Introduction à la production sonore de film

1. Introduction: Salut. Je suis Gabby. Je suis le cofondateur et directeur de Black Goblin, une société de services et de technologie basée à Édimbourg, en Écosse. Collectivement, mon cofondateur, Andrew et moi avons plus de 17 ans d' expérience dans la production et la post-production sonore. Ce cours s'adresse aux cinéastes et à ceux d'entre vous qui s'intéressent au son de production et qui veulent obtenir les meilleurs résultats possibles pour votre travail. S' intéresser aux sons de vos films vous donne déjà 10 pas d'avance sur la majorité des cinéastes. C' est ce qui fera de vos projets les meilleurs. Notre espoir dans la création de ce contenu est de soulager certaines des craintes et des désinformations que beaucoup de créateurs ont avec le son et de vous aider à vous sentir plus confiant lorsque vous communiquez avec certains professionnels, et lorsque vous entreprises un travail sonore pour vous-même. Le son est quelque chose qui ne devrait pas être laissé dans la dernière minute à penser. Mais malheureusement, c'est si souvent le cas en cinématographie. C' est quelque chose que j'ai vécu de première main en tant que concepteur sonore travaillant dans le poste, ainsi que d'innombrables collègues autour de moi qui ont vécu exactement la même chose. Il conduit finalement à un mauvais son comme résultat final, ce qui entraîne la qualité globale de vos projets vers le bas. Rappelez-vous, le son représente 50 pour cent du film, donc il doit être fait correctement. Si vous vous inscrivez à ce cours, je vous conduirai à travers le son pour la production cinématographique, et à la fin, vous aurez beaucoup plus de connaissances et de compréhension de la façon dont le son fonctionne à travers ce processus et pourquoi il est toujours préférable de le faire correctement le premier le temps. Je vais vous montrer les techniques de capture sonore et comment utiliser au mieux l'équipement dont vous devriez disposer lors du tournage. L' utilisation du son pour vos projets rendra toujours vos films, vidéos YouTube et tout contenu audiovisuel que vous créez, beaucoup plus professionnel et tout simplement meilleur dans l'ensemble. C' est beaucoup plus facile que vous ne le pensez. Je veux que tu saches à quel point c'est amusant aussi. Pour le projet de classe, je veux que vous partagiez les résultats des techniques que vous pratiquez. Cela peut être avec la vidéo, l'image ou simplement l'audio. Je serai là pour répondre à toutes les questions que vous pourriez avoir tout au long du cours. Je vais vous montrer des exemples et vous donner des exercices afin de pouvoir pratiquer et renforcer la confiance, et d'ici la fin de la classe, vous aurez acquis des connaissances précieuses que vous pouvez utiliser pour faire ressortir votre travail. Merci d'avoir regardé. Je te verrai bientôt. 2. Les bases de la production: La personne en charge de la production de l'unité de son est appelée le mixeur de son et il est de leur travail de capturer un son propre et intelligible tout au long. Le public ne devrait jamais avoir à se fatiguer d'entendre ce qui a été dit et il peut être très difficile pour eux de comprendre l'histoire et, finalement, de se sentir déconnecté du film. Si vous vous retrouvez avec un mauvais dialogue à la suite d'une mauvaise utilisation de l'équipement ou de ne pas avoir le bon professionnel pour faire le travail, vous devrez peut-être envisager de faire ADR en post, ce qui est l'enregistrement de dialogue supplémentaire ou supplémentaire remplacement du dialogue. n'est que si vous avez les fonds et le temps de le faire. Il faudrait embaucher des professionnels, louer des studios et payer le temps des acteurs et des actrices afin de mettre le dialogue à la hauteur de vos besoins. Si vous n'avez pas les fonds pour le faire, il n' y a pas grand-chose que vous pouvez faire en poste. Il y a cette idée fausse que tout peut juste être corrigé en post quand il s'agit de l'audio, mais ce n'est vraiment pas le cas. Si la qualité du dialogue n'était pas là à l'origine, vous ne pouvez pas faire grand-chose. Les choses peuvent être supprimées et nettoyées, mais la qualité du dialogue capturé ne peut pas être améliorée. C' est pourquoi il est si important de s'assurer qu'il est bien fait pendant la phase de production. Cela vous permettra d'économiser beaucoup de tracas, beaucoup d'argent, et beaucoup de chagrin dans l'ensemble. Il y a cinq éléments principaux pour le son du film. Ce sont le dialogue, le foley, les effets sonores, la musique, la tonalité et les ambiances de la chambre. Mais pour la production, nous allons nous concentrer sur le dialogue, les ambiances et le ton de la pièce. Nous savons ce qu'est le dialogue, mais qu'est-ce que les ambiances de ton de chambre et à quoi seraient-elles utilisées ? tonalité de la pièce est le son d'une pièce intérieure dans laquelle le dialogue a été enregistré. C' est capturé quand personne ne parle, personne ne bouge. C' est juste le son ambiant de la pièce. La raison pour laquelle il est si important est qu'il est utilisé pour créer un fond cohérent et pour combler les lacunes dans le son en post-production afin de créer une bande son lisse. va de même pour les lieux extérieurs, mais ceux-ci sont appelés ambiances sur le son naturel, mais ils servent le même but. Afin de capturer la tonalité de la pièce, vous devez obtenir le même microphone dans la même position qu'il était pendant la prise de vue. Ceci est pour vous assurer de capturer le même son que celui qui a été capturé pendant la prise de dialogue. Il doit être d'au moins 30 secondes à une minute sans interruption. Cela devrait être suffisant pour que l'éditeur apporte des modifications dans la publication. 