. Il ne s'agit pas seulement de ce que ces scénaristes veulent nous dire, mais aussi de notre interprétation des matériaux. Pour un paragraphe aussi petit, comme je l'ai dit, nous avons déjà ajouté beaucoup d'informations ici. Bien sûr, c'est avant même de parler à un réalisateur ou de regarder des storyboards. Prenez cette scène que j'ai ajoutée aux matériaux de ce cours et essayez de faire votre propre version. Une fois que vous avez terminé, regardez la scène d'ouverture du film. J'ai également laissé un lien sur les ressources pour voir cette scène d'ouverture. Vous verrez à quel point la scène change par rapport à ce que nous avons à l'origine dans le scénario. D'une certaine manière, beaucoup de changements ont à voir avec le son, ce qui est vraiment génial à voir, en particulier pour les besoins de cette classe, parce que vous pouvez déjà comprendre comment cela sonne. Parfois, je vais dépasser le récit d'une très, très belle manière. S'il vous plaît allez prendre un peu de temps, regardez et pratiquez beaucoup, des atouts avant, entraînez-vous avec cette scène, mais vous pouvez également utiliser votre propre travail ou vous pouvez jeter un coup d'œil en ligne, il y en a tellement ressources. N'oubliez pas que pour ce projet de classe, vous ferez exactement ce que nous venons de faire, mais avec une œuvre originale de l'incroyable scénariste [inaudible]. Son film s'appelle Tomorrow, et je mettrai en ligne plusieurs scènes où vous pouvez réellement essayer de le faire. Tout ce dont nous avons besoin, c'est une scène, nous n'avons pas besoin de plus d'une scène. Bien sûr, si vous vous sentez passionné par le fait que vous vous y mêlez et que vous voulez faire tout le court-métrage, vous êtes le bienvenu. C'est toujours incroyable de faire ce processus du début à la fin, car vous allez déjà chercher le récit avec toutes ces notes. Deux choses à faire à ce stade : vous entraînez beaucoup avec ce petit scénario que je vais mettre dans les ressources, regarder la scène d'ouverture et bien sûr commencer à penser à votre projet de classe aussi. 10. Conversations avec le directeur: [MUSIQUE] Une fois que vous avez fait la ventilation du scénario, il est temps de s'asseoir avec le réalisateur et de discuter de l'intention et de la vision globale. Si vous êtes le réalisateur du film, assurez-vous de lire les notes du concepteur sonore et des mixeurs de localisation. Si la vision et le sentiment qu'ils ont ressentis en lisant le scénario pour la première fois sont extrêmement différents de la vôtre, alors un peu de conseils pourrait être nécessaire. Mais aussi, vous pouvez essayer de comprendre pourquoi il y a tellement de différences dans ce qu'ils ont perçu lors de votre première réunion, et décider si l'une de leurs observations est en fait valide et peut être introduite dans le narratif. Soyez ouvert à cela, car il a le potentiel d'améliorer votre film. Lors de vos premières discussions, il est bon pour les deux parties d' avoir les scripts avec les notes. Les directeurs peuvent commencer par laisser le concepteur sonore et le mixeur de son de localisation poser autant de questions que possible. Ces questions peuvent inclure idées générales quant à quoi ressemblera la photo, etc. Si vous avez déjà un storyboard, envoyez-le avant cette première réunion ou si vous ne l' avez pas fait Je l'ai alors, mais vous le faites maintenant, passez par eux. Nous aborderons brièvement storyboards plus tard dans cette classe, mais le fait est que cette première rencontre permet à votre équipe de son d'être pleinement immergée dans un récit et d'acheter ce que vous vendez. Si vous tenez cette conversation où le discours est plus artistique, et que vous dépeignez vos intentions en tant que réalisateur et vos objectifs pour le récit, comme vous le direz avec le directeur de la photographie, vous pouvez alors avoir une équipe dédiée à la réalisation de ces objectifs grâce à son métier. 