Dessin au stylo 101 : Créer des formes avec des valeurs et des textures

1. Introduction: Bonjour, et bienvenue dans Dessin avec le stylo 101, Créer une forme à l'aide de la valeur et de la texture. Je suis tellement excité de plonger dans ce cours avec toi. Je m'appelle Sarah Nelson. Je suis artiste et illustrateur ici à Los Angeles, et j'adore dessiner. J' aime aussi faire de la randonnée, et j'aime la nourriture, et j'aime le jardinage, mais toutes ces choses m'éclairent aussi. La plupart de mon travail est centré sur l'environnement. Ma conviction est que les techniques que vous apprendrez dans cette classe vous permettront de parler des choses qui sont dans votre cœur. Je suis heureux de faire une plongée profonde dans le dessin à la plume à l'aide d'outils qui se trouvent autour votre propre maison et d'apprendre à débloquer ces outils afin que vous puissiez créer des choses qui vous intéressent. Vous allez apprendre à faire des hachures, des hachures, des pointillés, outils incroyables pour créer de la valeur et de la forme, puis nous allons parler de textures. Ensuite, quand nous commencerons notre projet de classe, nous allons trouver comment mettre toutes ces choses ensemble dans un plan proportionné et donner vie à un dessin complet. Tous ces ensembles de compétences sont extrêmement importants et ont été le fondement de ma carrière. Ce sont des techniques clés fondamentales qui peuvent se traduire dans toutes sortes de médiums différents, toutes sortes de pratiques artistiques différentes. Ils débloquent un monde que vous pouvez traduire dans n'importe quel sujet pour créer des images vraiment dynamiques et belles. Ce cours comprend de nombreux mini-projets intégrés à chaque leçon, et cela vous aide à perfectionner les compétences nécessaires pour le projet principal de la classe. Chaque leçon aborde une méthode différente de création de valeur et texture qui aidera à donner vie à la forme de votre espèce. N' oubliez pas d'aller à la section des ressources de la classe, utilisez le guide et le PDF de la ressource ainsi que le tableau Pinterest pendant que vous travaillez à travers ces leçons. Ce cours est destiné principalement aux débutants, mais cela ne signifie pas que vous n'êtes pas capable d'apprendre quelque chose si vous êtes un peintre professionnel. Si vous n'avez pas fait de dessin avec un stylo très souvent, c'est une grande classe pour vous. Si vous êtes totalement nouveau dans le dessin en général, cette classe est faite pour vous. Je vais parcourir tous les différents types de techniques qui vous permettront de ne pas être submergé, mais vraiment le faire étape par étape pour créer des choses dont vous êtes fier. J' ai hâte de voir ce que vous créez. vous plaît, publiez tout ce que vous créez dans la section du projet de classe ci-dessous. Nous voulons le voir, nous voulons le célébrer avec vous, et je veux être en mesure de vous faire part de vos commentaires si vous avez des questions, alors n'hésitez pas à tendre la main. Je pense qu'il est temps de commencer. 2. Votre projet de cours: Parlons projet de classe. Je suis tellement excité à propos de cette partie de la classe. Nous allons vous préparer avec toutes ces techniques différentes, mais vous allez créer quelque chose complètement à partir de zéro. Nous allons nous concentrer spécifiquement sur une espèce que vous pouvez choisir ou que vous pouvez suivre. Je vais faire l'ara bleu et jaune. Vous allez ajouter des contours proportionnés mélangés à tous les outils que nous avons appris, hacher, hacher, pointiller, puis toutes les différentes textures que nous avons apprises pour les écailles et les plumes. Nous allons les assembler pour créer un dessin vraiment dynamique et beau. Ce dont vous aurez besoin pour cette classe sont : stylos à dessin, préférence un stylo Micron 005, mais vous pouvez aussi utiliser un stylo à bille, ou un stylo à ligne fine, puis vous avez besoin de papier, d'un crayon et d'une gomme et d'une règle. Je suis tellement excité de voir ce que vous créez. vous plaît postez-le dans la section du projet de classe ci-dessous, et j'espère que vous nous permettrez de vous célébrer et enthousiasmer ensemble sur les choses que vous apprenez et créez. 3. Comprendre le stylo: Je suis tellement excité de vous présenter l'univers du dessin à la plume et à la plume et toutes les techniques étonnantes que je suis venu à apprendre et à devenir super friands au cours des 10 dernières années de ma carrière. Ce dont vous aurez besoin pour cette leçon, c'est un morceau de papier à gratter, et avant de vraiment plonger, tour de votre maison, faites une pause et faites le tour de votre maison, collectez tous les types de stylos que vous avez posés afin que nous puissions explorer la variété des fins et de la fabrication intentionnelle qui existent dans ces outils. Allons plonger dedans. Pen est l'un de mes outils préférés absolus. Parce qu'il y a une vaste gamme de choix, il peut être difficile de savoir quels types vous conviennent et quels sont les projets sur lesquels vous voulez travailler. Je veux le décomposer. Les stylos se décomposent généralement et peuvent être déchiffrés par ces deux choses, leur pointe et leur type d'encre. Leur pointe vous indiquera les types de lignes qu'ils peuvent créer et le type d'encre vous aidera à connaître la largeur de la ligne qu'il peut produire, si elle est archivée, ce qui signifie résistant à l'eau et à la décoloration, et comment vous pouvez dessiner avec audace. J' ai rassemblé tous mes types de stylos, comme je vous ai demandé de le faire, et je vais passer en revue chacun de ces types de stylos pour vous donner une ventilation sur leur conception et leur but prévu. Plongons dedans et commençons par ces marqueurs. Ils sont si souvent emballés de la même manière. Ils ont l'air similaires et ils peuvent tous venir en différentes couleurs. Qu' est-ce qui les distingue ? Comme je l'ai dit tout à l'heure, c'est leur but. marqueurs sont destinés à remplir l'espace et les stylos sont destinés à un travail linéaire. Par exemple, ce stylo à peinture est conçu pour remplir l'espace avec une couleur extrêmement opaque. Il peut être utilisé pour écrire avec, mais c'est son but secondaire. Son encre peut être utilisée sur du papier, mais elle est conçue pour être sur la pierre, la fenêtre, rochers, et elle brillera quand elle est utilisée sur la bonne surface. Maintenant, regardons les marqueurs Copic. Il a deux pointes, brosse et ciseau, et il peut être utilisé pour écrire, mais ce n'est pas quelque chose que vous utiliseriez sur des documents, lettres ou des devoirs à moins que vous n'ayez aucune autre option. Son encre est vibrante et à base d'alcool, sorte qu'elle fonctionne mieux avec le papier à dessin et non le papier d'imprimante de base. J' adore les marqueurs, mais je vais les mettre de côté, et parlons de véritables stylos. D' abord, nous avons des stylos à pinceaux. Il y a beaucoup de types de stylos à pinceau et même les marqueurs ont souvent des pointes de pinceau. Mais il y a une différence entre un stylo comme celui-ci et une pointe de pinceau sur un marqueur, et c'est-à-dire son encre. vrais stylos pinceaux sont conçus intentionnellement pour le dessin au trait et la calligraphie. Ensuite, nous avons un stylo plume. Ils sont rechargeables, leur qualité de ligne est incroyablement unique. Leurs lignes sont naturellement texturées et peuvent être utilisées pour esquisser. Mais la façon dont l'encre se construit au fur et à mesure que vous ajoutez plus de lignes est qu'elle saigne en elle-même et ne couche pas sauf si vous laissez chaque couche sécher. Maintenant aux deux types de stylos les plus familiers dispersés dans les maisons du monde entier, le stylo à bille et le stylo roller. Les stylos à bille arborant toutes sortes de logos d'entreprise ont beaucoup de métal à la pointe. Ils créent des retraits quand ils dessinent ou sont écrits avec, et c'est parce qu'il a une encre épaisse et qu'il est vraiment conçu pour l'écriture et a été adopté pour dessiner, surtout gribouiller, mais son but principal est l'écriture. Rollerball ressemble beaucoup à un stylo à bille. Il a également une pointe en métal. L' encre rollerball est une encre plus fluide et elle ne nécessite pas la pression qu'un stylo à bille fait pour écrire ou dessiner. Les deux sont honnêtement excellents outils de dessin et d'écriture, ce qui est quelque chose que j'aime au stylo. Ce sont des supports accessibles. Mais comme ces stylos spécifiques n'ont pas été conçus pour les artistes professionnels à utiliser, vous devez vous rappeler qu'ils ont tendance à barbouiller, qu'ils courent quand l'eau les frappe habituellement, et que leur encre s'estompe au fil du temps. Maintenant rouleau de tambour, le stylo micron. Il s'agit d'un stylo à pointe fine qui est archivistique, ce qui signifie qu'il est résistant à la décoloration et imperméable à l'eau. Ils varient en taille, ils varient en couleur, ils ont même une version pinceau stylo. Ma préférence personnelle et suggestion pour cette classe est le 005, qui est leur plus petit stylo à pointe. Parce que plus la pointe est petite, plus votre détail peut devenir nuancé, et j'aime le détail. Ces stylos sont conçus à 100 % pour les artistes. Vous pouvez écrire avec eux, et je le fais même parfois, mais ils sont certainement un excellent outil pour dessiner et ils étaient destinés à vivre dans les deux espaces. Nous avons plongé nos orteils dans l'univers de la plume. Veuillez poster tous les stylos que vous avez trouvés dans la maison et les poster dans la section de classe ci-dessous. Faites-moi savoir lesquelles sont vos préférées et pourquoi. Ensuite, nous allons plonger dans la façon de créer des lignes confiantes. 