3. Comment démarrer: Je veux vous faire découvrir certaines des techniques de boom impliquées dans la production cinématographique. C' est le travail de l'opérateur de flèche de se rapprocher le plus possible de l'action, ce qui peut impliquer de se trouver dans des positions très inconfortables. Vous voulez toujours être aussi près de la bouche de l'acteur ou de l'actrice que possible, dans les six à 12 pouces si possible, pour vous assurer de capturer le dialogue le plus propre tout au long. En tant qu'opérateur de flèche, vous voulez vous assurer d'éviter de frapper des luminaires, des accessoires, empêcher de regarder des miroirs qui peuvent provoquer des reflets qui sont capturés sur l'appareil photo ou de provoquer des ombres à projeter pendant la scène. Ce sont toutes les choses dont vous avez besoin garder à l'esprit tout en vous assurant que le micro est en parfaite position tout au long. Je veux garder cette section aussi simple que possible, parce que c'est probablement le plus important de tous. Je vais vous montrer certains de l'équipement que j' utilise et comment les utiliser ainsi que certaines des positions de flèche que vous pourriez trouver utiles lorsque vous travaillez sur le plateau. abord, nous avons la position de couverture standard. Vos bras sont pliés au coude, et vos pieds doivent être fermement plantés pour le soutien. Dans cette position, vos bras sont capables de bouger quelques pieds dans les deux sens, vous donnant une portée et un contrôle supplémentaires. Suivant est le mât de drapeau ou la position de haie paresseuse. Dans cette position, vous laissez tomber vos bras pour que vos coudes soient par vos côtés, c'est génial pour donner une petite pause à vos bras, ainsi que lorsque vous travaillez dans des espaces confinés qui peuvent restreindre vos mouvements. Ici, nous avons la position crucifix. Dans cette position, la perche repose derrière votre cou avec les deux bras drapés sur les côtés du poteau. Cette position n'est pas optimale pour la précision, mais peut être utilisée pour de longues scènes avec un mouvement minimal lorsque le poteau est complètement étendu. Si vous êtes un mélangeur de sons qui est aussi un boomer, alors cette position d'une main est très utile. Garder une main sur le poteau de flèche vous permet d'avoir une main libre pour faire fonctionner le mélangeur. Il existe également une version sournoise de la position d'une main, appelée position de la joute. Cela fonctionne de la même manière, mais vous permet de micro par le bas si nécessaire. Selon la prise de vue, la position d'une main est idéale pour un mixeur de sons, qui exploite également la flèche. Cette position n'est pas toujours possible, et il est probable que vous devrez passer à la position de couverture afin de vous rapprocher de l'action. La position que vous choisissez dépendra de votre meilleur jugement pendant le tournage. Le premier kit dont vous aurez besoin en tant qu'opérateur de flèche est un poteau de flèche. C' est absolument crucial et je recommande d'obtenir le plus long possible. La longueur minimale ne devrait pas être inférieure à trois mètres, car j'ai trouvé cette longueur à peu près fonctionne pour la plupart des situations, ils peuvent également vous laisser avoir du mal à atteindre et causer beaucoup de fatigue après une longue journée. Si vous pouvez en obtenir un plus long s'il vous plaît faire. Celui-ci n'est qu'un poteau standard. Ensuite, c'est un pare-brise. Maintenant, ce n'est vraiment important que si vous allez filmer à l'extérieur ou n'importe où particulièrement venteux. Celui-ci ici est fabriqué par Rycote et est le super bouclier grand kit. À l'intérieur, il abritera un microphone de fusil de chasse, conçu pour utiliser un microphone de fusil de chasse pour dialoguer avec un poteau de perche. Comme vous pouvez le voir, ils sont appelés micro fusil de chasse, en raison de leur apparence, mais ils sont destinés à la capture sonore très directionnelle. Tous les microphones sont différents, mais vous voulez en utiliser un qui a un bouton polaire ou pick-up qui est soit supercardioïde ou hypercardioïde. Cela signifie que le microphone ramasse le son directement devant lui, et rejette la plupart du son provenant du côté et de l'arrière. Cela signifie que vous pouvez choisir le dialogue dans des environnements potentiellement bruyants, et si vous faites beaucoup de capture de dialogue alors un micro fusil de chasse de très bonne qualité vaut l'investissement. Celui-ci ici est un Rode NTG2, mais celui que j'aime utiliser est un Schoeps CMIT 5U. Pour aller avec le pare-brise, vous devez également utiliser un pare-brise. Cette housse est spécialement faite moelleuse qui s'adapte sur votre pare-brise. Cela réduit encore le bruit du vent et l'utilisation du pare-brise et du pare-brise ensemble vous permet d'enregistrer à l'extérieur par des vents plus forts. Il peut également être utilisé en cas de pluie très légère, mais si la pluie devient plus forte, vous devrez la couvrir et reprendre le tournage une fois que la pluie s'est atténuée si possible. Beaucoup de marques fonctionnent de la même manière que Rycote, et glissent simplement sur le pare-brise. Cela rend le montage rapide et votre équipement très facile à assembler sur le tournage. Avoir un pare-brise et un pare-brise de bonne qualité vous rendra la vie beaucoup plus facile lorsque vous photographiez à l'extérieur. Lorsque vous disposez d'équipements sur lesquels vous pouvez compter, vous pouvez vous concentrer sur la capture du meilleur audio possible. Un micro de bonne qualité et une protection contre le vent sont toujours une priorité. L' un des éléments les plus basiques du kit est un câble XLR ou un câble microphone. Cela vous permet de connecter tout votre équipement ensemble et d'obtenir un bon flux de signal. Assurez-vous d'investir dans un câble de bonne qualité, car cela réduira le bruit et les interférences dans le câble. Ensuite, une autre option que nous avons disponible est un émetteur sans fil. Celui-ci est ici par Sennheiser et est utilisé avec un micro à flèche. Au lieu d'utiliser le câble, vous pouvez utiliser cet émetteur sans fil, et simplement le connecter de la même manière que vous le feriez avec un câble XLR. Celui-ci est fabriqué par Sennheiser et vous permet d' être sans fil et de ne pas avoir à vous soucier des câbles XLR. Si vous travaillez en paire et que vous disposez d'un mélangeur de sons séparé et d'une flèche, cela donne à l'opérateur de flèche la liberté de se déplacer sans avoir à vous soucier que les câbles soient connectés à la table