11. Lieu et RECCE: Indirectement, nous avons déjà beaucoup touché à la communication, mais j'ai pensé qu'il serait juste logique d'avoir une leçon qui se concentre sur ce processus et sur ses détails. sites scouting et Recce sont éléments essentiels et établis des éléments essentiels et établis de la phase de pré-production. Les termes sont utilisés de manière interchangeable et la vérité est que, selon endroit où vous travaillez dans le monde, vous pouvez entendre les réalisateurs et les producteurs utiliser l'un ou l'autre. est important de savoir qu' il y a généralement un premier repérage de localisation effectué par les producteurs et les réalisateurs dans lesquels ils se concentrent sur la sélection de quelques options pour un lieu donné. Après cela, un Recce ou un scoutisme technique, si vous le pouvez, se produit lorsque les chefs de département, principalement la photographie et vous avez deviné correctement, le son, évaluent l'adéquation de l'espace. Il est important de disposer d'un certain degré de flexibilité, et il est possible que la photographie et le son ne soient pas d'accord sur un emplacement. Il est très important que les réalisateurs gardent l'esprit ouvert et essaient de comprendre pourquoi une personne saine pousse vers un non avec un emplacement spécifique. Dialogue est votre objectif numéro 1 lorsque vous enregistrez du son dans un film, comme vous le savez, et c'est parce que un des processus les plus coûteux en post-production est l'ADR ou le remplacement automatique des dialogues. Cela nécessite une budgétisation pour la location de studio, le temps des enregistreurs ADR et beaucoup d'heures supplémentaires pour vos talents puissent assister aux sessions. particulier pour ce qui est de l'indépendance, il est très souvent vrai que le budget est vraiment serré Vous voulez donc vous assurer d'éviter autant que possible l'ADR , car non seulement vous pouvez prendre une grande partie de vos ressources financières, mais cela peut également avoir des répercussions sur la performance de vos acteurs. Si vous voulez vraiment, vraiment faire appel à un endroit où votre enregistrement sonore est marqué comme non, alors il est pratique de discuter de ce qui peut être fait pour diminuer l'impact du bruit à cet endroit. Un bon exemple de cela est un espace qui, par la nature de l'écriture, est censé être calme comme un cimetière par exemple. Mais c'est peut-être juste près d'une route. L'une des choses à prendre en compte est d' arrêter la circulation pendant les tournages. Cela impliquera des permis et une gestion au nom de l'équipe de production, et ce n'est certainement pas facultatif. Cela doit absolument être pris en compte. Les réalisateurs et l'équipe de production examineront souvent le mixeur sonore pour trouver une solution technique comme une pièce d'équipement sophistiquée et ultramoderne, ou même demander si le dialogue peut peut-être nettoyer la post-production. Lorsque très souvent, la seule solution viable n' est pas technique, par exemple, réduire le bruit provenant réduire le bruit provenant d'une route voisine en arrêtant la circulation pendant quelques heures ou en éteignant un système de heures ou en éteignant réfrigération qui démarre en tout temps. Cela peut sembler gênant, mais croyez-moi, il n'y a pas une seule technologie qui éliminera les problèmes de bruit aussi efficacement et simplement que d'en attaquer la source. N'oubliez pas qu'une fois qu'une prise audio est mauvaise, cela équivaut à une prise visuelle sans mise au point. Vous pouvez dire adieu à cela. Il ne peut pas être corrigé en post-production. Pour cette raison, vous devez avoir des personnes sonores à ce stade, car leurs évaluations de l'espace ne se limiteront pas aux sources de bruit dans cette zone particulière, mais elles incluront également des éléments tels balayages de fréquence des microphones sans fil et évaluations des besoins électriques. Vous devez considérer la présence de votre mélangeur de son de production dans les lieux de repérage comme non négociable. Parce qu'une fois que vous êtes sur le lieu de tournage, il n'y a pas de retour en arrière et les conséquences peuvent être assez importantes, et bien sûr, si vous voulez le regarder du point de vue des chiffres, ce que nous faisons tous, pensez à cette douleur, deux ou trois heures à votre mixeur de son et deux ou trois heures à votre concepteur sonore pour temps record vous permettront d'économiser entre dizaines et des centaines d'heures facturables en post-production, en fonction de la durée et la taille de votre projet, bien sûr. 12. Localisation et RECCE - Partie 2: Une expérience personnelle