Illustration de personnages : dessiner la pose, la personnalité et la scène dans Procreate

1. Introduction: Bienvenue sur Draw Your world, illustrant la pose, la personnalité et la scène Je suis un gros pêcheur, illustrateur basé dans le nord du Texas et professeur ici sur Skillshare En tant qu'artiste professionnel, je crée des peintures murales à grande échelle remplies de personnages, et honnêtement, il n'est jamais facile d'illustrer les gens, surtout en leur donnant l'impression d'être reconnaissables. En ce qui concerne le dessin de figures, votre style peut être réaliste, abstrait et géométrique. Mais ce qui rend une illustration vraiment passionnante, c'est la pose, ce geste dynamique qui donne de l'énergie à l'œuvre. Si tout cela vous parle, vous êtes au bon endroit. Dans ce cours, je vais partager les techniques que j'utilise pour apporter de la luminosité et de la joie aux illustrations, afin que vous puissiez faire de même pour les vôtres. Vous vous demandez peut-être si je dois connaître les proportions, l' anatomie ou les mouvements humains pour suivre ce cours ? La réponse est donc non. Alors que j'ai appris tout cela à l'école d'art, je vais vous montrer ici les approches intuitives que j'ai apprises en cours de route. Ce sont des méthodes qui ignorent les détails techniques et plutôt appel à notre créativité. Ce cours est parfait pour les illustrateurs débutants et les artistes de niveau intermédiaire Je vous guiderai étape par étape au long du processus, de la capture de votre pose devant la caméra à l'intégration de votre espace préféré dans une scène. Et enfin, combiner le tout dans une illustration amusante et personnelle. À la fin, vous aurez une illustration complète qui vous est propre, ainsi que des compétences que vous pourrez appliquer à de futurs projets. Prêt à dessiner ? Commençons. 2. Votre projet de cours: Bienvenue dans la classe. Dans cette première leçon, je vais vous expliquer notre projet de classe et comment nous allons le concrétiser. Vous allez créer une illustration personnelle qui capture votre ambiance unique à travers une pose de fan et une scène de votre espace favori Qu'il s'agisse de votre chambre à coucher, de votre studio, salon ou d'un coin douillet qui vous ressemble, pour ce projet, vous pouvez être le modèle. Pensez aux grands maîtres de l'histoire de l'art. Beaucoup d'entre eux gardaient un miroir près de leur chevalet pour dessiner des autoportraits C'était leur version d'un selfie. Et dans ce cours, nous allons prendre cette idée et nous amuser encore plus avec elle. Vous allez commencer par enregistrer une courte vidéo de vous-même en prenant des poses ludiques et expressives. Et ne t'inquiète pas. Personne ne regarde. C'est juste pour toi. À partir de ces images, nous allons prendre quelques captures d'écran à utiliser comme références et les transformer en dessins de personnages amusants. Ensuite, nous rassemblerons le tout en illustrant une scène depuis votre espace personnel, en ajoutant des détails, des couleurs et des éléments de narration Pour commencer, je vais vous emmener dans mon espace préféré, mon studio. Et je vais vous montrer comment j'aborde ce projet. Commençons donc. 3. Comment prendre des poses amusantes es: Si nous allons puiser dans mon endroit préféré de la maison. Bienvenue dans mon studio. J'ai quelques plantes ici, quelques œuvres d'art encadrées et j'adore la vue sur le jardin à travers les fenêtres. C'est là que je me sens le plus inspirée. Voici mon bureau à dessin, et aujourd'hui je vais prendre mon iPad et utiliser son appareil photo pour me filmer En fait, j'utilise mon téléphone pour enregistrer cette vidéo, donc je vais utiliser l'iPad comme appareil de tournage. Vous pouvez absolument utiliser votre téléphone ou n'importe quel appareil photo dont vous disposez. Configurons maintenant la caméra au bon endroit. Ce petit canapé est l'un de mes endroits préférés pour me détendre. La couverture en crochet et le coussin bleu. Ce sont les projets d' artisanat de ma fille. J'adore les avoir dans mon espace. Cela le rend encore plus personnel. Lorsque vous configurez votre appareil photo, assurez-vous de pouvoir capturer ensemble de votre corps de la tête aux pieds. Ainsi, vous aurez plus de flexibilité ultérieurement lorsque vous choisirez une pose pour votre illustration. Bien, faisons une séance photo amusante. C'est tellement libérateur de se voir devant la caméra, juste d'être soi-même J'essaie toutes sortes de poses car je ne saurai pas ce qui fonctionne le mieux avant d'avoir visionné les images. Quelques idées amusantes à essayer. En sautant en l'air, cela ajoute un excellent mouvement. Envie de danser, pourquoi pas ? mains en l' air sur les côtés, en les étirant ou en les tordant légèrement en arrière ou en déplaçant votre poids sur une jambe Continuez simplement à bouger et à jouer. Vous serez surpris de voir à quel point votre corps peut être expressif. Voici quelques captures d'écran de poses que j'ai beaucoup aimées, et maintenant c'est à votre tour. Enregistrez-vous, explorez ces poses et prenez des captures d'écran de vos poses préférées. Ensuite, nous allons commencer à dessiner à partir de ces images. 4. Ébaucher votre pose : trouver les bases: Maintenant que vous avez collecté vos photos de référence à partir du clip de pose, intégrons-les dans votre application de dessin. J'utiliserai procreate car c'est un choix populaire parmi les créatifs, mais n' hésitez pas à utiliser l'application ou le matériel avec lequel vous êtes le plus à l'aise La première étape pour dessiner notre pose consiste à décomposer la pose en ses parties les plus simples Pour dessiner une figure, vous devez comprendre ce qui fait que la pose fonctionne. Je recommande de commencer par un ovale pour la tête, puis de marquer les angles des épaules et des hanches. À partir de là, en points pour les articulations. Partout où le corps change de direction, comme les coudes, les genoux et les pieds, nous les marquerons avec points, puis nous relierons ces points par des lignes simples Pensez à cela comme à la construction d'une figurine. C'est un moyen rapide de voir comment tout s'aligne avant d'ajouter des détails Une fois que vous avez obtenu cette base, vous pouvez commencer à ajouter plus d'informations Alors recommencez par la tête, puis choisissez les détails qui vous intéressent. C'est peut-être le geste des mains. L'écoulement des cheveux ou l'inclinaison du torse. Dessinez légèrement sur votre photo pour découvrir le rythme et la fluidité de la pose. N'oubliez pas que cette étape n'est pas une question de perfection. Il s'agit de capturer l' essence du mouvement. Nous allons l'affiner lors de la prochaine étape. Je vous encourage à pratiquer trois à cinq poses différentes de cette façon car nous avons toutes ces photos. C'est une bonne idée de dessiner autant que vous le pouvez, afin de vous entraîner à capturer des poses avec votre main. Et ne vous précipitez pas. Prenez le temps de remarquer comment chaque corps bouge, se plie et s'équilibre Plus vous vous entraînez, plus il sera facile de voir ces structures dans toutes les poses que vous souhaitez dessiner. Même si vos esquisses paraissent grossières, elles contiennent tout ce dont vous aurez besoin pour passer à l'étape suivante. À la fin de cette leçon, je veux que vous disposiez d'une série de croquis qui reflètent l'esprit de vos poses. Dans la leçon suivante, nous allons affiner l'un d'entre eux et l'approfondir. 