Illustration digitale : couleurs incroyables dans Procreate

1. Introduction: Je pense que si tu crées quelque chose, tu dois t'amuser. Hé, tout le monde. Je suis Christoph, je suis artiste, illustrateur et designer. Au début, j'ai commencé comme peintre et artiste traditionnel à l'université. Puis j'ai découvert l'art numérique et l'illustration, et j'ai réalisé toutes les choses amusantes que tu pouvais faire avec. Mon son est très graphique et vibrant. J' utilise une combinaison de couleurs, formes et de textures pour garder les choses intéressantes. Au cours de ma carrière, j'ai fait un large éventail de travaux allant de l'image de marque pour des festivals de musique, illustration pour des musées, et même de la conception pour des cinéastes étonnants. Dans ce cours, nous apprendrons à remplir nos illustrations avec énergie et les donner à la vie en utilisant les couleurs de différentes manières amusantes et passionnantes. Pour ce cours, nous allons utiliser Procreate pour l'iPad. C' est une application de dessin et de peinture incroyablement simple, qui vous permet de sauter directement dans la création. La meilleure façon d'apprendre quelque chose est de l'utiliser dans la pratique. Aujourd'hui, nous allons faire une illustration de notre personnage préféré à la télé ou au cinéma. Ce que j'enseigne aujourd'hui est plus fondamental que la compétence. Donc, ce que vous apprenez ici, peut s'appliquer à toutes les autres parties de votre travail. Je pense que quiconque aime créer et apporter de nouvelles idées et histoires dans le monde peut enlever quelque chose à cette classe. Je suis tellement excité que tu rejoins la classe. J' ai hâte de voir les superbes illustrations que tu viens avec. Maintenant, commençons. 2. Le projet: Le projet pour la classe d'aujourd'hui est de faire une illustration de votre personnage de télévision ou de film préféré. Ce projet est un excellent point de départ pour tout le monde car il est assez facile d'entrer dans. Incorporer quelque chose que vous aimez est un excellent moyen d'apprendre quelque chose de nouveau. Cela vous permet de rester motivé et enthousiaste à la fin du projet. La plupart de mon art s'inspire de la télévision, des films et de la musique. J' ai découvert le style que j'ai maintenant pendant les beaux-arts de Game of Thrones. Pour cette classe, j'utiliserai Procreate. C' est mon application de fabrication d'art incontournable car il est simple et facile à utiliser. Il est également très puissant et dispose de bons outils. Si vous n'avez pas Procreate, vous pouvez suivre tout autre programme artistique que vous avez. Quelques conseils avant de commencer. Numéro 1, choisissez un personnage emblématique. Cela aidera à faire passer votre point de vue et à faire savoir à d'autres personnes qui est le personnage. Astuce numéro 2, prenez le facile. Essayez de commencer par quelque chose de simple que vous savez que vous pouvez finir. C' est vraiment amusant de dessiner ces personnages avec des coiffures folles, dessins incroyablement détaillés, mais si vous faites trop de travail pour vous-même, vous pourriez ne pas avoir le temps et l'énergie pour le terminer. Je suis très coupable de ça, et c'est pour ça que j'ai des tonnes de dessins inachevés. Astuce numéro 3, jouer de la musique ou même regarder une émission de télévision ou un film d'où provient votre personnage. Cela pourrait vous aider à obtenir des idées, ou à tout le moins, vous mettre de bonne humeur. Gardez ces étapes à l'esprit et vous ferez très bien. Assurez-vous de consulter la description du projet pour plus de détails. J' ai également inclus une palette de couleurs de départ pour que vous puissiez expérimenter. Je te verrai dans la prochaine leçon. 