qui justifie pourquoi vous devriez avoir un professionnel du son inclus dans le scoutisme de votre localisation provient d'un film pour lequel nous avons fait de l'enregistrement sonore. Il a fallu filmer un stand de hot-dogs et un vendeur pour cette scène. Le réalisateur voulait avoir l'impression d'une ville très animée. Mais en regardant le storyboard en listes restreints, nous avons réalisé que le seul et le seul cliché à cet endroit était un gros plan et qu'il y avait beaucoup de dialogue très important. Le réalisateur réclamait un emplacement situé à peu près sur l'une des routes les plus fréquentées de la ville. S'adressant au vendeur de hot-dogs qui a participé au film, il a accepté de faire le tournage dans un endroit complètement différent. Nous avons trouvé un autre endroit avec la même sensation visuelle , mais beaucoup moins de trafic et moins de bruit. Si ce n'était notre insistance à chercher une alternative, la scène aurait été filmée là et la performance aurait complètement ruiné car la production confirmait déjà lieu avant même de nous consulter. Une façon intéressante de comprendre cela est que l'une des principales différences entre l'image son est que lorsque vous n'aimez pas l'apparence de quelque chose, vous avez le choix de modifier le positionnement de la caméra. Vous pouvez vous rapprocher, vous pouvez aller plus loin. Nous n'avons pas d'options de prise en charge, pour ainsi dire, avec l'audio. Que nous voyions ou non une source de bruit sur l'écran, il n'y a pas grand-chose à faire pour s'en débarrasser autrement que de l'enlever physiquement. Si vous voulez en savoir un peu plus à ce sujet et même ici un exemple de ce qui s'applique, jetez un coup d'œil à l'entretien lié dans notre matériel de cours du mixeur Jeff Wexler, parlant d'une situation comme celle-ci. . S'il y a une raison très convaincante pour laquelle vous devez filmer dans un environnement super bruyant et que vous ne pouvez pas absolument vous débarrasser de la source, alors envisagez l'ADR, comme nous l'avons mentionné précédemment. Mais encore une fois, n' oubliez pas que même avec un budget raisonnable, la performance peut en souffrir car même les acteurs les plus experts peuvent modifier la livraison parce que l'espace et le temps ne sont tout simplement pas les mêmes. Vise toujours à obtenir le meilleur et meilleur dialogue du tournage. 13. Dépanne du storyboard: storyboards sont l'une des choses les plus informatives, créatives et étonnantes que on puisse faire au stade de la pré-production, ainsi que la décomposition du script. Ce sera une très courte leçon où nous aurons l'occasion de regarder et d' analyser une scène vraiment cool du film Gladiator de Ridley Scott. Plutôt que d'écrire nos propres notes, nous allons essayer de lire ce storyboard d'un point de vue cinématographique et d'essayer de comprendre ce que cela signifie du son en termes d'ambiance et d'effets. Je ne suppose pas que tout le monde ait vu le film, donc dans nos ressources de classe, il y aura un lien vers cette scène pour que vous puissiez le relier au storyboard. Si vous n'avez pas vu le film, vous pouvez appuyer sur pause ici et regarder d'abord la vidéo de la scène. Avec le storyboard, vous avez essentiellement une liste restreinte, ici j'ai huit clichés différents montrant ce qui se passe dans la scène, et je n'entrerai pas dans les détails d'avoir un vrai tigre et comment se passe cela va être coordonné, même si c'est probablement l'une des toutes premières questions qu'un mélangeur de sons de localisation va poser lorsqu'il parle au réalisateur et à la production, après avoir vu le scénario bien sûr. Mais dans notre plan numéro 1, nous avons un gros plan moyen à faible angle ici, et tout ce que nous voyons, c'est l'ampleur du tigre. On voit à peine le visage sur le fond du personnage, mais cela donne déjà tant d'indications sur l'ambiance. Notre point de vue ne vient pas d'un Colisée ici, mais de ce qui provient du tigre, et c'est vraiment une bonne chose à considérer, car toute cette scène sera chargée par un son puissant d'une foule entourant le toute l'action. Avoir des moments où cette intensité du son peut être équilibrée avec la perspective différente est très utile pour créer un récit plus captivant. Découvrez comment les Shots 