Illustration créative : une introduction à l'art fantastique | Ira Marcks | Skillshare
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Illustration créative : une introduction à l'art fantastique

teacher avatar Ira Marcks, Graphic Novelist

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Leçons de ce cours

    • 1.

      Introduction

      1:35

    • 2.

      Aperçu du cours

      2:22

    • 3.

      Regarder l'art fantastique

      4:26

    • 4.

      Moments de découverte (partie 1)

      6:56

    • 5.

      Moments de découverte (partie 2)

      6:25

    • 6.

      Faire une ébauche avec Adobe Fresco

      8:46

    • 7.

      Esquisse : explorer la perception

      2:57

    • 8.

      Esquisse : développer des concepts (partie 1)

      7:28

    • 9.

      Esquisse : Développer des concepts (Partie 2)

      7:38

    • 10.

      Du concept à la composition

      6:49

    • 11.

      Esquisser les détails

      5:16

    • 12.

      Encrer avec Fresco

      4:20

    • 13.

      Encrer les personnages

      3:18

    • 14.

      Encrer le décor

      4:09

    • 15.

      Colorier les personnages

      5:45

    • 16.

      Arrière-plan, ombres, lumières

      7:05

    • 17.

      Pinceaux et effets Fresco

      6:03

    • 18.

      C'est terminé !

      3:40

    • 19.

      Allez plus loin avec Fresco

      0:40

  • --
  • Niveau débutant
  • Niveau intermédiaire
  • Niveau avancé
  • Tous niveaux

Généré par la communauté

Le niveau est déterminé par l'opinion majoritaire des apprenants qui ont évalué ce cours. La recommandation de l'enseignant est affichée jusqu'à ce qu'au moins 5 réponses d'apprenants soient collectées.

1 710

apprenants

34

projets

À propos de ce cours

Une introduction à l'illustration fantastique et à la création d'autres mondes.

Si vous êtes un artiste visuel qui cherche à s'amuser et à développer son style, il n'y a pas de meilleur endroit pour commencer que l'illustration fantastique. Retrouvez-moi dans ce cours pour un parcours étape par étape dans la création d'une illustration d'inspiration fantastique. Je vous parlerai des inspirations qui se cachent derrière mon travail, du rôle de la narration dans mon processus d'ébauche et de la façon dont je crée des palettes de couleurs et des textures significatives. Je travaillerai avec Adobe Fresco, mais vous êtes libre d'utiliser tous les outils artistiques de votre choix, qu'ils soient numériques ou traditionnels !

Nous explorerons ensemble :

  • La narration visuelle pour l'art fantastique
  • Mes outils et astuces d'illustration
  • Les bases d'Adobe Fresco
  • Mes pinceaux et mes effets Fresco préférés
  • Exporter et partager votre travail

Le cours s'adresse aux artistes, illustrateurs et passionnés de tous niveaux. N'hésitez donc pas à suivre le cours avec les outils d'illustration qui vous conviennent.

À la fin, vous aurez créé votre propre illustration fantastique en couleur inspirée du thème narratif « moment de découverte », et nous pourrons utiliser la discussion en classe et les sections du projet pour collaborer, partager des commentaires et nous inspirer mutuellement !

Je suis ravie que vous me rejoigniez dans cette aventure, et j'ai hâte de voir vos créations !

Rencontrez votre enseignant·e

Teacher Profile Image

Ira Marcks

Graphic Novelist

Top Teacher

Ira Marcks is an award-winning and New York Times recommended cartoonist. His love of strange fiction and scientific research has led to an unlikely list of collaborators including the Hugo Award-winning magazine Weird Tales, European Research Council, and a White House Fellowship Scientist. His online courses have inspired 100,000 students. iramarcks.com