de mixage sonore en tout temps. Ensuite, nous avons un micro cravate ou un micro lav ? Ceux-ci sont conçus pour être placés directement sur votre talent. Ils ont une très petite capsule et un câble mince, ce qui les rend faciles à cacher parmi les vêtements et autres accessoires. Vous aurez également besoin d'un récepteur sans fil et d'un émetteur sans fil pour aller avec votre lav. Je vais entrer plus en détail sur la façon de placer et de cacher les types de micros, et de savoir comment faire la section de cette classe. Cependant, vous ne voulez jamais compter sur une seule source audio si possible. Avoir un lav est une grande sauvegarde, et il peut également être la meilleure option pour certaines situations, qui ne permettent pas un boom d'être présent. Ils posent beaucoup de leurs propres défis, mais devraient toujours faire partie de la trousse d'une personne saine. C' est un pare-brise en mousse, et ils fonctionnent de la même manière que le pare-brise et le pare-brise que j'ai montré plus tôt. Mais ils sont généralement utilisés à l'intérieur pour réduire tout bruit potentiel de vent qui pourrait être créé lors du déplacement de la flèche. Il glisse simplement sur le micro fusil comme ça, et cela devrait vous donner suffisamment de protection à l'intérieur, tout en vous permettant de vous rapprocher le plus possible du talent avec l'extrémité du micro fusil. Maintenant, vous ne pouvez pas être une personne du son sans une paire d'écouteurs de bonne qualité. Ceux-ci sont fabriqués par Audio-Technica, mais n'importe quel casque de bonne qualité fera le travail. Enfin, l'une des pièces les plus importantes du kit est un enregistreur multi-pistes. C' est le Zoom F8. Il est actuellement installé dans mon sac audio, mais il peut être utilisé seul tant qu'il est protégé contre les dommages. Je vais entrer plus en détail sur les appareils d'enregistrement plus loin dans la classe. Une très bonne façon de pratiquer votre position en tant qu'opérateur de flèche, c'est que si vous n'avez pas l'équipement disponible à portée de main, vous pouvez obtenir quelque chose qui a une poignée assez longue, et fixer une torche à la fin, et vous pouvez pratiquez vos positions avec cela, en vous assurant que la lumière projetée à partir de l'extrémité de la torche pointe vers l'embouchure de celui que vous pointez. Cela vous donnera une bonne idée générale de la façon dont tout le poste fonctionne, et il est toujours bon de pratiquer à l'avance de toute façon. En tant que boom op, vous voulez être sûr que votre crochet dans la ligne de cadre de la prise de vue autant que possible. Une bonne façon de le faire est si vous obtenez votre boom, plus bas dans le tir comme ça, puis demandez à l'opérateur de la caméra de vous le faire savoir une fois que vous êtes libre. Une fois que vous êtes à ce point, si vous regardez le mur derrière vous ou un endroit en ligne avec le boom, et prenez note de l'endroit où il est, et pendant le tir, assurez-vous juste que votre boom s'alignera sur l'endroit que vous trouvé plus tôt, et cela garantira que vous êtes toujours au bon endroit pendant la prise de vue. Un opérateur de flèche doit devenir assez doué pour se dissimuler tout en tirant également. Ils doivent entrer dans les positions les plus inconfortables tout en s'assurant qu'ils captent le dialogue. Cela peut impliquer d'entrer dans des positions crump, sur des tables ou derrière des placards, et de s'assurer de ne pas entrer dans le cadre pendant la scène, mais cela vaut la peine de s'assurer que vous obtenez le meilleur dialogue possible. Si je peux vous donner un conseil, ce serait d' essayer d'éviter de trop étirer vos bras autant que possible. Si vous devez vous tenir à pleine extension, avec vos bras le plus longtemps qu'ils peuvent aller, vous allez être assez fatigué assez rapidement. Comme je l'ai dit précédemment, si vous pouvez obtenir un poteau plus long pour vous permettre d'avoir une position plus détendue dans vos épaules et vos bras, cela vous évitera beaucoup de douleur à long terme. Si vous faites une journée de 12 heures, croyez-moi, ça va s'accumuler. 4. Comment créer des micro: Je veux te parler de dissimuler des micros. Les micros Lav sont une partie cruciale de la réalisation de films car il vous permet d'avoir une source secondaire d'enregistrement de dialogue. Vous ne voulez jamais être dans une situation où vous n' avez que le boom comme source unique de dialogue. Si cet enregistrement de boom devient compromis avec le bruit de fond, le bruit de manipulation, ou tout ce qui interfère avec la qualité du dialogue et que vous n'avez pas lav comme une sauvegarde, il n'y a pas beaucoup que vous pouvez faire à ce sujet et se démarque de essayer ADR. Assurez-vous toujours que vous avez un lav et un boom pendant vos productions et au moins alors toujours avoir deux options. Lorsque l'on considère les microphones, il ne s'agit pas seulement de trouver le premier endroit pour mettre le microphone et de le laisser là tout au long de la prise de vue. Vous devez prendre en compte l'emplacement. Le meilleur endroit pour placer un microphone est sur la poitrine du milieu vers la zone du sternum des acteurs. Mais gardez à l'esprit que vous voulez avoir aussi peu de couches de vêtements entre le microphone et la personne qui parle. Si vous ne parvenez pas à placer le microphone dans cette position centrale, vous devrez peut-être être plus créatif quant à votre positionnement, comme aller pour le collier, lunettes à l'intérieur de la poche, ou prendre en compte les accessoires qui quelqu'un peut porter. S' ils ont des stylos dans leurs chemises, il est parfois possible de les cacher à l'intérieur de ceux-ci. Vous devez être vraiment créatif sur votre positionnement et trouver quelle est la meilleure option pour vous pendant ce tournage. C' est le micro lav que je vais utiliser pour démontrer le montage et les placements du micro. Celui-ci est fabriqué par Sennheiser et a une capsule relativement petite. Il y a de petites capsules sur le marché qui faciliteront encore la dissimulation, mais elles ont tendance à être à l'extrémité la plus coûteuse de l'échelle. Ceci est ma petite boîte