5. Techniques pour affiner la pose: Maintenant que vous avez un aperçu de la pose, passons aux détails amusants. C'est là que votre dessin commence vraiment à prendre vie. Vous pouvez rester proche de votre photo de référence, mais je vous encourage également à utiliser votre imagination. C'est l'occasion de jouer et de faire des choix créatifs. Pendant que vous dessinez, réfléchissez à l'ambiance que vous souhaitez exprimer dans votre personnage. Donc, pour moi, j'aime créer des images joyeuses. C'est donc ce que je vise ici. N'oubliez pas que votre croquis est la base de votre pièce finale. Chaque étape s'appuie donc sur la précédente. Sur ma photo de référence, je portais un short, mais dans mon croquis raffiné, je l'ai remplacé par une jupe. Pourquoi ? Parce que la fluidité de la jupe m'aide à montrer plus de mouvement dans la pose. J'ai également mis l'accent sur le mouvement des cheveux en les dessinant volant dans la direction opposée au saut. Ces petits choix ajoutent de l'énergie et de la personnalité à votre illustration. Si vous souhaitez en savoir plus sur le mouvement dans l'illustration, j'ai un cours à ce sujet. Maintenant, nous allons zoomer sur les détails, en particulier sur les mains. Les mains sont l'une de ces caractéristiques qui se démarquent vraiment dans une illustration, il vaut donc la peine de leur accorder une attention particulière. Voici un conseil. Si vous avez des difficultés avec les proportions, essayez de dessiner la main sur un calque séparé Vous pouvez toujours tracer directement partir de votre photo pour obtenir le bon positionnement , puis l'ajuster pour qu'elle s' intègre naturellement au reste de la figure dans votre croquis. C'est l'un des grands avantages du travail numérique. Vous disposez d'une grande flexibilité. Vous pouvez déplacer des objets, les ajuster et les modifier jusqu'à ce que tout s' emboîte parfaitement. Une autre technique utile consiste retourner votre image horizontalement Utilisez donc l' outil de transformation Procura et retournez votre image horizontalement. Et pourquoi faisons-nous cela ? Parce que nos yeux s'habituent à ce sur quoi nous travaillons et qu'il est facile de passer à côté des erreurs dans le sketch. En retournant l'esquisse, vous aurez une nouvelle perspective et repérez rapidement tout ce qui est déséquilibré, comme une main trop longue ou trop courte ou des jambes qui ne correspondent pas exactement Apportez ces corrections dès maintenant pour que votre pièce finale soit solide et équilibrée, car nous allons utiliser l'esquisse et nous en inspirer pour nos couleurs. Nous voulons donc faire les choses le plus correctement possible. Prenez donc votre temps ici et souvenez-vous qu'il agit pas d' affiner le croquis pour le rendre parfait. Il s'agit de capturer l'énergie, l'humeur, les détails qui comptent le plus pour vous. Ensuite, nous verrons comment trouver et créer la palette de couleurs adaptée à votre projet. 6. Créer votre palette de couleurs : teintes de la peau: Maintenant que notre pose est prête, ajoutons de la couleur. Je vais vous montrer comment je crée une palette de couleurs pour mon projet, puis vous en créerez une pour le vôtre. Commençons par les tons de peau. J'aime choisir trois couleurs. Un pour la couleur de base du corps, un pour les ombres et un pour les reflets La couleur de la peau peut présenter des variations par rapport à la peau claire, qui peut être illustrée par le rose, les teintes claires et les bruns clairs Et je vous montre ici comment je les choisis dans la palette de couleurs et comment je les place sur ma toile. J'ai donc créé une première série de tons de peau clairs. Et maintenant, essayons les tons de peau plus foncés. Nous pouvons opter pour des bruns clairs et riches et des bruns plus foncés encore plus proches du violet, et ce serait un spectre de couleurs pour les tons de peau plus foncés et les tons de peau plus Ce sont donc toutes vos couleurs de peau de base. Voyons comment nous trouvons des couleurs plus claires et des nuances plus foncées pour certains de ces échantillons de couleurs J'aime les marquer au-dessus de ma couleur pour les tons plus clairs et en dessous ma couleur pour les tons plus foncés. Je vais donc en trouver quelques-uns pour vous montrer comment fonctionne ce processus afin que vous puissiez faire de même pour vous-même. Maintenant, pour ma couleur de base, je choisis ce ton clair comme couleur de carrosserie. Et pour les ombres, je vais choisir un peu plus sombres et plus saturées. Et pour les points forts, j'ai choisi quelque chose de plus léger, peut-être un peu plus chaud avec une douce lueur. 7. Principes de base de l'ombrage et de la lumière: Je voudrais faire une courte pause dans la création de notre palette de couleurs et vous faire une démonstration rapide de la façon de placer ombres et les reflets dans vos illustrations. C'est donc ainsi que nous utilisons les couleurs que nous avons créées dans les leçons précédentes. Ainsi, lorsque vous ajoutez des ombres et des reflets, pensez simplement En dessous pour les ombres et en haut pour les reflets. Des ombres apparaissent chaque fois qu'une forme se trouve en dessous d'une autre, comme sous le menton , sur le cou, sous la bouche, sous le nez, sous la racine des cheveux et sous les oreilles, et partout où les vêtements recouvrent le corps Maintenant, pour les reflets, en revanche, ils tombent sur les zones qui captent le plus de lumière. Pensez donc au front, aux carreaux, au bout du nez, au menton et aux endroits situés dans les bras ou le haut des épaules. Et aussi sur les jambes, il y a des endroits situés au-dessus, comme au-dessus, et ils sont plus proches de la source de lumière, et nous ajouterons des points forts là-bas. Maintenant, comme couleur, imaginez une source de lumière provenant d'une fenêtre ou d'une lampe et maintenez-la cohérente sur l'ensemble de votre dessin. Les ombres ajoutent de la profondeur et les reflets donnent vie à votre personnage. C'est donc la base de nos nuances et au maximum, nous élargirons davantage nos palettes de couleurs 