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Compétences associées

Adobe Fresco Art et illustration Peinture
Level: All Levels

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Transcription

1. Introduction: Hé, je m'appelle Ira Marcks. Je suis un dessinateur du nord de New York. Mes illustrations et mes bandes dessinées, elles servent à explorer d'autres mondes. J' aime créer des images qui vous rendent curieux de ce que vous regardez vraiment. Beaucoup de mon travail est vraiment inspiré par les personnages étranges dans des mondes étranges de l'art fantastique. J' adore les couleurs et les textures que ce style de narration fait ressortir chez un artiste visuel. Aujourd'hui, je vais vous emmener étape par étape à travers le processus créatif derrière une de mes illustrations fantastiques. Ce cours est de regarder mon processus complet commençant par mes premières inspirations dans l'art du livre fantastique, puis nous allons examiner mon processus d'esquisse et la façon dont je développe des concepts pour une illustration. Ensuite, nous examinerons mes outils numériques préférés et compléterons cela avec quelques conseils sur la façon dont je crée des palettes de couleurs et des textures significatives, et des vibrations d'ambiance dans mon art final. J' espère qu'en suivant, vous apprendrez à travailler avec votre application de dessin préférée, à transformer un petit croquis rapide en une illustration en couleur qui semble juste tomber d'un livre de fantaisie perdu et oublié. Éteignons le monde réel pour un petit moment et commençons à explorer d'autres mondes. Illustration fantaisie. 2. Aperçu du cours: Bienvenue dans la classe, merci d'être venu. Avant de commencer, je vais vous donner un bref aperçu de ce que vous devez attendre de ce cours. Si vous êtes nouveau sur ma chaîne Skillshare, vous pourriez trouver mon style d'enseignement un peu unique. Maintenant, j'y arrive avec un processus en trois étapes. abord, j'aime présenter un contexte pour ce qu'est le projet et les thèmes qui l'entourent. Après cela, nous passons au concept de l'Art, qui signifie aussi la composition et le récit qui y est intégré. Ensuite, nous créons l'illustration finale. On ne saute pas juste au dessin. Dans les premiers chapitres d'autres mondes, je vais vous présenter ma relation personnelle et mon inspiration pour créer de l'art fantastique. Puisque je considère l'art fantastique comme une forme d'art narratif, nous utiliserons un thème inspiré de l'histoire pour guider notre projet de classe. Gardez les yeux et les oreilles ouverts pour la phrase « Moment of Discovery ». Après cela, nous commencerons à créer des esquisses dans Adobe Fresco. Vous pouvez me rejoindre avec Adobe fresco, une autre application de dessin, ou encore avec un crayon et du papier. C'est bien. Quels que soient les outils que vous voulez utiliser, vous serez toujours en mesure de suivre mon processus créatif. Je suis très influencé par les principes de l'art graphique, et je vais vous montrer comment je les utilise dans une composition pour jouer avec la perception du spectateur, ainsi que pour les impliquer avec le récit simple. Pour moi, le croquis est le chemin que nous prenons pour trouver un sens pour notre image finale, et c'est vraiment ma partie préférée de tout le processus créatif. La dernière section de la classe est axée sur la transformation de nos esquisses conceptuelles en une image finale à l'aide des outils numériques ou des outils traditionnels dont nous disposons. Si vous travaillez à Fresco pour la première fois, c'est vraiment cool. Sans aucune expérience préalable, vous apprendrez les outils de base pour l'esquisse, l'encrage, coloration et la création d'effets dans cette application vraiment cool. Maintenant, j'espère que ce cours vous inspirera à créer une illustration de votre propre. Nous terminerons le tout en finalisant notre art, exportant et en l'affichant sur la page du projet étudiant Skillshare. C' est ce cours en un mot, commençons. 3. Regarder l'art fantastique: Faire de l'art fantastique est tout au sujet de l'avion avec la perception. Au moins, c'est comme ça que je pense. Quand je fais une illustration, mon but est de créer quelque chose qui attire l'attention, mais qui ne révèle pas son vrai moi tout de suite. Je veux que mon art ait un appel instantané amusant, mais aussi vous donner l'occasion de regarder un peu plus profondément et de découvrir l'histoire derrière l'image. Nos objectifs en tant qu'artistes viennent de l'influence précoce dans la relation avec différentes formes. Mon travail est fortement inspiré par l'art narratif, les images tirées de livres et les histoires. J' aime les histoires de personnages dont la vision du monde est remise en question lorsqu'ils se retrouvent dans des situations surréalistes. Pour moi, il y a deux étapes distinctes pour développer une illustration narrative intéressante. D' abord, il y a le concept. La façon dont un artiste utilise les principes visuels pour créer une composition. La façon dont les éléments artistiques de base comme la forme, la ligne, la forme, la couleur se réunissent pour créer un tout unifié. Les choix que je fais influencent la façon dont l'art final est perçu sur le plan émotionnel et conceptuel. Sur la base du concept, je construis l'œuvre finale. Dans l'art final, je commence par un croquis. Je construis la composition, affine les détails du caractère et de la mise en scène dans mon esprit et sur papier. En plus de l'esquisse vient ma quête du style, la façon dont j'encris, et d'utiliser la couleur, la ligne et la texture pour créer une image finale. Je pense que le travail d'un illustrateur est de présenter à son public une idée d'une manière amusante et engageante. Pour ce faire, l'illustrateur doit engager l'imagination de son public. L' art fantastique, l'une de mes plus grandes influences, utilise l'inconnu pour attirer notre attention. Une fois là, il se connecte avec nous sur un plan émotionnel. Je pense que cette combinaison d'émotionnalité et d'imagerie surréaliste est ce qui rend l'art fantastique si cool. Mes premières expériences avec cette forme de récit visuel proviennent de couvertures de livres, brochés intéressants que j'ai trouvés dans les coins arrière des bibliothèques, ou dans le compartiment $ de la librairie d'occasion. choses créées par des illustrateurs maîtres qui obtiennent des rabais sont lowbrow, tout simplement parce qu'elles sont attachées à une industrie commerciale du marché de masse, mais il y a tellement à apprendre de l'art du livre que vous n'allez pas nécessairement obtenir d' un cours d'histoire de l'art traditionnel ou d'une visite d'un musée. Qu' est-ce qui fait que ces couvertures fonctionnent et pourquoi les trouver inspirantes ? Eh bien, tout d'abord, chacun d'eux a un but distinct, et c'est de susciter l'imagination. Je pense que c'est une noble poursuite. Ces couvertures de livres nous font demander, quel est cet endroit où regarder ? Qui sont ces personnages ? Quels dangers les attendent ? Comment vont-ils sortir de cette situation vivante ? Chacune de ces compositions a été soigneusement planifiée par un illustrateur pour fournir des indices sur les personnages, les cadres, l'environnement, les aspects culturels de ce monde imaginaire, les espoirs, les rêves et les peurs qui composent les thèmes de cette histoire. En évoquant des questions intéressantes, l'illustration nous conduit dans l'histoire avant même d'ouvrir la couverture du livre. Tous les dessins que je partage ici sont inspirés par des moments narratifs, dont beaucoup se sentent universels, tirés des archétypes et des tropes de l'histoire. Une fois que vous vous sentirez comme un illustrateur, vous serez en mesure de traduire n'importe quel type de moment d'histoire. Pour l'amour de ce cours, nous allons nous concentrer sur un moment d'histoire particulier qui est très commun à la construction du monde fantastique et à la narration. J' appelle ces parties d'une histoire, « Le moment de la découverte ». 4. Moments de découverte (partie 1): Qu' est-ce qu'un moment de découverte ? À première vue, c'est une illustration qui montre un personnage qui rencontre quelque chose, une personne, un lieu ou une chose, qui les sort de leur réalité familière et les place dans une situation fantastique. Maintenant, pour regarder un peu plus profond, un moment de découverte est une rencontre unique dans une vie qui mène un personnage un voyage qui va changer fondamentalement la façon dont le monde les voit et comment ils se voient eux-mêmes. Un moment de découverte est quelque chose pour le meilleur ou le pire, vous ne pouvez pas revenir en arrière. Par exemple, dans la légende du roi Arthur, c'est quand le jeune écuyer Arthur tire l'épée légendaire de la pierre et prend sa place en tant que roi légitime de Grande-Bretagne. Arthur a découvert qu'il n'était pas le gosse loser qu'il croyait être. Il est spécial, et maintenant que tout le monde le sait, il n' y a pas de retour en arrière. Dans le Magicien d'Oz, le moment de la découverte est quand la maison de Dorothy atterrit sur la méchante sorcière de l'Est. Soudain, Dorothy n'est pas qu'une gamine d'Amérique du Midwest, c'est une héroïne. partir de là, un personnage doit maintenant assumer son rôle dans l'histoire dans laquelle il est entré. Un moment de découverte est passionnant car c'est le début d'une aventure. Regardons un peu plus profondément comment les illustrateurs à travers l'histoire, ont créé des moments de découverte et comment leur point historique influence leur symbolisme et leur message artistique. Nous examinerons la façon dont chaque composition guide notre perception de l'image finale. Maintenant, la Renaissance a eu un tel impact sur la narration occidentale. Il est très facile de trouver des illustrations et des images ou des tapisseries dans ce cas qui nous donnent des moments de découverte emblématiques que nous voyons encore et encore dans les récits. The Unicorn is Found est une magnifique tapisserie d'un artiste inconnu ou d'un groupe d'artistes, et c'était la première d'une série de tapisseries narratives des Pays-Bas datant de la fin du XVe siècle. Dans The Unicorn is Found, nous voyons un groupe de nobles chasser le long des bordures de bois de la campagne française quand soudain ils découvrent une licorne légendaire. Trouvons le symbolisme dans cette pièce. Aujourd'hui, l'image a été créée par des artistes qui vivaient avant l'ère de l'exploration et de la découverte scientifique. Pour eux, une grande partie du monde en dehors des murs de leur château était un mystère total et total. Pour de nombreux Européens du XVe siècle, la licorne était un symbole de la nature sauvage. C' était quelque chose intacte par l'humanité. Un être pur et gracieux avec le pouvoir de purifier l'eau empoisonnée