1 et 2 ici concernent le mouvement du tigre. Il y a une marque claire de la spore du tigre et probablement du matériau du sol et du sol est du sable . Bien sûr, l'empreinte nous donne déjà un indice poids que nous voulons avoir sur le mouvement. Ces deux tirs constituent également une petite rupture sonore, comme je l'ai dit, qui préempte la première tentative d' attaque du tigre au Shot 3. Ici, dans Shot 3, le son du personnage principal, le blindage et le réactif sont importants à apporter au premier plan ainsi qu'à d'autres éléments, mais presque dans une moindre mesure, choses comme le changement de la Tiger par exemple. ensemble, cependant, l'ensemble, cependant, les mouvements de personnages principaux et ses pas, les épées et les boucliers sont la principale source sonore que vous devez noter dans ce Shot 3. De plus, le faible angle de tir immédiat nous indique, d'un point de vue sonore, que les mouvements individuels seront plus importants que le bruit de la foule parce que nous ne voyons pas tout d'un point de vue large. Shot 4 ici est super crucial car c'est le premier moment de cette mini séquence où nous avons une image claire du contexte et de l'espace. Les sons de la foule seront dépassés sur les mouvements, et c'est à mon avis, bien sûr, les gladiateurs deviennent plus petits et nous avons un angle élevé qui essaie de nous en dire un peu plus sur le manque de puissance que ces gladiateurs comme les personnages ont vraiment dans le grand schéma des choses. Ce sont de grands guerriers, mais ils sont vraiment impuissants, et cela se reflète vraiment par ce tir blanc à grand angle. Ces animations vraiment tournées aussi, c'est très bien pensé, je pense parce qu'elles nous placent dans cette position d'expectateurs tout à fait littéralement. Nous sommes ensuite dépassés par la foule avec le son. C'est ce que je suis ambitieux. Si je faisais la conception sonore de cette scène, je dirais que c'est le moment où nous avons le rugissement presque parallèle de toute la foule, et en tant que personnes regardant le film, nous nous immergeons dans ce son. Maintenant, dans le tir numéro 5 ici, ce que nous avons, c'est un tir moyen à angle bas. Encore une fois, nous avons les sons du tigre, coups de feu s'affrontent, et Shot 6 est l'un de mes favoris en fait, un tir moyen sous un angle vraiment, très bas et une vue de l'empereur, tout à fait littéral. représentation de son pouvoir d'une certaine manière. petites parenthèses au fait ici pour dire cela, remarquez comment les angles dans le combat, lorsque nous voyons que les maximums du personnage principal sont également des angles bas. D'une certaine manière, il représente un autre type d' autonomisation de puissance, je suppose. Je suggérerais que le Shot 6 est un autre petit souffle en termes de son de toute l'action, qui peut se pencher un peu plus la psychologie des personnages, et où notre les oreilles d' un fond légèrement plus technique peuvent littéralement avoir une petite pause. Maintenant, nous avons un arrêt et nous rompons brusquement rompons avec l'image de la spore du tigre ici. Essentiellement, nous voulons un rôle très clair ici comme son principal, et que le son de la chair soit quelque chose d'assez viscéral. Enfin, mais non des moindres, nous avons Shot 8, qui lie très bien l'ensemble du récit, cette image de la chaîne, très proéminente. Le son ici peut donner à l' expectateur un sentiment de mise en cage, pour ainsi dire, le même sentiment que, malheureusement, les personnages principaux ressentent tout au long du récit. Comme vous pouvez le constater, vous pouvez obtenir beaucoup d'informations sur la façon de jouer avec le son, comment le capturer et ce que cela signifie pour l'histoire que vous essayez de raconter. Je vais [inaudible] le storyboard plus un autre du film Pacific Rim, et je vais essayer de faire cette analyse aussi, et je pense, si vous étiez le réalisateur ou le concepteur sonore, que voudriez-vous ? à entendre sur chaque scène ? Décomposez-le, ajoutez quelques notes et partagez-les avec tout le monde. Je vais laisser mon décollage, les storyboards de gladiateurs ainsi que sur les ressources de la classe pour votre référence. Joyeuse panne de storyboard et amusez-vous beaucoup. 