Illustration numérique : forme, texture et couleurs dans Adobe Fresco

1. Introduction: Salut tout le monde. Je m'appelle Sarah Nelson. Je suis artiste et illustrateur à Los Angeles, Californie. J' aime dessiner, j'aime créer, c'est dans mon sang, viens d'une grande famille. Je fais ça depuis aussi longtemps que je me souviens. J' ai tellement appris en cours de route. J' ai commencé plus fin, fais encore beaucoup de ça avec le dessin à la plume et Margaret. Puis, en 2017, j'ai appris à faire du dessin numérique, des graphes Kim et un iPad, puis un crayon Apple, qui sont deux des choses dont vous aurez besoin pour cette classe, et une application de dessin dans ma carrière a été changée à jamais. J' ai été en mesure de faire des occasions qui n'auraient jamais été mon chemin. Je sais la puissance du monde du dessin numérique et comment cela peut transformer votre carrière, peut être thérapeutique. Il peut vous donner de la joie et développer votre talent. Je voulais vraiment vous apprendre ceci et les outils que j'utilise. Je suis vraiment excité que je vais décomposer cette classe pour qu'elle soit appropriée à tous les niveaux. Vous n'avez jamais rien fait avec le dessin numérique avant, ne vous inquiétez pas, je vais marcher avec vous et s'il y a quelque chose que vous connaissez tout au long de la classe. Stand dans toute la cabine à votre rythme. Apprenez à faire les choses que vous vous sentez mal à l'aise. Je vais voir comment créer une forme et une forme proportionnées. Ensuite, nous allons passer par la texture et comment ajouter des objets de touristes de texture. Ensuite, nous allons passer à la superposition des couleurs, à la fois dans les pinceaux de pixels et les rushes vectorielles. Avant de faire tout ça, je vais vous apprendre à utiliser Adobe fresco. Dans votre projet de classe, chose que nous allons construire pour une dans cette classe, deux types d'oiseaux de paradis différents. Les deux oiseaux, il y a tellement de types différents de variantes, mais j'en ai un choisi et puis l'oiseau du paradis, la plante. Ensemble, nous allons utiliser toutes ces techniques dont je viens de parler. Nous allons vous donner les moyens de créer votre propre illustration de manière à ce que vous soyez vraiment, vraiment fier. J' ai hâte de voir ce que vous créez. Je pense que ça va être incroyable et je pense que tu vas te faire exploser. Commençons par une introduction à Adobe Fresco. 2. Présentation d'Adobe Fresco: Plongons dans Adobe fresco. Je suis tellement excité de vous présenter cette plateforme. Encore une fois, si vous êtes déjà familier avec Adobe fresco ou si vous allez travailler avec la procréation, hésitez pas à sauter cette leçon ou à aller une autre classe de partage de compétences qui plonge encore plus profondément dans ces types de plates-formes pour il suffit de brosser toutes les options que vous avez de toutes les façons dont la plate-forme fonctionne. Si vous êtes nouveau, je vais vous guider à travers toutes nos options de menu, les différences entre les brosses, certaines des façons dont l'outil fonctionne, juste pour que vous soyez totalement configuré pour terminer ce projet de classe. Je veux commencer avec nos boutons et outils. Ceci est votre menu pixel pinceau, livré avec l'ensemble initial de pinceaux, mais il y a une énorme quantité de pinceaux que vous pouvez télécharger, juste google comment les importer, c'est processus rapide et facile. Les pinceaux que je recommande vraiment sont des centaines de pinceaux gratuits appelés pinceaux de Kyle, je les utilise tout le temps, mais nous allons commencer avec des pinceaux de pixels. Ils opèrent comme leur nom l'indique. Leurs limites indiquent qu'ils ne peuvent pas être étendus infiniment, mais ils contiennent une telle gamme de textures incroyables et ils peuvent gérer d'être agrandies à la plupart des tailles de fichiers les plus fréquemment utilisées. Les pinceaux vivants sont différents. Ils viennent à la fois à l'huile et à l'eau. Voici donc le pinceau aquarelle, sont finalement des pinceaux pixel, mais ils sont capables d'imiter à la fois les médiums de couleur d'huile et d'eau en mélangeant, absorbant, comme ces peintures le font dans la vraie vie. Lorsque vous effectuez un zoom avant, vous pouvez voir comment la texture reflète vraiment les médiums qu'ils essaient d'imiter. Ils restent si vous remarquerez sur le même type de calque que que n'importe quel autre pinceau de pixels, et vous pouvez voir qu'il y a un indicateur sur le côté droit de votre écran, qu'il a un petit pixel, puis si vous passez à une brosse vectorielle, elle devient un cercle rempli. Parlons des pinceaux vectoriels, ces