de matériel de montage lav que je garde dans mon sac audio. Il contient diverses choses que je peux utiliser pour dissimuler et monter des micros sur [inaudible] pendant un tournage. De ce côté, il y a un ruban en microfibre, du ruban adhésif double face, des correcteurs pour lav, des clips et des épingles de sécurité. C' est un anti-cernes lav spécifiquement pour le micro Sennheiser que je vais utiliser. Il est fait d'un matériau lisse qui réduit le bruit des vêtements, il ne s'en débarrasse pas complètement, mais parce que c'est un matériau lisse, il rend beaucoup plus difficile pour les frottements. La capsule micro s'insère simplement dans le cota à l'arrière. Cela prend littéralement environ trois secondes pour s'adapter , puis votre micro lav est protégé de tout contact direct des vêtements, ce qui provoquera du bruit. Selon l'endroit où vous voulez monter le micro dictera quels matériaux vous utilisez, mais en général, un bon ruban adhésif double face fera l'affaire. Une fois que le ruban est monté, vous pouvez coller le correcteur sur la peau ou les vêtements. N' oubliez pas d'utiliser la sécurité de la peau pour le montage directement sur la peau. Je vais maintenant montrer à quel point il est facile de monter ces correcteurs. Obtenez votre ruban adhésif double face et fixez-le à l'arrière de l'anticernes. Retirez la deuxième bande pour exposer la couche collante, et je vais le monter directement sur ma poitrine, qui est la position de référence pour la plupart des micro lav si possible. Vous pouvez soit demander à quiconque vous miking s'il préférerait que vous posiez le micro ou s'il est heureux de le faire lui-même avec vos instructions sur l'endroit où il devrait aller. Une fois monté, à moins qu'il n'y ait un frottement dur contre le micro, il devrait rester en place. Assurez-vous que le micro ne peut pas être vu à travers les vêtements ou pendant que l'acteur se déplace. J' ai aussi des correcteurs universels. Ceux-ci vont s'adapter à mes capsules entre cinq et sept millimètres confortablement et celui que j'ai ici a également un clip vampire monté à l'arrière de celui-ci. Ce ne sont que des broches très fines qui peuvent être glissés dans le tissu pour sécuriser le correcteur. Ceux-ci fonctionnent de la même manière que correcteurs personnalisés qui pourraient glisser simplement à travers et si vous pincez les côtés, il sera un peu plus facile de le faire passer. Les correcteurs universels sont un peu plus volumineux et pas bas profil que ceux personnalisés, mais ils sont très utiles dans généralement fonctionnent tout aussi bien. Juste pour vous montrer à quel point ces deux montures sont faciles, je vais adapter ce correcteur à ma manche. Une fois que l'éclipse de vampire est dedans, ils sont étonnamment forts et ne devraient pas bouger. Ils peuvent être déplacés facilement en décrochant et en accrochant les clips dans le tissu. Ici, je vais vous montrer comment elles peuvent être montées facilement sur une chemise. Viser à nouveau cette position centrale de la poitrine, en fixant le clip entre les boutons. Si entre les boutons n'est pas une option, alors vous pouvez également le monter à l'intérieur de l'ouverture sur le devant d'une chemise, exactement comme vous l'avez fait auparavant. Il suffit de faire glisser les clips de vampire à travers le matériau jusqu'à ce qu'il soit sécurisé. Une autre option que vous pouvez avoir à cacher le lav est sous le col de la chemise ou du chemisier. Cela peut être fait avec du ruban adhésif double face ou en utilisant des clips vampires. Placez le câble à l'arrière de la chemise, ou si possible, vous pouvez créer un petit trou à l'arrière du col afin que le Y soit caché sous la chemise et ne soit pas vu sous aucun angle. Ensuite, nous allons examiner l'une des options les plus économiques, qui est encore largement utilisée par les professionnels, et c'est moleskin. Moleskin peut être trouvé dans la plupart des supermarchés ou pharmacies et est utilisé principalement sur les pieds pour se protéger contre les cloques. Il est généralement sans danger pour la plupart des types de peau, sauf s'ils ont une allergie. On va faire un sandwich à la moleskin. Pour ce faire, nous avons besoin de deux petits morceaux carrés. Vous devrez prendre une pièce et retirer le support et fixer le micro comme ça. Obtenez votre deuxième morceau de moleskin et avec le côté moelleux du micro, fixez-les comme ça. Une fois cela fait, vous êtes prêt à monter le micro. Rappelez-vous que cette technique utilise des consommables, vous devrez donc utiliser un nouveau morceau de moleskin à chaque fois. Donc, assurez-vous d'en avoir assez avec vous si c'est tout ce que vous avez à disposition. Lorsque vous êtes prêt à monter, il vous suffit de retirer le dernier morceau du dos et le fixer soit au vêtement, soit directement sur la peau, selon vos options à l'époque. Si cela est fait correctement, le micro doit être sécurisé et ne pas être facilement retiré de son montage. Comme je l'ai montré plus tôt, vous pouvez également sécuriser le micro avec la moleskin submergée de la même manière que les consillers. Il peut aller directement sur la peau ou sur les vêtements. Rappelez-vous que vous voulez le moins de frottement possible contre le micro, alors gardez cela à l'esprit lorsque vous pensez à votre placement. L' emplacement central de la poitrine est bon car les muscles pectoraux créent généralement un peu d'espace d'air entre les vêtements. Avoir ce petit espace d'air signifie qu'il n'y a pas de risque que les vêtements frottent directement contre le micro. Une fois que vous avez terminé, il suffit de retirer le moleskin et de le jeter. La partie suivante de miking est attachée dans le sans fil transmis au câble micro. Les émetteurs peuvent être assez gros, donc nous devons trouver un moyen de le cacher en toute sécurité à la personne qui est mise en contact. J' aime utiliser des pochettes de transmetteur. Celui-ci est fabriqué par URSA, et son nom suggère que c'est une pochette flexible dans laquelle l'émetteur peut être glissé. Ils sont conçus pour s'adapter étroitement. Lorsque vous les utilisez pour la première fois, il peut prendre