Illustration à l'encre : Des lignes audacieuses et un style sans peur

1. Introduction: Je suis Ira Marcks. Je suis un auteur et illustrateur et généralement une personne créative dans le nord de l'État de New York. Pour moi, les histoires et les images vont de pair, que je construise un monde dans l'un de mes livres, crée des personnages de dessins animés pour les enfants, rédige une grande affiche colorée, travaille sur une affectation d'illustration ou l'un des d'autres choses que je fais. Je me demande toujours quelle est l'histoire qui se passe juste en dehors de mon propre art ? Dans ce cours, je vais me livrer à ma propre curiosité et enfin regarder en dehors des cadres de mon travail. Je vais explorer les mondes de quelques-uns des illustrateurs incroyablement brillants et intemporels qui ont fait de moi la personne que je suis aujourd'hui. J' espère que vous vous joindrez à moi et à ma classe, illustration à l' encre, des lignes audacieuses et un style intrépide. La classe commence par un bref aperçu de mes outils et de mon poste de travail, puis nous allons directement au dessin. Je vais couvrir mes techniques de base sur la construction d'une composition, puis nous allons regarder comment j'encris et ombre dans l'illustration. La prochaine partie de la classe est vraiment excitante pour moi, il s'agit de célébrer vos influences, et je vais regarder trois de mes illustrateurs préférés. Ceux qui m'ont laissé de grandes impressions, Quentin Blake, Maurice Sendak et Edward Gorey. J' espère que vous serez inspiré par mon voyage aux racines de mes influences illustratives, et que vous regardez l'artiste qui vous inspire le plus et créez un hommage affectueux à leur travail. 2. Espace de travail traditionnel: C' est mon studio, je fais de l'art professionnellement depuis plus de 10 ans maintenant, et beaucoup de temps a été passé assis juste à cette table très légère. J' ai travaillé avec des outils vraiment traditionnels juste parce que mes racines sont dans le dessin animé et les bandes dessinées dans les journaux, donc c'est le style que j'ai commencé à imiter, quand j'ai décidé avec quels outils je voulais travailler. Mon encre de choix doit être l'encre de la marque Winsor & Newton, en partie parce que l'étiquette est si cool, mais surtout à cause de l'opacité de l'encre, c'est un noir très solide et riche. Il y a un peu de brillance. C' est juste une très jolie chose. J' ai beaucoup de pinceaux et de stylos, mais honnêtement, je n'utilise qu'un ou deux, et ce stylo ici est, comment je fais 98 pour cent de mon encre traditionnelle. C' est juste une plume de calligraphie de taille moyenne. n'y a rien de spécial à ce sujet. Je pense qu'ils coûtent environ 0,40$ chacun. J' utilise aussi des pinceaux de marque Winsor & Newton pour l'aquarelle ou pour faire des gouaches d'encre. Brosses rondes habituellement, j'aime le Winsor & Newton. Ils ont une belle pointe ronde, propre et pointue. Mon papier de choix est quelque chose que j'ai découvert beaucoup plus tard, que j'aimerais savoir très tôt. C' est Arches Hot Press papier aquarelle. presse à chaud signifie qu'ils repasser le papier au fur et à mesure qu'ils le traitent, il est donc idéal pour la numérisation. Contrairement à beaucoup de papiers aquarelle, en particulier comme les marques moins chères que vous achetez, ils ont un ton de texture qui peut parfois fonctionner en fonction de ce que vous voulez, mais il est difficile de Photoshop sur cette texture. Arches est totalement lisse, donc quel que soit votre processus, c'est le papier ne laisse aucune impression sur vos dessins. Voici une pièce sur laquelle je travaillais à cette table lumineuse, donc je vais juste vous montrer ma configuration. D' habitude, je dessine tout d'abord. Vous pourriez dire que c'est un croquis assez détaillé que j'ai fait sur ma tablette de dessin, et je place ça sous mon papier Arches, et mon processus commence ici avec ma table lumineuse. C' est pourquoi il est si cool d'avoir une si grande table lumineuse. Si vous êtes fan d'art comme moi, vous aimez vraiment regarder les gens travailler avec des outils traditionnels. C' est un truc cool à voir, donc je vous ai fait une vidéo très cool et artistique de moi encrassant ce dessin. Il y a des gros plans et de la musique dramatique. Avant d'entrer dans la leçon de classe, profitez de ce court métrage. 3. Un court métrage : L'encrage dans l'obscurité: vous. - Ça va ? 