pinceaux ont des options de pinceau plus limitées, mais ils peuvent s'étendre infiniment, ils ne perdent pas leur résolution. Donc, comme vous le voyez, je zoome ici et les lignes restent droites et claires. J' adore utiliser ces pinceaux. Ils m'ont été très utiles dans mon travail. J' ai pu envelopper ce train entier avec des pinceaux vectoriels sur cette application de dessin. Nous allons plonger dans des outils plus classiques, nous allons commencer avec la gomme, vous pouvez changer sa taille. Il existe d'autres options, comme des bords plus souples que vous pouvez utiliser pour la gomme. Ensuite, nous avons les outils de forme, ils viennent dans quelques formes différentes, vous pouvez changer la taille simplement en utilisant les coins et vous pouvez également l'utiliser comme une gomme à la place afin que vous puissiez effacer la forme que vous avez créée. Ensuite, nous avons l'outil de déplacement, qui fait exactement ce que vous pensez qu'il serait, il peut se développer et se contracter, mais il peut également déplacer tout ce que vous avez sélectionné dans cette couche. Ensuite, nous avons l'outil de sélection, qui vous permet de sélectionner des portions spécifiques puis vous calquer, déplacer, laisser, masquer, développer, contracter. Lorsque vous avez terminé avec cet outil, n'oubliez pas d'appuyer sur désélectionner. L' outil de remplissage est également un classique. Il vous permet de remplir avec votre couleur de sélection. Peu importe ce que vous avez dans ce cercle, il remplira cette couleur autour ou à l'intérieur de certains objets de ce calque et vous pouvez choisir entre un pixel ou un film vectoriel. Ensuite, nous avons notre outil d'échantillonnage de couleur, vous permet de trouver les couleurs que vous voulez correspondre parfaitement, peut déplacer le cercle d'échantillon autour de la zone à partir de laquelle vous cherchez à dessiner la couleur et il choisira cette couleur exacte pour vous au multi-- outil d'échantillonnage. Vous pouvez utiliser ce même cercle d'échantillonnage et trouver une zone qui a plusieurs couleurs superposées dedans et il va effectivement échantillonner ces couleurs et la créer en une couleur que vous pouvez utiliser avec votre pinceau pixel et il enregistre toutes les couleurs et l'opacité que vous les utilisez dans un palais ci-dessous. Vous pouvez également modifier vos paramètres de brosse, vous pouvez changer sa taille, flux en fonction du type de brosse il y aura un type différent d'options de réglage. Ensuite, nous avons nos boutons d'annulation et de rétablissement classiques. Notre section d'aide propose un certain nombre de didacticiels spécifiques à Adobe fresco by Adobe fresco. Ensuite, nous avons nos options de publication d'exportation, et vous pouvez même diffuser en direct vos œuvres en cours vers les conseils. Ensuite, nous avons nos paramètres de document, la taille de la toile, vous pouvez modifier un flip, canevas est tourner les choses, trouver plein écran, vous pouvez appuyer sur ce bouton et tout outil que vous n'utilisez pas activement disparaîtra de l'écran. Si vous cliquez sur le calque, vous pouvez les fusionner de différentes manières ou modifier leur opacité en tant que calque complet. Il y a un bouton plus et i. Le bouton plus vous permet d'ajouter des calques et de mettre en surbrillance des calques. Enfin, lorsque vous fermez votre projet, et que vous avez terminé, il va enregistrer et il retournera à la galerie où vous trouverez tous ces tutoriels. N' oubliez pas également de consulter ces didacticiels de partage de compétences sur une fresque Adobe et de procréer que j'ai répertorié dans la section des ressources de classe. J' espère que cela a été très utile. Je te verrai dans la prochaine leçon. 3. Forme et contours: On commence à dessiner. Dans cette leçon, nous allons voir comment créer le contour et la structure de base de nos espèces d'oiseaux et de nos espèces végétales. Mais avant de commencer tout ça, je dois parler de photos de référence, d'éclairage, de résolution, de pose, d'angle, toutes ces choses aident à créer un bon dessin. La photo de la plante est celle que j'ai pris un certain temps en arrière, mais l'oiseau de paradis oiseau est difficile parce que son natif de Papouasie-Nouvelle-Guinée, pas celui que j'ai accès à, donc j'ai trouvé cette image sur Adobe Stock Photos, J'ai acheté il pour cette classe, mais aussi longtemps que vous n'êtes pas violer le droit d'auteur, images Google, Pinterest, Stock photo, ils sont tous des endroits idéaux pour trouver des photos de référence.I acheté des photos disponibles dans la section des ressources de classe avec des feuilles