14. Son et garde-robe: Il s'agit d'une leçon rapide sur la relation entre le son et la garde-robe. Une des premières choses qu'un mélangeur professionnel demandera est de parler au chef de la garde-robe et d'en savoir autant que possible sur les choix de garde-robe. En tant que producteur et en tant que réalisateur, vous souhaitez créer une ligne de communication directe entre la garde-robe et les services audio. D'un point de vue technique, garde-robe voudra tenir compte de l'impact leur choix sur la capture sonore pendant le film. questions que vous voulez tous vous poser sont, par exemple, quelles matières les acteurs portent-ils ? Y a-t-il des scènes dans lesquelles les acteurs sont nus et dialoguent en même temps ? Où cela se produit-il ? Par exemple, s'agit-il d'un endroit où nous pouvons cacher un microphone ailleurs que dans le talent réel, les vrais gens ? Saisissez ainsi ce dialogue sans problème. À quel point le tir est-il rapproché ? Cela peut également vous aider. Cela pourrait aussi être l'inverse. Combien de couches de vêtements l'acteur porte-t-il ? Cela crée-t-il des conflits ou ajoute-t-il du bruit aux microphones cravate ? Il est important de rester ouvert et de comprendre que des changements dans vêtements pourraient être possibles s'ils ne fonctionnent pas avec le son et, potentiellement, un choix légèrement différent de matériaux ou de couches peut être un sauveteur. Une autre raison pour laquelle une synergie entre les services du son et de la garde-robe est cruciale est techniques telles que couture de microphones et d'autres astuces intelligentes pour cacher microphones dans les vêtements du talent peut faire la différence entre un son mal capturé et un son superbement capturé. Gabby passe en revue un ensemble de techniques étonnantes sur la façon de dissimuler micros dans notre cours et introduction au son de production pour film. Si ça vous intéresse, allez vérifier ça. 15. Conversations avec le département de production: L'équipe de production a beaucoup à voir avec le son. Ils constituent le principal point de contact en termes de budget et de programmation, mais également le point de contact entre l'audio et le reste de l'équipe de tournage. Si vous faites partie de l'équipe de production, vous serez intéressé à connaître les bases de l'audio et en quoi cela vous préoccupe. Nous avons beaucoup parlé de l'équipe de son et des personnes à embaucher, mais il est tout aussi important de comprendre les bases de l'équipement. équipes sonores professionnelles disposeront de leur propre équipement. Cependant, et bien sûr, selon les besoins de votre film, vous pourriez constater que des équipements supplémentaires vous pourriez constater que des équipements supplémentaires doivent être loués ou loués. Pour cette raison, je vais énumérer les types d' équipement minimum requis pour un film donné. Tout d'abord, vous avez besoin au moins un appareil d'enregistrement capable de capturer un son de haute qualité. La plupart des équipes sonores professionnelles auront au moins un, mais de façon plus réaliste, nous transportons tous avec nous plusieurs équipements pour répondre à nos besoins et à l'environnement dans lequel nous devons enregistrer, potentiellement deux ou trois enregistreurs de périphériques audio. Un autre élément essentiel de l'équipement est un micro fusil de chasse. Encore une fois, une équipe de son de production aura plusieurs options et aura effectué une évaluation technique au stade de la retouche afin de déterminer quels éléments d'équipement conviennent le mieux ou quels microphones sont vraiment plus adaptés à chaque lieu, et des scènes potentiellement différentes aussi. microphones radio et les cravates de bonne qualité sont indispensables, car votre mixeur de son voudra enregistrer plusieurs options de dialogue afin que vous ne comptiez pas uniquement car votre mixeur de son voudra enregistrer plusieurs options de dialogue afin que vous ne comptiez pas uniquement sur le micro fusil de chasse pour la post-production. Assurez-vous que vous disposez de suffisamment de microphones radio disponibles. La règle est que vous obtenez toujours au moins un, mais de préférence deux micros radio de plus que le nombre de personnes qui parlent dans une scène donnée. Câblage, électricité, ruban adhésif gaffer, consommables pour dissimuler