et de guérir les malades. L' eau potable était un problème géant au XVe siècle. Cette tapisserie se demande ce que cela signifie de découvrir un symbole d'espoir errant dans la forêt juste à l'extérieur du royaume. Regardons la composition. Pour comprendre les choix de composition faits dans cette tapisserie, il peut être utile de briser la scène. Commençons en arrière-plan à la ligne d'horizon, nous pouvons voir qu'il est très haut sur la page, ce qui nous donne le sentiment que nous regardons vers le bas sur cette scène. L' arrière-plan à gauche, nous avons le château, un indice quant à l'origine de ces personnages. Le château représente leur réalité familière, et ici au premier plan au bas de l'image, nous avons leur découverte, qui dans ce cas est la licorne qui enchante les eaux de la fontaine dans le centre de la tapisserie. On pourrait dire que cette scène a un sentiment très semblable à celui de la scène. C' est très théâtral avec les personnages en ligne face à nous, le public. Ce n'est pas très dynamique et bien qu'il lit clairement, il est très rigide. C' est presque comme si on regardait un tas d'enfants dans leur première pièce. Mais bon, c'était le 15e siècle et les illustrateurs et les créateurs d'images avaient encore beaucoup à apprendre sur la façon d'engager un public avec leur narration visuelle. Ceci est une illustration tirée des pages du roman de Jules Verne, Voyage au Centre de la Terre. Ce moment de découverte nous dit qu'il y a plus dans ce monde que ce que nous pouvons voir. Maintenant, nous avons sauté de l'avant avec cette image jusqu'au milieu des années 1800, et nous constatons que la science a grandi à pas de géologie et de botanique et que les champs scientifiques de découverte comme la géologie et la botanique ont vraiment capturé l'imagination des gens. Nous creusons sous ces murs du royaume et nous voyageons sous la surface pour apprendre les origines de notre monde. Jules Verne était clairement un fan de la science et, dans ce classique de la science-fiction de 1864, il suit le professeur Lidenbrock et ses compagnons alors qu'ils entrent dans le cratère islandais dans l'espoir de découvrir une route vers le centre de la Terre. Nous voyons des personnages lorsqu'ils entrent dans une vaste grotte souterraine et découvrent une forêt de champignons géants. Ce moment de découverte parle de la culture de l'époque à travers son symbolisme. Il montre comment les conteurs de cette époque utilisaient des œuvres de géologie, de botanique et de science pour susciter l'imagination de leur public qui s'interrogerait déjà sur les mêmes sujets et idées. La pertinence culturelle peut rendre beaucoup plus facile d' interagir avec votre public et de l'emmener dans une aventure fantastique. De Neuville était un illustrateur très connu à l'époque, et ses techniques de composition influencent toujours les illustrateurs modernes. Ils étaient beaucoup plus dynamiques que ce que nous avions vu dans les années 1500 et siècles auparavant. Ils sont plus cinématographiques, d'une certaine façon, la ligne d'horizon est beaucoup plus basse dans cette scène, qui permet à l'illustration d'exprimer l'échelle des champignons. Ce monde se sent massif et pour créer un sens du contexte, nous sommes placés derrière les personnages. Nous voyons leurs minuscules silhouettes ici au milieu de l'image. Beaucoup de moments de découverte utilisent un sentiment d'admiration et d'échelle et immensité et de contraste de taille pour nous initier à un monde inconnu. Dans le chapitre suivant, nous examinerons deux autres exemples. 5. Moments de découverte (partie 2): Voici la couverture d'une édition récente du livre pour enfants, « Le Jardin Secret », illustré par Inga Moore en 2008. Mais l'histoire elle-même est beaucoup plus ancienne. « The Secret Garden » a lieu lors de la dernière épidémie de choléra aux États-Unis en 1910. L' histoire fait suite à une jeune fille orpheline nommée Mary, qui a perdu sa famille à cause de la pandémie trop réelle, et à sa descendance pour vivre avec son oncle riche au Manoir Misselthwaite. Dans le sillage de son passé troublé, où tout le monde que Marie sait est mort. Marie devient grossière et aigrette dans son nouveau cadre. Mais une série d'événements magiques l'amène à découvrir un jardin secret. C' est ici que Marie trouve un nouveau but alors qu'elle commence à guérir les plantes à l'intérieur, puis elle-même et ensuite ses amis. The Secret Garden n'est pas une histoire qui dit clairement dans un domaine de la fantaisie ou de la science-fiction, comme les deux autres œuvres que nous avons examinées. Mais le symbolisme des mondes cachés, et les pouvoirs magiques de guérison trouvés dans la nature se présentent ici de la même manière, ce qui rend cette histoire pas trop différente de celle que nous avons regardée. C' est une histoire fantastique dans la façon dont elle offre un peu d' évasion à un moment sombre de l'histoire américaine. Regardons maintenant la composition de l'artiste. J' ai choisi cette version de la couverture du livre parce que l'artiste, Moore, a vraiment capturé le sentiment que vous ressentez en lisant cette histoire pour moi de toute façon. Il y a une joie qui vient de vous imaginer entouré de murs de verdure qui courent à travers ce labyrinthe, l'ombre et le bruit des feuilles au-dessus, et des lits de fleurs colorés lumineux qui vous regardent. Perspective est très utile pour créer de l'art fantastique car elle vous donne un sens de la profondeur, et vous permet d'ajouter plus d'éléments visuels à la scène, et un niveau de détail plus élevé. La façon dont l'illustrateur compose cette scène nous permet de découvrir le jardin avec Marie. Un sens de la profondeur, des détails cachés et des palettes de couleurs contrastées comme le vert, et le rouge que nous voyons ici sont tous des trucs utilisés par l'illustrateur pour construire un monde fantastique. Ce qui les rend fantastiques, c'est ce qu'ils représentent dans l'histoire. Par exemple, l'oiseau rouge vif ici n'est pas seulement un aspect de la nature, c'est le personnage qui conduit Marie à son moment de découverte. Il la présente au jardin. Ces personnages guides, comme cet oiseau ou comme Gandalf dans « Seigneur des Anneaux », sont des tropes d'histoire que nous voyons dans l'art fantastique. Le « Secret Garden » peut être placé dans un monde réel, mais c'est le sens de l'émerveillement est certainement dans le domaine du fantastique. Ceci est une illustration du livre de Shaun Tans, « L'arrivée » de 2006. C' est une histoire d'un immigrant à la recherche d'une vie meilleure pour sa femme et son enfant dans un pays inconnu. On voit un navire arriver dans un port. Cela ressemble à Metropolis d'une dimension parallèle. À partir de cette seule image. Il n'est pas difficile de comprendre que l'histoire de Shaun Tan est une allégorie pour l'expérience d'un immigrant. Il utilise le symbolisme d'une manière vraiment unique en remplaçant le familier par des éléments de construction du monde fantastique qui ont une géométrie très primitive. Nous pouvons comprendre ce que cela doit être d'arriver quelque part pour la première fois. Être fasciné par les animaux aux formes particulières, errant entre des bâtiments étranges et l'architecture, et être confondu par les formes d'un langage inconnu. C' est vraiment une histoire sur la perception culturelle. Pour communiquer avec un public sans utiliser de mots, un Illustrator doit trouver des façons intelligentes de mélanger et de faire correspondre des éléments visuels et des principes. Dans cette illustration, Shaun Tan nous aide à découvrir qu'être quelque part nouveau signifie que vous ne pouvez prendre aucune des choses que vous savez sur le monde pour acquises. Il y a beaucoup à penser dans une composition de Shaun Tan. Il s'inspire clairement des illustrateurs d'aventures fantastiques classiques. Il utilise un sens de l'habileté et des points de vue dramatiques. Mais Shaun Tan apporte aussi un sens graphique très primitif à ses compositions. Il entoure ses personnages humains de géométries non conventionnelles inspirées des artistes abstraits et surréalistes du XXe siècle. Ce moment de découverte est tellement engageant parce que c'est le début d'un voyage, et ce que cela signifie de trouver un endroit où vous ne semblez pas s'adapter. Dans chacun de ces quatre exemples, nous voyons des personnages dont les croyances sont contestées par des événements magiques. L' histoire qui va se produire va montrer comment ils changent et grandissent. Le moment de la découverte est le premier regard sur cette histoire en cours. Maintenant, j'aimerais que vous fassiez une liste de vos moments de découverte préférés à partir des histoires mémorables de votre vie. Une fois que vous avez votre liste, pensez aux images du livre ou du film, ou à la cinématique du jeu vidéo qui représente ce moment de découverte. Derrière cette image se trouve un artiste ou un groupe d' artistes qui ont été chargés de visualiser cette scène. Chacune de ces images utilise des éléments et des principes de composition pour influencer la perception du public et communiquer une idée. Il n'y a que quelques principes visuels qui peuvent nous aider à atteindre cet effet dans notre propre travail. Sortons nos outils de dessin et explorons l'inexploré. 