de calcul de groupe pour que vous pratiquiez le travail à partir de, et je vous encourage vraiment à essayer trouver vos propres photos de référence et à en tirer. Il y a tellement de types d'oiseaux de paradis et tant de choses à découvrir à leur sujet, alors s'il vous plaît les chercher et essayer en utilisant ces techniques par vous-même, en utilisant une photo de référence que vous avez trouvée. Vous pouvez importer ces photos via l'icône photo et le côté droit de votre menu. Cette leçon a pour but de bien cerner les grandes lignes de nos sujets. J' ai décomposé ce processus en deux méthodes, construction de forme et une main libre. Je vais commencer avec la construction de forme dans l'oiseau, puis plus tard je ferai le dessin à main libre avec la plante, et après avoir fini avec les deux, je vais vous montrer comment vérifier votre travail. La construction de forme est un processus de décomposition d'un objet complexe en ses formes les plus basiques, et l'ajout lent de la complexité. Je vais déplacer cette photo de la toile un peu, j'aime utiliser des pinceaux vectoriels pour esquisser car cela me permet de dessiner au-delà de la toile, donc je vais ajouter un nouveau calque et changer la couleur de mon stylo. Quand je vois cet oiseau et je cherche ses formes les plus basiques, je vois un ovale pour la tête et un rectangle pour le cou, bosse circulaire sur la tête, triangle pour le bec, ovale pour le corps, rectangle incurvé pour la queue, et quelques lignes balayantes ici à la base. Une fois ces formes, je vais ajouter un nouveau calque et changer mon stylo en noir, et j'aime recommencer avec la tête, nous allons affiner ce que nous avons commencé, quand je regarde le cou et la tête, Je vais voir qu'il y a une ligne de cou légèrement incurvée, et regarder de près les angles, les courbes, et je vais remarquer que mes formes peuvent ne pas être parfaitement alignées, elles peuvent être trop petites ou trop grandes, je peux corriger ça car je suis en faisant le tour d'eux, rappelez-vous que c'est juste un squelette pour travailler. Quand je regarde le bec, je peux dire que le bec est incurvé, pas seulement un triangle plat. Je vais commencer à remplir certaines de ces plumes d'aile, en assurant que ce contour est précis ou aussi précis que possible, c' si important parce qu'il fera en sorte que tout le travail que nous faisons dans les leçons suivantes, texture du stylo et la superposition de couleur, que tout cela semble bon à partir d'ici. Je pense qu'on a bien commencé l'oiseau. Parlons de main libre, cachons vos couches sur lesquelles vous avez travaillé jusqu'à présent avec l'oiseau, nous resterons dans notre brosse vectorielle, je vais commencer avec du noir tout de suite. Main libre est la méthode de dessin où vous dessinez ce que vous voyez comme vous l'avez vu, et commencez par trouver votre point de départ. Pendant que je dessine, je garde les yeux sur l'image pour plus que ce que je dessine, comme je dessine, je fais attention à tous les petits détails, je vérifie toujours ce qui correspond à ce que je dessine actuellement, comment ça s'insère dans relation avec d'autres courbes, d'autres pétales, et je veux toujours m'assurer que je ne dessine jamais quelque chose de plus haut que ce qu'il est censé être, c'est vraiment toute cette observation. Je travaille très lentement autour de la fleur à partir de mon point de départ, c'est un processus que j'utilise le plus dans mon propre travail, mais il lit généralement pour moi le moins de corrections parce que je suis tellement attentif que je crée. On dirait qu'on a fait du bon boulot pour faire tomber l'oiseau du paradis, alors parlons de la façon dont on vérifie notre travail. abord, je vais ajouter dans sélectionner un nouveau calque, changer la couleur de mon stylo. Je vais utiliser une méthode que j'appelle l'ancrage. Je l'appelle ainsi parce que cela nous aide à solidifier et à ancrer des lieux ensemble. Quand je zoome sur cet oiseau, je peux dire que l'œil s'aligne avec la pointe même du bec, et que la poitrine à l'oiseau s'aligne là où se rencontrent le sommet du bec et la tête. Vous pouvez utiliser cet outil en ligne droite aussi, et je peux dire que la base du pied frappe le bord de cette couleur fondu à l'extrémité du pied frappe le milieu de la bande jaune. Vous pouvez aller horizontalement aussi. Vous pouvez entrer dans autant de détails que vous le souhaitez, et éventuellement vous aurez cette grille à partir de laquelle travailler. Il fait en sorte que les choses alignées, son incroyablement important lorsque vous avez besoin de dessiner quelque chose qui doit être identifiable en fonction des