les micros, microphones d'ambiance, toutes ces choses sont également nécessaires. De plus, et si vous enregistrez à l'extérieur, vous voulez vous assurer de disposer de plusieurs options de pare-brise pour les fusils de chasse utilisés par votre équipe de son. Si tous les micros de fusil de chasse appartiennent à l'équipe de son, il est fort probable qu'ils aient pare-brise qui leur conviennent. Mais si vous louez des microphones à fusil de chasse, vous devez vous assurer qu'ils sont inclus dans votre kit de location. Les poteaux de flèche et les supports de différentes tailles devraient également faire partie de ce kit de base. sauvegarde des disques et une bonne connexion Internet sont toujours indispensables, non seulement pour l'équipe de son, mais aussi pour l'ensemble de la production. Potentiellement, un système de location sans fil est nécessaire si vous vous trouvez dans des endroits éloignés ou si vous n'avez pas accès régulièrement à des connexions Wi-Fi ou ligne. En tant que responsable de production, assurez-vous d'être en contact avec le service audio et demandez si un équipement supplémentaire est nécessaire pour la location. Sur cette même note, et maintenant parlant de budget et pour terminer cette leçon, gardez à l'esprit que lorsque vous embauchez une équipe de son, vous payez non seulement leur temps, mais vous payez également pour leur l'équipement et le transport de ces équipements. Le fait qu'une grande partie de cet équipement soit livrée avec l'équipe de son ne signifie pas que ce coût ne doit pas être budgétisé. Si vous les séparez, vous pouvez voir comment le coût commence à augmenter et à devenir assez élevé. Pour avoir une idée des coûts de production réalistes en tant qu'équipages de son et de leurs équipements, consultez les tarifs sonores de production de Bectu et le budget en conséquence. Nous laisserons un lien sur nos ressources de classe pour que vous puissiez les consulter. 16. Planifier le son - Un guide court pour les directeurs de Assistant: est très important de garder à l'esprit la planification du son. Si vous êtes un premier directeur système, ce qui est nécessaire pour le son, vous devez savoir, très simple. Heure toujours programmée pour les pistes sauvages. Vous avez besoin au moins d'un enregistrement de piste sauvage pour chaque emplacement chaque jour. Un morceau sauvage est un enregistrement sonore dans une pièce sans acteur ni équipage. Le son de la pièce se brise pour ainsi dire. Ce qui peut vous donner un aperçu de l'espace. Il est utilisé à plusieurs fins pendant la post-production. Mais deux des plus grands sont, tout d'abord, un échantillon de l'espace et peuvent utiliser ces enregistrements comme pistes ambiantes, les exposant au besoin pendant le montage du son. Une autre utilisation très cruciale pour ces pistes sauvages est que, si vous avez un enregistrement de la pièce sans bruit causé par l'homme, vous pouvez également l'utiliser pour corriger tous les bruits de la pièce tels que électriques ou des bourdonnements de réfrigération, ou toute autre chose que vous pourriez avoir dans un endroit précis. Si vous tournez une journée entière au même endroit, vous devrez peut-être programmer plusieurs enregistrements de pistes sauvages afin représenter le son de la pièce à différents moments de la journée, tout comme la lumière. De plus, et en particulier pour les films à petit budget, vous pouvez envisager d'enregistrer voix off dans le cadre de votre calendrier de production. Cela peut avoir des avantages d'un point de vue budgétaire et temporel, mais également du point de vue de la performance. Comme vous pouvez amener l'actrice dans le bon espace pour donner les ambitions du réalisateur. En fin de compte, et une autre astuce moins utile consiste à programmer potentiellement des morceaux d'ADR pendant la production, place un écran et à obtenir temps pour les acteurs en dehors du tournage régulier. programme pour livrer sur une scène déjà enregistrée. Une fois de plus, cela peut avoir acheté des avantages budgétaires et de performances pour les mêmes raisons que l'overdose vocale. Si, en tant que premier assistant réalisateur, vous tenez compte de ces éléments, vous avez déjà 10 pas d'avance sur ce qui est nécessaire pour capturer le son optimal pour le film. 