8. Créer votre palette de couleurs : contraste et accents ents: Maintenant, choisissons les couleurs d'arrière-plan, et nous allons introduire un nouveau concept qui est le contraste. Je vais choisir des tons de fond plus froids pour aider mon personnage à se démarquer. Comme ma couleur sera chaude et claire, je veux créer un contraste entre ma silhouette et l'arrière-plan. Je choisis donc le bleu et peut-être le vert car j' aime beaucoup travailler avec ces couleurs. Et c'est là que le contraste fait toute la différence. Comme mon personnage est chaleureux et lumineux, il se démarquera sur ce fond cool. Passons ensuite aux couleurs des vêtements. Je vais en choisir deux principaux pour ma tenue. Je veux que ma jupe soit bleu sarcelle ou vert clair, et j'explore différentes manières de créer la jupe Et en cours de route, j'adore vraiment tous ces pinceaux, donc je pourrais les garder dans mon final. Pour la chemise, je veux quelque chose de jaune clair puisque le jaune est l'une de mes couleurs préférées. Nous choisissons donc parfois les couleurs de manière intuitive. Nous optons pour des palettes de couleurs que nous adorons. Pour rendre les choses un peu plus intéressantes, je vais ajouter une couleur d'accent, peut-être une touche d'orange pour les accessoires, et peut-être que cette orange peut être un imprimé sur la chemise. À ce stade, nous explorons les couleurs, et vous verrez ce qui va se et vous choisirez les couleurs avec lesquelles vous aimez travailler. Faites donc confiance à ce processus et suivez-le au fur et à mesure. Et ici, je veux vous présenter une nouvelle idée de couleur. Parlons donc un peu des couleurs d'accent. Les couleurs accentuées sont comme l' étincelle de votre palette. Nous les utilisons peu. Ils attirent le regard et donnent à votre illustration un aspect plus vivant. n'en faut donc pas beaucoup, un, deux ou quatre. C'est souvent suffisant. Et ces couleurs sont généralement plus claires, plus audacieuses ou plus saturées que le reste de votre palette, et elles fonctionnent mieux lorsqu'elles sont utilisées avec parcimonie Par exemple, vous pouvez utiliser des tons généralement doux ou neutres pour votre silhouette et votre arrière-plan, puis ajouter une touche de rose vif sur une chemise ou un objet dans les cheveux ou une touche de turquoise en arrière-plan. Pensez donc aux couleurs accentuées comme des points forts de votre histoire de couleurs. Ils ajoutent de l'énergie et donnent à l' ensemble une sensation de dynamisme. Comme vous pouvez le constater dans ma démonstration, j'aime tester les couleurs directement sur mon image. En les chantant dans le contexte de votre projet, il est beaucoup plus facile de décider de ce qui fonctionne. Je le fais sur une couche séparée de mon croquis. Cette couche, que j'appelle ma couche de couleur rugueuse, sert uniquement à expérimenter et à voir ce que nous aimons et voulons conserver Et plus tard, lorsque je passe à l'illustration finale, je regarde cette couche pour m'inspirer. Souvent, certaines de ces marques de pinceau rapides et désordonnées finissent par me donner des idées que j'ai envie de conserver, comme le cercle lumineux sur la chemise et les différentes couleurs de la jupe Je les adore vraiment. Considérez donc votre exploration des couleurs comme un point de départ créatif. Il s'agit d'une étape ludique qui peut guider et inspirer votre œuvre finale. Et n'oubliez pas que les palettes sont personnelles et que les meilleures couleurs sont souvent celles que vous appréciez le plus. Alors amusez-vous à expérimenter et personnalisez-le. C'est bon. Terminons donc, et je vais vous donner une idée du projet. Maintenant que vous avez les bases nécessaires pour créer votre palette, vos tons de peau, vos ombres, reflets et un équilibre entre couleurs chaudes et froides. Une fois que vous avez vos couleurs, vous pouvez les enregistrer sous forme d'échantillons ou directement sur le canevas et créer la palette de votre projet Donc, pour votre projet, au cours de cette étape, j'aimerais que vous créiez et sauvegardiez une palette simple pour votre illustration, contentant de six à huit couleurs. Deux pour la peau ou trois, si vous voulez la couleur de base, les ombres et les reflets. Créez quelques couleurs pour les vêtements et choisissez vos couleurs principales pour le fond. Considérez-le comme votre boîte à outils de couleur personnelle que vous utiliserez tout au long du projet. 9. Blocage de couleurs de votre figure Figure: Maintenant que nous avons choisi nos couleurs et créé la palette pour ce projet, il est temps de commencer à placer ces couleurs sur le canevas. Nous allons commencer par bloquer les formes du corps du personnage. Le choix de vos pinceaux ici peut faire une grande différence. Vous pouvez utiliser un pinceau lisse pour nettoyer les bords ou un pinceau texturé si vous souhaitez une sensation plus organique et dessinée à la main J'utilise mon pinceau pastel parce qu' il est amusant à colorier et qu'il donne une belle texture vive. Lorsque vous commencez à colorier, oubliez pas que cette étape ne consiste pas à ajouter de la couleur. Il s'agit d'affiner vos formes. Faites donc attention aux bords de la figure lorsque vous peignez. C'est ici que vous pouvez définir les courbes des bras, redessiner les doigts pour que tout soit correct, dessiner l'inclinaison de la tête, ajouter les petits détails des oreilles et structurer les jambes Si vous souhaitez des traits de pinceau plus fluides, vous pouvez toujours ajuster le niveau de stabilisation de votre pinceau. Pour ce faire, il suffit d'appuyer sur le pinceau dans votre menu pour accéder au moteur de pinceaux où nous pouvons ajuster tous les aspects du pinceau. Cette étape est simple mais très importante car elle constitue la base de tout ce qui va suivre, en particulier lorsque nous commençons à ajouter de l'ombrage et de la dimension Nous allons tirer parti de ce que nous faisons ici. Voici donc un petit conseil de pro. Lorsque vous colorez le corps, essayez de dessiner une jambe sur une couche séparée. Il sera beaucoup plus facile d' ajouter de l'ombrage ultérieurement et ajuster le chevauchement entre les jambes ou les vêtements Une fois que vous aurez défini vos couleurs de base, nous passerons à l'étape suivante, à habiller votre personnage et à ajouter tous les détails qui donnent vie à la figurine. 