caractéristiques, vous devez vous assurer que les taches sont au bon endroit, juste un un changement de ces caractéristiques pourrait amener quelqu'un à croire qu'il s'agit d'un type d'oiseau tout à fait différent. Comme vous pouvez le dire, j'ai beaucoup de corrections que j'ai besoin de travailler, qui étant dit, oiseau sans cette grille semble assez bon en soi, donc je vais affiner tout ce qui a l'impression qu'il a besoin d'être raffiné pour être identifiable ou juste parce que ça a l'air mal. Une fois que vous avez corrigé tout ce que vous ressentez comme vous avez besoin dans vos propres dessins, vous êtes prêt pour la texture de penn, qui je suis tellement excité. Prenez votre temps avec ce plan, assurez-vous d'utiliser la section des ressources de classe, vous avez totalement cela et je vous verrai dans la texture de penn jusqu'à la prochaine. 4. Texture du stylo: Bienvenue dans la texture du stylo, alors nous allons d'abord parler de hachures et de hachures. Ensuite, nous allons parler de la texture et comment l'appliquer, où l'appliquer au sein d'une espèce. À la fin de cette classe, vous aurez la texture et la valeur données à votre oiseau et à votre plante. Ça va être incroyable. Parlons de la texture du stylo. Il joue un rôle, surtout lors de l'utilisation de pinceaux vectoriels, car le pinceau n'a pas de texture intégrée dans le pinceau, alors que les pinceaux pixel peuvent être pleins de texture par eux-mêmes. Commençons par un coup d'oeil rapide à l'éclosion et au hachage. Hachching utilise juste des lignes droites vers le haut et vers le bas, répétitives, venant de la même direction, soit monter ou simplement descendre à travers la répétition, nous créons de la valeur, et donc plus vous couvrez une zone avec ces lignes, plus il devient sombre. Vous pouvez pratiquer cela en créant une échelle de valeur comme je le fais. Assurez-vous de pouvoir identifier clairement vos tons sombres , moyens et clairs. Des lignes plus courtes espacées plus éloignées, rendent les zones plus claires et les longues lignes sombres pour les zones plus sombres, et utilisez le poids de votre papier, votre toile pour aider à créer vos tons clairs. Crosshatching est exactement ce que ça ressemble. Vous avez commencé de la même manière que lorsque vous utilisez des hachures, où vous commencez par des lignes droites. Lorsque vous ajoutez des correspondances croisées à cela, vous ajoutez simplement des lignes inclinées pour créer vos tons foncés, moyens et clairs. Vous utilisez toujours la répétition, pas la pression pour créer votre échelle de valeur. Ces deux techniques sont vraiment, vraiment utiles pour faire croire que les choses sont arrondies. Maîtriser cela est vraiment utile et un exercice que je recommande vraiment avant de passer à vos dessins réels, est d'essayer de dessiner un cercle et de choisir où vos sources de lumière, puis d'utiliser des hachures et des hachures pour le faire ressembler ronde. Remarque très importante à cela est que vous ne courbez pas les lignes, vous les gardez droites et vous déplacez simplement la ligne des lignes droites. Vous déplacez ces lignes avec la courbe de la forme. Je vais utiliser le hachage pour commencer à ajouter des ombres plus sombres à la base. Notez que j'ajoute des lignes plus courtes, les rendant plus espacées à mesure que je me rapproche de l'endroit le plus léger. La direction de la ligne est vraiment, vraiment importante et va vous aider à rendre les choses arrondies. Prenez le temps de vous entraîner, consultez la section des ressources de classe pour les notes sur les hachures et les hachures croisées. Parlons maintenant de l'Oiseau au Paradis. On va commencer par l'oiseau. Je vais ajouter un nouveau calque. Il y a deux façons de décider où appartiennent l'éclosion et l'éclosion transversale. La première chose que je demande est où sont les parties les plus sombres, parce que ce noir dans mon stylo va être la partie la plus sombre de mon dessin. Mais parce que les éclosions et les éclosions croisées ont ces textures poreuses, je peux rendre mes noirs dynamiques si je les garde un peu plus légers et ne pas tout remplir. Donc, si je commence avec cette partie noire de la tête, remarquez que mon stylo est posé sur les bords des parties les plus sombres et se déplace vers l'intérieur, je peux remplir certaines des fissures, mais je veux laisser de la place à différentes nuances sombres pour briller à travers. Je vais aussi juste à la couleur dans une partie de l'œil et je vais laisser un point culminant. La deuxième chose que je vais chercher s'applique maintenant, où dois-je impliquer qu'il y a une texture qui doit être définie. Donc