quelques étirements pour que l'émetteur s'adapte, mais une fois qu'il est entré, il ne tombera pas. Il y a deux boucles de ceinture, une de chaque côté, sorte que vous pouvez monter la pochette verticalement ou horizontalement. Vous pouvez également utiliser ces boucles pour attacher la pochette directement à une sangle de soutien-gorge afin qu'elle soit assise plus haut sur la pelleteuse de celui qui la porte. Pour aller avec la poche, j'utilise également dans la ceinture URSA, mais vous pouvez également utiliser un bandage de la même manière pour sécuriser la poche. Vous pouvez obtenir différentes tailles en fonction de vos besoins, mais ils glissent simplement à travers les boucles et ensuite les pointes Velcro collent à n'importe quelle partie de la ceinture, et son joli et extensible, vous ne devriez pas vous sentir mal à l'aise quand il est usé. Ceux-ci peuvent être utilisés plus d'une fois. Vous avez juste besoin de vous assurer qu'ils sont suffisamment nettoyés entre les deux en les utilisant sur différentes personnes. Je vais vous montrer à quel point il est facile de sécuriser l'émetteur à moi-même. Faire ça sur vous-même est beaucoup plus difficile que de le faire à quelqu'un d'autre. Si vous pouvez le faire, alors ça ne devrait pas être un problème. Il suffit de l'enrouler autour de la taille et de fixer le velcro à la ceinture. Dans la plupart des cas, le meilleur endroit pour l'émetteur est du milieu au bas du dos. Comme je l'ai mentionné plus tôt, autre option consiste à utiliser un bandage, et cela fonctionne de la même manière que la ceinture. C' est simplement se nourrir à travers les boucles, puis s'enroule autour de la personne qui est miked. La seule différence à ce stade est que vous devez utiliser quelque chose comme une épingle de sécurité pour fixer le bandage et l'empêcher de se démêler. C' est pourquoi je garde certaines de ces choses dans ma boîte de matériaux juste au cas où c'est quelque chose qui doit être fait. Avoir certains de ces matériaux sur mesure d'URSA peut être coûteux. Avoir la possibilité d'utiliser des bandages coûte beaucoup plus cher, et parfois c'est quelque chose que vous devrez peut-être faire s'il y a beaucoup de gens qui doivent être miked à la fois. Avoir quelques poches supplémentaires et quelques bandages rendra tout beaucoup plus facile à long terme. S' adapter à la taille ou au dos de la personne n'est pas toujours une option. Cela peut être dû au type de vêtements qu'ils portent ou aux actions qu'ils doivent effectuer. Dans ce cas, vous pouvez utiliser des morceaux plus petits de la ceinture URSA ou des bandages, qui peuvent être attrapés et l'émetteur peut être monté sur la cuisse ou la cheville de l'acteur. Assurez-vous simplement que cela n'entravera pas leur performance autant que possible. Ensuite, nous allons regarder connecter le micro à l'émetteur et garder le câble bien rangé. La raison pour laquelle je n'ai pas connecté le micro à l'émetteur avant de monter la ceinture est qu' il est beaucoup plus facile de le faire de cette façon car la ceinture et le câble ne s'emmêlent pas. Une fois que le micro est connecté à l'émetteur, vous pouvez appeler le câble lâche et le garder bien rangé. Utilisez la courroie pour alimenter le câble vers l'émetteur. Cela l'empêche de se faire prendre sur quoi que ce soit. Ensuite, vous pouvez placer le câble appelé à l'intérieur de la ceinture pour l'empêcher de suspendre librement. S' il y a un câble qui sort, utilisez une pointe en microfibre pour le fixer à l'acteur. Essayez de garder votre câble aussi bien rangé que possible car cela vous facilitera la vie. Une autre option de montage consiste à utiliser des clips. Ceux-ci viennent généralement avec le micro Lav que vous achetez. Ils peuvent être utilisés à l'extérieur des vêtements pour des choses comme des interviews, mais ils peuvent aussi être cachés à des fins de tournage. La technique que je vais vous montrer ici fonctionne avec tous ceux qui portent un soutien-gorge ou un haut court sous leur couche supérieure de tissu, et est mon option de montage idéale si possible. Comme je l'ai mentionné plus tôt, les muscles pectoraux ou toute personne avec une poitrine plus complète, créent une poche d'air parfaite entre leur peau et les vêtements, ce qui est l'endroit idéal pour un micro pour ne pas être à risque de bruit direct des vêtements. Gardez à l'esprit que cela ne fonctionne que s'il n'y a pas beaucoup de couches de tissu entre le micro et la personne qui parle, alors gardez toujours cela à l'esprit lors du montage. Assemblez le clip de manière à ce que le clip et le micro soient orientés vers le haut. Cela signifie que le clip peut être monté et sur la morsure sensible sur le soutien-gorge ou le haut raccourci, et le micro restera également pointé vers la bouche. Si nécessaire, vous pouvez également tourner le clip horizontalement afin qu'il puisse être fixé sur le côté. Lorsque vous utilisez cette technique, vous voulez fixer le clip de sorte que le câble micro et capturer vers la peau, et le clip s'adapte au milieu du soutien-gorge ou du haut raccourci. Pour plus de sécurité, vous pouvez également utiliser un consiller ou un moleskin submerge pour sécuriser la capture du micro à la peau de la personne en question. N' oubliez pas que vous visez toujours que le micro soit dans la position centrale de la poitrine si possible. Assurez-vous que la pointe du microphone n'est pas obstruée par aucun des matériaux. Enfin, vous pouvez également fixer un micro à l'intérieur d'une paire de lunettes avec une pointe et alimenter le câble à l'arrière de l'acteur. C' est rare, mais parfois la situation peut exiger cette technique. Lorsque l'on considère les micros Lav, l' une des principales choses que vous devez essayer de combattre est le bruit transféré au microphone. Cela peut provenir du mouvement des acteurs, des vêtements qu'ils portent, ou de tout jury ou accessoires qu'ils peuvent avoir. Il est également intéressant de mentionner que vous devriez parler aux acteurs à l'avance juste pour leur faire prendre conscience qu'ils devraient essayer d'éviter d'apporter des accessoires ou leurs mains trop près la poitrine ou tout ce qui pourrait entraver le dialogue enregistré clairement. Vous devriez également parler à ou à l'avance, afin de vous faire une idée des types de vêtements qu'ils pourraient porter ou des bijoux ou accessoires qui pourraient causer du bruit inutile. Si tel est le cas, vous pouvez prendre des mesures pour les sécuriser au préalable. Vous devriez le faire avant chaque production, et bien sûr porter beaucoup moins de tracas à long terme. 