4. Créer des lignes pleines d'assurance: Nous avons passé en revue le thème des stylos, comment choisir celui qui vous convient et maintenant il est temps de parler de ligne, parce que les stylos, c'est tout leur but, est de créer des lignes que nous construisons ensuite dans autre chose. Il est vraiment important que vous vous sentiez aise et que vous vous sentiez fier du travail que vous créez et confiant alors que vous plongez dans ce que j'aime appeler la terreur de la page blanche, ce qui est très courant. Dès que vous mettez quelque chose sur le papier, vous avez déjà ce sentiment puant dans votre estomac que cela ne va pas ressembler à ce que vous imaginiez ou espériez. Nous allons donc parcourir exercices différents et quelques types de lignes différents pour vous aider à comprendre comment utiliser cet outil pour créer des choses que vous avez réellement l'intention de créer. Allons plonger dedans. Tirer une ligne avec confiance est surtout une question de pratique et de temps, mais il y a aussi quelques éléments psychologiques. Le premier et peut-être le plus grand obstacle pour la plupart des gens est la peur de la page blanche. Une chose énorme qui m'a aidé à surmonter cette peur était d' apprendre à travailler avec un stylo. Vous ne pouvez pas effacer le stylet, vous ne pouvez pas cliquer sur Annuler, c'est juste permanent. Ils ont la capacité de nous apprendre à lâcher la peur de foirer. Au lieu d'entrer constamment dans ce cycle de refaire et de défaire, nous apprenons de chaque dessin au fur et à mesure que nous allons. Une autre partie de la création de lignes confiantes consiste à comprendre comment utiliser la ligne et quelles sont vos options. Quand j'utilise un stylo, je pense aux différentes caractéristiques de la ligne et le premier est le poids de la ligne. Le poids de la ligne peut varier en fonction de la pression ou de l'angle de votre stylo et c'est une ligne qui va de plus en plus foncée et plus épaisse à plus mince et plus légère. Les parties plus sombres de la ligne se sentent plus lourdes et peuvent communiquer de l'ombre ou lourdeur simplement par simple déplacement dans la main ou un petit peu de pression. Le suivant est la direction de la ligne. Lorsque je mets une ligne d'angle par rapport à une ligne verticale, remarquez comment votre œil réagit différemment à ces lignes. Dans la ligne inclinée, vos yeux sont plus susceptibles de se déplacer du point A au point B et généralement de gauche à droite. Ensuite, lorsque je dessine une ligne verticale, mon œil devient plus statique ou si j'incorpore le poids de la ligne, il commence à se déplacer de la partie la plus lourde de la ligne jusqu'à la partie la plus légère. Si je courbe ma ligne, mon œil suit sa trajectoire et je peux utiliser le poids de la ligne pour guider dans la direction que je veux que l'œil du spectateur suit. La longueur de la ligne est souvent associée à la direction de la ligne et au poids de la ligne. Nous l'utiliserons beaucoup avec les hachures et les hachures, et surtout une fois que nous arriverons à des textures. Enfin, nous avons implicite la ligne et c'est là que vous laissez une partie de votre travail de ligne à l'imagination du spectateur. Dans cette feuille, je suggère fortement avec la direction, le poids et la forme qu'il s'agit d'une feuille. Mais je ne dessine pas toutes les veines de la feuille, tous les petits détails. Dans cette feuille du bas, je vous donne explicitement tous les détails et c'est plus juste de vous raconter une histoire au lieu d'impliquer ou d'insinuer. ligne implicite ou l'utilisation audacieuse de la ligne sont utiles et ont leur place. Ce que vous devez savoir, c'est comment utiliser ces techniques pour mieux communiquer votre sujet ou votre concept. Nous allons pratiquer une méthode de dessin classique qui vous aide à connecter vos yeux à vos mains. C' est un excellent moyen d'ajouter de la confiance à votre création de ligne, parce que si vous ne pouvez pas faire en sorte que vos yeux et votre main se connectent, il sera vraiment difficile pour vous de faire confiance au travail que vous mettez sur un morceau de papier. Pour cela, vous aurez besoin d'un morceau de papier, d'un stylo et d'un sujet à dessiner. Je vais utiliser les plantes sur mon bureau devant moi et une fois que vous aurez votre configuration d'objet devant vous, je veux que vous le dessiniez sans ramasser votre stylo. C' est ce qu'on appelle le dessin de contour. Vous pouvez également faire un dessin de contour aveugle en ne regardant pas votre papier et en regardant seulement votre sujet et je recommande fortement de pratiquer cela aussi. Trouvez un point de départ. Je prends habituellement l'un des deux côtés, ou à la base avec le haut des objets et je commence à suivre le contour de mon objet très lentement avec mes yeux et à bouger mes mains lorsque je bouge lentement mes yeux. Je remarque des nuances et je regarde principalement ce que je dessine et beaucoup moins mon papier. En décomposant certaines des méthodes habituelles que vous utiliseriez pour dessiner, comme regarder votre papier ou simplement dessiner rapidement ou ramasser votre stylo, vous aidez à vous ralentir et vous voyez ce que vous créez. Une chose que j'espère que nous pourrons tous nous entendre au fur et à mesure que nous allons plus loin dans le dessin au stylo, c'est que, c'est bon de gâcher. C' est un endroit sûr pour continuer, continuer à dessiner, continuer à pratiquer, continuer à créer, parce que vous ne ferez que mieux et vous ne deviendrez plus confiant. Veuillez poster vos dessins de contour, partager votre expérience dans la section projet de classe. J' ai hâte de les voir et ensuite, nous plongons dans une technique de ligne et nous allons commencer par l'éclosion. Je te verrai dans la prochaine leçon. 5. Hachures: Je suis tellement excité de vous présenter à l'éclosion. Je ne pouvais pas être plus pompé. C' est une de mes techniques préférées. C' est un que j'utilise tous les jours. C' est éprouvé et vrai. Il a été utilisé par de nombreux artistes à travers l'histoire, y compris Leonardo da Vinci, et l'œuvre est toujours belle. Nous allons parler d'échelles de valeur et de sphères. Veuillez poster tous vos exercices dans la section du projet de classe ci-dessous. J' ai hâte de voir ce que vous créez. Commençons. Parlons de l'éclosion. J' ai mon stylo Micron 005 prêt et du papier, ce qui signifie que je suis prêt à faire du rock and roll. J' utilise un tout nouveau stylos Micron 005 pour que la pointe et l'encre produisent leurs lignes noires complètes. Parce qu'à mesure que ces stylos vieillissent, la pointe s'use et les lignes deviennent plus larges, ce qui peut être vraiment utile. J' ai quelques vieux stylos ici et je vous montrerai plus tard dans cette leçon comment pouvons-nous les utiliser. Mais pour l'instant, je vais commencer avec mon nouveau stylo. hachure est une technique utilisant des lignes répétitives pour créer de la valeur. Dans ce cas, je commence par le bas et je monte. Je veux juste être sûr que vous êtes toujours cohérent avec la direction dans laquelle vos lignes se déplacent. Donc ici, je vais commencer par une échelle de valeur en utilisant la hachure. Je vais créer ces lignes verticales dans une rangée se déplaçant de gauche à droite. Ensuite, j'utiliserai la répétition, pas la pression pour créer de la valeur. Je vais travailler pour créer une échelle claire allant de l'obscurité à la lumière. Maintenant, la raison pour laquelle nous utilisons la répétition et non la pression est parce que ce sont stylos à pointe fine et que la pression peut écraser la pointe et peut même faire exploser l'encre du stylo. Fondamentalement rien de bon ne vient de mettre la pression sur ces stylos. C' est pourquoi nous utilisons des techniques comme l'éclosion. éclosion crée également naturellement ces belles textures qui peuvent être incroyablement utiles pour divers sujets. On en parlera plus tard dans ce cours aussi. Remarquez comment je commence toujours à la base de la rangée et je monte et je m'arrête un peu plus loin de la route chaque fois que je recommence ma rangée de lignes. C' est un moyen très simple de s'assurer que votre échelle de valeur devient progressivement plus légère et plus légère. Quelque chose que vous avez peut-être déjà assemblé est que la façon dont vous créez vos lumières est de laisser plus de papier briller à travers. Votre papier sera toujours votre point le plus léger. Vous pouvez voir que j'ai clairement des sombres, des médiums et des lumières, prenant forme dans mon échelle de valeur. Assurez-vous que vous pouvez également les identifier sur votre balance. Il y a quelques éléments de ligne que nous voulons vraiment garder à l'esprit pendant que nous dessinons avec le stylo et le premier est le poids de la ligne. Vous pouvez voir sur cette ligne que la base où j'ai touché stylo au papier est la partie la plus sombre et la plus épaisse de la ligne. C' est là que le plus de pression de ma main est naturellement de mettre le plus d'encre dans le papier et il s'estompe lorsque je continue dessiner parce que la pression de ma main se relâche. Je veux m'assurer que toutes ces lignes commencent de la même manière afin de garder mon échelle cohérente lorsque je passe de l'obscurité à la lumière. Un autre élément que nous voulons penser est la longueur de la ligne. Au fur et à mesure que la balance devient plus légère, je peux ajouter des lignes plus courtes pour l'aider à s'estomper en lumière. Ok, une fois que vous aurez terminé votre échelle de valeur, tracez un cercle sur votre papier et nous allons faire un autre exercice ensemble, j'appelle ça la sphère. Cet exercice est vraiment important parce qu'il nous aide à utiliser les outils que nous avons déjà appris en créant l'échelle de valeur et en l'adaptant pour nous aider également à créer l'illusion de forme. L' une des choses les plus importantes à propos de la création d'une forme ronde en utilisant des hachures est que nous ne voulons pas, je le répète, nous ne voulons pas freiner nos lignes même lorsque vous travaillez avec un objet arrondi. Nous courbons notre rangée de lignes, nous ne courbons pas nos lignes. Nous gardons la ligne droite pour qu'elle reste claire et propre. Il est tellement plus facile de répéter des lignes droites