habituellement, je ne donnerais pas à un oiseau un contour droit parce que leurs bords sont à plumes. Je vais donc ajouter un autre calque et rendre mon contour initial un peu transparent afin que je puisse créer des lignes pointillées et appliquer des plumes à l'extérieur. Je vais aussi ajouter les petites lignes représentant les touffes le long de la tête, le long des plumes, et là où il y a des lignes dures, je vais juste ajouter une ligne plus définie. J' aime appeler cette méthode des lignes implicites signifie essentiellement que vous ne dessinez pas toutes les petites choses que vous avez vues, mais vous donnez des indices de ce qui existe pour que nos esprits puissent remplir les blancs. L' angle de votre ligne aidera à impliquer qu'il y a une courbe, quelle direction les plumes vont dans, etc. Maintenant, en regardant l'aile inférieure, il est si sombre, puis ajouter une couche d'éclosion et de hachures croisées pour ajouter quelques à cette zone sombre, ce processus prend certainement de la patience. Je vais avoir cette couche disponible dans ma section de ressources de classe juste pour que vous puissiez obtenir un gros plan sur la façon dont j'ai ajouté de la texture à la fois à l'oiseau et à la plante. Je pense que cette texture a l'air assez bonne. Vérifions et voyons comment cela se traduit par un être non plume. La ligne implicite va être la plupart du temps affirmer que les surfaces des pétales sont lisses et il va aussi montrer où sont nos ombres. Alors n'oubliez pas de rester dans le vecteur ici et regardons où ils ajoutent de petites lignes pour montrer où les ombres et les formes se déplacent. Je veux que cette base, surtout pour se sentir ronde et que les pétales ressemblent toujours à se plier et se décaler les uns sur les autres. Remarquez comment les lignes inclinées ont vraiment aidé à souligner la rondeur de cette base. Parce que la caractéristique principale des fleurs est la coloration audacieuse, vous n'avez pas besoin d'ajouter trop de texture de stylo. Nous voulons que les couleurs apparaissent vraiment, mais cela nous aidera à souligner sa texture et une partie de la forme. Vous pouvez voir que je suis les ombres et les pétales que je ne courbe pas mes lignes. Il suffit de faire bouger la rangée de lignes courbes avec l'angle de l'ombre. En ajoutant cette quantité d'ombrage, il commence vraiment à donner vie à cela, ce qui est tellement amusant. Consultez la section des ressources de classe pour voir de plus près cette texture de stylet pour les deux dessins. Celle-ci parce qu'il y a tellement de coloration audacieuse que ça n'a pas pris si longtemps. Ensuite, nous plongons dans la superposition des couleurs. 5. Pinceaux pixellisés et oiseau: Il est temps de colorier. Je suis tellement excité. Nous allons commencer avec les pinceaux de pixels et dans la leçon suivante, nous allons parler des pinceaux vectoriels. Vous devriez expérimenter au-delà de ce que je vais vous apprendre sur ce que les pinceaux deviennent votre favori et comment ils interagissent les uns avec les autres, mais nous allons apprendre les choses que j'utilise le plus souvent et je pense qu'ils vont vous aider car nous Allez. Je suis vraiment, vraiment excité de partager ces techniques avec vous et j'ai hâte de voir ce que vous faites. Parlons d'abord des pinceaux de pixels. Prenez le temps de parcourir vos pinceaux pixels et vos pinceaux vivants si vous ne l'avez pas déjà fait. Assurez-vous de télécharger ces brosses Kyle aussi si vous ne l'avez pas fait. Je vais personnellement aborder cela à partir d'une aquarelle textures, mon préféré est le papier aquarelle AM de Kyle, un pinceau 116 pixels. J' ai créé un nouveau calque qui se trouve sous le contour et les calques texturés. Je vais commencer par utiliser mon sélecteur de couleurs, déplacer sur la photo, commencer avec vos tons les plus légers d'abord, je vais commencer par le jaune et l'utiliser pour créer ce calque de base, cet outil, même quand il est réglé sur 100 pour cent opaque, il est toujours assez transparent et continue en couches ou assombrir simplement en ajoutant de la pression. J' adore ce pinceau. Quand je regarde cette partie jaune de l'arrière de la tête et du dos, il y a une bande jaune plus légère que je veux vraiment préserver. Alors que je me déplace, je veux ajouter de la pression et des couches de couleur aux zones plus sombres en haut et en bas et alléger la zone médiane. Ne vous inquiétez pas de peindre hors des lignes. Vous peignez sur un calque séparé de sorte que vous pouvez facilement effacer toutes les couches de peinture jusqu'au bord sans gâcher votre contour, avec cela toutes les couleurs