6. Faire une ébauche avec Adobe Fresco: Ce chapitre est une introduction rapide aux outils dont vous aurez besoin dans Adobe Fresco pour esquisser avec moi. Si vous utilisez un autre programme de dessin, comme Photoshop ou Procreate, restez de toute façon, la plupart de ces conseils peuvent être appliqués aux trois. Je vais commencer par cliquer sur le bouton Accueil dans le coin supérieur gauche et configurer un nouveau document. Je vais cliquer sur la toile de dessin originale, qui est 3600 pixels par 3600 pixels. Quand je fais un croquis juste pour le plaisir ou pour un cours, je travaille souvent dans un format carré. La seule raison en est qu'il est facile de partager sur les réseaux sociaux, et parfois un paysage ou un portrait influence vraiment ma composition d'une manière que je n'aime pas vraiment. Je vais le garder carré. Trente six cents pixels sur 3600 est une bonne résolution si vous prévoyez un jour d'imprimer cette image, cela signifie que vous pouvez l'imprimer, et elle sera belle et nette jusqu'à 11 pouces sur 11 pouces. Plus petit que cela, vous pouvez toujours obtenir une impression décente. Mais si vous la réduisez trop, votre image va être pixélisée et ensuite elle est coincée sous forme numérique pour le reste de sa vie, ce qui peut être triste. Donc 3600 par 3600 fonctionne bien pour moi. Je suis à Fresco maintenant. J' ai cette belle option ici pour ajuster mon point de vue. Je vais zoomer juste pour qu'on puisse voir toute la page. Je vais juste passer en revue quelques outils de base que j'aurai besoin d'esquisser. Sur le côté droit, nous avons le menu Calques. Le calque blanc est l'arrière-plan, et je vais dessiner sur le calque damier. Checkerboard représente une transparence. Je ne dessine jamais directement sur l'arrière-plan, car alors ma ligne de travail et d'esquisse et tout est fixé sur le papier d'arrière-plan, ce qui signifie que je ne peux pas le déplacer sur la page. Souvent, quand je dessine, j'aime prendre les éléments que j'ai dessinés et les déplacer, mettre de petites notes dans le coin, et si je dessine sur l'arrière-plan, je ne peux pas le faire. Je travaille toujours sur un calque transparent. Sur le côté gauche, je vais cliquer sur les pinceaux de pixels, et vous avez toutes sortes d'options ici, pour l'instant, tout ce que nous devons savoir est l'esquisse. On a un crayon et un stylo. Je vais utiliser un crayon. À côté de cela, vous voyez cette petite étoile, qui vous permet de mettre l'outil actuel dans votre section préférée. Maintenant, quand je vais aux pinceaux de pixels, c'est juste là et je peux sélectionner l'outil plus facilement. Maintenant, passons ici aux paramètres. C' est cette petite boîte grise. Tout d'abord, parlons de la taille de la brosse. Vous remarquerez que je l'ai mis à 40, ce qui me donne une ligne qui ressemble à ça. C' est le côté, et c'est le but. Vous voyez. C'est un paramètre pour un pinceau qui est beaucoup plus grand que la valeur par défaut. Peut-être que la valeur par défaut est plus comme un 10. En fait, c'est beaucoup plus gros qu'avec le crayon à moins que vous ayez un crayon vraiment terne avec lequel vous travailliez. Quand je fais des esquisses, j'aime avoir la possibilité de remplir des formes très rapidement et d'avoir une idée de la relation entre l'espace positif et négatif. C' est quelque chose que vous ne pouvez pas vraiment faire quand votre dessin à la main libre. Alors profitez-en si vous travaillez numériquement. Si j'ai un petit crayon maigre, disons que c'est ma page et que je veux expérimenter avec une forme de grand triangle. Peut-être qu'il représente un ancien temple extraterrestre. Je peux obtenir le contour, mais je ne peux pas facilement et rapidement le remplir sans créer comme une grande texture massive, ce qui est super distrayant de toute façon. Alors donne-lui un coup de feu. Réglez votre crayon à quelque chose comme 40, et voyez si vous aimez avoir autant de variété dans votre ligne. Si vous n'êtes pas confiant avec l'utilisation d'un crayon, abaisse probablement mieux pour vous. Mais je peux avoir beaucoup d'effets différents en déplaçant ma main de petites façons. dessous de cela, nous avons juste le réglage du flux. Si votre flux est vraiment faible, votre crayon va être léger. C' est très bien. On esquisse un crayon léger peut être bon. Mais faisons une autre couche ici. Si vous réglez votre débit jusqu'au bout, vous avez le potentiel d'appuyer vers le bas et d'obtenir une ligne vraiment dure. Disons que vous dessinez comme un petit visage extraterrestre et que vous travaillez sur les détails ici. Vous vous réglez sur certains éléments que vous aimez vraiment et vous voulez simplement les définir un peu plus. Si vous avez votre flux réglé tout le chemin, vous pouvez maintenant appuyer plus fort et faire apparaître certaines de ces lignes et avoir une idée de ce que cela pourrait ressembler à son étape finale d'encre sans passer à un autre outil. Si vous avez votre flux plus bas, vous ne pouvez pas obtenir ces lignes sombres dures. Encore une fois, le flux vous donne juste plus de variété avec l'outil actuel avec lequel vous travaillez. Je vais y retourner pour le mettre haut. dessous, vous avez le lissage. Maintenant, regardons les extrêmes. Si vous lissez tout cela, vous avez une chance très naturelle en ligne qui reflète votre geste réel. C' est probablement un peu grumeleux en cours de route. Mais si vous avez votre jeu de lissage tout le long, l'ordinateur prend le contrôle et rend votre ligne un peu plus élégant. Le problème avec cela cependant, est que la ligne commence à glisser. Vous remarquerez, que personnellement je trouve extrêmement distrayant quand je suis juste en train de dessiner et d'essayer de trouver des idées. Je ne veux pas essayer de trouver une pensée et avoir ma ligne traînée et devoir attendre qu'elle se rattrape. Ce n'est qu'une fraction de seconde, mais ce temps s'additionne vraiment. Si vous essayez d'élaborer un concept comme combien de temps il m'a fallu pour dessiner quelque chose comme des étoiles dans le ciel. Si vous lissez est loin, je peux faire ce genre de chose beaucoup plus vite. Plus vite vous pouvez obtenir une idée de votre tête et sur papier, mieux ce sera à ce stade. Si vous voulez un peu de contrôle de l'ordinateur, peut-être définissez que vous lissez à 30 pour cent afin que vous puissiez obtenir des lignes plus propres et plus longues si c'est comme ça que vous aimez travailler, mais je ne recommande pas de le configurer trop loin. Ça va ralentir votre processus. Ensuite, nous avons les réglages du pinceau. Je ne vais pas vraiment changer tout ça. Les seuls paramètres que j'ai vraiment modifiés sont ma taille, mon flux et mon lissage. Le seul autre outil que je pourrais utiliser à ce stade de l'esquisse est mon outil de transformation. Encore une fois, dessiner sur un calque vide lorsque je prends mon outil de transformation, un outil commun dans n'importe quel programme de dessin. Maintenant, je peux déplacer ces éléments indépendamment et les retourner et les faire pivoter comme j'en ai besoin. J' aime profiter des calques même lorsque je fais esquisses et juste jeter des petites pensées dans un coin et juste faire un nouveau calque et créer des formes et des formes. Ensuite, je les jette juste autour, voir comment ils fonctionnent avec d'autres éléments. Rarement je fusionne des calques ou même les supprime. Je garde tout autour au cas où j'en aurais besoin. Profitez donc de vos couches, utilisez votre outil de transformation et obtenez votre crayon où vous le souhaitez. Maintenant, nous allons commencer à esquisser pour notre projet final. 7. Esquisse : explorer la perception: Récapitulons rapidement notre définition d'un moment de découverte. Il y a ce que nous montrons au public, un personnage qui rencontre une personne, lieu ou une chose qui les conduit d'une réalité familière à un tour du fantasme. Mais il y a aussi ce que nous savons de l'histoire. Un personnage sur un voyage unique dans sa vie, faisant une rencontre qui changera la façon dont le monde les voit et comment ils se voient eux-mêmes. Si vous pouvez mener avec un concept fort, votre image finale n'aura pas à faire autant de levage lourd. Le message se connectera même si vous n'avez pas beaucoup de compétences fantaisistes en tant qu'illustrateur. Mais pour susciter l'imagination et évoquer des questions avec votre moment de découverte, vous devez comprendre une chose importante sur la perception humaine : nous sommes toujours à la recherche d'un sens dans un dessin. Nous prenons les formes, les formes, les couleurs et les textures dans un espace défini et nous arrivons à un tout unifié dans notre esprit. C' est la raison pour laquelle nous voyons des visages dans des points et des tirets aléatoires. Nous préférons les réponses dans nos images. Nous ne pouvons nous empêcher de voir le tout unifié même dans la composition la plus simple. C' est la lettre A. Personne ne regarde ça et voit trois triangles et un trapèze. Maintenant, cette théorie sur la façon dont nous percevons un tout unifié dans un dessin est connu comme le principe de la Gestalt. En fait, c'est six principes différents. Il y a la continuation, la fermeture, la similitude, proximité, la symétrie et la relation au sol de la figure. Tous ces principes témoignent de notre recherche de sens dans les images que nous voyons. Nous sommes prêts à suivre une ligne incurvée autour d'une page parce que nous voulons comprendre son chemin et sa résolution, où il était et où il a fini. Nous recherchons des motifs dans un dessin et nous comblons les lacunes et les informations avec notre imagination si une image se sent incomplète. En fait, c'est un peu fou que notre imagination soit prête à faire tout ce travail. C' est pourquoi la pression est vraiment de l'illustrateur si vous savez comment exploiter ces principes et en fait, je pense vraiment que les principes de la Gestalt sont un excellent outil pour raconter des histoires fantastiques. Examinons chacun d'eux. Apprenez-en un peu sur leur fonctionnement et esquissez quelques moments de découverte en cours de route. Espérons que d'ici la fin de cet exercice, nous aurons tous un tas d' esquisses conceptuelles du moment de la découverte et une qui sera assez bonne pour devenir une illustration finale. 8. Esquisse : développer des concepts (partie 1): Le premier principe avec lequel je veux jouer est la similitude. C' est facile à comprendre. La similarité est la façon dont nous percevons les éléments comme faisant partie d'un groupe. Par exemple, une série de personnes triangulaires se sentent unifiées par leur forme. Ils pourraient être littéralement une famille. Vous pouvez impliquer une similitude en utilisant la forme. Vous pouvez le faire avec la taille, donc il y a des enfants et voici deux parents. Ensuite, bien sûr, vous pouvez le faire avec de la couleur. Frère et soeur, partenaire. Ces deux-là sont amoureux. Vous pouvez créer des similitudes au sein d'un groupe de tous les types de niveaux de complexité. Allons un peu plus loin et disons, eh bien maintenant ce qui se passe quand on place une anomalie dans le groupe. Triangle, triangle. En fait, nous avons toute une colonie de triangles et soudain un cercle arrive. Maintenant, tu as une histoire. Beaucoup d'artistes fantastiques enracinés dans des idées comme un artefact légendaire, un être unique, une créature mythique, un événement singulier qui interrompt le modèle de la vie normale. La présence unique crée un sentiment d'attente. C' est probablement le protagoniste que nous suivons, mais cette chose singulière est-elle une bonne chose pour le système ou est-ce une mauvaise chose pour le système ? fantaisie et la science-fiction aiment cet étranger dans un étrange trope terrestre. C' est une façon d'explorer les relations avec l'espoir et la peur. Par exemple, nous pouvons aller encore plus loin avec cela. On peut esquisser un humain émotionnel qui vient d'arriver dans un monde de télépathes sans émotions. Ondes cérébrales. Ce caractère est l'anomalie dans le système. C' est le moment de la découverte pour les deux groupes et à partir de là, nous pouvons spéculer sur ce qui pourrait se passer ensuite. Cette fois-ci nous permet de regarder la proximité. La proximité suit la similitude et qu'elle rend les choses liées. Cela se