10. Habiller votre personnage: Dans cette leçon, je veux colorer les vêtements, puis ajouter de l' ombrage au corps de la figurine Je sais que cela peut sembler un peu irrecevable, mais cela fait partie de mon processus de création. J'aime voir plus de couleurs sur la toile dès le début car cela m'inspire et me donne envie d'aller de l'avant. Donc, comme nous l'avons fait avec le corps, nous allons commencer par masquer les formes des vêtements. Maintenant, avant d'ajouter un ombrage, assurons-nous que la couche vestimentaire est réglée sur Alpha Lock Ainsi, tous nos tons et surlignements resteront parfaitement dans les formes que nous avons déjà dessinées Choisissons maintenant un pinceau doux large et amusant à colorier pour notre ombrage Prenez quelques instants pour tester différents pinceaux et voir quelle texture vous préférez. Le pinceau que vous utilisez pour l' ombrage influencera réellement le style général de votre illustration Tout comme votre palette de couleurs, texture de votre pinceau contribue à définir l'ambiance et la personnalité de votre pièce. Comme vous pouvez le voir dans ma démo, chaque pinceau donne une texture et une sensation différentes lorsqu'il est appliqué sur la jupe. Je vais donc choisir mon pinceau poussiéreux, texture pastel douce qui convient parfaitement à ce projet Lorsque vous commencez à créer le rendu des vêtements, prenez un moment pour revenir sur votre précédente exploration des couleurs brutes. Cette première étape contient souvent d' excellentes idées pour le placement des couleurs et la texture. C'est également un bon rappel que l'illustration est un processus qui évolue au fur et à mesure que vous travaillez Plus vous passez de temps à développer votre image, plus elle prend vie. Ainsi, même si ce premier brouillon couleur vous semblait parfait, il vous suffit de le réexaminer une fois le rendu de votre image terminé, et vous verrez la différence à étape suivante par rapport l'étape suivante par rapport au premier brouillon que vous aviez. Au fur et à mesure que vous affinez l'ombrage, veillez à ce que vos coups de pinceau soient souples et réactifs Essayez de placer des ombres à l'arrière de la figurine, sous les bras et sous la tête, et mettez en valeur le devant des vêtements comme la jupe et le t-shirt, là où la lumière tombe naturellement. Enfin, nous ajouterons de la définition et personnalité à la tenue. Dans mon exemple, je redessine le cercle orange imprimé sur le t-shirt. Vous pouvez utiliser cette étape pour introduire des détails qui donneront à votre personnage une touche personnelle et unique, qu'il s'agisse d'un motif, d'une texture ou d'un accent de couleur reflétant votre histoire ou votre humeur. C'est bon. Ensuite, nous allons passer au dessin du visage et des cheveux, puis à les associer à la dimension ombragée pour donner pleinement vie à votre personnage 11. Donnez vie à votre personnage (Partie 1): Dans cette leçon, nous allons donner vie à votre personnage en ajoutant de la dimension, dessinant le visage et en esquissant les cheveux Mais commençons d'abord par ombrager le corps pour donner à votre silhouette forme et profondeur Donc, tout comme lorsque nous avons ombragé les vêtements, nous allons commencer par les ombres. Je commence par la jambe arrière, et c'est là que le dessiner sur une couche séparée s'avère vraiment utile. Remarquez comment l'ombrage de la jambe arrière aide à définir et à la séparer de la jambe avant Cette technique simple donne instantanément à votre silhouette plus de dimension et de réalisme. Ajoutez des ombres partout où les parties du corps se chevauchent ou se rencontrent. Sous le tissu, derrière les jambes et sous les bras, faites particulièrement attention à la forme de la tête, en particulier là où le menton recouvre le cou Vous pouvez délimiter cette zone avec la ligne, mais je préfère le suggérer avec un ombrage sur le cou Il est plus doux et plus naturel au toucher. Vous utiliserez la même idée définir les doigts et les mains. Utilisez donc un ombrage doux sur la paume de la main, mais laissez-le clair et brillant sur le pouce Cela aide vraiment à définir la forme de la main. Passons ensuite aux points saillants. J'ai choisi une couleur claire et chaude qui donne à la peau un aspect doux et éclatant Appliquez les reflets le long des bras et bout des doigts, toujours du côté opposé de vos ombres. Appliquez ensuite de la lumière sur le visage sur le front, les joues, le menton et le bout du nez J'ai ramené ma couche d'esquisse pour me guider tout au long de cette étape. Une fois les reflets en place, commencez à marquer les zones ombrées du visage. Cette combinaison de lumière et d'ombres donnera de la profondeur et de la chaleur à votre personnage Supprimez maintenant votre couche d' esquisse afin de voir plus clairement votre ombrage Examinez attentivement le visage et adoucissez les zones trop nettes à l'aide de légers coups de pinceau. N'oubliez pas que les visages n'ont pas vraiment de contours. Ainsi, au lieu de tracer des lignes pour le nez ou les sourcils, laissez votre ombrage définir les traits du visage Cette approche donnera à votre personnage un aspect plus naturel et plus expressif. 12. Donnez vie à votre personnage (Partie 2): Bien, maintenant que nous avons ajouté de la lumière et des ombres au corps, concentrons-nous sur le visage et les cheveux, les détails qui donnent vraiment vie à vos personnages. Dessinons donc le visage en détail. Créez une nouvelle couche et utilisez votre esquisse comme référence. Commencez à définir les traits, les yeux, le nez et la bouche. Voici un conseil. Les yeux et les dents sont plus vifs lorsque nous commençons par des tons clairs pour les définir. Ensuite, utilisez des couleurs plus foncées pour dessiner les yeux et dessiner la bouche. Cette combinaison ajoute de la profondeur et la chaleur à l'expression de votre personnage. Cette partie du processus prend du temps. Utilisez ma démo comme référence et guide pour dessiner votre personnage. Il est préférable de dessiner le visage en ajoutant progressivement de plus en plus de détails. L'aspect amusant de l'aviron numérique, c'est la flexibilité. Nous pouvons toujours affiner, ajuster et peaufiner des éléments, comme déplacer un œil pour mieux le placer sur le visage Enfin, passons aux cheveux, créons une nouvelle couche pour eux. J'aime dessiner les cheveux avec gros traits de soutien-gorge pour définir d'abord la forme, puis entrer dans les détails plus tard. Maintenant, voici un autre conseil. Dessinez une partie des poils derrière la figurine en plaçant cette couche sous les couches du corps. De cette façon, vous n'avez pas à vous soucier de dessiner sur les parties que vous avez déjà, car vous créez simplement l' arrière-plan des cheveux. Ensuite, vous pouvez passer à nouveau à la couche supérieure des cheveux pour terminer tous les détails. Les cheveux sont un excellent moyen de montrer le mouvement de votre image, alors essayez de les dessiner dans le sens inverse du mouvement de votre personnage. Pour terminer, utilisez un petit pinceau. Un pinceau à crayons fonctionne à merveille ici et ajoute des mèches de cheveux sur le visage de votre personnage et les bords des cheveux pour plus de détails Cette étape ajoute de la définition, de la texture et de la personnalité à votre silhouette. Prenez votre temps ici et appréciez le processus. Ces petits détails donnent vraiment vie à votre illustration. Ensuite, nous allons commencer à dessiner la scène pour replacer le personnage dans son contexte. 13. Planifier votre scène: Maintenant, créons un décor pour votre personnage, un endroit qui nous indique qui il est et dans quel monde il vit. Au cours de cette étape, vous allez esquisser et planifier la mise en page de la scène. Vous pouvez commencer par ramener votre photo de référence ou simplement regarder autour de vous pour trouver des idées. J'aime faire une courte liste d' objets susceptibles d' apparaître dans la scène. Choisissez ensuite celles qui vous conviennent le mieux. Recherchez des éléments qui créent une impression d' espace et ajoutent une touche narrative, des éléments qui révèlent quelque chose sur votre personnage ou qui définissent l' ambiance de votre illustration. Donc, dans ma liste, je vais mettre les meubles que j'ai dans ma chambre, les plantes d'intérieur Je pourrais mettre dans mon iPad du matériel artistique, tout ce qui me semble lié à moi et au personnage que je dessine. Je vais commencer par dessiner les formes simples de la fenêtre située derrière mon personnage pour ancrer la scène dans l' espace en utilisant d'abord des formes géométriques de base, puis en leur donnant vie plus tard avec texture et de l'ombrage est toujours un bon plan J'inclus également le tiroir sous ma fenêtre. C'est un meuble que l' on trouve souvent dans les ateliers d'artistes. Cela nous dit quelque chose sur le fait qu'elle est une personne créative. Une fois que vous avez ces ancres géométriques, vous pouvez les équilibrer avec des formes plus organiques et plus vivantes, comme des plantes d'intérieur ou de petits objets personnels, vous pouvez même inclure votre animal Comme j'ai dessiné le meuble à tiroirs, je vais y ajouter quelques objets juste assez pour apporter de la personnalité sans encombrer la composition Ensuite, je veux inclure mon bureau de dessin. Sa partie supérieure s'incline dans un angle, et cette forme en diagonale ajoute instantanément de l'énergie à la mise en page En règle générale, les lignes diagonales sont idéales pour séparer les éléments verticaux et horizontaux et donner à votre scène une sensation plus dynamique. Lorsque vous dessinez un meuble, essayez de saisir les détails distinctifs qui rendent chaque pièce reconnaissable. Pour mon bureau, c'est la forme unique des pieds de support. Et je n'essaie pas d' être très précis ici. Je veux juste apporter ces éléments originaux qui font de ces jambes de soutien ce qu'elles sont Maintenant, retenons les lignes du sol et ajoutons quelques indices de perspective. Cela permet de suggérer de la profondeur et d' ancrer le personnage en place. En regardant autour de moi dans la pièce, je remarque la vue sur mon jardin à travers la fenêtre. J'adore cet arbre à l'extérieur, donc je vais également l'inclure en arrière-plan, et l' arbre correspond également à la plante d' intérieur qui se trouve à l'intérieur de la pièce. Enfin, dans votre esquisse, prenez un moment pour ajuster le placement de vos éléments jusqu'à ce que la scène complète parfaitement votre personnage. Vous pouvez esquisser en couches afin d' avoir la flexibilité de déplacer des éléments. Et si vous avez envie d'ajouter une touche d' imagination à vos fans, c'est le moment idéal. étincelles créatives ajoutent de l'énergie, charme et une signature personnelle à votre scène 14. Colorer et texturer l'arrière-plan: Maintenant que nous avons terminé le personnage, il est temps de donner vie au monde qui l'entoure. J'ai déjà défini une couleur de base pour mon arrière-plan. Ensuite, avant de commencer à ajouter des couleurs et des textures, apportons un petit ajustement à l'esquisse. Modifiez le mode de fusion de vos couches d'esquisse pour les ajouter. Cela éclaircira les lignes afin qu'elles se fondent mieux dans l'arrière-plan et vous permet de vous concentrer sur les couleurs plutôt que sur les contours sombres de l'esquisse la même manière que nous l'avons fait pour le personnage, plaçons quelques échantillons de couleurs sur votre toile pour guider votre palette Essayez de les garder dans la même gamme de couleurs. Ne passez pas trop loin en arrière-plan afin mieux se fondre dans les éléments les plus importants de votre scène. Ces couleurs vous serviront de référence lorsque vous peindrez, et j'aime choisir des couleurs inspirées de la vie réelle. Dans mon cas, je m' inspire d' une couverture au crochet fabriquée par ma fille, posée sur le canapé de ma chambre. Ainsi, de petites touches personnelles comme celle-ci donnent votre illustration un aspect significatif et authentique. Maintenant, choisissez un pinceau large et doux pour commencer à peindre le fond. Cette partie doit sembler souple et expérimentale. Considérez-le comme un échauffement pour la prochaine étape de votre œuvre d'art. J'aime peindre des formes organiques libres en arrière-plan, rien de trop défini pour l' instant, mais c'est intentionnel quant à où je place mes ombres et mes lumières Les couleurs plus foncées peuvent suggérer profondeur ou des zones situées derrière le personnage. Les couleurs claires attirent l'attention sur la chaleur et sur certains points. Je les place donc intentionnellement là où je pense que mon image devrait être plus claire. Si vous le souhaitez, vous pouvez commencer à définir des formes simples dans cet arrière-plan texturé. Peut-être des notes de feuilles, d'éléments naturels, de fleurs, motifs ou d'autres formes qui reflètent l'atmosphère que vous souhaitez créer N'oubliez pas que c'est votre scène. Laissez donc les couleurs et les formes refléter votre humeur et votre sens du lieu. Ensuite, nous allons intégrer formes géométriques de base pour les principaux éléments de la pièce, les fenêtres, les meubles, et même les lignes de sol peuvent être structurées de cette manière. R Et une Et fois ces formes insérées, testez les modes de fusion de leurs couches afin de les faire fusionner naturellement avec un arrière-plan texturé Ces techniques, combinant la texture, les couleurs et la transparence, permettent de créer un look unifié et cohérent pour l'ensemble de votre pièce Ensuite, nous ajouterons des détails et une définition aux meubles et aux objets de la pièce, pour donner à la scène plus de personnalité et de profondeur. 15. Le mobilier : donner vie à la pièce: Leçon : nous nous concentrons sur l' ajout de meubles à votre scène et explorons deux méthodes simples pour le faire. Un, en utilisant des formes et des lignes et un autre en dessinant à main levée Commençons donc par construire des meubles en utilisant des lignes droites et des formes géométriques. Voici par exemple comment j'ai créé cette fenêtre. J'ai dessiné le cadre à l'aide de lignes droites, puis j'ai placé le calque comme masque de découpage sur la forme de la fenêtre de base C'est simple et propre . Plus tard, nous l' améliorerons avec de la profondeur et des détails, comme l'ajout d'une plante dans la fenêtre pour le rendre plus intéressant. En utilisant la même méthode, je peux transformer un rectangle de base en un tiroir. Sur une nouvelle couche définie comme masque de découpage, tracez des lignes épaisses pour le cadre et des lignes fines pour diviser les tiroirs Remarquez l'espacement dans vos tiroirs, mais , même les tiroirs du haut ne sont pas plus étroits que ceux du bas Examinez donc attentivement vos références en matière de meubles. Les petits détails de conception peuvent vraiment donner de la personnalité à votre projet. Dans ma propre chambre, le tiroir présente des courbes subtiles et des rainures dans chaque tiroir. Pour capturer cela, j'ai dessiné une longue ellipse, coupée en deux et je l'ai dupliquée sur les tiroirs Une fois que vous êtes satisfait des détails, fusionnez ces petits éléments pour réduire le nombre de couches et testez modes de fusion jusqu'à ce qu'ils s'intègrent parfaitement à la couleur de base Les modes de fusion sont un excellent moyen de tester rapidement les options de couleur avant de valider. Elles mènent souvent à des choix créatifs et inattendus. Et bien sûr, vous pouvez toujours simplement recolorer n' importe quel élément. Voici la deuxième méthode, qui consiste à dessiner des meubles à la main Passons maintenant à une méthode plus organique, dessinant vos meubles à la main. Je vais le démontrer avec un bureau dans ma scène. Reportez-vous à votre croquis à titre de guide. Je commence par une couleur aléatoire pour le plateau, mais n'oubliez pas de rester dans la palette que vous avez choisie J'utilise l'un de mes accents verts pour le bureau et un vert légèrement différent pour les pieds. À ce stade, ne vous souciez pas trop de la précision, laissez libre cours à vos idées créatives. Vous pourrez toujours ajuster les couleurs plus tard, et je vous montrerai comment procéder dans les prochaines leçons. Une fois que j'ai dessiné une jambe, me suffit de dupliquer le calque et le retourner pour créer l'autre. Ensuite, je fusionne les deux couches et j'en ajoute une nouvelle pour la partie supportant les bureaux J'ai d'abord essayé d'utiliser le même vert foncé que le dessus de la table, mais lorsque j'ai désactivé la couche d'esquisse, elle m'a semblé trop lourde ai donc simplement redessiné dans une couleur plus claire pour un meilleur contraste Maintenant, j'aime beaucoup l' apparence des formes de base du bureau Je vais donc passer aux détails. Pour terminer, j'ai donc ajouté les petits trous découpés et la ligne d'étagères pour donner plus de personnalité au bureau Maintenant que la structure est prête, donnons vie à tout cela. Verrouillez vos couches à l'aide du verrouillage Alpha. C'est une méthode de rendu très rapide. Et, bien entendu, vous pouvez toujours effectuer un rendu ajoutant des couches dans un masque de découpage J'aime utiliser Alpha Lock pour cela parce que c'est très rapide. Pour ajouter de la dimension, vous devez redimensionner votre pinceau et peindre doucement les reflets et les ombres pour créer de la dimension Cette technique donne de la chaleur, de la profondeur et un charme peint à la main à vos meubles . À la fin de cette leçon, votre scène commencera à être plus ancrée et plus vivante. Vous verrez comment ces meubles ancrent votre composition et prépareront le terrain pour plus de détails, comme les plans que nous ajouterons ensuite. Oh. 16. Dessiner des plantes: Donnons plus de vie et d'atmosphère à notre illustration avec des plantes. J'aime toujours dessiner des plantes dans mes œuvres d'art, mais j'aime aussi les avoir dans ma maison. Elles ont ce charme discret qui adoucit instantanément un dessin et y apporte de la couleur Et les plantes d'illustration peuvent faire tant de choses. Ils remplissent l'espace avec élégance. Ils équilibrent la composition et apportent une sensation de calme, de croissance et de mouvement. Même quelques fleurs ou feuilles peuvent rendre une scène plus vivante et plus facile à comprendre Dans cette leçon, nous allons ajouter quelques plantes à notre scène pour renforcer cette sensation. Je commence donc par une petite plante posée sur le dessus du tiroir de ma chambre. En utilisant les mêmes approches auparavant, je commence par dessiner le pot, commençant par une forme simple, puis en ajoutant des ombres et reflets pour lui donner de la dimension et des textures amusantes Ne vous inquiétez pas pour la perfection ici. Les plantes sont merveilleusement indulgentes. Quelques coups de pinceau lâches peuvent facilement suggérer du volume et de la texture. Ensuite, je dessine les tiges. Je les laisse s'écouler dans différentes directions, certaines se courbant gracieusement vers le haut, d'autres se croisant ou Cette variation crée un rythme visuel et maintient la composition vivante. Lorsque vous dessinez vos tiges, imaginez comment la plante pousse et comment la lumière peut affecter sa forme. Même de petits gestes dans vos coups de soutien-gorge peuvent donner à la plante un aspect plus naturel Une fois les tiges en place, je dessine les feuilles, en les gardant simples pour le moment, juste de petites formes dans ces tons de vert. Variez légèrement la couleur d'une feuille à l'autre. Le décalage subtil ajoute de la profondeur et du réalisme. Vous pouvez toujours verrouiller la couche et ajouter des reflets et des ombres sur ces feuilles Et j'aime ajouter quelques feuilles plus grandes qui débordent sur le bord de la jardinière. Ces détails contribuent à adoucir les lignes droites du meuble et à donner à la composition une apparence plus équilibrée. Pour terminer la plante, regardez de plus près les feuilles. Remarquez les ridules qui les traversent. Au fur et à mesure que vous ajoutez ces détails subtils à votre dessin, la plante devient instantanément plus réelle et plus vivante. Ces touches finales apportent la texture et du mouvement à la plante, rendant naturelle et vivante. Passons maintenant à la zone de la fenêtre où nous pouvons ajouter une vue extérieure. Je vais maintenant montrer comment j'ai dessiné l'arbre à boutons rouges qui se trouve juste devant la fenêtre de mon studio. J'ai commencé par obstruer les formes générales des branches et des grappes de feuilles des traits très lâches et expressifs. J'essaie donc de ne pas trop réfléchir et d'être trop littéral, en me concentrant uniquement sur le rythme et le flux Après avoir défini ces formes larges, je joue avec les modes de fusion des couches pour donner à l'arbre l' impression d'être assis à l'extérieur de la fenêtre Une fois la forme principale définie, je commence à définir les feuilles sur une nouvelle couche. Je les garde amples, picturales et grandes parce que les mauvaises feuilles rouges des arbres sont très grandes Pendant que je dessinais, j'ai eu cette idée amusante. Et si les feuilles des arbres commençaient à éclater dans la pièce ? Il s'agit d'une petite touche surréaliste qui ajoute du mouvement et de la personnalité à la scène J'adore la façon dont la pièce donne l'impression que le monde extérieur et l'espace intérieur se mélangent C'est quelque chose que je n'avais pas prévu de faire. placer ces feuilles à l'extérieur du cadre de la fenêtre a inspiré idée qu'elles devraient y rester et créer ce monde imaginaire. À la fin de cette étape, prenez du recul et observez comment ces plantes interagissent avec le reste de la composition, le contraste entre les formes organiques et structurelles, les lignes du mobilier et les tiges fluides. Ils ajoutent de l'harmonie visuelle et de l'énergie à la scène. 17. Donner du caractère avec des objets personnels: If Here sont deux créations en papier origami que je conserve pour des raisons sentimentales Ils ont été fabriqués par ma fille, et j'adore les motifs et les couleurs sur le papier. Le cygne plié est également la forme de mon logo. Il s'agit donc d'une pièce personnelle qui semble très spéciale à inclure dans l'illustration. N'oubliez donc pas de vérifier vos palettes de couleurs. J'ai choisi les deux nuances de rouge que j'ai enregistrées plus tôt pour dessiner les cygnes en origami Pour cela, j'utilise un pinceau à crayon fin, similaire à ceux que vous pouvez trouver dans le kit d'encrage, bien que celui-ci fasse partie de mon ensemble de pinceaux personnel Ce pinceau à doublure me donne un trait net et fin qui convient parfaitement aux petits objets tels que les détails en papier plié. Ajouter de la personnalité à une illustration se résume souvent à de petits détails. Jusqu'à présent, nous avons construit la pièce avec des éléments déterminants et créé une figure inspirée de vous-même. Mais ce qui fait vraiment de cette illustration la vôtre, c'est lorsque vous commencez à ajouter ces détails personnels pour compléter votre histoire Après avoir peint les principales formes de l'origami, j'ajoute les lignes de papier pliées, puis je dessine le motif Il y a donc un juste équilibre entre les formes stylisées et celles dessinées à la main, je pense que c'est ce qui rend ce petit objet vraiment amusant à J'ajoute donc tous ces petits détails qui donnent au papier une impression dimensionnelle et texturée Comme nous travaillons numériquement, vous pouvez également jouer en réutilisant et en adaptant des motifs que vous avez déjà créés Par exemple, j'ai dupliqué le cygne rouge pour en faire un cygne bleu J'ai simplement légèrement ajusté sa taille et changé la couleur à l'aide de l'outil d'utilisation de la saturation et de la luminosité. Le fait de placer le cygne bleu derrière le pied du personnage est intentionnel, car cela ajoute de la profondeur à la composition et donne à la scène un aspect plus connecté. Maintenant, pour quelque chose d'un peu différent, dessinons un objet du quotidien. J'illustre mon étui à crayons, qui se trouve toujours sur mon bureau à dessin Même s'il contient des crayons numériques, j'imagine que des crayons de couleur en sortent sur le dessus de la table C'est beaucoup plus amusant et intéressant de le dessiner de cette façon. De plus, c'est une façon ludique d'intégrer votre propre univers créatif à l'illustration, n'est-ce pas ? Pensez donc à un objet qui signifie quelque chose pour vous, peut-être un petit souvenir, une tasse que vous recherchez toujours ou un outil que vous utilisez dans votre espace L'ajout de ce à votre illustration permet de raconter votre histoire visuellement et donner à votre travail un aspect vraiment authentique. Dans votre projet, choisissez quelques objets qui vous représentent. Ils n'ont pas besoin d'être parfaits ou trop détaillés, simplement être significatifs ou amusants. Chacun d'entre eux contribuera à enrichir le récit de votre scène et à rendre votre illustration finale vraiment personnelle. 18. Retoucher les couleurs: Dans cette courte leçon, je souhaite vous montrer comment effectuer des corrections et des ajustements de couleur pour affiner votre illustration. Par exemple, dans ma scène, j'ai l'impression qu'il y a un peu trop de vert. Cela apparaît dans la jupe, les plantes et le bureau. vert foncé figure également sur l'échelle des couleurs froides, sorte que le bureau se confond avec le fond froid C'est pourquoi j' aimerais réchauffer le bureau afin d' équilibrer davantage la palette de couleurs de la scène. Pour ce faire, je vais d'abord dupliquer la couche de bureau afin pouvoir toujours revenir à l'original si nécessaire. Ensuite, j'ouvre l'outil de réglage des couleurs et je le déplace légèrement vers des tons plus chauds. Souvenez-vous lorsque nous avons parlé contraste lorsque nous avons créé notre palette de couleurs pour ce projet Comme mon arrière-plan est bleu clair, introduction de nuances plus chaudes comme l'orange et le marron crée un joli contraste visuel qui permet au bureau de se démarquer du bleu plus froid de l'arrière-plan. De la même manière, le tiroir est également séparé de l'arrière-plan, tandis que la fenêtre s'y fond Au fur et à mesure que j'apportais ces modifications, j'ai remarqué qu'une partie du vert d'origine était encore visible. C'est là que la recoloration manuelle est utile. Vous pouvez verrouiller le calque en alpha et peindre directement dessus pour qu'il corresponde à votre nouveau schéma de couleurs. Je choisis des oranges et des bruns doux pour le dessus de la table, superposant des reflets et des ombres subtils sur tout le bureau pour que l'apparence dimensionnelle reste cohérente Et voici le principal point à retenir. Le réglage des couleurs fait partie du processus de création. N'ayez pas peur de vous faire de légères brindilles ou de créer un contraste. Ces modifications peuvent complètement transformer l'ambiance et l' énergie de votre pièce 19. Ajouter de la profondeur : Donner vie à votre scène: Maintenant, je veux vous montrer comment créer une impression de profondeur dans votre illustration. À l'heure actuelle, ma scène semble très plate. n'y a aucun point de perspective et tout est orienté vers l'avant. Alors, comment pouvons-nous le rendre plus tridimensionnel et plus dynamique ? Explorons quelques techniques simples mais puissantes. Commençons donc par la fenêtre. Il existe quelques moyens simples de suggérer de la profondeur ici. Remarquez comment le cadre superposé se trouve devant le mur En ajoutant même une légère ombre derrière elle, elle donne immédiatement l' impression qu'elle est encastrée dans le mur plutôt qu' à plat au-dessus de celui-ci. Les ombres sont l'un des moyens les plus simples et les plus efficaces de montrer de la dimension. L'arbre vu à travers la fenêtre contribue également à créer une impression de profondeur. Je l'ai dessiné en couches, un tronc ombragé derrière le verre et deux couches de feuilles, une plus claire, l'autre plus foncée. Cette superposition donne naturellement l'impression que l'arbre existe dans un espace dimensionnel, pas simplement à plat sur le mur Essayons maintenant un moyen rapide d' ajouter de la profondeur à un autre élément, la plante sur le bureau. Dupliquez le calque et remplacez le mode de fusion par une option plus foncée, telle que la multiplication ou la gravure de couleur Ensuite, nous pouvons légèrement décaler cette couche plus foncée d'un côté, juste assez pour révéler une ombre derrière la plante. Il semble instantanément ancré et plus réaliste et l'ombre aide à séparer les formes plates les unes des autres et à créer une sensation de profondeur. Nous utiliserons la même idée pour le bureau, mais nous irons encore plus loin. Dupliquez la couche de bureau et réglez celle située en dessous pour qu'elle brûle de couleur. Ouvrez ensuite l' outil de transformation réglé sur distorsion, saisissez le bord supérieur de la couche de bureau la plus foncée et tirez-la vers le bas en diagonale Cela crée une ombre convaincante sous le bureau. La dernière étape consiste à ajuster l'ombre pour qu'elle commence juste sous les jambes. Cet emplacement est essentiel pour rendre crédible, car nous ne voulons pas que le bureau ait l'impression de planer au-dessus du sol Enfin, étirons une ombre sous le tiroir, dupliquons la forme principale, définissons son mode de fusion comme auparavant, puis ajustons sa position Veillez à placer toutes vos ombres dans le même angle pour des raisons de cohérence. Si la couleur de l'ombre ne semble pas correcte, nous pouvons toujours essayer de la recolorer comme l'ajout de bleu dans cette ombre suffit généralement, ou nous pouvons simplement expérimenter d'autres modes de fusion Ici, la soustraction a parfaitement fonctionné. Il a neutralisé l'orange de l'appareil et a laissé une ombre douce d'apparence naturelle Ensuite, un ajustement rapide de l'opacité lui permet se fondre parfaitement dans les textures d'arrière-plan Ainsi, en superposant, en décalant et en ombrant de manière stratégique, vous pouvez créer une véritable impression d' espace et donner à un dessin plat un aspect vivant 20. Le rendre personnel : ajouter de l'énergie et des touches finales: Pour terminer cette scène, je souhaite ajouter des éléments amusants et colorés qui apportent une touche de vie et de dynamisme à l'illustration Cela ajoute non seulement de l'énergie , mais améliore également la sensation de profondeur et donne à l'œuvre d'art un aspect plus stylisé. Commençons par créer des motifs géométriques simples. Je vais ajouter une nouvelle couche et passer à l'outil de sélection. Au lieu de la main libre habituelle, je choisirai l'ellipse. Nous allons maintenant dessiner une ellipse sur le canevas. Si vous voulez créer un cercle parfait, appuyez simplement sur l'écran et votre ellipse se transformera en cercle Ensuite, remplissons-le de couleur et placez-le dans la scène. Je place mon premier cercle sous le bureau pour suggérer plus de profondeur, peu comme une ombre stylisée. Ensuite, je vais créer un autre cercle et le placer près de la fenêtre. Regardez à quel point la composition devient instantanément plus équilibrée, amusante et animée. Et nous pouvons également ajuster les modes de fusion pour pouvoir voir les textures en arrière-plan Continuons sur cette lancée. Je vais choisir un rose vif ma palette et créer un autre cercle vif. Pour qu'il se fond naturellement dans la scène, essayons différents modes de fusion jusqu'à ce que nous trouvions celui qui convient le mieux Je pourrais ajuster la taille et la position d'un cercle. Parfois, de petits ajustements comme celui-ci peuvent faire une grande différence Maintenant que je le fais, je ne sais pas vraiment où je veux en venir avec mes cercles, mais je les crée. J'essaie de les placer. C'est une étape ludique où nous essayons quelque chose, et si cela fonctionne, nous le conservons et nous passons à l'élément suivant. Maintenant, l'illustration dans son ensemble semble plus intentionnelle et plus ancrée, mais je remarque tout de même beaucoup de tons froids ici. Il y a un peu de bleu dans l'ensemble. Je vais donc réchauffer les choses avec un grand cercle vert. J'expérimente son placement jusqu'à ce qu'il complète le reste de la composition. Si une partie du cercle me semble gênante et que j'ai l'impression qu'il y a trop de vert, alors je veux casser la forme, je peux facilement la retirer ou la réutiliser À l'aide de l'outil de sélection, encore une fois, je découpe un petit cercle dans le plus grand et je le déplace vers un autre endroit. Ou peut-être que je déciderai de le laisser complètement de côté. C'est donc la partie amusante, l' exploration, l'espièglerie. Vous pouvez continuer à bouger, à ajuster et tester des idées jusqu'à ce que votre scène soit équilibrée, élégante et pleine de vie. Je pense que le mien est prêt maintenant, brillant, enjoué et plein d'énergie. Je vous verrai dans la prochaine leçon finale où nous passerons en revue ce que nous avons créé. 21. Réflexions finales: Félicitations. Tu as réussi la fin du cours. Ensemble, nous avons créé une illustration personnelle qui combine une pose amusante, votre personnalité et une scène de votre espace favori. Votre pièce n'a pas besoin d'être parfaite. Il s'agit de capturer votre ambiance et énergie et de profiter du voyage créatif Plus vous vous entraînez, plus il sera naturel et amusant d'illustrer les personnes et les espaces dans votre propre style. Comme toujours, j'adorerais voir ce que tu as créé. N'hésitez donc pas à partager vos projets dans la galerie de la classe afin que nous puissions tous célébrer votre travail ensemble. voir comment chaque élève apporte sa propre personnalité et son propre espace à son illustration mes aspects préférés de l'enseignement est de voir comment chaque élève apporte sa propre personnalité et son propre espace à son illustration. Et si vous aimez ce cours, pensez à laisser une brève évaluation du cours et consulter mes autres cours Skillshare sur le dessin de figures, couleur et le processus d' illustration créative Alors merci encore d'avoir dessiné avec moi. J'ai hâte de voir vos projets. Jusqu'à la prochaine fois, continuez à créer et amuser avec votre art. Au revoir pour le moment.