que vous utilisez et leur niveau d'opacité seront enregistrés avec votre roue de couleurs. Maintenant, je vais créer un nouveau calque et commencer à dériver vers les rouges et les oranges. Nouveau est mon sélecteur de couleurs essayant de capturer la bonne nuance de rouge. Je peux également utiliser mon pinceau comme outil de hachage. Gardez cela à l'esprit comme une option de texture tant que vous ne ramassez pas votre stylo, la couleur que vous avez déjà définie va juste se fondre parfaitement dans elle-même. Tous les pinceaux ne fonctionnent pas de cette façon. Rappelez-vous juste une fois que vous le ramassez, il va ajouter sur la première couche que vous avez déjà posée. Je vais essayer de garder ma pression la même pour qu'elle lui donne un ton plus plat. Maintenant, je vais ajouter violet plus foncé, et je vais utiliser la pression éclairée comme je l'avais jusqu'à ce que les zones mises en évidence. Comme je l'ai déjà dit, j'aime créer des calques séparés pour toutes les différentes couleurs. Il me protège de faire des erreurs qui sont vraiment difficiles à annuler. Nous allons voir comment ces couches commencent à se construire. Ces couleurs peuvent devenir si riches, c'est si amusant, va commencer à aller un peu plus profondément. Je vais ajouter plus de variance aux parties noires de la tête, permet à la tête sombre d'être plus dynamique et de ne pas se sentir si plat. Ainsi, vous pouvez utiliser votre gomme pour créer une texture si vous utilisez différents calques et que vous avez une couleur sous un ton plus sombre, vous pouvez effacer le calque supérieur avec petites lignes hachurées pour créer des reflets à plumes. Je vais aller plus sombre et ajouter un nouveau calque. Je vais passer à la brosse humide 1, ce qui va vous donner un exemple réel. Pour vous sentir à nouveau libre d'essayer toutes sortes de pinceaux et de trouver ceux que vous aimez. Rappelez-vous que chaque outil que vous utilisez, la pression et la façon dont il se couche, il va être différent. J' ajoute beaucoup d'ombre et de tons plus profonds à cette partie inférieure de l'aile. La couleur devient de plus en plus riche, ce qui est tellement amusant. Vous pouvez voir la différence que la texture du stylo fait vraiment ajouter quelque chose de spécial. Je veux te montrer le processus que j'aime. Ce mélange spécial entre le crayon 2B et les pinceaux d'aquarelle Adobe live et il ajoute cette texture vraiment excitante. Je vais l'utiliser pour créer des reflets rouges dans la queue, je vais passer à l'aquarelle et la capacité de la brosse vers le bas afin que nous puissions voir ce qu'elle fait. J' aime mettre la ligne d'aquarelle juste à côté, pas au-dessus de lui pour que la couleur saigne organiquement dans l'eau. Je peux également utiliser l'échelle d'opacité de couche. Je peux changer sa vibrance. Ainsi, comme vous pouvez le voir, les processus pour travailler mon chemin de la lumière à l'obscurité, ajoutant toujours de nouvelles couches au fur et à mesure que je vais. Parfois, j'expérimente, chaque fois que je ne suis pas sûr de quelque chose, j'ajoute juste un calque pour voir à quoi il ressemble. Regardons les rubans du conte. Je vais utiliser un pinceau où je peux changer l'épaisseur lorsque je mets la pression. Nous avons toutes ces petites plumes blanches à la base et elles ne vont pas apparaître sur un fond blanc. Une chose que vous pouvez faire est de voir à quoi vous dessinez ressemble sur un fond sombre. Certains de nos pinceaux sont transparents, donc nous allons trouver un pinceau très opaque et nous allons utiliser la couleur blanche et nous allons colorer la silhouette de l'oiseau et de la branche pour que nos oiseaux aient encore un visage blanc. Passons à la branche et essayons la brosse sèche. J' essaie le pinceau pastel de Kyle. Je vais utiliser le pinceau live pour mélanger les couleurs et les textures, pourrait ajouter un peu de bleu et continuer à basculer entre les pinceaux de texture et le pinceau live aquarelle. On l'a fait. J' ai hâte de voir tes oiseaux. C' est tellement excitant. J'espère que vous vous sentez fier. Je ne peux pas attendre que vous partagiez avec le monde. Mais avant nous, plongons dans des pinceaux vectoriels et finissons notre usine. 6. Pinceaux vectoriels et plante: Pinceaux vectoriels. On y va. Si vous seulement sur la procréation, je vous recommande juste d'utiliser les éléments de pinceau pixel et de le faire pour votre plante Bird of Paradise ainsi, mais pour ceux d'entre vous qui utilisent Adobe fresco, c'est passionnant. Nous allons parler à nouveau de la superposition des couleurs, du fonctionnement des pinceaux, de l'opacité. Ils sont un peu différents quand il s'agit de vecteurs. Je suis vraiment excité de partager ces outils avec vous. Parlons des pinceaux vectoriels. Vous ne pouvez pas utiliser de pinceaux vectoriels pour la plupart des choses de votre vie. Mais je suis tellement excité de partager ce processus avec vous parce que je pense qu'il vous donne outils dont vous avez besoin pour vous pencher sur les opportunités qui pourraient vous venir. Je n'aurais jamais pu illustrer l'intérieur et l' extérieur du train sans ces brosses vectorielles. Dans le cas où quelque chose de grande envergure arrive à votre chemin et veut que vous soyez confiant dans votre capacité à vous pencher là-dedans. Je vais utiliser uniquement des pinceaux vectoriels et je vais travailler avec la brosse arrondie parce que c'est la qualité de ligne la plus constante. Les principes sont les mêmes qu'avec les pinceaux de pixels. Je vais choisir la couleur la plus claire alors je vais aussi la rendre assez transparente. Je vais juste utiliser ce niveau de couleur et de transparence pour créer une tonalité de base pour mon dessin. Je vais commencer par les pédales, en ajoutant cette couche de base, l'orange audacieuse pourra paraître un peu plus dynamique. Lorsque vous soulevez votre pendentif cesse de se fondre avec votre couche initiale. Si vous voulez le rendre transparent, il suffit de continuer à tirer vers le bas sur votre stylo jusqu'à ce que vous ayez complètement fini avec cette couleur après cela, vous pouvez construire dessus. Maintenant, commençons à construire sur nos oranges. Je vais aller un peu plus audacieux et je vais ajouter un calque et changer l'opacité. J' ai décidé d'ajouter un soupçon jaune à cette orange. Je n'ai pas besoin d'ajouter cela à chaque pédale, mais juste à quelques-unes, juste pour faire sentir qu'il y a quelques points forts, un peu de diversité à l'orange, même si elle ne se sent pas à plat. Dans ce cas, l'opacité est votre plus grand ami. Vous devez trouver vos tons moyens que vous allez continuer à revenir pour aider à mélanger les couleurs ensemble. C' est un pont entre les niveaux de couleur. Je garde vos calques d'ajout, le plus sombre et plus audacieux, je vais avec mes couleurs. Je veux toujours m'assurer que j'ai un calque séparé pour les essayer. Si vous ne savez pas si vous avez rendu une couleur trop opaque, vous pouvez toujours travailler avec l'opacité du calque et essayer régler un peu pour voir si elle permet à d'autres couleurs de briller. Vous pouvez voir que pendant que je les superpose, la couleur devient beaucoup plus riche. Ça devient excitant. J' essaie toujours de laisser les faits saillants. J' ai choisi de faire les pétales d'abord parce qu'ils sont tous une seule couleur et je veux les faire tous à la fois pour les garder cohérents. Quand je commence à ajouter ces tons plus foncés, je l'utilise avec parcimonie en essayant de les garder dans des zones confinées où la texture de mon stylo montre de l'ombre et que cette texture de stylo finit vraiment par être mon guide. Je vais utiliser une partie du même brun comme une ombre et certains des autres pétales, le tout créer une belle consistance. Tout comme avec les pinceaux de pixels, vous essayez de créer des couches de couleurs avec une opacité variable, vous pouvez sans cesse affiner votre livre d'oranges. Maintenant, je vais passer à la base. Je vais ajouter un nouveau calque et je vais lui donner une faible opacité et commencer à ajouter un bleu de base puis je vais ajouter un peu de fuchsia au sommet de cette base. Cette plante est si sauvage, ses couleurs sont si audacieuses, c'est l'une de mes préférées. Ensuite, je vais le rendre encore plus transparent et mélangé dans la couche bleu violet. Ces bases particulièrement complexes parce qu'il mélange des couleurs audacieuses ensemble de façon transparente, ce qui n'est pas facile à faire. Cela va prendre un certain temps et potentiellement quelques reprises. Regardons ces reflets secs. Nous pouvons imiter certaines textures même avec un pinceau non texturé en ajoutant des lignes horizontales sur un calque de manière transparente. Nous mettrons ce calque au-dessus de tous les autres calques de couleur. Maintenant, commençons à ajouter nos sombres et nous allons commencer à l'arrière de la base où il rencontre la tige et suivre la forme des ombres et maintenant vous devez ajouter quelques verts jaunâtres. J' ai ajouté un nouveau calque et je vais juste ajouter ce vert en changeant son opacité au fur et à mesure qu'il se fond. Je vais ajouter cette couleur à la tige aussi. Je peux gâcher avec son ordre et voir s'il semble mieux sous d' autres couches et je peux changer son opacité de couche aussi et tous ces outils, changer l'ordre de vos couches, changer l'opacité de la couche, tout cela aide vraiment créer des couleurs mélangées riches vraiment agréables. Maintenant, je vais ajouter un peu plus d'un vert gris clair sur le dessus afin de lui donner un peu de point culminant. À partir de là, il suffit d'ajouter de la couleur en utilisant la tonalité mélangée. Je vais totalement admettre que cette plante n'est pas facile, mais elle enseigne tellement. Il a des couleurs audacieuses qui sont difficiles à mélanger, il y a des couleurs qui n'ont tout simplement pas l'impression qu'elles se fondent naturellement unes dans les autres et heureux qu'elles travaillent dessus. Au-delà de ça, je pense qu'on a fait du bon travail. Je suis vraiment fier de vous les gars, nous avons fait la plante et l'oiseau, et maintenant nous pouvons parler de partager avec le monde entier. Voyons ensuite comment les publier et laisser le monde voir ce que nous avons créé. 7. Comment exporter et publier votre travail: Parlons de partager votre travail. Comment vous avez deux oiseaux de paradis. Vous avez l'oiseau, vous avez la plante, ils sont entièrement illustrés, ils sont sur votre programme. Parlons de la façon d'obtenir cela de votre programme et dans le monde. Cette partie est très importante. Adobe Fresco et toutes les autres plateformes offrent un large éventail de types de fichiers que vous pouvez exporter votre travail. Trouvons le bouton Partager en haut à droite, appuyez sur « Publier et exporter ». L' exportation rapide est une excellente option, mais il s'agit généralement d'un JPEG par défaut, Publier et Exporter vous permet également de changer le nom du fichier et de choisir parmi un plus large éventail d'options de fichier. Vous avez la possibilité d'exporter en tant que PNG. Si vous voulez le faire, n'oubliez pas de supprimer l'arrière-plan coloré, qu'il s'agisse d'un blanc ou d'une nouvelle couleur que vous avez choisie. Vous pouvez également exporter en tant que JPEG qui ajoutera automatiquement un fond blanc, même s'il n'en avait pas. Ensuite, vous pouvez l'exporter en tant que fichier Photoshop si vous voulez conserver toutes vos couches et y travailler un peu plus dans un autre programme. Si vous l'enregistrez au format PDF, il enregistre toutes les qualités vectorielles des pinceaux afin qu'ils restent dans leur super-puissance d'expansion infinie et puissent être rouverts dans Illustrator et travaillés à partir de là. Vous pouvez également le partager sous forme de flux en direct de votre travail. Vous pouvez partager votre travail directement sur Behance, qui est une excellente plateforme pour les créatifs. Si vous ne l'avez pas déjà vérifié, je le recommande fortement. Enfin, vous pouvez l'exporter comme un time-lapse, ce qui est super amusant, l'enregistrement à grande vitesse de votre travail qui se réunit. Il va enregistrer dans vos photos et j'aimerais voir votre time-lapse ainsi que vos produits finaux dans la section des projets de classe. Tout ce que vous avez créé dans Fresco peut être recréé de toute une série de façons et partagé avec des clients et des amis super simplement et vraiment rapidement. J' ai hâte de voir ce que tu as créé pour exporter afin que nous puissions célébrer ton incroyable travail. 8. Réflexions finales: Mes amis, c'est vous qui l'avez fait. Vous avez officiellement dessiné une image proportionnée. Après avoir appris à créer sur une plateforme de dessin numérique, vous avez appris à ajouter de la texture, puis vous avez appris à créer des couches de couleurs riches et belles et à les donner vie dans les pinceaux pixels et vectoriels, et vous avez partagé votre travail. C' est incroyable. Je suis tellement pompé, je suis tellement excité. J' espère que vous vous sentez fière, que vous applaudissez. J' espère que vous vous sentez habilité. J' espère que vous avez l'impression que tout ce que vous avez appris dans cette classe peut être traduit au-delà de ce moment. Je sais que cela peut être, je sais que cela peut vous donner le pouvoir de dire les choses que vous voulez dire dans le monde, et j'espère que vous les utiliserez pour cela, et j'espère que vous les partagerez à la section projet de classe parce que c'est le partie la plus cool de cette prochaine étape est une fois que vous partagez ceci, nous avons l'occasion de célébrer, vous avez l'occasion de vous remonter le moral. Félicitations, merci d'avoir fait partie de ce cours. S' il vous plaît passer en revue, s'il vous plaît partager votre travail, vérifier mes autres cours sur Skillshare, et j'espère que je vous verrai dans une autre classe bientôt.