5. Appareils d'enregistrement: Les types de dispositifs d'enregistrement peuvent varier considérablement en fonction de votre budget ou de la personne que vous avez embauchée en tant qu'équipe de son. Si vous prévoyez d'aborder le son par vous-même, il y a quelques notions de base à garder à l'esprit lors de l'enregistrement du son pour votre projet. Pour les films, vous voulez être utilisé dans un enregistreur multi-pistes. Un enregistreur multi-pistes vous permet d'enregistrer des entrées micro individuelles même temps afin que vous puissiez avoir des pistes isolées pour chacun des micros sur le plateau. Cela rendra la vie de l'éditeur de dialogue beaucoup plus facile et poster et ils vous en remercieront certainement, donc cela devrait être la norme minimale dans toute production de film. Un enregistreur multi-pistes que nous aimons utiliser est le Zoom F8 ou le Zoom F8N. Il dispose de huit entrées et de contrôles de gain super silencieux, ce qui vous permet d'enregistrer dialogue net et clair et c'est globalement un morceau de kit très robuste. Bien sûr, vous pouvez dépenser des milliers sur des enregistreurs comme les appareils audio, mais si vous étiez dans un très bon départ et d'un enregistreur multi-pistes, vous ne pouvez pas vous tromper avec le Zoom F8. Il y a d'autres options moins chères comme l'enregistreur manuel et le zoom offre un sous le nom Zoom H8, et qui a également huit entrées. Mais vous devez vous rappeler que les enregistreurs manuels ont des fonctionnalités limitées. La majorité d'entre eux n'ont pas le temps appelé capacités, ce qui peut être très problématique dans le cinéma. Vous devez peser vos options et voir quel est le meilleur investissement pour vous. Je vais vous emmener à travers les composants du Zoom F8 et nombreux autres enregistreurs multipistes fonctionnent de la même manière et ont des caractéristiques très similaires. Sur le devant de l'appareil se trouvent les commandes que vous utiliserez lors de l'enregistrement. Chaque piste a son propre contrôle d'entrée et de gain. Sur le côté droit, vous verrez les quatre premières entrées, avec lesquelles vous pouvez utiliser des connecteurs XLR ou jack, et il y a aussi deux emplacements pour carte SD. Avoir deux cartes SD est très important car il vous permet d'enregistrer sur deux cartes SD en même temps. Cela signifie que vous aurez toujours une sauvegarde de votre audio au cas où une carte SD serait endommagée ou endommagée. l'autre côté, vous utiliserez principalement les quatre autres entrées audio, ainsi que la sortie sup et la sortie casque. À l'arrière, vous verrez un compartiment pour les batteries, une entrée d'alimentation CC et le code d'entrée et de sortie pour le temps. Il y a beaucoup d'autres marques disponibles, mais nous n'avons eu aucun problème avec cette marque de modèle à ce jour. Je vais maintenant vous montrer à quel point il est facile de se connecter à un récepteur sans fil et à un micro Boom via des connecteurs XLR. À ce stade, la chose la plus importante que vous devriez faire est d'étiqueter vos récepteurs afin que vous sachiez exactement lequel est utilisé dans quelle entrée. Cela facilite la résolution des problèmes et le dépannage. Je vais maintenant allumer l'enregistreur pour que vous puissiez voir à quoi ressemble l'interface numérique. Comme j'utilise les deux premières entrées, je n'aurais besoin que de 1 et 2 sélectionnés pour enregistrer ces pistes. Écoutez chacun d'eux seuls, et définissez le niveau correct avec les commandes de gain à l'avant. Lors de la configuration de votre enregistreur, l' une des principales choses dont vous avez besoin est la fréquence d'échantillonnage et la profondeur des bits. Vous ne voulez pas enregistrer quoi que ce soit pour un film à une profondeur de 44,1 et 16 bits. Cela ne vous donnera pas assez de marge de manœuvre si vous avez besoin de traiter l'audio imposé. Au minimum, nous aimons utiliser 96 kilohertz et 24 bits, sorte que nous savons que nous pouvons traiter l'audio imposé sans aucun souci de causer des artefacts dans le son. Enfin, vous voulez vous assurer que vous définissez vos niveaux de gain au bon montant. Vous ne voulez pas que vos entrées atteignent un pic à 0 dB. Cela peut provoquer des clips numériques et des distorsions dans votre audio, et ce n'est pas ce que vous voulez. Idéalement, vous voulez être entre moins 20 dB et moins 16, en fonction de la plage dynamique. Si vous savez dans la prise de vue que le dialogue va devenir de plus en plus fort, vous devrez peut-être écrire les contrôles de gain juste pour compenser pour vous assurer que vous n'obtenez pas de clips ou de distorsion dans toute la technologie. Je vous recommande fortement de pratiquer ces compétences et de les essayer avant de passer au plateau de production. Obtenez les enregistreurs que vous avez disponibles, et entraînez-vous à définir les niveaux dans l'environnement dans lequel vous vous sentez à l'aise et surveillez comment ces changements au fur et à mesure que la plage dynamique change au cours d'une conversation, puis vous pouvez devenir plus conscient de ce que vous devez surveiller lors de l'enregistrement sur le plateau. 