4. Espace de travail numérique: La triste vérité est que je ne passe pas beaucoup de temps à ma table lumineuse. Je suis assis à mon poste de travail numérique ici. Il est difficile de valider en tant que professionnel faisant des choses manière traditionnelle quand une tablette fait votre travail beaucoup plus rapidement. Vous compromettez l'expérience pour la productivité, qu'il en soit ainsi. Je garde beaucoup de notes sur mon bureau. Je ne peux pas travailler avec des notes numériques, j'ai besoin de les voir toutes en même temps, apparemment. J' écris beaucoup plus que je doodle, donc il y a des notes ici pour différents projets sur lesquels je travaille comme un livre ou un rappel de faire quelques croquis pour un freelance, listes de choses à faire, des listes sur des cours de Skillshare, etc. Voici mon nouveau meilleur ami, mon petit minuteur d'oeuf. Je l'ai réglé pour 60 minutes. Je travaille tout droit sans distraction, puis, je fais une pause de cinq minutes et je répète. Je le fais de 8 h à 17 h, puis je rentre chez moi. Le bras pour ma tablette numérique ici est essentiel. Ça m'évite vraiment de me taper sur un écran toute la journée. Je ne peux pas me pencher aussi loin pendant huit heures d'affilée. Il y a au centre ma tablette de dessin. C' est un Yiynova MSP19U plus. Vous pouvez les obtenir pour environ 300$ maintenant. L' écran est un peu brillant, mais dans l'ensemble, je l'aime. 5. Logiciels et outils numériques: Pendant que je conçois cette feuille de référence pour vous les gars, j'ai pensé vous donner un aperçu des types de logiciels que j'utilise. En fait, je vais parler spécifiquement de ce programme. Autant que j'aime Adobe Suite et j'ai grandi avec Photoshop et Illustrator et InDesign et tous ces trucs amusants. Ces jours-ci, j'utilise surtout un programme appelé Clips Studio Paint. En tant que caricaturiste qui s'occupe de gros documents comic avec, 30 à 40 à 100, 200, mais beaucoup de pages. Ce programme est conçu pour vous permettre d'ouvrir et de fermer ces pages assez rapidement et de travailler avec plusieurs pages documents très rapidement. Comme il est conçu pour les artistes de la bande dessinée, les outils de dessin sont vraiment importants. Il y a un tas de pinceaux intégrés, je parlerai de ceux que j'utilise dans une minute. C' est aussi bon pour faire le dialogue dans les bulles de la parole. L' outil de texte est correct, ce n'est pas génial, mais c'est vraiment bon pour les panneaux et même c'est la coloration est assez intuitive. Pour ces cours, comme je l'ai dit, je veux que tout le monde puisse les utiliser. Je n'utilise pas d'outils ou de techniques de fantaisie dans ce domaine. J' utilise juste quelques outils de dessin de base. Un stylo est à peu près la simulation numérique d'une plume de calligraphie. Vous pouvez voir à quel point la qualité de la ligne est similaire à celles la vidéo de mon encrage avec la plume réelle et j'utilise le crayon bleu non photo pour mes mises en page , puis j'utilise le crayon rouge pour mes croquis secondaires de temps en temps. La mise en page du programme est assez similaire à Photoshop. J' ai beaucoup de différentes couches d'encre allant et probablement la meilleure chose propos de tout travail numérique est que vous pouvez travailler sans être nerveux que vous allez le gâcher. Souvent, j'aurai un tas de calques qui sont des versions différentes de la même idée et je vais passer d'avant en arrière entre les deux. J' essaie de ne pas être pris dans ce genre de choses parce que c'est bien quand choses se sentent un peu spontanées et pas trop réfléchies, alors de plus en plus j'essaie de ne pas zoomer et d'être hypercritique à propos chaque petite ligne que je fais et j'essaie juste de le garder avec une sensation plus naturelle. Beaucoup d'artistes vous diront probablement que l'endroit que vous voulez obtenir avec votre logiciel numérique est le même niveau de confort que vous êtes avec vos outils traditionnels. Évitez d'annuler constamment et de réparer chaque erreur. Les gens aiment voir un peu d'humanité et il y en a, alors n'effacez pas toutes vos erreurs, gardez une partie de ça parce que c'est la vérité. Bien, autant de plaisir que je fais esquisser ces petits pingouins mignons avec tous ces différents styles d'éclosion, je vais vous montrer ma ressource de pinceau où j'ai les différents pinceaux que j'ai. J' ai des pinceaux de cet artiste nommé Frenden et vous pouvez le Google et voici son site web. Il fait des pinceaux pour Clips Studio Paint. C' est un Illustrator qui a un style très cartoony, donc si vous voulez des pentes lourdes, solides , vives, il est bon pour ça. Il a aussi beaucoup d'outils logiciels, beaucoup de crayons, de pinceaux, d'encres croustillantes, rugueuses, croquantes. C' est un mélange assez bien arrondi et vous pouvez voir qu'il y en a plus de 450. Je les ai tous regardés ? Oui. Combien dois-je en utiliser ? Deux ou trois, habituellement juste un. C' est amusant de naviguer, mais si vous voulez vraiment développer votre art en carrière, quand vous commencez à sauter à beaucoup de styles différents, parfois vous commencez à confondre votre public et vous ralentissez vraiment votre propre processus créatif. Choisissez les outils que vous aimez et concentrez-vous simplement sur vos idées. 