produit lorsque vous placez des éléments de toute nature à proximité les uns des autres. Alors que la similarité se concentre sur les objets eux-mêmes, la proximité concerne les limites. L' intention derrière l'arrangement des choses. La proximité implique une force extérieure. Ces formes semblent être sous domination militaire. Par conséquent, la proximité implique une force de pouvoir. Voici un peu d'eau à proximité des rives invisibles de la rivière. Puisque nous parlons d'art fantastique, regardons la proximité comme une force surnaturelle. Voici, disons deux magiciens. Disons maintenant que le magicien numéro deux a plus de puissance que le magicien un. Permet d'utiliser la proximité pour montrer leur contrôle de leurs talents magiques. magicien numéro un flotte un tas de formes autour de l'espace, mais ils n'ont aucune relation les uns avec les autres, donc il ne semble pas avoir le contrôle de ses talents. Mais magicien numéro deux, si nous prenons le même type de formes aléatoires et nous planifions les choses un peu plus soigneusement, permet de nettoyer certaines choses le long des bords ici. Parfois, enlever est tout aussi important que d'ajouter. Maintenant le magicien numéro deux a un contrôle clair sur ses pouvoirs, où le magicien numéro un ne le fait pas. Je suppose que le magicien numéro deux est l'élu et il doit combattre le méchant Roi Lézard qui a pris le contrôle du monde des sorciers. Bonne chance magicien numéro deux. Nous voyons ici que la proximité peut être dictée par des personnages. On peut même l'utiliser pour montrer des relations émotionnelles. Disons que nous avons un grand dragon cool, qui semble terrifiant et mortel. Quelqu' un peut-il contrôler cette bête ? Ajoute un autre calque, et dessine une jeune fille. Prenons notre outil de transformation et la déplacer. Si elle est ici, elle n'a pas vraiment de proximité avec la bête, elle est debout seule, face à elle, la regarde. Mais si on la met en face de la créature comme ça, maintenant ils semblent avoir une relation, et on peut jouer avec ça. Si elle est debout sur la tête, ils ont une relation ludique. Si elle se tient ici devant la créature, est clair que le monstre ne va pas l'attaquer et cela évoque la question : comment ces deux-là se connaissent ? Pourquoi le monstre n'est-il pas violent pour elle ? A-t-elle un lien télépathique ? Qui sait ? Ondes cérébrales, ondes cérébrales. Proximité. Dans le chapitre suivant, nous examinerons la symétrie, la continuation et la fermeture. 9. Esquisse : Développer des concepts (Partie 2): Regardons la symétrie ensuite. La symétrie se produit lorsqu'une forme est reflétée dans une autre partie de la composition. La chose évidente est ici, un papillon est symétrique. La symétrie est quelque chose qui nous attire. Mais il ne s'agit pas seulement d'être belle. C' est plus que ça. Il s'agit de l'attrait et de sa relation avec notre sens de la vision. La symétrie peut se sentir paisible, elle peut se sentir naturelle, elle peut se sentir élégante et elle peut se sentir puissante. J' ai toujours aimé ce poème de William Blake, le Tyger Tyger, qui brûle un brillant. Fondamentalement, il est dit que comment quelque chose de si beau et si symétrique peut nous attirer seulement pour nous menacer ? C' est ce que je veux dire par symétrie, c'est plus que la beauté. C' est attrayant, et l'appel peut aussi être un leurre dangereux. La symétrie implique qu'il y a deux côtés à quelque chose, et les deux sont nécessaires pour voir l'ensemble. La symétrie peut être réflexive comme ça, réfléchie sur une ligne, mais elle peut aussi être radiale. Cela signifie qu'il pivote autour d'une forme circulaire. La symétrie radiale ouvre les choses parce que les deux formes se sentent unifiées et quelque peu réfléchissantes. Mais il y a aussi plus à la relation. Ils sont liés ensemble. Ils ont un sens du mouvement et nous pouvons voir un aspect de l'ordre et du chaos en jeu. Si nous voulons raconter une histoire avec symétrie, créons, disons de l'eau, une surface réfléchissante. C' est notre ligne de symétrie. Disons qu'une jeune femme s'approche de l'étang magique, puis qu'elle voit un reflet d'elle-même. Maintenant, nous avons un moment de découverte. Nous avons posé une question à ce personnage. Vous avez beaucoup vu le mauvais trope jumeau dans le travail de fantaisie. C' est très stimulant parce que vous devez vous imaginer être connecté à quelque chose, être attiré par quelque chose de familier, même si vous savez que c'est un problème. continuation se produit lorsque l'œil est obligé de se déplacer à travers un objet et de continuer vers un autre. Disons qu'on a une planète désertique sans vie, et qu'on a un explorateur en voyage. Votre œil suit le sol et se déplace ensuite dans le personnage. Le principe de la continuation est si fort. Nous pouvons briser le flot du passé et être toujours assurés que le spectateur peut suivre l'histoire. Couperons ce morceau. C' est des flèches et des falaises rocheuses au paysage. Nous sommes toujours en mesure de suivre le chemin du personnage sans y réfléchir trop fort. La continuation peut présenter un sens du mouvement et un passage du temps dans une image fixe. La longueur d'une ligne détermine la longueur et la durée du trajet. Plus la ligne est longue, plus le temps passe. Notre oeil cherche un début et une fin à une idée. Mais dans l'art fantastique, nous pouvons jouer avec les attentes et utiliser ce principe pour attraper le spectateur dans une boucle, les faisant remettre en question les règles de la réalité, l'espace, du temps, de la physique, tout ce dont vous voulez parler. Surprise, je suis un grand fan de M.C. Escher, et il est tout au sujet de jouer avec nos attentes de continuation, et c'est ce qui rend son art si cool. La fermeture est une variante sur la continuation. Il demande au spectateur de suivre non seulement un chemin visuel, mais d'utiliser tous les indices fournis pour arriver à une conclusion essentiellement autodéterminée. Voilà un trou. Vous pouvez évoquer le besoin de fermeture d'un spectateur en dessinant une partie de quelque chose qui implique un trou, comme un bras. Ce peu de détail demande au public d' utiliser son imagination pour compléter un concept incomplet. Voilà le truc. Evoquer l'imagination d'un spectateur est la compétence la plus puissante qu'un illustrateur puisse développer. Mais ce n'est pas facile de bien le faire. Vous devez présenter un cas convaincant pour que le public prenne la peine de suivre votre idée. Ce bras n'est pas très convaincant. Utiliser un sentiment de peur pourrait être beaucoup plus convaincant. En fait, c'est le meilleur moyen d'attirer l'attention de quelqu'un. Et si on utilise un grand monstre effrayant tyrannique, dégoulinant avec d'autres boues sauvages ? La chose de l'au-delà est un trope de fantaisie et d' horreur populaire utilisé pour attirer l'imagination d'un public vers des lieux au-delà de la compréhension. Pour être franc, des endroits au-delà desquels l'illustrateur pourrait même aller seul. abstraction est une autre façon d'évoquer la fermeture. Moins tu dis, mieux c'est. Une silhouette peut avoir plus d'impact qu' une image entièrement rendue simplement à cause de ce qu'elle ne montre pas et nos esprits doivent combler les lacunes. C' est la fermeture. Retenir de l'information et poser des questions est comment un illustrateur joue avec une perception du spectateur. Revenons maintenant à travers nos croquis, voyons ceux qui conviennent vraiment au concept du moment de la découverte, et choisissez-en un pour notre projet final. 10. Du concept à la composition: Une bonne composition devrait lire à distance. Alors que je suis en train de les parcourir et de décider lequel choisir, je vais penser à quelques choses. abord, je veux que mon récit pour mon moment de découverte soit plus axé sur le caractère. Je me connecte plus avec le Jardin Secret, type d'histoire que je ne le fais avec un voyage au centre de la Terre, qui est plus sur la science et la théorie et le sens de l' émerveillement de l'époque où un jardin secret est beaucoup sur les personnages et leurs expériences. Celui-ci lit très bien seul. C' est assez simple. Vous pouvez presque obtenir le message sans aucun texte ou moi expliquant ce que c'est. Cet équilibre entre le bien et le mal, quelque chose que vous voyez et l'art fantastique, choses comme Star Wars, vous voyez beaucoup le conflit du bien et du mal. Mais il y a beaucoup de choses que vous pouvez faire avec les types de caractères que vous utilisez pour montrer cette relation d'équilibre en contraste. Revenons dans la fresque et commençons un nouveau document, 3600 par 3600. Nous allons zoomer un peu ici, je vais prendre mon crayon à croquis et je vais le réduire juste pour le toucher. Sur chaque couche, je vais exposer quelques-unes des bases de la composition. La première est cette idée de l'étang. Remplissons-le pour que ce soit une forme. Je ne vais pas faire un cercle parfait, je veux qu'il se sente un peu organique. Ajoutons un autre calque, et ici je vais mettre mon personnage principal. Pour une raison quelconque, la première chose qui vient à l'esprit avec ceci est que le personnage avait l'air enfantin. Alors allons avec un petit enfant, et la seule façon dont j'ai vraiment besoin de distinguer cela en ce moment est avec les proportions du corps, surtout si vous avez un dessin animé dans le style comme moi. Quand vous dessinez un enfant, habituellement leur tête est un peu plus grande. C' est le seul facteur déterminant, et ils vont s'agenouiller. Il y a les orteils donc, voici les jambes qui se plient derrière eux, et je vais poser leurs bras sur le sol comme ça, voici quelques cheveux. Je vais leur donner une silhouette distinctive. Je vais étudier les détails de ce personnage un peu plus tard, mais je veux que certains aspects d'eux se sentent uniques. Donc, quand je réfléchis le caractère dans l'étang, je peux créer une variation plus sinistre à la recherche sur ce sujet. Donc, dans l'art de la bande dessinée, formes habituellement comme la forme classique de Mickey Mouse sont douces et amicales. Alors qu'une forme triangulaire semble un peu plus agressive. C' est ta forme de héros, c'est ta forme de méchant si tu veux être complètement simple avec elle. Donc, si c'est le caractère de l'ordre et alors l'eau est le caractère chaotique. Ce personnage va avoir les bords logiciels à sa conception. Remarquez encore, il ne s'agit pas d'obtenir la bonne anatomie. Il s'agit d'utiliser les bonnes formes pour le projet. Notez que j'ai accidentellement dessiné une partie de ce personnage sur ce calque, vous devez être prudent avec vos calques parce que je perds un peu de ce détail. Donc je vais juste effacer une partie de tout ça. La chose cool avec la fresque est que vous obtenez ce petit bouton