6. Synchronisation du son: Il existe deux types de synchronisation, un système unique et un système double. Un seul système est celui où une caméra capture à la fois l'audio et l'image, auquel cas la caméra agit comme l'enregistreur audio. Ce système doit être évité autant que possible dans production de films car vous ne pouvez pas accéder aux commandes audio pendant une prise de vue. Un système double est l'endroit où l'image est capturée sur une caméra et le son est capturé sur un enregistreur audio. L' enregistreur audio fonctionne entièrement séparément de l'appareil photo. Vous devez garder à l'esprit cependant, qui est très important pour capturer une piste audio référencée à partir de la caméra à utiliser comme référence dans le post. Cela n'est utilisable que si la flèche et la caméra ne sont pas à une distance significative l'un de l'autre. Si c'est le cas, cela peut entraîner un retard dans le son et provoquer des problèmes de synchronisation lors de la publication. Pour éviter cela, vous devrez peut-être envoyer un signal de votre table de mixage à la caméra pour l'utiliser comme référence à la place. Mais cela passe aux capacités des mixeurs sonores plus avancés. Au minimum, veuillez simplement utiliser une entrée micro sur votre appareil photo pour enregistrer une piste de référence. Dans un système double, il doit y avoir une carte clapper pour synchroniser l'audio avec l'image. Il y a un protocole standard pour chaque prise, et au début de chaque prise, l'appel suivant sera fait. L' AD appellera le son de roll. Le mélangeur de son répondra avec un son roulage ou une vitesse. L' AD appellera alors la pellicule de caméra. L' opérateur de la caméra répondra avec la vitesse ou la caméra roulante, puis l'AD appellera un marqueur, et généralement, le deuxième opérateur de caméra assistant tiendra le tableau de clapper, lire le même numéro, la prise, et fermez les bâtons pour créer un clap audible, qui peut ensuite être utilisé pour synchroniser en post. L' utilisation d'un système double est fortement recommandée afin de capturer la meilleure qualité sonore possible. Comme les capacités audio et même les caméras les plus modernes comme le rouge, comme tout simplement inférieur aux enregistreurs autonomes. possible, veuillez essayer d'utiliser un double système Timecode peut être produit sur l'enregistreur audio via un générateur de timecode interne ou externe. timecode interne est généré par l'enregistreur audio lui-même. Un code temporel externe est le code temporel reçu d'un périphérique externe vers l'enregistreur audio. synchronisation Jam est le processus qui indique un générateur de timecode interne d'accepter une source de timecode externe, qui provient généralement d'une caméra. Lorsque vous utilisez la synchronisation jam, assurez-vous que votre enregistreur est réglé sur le mode d'exécution libre. Avec la synchronisation par jam, l'enregistreur accepte le timecode une fois, puis le câble peut être déconnecté et l'enregistreur peut continuer à générer du timecode en cours. Vous devez également savoir que vous devrez peut-être rebrouiller votre timecode au moins une fois par jour ou après que votre appareil d'enregistrement a été éteint. Certains enregistrements ne conservent pas le code temporel lorsqu'ils sont complètement éteints. Il peut également dériver de la synchronisation toutes les huit heures environ. Vous devez également vous assurer que votre appareil d'enregistrement est réglé sur les mêmes images par seconde que la caméra utilisée pendant la prise de vue. Timecode est très utile, mais au minimum, assurez-vous toujours que vous avez un tableau de clapper sur le plateau. 7. Rapports sonores: Un rapport sonore est un journal détaillé de chaque piste enregistrée par la table de mixage. Il s'agit d'un document crucial pour la post-production, car toutes les informations concernant les scènes et les tiques sont conservées dans ce journal, ainsi que toutes les notes sonores que vous pourriez avoir. Le superviseur de script, il donne vu des nombres et du texte. En cas de doute, vérifiez toujours ces numéros avec eux. Des informations supplémentaires que vous pouvez trouver sur un rapport sonore, peut-être des choses comme les types de microphone, fréquence d'échantillonnage, la profondeur de bits, ainsi que des informations de code temporel. Le Zoom F8 a la possibilité de créer lui-même des rapports sonores. Vous pouvez prendre des notes sur de bonnes ou mauvaises techniques ainsi que sur tout ce que l'éditeur pourrait trouver utile, comme le bruit de fond ou les faux textes. Vous devrez fournir ces informations à l'éditeur une fois la production terminée, ou peut-être même après chaque journée de tournage terminée. N' oubliez pas de garder une copie pour vous-même au cas où l'original serait perdu. Assurez-vous d'ajouter des notes à vos rapports sonores à tout moment, il n'y a eu que des problèmes sonores pendant le tournage et si une étiquette supplémentaire a été autorisée par le réalisateur ou non. Cela gardera le blâme sur vous pendant la publication si des problèmes surviennent, mais assurez-vous que vos notes sont toujours professionnelles, et ne se rencontrent pas d'une manière agressive ou condescendante. 8. Équipe du son: Comment trouvez-vous une bonne équipe de son ? Eh bien, il y a beaucoup de choses que vous prenez en compte. L' expérience est très importante, mais cela ne se reflète pas toujours dans la quantité de crédit que quelqu'un peut avoir. Ce n'est pas parce que quelqu'un a 100 crédits que la qualité de son travail est bonne. Assurez-vous de regarder la qualité du travail de quelqu'un sur la quantité car ils vont vous donner un résultat final bien meilleur que quelqu'un qui a une mauvaise qualité mais beaucoup de crédits. Une autre chose à surveiller est de savoir si l'équipe du son pose des questions. Est-ce qu'ils veulent parler au réalisateur pour comprendre leur vision et prendre le scénario ? Veulent-ils voir le script avant la main pour voir comment chaque scène va se jouer ? Demande-t-on de parler à d'autres membres de l'équipage, en particulier dans la garde-robe, afin qu'ils puissent comprendre le genre de choses que les comédiens et les actrices portent pour qu'ils puissent en tenir compte ? Est-ce qu'ils demandent directement aux endroits où vous allez filmer ? Cela vous montrera s'ils ont une compréhension du son de production cinématographique. S' ils veulent faire ça, c'est vraiment bénéfique pour toi. Une bonne chose à demander à l'équipe de son, peut-être, quoi avez-vous besoin de nous ? S' ils répondent avec des choses comme, j'ai besoin de temps pour enregistrer la tonalité de la pièce. Ils peuvent dire que j'ai besoin de temps pour faire les