6. Composer la scène: Dans n'importe quel projet d'illustration, un artiste va vouloir se préparer à son design. Cela pourrait être aussi simple que de placer des formulaires de base sur la page pour leur donner une idée de la mise en page et de la position de leurs personnages et d'autres éléments visuels ou vous pourriez ajouter une autre étape à la planification, et c'est ce que nous allons le faire ici. Nous allons créer ce que vous appelleriez un modèle de conception formel à poser sous notre dessin. Vous pouvez voir, je vais briser ma page et la grille simple. Je vais utiliser cette diagonale, définir le centre de la page. Alors je vais le diviser en tiers, juste comme ça. Je vais ternir ça. Maintenant, cela me donne une vraie structure formelle. Nous appelons cela formel parce que la page est décomposée. Au centre. C'est juste une symétrie nette. En plus de cette grille, je vais commencer à construire mon design. Donc ce projet d'illustration, je vais garder les thèmes pour les animaux dans un cadre. Ça va être aussi simple que ça et votre projet va suivre les mêmes directives pour mon animal. Je vais choisir un chat parce que j'aime dessiner des chats, surtout quand ce sont des chats endormis. Je vais mettre ce chat dans une jungle fantastique. C' est juste une excuse pour inventer mes formes de décor sans trop les baser dans la réalité, part ce que je me souviens de la jungle, les quelques fois où j'y suis allé. Le sujet du dessin, le chat est centré sur cette ligne verticale et vous pouvez voir que j'ai utilisé ces horizontales. Pas d'une manière claire. C' est juste un moyen de décomposer la page et de libérer mon esprit de l'espace géant oppressif. Je suis un artiste qui aime faire deux croquis. Je ne sais pas d'où ça vient. C' est juste quelque chose que je ne sais pas si c'est une chose de confiance ou quoi, mais au fil des ans, j'ai découvert que je fais un croquis très lâche et grossier que vous pourriez voir est essentiellement des formes organiques, des lignes sinueuses, des cercles. En plus de cela, que je dessine à la main ou sur tablette, je fais mon deuxième croquis et ce croquis a un peu plus de sens de peu de détails, mais les formes et le placement de ces formes prennent un peu plus de structure. Par exemple, dans le coin supérieur droit, ces feuilles en arrière-plan, elles encadrent simplement la tête du chat. Comme je fais mon deuxième croquis, ils simplifient un peu et deviennent un peu plus confiants dans leur forme. Donc, le deuxième croquis est vraiment de construire une confiance et votre design. Les petites choses vont changer, vous prendrez de nouvelles décisions. Vous pouvez même revenir à la première version. Ce que vous ne voulez pas vraiment faire, c'est trop penser que vous dessinez trop. Ce ne sont vraiment que des notes et des directives pour influencer votre encrage. Je fais des éclosions vraiment lâches juste pour donner une idée de l'endroit où vont mes ombres. Cela va être une composition où le premier plan a une ombre dessus et le milieu est vraiment comme la couche la plus brillante. Donc j'ai un peu plus de sens de l'origine de ma source lumineuse. Vous verrez ici que je vais même dans cette fleur principale, qui est devenue une partie assez importante de ce design maintenant que j'y pense. Je redessine juste un peu les pétales, les rendant plus expressifs. Après le deuxième croquis, je vais ajouter une autre étape. C' est plus un exercice. n'est pas quelque chose que je fais d'habitude, mais je pense que c'est quelque chose d'intéressant en tant qu'étudiant. Je vais retenir mon souffle et je vais écrire ce dessin le plus rapidement possible. Pourquoi est-ce que je retiens mon souffle ? De cette façon, je ne vais pas trop penser aux choix de ligne. Vous avez probablement remarqué en tant que jeune artiste, lorsque vous faites certaines lignes pour la première fois, vous êtes le style d'encrage ou votre travail de ligne. Ce n'est pas très confiant. Ce n'est qu'en pratiquant et en sachant où vous allez avec votre ligne que vous obtenez des lignes lisses, propres et expressives. Donc en retenant mon souffle, je ne peux pas trop penser à ce processus. On y va. Reprendre mon souffle ici. Voici donc le résultat de cet exercice sur une version encrée de deux minutes de chat dormant dans la jungle. Donc, le plat à emporter ici est, quelles étaient les lignes qui étaient les plus importantes à capturer dans ce design ? Évidemment, le contour du chat, certaines des caractéristiques faciales pour représenter qu'il dort. Le journal sur lequel il dort. La fleur au premier plan avec un peu de détails. Quelques autres éléments visuels au premier plan, le champignon et le petit, je ne sais pas, moisissure ou mosquée qui poussent sur le journal, quoi que ce soit. Je n'ai pas eu le temps d'y penser et puis les éléments de cadrage, nous avons les petites germes à gauche et les grandes feuilles de style tropical à droite. Notez que beaucoup de détails n'ont pas eu le temps de remplir. Donc c'est bien. Ce sont les os de l'illustration. Toute encrage que je fais à partir d'ici et cette version finale va capturer ces lignes, puis à partir de là je décide combien de détails j'ajoute et combien je laisse dehors. 7. Encre et ombre: Allons éteindre l'exercice d'encre rapide et de commencer à conférer réel. Encore une fois, j'utilise un stylo à pinceau et je vais juste commencer par mon travail de ligne de base. Je vais partir dans tous mes undoes aussi juste pour que vous puissiez voir les formes et la personnalité de ces éléments visuels se développer. Comme je l'ai dit plus tôt, cette fleur en bas à gauche a vraiment commencé à prendre une personnalité importante et un accent visuel dans le design. Les feuilles ont beaucoup plus de caractère pour elles, elles sont un peu vacillantes. Cela signifie aussi que je vais garder ces autres éléments visuels simples, les champignons et le moule sur le fond de la bûche. Je suis tellement familier avec la composition à ce stade. Je peux voir des motifs qui se produisent et les types de lignes que je fais. Encore une fois, ce projet est vraiment une ligne sur laquelle nous nous concentrons. En fait, vous allez m'entendre faire référence au rôle émotionnel ou abstrait de ces lignes plus que le sujet lui-même. Comme les petits germes que nous regardons ici, à l'arrière du chat, qu'est-ce qu'ils représentent, leur élément de cadrage ? Je veux aussi qu'ils guident l'œil vers le centre de l'illustration. Je suis même allé jusqu'à deuxième deviner mon deuxième croquis et simplifier le travail de ligne des petits germes. Même chose avec ces feuilles tropicales sur le côté, tout pointe vers le centre mort de l'image. Quand vous arrivez, il n'y a pas beaucoup de visages de chat décollant même un peu au centre. Les lignes apportent toutes l'œil du spectateur au centre de la page, nous attirons le spectateur dans le design. Les détails du chat pour moi sont la chose délicate ici. Je ne suis pas sûr de ce que je veux ajouter en termes de détail avec ceux-ci, je ne veux pas un look Garfield, mais je veux que le chat ait un peu de rondeur à sa forme. Je vais faire comme une ligne rayée flottante qui ressemble à la partie cassée de la bûche et ressemble légèrement aux feuilles tropicales dans le fond profond du haut à droite. Maintenant que nous avons l'encrage de base fait, nous allons commencer à regarder l'ombre. Je vais dire que ma source de lumière vient du premier plan en haut à droite, donc la lumière brille sur la tête du chat. Ça me donnera un point de référence pour l'endroit où se trouvent mes faits saillants. Je n'ai pas beaucoup d'enseignement formel dans mon éducation artistique sur la mise en place de sources de lumière, donc je vais juste me rattraper et décider ce qui se sent bien. Je vais commencer par concevoir l'ombre autour du chat, presque tous les autres éléments sont noircis, peut-être que c'est le dessinateur en moi qui essaie toujours de créer un sentiment de contraste avec le design. Les ombres lourdes dans ce cas deviennent un véritable proéminent et esthétique dans mon travail numérique, car il est si facile de faire de belles lignes nettes. Quelque chose que je veux que tu essaies quand tu encris, c'est d'encrer ton design, y apporter plus d'ombre que tu ne le ferais habituellement. C' est une technique avancée et nous avons souvent peur d'exagérer nos conceptions, en fait, nous avons peur de les démarrer souvent aussi. Mais il y a quelque chose de magique qui commence à se produire lorsque vous construisez des ombres dans les ombres deviennent des formes et qu'elles deviennent presque la nouvelle version de l'illustration. Maintenant que j'ai désactivé tous ces calques esquissés, je suis libre de réinterpréter ce dessin en différentes vagues. Par exemple, les ombres à l'intérieur de la patte ressemblent presque à des personnages eux-mêmes. Nous devons démêler le sens de cette image. En fait, l'idée d'un chat dormant sur une bûche pourrait même pas sauter à première vue, elle doit être révélée par l'observation. Je pense toujours qu'un dessin qui vous oblige à le regarder un peu plus longtemps est un meilleur dessin. 8. Célébrez vos influences: L' une des meilleures choses pour être un artiste est d'avoir chance de célébrer l'art que vous aimez. Environ un quart de mon espace studio est dédié à des rappels de l'art que j'ai aimé, que ce soit des choses que j'ai trouvées en tant qu'adulte ou que mes amis de travail ont partagées avec moi, choses que j'ai appris à l'université ou des livres que j'ai aimés en des choses que j'ai appris à l'université ou des livres que j'ai aimés entant que les premiers souvenirs d'enfance. Je vais profiter de cette occasion pour plonger dans trois illustrateurs. Ils ont vraiment influencé mon art à un âge précoce, des idées qui sont si profondément ancrées dans mon style que je ne pense pas que je pourrais jamais les sortir. Ils sont fondamentaux dans ma façon de travailler. Alors que je parle de mon processus de re-encrage de mon design, vous allez commencer à voir où cette influence entre en jeu. J' espère que vous allez relever ce défi sur vous-même, trouver de nouvelles influences ou célébrer les influences qui ont fait de vous un artiste. 9. Lignes ludiques : Quentin Blake: Pour ma première référence d'encrage, je vais aller avec une référence vraiment difficile pour moi. Je vais faire de l'encre dans le style de Quentin Blake. Il a écrit et illustré autour de 300 livres pour enfants, mais il est probablement le plus célèbre pour avoir travaillé avec Roald Dahl dans des livres comme The Fantastic Mr. Fox ou The BFG. C' est un très grand illustrateur de livres pour enfants parce que, comme vous pouvez le voir dans ce clip, j'ai trouvé sur YouTube, il ne pense pas du tout à ses dessins en fait, dans ces exemples, il n'utilise même pas de sous-dessin. n'y a pas de croquis ou de planification. Il s'agit juste de venir directement de son imagination, c'est pourquoi ses dessins se sentent si énergiques. Il n'est peut-être pas le meilleur artiste représentatif. Ses dessins de personnages ont souvent l'air vraiment similaire. n'y a pas beaucoup de détails et l'anatomie d'entre eux, mais son travail de ligne est instantanément reconnaissable. C' est parce qu'il sort si clairement et en toute confiance avec un sentiment de plaisir. Il y a une formation technique dans son travail, mais quand il s'en occupe et qu'il travaille pour les jeunes, il est préférable de relier un sens de la liberté, du plaisir et de l'imagination, plutôt qu'une précision technique. Nous revenons à mon deuxième croquis du chat qui dort sur un bûche. Pour cette approche de Quentin Blake, je vais travailler très vite comme je l'ai fait et je retiens mon exercice de respiration. Je vais m'assurer que le dessin ressemble à une ligne. Si vous vous souvenez dans les vidéos, Quentin Blake utilise un stylo à pinceau, très similaire à celui que j'utilise. Mais la façon dont le stylo se déplace, on n'oublie jamais qu'il dessine. Je vais travailler très vite. Je vais garder les lignes douces en coulant. Je ne vais pas frapper les coins durs. Juste comme un défi, je vais revenir comme si vous regardez la queue ici, je l'ai un peu ébauché pour lui donner une impression de texture. n'y a pas d'éclosion et ce style Quentin Blake utilise des lavages à l'encre. Je ne vais pas aller aussi loin avec cette idée. Je vais juste utiliser l'expression de la texture dans le travail de ligne. Avant que tu le saches, j'ai un croquis de Quentin Blake. Il travaille très vite et en toute confiance, c'est probablement pourquoi il a pu illustrer plus de 300 livres pour enfants. 10. Hachurer sans peur : Maurice Sendak: Il y a peu d'artistes qui m'ont laissé autant d'impression que Maurice Sendak. C' est une combinaison de son histoire, histoires plus profondes de l'expérience de l'enfance, et pour moi, ses dessins complètent vraiment ce ton narratif. Vous pouvez voir à l'intérieur de la couverture d'une copie de Where the Wild Things Are, le crosshatching lourd qu'il utilise, même lorsque ses illustrations sont colorées, l'encre surpasse tellement son monde. Tout semble avoir lieu à un coucher de soleil perpétuel. Le ciel est couvert et la lumière vient d'un endroit lointain. Beaucoup de ses histoires se déroulent dans l'obscurité ou la nuit et cela se retrouve vraiment dans ses dessins. Il leur donne presque comme un type cauchemardesque de qualité. Mais pas mal, mais juste d'une manière où on vous demande de regarder les aspects profonds tacites de vous-même. Sans être trop lourd là-dessus, abordons l'illustration inspirée de Maurice Sendak. La première chose qui me vient à l'esprit quand je regarde style d'encrage de Maurice Sendak est qu'il est enraciné dans l'éclosion, ce qui signifie qu'il n'y a pas beaucoup de détails dans son travail. Je ne dis pas que c'est la vérité, je n'ai pas de bonnes images de son travail, mais pour moi, c'est l'approche que j'imagine qu'il prend. J' utilise mon croquis comme guide de l'endroit où va ma hachure. Je ne vais pas faire le tour en premier. Je vais commencer par le chat dans ce cas. Je dois avoir une idée de l'endroit où se trouve ma source de lumière parce que, comme je l'ai mentionné plus tôt, il y a une obscurité dans son travail, avec juste un minimum de lumière. Je vais faire toute la fourrure. Lorsque vous éclosion, il est important de comprendre la forme de la forme sur laquelle vous éclosez. Tout de suite, les lignes doivent être courbées. Le chat doit avoir une rondeur. hachure ne fait référence qu'à une seule direction de ligne et la densité de la ligne représente la densité de l'ombre. Crosshatching, c'est quand vous revenez à travers et c'est ce qui est si distinct dans le travail de Maurice Sendak. C' est du crosshatching, pas seulement de l'éclosion. On va voir un autre éclosion assez tôt. J' ai un sens général du chat et maintenant je vais travailler en arrière-plan. Une grande partie de l'éclosion que je fais maintenant est représentative non seulement de la lumière, mais aussi des textures qui viennent à travers la lumière, donc je vais vraiment construire ça. Alors que je me préparais à faire cette vidéo, je regardais des images d'interviews avec Maurice Sendak pour voir d'où viennent ses influences et, sans surprise, une de ses grandes influences était le poète et illustrateur William Blake. William Blake était là à la fin des années 1700, à cette époque romantique de l'art visuel et de la poésie. Il était poète et il a également illustré beaucoup de travaux d'autres écrivains et poètes. Maurice Sendak parle beaucoup d'être fasciné par l'art de William Blake, même s'il ne comprenait pas vraiment beaucoup d'où il venait. Vous n'avez pas besoin d'être un maître de vos références pour les reprendre dans votre propre travail. Vous enlevez ce que vous voulez aux gens et ce que vous pouvez mettre à profit dans vos propres points de vue. Je travaille dans des sections ici comme j'encris à travers ce design, construisant constamment les ombres plus foncées et plus sombres, mais en prenant soin de laisser les reflets dans certains endroits. Pour moi, le visage est un vrai défi. J' ai presque l'impression d'avoir surtravaillé, alors je vais retirer un peu de ça sur la queue et le visage. Maintenant que j'ai un sens plus confortable de ce style, je vais revenir à travers et refaire l'encre de la queue et du visage. Il fait un peu trop sombre. Je veux que ce soit toujours attrayant et pas effrayant. On y va. Maintenant que j'ai désactivé mon croquis, je peux avoir une idée du rapport entre la lumière et l'obscurité dans cette image. C' est comme si j'assombrissais les lumières la pièce et continuais à tirer la lumière en construisant l'obscurité. Tout au long, je peux révéler plus d'aspects de la texture du monde. Vous remarquez même dans les éléments de fond, rien ne s'installe dans la noirceur complète. Il y a toujours un sentiment de lumière qui rebondit d'un endroit dans le cadre. Il y a des chats qui dorment sur des bûches dans le style de Maurice Sendak. 11. Ombres mystérieuses : Edward Gorey: Pensez à l'art qui est vraiment coincé avec vous tout au long de votre vie, les illustrateurs dont vous pouvez presque vous souvenir du jour où vous leur avez été présenté. Il y a généralement un sentiment de mystère qui est lié à cette réaction initiale. Vous avez probablement eu un livre, vous auriez pu être assis sur le plancher de la bibliothèque. Vous aviez des images, des mots, et au mieux une page d'auteur. Avant d'avoir eu la chance de courir sur Google et de chercher cette personne, leur histoire était mystérieuse. Il y a quelque chose qui est vraiment séduisant à ce sujet. Pour moi, Edward Gorey est la quintessence de l'artiste mystérieux. Vous regarderiez son œuvre et pensiez qu'elle a été créée avec une plume trempée dans l'encre par un recluse au milieu des années 1800. Mais en fait, Edward Gorey est un artiste contemporain et a passé beaucoup de sa vie à traîner à New York et plus tard à Cape Cod. Il y a beaucoup plus à dire sur lui, mais d'abord et avant tout, c'est un homme obsédé par l'éclosion, et en tant qu'observateur et enfant qui découvre son travail, je suis devenu obsédé par son éclosion aussi. Avant que je continue ma colère là-dessus, nous avons beaucoup d'éclosions à faire, alors commençons. J' étais vraiment excité d'avoir une excuse pour dessiner comme Edward Gorey, pas que je n'ai pas passé la plupart de mes 20 ans à dessiner comme lui. Si vous aviez une copie de roman graphique, j'ai écrit et illustré quand j'avais 22, 23, 24 ans. Tu verrais beaucoup d'influence d'Edward Gorey dans ce livre. Il est comme la rock star des illustrateurs, en partie à cause du mystère que j'ai mentionné tout à l'heure. Mais il a travaillé sur tant de projets cool comme l'illustration de Dracula, et les couvertures de HG Wells War of the Worlds, beaucoup de poètes célèbres. Il était impliqué dans le théâtre. En fait, si vous regardez son travail, il y a beaucoup de langage corporel qui vient du théâtre. On pourrait l'appeler mal à l'aise et maladroit dans les moments qu'il a choisis, mais en réalité, c'est juste un langage théâtral comme le ballet, en gros. Parce qu'il a fréquenté beaucoup de ballet. Quoi qu'il en soit, vous pouvez voir que je construis mon éclosion. Dans ce cas, je commence par l'arrière-plan. Je suis tellement familier avec cette composition à ce stade. Peu importe où je commence. J' ai une bonne vision de l'endroit où je vais aller. L' éclosion d'Edward Gorey joue beaucoup de rôles différents. Parfois, il représente l'ombre, la texture, vêtements, les tissus, l'herbe, les nuages , la pluie, la fumée, le sang, le tapis, sorte que vous pouvez décider de son rôle tôt. Dans ce cas, je vais avec une approche horizontale, une technique qu'il utiliserait beaucoup juste pour remplir que nous ne sommes pas super importants. Vous pouvez voir l'éclosion sur les feuilles en arrière-plan est juste horizontale, ce qui signifie qu'il est agréable et moelleux et uniforme. Je vais changer certaines des formes que j'ai, les rendre un peu plus menaçantes. Vous pouvez me voir ici, à gauche, s'occuper de ces germes qui poussent. Je vais prendre les formes rondes habituelles avec lesquelles je travaille et les rendre pointues presque comme des becs de petits oiseaux carnivores. Mon éclosion va changer un peu ici. Il va représenter une ombre et, espérons-le, donner un peu de forme à ces formes. En termes de lumière, j'adopte une approche comme je l'ai fait avec l'illustration Maurice Sendak, pour déterminer une source lumineuse. Dans ce cas, c'est presque des frais généraux, je suppose. Le point culminant est sur le côté supérieur, et le côté inférieur est plein ombre. Au fur et à mesure que je construis cette illustration, je vais décider plus précisément de la profondeur des ombres. À ce stade, vous pouvez voir que j'ai plein blanc, et ensuite j'opère comme une ombre à 90 pour cent sur le bord inférieur. Dans votre projet, j'espère que vous prendrez le temps de regarder des illustrateurs que vous admireriez vraiment et de creuser plus profondément dans ce qui les influence. D' habitude, c'est presque comme un jeu de téléphone. Avec l'art, tout le monde emprunte les textures, les tons et les approches de l'autre et les construit dans sa propre formule d'illustration unique. Les artistes que vous aimez sont inspirés par d'autres artistes que vous seriez potentiellement super. J' ai tiré quelques clips d'Edward Gorey. Il n'y a pas beaucoup d' entretiens avec lui où il parle de ses influences. Pendant que nous attendons le rendu de ce dessin, écoutons. Eh bien, je pense que j'ai été beaucoup influencé par des choses comme [inaudible] et Lewis Carroll, et Edward Lear, et toute la tradition des vers et des pierres absurdes anglais. Eh bien, bien sûr, je suppose que ça remonte à Thomas Hood qui a écrit quelque chose de très violent, pas nécessairement pour les enfants. Lear était un grand ami de Tennyson, et certains de ses trucs ressemblent vraiment à Tennyson qui se un peu mal et quoi que ce soit. L' idée de non-sens est très importante dans les paroles d'Edward Gorey ainsi que dans ses illustrations. On parle de ses illustrations pour la plupart ici, bien sûr. Il y a beaucoup de non-séquiturs, pense que ça semblait sortir de nulle part et n'ont aucun sens d'où ils viennent, ou d'où ils vont dans ses dessins, et une partie de cela ajoute du mystère, et une partie de cela aussi parle simplement de l'idée du mystère de l'enfance, et de la façon dont vous venez de tomber, au milieu de cette plus grande histoire, et vous pouvez regarder ces idées aussi profondément que vous le souhaitez et nous choisissons et choisissons ce que nous examinons. Mais vraiment le monde est pour la plupart mystérieux 98 pour cent du temps et comme je le disais tout à l'heure, je me souviens si distinctement de regarder l'éclosion et d'essayer de presque trouver un message à l'intérieur, presque comme poussés ensemble, mais bien sûr, cela n'existe pas. Finalement, vous prenez un stylo et vous commencez à dessiner par vous-même. Pendant que je travaille sur ce dessin, je sais que c'est accéléré, mais je rentre au même endroit que j'y vais toujours. Quand j'éclate dans ce style Edward Gorey, vous avez la composition construite, vous ne prenez aucune décision critique à part le nombre de lignes qui appartiennent à l'espace et ces choses peuvent toujours être ajustées plus tard. C' est un état d'arrêt du cerveau méditatif dans lequel vous pouvez entrer, ce qui n'est pas quelque chose que vous pouvez faire beaucoup dans la vie, que ce soit l'art ou tout autre type de carrière que vous entrez dans. Je pouvais voir qu'un artiste qui s'adonne vraiment à une technique comme celle-ci, partie de celui-ci est d'échapper à son esprit réfléchi et juste de l'espace dehors et profiter d'un moment dans un processus simple et de savoir qu'il construit vers autre chose. Vous pouvez voir la personnalité de toute cette composition changer au fur et à mesure que je travaille sur les différentes parties. Ici, je suis au premier plan traitant de la fleur, c'est presque comme une plante venimeuse. Les pétales sont plus aiguisés et ils tombent au centre du bourgeon et deviennent presque noirs et peu importe ce que vous appelez, la partie de la fleur qui est au milieu. Quoi qu'il en soit, la partie médiane de la fleur ressemble presque à un piège à mouches de Vénus. Remarquez que j'ai complètement éteint le chat et le croquis, donc je peux me concentrer sur les textures que je fais avec mon éclosion. Je m'amuse beaucoup avec celle-là. Comme j'encris le journal, j'ai mis quelques lignes directrices et juste garder mon hachure sur la bonne voie, je ne veux pas rester totalement inconscient ici et perdre une trace de ce que je fais. Ces lignes vont être un déplacement horizontal sur la longueur de la bûche, étant donné qu'elle a un sens du mouvement. Mais j'évite les lignes simples, tout est construit sur des éclosions, petits gestes déchiquetés, de type foudre. n'y a pas de mouvement lisse et gracieux. Même si tout se construit ensemble par simple fermeture visuelle, vous aurez une meilleure idée du mouvement de l'image entière, mais à ce stade précoce, tout est fortement texturé et presque violent dans son mouvement comme une attaque à l'approche de l'aiguille. J' aime vraiment la façon dont les formes derrière les feuilles se révèlent. Ils ressemblent presque à des formes surnaturelles ; une nébuleuse inquiétante, un blob noir qui va dépasser la scène. Vraiment, chaque aspect de cette composition a pris une sensation légèrement différente jusqu'aux champignons. Plus les champignons ronds, ce sont des casquettes en forme de balle et ce sont des silhouettes, des formes sombres au premier plan. Je travaille sur la partie avant du journal, le bord dentelé, je ne l'ai pas inclus dans cette version du dessin, mais je veux quand même que le journal ait beaucoup de texture qui fait les points les plus sombres vers le journal juste où il frappe les anneaux, Nous sommes en train de créer un cadre solide pour le chat, j'ai hâte d'y entrer et de voir comment je fais face à ça. C' est presque comme un fantôme flottant au centre à ce point. temps pour le chat, les chats ont une place très spécifique dans ce monde de Gorey. L' une des illustrations de chat les plus célèbres qu'il ait faites est pour la couverture d'une collection de poèmes TS Eliot et ils sont comme le caractère fantaisiste du vin dans l'univers d'Edward Gorey. Ils ont une forme différente, ils ont l'impression d'avoir une grosse tête large et un sourire généreux. Cela semble être beaucoup d'influence venant, comme vous l'avez mentionné, du monde Cheshire Cat et Lewis Carroll. Peut-être que c'est son point de référence et je vais prendre ce chat et l'apporter dans ce dessin. La forme du corps du chat change beaucoup et je pense qu'il va être principalement noir solide donc je vais juste tricher ici et remplir cette chose en noir total sur le dos et j'aime ça. La forme de la tête change un peu et maintenant c'est un jeu prudent de ce que je dois laisser blanc ? Gardez un point culminant autour du bord de la tête et le bout des oreilles peut devenir blanc et le bout de la queue et quelques faits saillants sur le haut de la queue mais vraiment le chat va être noir solide. Le chat est encore endormi, mais la position des yeux est changée. Maintenant, ils sont en langue Edward Gorey, ils sont un peu plus haut et côtoient certains de ces faits saillants, il n'y a pas beaucoup de lumière dans ce monde. Je me sens plutôt bien à propos de ça. Peut-être un peu plus d'ombre élimine certains de ces anneaux sur l'arbre et apporter un peu plus de profondeur à certaines de ces feuilles, j'aime à plat tour, mais c'est presque un peu trop plat pour cette version du monde. Il doit y avoir une certaine profondeur car ils se déplacent derrière le chat et bloquent une partie de la lumière. Le nez d'Edward Gorey est très précis donc je vais emprunter tout ce regard et nous l'avons là. Un chat dormant dans la jungle, cette fois dans le monde d'Edward Gorey. 12. Votre projet de cours: C' est ça. J'espère que vous avez apprécié la classe et me regarder travailler et explorer mes propres influences créatives. Parlons projet de classe. Voilà ce qu'on va faire. Nous allons construire une illustration inspirée d'un autre style d'encrage d'artiste. Vous allez commencer par concevoir une composition composée d'un animal et d' un cadre unique. Je vous fournirai des feuilles de travail pour guider votre processus. J' ai créé un modèle de composition qui vous permettra de diviser la page d'une manière dont vous n'avez peut-être jamais pensé. Je vais vous fournir des références pour les hachures, et même une liste d'inspiration pour les sujets et le réglage de votre design. Votre objectif est d'approfondir ce que vous savez sur l'illustration, trouver une nouvelle influence, et de miser sur l'ensemble de compétences que vous possédez déjà. Lorsque vous avez terminé votre illustration, veuillez la partager dans la section Projets de cours. En partageant votre travail, cela incite d'autres élèves à regarder la classe, créer leurs propres designs, et cela m'incite à créer de nouvelles classes pour vous les gars et à vous donner plus de raisons de dessiner et d'explorer la créativité. De plus, si vous pouviez écrire un commentaire pour la classe, cela va beaucoup pour l'amener là-bas et exposer à plus d'étudiants. Je te verrai la prochaine fois.