17. Conversations avec le département de photographie: L'une des relations les plus importantes pendant le tournage de films est celle entre les départements photographie et son. La photo et le son sont les deux faces d'une même pièce, et ils doivent travailler ensemble pour s'assurer que la vision globale est maintenue tout au long de leur fonctionnement. Pour commencer, le son doit communiquer avec photo pour découvrir les éléments suivants. Tout d'abord, à quelle fréquence d'images l'enregistrement d'images est-il utilisé et, deuxièmement, à quel appareil utilisent-ils ? Il est essentiel de disposer un système d'enregistrement double dans lequel la caméra capte audio à des fins de référence l' audio à des fins de référence en même temps que le périphérique audio. Certains appareils photo ne possèdent pas de microphone intégré. En tant que directeur de la photographie, il est essentiel d'en informer le département du son afin que le mixeur de son puisse planifier et peut-être convenir d'une solution telle que connexion d'un microphone externe à l'appareil photo, par exemple, ou en doublant d'autres méthodes de synchronisation pour prendre en charge l'éditeur en post-production. La fréquence d'images est très importante pour cette raison également. Le fait d'avoir un son de préférence synchronisé mais minimal à la même fréquence d'images permet l'éditeur de synchroniser facilement l'image avec le son. De plus, combien de caméras sont utilisées dans le film ? Est-ce juste un ou plusieurs ? C'est très important pour l'équipe de son de savoir, car cela affecte directement le positionnement du microphone, l'opérateur de la flèche, bien sûr, et même le nombre de membres d'équipage qui doivent faire partie du service audio. se peut qu'un opérateur de deuxième flèche doive faire partie de l'équipage ou apporter une solution à cette difficulté potentielle. Enfin, mais ce n'est pas le moindre, le département de photographie doit également envisager fournir une image ou de fournir une image ou un relais d'écran au mixeur de son. Cela peut être fait conjointement avec l'image fournie pour le superviseur de script, mais également sous la forme d'un écran séparé. Cela permettra à la table de mixage d' équilibrer l'audio en fonction de ce qui se passe dans la prise de vue. Tous ces aspects fondamentaux permettront aux deux départements de travailler en synchronicité et vers un objectif commun. 18. Réflexions finales: [MUSIQUE] Félicitations. Nous sommes arrivés à la fin de ce cours. J'espère que vous avez trouvé le contenu fourni utile et peut-être même amusant. Nous avons parlé de toutes les bases de reproduction sonore pour le film, non seulement des professionnels du son, mais aussi du réalisateur, de l' équipe de production et de la photographie. Nous avons également effectué plusieurs exercices tels que la répartition des scripts et une analyse de storyboard, qui sont d'ailleurs cruciaux et réalisés en standard dans des environnements professionnels. J'espère sincèrement que vous aurez confiance en utilisant ces techniques à l'avenir pour vous permettre de travailler au mieux possible et, bien sûr, d'utiliser le son comme un puissant outil artistique plein de possibilités. Nous allons bientôt sortir de nouveaux contenus, y compris un cours de post-production sonore qui, parallèlement à cette classe et à notre autre classe, une introduction au son de production pour film, vous donnera une connaissance approfondie et les bons outils pour réussir lorsque vous travaillez avec du son. Bonne chance, joyeux tournage et merci d'avoir regardé. [MUSIQUE] 19. Classe bonus : Analyse de script LOTR: Je voulais donner un autre exemple. Maintenant, l'un de mes films préférés, qui est Le Seigneur des Anneaux. C'est une communauté de l'anneau. En fait, ce que j'aime vraiment des scripts que j'ai vus moment, c'est qu'ils contiennent beaucoup de détails. Il suffit de le faire défiler un peu. Vous pouvez le voir dès les premières séquences et vous vous souviendrez peut-être du film si vous le regardez ou si vous ne l'avez pas vu, allez-y et regardez-le. Mais tu as tellement de détails. Nous commençons par un montage d' images différentes et de nombreuses voix off très puissantes, racontées par l'un des personnages principaux. Nous avons même des