acteurs, il y a de bonnes chances qu'ils sachent aussi ce qu'ils doivent faire sur le plateau et qu'ils ont besoin de temps pour le faire correctement. Poser cette question est un très bon moyen de comprendre s'ils savent faire leur travail. Il vaut également la peine de demander à votre équipe de son quel équipement ils utiliseront et pourquoi. S' ils maîtrisent l'équipement et peuvent vous donner des connaissances approfondies sur la façon de l'utiliser, il y a une chance qu'ils l'aient utilisé à nombreuses occasions et vous donneront les meilleurs résultats. Une autre chose à prendre en compte est s'ils veulent voir le script avant main et quelque chose que vous devriez toujours assurer est que vous leur donnez du matériel à votre équipage. Vous voulez leur donner le script, la liste de présélection et le calendrier. Ce sont des choses qu'ils doivent avoir avant la date de production et ne doivent pas être laissées avant la dernière minute. 9. Rond final: Nous sommes arrivés à la fin de ce cours. J' espère vraiment avoir réussi à éclaircir toute désinformation et vous fournir les connaissances dont vous avez besoin pour faire votre travail le meilleur possible. J' ai abordé les bases de chaque domaine de travail sonore pour la production et partagé avec vous un kit de base dont vous avez besoin pendant le tournage. À l'avenir, nous aborderons encore plus de détails pour les apprenants audio plus avancés et les personnes qui pourraient voir cela comme une carrière future. Nous sortirons également des cours préproduction et de post-production sonore afin que vous puissiez avoir une connaissance approfondie de ce domaine critique du film. S' il vous plaît pratiquer et partager vos techniques et résultats. Bonne chance, et je te reverrai très bientôt. 10. Cours bonus - Différents mixages sonores pour la production: [MUSIQUE] Quand il s'agit d'être un mixeur sonore, faut penser à bien plus qu'à ce que l' on entend. Il y a beaucoup d'autres personnes qui travaillent sur un plateau qui ont également besoin d'un flux sonore, le plus important après le mixeur, c'est l'opérateur de flèche. Ils ont besoin d'entendre exactement ce qu'ils capturent et, selon leurs préférences, peut-être même entendre un peu ce qui est capturé sur les micros en direct qui se trouvent sur les acteurs eux-mêmes. Cela leur permet de choisir les meilleures positions et s'assurer qu'ils saisissent le dialogue le plus clair possible. majorité des cas, le réalisateur veut également entendre ce qui est capturé, ce qui lui permet de faire choix créatifs et de ressentir comment se produit la livraison. Il est également avantageux pour eux savoir quand il y a des endroits ou des prises de vue où le dialogue ne peut pas être capturé aussi bien qu'il se doit, et ils peuvent prendre cette information en mouvement en phase de post-production. Après cela, il s'agit plutôt de savoir qui aimerait entendre le son plutôt que qui a vraiment besoin de l' entendre. Vous pouvez avoir des producteurs qui aimeraient également entendre l'action capturée et, dans tous les cas, en tant que mixeur de son, il est de votre travail d'obtenir les bons mixages sonores aux bonnes personnes. Allons dans le mixeur et mixons. Être un mixeur sonore peut devenir assez intense, surtout s'il y a beaucoup de sources de micro qui entrent dans la table de mixage en même temps. Eh bien, c'est le travail que le mixeur sonore se concentre le plus sur son action. travailler en synchronicité avec le directeur adjoint et le superviseur de script afin d'être au courant des changements de dernière minute apportés à très important de travailler en synchronicité avec le directeur adjoint et le superviseur de script afin d'être au courant des changements de dernière minute apportés à l'horaire. Une bonne compréhension de la scène sur le point de se dérouler est également cruciale car elle permet à un mixeur de hiérarchiser en direct les voix de l'acteur et de leur permettre d'éliminer tout bruit inutile, et sachant qu'il n'y a pas de clip audio pendant la scène. Ce mixage permet également au mixeur communiquer avec l'opérateur de la flèche avec informations à jour telles que la position qu'il prend est la meilleure par rapport au image sonore globale et bien plus encore. Pour le mixage de l'opérateur de flèche, un mixage sonore différent est créé spécialement pour eux, dans lequel ils peuvent entendre le son de leur flèche sous forme de rétroaction en direct, ce qui leur permet de mieux fonctionner globalement. Ils voudront peut-être aussi qu' un peu les amours des acteurs entrent dans le mix, ce qui leur permettra de comprendre quelles voix ils peuvent avoir besoin de prioriser et quelles positions sont les meilleures dans l'ensemble. . Selon la taille du projet, l' opérateur de flèche et le mélangeur peuvent transporter leur propre ensemble de micros directionnels en direct afin qu'ils puissent communiquer. Ceux-ci iraient directement dans leurs mixages, mais certaines productions ont systèmes de communication en place les uns avec les autres. Mais parfois, les équipes de son préfèrent avoir leurs propres systèmes en place ne pas compter sur les mêmes fréquences que les micros radio utilisés pour les acteurs, éliminant ainsi toute interférence. sur ces chaînes. Dans l'ensemble, nous examinons l'alimentation de la flèche, l'alimentation comps depuis le mixeur de son et le haut vers le haut de la flèche vers la table de mixage. Pour le mélange des réalisateurs, dans la plupart des cas, le réalisateur veut entendre ce qui vient du micro boom, car c'est généralement ce qui est utilisé en post-production. Vous pouvez le faire savoir au réalisateur lorsque vous configurez leurs micros et s'il veut entendre d'autres sources, vous pouvez également les ajouter à ce mix. Cependant, n'oubliez pas de garder à l'esprit que le flux de communication entre l'opérateur de la flèche et le mélangeur de cellules doit rester privé. Le réalisateur n'a pas besoin d'être au courant toutes les communications en cours au sein de l'équipe de son. Si nécessaire, la table de mixage peut parler directement au réalisateur, soit en personne soit via une liaison coms séparée.