3. Choisir des photos de référence: Dans cette vidéo, je vais vous donner quelques conseils sur la façon de choisir de bonnes photos de référence pour vos illustrations. Tout d'abord, la lisibilité et la silhouette. C' est important pour que lorsque les gens voient votre travail, ils sachent tout de suite ce qu'ils regardent. Ils seront en mesure de faire passer le message que vous essayez de faire passer. Voici quelques questions à vous poser, pouvez-vous lire l'image comme une miniature ? Si vous plissez les yeux, l'image a-t-elle toujours du sens ? Deuxièmement, l'éclairage. La photo de référence devrait avoir un bon contraste et un bon éclairage. Ceci est important parce que la lumière est la principale chose qui décrit la forme du sujet. La lumière nous montre la forme du visage et ses caractéristiques. Une photo mal éclairée ne nous donne pas autant d'informations visuelles pour travailler, et notre dessin finit par paraître plat et inintéressant. La dernière est la résolution de la photo. Dans la mesure du possible, essayez de trouver une image plus haute résolution. Cela nous aide à regarder de plus près les détails et nous donne plus d'informations visuelles. Ceci est particulièrement utile lorsque vous travaillez sur de plus grandes tailles de canevas. 4. Esquisse: Dans cette vidéo, nous allons esquisser et construire le cadre de notre composition d'illustration. Nous allons commencer par dessiner quelques miniatures. Ce sont des dessins qui nous aident à comprendre la composition que nous voulons pour notre illustration. Ce sera assez simple et direct, puisque nous dessinons un portrait. La plupart de mes dessins ont tendance à être composés symétriquement et assez près, sorte que nous pouvons voir plus du visage du sujet, puisque c' est là que se trouve la plupart du mouvement et du caractère. Une fois que nous obtenons notre composition dans un bon endroit, nous pouvons commencer à construire notre dessin plus. Lors de l'esquisse, commencez par utiliser des formes simples et en pensant votre sujet comme un tas de formes tridimensionnelles réunies. Comprendre comment les objets 3D se traduisent en images 2D rendra vos dessins plus réalistes et intéressants. J' aime apporter ma photo de référence sur la toile et faire entrer les repères faciaux du sujet pour obtenir une meilleure image. Une fois que nous avons fait notre esquisse approximative, activez l'opacité du calque et créez un nouveau calque sur le dessus. Nous allons faire un croquis plus propre en utilisant une version approximative comme guide. Parcourez votre dessin et affinez les formes avec des lignes plus délibérées. Vous pouvez répéter ce processus plusieurs fois, affinant encore plus votre dessin à chaque fois. Mais j'aime affiner mon dessin une seule fois, donc nous pouvons garder tout le relâchement et l'énergie de notre croquis. Je trouve que plus j'affine mon croquis, plus le dessin nous met fin à être rassis et robotique. Souviens-toi, garde-le simple et lâche. Maintenant, nous sommes prêts à commencer l'encrage. Je te vois dans la prochaine vidéo. 5. Dessin au trait: Hé, bienvenue. Maintenant, nous avons notre croquis fait et il est prêt à être encré. J' ai deux choses à garder à l'esprit lorsque je dessine ma doublure : le poids de la ligne et la qualité de la ligne. Quand je parle du poids de la ligne, je parle de l'épaisseur et de la finesse de nos lignes. Nous pouvons utiliser la variation du poids de la ligne pour donner une sensation de profondeur et de poids à un dessin autrement plat. J' ai tendance à faire des lignes plus épaisses et plus lourdes autour des coins et des courbes, car c'est généralement là que les ombres ont tendance à se former. Encore une fois, tout revient à la lumière et à la façon dont il interagit avec son sujet. La qualité de la ligne vous aide à décrire la texture, la lumière et le mouvement dans le dessin. La qualité de la ligne fait référence à la façon dont vous tracez vos lignes. Sont-ils droits, courbes, angulaires, lisses, rugueux, nouvelles lignes ou aussi peu que possible. Les lignes que vous décidez d'utiliser, donnez le ton à votre pièce entière. Par exemple, si vous voulez que le spectateur se sente calme et à l'aise, vous dessineriez généralement votre ligne lentement et délibérément et utilisez des lignes lisses et courbes, des bords moins durs. Pour une illustration avec beaucoup d'action, vous dessineriez avec des traits plus rapides et plus dentelés et vous utiliseriez probablement beaucoup de lignes pour aider à mettre l'accent sur l'énergie de votre dessin. Chaque trait individuel dit quelque chose non seulement sur votre œuvre d'art, mais aussi sur vous en tant qu'artiste. Prenez le temps de regarder vos dessins précédents et d'étudier les lignes que vous avez utilisées. Alors pensez à ce que vous auriez fait différemment. Vous serez surpris de voir combien vous pouvez apprendre sur vous-même et votre art. 6. C'est l'heure de la couleur !: Maintenant, pour le pain et le beurre de la leçon d'aujourd'hui. Dans cette vidéo, nous allons donner vie à notre illustration avec la couleur. Commençons par remplir nos principales zones avec de la couleur. Je mélange aussi bien l'outil lasso que l'outil pinceau. Les couleurs que vous commencez dans cette étape n'ont pas beaucoup d'importance. Nous allons les changer dans un peu. Remplissons notre personnage et l'arrière-plan. Une fois que nous avons rempli notre couche de couleur principale, commençons à bloquer les différentes zones de notre personnage. Créez un nouveau calque au-dessus de notre calque de couleur principale et définissez-le le masque d'écrêtage. Cela nous permettra de dessiner sur un calque séparé tout en étant contraint à notre calque principal. Utilisez une couleur différente pour ce calque. Répétez jusqu'à ce que tous vos blocs de couleurs soient remplis. Choisir vos couleurs. J'ai commencé avec deux couleurs principales différentes qui se complètent bien. Je n'irai pas trop dans la théorie des couleurs puisque je ne l'utilise pas beaucoup moi-même. Mais une bonne chose à savoir, c'est quelles couleurs se complètent. Ils sont généralement opposés sur la roue de couleur. J' aime traverser et un peu à gauche ou à droite. Vous voudrez également que l'une de vos couleurs soit plus foncée que l'autre. Cela permet d'ajouter un contraste à l'illustration. Certaines teintes sont intrinsèquement plus vives ou plus foncées que d'autres. C' est en fait une séparation nette au milieu. Prenez par exemple, une teinte jaune contre une teinte bleu profond. Ils sont à la même légèreté et saturation, mais quand on les met l'un à côté de l'autre et les désaturent, bleu est beaucoup plus sombre que le jaune. Gardez cela à l'esprit pour vous aider à équilibrer vos couleurs. Lors de la composition des couleurs, j'ai généralement deux ou trois zones de couleur principales. Dans ces zones, j'utilise des couleurs complémentaires ou analogues. Vous souhaitez utiliser le contraste pour attirer l'attention du spectateur sur quelque chose, sorte que la partie de votre illustration avec le plus de contraste doit être à l'endroit où vous essayez de les faire ressembler. D' habitude pour moi, c'est le visage. L' un des outils les plus importants à utiliser lors de la sélection de vos couleurs est un réglage de la saturation de la teinte et de la luminosité. Lorsque vous définissez une couleur, utilisez cet outil pour affiner ou essayer de changer complètement la couleur. Une autre chose que j'aime faire pour essayer de nouvelles combinaisons de couleurs, est de dupliquer toutes mes couches de couleur et de les combiner, puis d'expérimenter avec l'outil de teinte et de saturation. C' est une façon facile et amusante de découvrir de nouvelles combinaisons auxquelles vous n'auriez pas pensé. Je suggère d'essayer quelques-unes de ces combinaisons jusqu'à ce qu'elles vous paraissent bien. Cela vous aidera à développer votre propre style de coloration. N' oubliez pas de séparer vos calques de blocage des couleurs d'origine et d'utiliser un calque combiné comme guide pour choisir la couleur. En outre, tout le point de la classe est d'essayer d' utiliser différentes couleurs que vous n'utiliseriez pas normalement, alors n'ayez pas peur d'expérimenter. Si vous rencontrez des problèmes avec cette partie de la leçon au début, j'ai inclus une palette de couleurs remplie de mes couleurs les plus utilisées pour que vous puissiez essayer. Maintenant que nous avons nos couleurs principales prêtes, il est temps de peindre. Je te vois dans la prochaine vidéo. 7. Peinture: Félicitations pour l'avoir fait aussi loin. Dans cette vidéo, je vais vous montrer comment prendre les couleurs que nous avons mises et les faire sortir de la page en utilisant la lumière et les ombres. Je commence le processus de peinture avec de simples ombres, crée un nouveau calque au-dessus du calque de couleur principal et change le masque de découpage. Commençons par notre skin de personnage. En règle générale, les ombres sont plus fraîches, plus sombres et moins saturées, tandis que les reflets sont plus chauds, légers et plus saturés. Pour obtenir une couleur d'ombrage, je sélectionne la couleur de base, ouvre la roue de couleur, tire la sélection vers le bas, la rendant plus foncée, et un peu vers le milieu, désaturant un peu, puis fais glisser l'anneau de couleur externe d'un peu vers le côté bleu. N' allez pas trop dans l'obscurité ou ne le désaturez pas parce que nous allons recommencer ce processus. Faites apparaître votre photo de référence et déterminez d'où vient votre source lumineuse principale. Cherchez les principaux morceaux d'ombres et remplissez-les. Pour cette étape, nous utiliserons un pinceau à encre solide pour garder nos ombres plus définies. Il n'a pas besoin d'être trop propre ou parfait parce que nous reviendrons plus tard. Une fois que vous aurez vos ombres principales vers le bas, nous entrerons avec un peu d'éclairage. Créez un nouveau calque. Il devrait toujours être à l'intérieur de votre masque d'écrêtage. Sélectionnez encore une fois votre couleur de base, ajoutez un peu de saturation, la rendre plus légère et faites glisser l'anneau extérieur vers les jaunes pour les cyans en fonction de l'endroit où vous êtes dans la roue de couleur. Commencez à tracer certains des principaux points forts avec votre buisson solide, puis passez au pinceau plus doux et adoucissez certains des bords du cœur. À tout moment du processus de peinture, essayez de sélectionner l'une de vos couches d'ombre ou d'éclairage et jouez avec l'outil de teinte et de saturation. ajustement et le réglage constants des couleurs sont une partie très importante du processus de peinture. Une fois que vos faits saillants seront dans un bon endroit, nous retournerons dans nos ombres. Cette fois, sélectionnez votre couleur d'ombre, et nous allons répéter le processus que nous avons eu plus tôt, rendre plus sombre et plus fraîche, mais cette fois nous ne allons pas désaturer. Encore une fois, en utilisant votre photo de référence, voyez quelles parties des ombres sont plus sombres. Ils sont généralement plus sombres et plus intenses là où les parties ou les caractéristiques du corps se couvrent ou se touchent. Sur le visage, c'est généralement sous le nez, les pommettes, entre les lèvres, autour des yeux et des paupières, et à l'intérieur des oreilles. Ce que nous faisons est de construire lentement nos lumières et nos ombres à notre image. Revenons aux faits saillants. Encore une fois, sélectionnez notre première couleur de surbrillance et répétez le processus. Rappelez-vous, continuez à regarder en arrière votre photo de référence. Maintenant que nous avons bloqué et peint la majeure partie de notre image, revenons dans l'outil éponge pour affiner notre peinture. Il est important de ne pas trop baver, sinon, vous estomperez tous les détails et la définition que vous avez peints. Pour la plupart, vous allez vouloir garder ces bords du cœur et ne faire que tacher les surfaces douces. Les surfaces douces sont des parties de la peau qui ne se plient pas ou ne se plient pas beaucoup. Certaines des surfaces souples les plus courantes vont être le front, le haut du nez et les joues. Utilisez l'outil éponge avec parcimonie. Une fois que nous aurons fait cela, nous allons ajouter des tons clairs et des ombres détaillés. Ce seront nos points forts les plus brillants et nos ombres les plus sombres. Pour les faits saillants, j'aime ajouter des lumières de jante avec des couleurs saturées vraiment vives. Ceux-ci peuvent provenir de votre couleur de base ou d'une couleur différente complètement. Dessinez le long de certains bords de votre dessin, essayant de garder votre source lumineuse en ligne. Je trouve que ceux-ci fonctionnent vraiment bien, surtout si vous les ajoutez juste à côté de vos couleurs les plus sombres. Cela apporte beaucoup de contraste et d'intérêt à votre pièce. Vous pouvez ensuite y aller avec du blanc pur. Mais je l'utilise avec parcimonie. Moins, c'est plus. J' aime ajouter des blancs sur les bords du nez, autour des paupières et dans les coins de la bouche. Nos ombres les plus sombres agiront principalement comme des accents qui soulignent les plis augmente qui ne reçoivent pas beaucoup de couche. Maintenant que notre personnage est dessiné, nous allons chercher des moyens de faire ressortir personnalité d'un personnage dans cette prochaine vidéo. Je te verrai là-bas. 8. Ajout d'éléments de conception: [ MUSIQUE] Maintenant que nous avons fait la plupart de notre peinture, il est temps d'ajouter quelques éléments de design. Pensez au film ou montrez l'origine de votre personnage. Nous allons l'utiliser pour ajouter des œufs de Pâques à notre dessin. Cela peut faire partie de l'histoire du personnage, leur personnalité, une blague intérieure, tout ce qui est mémorable. Je sélectionne l'arrosage dans des lignes ou des citations de l'émission TV. Certaines choses emblématiques que j'ai choisies pour ce projet sont des extraterrestres, une lampe de poche, les bandes X Mulder à sa fenêtre, et un OVNI. Quand je fais ces dessins pour l'arrière-plan, j'aime les rendre très lâches et simples, presque enfantin. [ MUSIQUE] Une fois cela fait, commençons à travailler sur le fond. J' aime utiliser des motifs, des formes, des textures, gros coups de pinceau et des couleurs pour améliorer notre illustration. J' aime coller à quatre ou cinq couleurs différentes pour un fond. Essayez d'utiliser une ou deux couleurs que nous utilisons pour un personnage. Cela aide à lier l'image ensemble. J' utilise ces éléments de conception comme un moyen d'équilibrer la composition de notre dessin. Si un côté commence à se sentir un peu lourd, équilibrez-le en ajoutant quelque chose de l'autre côté. Pensez-y comme une échelle. Si vous en aviez trop d'un côté, votre dessin aura l'impression de basculer. Ceci est important parce que votre composition façonne la façon dont le spectateur expérimente votre travail. Là, tu l'as. Œuvre d'art finie, prête à être montrée à vos amis, à votre famille et au reste du monde. 9. Réflexions finales: Tu l'as fait. Félicitations. Je suis si contente que tu aies décidé de te joindre à moi pour la classe d'aujourd'hui. Nous avons tout couvert, de l'esquisse à la coloration en passant par les derniers détails. S' il y a une chose que j'espère que tu retireras de ce cours, c'est de t'amuser et d'expérimenter. Essayez de nouvelles choses, c'est comme ça que ça devrait être. Téléchargez votre dessin dans la galerie de projets sur la page de cours. De cette façon, vous pouvez partager votre amour pour le spectacle ou le film avec tout le monde. Sans oublier, montrez vos nouvelles compétences artistiques. Si vous aimez ce cours autant que j'aime le faire, laissez un commentaire. Cela m'aidera beaucoup lorsque la prochaine classe sera encore meilleure. Laissez également quelques suggestions pour les nouveaux sujets de cours que vous souhaitez voir. Assurez-vous de suivre mon profil pour plus de mises à jour. Je te verrai la prochaine fois.