de raccourci qui change votre brosse en une gomme. Je vais dupliquer cette couche, puis je vais utiliser mon outil de transformation ici, et je vais mettre ce personnage et l'eau. Voici où vous pouvez vraiment voir l'avantage de placer des éléments sur différentes couches. Je vais continuer à déplacer ces choses jusqu'à ce que la composition se sente bien. Permettez-moi d'abord d'ajouter dans mon arrière-plan. J' ai un petit enfant, quel serait un bon cadre pour un enfant ? Ça pourrait être dans leur chambre, mais je suppose que tu n'aurais pas d'étang dans ta chambre, donc ils sont dehors pour sûr. Ils pourraient être à l'école, peut-être que c'est une pause dans ces filles sur le terrain de jeu, et l'idée est qu'elle a marché jusqu'au bord de l'aire de jeux, a vu cet étang, peut-être qu'elle se sent isolée de ses pairs. Donc elle erre seule, elle voit l'étang, et dans l'étang est un reflet d'elle-même et elle se rend compte que c'est une version alternative. Ensuite, nous avons un aperçu de ce à quoi ressemble ce monde. Derrière elle, je vais mettre le terrain de jeu. Je suppose que la bonne chose à propos d'une aire de jeux, c'est qu'il se sent un peu poussé par la conception du monde fantastique. Vous avez ces petites tours et il y a un toboggan, une corde, une échelle. La conception d'une aire de jeux se prête à la narration parce que c'est un endroit pour les enfants pour exercer leur imagination, fonctionne parfaitement. Je vais laisser ça rester là, et maintenant je vais passer à ces éléments autour comme si leurs accessoires et personnages sur scène. Donc je veux que mes antécédents soient assis ici, ma ligne d'horizon est basse. J' aime chevaucher les éléments visuels, mais je vais centrer un peu plus ce personnage. Peut-être la mettre à l'échelle juste un peu pour qu'elle soit plus présente dans la composition. Clonons ceci et retournez-le, et les touristes laissent tomber ça en arrière-plan. Je vais alléger ce calque, je vais ouvrir ceci, qui sont les propriétés du calque, alléger un peu, et je vais juste fusionner tous ces éléments ensemble. Maintenant, je ne peux pas trop y penser. 11. Esquisser les détails: Maintenant, vous pourriez être heureux avec votre version de l'esquisse. Pour moi, je fais un croquis sur le croquis, juste pour desserrer le tout un peu. Alors maintenant, je vais développer la personnalité de ces personnages un peu plus loin pour trouver une partie du paysage et du cadre. Je vais réduire mon pinceau juste un peu et peut-être changer le lissage juste un peu. Je veux pointer le visage de ce personnage vers l'autre personnage et pour ce faire, il faut vraiment commencer par le nez du personnage. On donnera peut-être à ce personnage une paire de lunettes pour les aider à définir leurs yeux. Soulignons ceux-ci un peu. Ils semblent être sa définition du commerce visuel à ce stade comme un personnage. Il n'a pas beaucoup de personnalité. C' est peut-être une gamine de première ou de deuxième année, une solitaire. Il a une grande imagination. Je veux qu'elle ait l'air de s'appuyer un peu sur l'eau. Donc je vais repousser le corps, mettre les bras en avant comme ça et je vais juste effacer quelques petites lignes errantes. J' ai donc une idée de ce qui se chevauche, où. La chose cool à propos du dessin animé est qu'il est vraiment facile de rendre les personnages très expressifs. Alors profitez-en de ça. Donc il y a ce qui précède, la fille de l'eau. Ajoutons à nouveau un autre calque pour l'arrière-plan. Travaillons le personnage secondaire avant de passer dans le réglage. Je vais retourner tout ça. Ce personnage va ressembler à ce personnage, mais être un peu plus pointu et plus agressif. Alors peut-être qu'on va commencer par le nez pointu. Elle a un sourire menaçant, peut-être des dents de vampire. Il suffit de couper la même coiffure à peu près. Peut-être que ça montre juste un peu, un genre de démon elfique. Ce personnage, peut-être qu'il a un peu plus d'agence dans leur monde. Alors peut-être que leur tenue se sent un peu plus formelle. Comme si elles pouvaient être royales sur leur terre. Peut-être qu'ils sont en charge de quelque chose et ça fait partie du tirage au sort de ce personnage. Éteignons ce calque et jetons un coup d'oeil à ces personnages. Je pense que c'est un assez bon contraste. Ils ont tous les deux une sensation d'amabilité pour les enfants, ce qui est un style que j'aime, mais vous pouvez voir la différence en eux. Le terrain de jeu réel devrait se sentir plus doux et plus convivial et alors cette réalité alternative sombre pourrait être plus inspirer château comme plus rocheux. Voici notre élément de fond. On peut dire que c'est le milieu du sol et que le vrai premier plan sera cette ligne de l'eau. Eh bien, voyons voir ici. Définissons le bord des banques. Peut-être qu'ici on voit des rochers et de l'herbe piquer. Comme je le disais avec l'illustration secrète de dessin, partie de la loi de cette composition est la façon dont elle utilise une perspective unique pour vous amener dans la même chose. Une grande partie de cette histoire est de se plonger dans le jardin. Ainsi, vous pouvez ajouter des éléments visuels pour vous attirer dans la composition. Une grande partie de l'art fantastique auquel je faisais référence plus tôt fait ça, la ligne dans laquelle dans la couverture de la garde-robe avec la perspective d'un point, certaines des couvertures du livre tôt, je vous montrais comment les personnages au premier plan, et ils vous poussent dans le design avec certains comme de petits éléments visuels. Je pourrais même ajouter des ondulations à l'eau. Peut-être qu'ils se croisent avec ce personnage pour qu'on n'ait pas une lecture complète sur eux. Ils sont dans une réalité alternative que nous n'avons pas encore tout à fait entamée. C' est juste le moment de la découverte. Maintenant, la bonne chose ici encore est que j'ai ces choses sur différentes couches, donc je peux déplacer ce personnage juste un peu vers le bas. Je la veux vraiment sur les rives de la rivière et je vais pousser ce personnage aussi. Rétrécir un peu. Quand je passe à ma phase de coloration et d'encrage, je peux créer des effets visuels qui font que cela ressemble à un reflet et que cela ressemble au monde réel. Donc, c'est tout pour l'étape de l'esquisse. Passons à l'œuvre finale. 12. Encrer avec Fresco: Parlons des types de pinceaux que nous avons à notre disposition ici à Fresco.Vous avez probablement quelque chose de similaire dans votre programme de dessin si vous utilisez quelque chose de différent. Je vais commencer par ajuster l'Opacité de ce calque, en le ramenant à environ 30 pour cent. Je vais faire de l'encre avec du noir. Si mon croquis est aussi noir, il sera difficile de distinguer les lignes. Je vais faire une nouvelle couche pour m'entraîner. Sautons sur le visage de ce personnage et essayons nos options de pinceau. Les pinceaux Pixel ont toutes sortes d'outils d'encrage. Je vais m'en tenir au stylo Belgian Comics, qui simule un stylo à plume traditionnel. Quelque chose qui est très populaire dans l'art traditionnel de la main et de la bande dessinée. La chose cool à propos de fresque est qu'il est vraiment bon simuler les outils traditionnels de dessin à la main libres. Vous avez donc des options d'encre géniales. Je vais frapper la petite star là-bas et maintenant j'ai mon stylo Belgian Comics dans mes favoris. Je garde l'encre noire, je garde la taille de ma brosse à environ 30, et je mets le lissage à environ 20. Donc, il y a un peu de contrôle. n'y a pas de friction dans la façon dont il y a frottement du papier lorsque vous dessinez traditionnellement. J' ai besoin d'un peu de lissage. Sinon, mon stylo se déplace plus vite que prévu tant que quelqu'un qui est tellement habitué à dessiner traditionnellement. Avec un peu de lissage, j'ai plus de contrôle. Si je mets ça jusqu'au bout, c'est juste un peu trop dispersé. Donc juste un peu de lissage aide. Avec le pinceau pixel, vous obtenez un bel effet d'encrage traditionnel. Si vous avez encré avec des plumes avant qu'elles aient un point métallique sorte que vous les déplacez à travers le papier, elles coupent la pâte du papier de celui-ci. Ce qui donne même une ligne propre un peu de grille sur les bords que l'encre s'efface. Cet outil d'encrage simule cela. J' aime bien cette plume. Il y a un peu d'humanité dedans, il est lâche, il y a beaucoup de texture. Si vous avez un bon contrôle de la main ou si vous aimez un look bâclé, cette plume, le pinceau Belgian Comics, va travailler pour vous. Mais si vous voulez un effet plus propre, vous pouvez soit augmenter le lissage. Mais encore une fois, vous avez toujours ce bruit de pixel. Essayons les pinceaux vectoriels, qui sont quelques outils ici. Je vais réduire cela un peu parce que cette ligne a un effet totalement différent. Il s'agit d'une illustration d'outil vectoriel. Ça ne fait pas de pixel art. Il fait une ligne basée sur un algorithme. L' avantage de cela est que vous pouvez l'adapter à l'infini. Peu importe la distance où je zoome, l'encre conserve son effet net. En fait, vérifiez. Lorsque je zoom avant sur les pixels, vous pouvez voir la grille du pixel ici. Je peux dessiner en un seul pixel avec cet outil vectoriel. Si vous aimez le détail et que vous aimez le travail de ligne de pointe d'aiguille propre et lisse, c'est l'outil pour vous. J' aime cet effet. Mais pour ce projet, je veux garder les choses un peu plus lâches. Je veux qu'il ressemble à une illustration de main libre plus traditionnelle. Je ne veux pas autant de contrôle sur la ligne. C'est beau. 13. Encrer les personnages: Je vais revenir à mon pinceau belge et je vais commencer à écrire mes personnages. Je vais commencer par le protagoniste de mon histoire, cette jeune femme. Parce que je suis si confiant dans la composition de mon croquis. Penser libère vraiment ma prise de décision. Je peux juste aller ici et m'amuser à travailler avec style. J' ai un peu incliné mon dessin, donc je peux avoir une belle courbure dans ma ligne, et je vais travailler assez rapidement parce que l'encrage semble mieux quand il est lâche. A moins que je ne le fasse sauter sur une ligne, je ne vais pas redessiner. Lorsque vous dessinez simplement les cheveux est quand sont vos occasions de vraiment définir un personnage, et leur personnalité à travers juste un visuel. J' ai donc passé un peu de temps à travailler sur les détails des cheveux. Dans ce cas, c'est très important parce qu'il représente une partie de sa silhouette contre laquelle je veux jouer dans la version maléfique et chaotique de son personnage. Je vais lui donner des manches courtes. Elle est sur une aire de jeux. Je voulais avoir un regard plus décontracté sur elle. Quelque chose que je peux aussi jouer contre dans l'autre personnage. Ça l'a même mis dans un short d'été. On y va. Voilà notre personnage principal. Créez notre antagoniste. Alors que ce personnage est rond et plus doux, ce personnage va être un peu plus pointu. Doit avoir ses aspects reflétés, aura juste un peu de variation qui ajoute une certaine richesse à l'histoire. Donc tout de suite et on va faire un nez plus pointu. Encore une fois, pointé se sent plus méchant et dangereux. Ses yeux semblent heureux, mais ils ont aussi un peu de points pour eux aussi. Je vais en fait laisser les dents et lui donner un sourire sournois si elle a des dents de vampire. Nous ne les connaissons pas encore. Maintenant, les bras, ce personnage n'est pas à manches courtes. Peut-être qu'elle est une jeune princesse ou même une jeune reine du château. On a l'impression qu'elle a plus d'un costume formel. On y va. Nous avons deux versions opposées du même personnage. 