et des lignes courbes et de les garder cohérentes. La prochaine chose que nous voulons être sûrs de faire est de déterminer notre source lumineuse. Je vais mettre la mienne à droite et je vais dessiner un petit fils, aide-moi à me rappeler d'où vient ma lumière et pour que tu vois avec quoi je travaille. Maintenant, quand je commence à utiliser des hachures pour créer un look arrondi, je veux être sûr que toutes mes lignes commencent à la base de ce cercle, qui dans ce cas est le point le plus éloigné de la lumière. Je vais commencer mes lignes à partir de la base et les garder droites. Mais je vais leur permettre de raccourcir avec cette courbe. Créer des ombres sur quelque chose comme un cercle peut être vraiment difficile parce que nous ne pouvons pas utiliser la même méthode que nous l'avons fait dans notre échelle de valeur. La lumière ne reculera pas de gauche à droite, mais elle reculera de bas en haut, mais nos lignes seront toujours verticales. C' est donc une autre utilisation pour la longueur de ligne. Nous ajouterons des lignes plus longues par intermittence pour créer ces moyennes longueurs et nos tons plus clairs, et beaucoup de lignes plus courtes et répétitives plus près du bas du cercle. je travaille là-dessus, plus les lignes sont fluides, et moins les ombrages seront agités. Donc, comme vous avez peut-être deviné le nom du jeu avec la plupart des techniques de stylo et cela inclut l'éclosion est la patience. Ok, pratiquez ces exercices autant de fois que nécessaire pour vous sentir à l'aise. Vous pouvez dire que je prends vraiment mon temps et que je tourne les longueurs de ligne. Pendant que j'y vais, je regarde toujours mes sombres, mes mids et mes lumières, puis je les mélange pour m'assurer qu'ils sont encore identifiables, mais aussi en douceur et que mon cercle se sent sphérique. Comme je l'ai fait allusion plus tôt, si vous avez des vieux stylos 005 et que la pointe est un peu fanée et que l'encre est un peu plus légère, vous pouvez toujours les utiliser. En fait, ils sont excellents pour créer des détails délicats. Nous pouvons déjà voir comment cela ajoute un joli mélange doux à mon travail de stylo. Assurez-vous de pratiquer ces deux exercices jusqu'à ce que vous vous sentiez à l'aise avec votre stylo. N' oubliez pas de vous concentrer sur la répétition, pas sur la pression, pour prendre votre temps d'utiliser la longueur de ligne et le poids de ligne à votre avantage. Enfin, lorsque vous travaillez sur la sphère, oubliez pas de courber votre rangée de lignes et non vos lignes. J' espère vraiment que vous publierez ceci dans la section du projet de classe afin que nous puissions voir vos progrès et apprendre avec vous et suivre votre parcours de stylo. Je vous verrai dans la prochaine leçon où nous discutons d'éclosion croisée. 6. Hachures croisées: Parlons d'éclosion croisée. Cette technique repose sur l'éclosion. Nous allons utiliser la ligne implicite, la direction de la ligne, le poids de la ligne, toutes ces choses afin de créer cette belle échelle de valeur en utilisant cette technique. Utilisez le même morceau de papier ou en trouver un nouveau si vous n'avez pas de place, prenez votre stylo et commençons. Tout ce dont vous aurez besoin, c'est du papier, du stylo et comme nous en avons parlé, ma préférence serait Micron 005. Un stylo à pointe fine ou un stylo à bille fera aussi bien. Nous commencerons avec notre échelle de valeur comme nous l'avons fait pour les hachures, donc nous allons faire des lignes droites se déplaçant de bas en haut dans une rangée allant de gauche à droite. Maintenant, on va commencer la croix. Nous allons commencer au coin inférieur et nous déplacer à une diagonale vers le haut et vers l'extérieur, et voici quelque chose qui est très, très important. Ces lignes ne sont pas courbes. Ces lignes sont juste à un nouvel angle. En d'autres termes, nous utilisons la direction de la ligne, un outil très utile et important pour l'ombrage et l'ajout de texture ou de forme. Vous pouvez voir que j'ai effilé mes lignes diagonales au fur et à mesure que je me rapproche des zones plus légères, et ici je vais utiliser la longueur de ligne pour garder cette zone plus légère. Plus il y a de papier à travers, plus cette zone sera légère, donc nous voulons toujours mettre moins d'encre dans cette partie de notre échelle ou de notre dessin afin de garder cette lumière brillante. Nous pouvons utiliser la longueur de la ligne et le poids de la ligne pour nous assurer que cette transition se déroule en douceur. Maintenant, je vais ajouter des lignes diagonales allant dans l'autre direction, commençant à nouveau à partir du coin à travers la ligne, puis je pourrais revenir à lignes verticales droites et revenir à travers tous les angles à nouveau. Lors de la hachure ou du dessin d'un sujet, importance de l'endroit où vous commencez vos lignes, et vous voulez toujours être sûr de mettre votre stylo sur le papier dans les zones les plus sombres afin d'assurer une teinte transparente. Mais dans cette échelle de valeur, vous travaillerez de tous les côtés de la balance, alors assurez-vous de placer votre stylo sur le papier sur les bords de la balance, pas quelque part au milieu de la rangée. Quelque chose que je trouve vraiment utile lorsque je travaille sur des hachures croisées est de tourner mon papier. Cela m'aide à tracer des lignes cohérentes parce que ma main n'a que des mouvements limités. Donc, déplacer les documents pour que je puisse avoir une motion cohérente est une façon d'essayer de garder mes lignes cohérentes. Vous pouvez commencer à voir mes sombres se former et certains de mes médiums, et tout comme avec les hachures, ce processus peut prendre du temps, et plus vous y travaillez, plus la transition de valeur sera lisse. Nous sommes sur un bon départ et vous pouvez voir que ma texture est belle aussi. Maintenant, essayons ces techniques sur cette sphère. Laissons notre première couche de lignes comme nous l'avons fait lors de l'éclosion. Nous courbons ou lignes de lignes en utilisant la longueur de ligne pour souligner l'arrondi du cercle, et nous commençons à la base où c'est le plus éloigné de la source lumineuse. Maintenant, je vais travailler de la base vers le haut et je vais commencer à utiliser une partie de cette magie d'éclosion croisée. Je travaille à partir des extrémités latérales toujours en utilisant des lignes verticales. Je vais utiliser une longueur de ligne pour atteindre le centre et créer certains de ces tons moyens, et je vais utiliser des lignes plus courtes et plus denses vers la base pour souligner cette ombre. Parce que vous êtes à la ligne de vos lignes, la tentation de freiner vos lignes augmente. Résistez-y. Une fois que vous avez l'impression d'être l'extraordinaire sphère, vous pouvez passer à cette leçon suivante. Mais assurez-vous de pratiquer autant que vous en avez besoin. Je dessine tous les jours. J' utilise ces techniques tous les jours, et cet exercice me semble toujours bénéfique pour mon travail et m'apprend généralement quelque chose de nouveau. N' hésitez donc pas à faire plus d'une de ces sphères et échelles de valeur et assurez-vous de publier votre travail dans la section projet de classe au fur et à mesure que vous allez. Suivant, pointillage. 7. Pointillés: Éclosion transversale, éclosion, vérification. Maintenant, vous êtes prêt pour le pointillage, qui est un départ à certains égards, utilise toujours la répétition, pas la pression pour créer ces échelles de valeur que je pense que vous allez être excité. Je serai honnête que celui-ci me demande plus de patience. Je recommande de mettre à jour la taille de votre stylo, alors passez à un 01 ou un 08 si vous avez une variété de tailles de stylo Micron ; sinon, essayez avec un stylo à bille et prenez une feuille de papier, et commençons. Plongons dans le pointillage. Avant de commencer, pointillage est différent de l'éclosion et de l'éclosion transversale. Stippling est le processus d'utilisation de points répétitifs. Encore une fois, pas de pression, mais de répétition pour créer de la valeur et pour définir la forme. Cela n'a rien à voir avec le poids de la ligne ou la direction de la ligne, mais il repose sur la répétition, et c'est avant tout une technique de stylo. Nous allons créer un rectangle de petits points qui sera la couche de base de notre échelle de valeur. Tout comme nous l'avons fait avec l'éclosion, nous avons cette première couche de base de lignes verticales, c'est notre couche de base de points. Nous suivrons la même route qu'avec l'éclosion et l'éclosion transversale, où nous continuons à balayer le rectangle avec de minuscules points de gauche à droite, et nous nous arrêterons toujours un peu court à chaque fois pour créer un joliment... Échelle fanée. Il y a deux façons d'aborder le stippling : l'une est qu'il s'agit d'un processus méditatif, et la seconde est qu'il est affolant. Je recommande d'essayer de rester avec le premier pour votre propre santé mentale. Peut-être mettre des sons de la nature, un bon podcast, votre musique de refroidissement préférée, et laissez-vous vous détendre. Si vous avez des recommandations pour des podcasts ou de la musique, s'il vous plaît envoyez-les à mon sens. Toujours à la recherche de bonnes recommandations. Vous pouvez probablement déjà voir pourquoi je passe à une pointe légèrement plus grande. Ce processus peut créer une très belle texture, et il est extrêmement utile, surtout si vous ombragez dans de petites zones ou si vous voulez juste le look pointilleux qui a été extrêmement populaire tout au long de l'histoire de l'art. Même si cela prend de la patience, techniquement, c'est beaucoup plus facile que quelque chose comme l'éclosion ou l'éclosion transversale. J' aimerais savoir ce que de ces trois techniques vous ressentez est la plus excitante ou est en train de devenir une méthode plus naturelle pour vous. Vous pouvez voir que je commence à obtenir mes trois tons : sombre, mids et lumières. Je vais dire que cette échelle est bonne pour l'instant. Passons à la sphère. Je vais changer où ma source de lumière est juste pour le plaisir, et je vais la mettre sur le côté gauche cette fois au lieu de faire le côté droit et le côté inférieur droit, mon point le plus sombre. Je vais commencer comme je l'ai fait avec l'échelle de valeur, créant une couche de base de points. Je recommande de prendre tout le temps dont vous avez besoin ; allumez une bougie, soyez confortable, et essayez de rendre cela vraiment relaxant. Voici la chose, j'ai ADD, donc si je peux rester patient et créer la sphère de points, vous le pouvez aussi. Quelque chose qui était vraiment important à garder à l'esprit pendant que vous travaillez sur pointillage est que vous voulez vous assurer que vous mettez vos points dans l'espace blanc réel. Après un certain temps, une fois que vous arrivez à ces points plus sombres, il est vraiment facile de continuer à mettre des points au même endroit, alors faites attention à ces ondulations blanches et commencez à vous assurer que vos points remplissent réellement ces espaces. Vous pouvez voir que j'ai mes sombres, mes mids et mes lumières. Il s'agit de répétition, assurer que je suis conscient de ma source lumineuse et de m'assurer que je fais une transition en douceur juste en gardant des balayages répétitifs de points d'un côté à l'autre et toujours s'effilant juste un peu. Prenez tout le temps dont vous avez besoin pour terminer ces trois exercices. Ils sont si utiles, et ils seront extrêmement utiles au fur et à mesure que nous avançons dans les textures. Assurez-vous d'afficher tous vos dessins d'exercice dans la section Classe ci-dessous. J' ai hâte de voir ton travail. Ensuite, nous allons parler de photos de référence. Je te verrai dans la prochaine leçon. 8. Utiliser des photos de référence: Photos de référence. Quel outil incroyable dont nous avons besoin pour comprendre comment traduire en choses que nos mains peuvent réellement créer. Nous allons parler de regarder des photos et comment choisir celles qui conviennent à nos projets. Nous allons parler de la façon de le regarder et de savoir ce qu'il retirer intrinsèquement et ce qu'il faut laisser de côté. Toutes ces choses sont vraiment importantes. Toutes ces choses sont vraiment utiles. Commençons. Parlons des photos de référence un instant car cette partie de la configuration du projet est assez cruciale pour assurer un dessin bien composé. Je veux te piéger pour le succès dès la porte. En fait, je vais utiliser une commission bâclée comme référence pour en parler. C' est un excellent exemple parce que le client voulait une truite brune et l'appât qu'il utilise pour l'attraper et la pleine lune est apparemment le meilleur moment pour attraper une truite brune. C' est bâclé parce que j'ai utilisé la mauvaise photo de référence pour la truite brune. Regardons ici où j'ai tapé dans la truite brune et j'ai tiré toutes ces différentes images sur Google Images. Ce que je cherchais était la façon dont la truite brune était positionnée, coloration et la clarté du détail du poisson réel dans l'image, donc la résolution et l'éclairage. Maintenant, avec les poissons qui sont généralement pêchés, il y a un problème naturel lorsque vous cherchez références photo parce que la plupart du temps, quand ils sont photographiés, ils sont maintenus, ce qui couvre et déforme des parties de le corps du poisson qui sont vraiment importants pour l'identifier. Ça n'a pas l'air naturel si tu vas juste le dessiner sans les mains. Ensuite, il y a beaucoup d'illustrations de diagramme que personnellement j'essaie de rester à l'écart ou de ne pas tirer juste parce qu'ils sont un peu trop raide à la recherche et ils sont généralement dessinés dans un style similaire à mon travail de marqueur fanion. Je ne veux pas copier le dessin de quelqu'un d'autre. Je cherchais un poisson qui n'était pas tenu et je voulais que l'image ait une bonne résolution, coloration claire, pas trop éditée, préférence comme si elle nageait vers la surface. J' ai atterri sur cette image où le poisson nage sous l'eau et c'est dans cette belle forme de croissant. La partie où je me suis trompée est quand vous regardez ce poisson en dehors de l'eau, vous pouvez voir qu'il n'y a aucune de ces couleurs vives que nous avions dans notre première photo de référence ou que j'ai dessiné ici. C' est parce que ces couleurs n'apparaissent que lorsque le poisson nage et que la lumière se reflète juste à travers l'eau trouble de la rivière. J' ai fini par avoir à refaire l'image pour correspondre aux couleurs connues et associées à la truite brune. Maintenant, oublions une seconde que c'est un dessin bâclé et parlons traduire cette image en papier avec nos stylos afin que vous puissiez la regarder pour la position, source de lumière, les détails, puis essayer de la mettre dans un cadre ou un avec d'autres images qui montrent clairement que c'est quelque chose de votre propre. Dans ce cas et pour cette classe, je cherche principalement des textures, les ombres, les attributs définissant, comme ces nageoires et ces motifs. Je cherche mes points d'ancrage pour m'assurer que je peux dessiner ceci clairement et qu'il correspond à ma composition. Je veux être sûr de voir des ombres claires. Quand je regarde cette photo de référence, je suis très attentif à l'endroit où commencent ces ombres parce que ça va me dire comment bouger mon stylo. Je commence mentalement à décomposer la photo de référence en poids de ligne, direction de ligne, formes pour m'assurer que je peux la traduire sur mon papier. Une autre chose que je veux vraiment être sûr de faire attention est l'angle dans lequel la photo a été prise. Je veux généralement éviter d'avoir des angles vraiment bizarres que pour raccourcir ou couper les composants définissant de mon sujet. Par exemple, avec ce panda rouge, je veux être sûr que j'obtiens des images qui m'aident à définir ceci comme un panda rouge. Sous certains angles, il peut facilement être confondu avec un chien vraiment gonflé. Je ne veux pas non plus utiliser un Photoshop de loin en haut si j'essaie de dessiner quelque chose qui regarde directement et que nous ne voulons pas avoir à inventer les choses ou deviner quand nous n'avons pas à le faire. Si vous devez être capable de dessiner les pieds, vous avez besoin d'une photo de référence où vous pouvez voir les pieds. Vous voulez également penser à la source de lumière et essayer de la garder similaire à tout ce que vous ajoutez à cette composition. Je pense que nous sommes prêts à plonger dans le monde des textures. J' ai un lien vers une gamme de photos de référence sur un tableau Pinterest pour cette classe dans la section ressource de classe. Prochaine étape, nous plongons dans la fourrure. 9. Texture : Fourrure: Je suis tellement excité de plonger dans les textures avec vous. Nous avons parlé d'éclosion, éclosion croisée et de pointillage. Votre boîte à outils est pleine et maintenant il est temps de les utiliser avec un sujet réel. Parce que nous parlons de fourrure, je ne pouvais pas penser à un sujet plus mignon que le panda rouge, une espèce en voie de disparition, aussi quelque chose qui me passionne vraiment. Vous avez quelques options avec cette leçon. Vous pouvez soit utiliser le contour de la section de ressource de classe que j'ai pour vous et l'imprimer et juste suivre , soit vous pouvez essayer de dessiner cela à partir de zéro vous-même et mettre en œuvre les choses dont je parle au fur et à mesure que je vais. Tout ce que je recommande, c'est que vous ne sautez pas parce que même si la fourrure peut sembler facile, il y a quelques trucs et astuces qui, je pense, vous seront vraiment utiles. Je suis très heureux de vous présenter le monde des textures et de parler spécifiquement de la fourrure dans cette leçon. J' ai Google image recherché pour les pandas rouges, n'hésitez pas à trouver votre propre pour travailler à partir de. Je recommande un où vous obtenez un bon coup d'oeil à son visage ou vous pouvez utiliser le dessin fini que j'ai dans la section Ressource de classe et travailler à partir de cette image. Maintenant, je vais commencer par juste faire un contour de main libre rapide pour ma photo de référence au crayon et une fois que je l'ai terminé, je suis prêt à passer directement dans la texture à l'aide de mon stylo. Quand je travaille avec la texture et que je dessine une espèce à fourrure, je commence toujours par le contour. Je vais surtout utiliser des hachures sur cette image et je vais commencer ici à l'oreille. Je vais vous utiliser de petites lignes répétitives pour créer un bord poilu et poilu et je vais utiliser une longueur de ligne variable pour montrer comment il est inégal et cela ajoute juste à ce look poilu. Une fois que j'ai commencé ce plan ou même terminé, je vous recommande de passer à travailler dans les zones les plus sombres de votre image, parce que de cette façon vous commencez là où il est le plus difficile gâcher et cela renforcera la confiance. J' utilise des hachures croisées pour remplir les yeux, l' aide à paraître plus rond et plus sombre. Veillez toujours à laisser un peu plus de lumière dans les yeux, car cela lui permet de paraître vivant. Quelque chose à noter, c'est que parce que nous n'avons pas de tracé dur pour tracer nos lignes et en sortir, nous devons trouver des zones où nous pouvons déplacer les lignes d'écoutille d'une manière nouvelle. Il est difficile de savoir par où commencer les lignes, alors faites de votre mieux pour garder vos lignes légères et compter sur la répétition pour une valeur plus foncée. Je ne vais pas non plus dessiner chaque trait de fourrure, je vais utiliser la ligne implicite pour faire ces touffes, où les couches changent ou les couleurs se produisent de nouvelles façons, évidentes. La direction du vent est si importante lorsque vous travaillez avec de la fourrure. Même si nous éclosions, nous pouvons incliner les lignes pour montrer de quelle façon la fourrure se pose et se déplace. Beaucoup de fois, la fourrure aime s'évanouir d'un emplacement central, ce qui signifie beaucoup de sens de la ligne de la magie est nécessaire. Quelque chose à noter à propos des lignes est que, même si vous faites des lignes de type hachuré, ces lignes ne sont que des contours. Certains d'entre eux peuvent être courbés comme ça et vous sortirez de cette ligne en utilisant des lignes droites. Comme vous ne voulez pas courber vos lignes de hachure, il est important de savoir quand vous devez créer une ligne de contour et quand vous utilisez simplement la hachure pour créer une valeur ou une forme. Maintenant, il y a quelques couleurs changeantes dans mon panda rouge et il y a quelques nuances de rouge, quelques nuances de cette fourrure blanche et noir pour les yeux et le nez et quelques zones grises dans les oreilles. Commencez à réfléchir aux nuances de ce que vous regardez et essayez de montrer l'accent et les changements de valeur pour tenir compte des changements de couleur et de valeur en noir et blanc. Les couleurs ne sont pas statiques, donc vous ne voulez pas que vos tons moyens soient statiques non plus. Les tons moyens comprennent une large gamme de tons, donc utilisez le large tableau. Lorsque nous travaillons dans les zones blanches de la fourrure, nous voulons faire attention à ne pas exagérer le travail de ligne et nous voulons le garder en blanc en laissant le papier visible. Placez uniquement l'ombre et le travail de ligne là où la fourrure doit être définie parce que c'est la direction de déplacement, qu'il s'agit de superposition ou qu'il y a une ombre qui aide à définir la forme. Comme je l'ai mentionné plus tôt, noirs ou les zones sombres sont rarement solidement ou à plat sombres. Avec ces techniques, vous pouvez créer la variance même dans les parties les plus sombres de votre dessin, ce qui lui permet de rester sombre mais même avec l'obscurité, avoir une gamme de valeurs. Lorsque nous travaillons sur le front, nous allons utiliser la direction de la ligne pour créer ces poils orange et blanc qui s'évanouissent sur le front. Vous n'aurez besoin que d'une ou deux couches de lumière avec des longueurs de ligne différentes pour montrer la texture qui s'affine. Sur le pont du nez, il y a beaucoup de fanning parce qu' il se déplace à la fois dans et vers le haut et vers l'extérieur, et large dans les joues. Parfois, ce n'est pas la direction de la ligne, mais la direction de vos lignes hachurées qui peut être tout aussi efficace pour afficher la forme, la texture et la valeur comme direction de la ligne. Ici, nous l'avons. Je peux continuer à travailler sur ça aussi longtemps que je veux, mais je vais appeler ça bon pour l'instant. J' ai hâte de voir votre travail avec de la fourrure dans la section Ressource de classe, assurez-vous de le poster. Ensuite, on parlera de plumes. 10. Textures : Plumage: On a de la fourrure vers le bas. Nous nous contentons d'accumuler nos connaissances et nos outils en ce moment, et nous plongons dans les plumes, ce qui est l'un de mes favoris personnels parce que j'adore dessiner des oiseaux. J' aime les utiliser pour enseigner parce qu'ils utilisent toutes nos techniques dans un seul domaine. J' utilise la belle banderole indigo. Si vous ne les avez pas consultés, je recommande fortement à Google de les rechercher. Leur bleu est incroyable et magnifique. Prenez un morceau de papier, prenez votre stylo, et commençons. J' ai une nouvelle feuille de papier. J' ai mon stylo O5. Si vous préférez ne pas dessiner votre propre plan, n'hésitez pas à imprimer le plan que je vous ai fourni dans la section des ressources de classe. Vous pouvez facilement rechercher sur Google indigo bunting si vous voulez trouver votre propre photo de référence et créer votre propre contour. Il y a tellement d'excellentes images à choisir. Je vais commencer comme je l'ai fait avec le panda rouge. Je vais créer un contour de crayon rapide, et une fois que j'ai fini, je vais passer à mon stylo. Cette fois, je vais commencer par les yeux parce que parfois commencer par les parties les plus sombres est le meilleur moyen de renforcer la confiance, et cela définit également mon échelle de valeur. Je vais laisser un peu de blanc dans les yeux juste pour montrer ce reflet de la lumière. Comme avec la fourrure, le contour ne sera pas plein de lignes pleines. Mais contrairement au panda rouge, texture des oiseaux se déplace généralement dans tout leur corps, et cela dépend de l'oiseau. Mais la plupart d'entre eux ont certaines zones qui sont moelleuses et d'autres qui sont lisses. Je veux donc être sûr de laisser le contour se déplacer avec les plumes de l'oiseau. Dans les zones plus lisses, je laisserai de petites lignes presque pointillées se déplaçant horizontalement autour du corps et plus de touffes hachurées pour les zones à plumes. J' ajouterai une ligne implicite et quelques petites marques hachurées pour montrer où les plumes commencent à se superposer et où leurs plumes qui nous aident à identifier ce type d'oiseau, comme les grandes plumes, les plumes avec des marques spéciales, ou différentes couleurs. Nous devons nous assurer de nous en tenir aux marques d'identification car un léger changement pourrait changer toute l'identité de l'oiseau. J' utilise la direction de la ligne pour montrer la direction que les plumes posent. De plus, comme avec nos créatures à fourrure, nous n'avons pas toujours un endroit bon ou évident pour ancrer nos lignes. Lorsque cela est possible, et c'est un peu plus possible avec des plumes, nous voulons trouver ces zones plus sombres et sortir d'elles. Lorsque vous n'avez pas de zone plus foncée ou de contour pour vous éloigner, oubliez pas de garder vos lignes très légères et de compter sur la répétition pour cette valeur. Nous voulons aussi réfléchir à notre échelle de valeur pendant que nous travaillons. Parce que nous transformons notre oiseau de couleur en noir et blanc, nous voulons nous assurer que notre utilisation de la couleur se reflète dans le changement de valeur. Juste parce que cet oiseau est assez monochromatique, il y a encore des tons sombres, moyens et clairs que nous voulons représenter. Comme nous arrivons, il est bon de se rappeler que nous ne voulons pas courber nos lignes, nous voulons courber notre ligne de lignes. Quand je travaille sur la partie sombre de la tête, j'utilise des hachures pour donner, à la fois la définition de la forme, mais j'essaie aussi de maintenir la texture sur la tête. Quand je passe à la poitrine de l'oiseau, il y a beaucoup plus de textures définies qui sont plus moelleuses, et je veux le montrer avec mes lignes hachurées. Les lignes se déplaçant vers le bas et le contour de la zone est un peu moins serré et plus lâche dans mon éclosion. Tout cela aide à montrer cette peluche. Je peux me déplacer à la fois de la base de l'aile et de l'extérieur vers le centre, ce qui permet à la fois d'apparaître la texture, mais cela me donne aussi un endroit pour ancrer mes lignes. Je vais mettre l'accent sur cette petite ombre au bas de cette aile. Parfois, la façon dont les plumes se déplacent et la forme du corps bougent ne sont pas les mêmes. Par exemple, ce dos est arrondi, mais les plumes sur le dos se déplacent droit vers le bas. Donc je vais ajouter quelques hachures pour montrer la rondeur du dos et la petite ombre de cette aile sur le dos. Je vais aussi ajouter de petites lignes hachurées qui sont un peu plus pondérées pour montrer que les plumes se déplacent dans le dos de l'oiseau. Vous pouvez voir comment ces deux textures peuvent sembler unifiées lorsqu'elles sont utilisées ensemble. Quand je descends un peu plus loin à l'arrière de l'oiseau, il y a plus de reflets et d'ombres. Donc, je peux faire un peu moins contrôlé lignes hachurées qui montrent certaines des zones ombrées, et il définit non seulement les textures de cette zone, mais il commence également à ajouter une valeur importante. En regardant l'oiseau, je peux voir que les pointes sont plus sombres. Je vais donc passer des bords et ajouter une petite ombre là où ils se chevauchent. Vous pouvez voir que ces couches se rassemblent. La forme est en cours de définition. Je reçois mes sombres et mes tons moyens, et le contour varie en fonction de la texture réelle de l'oiseau. Les marques d'identification se rassemblent aussi. Yay. Je vais travailler un peu plus longtemps pour ajouter un peu des tons moyens et des textures aux plumes du dos. Mais sinon, cet oiseau est bon à partir. N' oubliez pas d'ajouter votre travail à la section du projet de classe ci-dessous. Je suis tellement excité de voir vos plumes, et je vous verrai dans la prochaine leçon où nous parlons d'écailles. 11. Textures : Échelles: Les échelles sont une composante si intéressante des créateurs. Ils existent sur les poissons, les reptiles, tous ces êtres anciens étonnants. Ils sont bizarres à créer. Sortez une autre feuille de papier, sortez votre stylo, préparez-vous à partager ce que vous avez travaillé avec moi, et plongons dans le poisson betta. Cette leçon sera un peu différente parce que nous allons parler de deux types d'espèces différentes. Ils ont tous les deux différents types d'écailles, et nous allons nous concentrer sur le betta et le caméléon. Je vais commencer par le poisson betta, en commençant, comme je le fais toujours, un contour de crayon. N' hésitez pas à chercher votre propre photo de référence ou à utiliser les photos de contour et de référence que j'ai à votre disposition dans la section des ressources de classe. Maintenant, c'est l'heure d'un stylo. J' ai mon outil 005 Pen. Une partie de la raison pour laquelle j'ai choisi le poisson betta spécifiquement est parce qu'il a une texture bonus dont nous pouvons parler dans ses nageoires. Ses nageoires sont tellement comme des pétales ou des feuilles, et donc quand nous parlons de cette portion du poisson, sont des textures que vous pouvez également traduire à la plupart des dessins botaniques. L' une des principales différences lorsque vous travaillez avec une créature écailleuse par rapport une créature à fourrure ou à plumes est que les hachures et les hachures ne créent pas de texture, ils ne créent que de la valeur et définissent des formes. Le pointillage peut être utilisé pour la texture, mais dans l'ensemble, nous utilisons la ligne implicite pour indiquer la texture. Lorsque nous commençons avec les poissons et les reptiles, généralement vous utiliserez principalement une ligne solide comme contour pour le corps. Vous n'utiliserez pas de marques hachurées pour montrer n'importe quel type de texture poilue, car vous voulez vous assurer qu'elle a l'air lisse et solide. Parce que nos lignes sont si solides et lisses, vous voulez être sûr que vos lignes sont intentionnelles. En faisant le tour du corps et des nageoires, je vais ajouter quelques ondulations dans le contour, puis je commencerai par les écailles du corps. Je ne veux pas dessiner toutes les échelles. Je vais utiliser la ligne de définition de base de l'échelle qui, dans ce cas, est une demi-lune, et y ajouter peu de références dans tout le corps. Cela commence déjà à communiquer un changement de texture des nageoires vers le corps. Une fois que je les aurai en place, je vais commencer à ajouter des éclosions pour montrer l'arrondi et les plis dans le corps. Je vais commencer par les zones les plus sombres. Je vais utiliser la direction de la ligne pour aider à savoir de quelle façon l'ombre se déplace, et je vais calquer avec la répétition, pas la pression, pour créer mes valeurs sombres. Je vais utiliser quelques longueurs de ligne pour m'assurer que la transition de valeur est lisse. Dans les nageoires, vous voudrez vous déplacer du corps ou les plis vers le bas en utilisant des hachures plus que hachures pour montrer comment la nageoire est ondulée et comment la lumière et les ombres se déplacent à travers elle. Utilisez la longueur de ligne et laissez la rangée de lignes hachurées afficher le flux en les déplaçant avec les courbes des ombres et des ondulations dans les nageoires. L' utilisation d'une variété de longueurs de ligne aide vraiment, en particulier sur les bords de la nageoire, à montrer comment cet effet d'ondulation se produit. Parlons maintenant du caméléon et de leurs différents types d'échelle. J' ai déjà terminé mes contours de crayon rugueux, donc je vais plonger directement dans le stylo. Maintenant, parce que c'est une créature assez cahoteuse, je veux le refléter dans le contour. Je ne vais pas utiliser l'éclosion, comme je l'ai fait avec des fourrures ou des plumes, mais je vais permettre à mon stylo d'onduler sur le contour pour les bosses et les pointes, laissant mes lignes claires mais toujours communiquer le fait qu'il y a une texture sur l'extérieur et il n'est pas complètement lisse. Maintenant que nous travaillons sur les échelles de l'intérieur, nous allons regarder la taille. Les échelles ne sont généralement pas cohérentes et elles changent en taille et en définition, donc les plus proéminentes, je vais ajouter des contours plus complets, et pour le moins explicite, j'ajouterai une légère ligne squiggly pour montrer la écailles légères qui sont autour d'endroits comme la bouche ici ou une partie de la crête du nez. Il y a une crête du devant de la bouche au-dessus l'œil que je peux utiliser des demi-cercles pour montrer ce changement d'échelle, et quand ils sont vraiment petits, pointiller est une excellente technique à utiliser pour montrer cette texture. Avec les écailles, vous n'utilisez pas l'éclosion et hachage pour créer de la texture comme nous l'avons fait avec les poissons betta, mais vous pouvez les utiliser en tandem pour montrer la forme. Je vais donc utiliser les hachures à nouveau pour montrer l'ombre et montrer où le corps est plus arrondi et mettre l'accent sur la texture de l'échelle parfois, si elles sont assez grandes pour laisser une ombre. Vous pouvez également l'utiliser pour montrer certaines des rayures ou des changements de couleur, et chaque fois que nous dessinons, nous voulons trouver de bons endroits pour ancrer nos lignes. Trouver des ombres, faire des marques de lumière et utiliser la répétition pour créer de la valeur est une excellente façon de commencer. Comme toujours, nous cherchons à nous assurer que notre échelle de valeur passe de l'obscurité à la lumière et que nous faisons bon usage de nos tons moyens, mais aussi que nous ne nuisons pas trop au point où la texture, dans ce cas les échelles, ne sont plus visibles. Tu vois aussi que j'ai foiré sur la queue ? J' espère que ça t'aidera à t'inquiéter moins de tout gâcher. On le fait tous. Parfois, nous avons juste à rouler avec elle et faire de notre mieux à partir de là. Notre petit caméléon commence à se réunir. Partagez votre betta et caméléon avec nous dans la section projet de classe. J' ai hâte de voir ce que tu as créé. Ensuite, nous allons commencer à travailler sur notre projet de classe et nous allons voir comment dessiner des contours proportionnés. Je ne peux pas attendre. On se voit dans la leçon suivante. 12. Créer des contours proportionnels: Nous avons tant appris jusqu'à présent. Nous avons parlé d'éclosion, d'éclosion transversale, de pointillage. Nous avons traversé toutes ces textures différentes, la fourrure, maintenant il y a des écailles. Maintenant, nous allons parler de la façon de créer un plan proportionné et vous faire démarrer officiellement votre projet de classe, ce qui me réjouit tellement. Ce que nous allons faire dans cette leçon, c'est que nous allons comprendre comment nous assurer que lorsque vous dessinez quelque chose que vous regardez, que vous n'avez pas une tête trop grande pour le corps ou un corps trop grand pour le la tête. Pour garder tout proportionné, assurez-vous que si vous référencez quelque chose, il est exact à ce que vous référencez, et j'ai hâte de voir ce que vous créez. Allons-y. Il est enfin temps de commencer le dessin officiel de l' espèce choisie pour votre projet de classe. Je vais créer un ara bleu et jaune, et j'aurai des guides pour cette espèce spécifique dans la section des ressources de classe. Le point principal de cette leçon est moins de créer un ara, mais d'apprendre à mettre en pratique tout ce que nous avons appris pour un début complet de dessin. Notre première étape consiste à créer un plan proportionné. Vous aurez besoin de papier, crayon, d'une règle et d'un stylo. Il existe deux façons d'aborder la création de contours proportionnés : la première est la construction de forme et la seconde est le dessin à main levée. Dans les deux cas, vous voudrez vérifier votre travail à la fin. Commençons par la construction de forme. construction de la forme est le processus de décomposer notre image en ses formes les plus simples et d'ajouter lentement des nuances et de la complexité au fur et à mesure que nous allons. Cela rend quelque chose qui peut initialement se sentir très écrasant, beaucoup plus simple à digérer. Quand je regarde ce magnifique ara, je commencerai par un cercle pour une tête, un triangle pour le bec, rectangle pour le cou, ovale pour le corps, et deux ovales pour les deux ailes. Une fois que je les aurai en place, je vais lentement commencer à passer ces formes et à solidifier le contour autour d'elles, en ajoutant certains des détails que je remarque au fur et à mesure que je vais. Vous pouvez continuer à décomposer les formes encore plus loin si vous souhaitez en ajoutant des formes plus petites et plus petites dans les grandes formes. Mais j'ai trouvé que juste ajouter ces grandes formes pour commencer est vraiment utile et vous amène là où vous devez être. Alors que je peaufinais cette esquisse, j'accorde une très grande attention à mes photos de référence. Je remarque l'arc du bec, le type de tête arrondie, s'il s'agit d'une courbe plate ou d'une courbe haute, etc. Je vais commencer à ajouter certains de ces autres éléments comme l'œil et certaines des variations de plumes. Vous pouvez voir que j'ai ajouté tous les éléments majeurs à ce bel oiseau, et je l'ajouterai là où je remarque des écarts comme la hauteur de cette aile. Ce ne sera pas parfait tout de suite, mais c'est pourquoi nous construisons cette base au crayon. Freehand dessine ce que vous voyez comme vous le voyez. Vous vous déplacez lentement autour du contour et vous essayez de capturer toute la complexité à la fois. Aucune de ces méthodes ne sont meilleures que l'autre, les deux permettront d'obtenir des résultats impressionnants. Alors penchez-vous sur celui qui vous est le plus utile. Personnellement, j'utilise généralement à main levée. C' est ce que je suis le plus à l'aise avec lequel je suis habitué, et j'ai entraîné mon œil et ma main à travailler en tandem, faisant attention pendant que je vais, pour voir où le bec est aligné avec d'autres parties de l'oiseau, et où se trouve l'œil aligné, etc Vous pouvez voir que je n'appuie pas trop fort avec mon crayon, je veux être sûr que je peux l'effacer quand j'ai fini, mais je suis très intentionnel avec mes lignes, et j'essaie de remarquer la largeur, la longueur, général formes, tout ce que je dessine au fur et à mesure que je vais. Vous pouvez voir mes deux oiseaux l'un à côté de l'autre. Ils ont tous les deux l'air assez similaire. Mais vérifions notre travail pour voir s'ils se sont réellement avérés. En vérifiant notre travail, je cherche des choses qui s'alignent pour m'aider à savoir que j'ai rendu les choses proportionnées. Par exemple, je peux voir que le haut de cette épaule droite est juste au-dessus du pied droit. Nous allons utiliser ma règle pour voir si elles sont alignées dans mon dessin, et si elles ne le sont pas, je peux faire une marque pour montrer où doit être le pied. Je peux voir que l'extrémité de ce bec doit frapper la partie inférieure du cou. Dans un dessin, je l'ai trop court, et dans l'autre, je dois l'allonger. Vous pouvez effectuer autant d'alignements que nécessaire pour vous assurer que votre dessin est proportionné et bien aligné. Comme je l'ai mentionné tout au long de cette classe, nous voulons nous assurer que les caractéristiques d'identification sont faites correctement, et parfois cela inclut la longueur du bec , la largeur de la tête, la longueur de l'aile, etc. proportionné peut être vraiment utile et important. Si vous avez décidé de faire l'ara, j'ai un simple alignement de grille, plein des points d'ancrage dans la section des ressources de classe à regarder. Si vous avez décidé d'utiliser une autre espèce, ces conseils s'appliquent toujours. Sortez une règle, trouvez les zones où les caractéristiques alignent dans votre image et appliquez-les à votre dessin. Veuillez publier ces plans dans la section du projet de classe. Faites-nous savoir si vous avez utilisé la construction de forme ou à main levée, et je vous verrai dans la leçon suivante où nous commençons à ajouter nos textures. 13. Ajouter une texture: Nous avons créé nos contours. Nous en sommes à la dernière étape de notre partie officielle du projet de classe. Nous allons commencer à ajouter de la texture à notre espèce. J' ai hâte de voir ce que tu fais. Allons plonger dedans. Il est temps, nous allons enfin ajouter de la texture à votre projet de classe. C' est tellement excitant. Vous aurez besoin de votre contour, d'une gomme, de votre stylo, préférence du vieux micron 005, et de votre photo de référence. Si vous avez d'autres stylos microns dotés, c'est le moment idéal pour les sortir et les préparer. Comme dans toutes nos leçons de texture, nous allons commencer par le contour. Je vais prendre mon stylo micron 005. Je vais commencer par l'épaule gauche où elle rencontre l'aile et je vais commencer à faire quelques lignes légèrement pointillées autour de la tête. La tête est pleine de ces plumes plates. J' utilise donc des lignes qui se brisent par intermittence pour montrer la texture de la tête et des lignes solides pour montrer la qualité solide et lisse du gros bec. Au fur et à mesure que je fais mon chemin, je garde mes lignes douces, notant la texture, et je commence lentement à obtenir le contour complet. J' utilise le poids de la ligne, modifiant la façon dont j'utilise mes stylos de sorte que certaines zones apparaissent plus audacieuses et d'autres plus délicates en fonction de la définition de la valeur. Ces lignes que je pose sont toutes des lignes hiérarchiques, alors rappelez-vous, elles peuvent être courbées s'il le faut. En ajoutant des références aux touffes de plumes dans tout le corps, je ne fais pas seulement référence à la texture, mais je crée aussi des zones où je peux encourir mes lignes de stylo quand je commence à éclosion et à hacher aussi. Je vais ajouter quelques textures dans la tête, ces rayures de zèbre. Voici le contour de la plume finalisé. Je peux effacer mon crayon maintenant si je le veux, mais je suis prêt à ajouter plus de texture et de valeur en utilisant les hachures et les hachures. Dans la phase 2, nous allons. Nous nous dirigeons vers nos parties les plus sombres maintenant. Je vais commencer par le bec, parce que mon bec est ma partie la plus sombre. Comme avec d'autres zones sombres, nous voulons garder nos zones les plus sombres dynamiques. Je vais utiliser des hachures croisées, en passant des contours au centre pour créer le décalage de valeur. Surveillez les faits saillants, surveillez les changements de valeur dans ces zones. La direction de la ligne va être vraiment utile pour aider à garder l'aspect arrondi dans le bec et pour le garder lisse. Je vais utiliser juste éclosion déplaçant vers le bas pour créer l'ombre du cou et je vais aussi me déplacer à travers les rayures le long du visage, déplaçant du haut de la bande vers le bas et je ne courberai jamais ces lignes. J' ai juste changé l'angle de la ligne pour suivre la courbe de la bande. J' ai beaucoup de travail à faire pour obtenir ce bec aussi sombre que je le voulais, mais je reviendrai sur cela tout au long du processus et continuerai à approfondir ce ton sombre. Je vais passer aux pères inférieurs, obtenir l'ombre sous les ailes, puis ajouter de la texture et des plumes au-dessus en utilisant cette ombre comme point d'ancrage pour les lignes hachurées qui se déplacent vers le haut. Une fois que j'ai commencé cette ombre sous l'aile, je me déplacerai vers les autres plumes superposées dans l'aile, se déplaçant dans une rangée qui coule comme un demi-cercle, décrivant les plumes superposées au fur et à mesure que je vais. Ensuite, sur le côté gauche, je vais quitter la zone où le bleu et le jaune se rencontrent, me déplaçant en utilisant ce décalage de couleur comme point d'ancrage. On dirait que la source de lumière vient d'un angle à gauche. Donc j'essaie de garder ça vrai de toutes les façons que je peux, surtout quand j'ajoute mes ombres. Au début, je pose juste un peu de base d'ombrage, donc je vais continuer à affiner les ombres au fur et à mesure que je continue. Je vais passer à la partie jaune générale du corps à partir d'ici, en utilisant la direction de la ligne pour montrer à la fois comment les plumes sont posées et comment les ombres tombent. Assurez-vous que vos tons clairs et ombres sont fidèles à l'image réelle et non pas simplement supposés. Je vais utiliser les lignes de plumes référencées pour montrer les touffes avec des rangées de petites lignes hachurées montrant leur forme dans ces demi-cercles et je les garde comme référence. Tout commence à se réunir. Nous pouvons voir toute la texture et les couches de base pour mes tons sont placées. Il est temps de construire sur cela et de les définir plus. Je vais ajouter un peu de pointillage dans la partie blanche de la tête qui rencontre le bec parce qu'il y a une texture similaire sur la photo et je travaille sur la partie colorée de la tête. Je veux passer de bas en haut et ajouter également petites lignes se déplaçant à partir de l'endroit où il rencontre le jaune. Afin de montrer que la forme de la tête est arrondie, je vais continuer ce motif dans les parties où il est vert aussi. La tête est marquée avec une coloration bleue, verte contre ce jaune et c'est un bon moment pour vraiment penser à travers couleurs traduites en noir et blanc parce que cela nécessitera une utilisation réfléchie des métones. en va de même là où les bleus et les jaunes se rencontrent sur l'aile. Vous voulez être sûr que le bleu reste dynamique car il a reflets et des ombres qu'il traduit en une couleur différente du jaune, et la même chose va du jaune, surtout quand vous le mettez contre le blanc. Nous avons beaucoup parlé de répétition et non de pression. Mais je veux ajouter une note à cela ; vous ne voulez jamais ajouter plus de pression, mais vous pouvez soulager la pression, ce qui permet aux lignes de toucher à peine la surface parce que votre pointe touche à peine le papier. C' est un excellent moyen d'ajouter du ton pour les jaunes et le corps sans le faire paraître sombre. Une autre excellente façon d'obtenir ce ton est d'utiliser des microns usés qui ont une encre naturellement plus légère parce qu'ils sont tout juste plus vieux et que leur pointe a presque disparu. Ils sont également un excellent mélange qt et lissage des zones et vous pouvez voir comment cela fonctionne bien dans ces zones ombragées. Quand je regarde la partie où le jaune et le blanc se rencontrent, vous voulez aller dans les deux directions pour montrer que les couleurs se rencontrent et que leurs plumes se chevauchent là. Encore une fois, vous ne voulez pas que le jaune se sente trop sombre, mais vous voulez montrer qu'il y a un changement de couleur. Je continue juste à trouver des endroits pour ancrer mes lignes afin que vous puissiez suivre les plumes posées les unes sur les autres en utilisant les ombres de la superposition de plumes comme point de départ. Ça commence à avoir l'air arrondi. Nous commençons à voir ces ombres entrer en jeu et ces couleurs commencent à varier. Ce processus va nécessiter beaucoup de répétition et de temps, mais vous avez ceci. Je vais juste continuer à parcourir chaque section du corps, assombrir mon ombre, ajouter de la texture à mes tons moyens et voilà. Nous avons les textures, les valeurs, les différentes couleurs traduites en différents tons. Notre contraste est bon. On l'a fait. Publiez vos projets dans la section Projets de classe. Je veux les voir et je veux fêter avec toi. Ensuite, nous avons quelques sections bonus et la première est que nous allons regarder comment le dessin à la plume à l'aide du stylo d'archivage fonctionne avec d'autres médiums, particulier le marqueur et l'aquarelle. Je te verrai dans la prochaine leçon. 14. Ajouter d'autres supports: Je suis très excité pour cette leçon parce que nous pouvons prendre ce dessin incroyable que nous avons fait, et nous pouvons y ajouter un peu d'enjouement. Nous allons parler de l'aquarelle et du marqueur, et comment ceux-ci fonctionnent avec les dessins à la plume que nous venons de créer. Je vais vous montrer comment un stylo peut être si efficace avec ces deux médiums. J' ai hâte de voir ce que vous créez. S' il vous plaît, documentez votre processus, votre ludique. Si vous ne voulez pas utiliser le dessin sur lequel vous venez de travailler si dur, utilisez les échelles de valeur avec lesquelles vous avez pratiqué, les cercles et ces échelles de valeur pour jouer et pratiquer. Cela n'a pas à endommager votre pièce, vous pouvez jouer et apprendre à ce sujet avec des choses que vous tenez moins et chers à votre cœur. J' ai hâte de voir ce que tu fais. Jouons. Ce dont vous aurez besoin pour cette leçon, ce sont quelques aquarelles, papier qui peut manipuler l'aquarelle, ce qui signifie juste du papier plus épais, et tous les marqueurs que vous avez couchés autour. Vous pouvez également utiliser l'une de vos échelles de valeur ou de vos dessins de texture de fourrure. Vous n'avez pas besoin d'utiliser l'illustration du projet de classe sur laquelle vous avez passé autant de temps à travailler. Je vais utiliser un papier de la Legion Stonehenge, qui est idéal pour une variété de médiums. Nous allons commencer avec l'aquarelle, et je vais montrer comment l'aquarelle est assis avec ce travail de stylo d'archives. Je vais commencer avec des jaunes, et rester dans les couleurs chaudes. Je vais charger mon pinceau avec de la couleur, puis je vais l'appliquer à partir des bords de cette sphère, parties les plus sombres, et je vais le déplacer vers la zone en surbrillance. Remarquez comment le stylo ne perd pas. C' est parce que j'ai utilisé un stylo d'archivage, qui encore une fois, est résistant à la décoloration et imperméable à l'eau. Il devient un peu plus subtil parce qu'il est maintenant sous une couche de couleur, ce qui est en fait un effet que j'aime vraiment. Il tient son caractère, il se moule bien avec ce médium. Ces deux-là ne sont qu'un excellent jumelage. Si vous avez utilisé un stylo à bille, voyez s'il fonctionne, comment il interagit avec l'eau, documentez-le et partagez-le avec la classe. Il y a tellement de cours étonnants de Skillshare aquarelle, et j'ai un tas de mes favoris liés dans la section des ressources de classe ci-dessous. Allez vérifier si vous voulez en savoir plus sur ce médium incroyable. Ensuite, nous allons travailler avec des marqueurs. J' ai beaucoup parlé des marqueurs dans mon autre cours Skillshare. Je ne vais pas nous dire comment utiliser des marqueurs, je veux juste montrer à quel point ces deux médiums sont beaux quand on travaille ensemble, surtout quand on utilise ces techniques de stylo spécifiques. Je vais utiliser mon dessin caméléon, et je vais commencer par l'une de mes couleurs les plus claires comme couche de base. Comme avec l'aquarelle, je vais quitter les zones les plus sombres. Comme avec le stylo, je travaille dans des formulaires en ligne. Peu importe si mes lignes sont droites parce que nous n'avons pas de marqueurs. Mais je me déplace de mes points d'ancrage dans tout le corps. Mon travail au stylo va s'adoucir avec ce marqueur à base d'alcool, mais ils gardent leur forme et ils ne saignent pas ou ne ruinent pas la pointe du marqueur. Si vous utilisez ces marqueurs avec un crayon ou un stylo qui coule, il va ruiner vos marqueurs parce que leurs pointes absorbent graphite et d'autres encres stylos, puis ils le portent dans un futur dessins et autres marquages. Faites attention à ce que vous mélangez vos marqueurs. Comme une note de côté amusante que ces marqueurs sont rechargeables, ce qui est l'une de mes parties préférées sur ces marqueurs, et l'une des nombreuses raisons pour lesquelles je les aime. J' utilise mes zones hachurées comme guide lorsque je passe à des marqueurs plus sombres. Je vais en avant et en arrière entre marqueurs plus légers et des marqueurs plus sombres pour les aider à se fondre ensemble. Vous pouvez voir à quel point notre travail de stylo est utile, les marqueurs ne peuvent pas capturer cette texture de la même manière. Cela permet à la couleur du caméléon de vraiment briller et de se démarquer, mais aussi de laisser les textures sombres et belles que les caméléons ont spécifiquement, cela permet à ceux de briller aussi bien. Presque tout mon travail est construit sur cette combinaison de médiums, stylo et marqueur. Je suis un grand fan. J' espère que tu t'es amusé à essayer de nouvelles combinaisons. S' il vous plaît partager tout votre travail. Ensuite, nous allons jeter un coup d'œil sur le monde numérique et sur la façon dont ces techniques de stylo se traduisent. Au revoir. Je te verrai dans la prochaine leçon. 15. Stylo numérique: On est là. On est à la ligne d'arrivée. Nous allons parler de tout ce que nous avons appris jusqu'à présent et les traduire dans une sphère numérique. Je suis très heureux de partager cette information avec vous. J' espère que vous avez accès à l' iPad ou à une sorte de Surface où vous pouvez utiliser Procreate ou Adobe Fresco. Nous allons parcourir l'univers du dessin à la plume numérique afin que vous puissiez le faire dans votre propre monde avec votre travail et le partager de manière totalement nouvelle. Je suis très excité. Allons plonger dedans. Je suis tellement excité de vous donner un aperçu rapide du monde du stylo numérique. Je vais utiliser Adobe Fresco, mais presque tout cela s'applique à Procreate, ou vraiment à toutes les autres plates-formes de dessin si vous préférez un autre type. J' ai une classe Skillshare qui va en profondeur sur Adobe Fresco, donc je ne vais pas entrer dans tous les outils ou le fonctionnement de cette plate-forme. Je vais juste te montrer ce qui est possible. Il y a aussi tant d'autres cours Skillshare sur Fresco et Procreate, et je recommande fortement de vérifier chacun d'eux. Je vais commencer par les pinceaux pixel, et je vais utiliser mon stylo Blake, qui est un stylo par défaut sur Adobe Fresco. En utilisant mon Apple Pencil, je vais ajouter un nouveau calque et essayer des hachures et des hachures croisées. Vous pouvez déjà voir que cela commence à ressembler beaucoup à notre stylo sur papier. La seule différence est que cette brosse en particulier fait sa marque la plus légère lorsque je touche mon crayon à la surface, et qu'elle devient plus foncée à mesure que je monte, qui est le contraire de ce qui se passe lorsque nous travaillons réellement avec un stylo et du papier. Cela signifie simplement que nous devons ajuster la façon dont nous fabriquons nos lignes hachurées. Mais les principes restent les mêmes. Chaque brosse que vous essayez va être légèrement différente, et vous pouvez utiliser la pression et ne pas faire exploser un stylo. Mais pour obtenir la bonne texture, vous allez toujours vouloir continuer à utiliser la répétition. Vous pouvez changer les tailles de pinceau, vous pouvez changer les types de pinceau, les pointes de pinceau. Vous disposez d'un large éventail d'options personnalisables, mais cela nous donne également la possibilité d'utiliser ce que nous venons de pratiquer tout au long cette classe afin de créer numériquement de manière à ce que vous puissiez facilement collaborer. Vous pouvez le traduire sur le produit. Vous pouvez facilement partager votre travail. Il y a tellement de portes qui s'ouvrent avec le monde numérique du dessin. Regardons les pinceaux vectoriels. Ceux-ci peuvent évoluer à l'infini, et sont mon préféré pour faire réellement des hachures croisées et des hachures numériques. Ils ne deviennent pas plus sombres avec la pression, ils ne font que s'élargir, mais leur couleur d'encre reste toujours noire. Parce que les pinceaux vectoriels peuvent être mis à l'échelle infiniment, ils me permettent également de créer une quantité folle de détails qui ne se perdent pas à aucune échelle. Vous pouvez voir comment cela commence déjà à ressembler beaucoup au travail de stylo que nous faisions plus tôt dans ce cours. Il existe un certain nombre de types de pinceaux vectoriels qui ont des pointes différentes, ce qui rend encore une fois bon de connaître les types de stylos ou de pinceaux que vous souhaitez utiliser pour votre projet, en particulier. En raison de la superposition, il y a tellement d'autres choses à explorer. Des éléments que vous pouvez associer à vos techniques de stylo, y compris la superposition de couleur avec quelque chose comme l'aquarelle, un marqueur ou des pastels ou des peintures à l'huile. Vous pouvez créer un nombre infini de mélanges. Il y a tellement de choses à explorer. Apprendre à traduire tout le travail que je faisais à la main dans le monde numérique a été un outil incroyablement puissant. Ça m'a ouvert tant de portes pour ma carrière. Je vous recommande fortement de regarder dans ces plateformes de dessin et de voir ce qui est possible, et ce qu'il fait pour votre travail et votre carrière. Oh, mon Dieu, on est à peu près finis. Veuillez partager vos expériences dans la section Projet de classe ci-dessous. J' ai hâte de les voir. Ensuite, je vais partager quelques dernières pensées. 16. Réflexions finales: Tu l'as fait. Vous avez été dans ce voyage épique de dessin à la plume avec moi, et je suis tellement reconnaissant que vous avez pris le temps de marcher à travers chacune de ces étapes, apprendre à faire des éclosions, hachures croisées, et pointillées, et toutes ces textures, et proportionnées puis comment ajouter différents supports et dessins numériques dans ces belles pièces que vous avez créées. C' est incroyable toutes les choses que vous avez absorbées dans cette classe. Je suis tellement excitée de voir ce que tu as fait. Je suis tellement excité de célébrer avec vous, et j'espère que plus que tout, celui-là, vous vous êtes amusé, mais deux, que vous avez été surpris par ce qui est sorti de vos propres mains sur ce papier, et que vous vous sentez excité et encouragé par ce que cela signifie est possible à l'avenir. Veuillez consulter cette classe. Veuillez poster tous vos travaux dans la section des projets de classe. Suivez-moi sur Skillshare. Soyons en contact. Je suis impatient d'entendre plus de vos pensées et plus de votre travail, et j'ai hâte de vous voir dans une autre classe. 17. BONUS : Time-lapse du pingouin des Galápagos d'Inktober: Joyeux Inktober à tout le monde. C'était tellement amusant de voir tout le monde créer et partager son travail et célébrer en cours de route. Ça a été une explosion. Si vous regardez cela après le passage d'Inktober, je suis tellement content que vous soyez là et j'espère que vous apprécierez autant de travailler sur ce pingouin des Galapagos que moi pendant cette saison de dessin assez spéciale. s'agit pas d'une vidéo pédagogique, Il ne s'agit pas d'une vidéo pédagogique, mais simplement d'un time-lapse où vous pouvez me regarder créer un pingouin des Galapagos du début à la fin. Il y a des feuilles de calcul dans la section des ressources de classe, veuillez les utiliser si cela vous est utile et j' espère que vous publierez dans la section Projets de classe. J'adore célébrer votre travail et le partager avec d'autres personnes et donner des commentaires si vous avez des questions, alors s'il vous plaît, partagez. Merci d'avoir fait ce voyage avec moi. Joyeux dessin.