détails sur ce que le super, ce que les écrans disent réellement, quels titres nous avons. Et nous avons tellement de détails sur le son. C'est donc un rêve pour les concepteurs sonores parce que vous avez déjà tellement de détails sur la façon dont le son va être parcelé avec l'image. En plus de cela, vous avez la voix ici, bien sûr, ce qui est une indication très directe de ce que sera déjà le traitement sonore. Mais aussi pour le mixeur de son de localisation. Ils se demandent déjà si c'est bien beau de se produire dans un endroit précis, ou est-ce qu'on peut le faire en post-production ? Je veux dire, pour une œuvre de l'ampleur et du budget du Seigneur des Anneaux. Et comme vous l'avez probablement entendu, si vous êtes intéressés par les coulisses de grands films comme celui-ci. Une grande partie de ce qui se passe dans ce film s'est produite en post-production. Il y a donc eu beaucoup d'ADR. Le budget s'étire cependant considérablement à cause de cela. En plus, bien sûr, de tous les effets visuels et spéciaux étonnants du film lui-même. Mais il y a beaucoup de garçons là-bas. Il y a beaucoup de traitement des voix. Et tout cela se fait en parallèle avec le film, bien entendu, mais aussi pendant la phase de post-production. Encore une fois, vous avez des choses comme l'image Flickr dans Firelight, tellement de détails. C'est donc vous dire à quoi le montage va ressembler d'après le script. Nous en arrivons donc à ce point et nous sommes le jour du couloir intérieur. Nous avons déjà des informations dans les instructions sur ce que la caméra va faire. Donc, même si vous n'avez pas storyboard disponible pour votre concepteur sonore et que les lieux ne sont pas des MOOCS ou si vous avez déjà suffisamment d'indications sur papier sur ce que la caméra va faire, quel sera le poste. Et à partir d'un lieu, je vais le mélanger comme si je disais des sons et c' est un rêve parce que vous pensez déjà aux détails techniques des choses. Traces de caméra, il va y avoir, tu sais, il va y avoir un mouvement. Quelle est donc l'importance de ce que nous voyons ici du bon côté du point de vue du mixeur de son tout de suite. Je pense que ce n'est pas aussi complexe qu'il n'y paraît parce que la plupart de ce qui se passe ici, il n'y a pas de dialogue. L'ambiance peut être complètement redessinée en post-production. Et c'est probablement encore mieux pour être juste. Parce que vous ne voulez pas les bruits de pistes de chariot, de caméra, de mouvement ou d'équipe de tournage. Mais aussi si vous le faites en post-production, vous aurez plus de contrôle après avoir défini cela. Qu'est-ce que cet espace et son emplacement ? Le mixeur de son doit être vraiment conscient car probablement beaucoup de pistes sauvages devront être collectées ici, de l'intérieur, de l'extérieur pour que vous puissiez aider le processus de post-production pour qu'il soit le meilleur possible. Maintenant, cette petite scène où nous voyons Bill était assis à son bureau , son stylo à la main. Et ses garçons disent là-dedans et encore, j'espère que sa queue de Bilbo Baggins, c'est ce que dit le scénario ici. Fermer un gros plan du livre, immédiatement révélé, vous dit que le son est important appelé assez près du dos. Présenter le livre, puis terminer ici, c'est vraiment, vraiment, vraiment très important. Je ne vais donc pas entrer dans les détails comme nous l'avons fait avec Eternal Sunshine of the Spotless Mind. Je ne vais pas faire les notes, mais je vais également laisser ce script sur les notes afin que vous puissiez vous entraîner davantage. Maintenant, si vous avez envie de créer plus d'un script pour votre projet, vous pouvez le faire. Vous n'êtes pas obligé de faire tout cela, tout ce script, bien sûr, fait 173 pages. Très, très long, mais vous pouvez certainement choisir une ou deux petites scènes ici et essayer de faire de même. Je trouve que c'est vraiment intéressant d'avoir à fois un film et une très grande saga épique et fantastique, Le Seigneur des Anneaux. Et puis avoir quelque chose qui a un ton plus dramatique, comme Eternal Sunshine of the Spotless Mind. Et comparez comment le processus de création est à peu près le même, mais comment les nœuds changent en fonction du genre, parce que ce que vous avez à l'écran cause du contenu de celui-ci.