14. Encrer le décor: Sautons aux éléments de fond. Je vais retourner ça et commencer par le terrain de jeu. Je ne veux pas ajouter trop de détails aux éléments d'arrière-plan. Le détail attire l'attention. Les personnages principaux devraient garder notre attention. C' est juste une saveur supplémentaire pour l'histoire. Je vais garder la ligne assez simple, comme pour le toit, je vais juste faire quelques petits pétoncles. Je vais juste établir le cadre de base. Le terrain de jeu est très géométrique. Espérons qu'il a juste assez de détails pour vous faire savoir ce que c'est sans attirer trop d'attention. D' accord ? Maintenant, pour le château ici, il va avoir le type d'effet inverse. La silhouette va être similaire comme la balançoire se reflète dans le volcan. L' élément principal de la diapositive est le château, mais le travail de ligne est juste un peu plus menaçant. Presque comme une créature. La fumée du volcan est un effet atmosphérique. Je ne vais pas l'encre, je vais le laisser pour les étapes de coloriage et mon chapitre d'effets fantastiques pour vous montrer un peu plus des options d'outil cool que nous avons avec ce programme. Je vois une occasion de créer un visage ici et bien sûr, nous voulons toujours gâcher la perception des téléspectateurs. Faisons-le. Ce genre de crâne gris du château se passe. Nous avons les personnages principaux, les éléments d'arrière-plan, et maintenant nous allons travailler au premier plan ici. Encore une fois, ces éléments servent un but dans la composition. Les herbes et les rochers sont conçus pour encadrer le personnage et nous conduire dans cette scène. la même façon, l'illustration du jardin secret nous a attiré avec une sorte de point de vue unique. Ces éléments visuels vont nous pousser dans le design. Ajoutez-les à un nouveau calque. Commencez par apporter certaines de ces roches. Des roches sont dispersées autour du rivage. Maintenant, ici, il y a une opportunité de créer trop de tension. Comme si nous faisons trop de travail de ligne ici qui attire l'œil directement à ces intersections de ligne. Ce n'est pas bon. Nous voulons que l'attention reste sur le visage du personnage et nous ne voulons pas entraver cette connexion. Maintenant, faisons un peu avec l'herbe. Je pourrais écrire tous ces éléments individuellement, mais encore une fois, cela pourrait être trop de détails. Donc, je vais juste faire plus d'un plan. Il est des morceaux d'herbe vont nous montrer le bord de l'eau. Il nous faut juste un peu, mais encore une fois, on ne veut pas trop se croiser ici. D' accord, je suis plutôt content de ça. C' est notre art de ligne de base, pas beaucoup de contraste ici mais en dehors des yeux. Dans la phase de coloration, je vais réfléchir à la façon dont je peux pousser l'histoire vers l'avant, montrer les similitudes et les types de personnalité opposés, après cela créerait des effets visuels dans l'eau, séparant le monde fantastique ici du monde réel. 15. Colorier les personnages: Avant de commencer à colorier, je veux m'assurer que mes couches sont toutes en ordre. Vous pouvez voir ici que j'ai mis tous mes calques dans un seul dossier. Dans Fresco, vous pouvez le faire en saisissant un calque et en le faisant glisser au-dessus d'un autre calque. Maintenant, ils sont tous rassemblés. Vous pouvez les déplacer et les mettre en ordre si vous en avez besoin. Vous avez une fonction similaire dans Photoshop ou Procreate ou tout autre outil de dessin numérique. Maintenant que ceux-ci sont groupés, je peux créer un nouveau calque pour démarrer mes couleurs de base. Mes couleurs de base vont être des nuanciers de couleur unie qui établissent la palette de couleurs. Plus tard, j'ajouterai de la texture dans les effets en plus de cela parce que Fresco a quelques options de pinceau de texture assez douce. Pour l'instant, je suis juste en train de saisir mon pinceau pixel, et vous pouvez voir dans ma section préférée, j'ai ajouté la plume classique comique. Je l'ai trouvé à l'encre, Classic Comic Nib. Jetons un coup d'oeil à pourquoi c'est un bon ajustement pour juste un pinceau de couleur de base. Il a une opacité solide, ce qui signifie que je peux la superposer, sans créer de variation dans la couleur. Il a un peu de texture sur son bord, ce qui est agréable de lui donner un peu d'un champ dessiné à la main. De plus, il fonctionne comme ma plume ou un pinceau et que plus j'appuie dur, plus la ligne est large. Il est donc facile de colorer en un seul geste sans changer mes outils. Je vais commencer par colorier les principaux attributs du personnage dans l'ordre. Je vais d'abord me concentrer sur les cheveux du personnage. Je ne veux pas être trop dynamique parce que je voulais avoir l'impression qu'elle est dans le monde réel et l'autre personnage dans l'eau sera vibrant dans un autre monde. Je vais choisir un violet, mais ça va être un peu violet grisâtre, donc ça se sent plus enraciné. Je vais juste donner cette couleur de base. Maintenant, pour créer une palette de couleurs emblématique, j'aime travailler avec cette théorie appelée la théorie des couleurs triadiques. C' est quelque chose dont je parle dans ma classe, World of color. C' est une bonne façon de créer une palette, une palette simple et raffinée qui rend votre personnage très reconnaissable parce que les couleurs sont toutes en contraste élevé les unes avec les autres. Maintenant, je vais créer un ton de peau pour ce personnage. Les tons de peau sont basés ici dans la zone orange-rougeâtre. N' allez pas au jaune parce que vous allez obtenir des tons de peau vraiment ternes et boueux et ne pas aller trop loin dans vert jaunâtre parce que vous allez obtenir une sorte d'étranges couleurs d'olive. Commencez par cette zone. Puis déplacez-vous jusqu'à ce que vous obteniez un teint que vous aimez. Ensuite, je vais ajouter quelques détails. Regardons les cheveux ici. J' ai ce beau violet et un compliment au violet est jaune. Alors faisons ses petites cravates de cheveux jaune vif. Je veux que les yeux se démarquent du teint de la peau. Je vais utiliser un bleu clair, très pâle. Donc on a une idée du verre, mais on ne veut pas trop de couleur. Maintenant, faisons ses chaussures. Peut-être qu'elle a une conversation rouge vif amusante. Ce gamin adore le rouge. Je vais utiliser un rose pâle pour la chaussette. Il y a un gosse assez réaliste. Je vais juste passer à travers et retoucher certaines de ces couleurs. Dans Fresco, si vous tenez avec votre doigt, vous obtenez l'outil pipette afin que vous puissiez goûter vos couleurs. Je vais goûter le rouge de la chemise, toucher ça, et juste nettoyer quelques taches dans la peau et les cheveux. Maintenant, quand je vais colorer mon personnage dans l'eau, je veux qu'elle se sente plus surnaturelle. Donc je vais utiliser des couleurs très vives avec elle. Nos couleurs chaudes sont au-dessus de l'eau et nos couleurs froides vont être en dessous. Voyons voir. Commençons par son teint de peau. Je vais y aller avec une nuance de vert. L' un de mes schémas de couleurs préférés dans l'art fantastique est le violet et le vert. C' est quelque chose qui était populaire dans les années 70, art couleur pour la construction du monde comme le design monstre ou l'atmosphère planétaire. Les couleurs surnaturelles et l'art fantastique ont souvent beaucoup de vert et de violet. On y va. 16. Arrière-plan, ombres, lumières: Soyons créatifs avec notre approche de la couleur en arrière-plan. Bien sûr, il y a la possibilité de simplement saisir l'outil de seau de peinture en le remplissant d'un seul clic, créant ce grand bloc de couleur unie. Ce n'est pas la pire idée au monde, mais parfois une solution facile comme ça nous détourne de nos autres options possibles. Alors que la page elle-même est un carré, à l'intérieur de ce carré, il est possible d'utiliser la forme pour jouer avec l'expérience des spectateurs de la scène. L' une de mes plus grandes influences en matière de composition est le Mouvement Art Nouveau de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle. C' était une ère d'expérimentation, en particulier dans les arts du livre. Certains des artistes les plus intéressants de l'époque, intégraient la couleur et la texture du papier lui-même dans leur composition imprimée. Voici une illustration de l'un de mes illustrateurs préférés, Aubrey Beardsley. Sa composition montre le magicien, Merlin, piégé dans un portail sculpté dans le livre lui-même. Maintenant, pensez à la façon dont ce style de cadrage change votre perception de la scène. Je parle plus de l'illustration Art Nouveau et l'expérimentation graphique dans ma classe, illustration par design. Si c'est un sujet auquel vous êtes dans le domaine, jetez-le. Mais cette approche de la composition et du monde des arts du livre continue d'apparaître dans la fantaisie et la science-fiction est statique, surtout dans les années 60 et 70. Regardez la façon dont l'espace négatif, couleur dans la forme dans ces arrière-plans changent notre relation avec la scène. Cela apporte un peu de surréalisme à une illustration, et c'est une technique que vous avez peut-être remarquée ou non dans certaines de mes illustrations que j'ai partagées plus tôt. Je vais mettre cette technique à utiliser dans cette scène aussi en créant un portail pour nous permettre d'observer ces personnages dans leur moment de découverte. En ajoutant cet élément graphique simple, toute mon approche de la coloration de cette scène est vraiment modifiée. Au lieu de simplement définir le ciel et le sol en appliquant une ligne d'horizon, je vais créer un lavage brumeux de transition derrière les personnages. Pour obtenir cet effet, je vais devoir faire des gestes larges avec mon pinceau. Parce que je ne veux pas m'inquiéter de sortir des frontières de ce cadre que j'ai créé, je vais verrouiller la transparence de ce calque. Lorsque vous verrouillez la transparence, vous empêchez la couleur de s'infiltrer en dehors de la plage de pixels que vous avez déjà créée. Les pixels transparents resteront transparents. Ensuite, je vais à mes pinceaux pixel et en sélectionnant le pinceau rond doux dégradé. C' est un peu un effet aérographe. Je vais passer de la lumière du jour à l'herbe, à l'eau, au ciel nocturne de ce monde imaginaire. Sans ajouter la forme à mon cadre, je n'aurais pas trouvé cette idée alors, essayez-le dans votre composition. Ensuite, je vais définir certains de ces éléments d'arrière-plan simples, en utilisant la même approche que j'ai utilisée dans mes couleurs de base sur mon personnage. J' attrape ma plume comique classique et utilise un schéma de couleurs légèrement plus terne et les éléments de fond, afin qu'ils ne détournent pas mon personnage. Pour aider ces éléments à se fondre avec mon arrière-plan, je vais définir leur propriété de couche pour s' assombrir et ramener l'opacité à environ 60 %. Ils semblent s'asseoir sur le fond, mais aussi être intégrés à ce schéma de couleurs. Je vais retourner le dessin et faire la même chose pour le château. Je vais venir à la surface et ajouter un peu de vert terne à la matière végétale et un peu de gris aux rochers. Maintenant que j'ai toute ma scène colorée, je vais commencer à créer des effets atmosphériques pour apporter un peu de réalisme au design. Avant d'ajouter de l'ombre et de la surbrillance, je vais fusionner mes calques de couleur de base jusqu'au bas et m'arrêter juste avant d'accéder à mon arrière-plan. Je vais laisser cela séparé, juste au cas où je veux déplacer certaines choses ou appliquer textures et des effets différents aux personnages et à l'arrière-plan. Dans un nouveau dossier, je vais créer un nouveau calque et le mettre au-dessus de mes couleurs de base. Je vais ajouter de l'ombre et de la surbrillance. D' abord, je dois décider où sont mes sources de lumière. Disons que c'est sur l'épaule gauche de la petite fille sur le terrain de jeu. Mon approche générale de l'ombre est de choisir une couleur pourpre profond. Assurez-vous que vous êtes sur un nouveau calque. Définissez cette propriété de couche sur gravure de couleur. Vous remarquerez que lorsque vous définissez la couleur, elle interagit avec les couleurs en dessous. En ce moment, l'opacité est trop élevée sur cette couche. Je vais le mettre à environ 30, et maintenant il se mélange d'une manière plus subtile. C' est un moyen rapide de créer de l'ombre sans sauter à travers un tas de couleurs. Parce que le soleil est derrière la fille, mes ombres sont très proéminentes, surtout sur la matière végétale. C' est un moment important pour créer un contraste fort dans votre design. Il améliore l'humeur et rend votre illustration plus attrayante dans l'ensemble. Les ombres ajoutent également un peu de texture à la composition, quelque chose que nous aborderons plus tard lorsque nous ajouterons des effets visuels dans le chapitre suivant. Cette illustration ne demande pas beaucoup de faits saillants, mais je vais toujours passer par le processus. Je vais créer un nouveau calque, et cette fois, je vais définir mes propriétés de calque pour alléger. Une fois que j'ai créé tous les faits saillants que je pourrais souhaiter, je passe en revue et j'évalue ceux que je veux vraiment garder. Je vais attraper ma gomme, régler le débit très bas pour qu'il soit doux et assommer une partie de l'intensité de certains de ces faits saillants. Je ne veux pas un regard complètement plastique sur ces personnages et éléments de réglage. Je suis content de l'illustration jusqu'à présent, mais il se sent toujours un peu propre. Je veux créer plus de sens de l'atmosphère et ajouter un peu de texture pour donner à l'illustration plus de caractère et pousser le sens d'un monde fantastique et de ce cadre sous-marin. On en parlera dans le prochain chapitre. 17. Pinceaux et effets Fresco: Toutes les textures et les effets que je souhaite ajouter à la scène doivent être limités à l'image flottante. Donc, pour ce faire, je vais créer un masque. Maintenant, il n'y a pas d'outil de baguette magique comme dans Photoshop pour sélectionner le blanc et créer un masque à partir de. Donc, ce que je dois faire, c'est que je vais cloner le calque d'arrière-plan. Ensuite, je vais masquer le contenu du calque et cela crée un masque basé sur ce calque, que vous pouvez faire glisser d'avant en arrière entre le masque dans le calque réel. Je vais utiliser la gomme, et d'abord je vais éteindre cet autre calque, et effacer ce calque. Déverrouillez la transparence maintenant tout ce que je mets ici respectera ce masque. Ce qui signifie que je peux créer des effets et ainsi de suite qui ne sont vus que dans ce contexte. Permettez-moi d'en créer un autre et de l'enregistrer pour plus tard. Quelque chose avec lequel je suis impatient de jouer dans Fresco est l'outil de pinceau en direct. Ils ont construit ce grand moteur de brosse pour simuler des effets d'aquarelle. Quand je travaillais traditionnellement, j'utilisais l'aquarelle exclusivement. C' est mon support préféré pour peindre, mais il n'y a pas eu un bon équivalent numérique pour l'aquarelle, quelque chose qui laisse le pigment circuler dans l'eau et de manière naturelle. Mais cette chose se rapproche assez, donc nous allons essayer au-dessus de la couche d'arrière-plan. Prenons une nuance de bleu et ajustons le mélange pour se multiplier. Voyons voir à quoi ça ressemble. Regardons les paramètres ici pendant une seconde. Vous pouvez ajuster la quantité d'eau dans la brosse ainsi que la taille de la brosse et le débit. Moins de flux, moins de pigment. Je vais baisser un peu le débit, et je vais faire monter le cours d'eau. Vous pouvez voir que vous obtenez ce beau style aquarelle saignement. Maintenant, vous pouvez basculer l'opacité de la couleur vers le bas en transparent et obtenir un bon fondu. Je vais faire le même effet dans le ciel au-dessus de la fille. Clonons à nouveau ce calque, donc j'en ai un autre. Celle-ci va être d'une seule couleur. L' imperfection de l'aquarelle est son attribut le plus cool. Mais parfois tu finis avec un peu plus que ce que tu as négocié, c'est trop orange. Un petit truc dans Fresco que vous pourriez faire, qui est un raccourci similaire et la procréation, annulation à deux doigts, redo à trois doigts. Je vais garder ce petit accent là, c'est une belle petite étrangeté dans le design. D' accord, en plus de tout, je veux créer un sentiment de verrerie au-dessus de l'eau. Alors essayons, le pinceau aquarelle, au-dessus de tout. Les effets sont une partie majeure de l'art fantastique. C' est une façon de prendre la réalité et de la tourner sur la tête. Mais il doit se conformer à certaines lignes directrices. Ils peuvent être des couleurs étranges, mais ils doivent se sentir comme des choses que nous avons vues dans le monde réel. Sinon, la réalité que nous créons, il n'a pas l'impression qu'elle pourrait exister. Ensuite, je veux ajouter un peu de texture au monde hors-sol. Je vais faire un nouveau calque, mettre pour se multiplier, saisir et avoir une couleur violacée. Essayons les éclaboussures. 18. C'est terminé !: Voilà, ma dernière illustration. J' espère que vous travaillez sur votre propre dessin, et si vous l'êtes, cela signifie bientôt que vous le publierez dans la section du projet de classe. Si vous travaillez avec Fresco, voici comment exporter votre travail à publier. Lorsque votre projet final est ouvert, cliquez sur « Publier et exporter » dans le coin supérieur droit de la barre de menus. Le menu Partager s'affiche, cliquez sur « Exporter sous », donnez un nom à votre projet. Basculez le format en JPEG, si ce n'est pas déjà là. Réglez votre qualité à haute et appuyez sur « Exporter ». Maintenant, exportez le fichier en cliquant simplement sur « Enregistrer l'image » et en l'ajoutant à votre application photo tablettes. Vous pouvez ainsi y accéder directement ou l'envoyer à un service cloud comme Google Drive ou Gmail. Si vous utilisez une autre application de dessin, le processus est probablement assez similaire. Si vous travaillez traditionnellement, prenez quelques photos de ce sur quoi vous travaillez. De plus, si vous pouviez recueillir une partie de votre processus créatif, cela signifie des croquis, des notes sur l'inspiration et comment vous êtes arrivé à l'art final. Je pense que ce genre de choses est vraiment important, et la participation des étudiants enrichit mes cours d'une manière que je ne pourrais jamais faire seule. Donc, cela signifie vraiment beaucoup chaque fois que je vois de nouveaux projets apparaissent dans mes classes. Bien sûr, une fois que vous publiez un projet, je partagerai également mes réflexions sur votre travail. Je vérifie la section du projet de classe au moins quelques fois par semaine. J' espère que tu as apprécié ma classe d'autres mondes. Si tu veux en savoir plus avec moi, tu as de la chance. J' ai plus de dix autres cours sur ma page de partage de compétences, en ce moment. Si vous voulez en savoir plus sur l'art fantastique, consultez ma classe Drawing Imaginary Worlds. C' est un véritable plongeon profond dans la création d'art conceptuel et l'illustration d'un cadre évocateur pour une histoire. Si vous êtes un World Builder, vous aimerez vraiment ma classe sur la création de Fantasy Maps. Nous y faisons une carte de style médiéval vraiment unique inspirée par les aventures de la vie réelle de l'enfance. Si vous êtes fan du Seigneur des Anneaux, c'est la classe qu'il vous faut. Si vous êtes un illustrateur qui cherche à améliorer vos compétences, consultez ma classe Illustration By Design. C' est une structure de base vraiment unique inspirée par les graphistes du mouvement Art nouveau, qui a une influence que j'ai brièvement évoquée dans cette classe déjà, regardez. Maintenant, si vous êtes curieux d'essayer votre main pour faire des bandes dessinées et des dessins animés , consultez mon guide de débutant pour dessiner des bandes dessinées. C' est un cours amusant de deux heures sur mon sujet préféré, et pour vous aider à développer vos compétences en dessin animé pour faire de meilleures bandes dessinées, j'ai aussi quelques cours sur le dessin meilleures expressions de dessins animés et le langage corporel impose. C' est un programme complet sur la bande dessinée, jette un oeil. Si vous aimez ce que je fais, vous pouvez me soutenir sur ma page Patreon. Vous aurez accès à Sneak Peeks, et à des choses sur lesquelles je travaille actuellement. posts de processus plus longs et deux projets que j'ai en développement et les coulisses regarde les illustrations que j'ai partagées via mon Instagram. C' est plutôt cool. J'espère que vous avez vraiment apprécié ce cours. J' adore faire ces cours. Merci de les regarder. Partagez un avis, dites quelques belles choses si vous voulez, et j'ai hâte de vous voir la prochaine fois. Au revoir. 19. Allez plus loin avec Fresco: