Guide rapide des bases artistiques pour les débutants dans Procreate

1. Introduction: Avez-vous déjà pensé que l'apprentissage des principes fondamentaux de l'art pourrait vous aider à créer des œuvres d'art meilleures et plus significatives, mais vous ne savez tout simplement pas par où commencer ? Bonjour. Je m'appelle Alexandra AKAD art water Et dans ce cours, je suis là pour rendre les fondamentaux de l'art simples, amusants et accessibles, tout au long de la procréation Que vous soyez un débutant ou un artiste expérimenté qui cherche à rafraîchir ses bases, ce cours vous donnera les compétences essentielles pour donner vie à vos idées. J'ai une formation en animation et en illustration et des années d' expérience dans l'enseignement des fondamentaux de l'art à des étudiants de tous niveaux. Tout au long de ma carrière, j'ai été témoin l'incroyable transformation que ces éléments de base peuvent apporter au travail d'un artiste, que vous dessiniez de manière traditionnelle ou numérique ont d'incroyables réussites Mes élèves ont d'incroyables réussites en publiant leur propre livre pour enfants, et j'ai appris l'illustration dans mes cours. Je peux donc le dire en toute confiance. Vous êtes au bon endroit. Alors pourquoi la maîtrise des fondamentaux est-elle si importante ? Parce qu'ils sont à la base de tous les arts visuels. Dans ce cours, nous allons aborder les éléments fondamentaux de l'art, de la ligne, de la forme, de la forme, de l'espace, de la couleur, de la texture et de la valeur. Et j'ai ajouté deux éléments bonus qui, à mon avis, méritent d'être évoqués. Et c'est de la lumière et des détails obtient en comprenant et en appliquant ces éléments. Vous aurez la confiance nécessaire pour créer par vous-même et de manière plus consciente et intentionnelle Cela vous aidera à vraiment apparaître en tant qu'artiste au cours de votre voyage. Et ça en a l'air. Ce cours est organisé en dix leçons structurées, chaque leçon représentant un élément central. Chaque leçon commence par une théorie dans laquelle nous allons parler de l'élément central. Ensuite, nous allons passer à la pratique et la mettre en pratique. Ensuite, nous aurons une courte pause café au cours de laquelle je parlerai certains sujets auxquels tous les artistes sont confrontés, tels que le syndrome de l' imposteur, blocages créatifs, la recherche de son propre style, puis nous reviendrons à création d'une illustration complexe Tout au long du cours, étape par étape , parcourez et appliquez chaque élément arriver à une pièce finale. Le cours est conçu pour tous ceux qui découvrent les fondamentaux de l'art, surtout si vous voulez apprendre, nous Procreate Donc, ce dont vous avez besoin pour ce cours, c'est votre iPad sur lequel Procreate est installé À la fin de ce cours, vous aurez une illustration complète et complexe ainsi qu'un ensemble de compétences qui vous donneront une base solide pour votre parcours artistique. OK, alors tu es prête à te plonger dans les fondamentaux de l'art avec moi ? Commençons simplement. Rendez-vous en classe. 2. À propos du cours: Bienvenue dans la classe. Je suis tellement contente que tu sois là. Dans cette vidéo, je vais parler de la structure de classe, du projet de classe et des ressources de la classe. Comme je l'ai déjà mentionné, le cours comprend dix leçons structurées. Chacune dure environ 20 ou 30 minutes. Alors, prenez-les à votre rythme. Mais regardez une leçon à la fois. Cela peut être tous les jours, tous les deux jours ou chaque semaine, mais ne vous laissez pas submerger Donnez le temps aux connaissances de s'intégrer. Tout aura du sens à la fin, je te le promets. Donc, même si nous ne nous limitons qu'à une section de l'illustration, gardez-la ainsi et essayez de comprendre la théorie qui la sous-tend et les réflexions que je vais partager avec vous. Chaque leçon débutera donc par une théorie dans laquelle je vais parler d'un élément fondamental. Ensuite, nous allons avoir une petite séance d'entraînement sur cet élément. Dans certaines leçons, il sera déjà lié à la création de l'illustration. Faites de même pour l'entraînement. Ensuite, nous aurons la pause-café au cours de laquelle je vais vous parler de certains sujets auxquels tous les artistes, quel que soit leur niveau de compétence, sont confrontés. Par exemple, les blocages créatifs, le syndrome de l'imposteur, la recherche de son propre style. Je vais partager mon point de vue sur ces sujets, d'accord ? Et j'aimerais vraiment que vous réfléchissiez également à ces sujets. Utilisez donc le forum de discussion ci-dessous pour exprimer également vos opinions et vos idées sur ces sujets. Ayons juste une discussion. Cela pourrait être vraiment bénéfique pour beaucoup de personnes. Ensuite, après ces pauses café, nous aurons à nouveau des séances d'entraînement, au cours desquelles nous construirons étape par étape une illustration complexe. Nous allons donc procéder étape par étape dans cette leçon et avoir une illustration à la fin. Nous allons donc progresser très lentement, mais je voudrais vous demander de faire confiance au processus. Le sujet du projet de classe est donc libre. Je vais illustrer un chat avec une tasse de café, et je recommande aux débutants de suivre mes idées et les pas que je fais Vous pouvez même utiliser mon croquis qui sera fourni dans les ressources afin que vous vous sentiez plus à l' aise avec l' application des connaissances acquises en classe. Mais les élèves les plus courageux et les plus avancés peuvent simplement saisir les idées de la leçon et créer leur propre illustration, quelle qu'elle soit. OK ? Maintenant, en ce qui concerne le projet de classe, je vous ai déjà dit que nous allions créer une illustration complexe, mais j'aimerais vraiment faire une petite expérience dans ce cours. Alors maintenant, je voudrais prendre une feuille de papier ou votre iPad et créer une petite illustration de n'importe quoi, que ce soit le chat avec la tasse de café avec les compétences que vous avez maintenant. Si vous ne voulez pas le faire, prenez simplement un de vos dessins récents et téléchargez-le dans la galerie de projets, puis suivez le cours et lorsque vous aurez terminé le projet de classe, avec toutes les connaissances que vous avez acquises grâce à cette classe, téléchargez-le dans le projet de classe. Et nous n'aurons qu' un avant et un après. Et nous aurons une galerie d'informations sur un avant et un après, et je serais vraiment heureuse de voir comment vous progresserez par rapport à l'état actuel de vos compétences et après avoir suivi le cours. Ce sera également très bien pour vous de voir dans quelle mesure vous pouvez appliquer les connaissances acquises en classe à vos œuvres d' Ce sera tellement amusant. Et aussi, j'aimerais vraiment que vous partagiez quelques mots dans le cadre de votre projet de classe. Décrivez donc vos expériences. Qui êtes-vous ? D'où viens-tu ? Quel est ton parcours ? Donc, si vous commencez maintenant à créer un projet de classe et que vous applaudissez à cette œuvre d'art initiale, partagez simplement quelques mots sur votre parcours artistique et Je serais vraiment heureuse de le lire. Et lorsque vous aurez terminé le cours, applaudissez le dernier article et partagez vos expériences, ce que vous avez vécu pendant le cours , afin que ce soit vraiment une expression de votre point de vue sur le cours dans le cadre de votre projet de classe En ce qui concerne les ressources du cours, vous trouverez un jeu de pinceaux, une palette de couleurs, mon croquis, mon fichier original, à titre de référence. Vous recevrez également une feuille de travail résumant la théorie afin que vous puissiez la lire en entier, et une feuille de travail contenant instructions et des questions vous aidera à aborder les sujets que nous aborderons pendant les pauses café Vous pouvez vous en servir pour réfléchir à vos idées sur ces sujets dans votre journal intime, chez vous, juste pour vous-même, ou vous pouvez à nouveau partager certaines de vos réflexions sur le forum de discussion ci-dessous C'est bon. Je pense que c'est tout. La première étape consiste donc à télécharger les ressources, prendre votre iPad, à ouvrir Procreate et à vous voir dans la première leçon 3. Leçon 1 : éléments d'art: Oui. Bienvenue à la première leçon. Dans cette leçon, nous allons parler éléments fondamentaux de l' art, mais en général. Cette leçon sera donc un peu différente des autres, car nous allons prendre tous les éléments de l' art et en parler en général en quelques mots afin que vous vous en fassiez une idée générale et que vous compreniez ce que nous allons vivre ensemble pendant le cours. Et dans chaque leçon qui suivra, nous aborderons un élément fondamental de l' art et nous y plongerons en profondeur, n'est-ce pas ? Mais aujourd'hui, nous allons en parler en général. Et nous allons également dessiner ensemble. J'ai donc vraiment envie de m' échauffer un peu. Maintenant, nous allons nous réchauffer les mains, et je vais vous montrer un petit exercice d' échauffement que vous pouvez vraiment faire avec vos mains pour réchauffer les muscles et rétablir la mémoire musculaire. Et je vous recommande vivement de faire ce petit exercice d'échauffement chaque fois que vous vous asseyez pour dessiner et pas seulement pendant ce cours. Mais à chaque fois, vous avez juste envie de créer. C'est vraiment bien de faire un peu d'exercice pour les mains. Cela vous amènera au moment présent. Cela réveillera votre mémoire musculaire, et cela peut être un rituel vraiment cool qui vous mettra dans l'état d'esprit suivant : « D'accord, maintenant je suis assise et je vais vraiment créer Commençons donc. OK, alors joignez vos mains comme ça. Nous allons commencer par réveiller nos poignets. Créez donc dix fois des cercles sur un côté. Et à l'autre aussi. Et sois doux. OK, nous avons donc notre poignet. Et maintenant, retournons-le à l'envers cinq fois. Fais-le bien étirer. OK. Maintenant, travaillons avec les doigts. Fermez votre paume et ouvrez-la à nouveau, environ dix fois. Assurez-vous d'étirer vos doigts autant que possible. Et maintenant, arrosez comme si vous saupoudriez de l'eau avec vos mains. Cela permettra de relâcher toute tension que vous avez dedans. OK. Cool. Je crois que je suis réchauffé. Et maintenant je pense que nous sommes prêts à commencer à dessiner. Les sept éléments fondamentaux de l'art sont la ligne, la forme, la forme, l'espace, la texture, la couleur et la valeur. J'ai ajouté deux éléments bonus selon moi, méritent d'être évoqués, qui, selon moi, méritent d'être évoqués, à savoir la lumière et les détails. Maintenant, au cours des prochaines leçons, nous allons passer en revue chacune d'elles en détail. Mais voyons maintenant d' manière générale ce que représente chaque élément. Nous allons également dessiner un peu pour connaître les éléments, alors préparez également votre crayon Apple. Commençons donc par la ligne. La ligne est l'élément le plus fondamental de l'art. Il s'agit d'une marque créée par un outil, par exemple un crayon ou un pinceau, qui se déplace sur une surface. Les lignes peuvent être droites, courbes, épaisses, fines, zigzag ou en pointillés, et elles guident le regard du spectateur à travers une composition Désormais, les lignes peuvent définir des formes. Par exemple, si je ferme une ligne comme celle-ci, j'obtiendrai une forme, par exemple un cercle. Nous pouvons également créer des textures par des lignes ou même transmettre des émotions. Par exemple, des lignes tranchantes bouillies peuvent rendre une pièce plus agressive tandis que des lignes douces et fluides peuvent lui donner une sensation de paix et de calme. Maintenant, je vous invite à aller dans la galerie pour créer un nouveau canevas de la taille d'un écran, et nous allons simplement tracer plusieurs lignes pour nous habituer à ces éléments, non ? Je vais donc choisir le noir comme couleur et le crayon à dessin du côté pinceau fourni avec le cours La création artistique est un processus de développement personnel. J'en parlerai un peu plus lors des pauses café que nous allons avoir. Mais en gros, ce que je veux de vous maintenant, c'est que vous vous observiez vous-même. Comment faites-vous les choses ? Comment tenez-vous le crayon ? OK ? Vous avez donc appris à tenir un crayon ou un pinceau à l'école primaire. Maintenant, je veux que tu en sois consciente. Comment faites-vous cela ? Et dans un premier temps, nous allons tracer des lignes droites. Je trace donc des lignes droites. Et jouez également avec la sensibilité à la pression. Et comme vous pouvez le voir, je fixe mon poignet sur l'écran. Si je dessinais sur du papier, je le fixerais sur le bureau. Et je dessine, genre, depuis mon bras si je veux tracer une ligne droite. Donc je ne dessine pas avec mon poignet. C'est le mouvement que je fais lorsque je veux dessiner des lignes courbes. Alors maintenant c'est votre tour , prenez quelques minutes. Vous pouvez simplement arrêter la vidéo ici, tracer des lignes droites et voir comment vous vous y prenez. Ensuite, passez aux lignes courbes, d'accord ? Et puis des lignes en zigzag. Comme vous pouvez le constater, je positionne ma tête différemment lorsque je trace ces lignes droites. C'est très intuitif. Je veux vraiment vous faire prendre conscience de la façon dont vous faites les choses. OK, cool. Lorsque vous avez fini de tracer plusieurs lignes, j'ai oublié la ligne pointillée parce que c'est aussi une ligne Et tu peux faire une ligne comme celle-ci. Donc, quand vous aurez terminé, je vais simplement prendre du recul et parler de forme. Les formes sont des espaces plats fermés créés par des lignes. Ils sont bidimensionnels, c'est-à-dire qu'ils ont une hauteur et une largeur, mais pas de profondeur. Les formes peuvent être géométriques, comme des cercles ou des carrés ou organiques, comme les formes irrégulières que l'on trouve dans la nature. Désormais, les formes aident à définir les objets et les espaces d'une composition. Ils peuvent simplifier des images complexes et transmettre des significations symboliques. Par exemple, avec le langage des formes, nous utilisons beaucoup le langage des formes dans la conception des caractères. Nous en reparlerons un peu plus tard. Mais revenons maintenant à ce petit canevas, et je vais simplement désactiver la couche de ces lignes et en créer une nouvelle pour les formes. Dessinons donc un cercle. Encore une fois, soyez conscient de ce que vous faites et de la raison pour laquelle vous le faites ainsi. Alors, commencez-vous à dessiner un cercle par le haut, le bas ou le côté ? Est-il déformé ? Peux-tu dessiner un cercle parfait tout de suite ? Je ne peux pas, mais je vais vous montrer une technique pour bien faire les choses plus tard. Et maintenant, dessinons un carré. Encore une fois, voyez où vous tracez les lignes. Pourquoi le dessinez-vous comme ça ? Où est ta main ? Oh, dessinons également un triangle. Et puis dessinons une forme organique. OK, cool. Maintenant, revenons en arrière et parlons de forme. La forme fait référence à un objet tridimensionnel avec du volume, quelque chose qui a de la hauteur, de la largeur et de la profondeur. Il s'agit essentiellement d'une forme avec une dimension ajoutée. Nous avons donc créé des formes avec des lignes, et lorsque nous ajoutons de l'ombrage, nous créons des formulaires Les formulaires peuvent rendre un dessin ou une peinture plus réaliste. techniques d'ombrage, d'éclairage et de perspective sont souvent utilisées pour créer l'illusion d'une forme Revenons maintenant à ces formes que nous venons de dessiner. Je suis sûr que vous avez appris l' ombrage à l'école primaire, et je ne veux rien de spécial de votre part Il suffit de colorer ces objets au hasard, comme nos formes, vous n'avez pas vraiment besoin d' être précis ou quoi que ce soit C'est juste pour faire ressortir ce que tu sais déjà. Soyez donc conscient de ce que vous faites et de la façon dont vous le faites. Si vous inclinez un crayon Apple, vous utiliserez un outil d'ombrage, mais vous pouvez également ombrer avec des lignes Vous n'avez donc pas vraiment besoin de maculer les objets, mais de placer des ombres, par exemple, sur le cercle au début. Hum, comme ça, et je vais ajouter un peu d'ombre. Maintenant, voici une première astuce pour ajouter de l'espace, l'illusion d'espace à votre œuvre si vous ajoutez l'ombre portée. Maintenant, il y a un carré. Je vais juste en faire un cube très rapidement. Et pour ce qui est de l'ombrer, je vais juste mettre une ombre d' un côté vers le haut et encore une fois, ajouter un peu d'ombre portée. Oups. Également avec le triangle. Tu vas apprendre à masquer ces choses plus tard, d'accord ? Mais maintenant, fais juste attention à la façon dont tu fais les choses, non ? Et aussi, la forme organique, je vais juste ajouter un peu d' ombrage ici et là Par exemple, ici aussi, de manière assez aléatoire, d'accord ? Et je veux que vous vous souveniez ces dessins que vous êtes en train de créer et que nous allons les comparer à la fin de ce cours où vous avez progressé, et vous serez étonné, n'est-ce pas ? Nous avons donc maintenant plusieurs formes, comme des ombres aléatoires. Et ce sera une très bonne référence pour l'endroit où vous avez commencé ce cours, d'accord ? C'est tellement cool. Très bien, passons à l'espace. L'espace fait référence à la zone située entre les objets ou à l'intérieur de ceux-ci. Cela peut donc être un espace positif. Donc en fait, la zone qui est remplie par un objet ou un espace négatif et donc les zones vides qui l'entourent. L'espace est essentiel pour créer une impression de profondeur et de perspective. Vous pouvez manipuler l'espace pour donner l'impression qu'une composition ouverte et coûteuse ou qu'elle est encombrée et intime Ainsi, par exemple, il suffit de regarder ces quelques lignes, vous voyez immédiatement qu'il y a une route qui va quelque part, et qu'il n'y a qu'une, deux, trois, quatre lignes, en fait, une verticale, deux diagonales et une ligne perturbée. Vous pouvez donc faire tant de choses avec si peu. Tu as juste besoin de savoir comment faire ces choses. D'accord ? Alors revenons en arrière. À cette première chose. Je vais créer une autre couche, et maintenant nous allons jouer un peu avec le placement des objets. Je vais juste dessiner deux cercles. Et je veux que tu me dises lequel est le plus loin. Oui, celui-ci. Donc, les choses qui sont plus proches de nous sur la surface seront plus grandes, d'accord ? Et plus loin, les objets seront simplement plus petits et placés au-dessus de la ligne d'horizon alors que nous ne les avons même pas, mais nous remplissons déjà cet espace à l'intérieur, n'est-ce pas ? Et si je le plaçais juste ici ? Maintenant, ce sont deux objets de tailles différentes côte à côte, n'est-ce pas ? C'est donc de la perspective, et c'est l'illusion de l'espace que nous allons également apprendre dans l'une des leçons. D'accord. Maintenant, je pense que nous devrions prendre une pause café. Nous avons déjà passé en revue quatre éléments fondamentaux de l'art, et passons une minute à parler aux artistes. Bienvenue à la pause café d'une minute, qui ne durera pas vraiment 1 minute. Ce sera parfois un peu plus long. Mais dans ces petites parties, je voudrais simplement vous parler certains sujets auxquels nous sommes tous confrontés. Et le sujet d'aujourd'hui est que tout le monde peut le faire. Art. Je suis sûr que vous l'avez dit vous-même ou que vous avez entendu quelqu'un dire que je ne sais pas dessiner. Je n'ai aucun talent. Je ne peux dessiner qu'un Stickman. Et mon problème, c' est que dessiner, peindre et faire arts visuels ne sont qu'une compétence au même titre que les autres, d'accord ? Cela peut donc être appris. n'y a rien de surnaturel que tu doive avoir en toi. Pour pouvoir dessiner ou peindre. Et en fait, vous l' avez en vous parce que c'est la force créatrice. Pense juste aux enfants. Ils adorent dessiner et peindre. C'est tout à fait naturel pour eux, non ? Ils s' expriment par le biais de l'art. Et vous l'avez naturellement en vous. Et notre âme aspire à la création, et elle trouve toujours une issue. Certaines personnes font de la poterie ou écrivent des codes de programmation. OK ? La créativité fait donc naturellement partie de notre être ou de notre existence. Vous n'avez donc besoin de rien de spécial. Tu ne peux pas simplement l'apprendre. C'est parfois plus facile pour certaines personnes douées et cela demande plus d' efforts de la part d'autres personnes. Mais si tu en as envie, tu peux totalement y aller, d'accord ? que je veux dire dans cette partie, c'est que vous n'avez besoin de la permission de personne pour faire de l'art. Vous n'avez besoin que de votre autorisation. Permettez-vous de faire de l'art. Je sais qu' il y a un certain degré d'élitisme dans les arts visuels, mais je veux que vous y réfléchissiez de Il n'est pas nécessaire d'être un athlète ou de participer aux Jeux olympiques pour prendre plaisir à courir, n'est-ce pas ? cadre de votre parcours artistique, vous n'avez pas nécessairement pour objectif de vous retrouver à Lure ou d'organiser de grandes expositions Tu peux juste le faire pour le fun, parce que tu le peux. OK ? OK, donc je veux que tu te donnes permission maintenant, et continuons. Bien, maintenant que vous savez que vous pouvez le faire, passons à la texture de l'élément principal suivante Pendant longtemps, je n'ai même pas compris ce qu'est la texture, mais laissez-moi simplement vous dire que la texture fait référence à la façon dont une surface est ou semble être ressentie. Il peut s'agir d'une texture réelle, sensation physique texture rugueuse, lisse ou implicite, l'apparence d'une chose dans un dessin ou une peinture. La texture ajoute de l'intérêt et de la profondeur. Vous pouvez rendre quelque chose plus tactile, même dans un dessin en deux dimensions. Désormais, procreate est livré avec de nombreuses textures dans les médias traditionnels Habituellement, le matériau sur lequel nous peignons, par exemple le papier aquarelle ou la toile, papier aquarelle ou la toile ajoute déjà de la texture à la pièce Dans le numérique, ce n'est pas le cas. C'est pourquoi nous devons vraiment ajouter de la texture aux œuvres d'art. Mais en gros, nous pouvons créer des textures avec des lignes. Je vais créer une autre couche et je vais juste vous montrer. Donc, si je trace beaucoup de lignes courtes comme celle-ci. Imaginons qu'il s'agisse d'un chat ou d' une sorte d' animal ou simplement, je ne sais pas, de quelque chose comme ça. Cela pourrait impliquer que c'est de la fourrure, non ? Nous pouvons donc également créer cette sensation de textures avec des lignes simples. Ou, par exemple, la façon dont je dessine du bois consiste à créer une forme, et je dessine avec des lignes, des choses comme ça. Lignes aléatoires. Et ça ressemblera à du bois. Il y a donc tellement de choses. En fait, pendant que vous travaillerez sur vos œuvres d'art et progresserez dans votre parcours artistique, vous découvrirez vos propres façons de créer des sensations différentes pour vos œuvres d'art. D'accord. Voilà donc la texture, et passons maintenant à la couleur. La couleur est donc l' élément artistique produit lorsque la lumière se reflète sur un objet. Il a trois propriétés, la teinte, c'est le nom de la valeur de couleur, c'est la luminosité ou l' obscurité et la saturation. C'est la luminosité ou la matité. La couleur peut évoquer des émotions, créer un point focal ou créer une ambiance ou une atmosphère. La roue chromatique aide les artistes à comprendre les relations entre les couleurs, comme les couleurs complémentaires ou analogues, et nous n'allons pas créer de palette de couleurs pour le moment Mais laissez-moi simplement vous montrer ce que vous avez dans Procreate. Donc, si vous passez à la vue classique de la roue chromatique ou des couleurs, vous verrez trois boutons ici Et ces trois boutons représentent les trois propriétés de la Le premier est donc Hue. La teinte est donc rouge, orange, jaune, vert, bleu, violet, rose. Ensuite, laisse-moi choisir la couleur. Oui, tu peux voir que c'est tombé ? Il s'agit donc de la saturation, cet axe horizontal, degré de matité ou de saturation d'une couleur Donc cet axe. Et le dernier est la valeur, et voici l'axe vertical, le degré de noirceur et de clarté d'une couleur. Lorsque vous choisissez une couleur sur la roue chromatique et que c'est de la peinture, même si c'est de la peinture comme de la vraie peinture, elle aura ces propriétés. Il aura une teinte, il aura une saturation et il aura de la valeur. Nous en sommes déjà arrivés à la valeur, et c'est le dernier élément fondamental de l'art. La valeur est donc la luminosité ou l'obscurité d'une couleur. Il aide les artistes à créer du contraste, profondeur et un sens de la forme. En jouant avec les valeurs, vous pouvez faire ressortir certaines parties de votre composition, créer un point focal ou guider le regard du spectateur. Il est très important que vos valeurs soient directement intégrées à une œuvre d'art, Il est très important que vos valeurs soient directement intégrées à car votre œil lit ces informations dans les œuvres d'art. OK ? Et une œuvre d'art sera agréable à l'œil si elle est lisible. Donc, si un œil peut lire l'image, et si elle se mélange, vous ne reconnaîtrez rien sur le dessin, n'est-ce pas ? Donc, si vos œuvres présentent des contrastes , des valeurs si différentes, l'image sera lisible pour tout le monde et le spectateur s' en souviendra, d'accord ? Comme vous pouvez le voir, j'ai choisi trois couleurs ici, et ce sont les valeurs exactes de cette couleur. OK, passons donc aux deux éléments bonus inclus ici, et le premier est la lumière. Et je ne pense pas à la lumière. Dans ce cas, comme dans le cas de l'ombrage, vous savez que vous avez un objet, vous ajoutez ombre, des reflets , de la lumière, etc., et vous effectuez le rendu de l' Je parle maintenant de la lumière environnementale. Cela peut donc être une source de lumière. Il peut s'agir du soleil comme une fenêtre, d'une lumière naturelle, lumière artificielle ou d'une lumière magique qui illumine l'objet et crée une atmosphère L'art de l'éclairage fait référence à la façon dont l'éclairage est utilisé pour renforcer l' illusion de profondeur et de forme. Il joue un rôle clé dans la définition de la façon dont les objets sont perçus et peut changer radicalement l'ambiance d'une composition. En comprenant comment la lumière interagit avec les objets, vous pouvez mieux représenter le réalisme, l'ambiance et l'atmosphère de votre travail De plus, par exemple, petits reflets peuvent donner vie à la glace. La lampe de poche peut créer cette ambiance magique. Mais nous parlerons de tout cela plus tard. Et maintenant, parlons des détails. Voici cette photo en bois que je vous ai déjà montrée. détail fait référence à la quantité d' informations ou à la complexité présentes dans un dessin Plus de détails peuvent donner vie à une image, tandis que moins de détails peuvent laisser place l'interprétation et à l'abstraction. de décider où ajouter ou soustraire des détails aide à orienter le regard du spectateur et à mettre l'accent sur certaines zones de votre œuvre Maintenant, le niveau de détail définit réellement votre illustration ou votre style artistique et votre voix, les efforts que vous consacrez à quelque chose ou aux choses en général. Le niveau de détail pourrait être amélioré ici avec plus d'ombrage, un ombrage plus précis Il peut s'agir d'ajouter plus de textures, textures en bois ou de petits détails, etc., ce qui me rapprocherait du réalisme, mais est-ce que je veux du réalisme Je veux que tu saches que c'est du bois. Et ce niveau de détail influencera grandement le type de voix que vous avez en tant qu'artiste. Et tu n'as pas besoin d'être un artiste réaliste, d'accord ? Je tiens donc simplement à souligner que ce manque de détails n'est pas une mauvaise chose. OK. Tels sont donc les éléments de l'art. J'espère vous avoir apporté quelques moments de Huika en ce moment Ce seront nos outils pendant ce cours, puis à l'avenir, pour créer de belles œuvres d'art. En pratiquant et en maîtrisant ces éléments, vous comprendrez comment créer des œuvres d'art équilibrées, dynamiques et captivantes Au fur et à mesure que vous avancez dans ce cours, gardez ces éléments à l'esprit à chaque exercice que vous complétez. Encore une fois, nous allons passer en revue chacun des éléments individuellement, en parler plus en profondeur et créer une illustration en les parcourant tous. Je suis donc très enthousiaste à ce sujet. Rendez-vous dans la première leçon où nous allons parler de la ligne. 4. Leçon 2 : ligne: Bonjour et bienvenue à la leçon d'aujourd'hui. Dans la dernière leçon, nous avons exploré tous les éléments de l'art, et nous allons maintenant approfondir la première ligne d'éléments. L'ine est l'un des éléments les plus fondamentaux de l'art. Il est créé lorsqu'un point se déplace sur une surface, laissant une trajectoire visible. Les lignes sont utilisées dans toutes les formes d'art, du dessin à la peinture, en passant par la sculpture et l'architecture, et elles peuvent être simples ou complexes. Bien que souvent considérées comme bidimensionnelles, les lignes peuvent également suggérer formes dimensionnelles libres ou des mouvements au sein d'une composition. Parlons maintenant des types de lignes. Il y a donc des lignes droites. Elles peuvent être verticales, horizontales ou diagonales. Les lignes verticales sont souvent synonymes de force et de stabilité, tandis que les lignes horizontales peuvent suggérer le repos ou la tranquillité. Les lignes diagonales, par contre, introduisent une sensation de mouvement ou de tension. Ensuite, il y a les lignes courbes. lignes courbes douces et fluides sont souvent utilisées pour créer un sentiment de grâce, de fluidité ou de rythme Il peut s'agir de formes organiques réfléchissantes présentes dans la nature. Ensuite, il y a des lignes en zigzag. Ces lignes pointues et irrégulières apportent de l'énergie, du chaos ou de l'excitation à une pièce Ils se sentent souvent dynamiques et imprévisibles. Ensuite, il y a les lignes brisées et les lignes pointillées. Les lignes peuvent impliquer une forme sans la dessiner complètement, ce qui permet au spectateur de compléter la forme mentalement. Cela ajoute un sentiment d'ouverture ou de mystère à la composition, et il y a des lignes implicites. Parfois, une ligne n'est pas tracée physiquement, mais nos yeux suivent une trajectoire créée par des éléments tels que les changements de couleur, formes ou l' alignement d'objets. Par exemple, ici, il suffit de regarder ces vagues. Ils suivent ces lignes courbes qui ajoutent du dynamisme à la pièce. Mais ils ne sont pas vraiment en baisse. D'accord ? Et aussi, bien sûr, nous utilisons des lignes pour dessiner et tracer des lignes épurées. Dans Procreate, nous disposons de plusieurs outils qui nous aident à tracer des lignes Alors laissez-moi simplement désactiver cela et vous montrer ces outils. Le premier outil est donc l'outil de mise en forme rapide. Lorsque vous maintenez une ligne enfoncée, elle la redresse Tu peux le voir ? Si je trace une ligne comme celle-ci et que je la maintiens enfoncée, elle la redresse à nouveau Si je dessine quelque chose comme ça, ça va le redresser. Laissez-moi voir si je le fais. Ça fait quelque chose de bizarre. Mais vous pouvez expérimenter comment vos lignes sont affectées avec cet outil de mise en forme rapide. C'est très agréable de tracer des lignes droites. J'adore vraiment m'en servir. Ensuite, le deuxième outil est le guide Canvas. Si vous appuyez sur le bouton Ringe, que vous appuyez sur Canvas, que vous activez le guide de dessin et que vous modifiez le guide de dessin, je lui donne simplement une couleur différente pour que vous puissiez le voir Oui, tu peux le voir. Donc, si vous l'activez, cela vous aidera à créer des compositions et tracer différentes lignes afin que vous sachiez , par exemple, vous voulez ceci et cela, par exemple, si vous voulez une ligne diagonale comme celle-ci, cela vous aidera vraiment. Vous pouvez modifier ce guide de dessin. Il existe plusieurs types de guides auxquels vous pouvez faire appel, d'accord ? Vous pouvez avoir une méthode isométrique. Ce sont ceux-là. Cela aide donc vraiment lorsque vous voulez dessiner quelque chose dans l'espace. Et puis il y a la perspective, qui vous aide vraiment avec une perspective à un ou deux points. Nous y arriverons. Et nous avons également l'outil symétrique, ce qui signifie que lorsque vous l'avez activé, ce que vous dessinez d'un côté le reflétera de l'autre C'est vraiment génial si vous voulez dessiner, exemple un dessin au trait vraiment soigné à des fins différentes. Et le troisième outil est la stabilisation dans un pinceau. Donc, si vous accédez à n'importe quel pinceau la bibliothèque de pinceaux et que vous le choisissez, vous aurez ici un paramètre de stabilisation. Vous pouvez ajouter Streamline, ce qui signifie que, laissez-moi simplement le préciser, si vous n'en avez pas, le pinceau captera tous les mouvements que vous faites avec votre main. Mais si vous ajoutez de la stabilisation, comme cela, par exemple. Ensuite, il adoucira vos lignes. Et c'est très utile si vous n' êtes pas vraiment stable avec votre main. Ce n'est pas le cas avec les médias traditionnels, n'est-ce pas ? Donc, euh, si vous dessinez avec un crayon, vous devez principalement fixer votre main pour pouvoir tracer des lignes d'étude. Mais heureusement, dans le numérique, nous pouvons le faire. Donc oui, il s'agit donc de rationalisation et de stabilisation. Il existe également un filtrage des mouvements. Comme vous pouvez voir comment cela affecte les lignes, si vous l'ajoutez à Max, il ignorera complètement vos lignes, vos courbes. Et oui, c'est de l'expression. Vous pouvez donc jouer avec cela et trouver les réglages qui vous conviennent, d' accord, car les muscles des mains et des muscles de chacun fonctionnent différemment. Nous sommes habitués aux choses différemment. Prenez le temps de jouer avec ces paramètres et créer des pinceaux ou d'ajuster pinceaux dans Procreate pour répondre à vos besoins Sur tes outils. C'est bon. Faisons donc quelques exercices. Nous avons déjà dessiné quelques lignes et des formes géométriques de base, et commençons simplement à dessiner. Permettez-moi de vous présenter le dessin. Passons à la galerie pour créer un nouveau canevas de la taille de l'écran, ou vous pouvez revenir à celui-ci et simplement désactiver le calque et en créer un nouveau, choisir le noir et choisir le crayon à dessin dans le jeu de pinceaux De plus, si vous optez pour les pinceaux à croquis, vous trouverez de nombreux pinceaux incroyables fournis avec Par exemple, le crayon 60 est mon préféré ou optez pour le pinceau que je viens de mentionner, le crayon à dessin Lorsque vous dessinez, vous devez utiliser vos compétences d' observation, principalement si vous faites réellement du dessin utiliser vos compétences d' observation, d'observation Vous avez une référence, qu'il s'agisse d'une image ou d'un objet réel, vous devez regarder l'objet et copier ces lignes d'une manière ou d'une autre. Ou si vous dessinez quelque chose de vous-même, vous avez en fait une image mentale de ce que vous voulez dessiner, n'est-ce pas ? esquisse est donc étroitement liée aux capacités d'observation, et nous allons nous y entraîner Donc, ce que je veux de vous maintenant, c'est dessiner un carré. Vous pouvez maintenant essayer la fonction de forme rapide de Procreate Dessine un carré. Je vais le dupliquer. Et mets-le à côté de mon carré. J'ai activé le snapping ici. Cela signifie que j'aurai ces directives pour savoir où placer mes objets. Comme vous pouvez le constater, ce n'est pas un carré parfait et cela n'a pas vraiment d'importance car nous devons observer et rien n' est jamais parfait, n'est-ce pas ? Je veux que vous dessiniez des lignes et des formes dans le premier carré, et vous pouvez le faire comme moi ou vous pouvez simplement le faire vous-même. Je vais juste en dessiner un ici, je vais dessiner un cercle ici. Je vais dessiner un triangle ici et une autre ligne. Et votre travail consiste maintenant à copier exactement ce qui se trouve ici, d'accord ? Ainsi, lorsque vous observez, vous devez penser à des proportions comme le point de départ approximatif de cette ligne. Cela commence approximativement ici. Et là où il se termine, il s'arrête approximativement ici. Maintenant, observe-toi aussi toi-même. À quoi faites-vous attention ? Regarde comment je trace des lignes. Je vais tracer de nombreuses lignes courtes pour obtenir les bons formulaires. Je veux donc que cette courbe soit similaire à celle-ci, et je regarde constamment ici et arrière. Comment ça se passe comme ça ? Cela va être très compliqué au début, mais je peux créer une autre couche par-dessus, puis créer un dessin au trait crélène Maintenant, notre objectif est de dessiner exactement les mêmes formes et lignes ici. D'accord. À peu près le même. D'accord. Maintenant, encore une fois, avec ce cercle, regardez-le. Forme. Ce n'est pas un cercle parfait, je regarde le cercle qui trace ces lignes courtes, le place ici, puis je vais continuer avec cette ligne. Encore une fois, je trouverai l'endroit où ça commence et où ça finit. Et encore une fois, en le regardant et avec de nombreuses lignes courtes, j'essaie de trouver la courbe parfaite. D'accord, il n'est pas nécessaire que ce soit parfait, mais une courbe similaire, d'accord ? Je vais juste l'effacer parce que ça devient un peu désordonné. OK, je n'aime pas ça. Hum, c'est donc en quoi consiste le dessin pour observer des images Et tu peux faire cet exercice. Plusieurs fois, cela développera vos capacités d'observation. C'est pourquoi, dans les écoles d'art, on vous conseille de faire du dessin d'observation D'accord, ce n'est pas parfait, mais disons que c'est bon. Peut-être ? Non, je n' aime pas cette partie. Je vais donc partir de ce côté maintenant et essayer de suivre cette courbe. Je suis en train de l'effacer. OK, c'est bien mieux. Chaque fois que vous pensez ne pas être capable de dessiner quelque chose, faites une pratique d'observation comme celle-ci Ce sera très pratique et cela ne fera qu' entraîner vos yeux, vos muscles et votre dos pour qu'ils réellement attentifs et suivent ce que votre œil voit afin que votre main suive ce que votre œil voit OK, ce n'est pas le cas, j'ai besoin de trouver la bonne forme. Et comme ça. D'accord. C'est plutôt cool. Ce n'est pas parfait à 100 %, mais je pense que tu as compris l'idée. Vous devez faire attention, regarder, mesurer approximativement. Il est toujours bon de placer les objets au hasard là où vous voyez qu'ils sont là , puis de les ajuster. Vous êtes donc toujours libre d'effacer, de recommencer. Ne pensez pas que vous ne pouvez pas faire d'erreur. Tu peux Toujours. Nous apprenons toujours de nos erreurs, n'est-ce pas ? Maintenant, nous avons fait notre petit exercice. Maintenant, faisons une petite pause café. Je pense que c'était beaucoup d'informations. Hé, pendant la pause café d'aujourd'hui, nous allons parler du fait que l'art c'est communiquer. Je crois que tout ce qui nous entoure est le reflet de notre monde intérieur. Donc, si nous pensons à notre art, la façon dont nous tenons le crayon, choix que nous faisons au cours du processus de création, l'effort que nous consacrons à une œuvre d'art, tout représente notre état d'être actuel cela représente notre état d'être actuel et le communique. Carl Young, psychiatre et psychanalyste suisse, a apporté une contribution significative à la compréhension de l'esprit subconscient Et comment l'art peut servir de pont pour y accéder. nous exprimant par l'art, nous communiquons nos pensées ou nos sentiments, et encore une fois, notre état d'être actuel, même au niveau subconscient Et puis, si nous y réfléchissons ainsi, l'ensemble du processus de création devient un voyage de développement personnel, d'exploration de soi et d'autoréflexion. Mais qu'est-ce que cela signifie ? Cela signifie que vous ne pouvez rien faire de mal, d'accord ? Il n'y a pas de bonne façon de faire de l'art. C'est ta façon de faire de l'art, d'accord ? C'est ton expression. C'est votre état d'être actuel. Même lorsque vous suivez un tutoriel artistique et que vous faites quelque chose étape par étape, vous tenez le crayon. Tu fais tes propres choix. Vous êtes un être au moment où vous faites cela, d'accord ? Et au cours de chaque processus de création, si vous prenez un peu plus conscience des raisons pour lesquelles vous faites quelque chose, choix que vous faites , et que vous vous souvenez que c'est mon état d'être actuel. Je me communique sur la toile ou sur l'écran. Tu es en train de t'explorer toi-même. Et vous vous améliorerez dans votre art lorsque vous commencerez à mieux vous connaître dans le processus de création. Vous voyez donc la corrélation ? Il s'agit de votre voyage, de votre acte artistique et de votre expression. y a donc absolument aucun sens à comparer votre état d' être à celui de quelqu'un d'autre. Et c'est tellement puissant. Cela vous donne le pouvoir. Tu es le créateur. C'est ton voyage. Donc, dans votre parcours artistique. OK, donc c'était amusant, non ? Maintenant, faisons un autre exercice avec des lignes et des formes, et je vais à nouveau changer cette couche et l'autre pour en créer une nouvelle. Laissons libre cours à notre imagination maintenant. Je veux que tu dessines six taches. Cela signifie que je vais juste faire ce blob organique aléatoire avec des lignes Un, deux, trois, quatre, cinq, six. Et notre première tâche sera de réduire l'opacité de cette couche afin que vous puissiez toujours voir les fleurs, créer une autre couche par-dessus et de choisir Donnez-moi un peu de bleu clair, et nous allons y chercher des formes géométriques de base. Recherchez les cercles, les triangles et les carrés. Maintenant, cela vous aidera, encore une fois, à développer vos capacités d'observation et à voir les structures au sein de formes organiques Cela vous aidera à dessiner à chaque fois, car dessiner ces formes géométriques de base est tout simplement facile, n'est-ce pas ? Et ils peuvent être des points de départ, comme nous l'avons fait avec l'exercice précédent pour avoir des références où dessiner quelque chose. Quelle forme devrait-il suivre, etc. Cela vous aidera vraiment à réaliser des dessins complexes plus tard. Je vais donc commencer par le premier. Je vois un cercle ici. Encore une fois, vous n'avez pas besoin d'avoir des formes parfaites. Mais je vais juste vous montrer ce que je viens de faire. Je dessine donc une ellipse et ce menu est apparu ici. Je vais cliquer sur celui-ci, et vous pouvez simplement le changer en cercle. Mettons-le simplement ici. D'accord. Je peux voir un autre cercle ici et un autre cercle ici. Ils peuvent croiser, d'accord, ces formes. Euh, cela ressemble plus à un carré pour moi qu' un cercle ou non, mais un rectangle, oui. Il s'agit donc d'une composition de structure. D'accord. Dans le second , je peux voir un triangle ici. Je vois un autre cercle ici. Voici un autre triangle. Voici un autre cercle. Voici un autre cercle, et voici un autre cercle. D'accord. Le suivant. C'est un grand cercle, mais je peux voir un grand rectangle ici. Cela peut être un triangle approximativement. Et c'est encore une fois un rectangle, disons, un petit carré. Le suivant. Je vois un cercle. Je vois une sorte de triangle ici. Un autre cercle, un autre cercle, et relions-le à un carré. Le suivant. Voici un cercle. Voici un triangle. Je dirais que c'est aussi un triangle. Un peu comme ça. Cercle. Il s'agit d'un rectangle, d'un cercle et disons que c'est un rectangle. J'ai quelques structures de forme géométrique de base. Ce qui va être amusant c'est de réduire l' opacité de cette couche, les gardant comme vous pouvez les voir, créant une autre couche par-dessus Je vais maintenant choisir le noir et voyons quelque chose dedans. Je vais juste te montrer quelque chose. Ici. J'ai fait cet exercice moi-même. Voici donc les taches que j'ai dessinées. Voici les structures. Et quand j'ai voulu y voir un chat, j'ai vu un chat. D'accord ? Et quand je veux voir une grenouille dedans, je peux voir une grenouille. Donc c'est vraiment à vous de décider ce que vous recherchez, d'accord ? Cela vient de l'intérieur. Et revenons à nos blobs maintenant. Et voyons juste un chat, d'accord ? Dans ce cours, nous allons donc illustrer un chat, voyons simplement un chat. Nous n'avons pas nécessairement besoin de créer une illustration à partir des dessins que nous allons créer. Ne vous mettez donc pas de pression. Laissez libre cours à votre imagination. Alors dans cette première, comment puis-je voir un chat ? Pensons simplement à ce que possède un chat. Il a donc une tête qui ressemble à un cercle, puis des oreilles, un corps et une queue. Cherchons-les donc. Je crois qu'il y a un visage. Je peux également ajouter de petites notions selon lesquelles je peux totalement ajouter des années à ce que je fais réellement . D'accord ? Je peux voir son corps ici. D'accord. Qu'est-ce que c'est ? Disons. Des poules ? Ce sont des poules. Des pattes comme ça. Élevez-vous d'un chat fort. Ça ressemble à ça. D'accord. Comme ça. Cela le rendra plus petit pour qu'il ne soit pas si encombrant. Et oui, peut-être qu'il porte quelque chose. Ballon Je ne sais pas Je n'ajoute pas les jambes, mais je peux juste travailler avec ça si je veux, mais continuons maintenant. Je vois une tête ici. J'ajouterai à nouveau les yeux pour que nous sachions ce que nous faisons. Comme vous pouvez le voir, voici un triangle. Nous pouvons utiliser ce triangle comme espace négatif. D'accord ? Je peux donc ajouter des années ici. Et s'ils ne sont pas beaux, vous pouvez simplement ajuster que vous en êtes le créateur. Je peux voir son petit corps comme ça. Et peut-être qu'il a la queue comme ça, endormi. Et c'est quoi ça ? Je n'ai pas vraiment besoin de l'ajouter. Cela peut être un espace négatif , comme nous l'avons déjà dit. L'espace peut être négatif, alors gardez cela à l'esprit. Ensuite, où puis-je voir une tête de chat ? Voici un cercle. Ça peut être la tête. J'ajouterai les oreilles et le visage. Je dois ajouter le corps. Il peut avoir des mains comme ça, des pattes. Voici son corps comme ça et peut-être sa queue. Il ment juste comme ça. D'accord. Ensuite, voici le visage. Où est la tête ? Je suppose que je vais revoir le corps ici. Et la queue aussi. Et peut-être les sondages d'opinion ici. Oh, glisser comme ça, c'est trop mignon. Peut-être qu'il a sa balle avec laquelle il a joué ici. OK, ça va être simple. Oups. Ce ne sont que des oreilles. C'est un portrait. Et c'est, encore une fois, pour moi, déjà évident. Voici donc le visage. Voici le corps. Je vais maintenant ajouter également des pattes, et voici la queue. D'accord. Et si je veux chercher un autre sujet, par exemple une grenouille, un chien ou un oiseau, je peux voir et trouver ces objets dans ces constructions. C'est une très bonne pratique pour stimuler la créativité et simplement stimuler votre imagination. Donc, lorsque vous souffrez du syndrome de la procrastination et de l'imposteur et d'autres choses de ce genre, et que vous avez juste ce blocage créatif devant une toile et que vous ne savez pas Il suffit de commencer par ceci. C'est tellement bon. Cela ne fait que stimuler votre imagination et votre créativité et vous soulage de la pression, car la plupart du temps , c'est cette pression qui vous empêche de faire de grandes choses. C'était donc l' exercice d'aujourd'hui. Dans la leçon suivante, nous allons explorer les formes, sauter dans l'eau profonde et commencer à illustrer un chat. On se voit donc dans la prochaine leçon. M 5. Leçon 3 : la forme: Très bien, alors bienvenue à la leçon d'aujourd'hui. Dans le dernier, nous avons exploré ce que sont les lignes, et aujourd'hui nous allons approfondir les formes. Désormais, les formes sont des zones bidimensionnelles enfermées créées par des lignes, des arêtes ou des limites de couleur. Une forme est définie par sa hauteur et sa largeur, mais contrairement aux formes, elle manque de profondeur. Les artistes utilisent des formes pour établir une structure, définir des objets et créer des motifs dans une composition. Maintenant, il existe plusieurs types de formes. La première concerne les formes géométriques, non ? Je suis sûr que tu le sais. Il s'agit de formes mathématiques précises telles que des cercles, des carrés, des triangles, des rectangles et des polygones Ils sont souvent symétriques et rigides, évoquant un sentiment d' ordre et de stabilité Les formes géométriques se retrouvent couramment dans les objets fabriqués par l'homme et les conceptions architecturales. Lorsque vous illustrez, vous n'avez pas besoin d'être mathématiquement complètement précis avec les formes géométriques, Cela serait nécessaire pour le dessin technique ou la conception architecturale, vous savez, où vous devez vraiment être comme un chirurgien. Mais à titre d'illustration, vous êtes totalement libre. Alors ne vous attardez pas sur les formes géométriques, d'accord ? Je vais donc simplement dessiner un cercle, puis vous verrez que nous avons déjà parlé du fait que si je maintenais la forme enfoncée, ce menu apparaît pour moi et procrée Je clique donc ici et je clique sur circle et IG circle. Ce que j'utilise manuellement lorsque je fais des médias traditionnels. Je prends juste, je ne sais pas, un mug et je dessine autour. exemple, vous n'avez pas besoin d'outils supplémentaires Pour être précis, vous pouvez même utiliser une règle, mais nous pouvons également créer un carré comme celui-ci. Si vous dessinez un carré comme celui-ci et que vous maintenez le bouton enfoncé, ce menu fait apparaître une polyligne et vous pouvez créer un rectangle ou un carré à partir de Donc oui, nous avons des carrés, des polygones. Cela signifie qu'il y a plusieurs côtés à cette forme, et nous avons également des triangles. Nous allons travailler avec ces trois formes dans le prochain exercice. Donc, si vous voulez prendre une minute pour simplement revoir la façon dont vous dessinez ces formes, vous pouvez le faire Nous avons également des formes organiques. Il s'agit de trois formes, asymétriques et souvent présentes dans la nature Ils ont tendance à avoir des bords irréguliers plus fluides, tels que la forme d' une feuille ou d'un nuage. Laisse-moi juste dessiner la forme d'une feuille. C'est organique et c'est un cloud. Les formes organiques sont plus imprévisibles et peuvent donner une impression de vie et de mouvement à vos œuvres d'art. Maintenant, quel est le rôle des formes dans l'art ? Les formes sont souvent le moyen le plus simple de décomposer une image complexe en parties plus simples. Comme nous l'avons fait dans la leçon précédente, il existe ces formes complexes. Elles peuvent être totalement aléatoires. Mais, par exemple, vous voulez dessiner un bâtiment ou une scène. Ou un animal, vous devez décomposer sa forme complexe en formes géométriques de base, et il sera beaucoup plus facile de dessiner le sujet. Les artistes commencent souvent par des formes de base lorsqu'ils esquissent un sujet avant de le peaufiner pour obtenir des formes plus détaillées L'interaction des formes peut également créer de l'harmonie, contraste ou de l'équilibre dans une composition L'art abstrait repose souvent sur l'utilisation de formes pour transmettre des idées ou des émotions sans nécessaire de les représenter de manière réaliste. En ce qui concerne les formes, il est très important de mentionner le langage des formes. Lorsque nous parlons d'illustration, design des personnages est un élément essentiel de la création, comme des illustrations, des personnages principaux de nos histoires que nous essayons de raconter avec nos illustrations, car les illustrations concernent des histoires. langage des formes et le design des personnages font référence à l'utilisation de formes spécifiques pour exprimer personnalité, les émotions et les traits d' un personnage . En manipulant les formes de base, les cercles, les carrés et les triangles, les artistes peuvent communiquer visuellement idées sur la nature du personnage d'une manière que les spectateurs comprennent instinctivement Chaque forme comporte donc son propre ensemble d' associations et de signaux émotionnels qui trouvent un écho chez le spectateur, permettant au concepteur d' influencer subtilement la façon dont un personnage est perçu Par exemple, parlons de cercles. Les cercles sont doux, amicaux et accessibles. Les cercles, les lignes courbes et les formes arrondies sont souvent associés à la douceur, à la sécurité et à la convivialité Ils n'ont pas de bords tranchants, ce qui les rend chauds, accueillants et non menaçants. Il peut donc symboliser un personnage sympathique. Inoffensif et naïf. carrés sont cependant stables, solides et fiables. formes carrées et rectangulaires évoquent la suggestion, la force et Ces formes semblent solides et fiables en raison des lignes droites et de la nature structurée d'aujourd'hui Ils évoquent souvent des sentiments de puissance, de durabilité et de fiabilité personnages tels que les guerriers et les protecteurs sont souvent conçus avec des corps carrés et des caractéristiques mettent l'accent sur leur fiabilité et leur résilience Et aussi des figures d'autorité comme les leaders, les morts et les super-héros Parlons des triangles. Les triangles sont dynamiques, agressifs et dangereux. Ainsi, les triangles et les formes angulaires dotés de ces arêtes transmettent une sensation d'énergie, de netteté, de prévisibilité, et ces arêtes pointues suggèrent le danger, l'agressivité Les triangles peuvent faire en sorte que les personnages se sentent dangereux. Ainsi, par exemple, les personnages méchants et les antagonistes des histoires incorporent souvent des formes angulaires pointues pour signaler leur danger et leur masculinité Bref, c'est ce que je voulais vous dire à propos du langage des formes. Donc, en tenant compte de tout cela, nous allons commencer l' illustration de notre chat. D'accord ? Le thème de ce cours sera donc d'illustrer un chat. Donc ce que je veux de toi maintenant, c'est d'aller dans la galerie et de retourner voir ton chat. C'est le moment où vous devez décider quel type de chat vous allez avoir comme personnage dans votre illustration. Sera-t-il comme un gentil chat ou un méchant chat ? Vous savez, nous avons déjà travaillé avec des formes dans la leçon précédente. Je vais tout désactiver et créer une autre couche, choisir mon noir et choisir ce crayon accrocheur. Je veux donc que vous réfléchissiez maintenant à ce personnage. Et en fait, les parties du corps d'un chat, vous n'avez pas besoin dessiner toutes les parties du corps d'un chat, et nous n'avons pas vraiment besoin d'en faire trop, car c' est comme un cours pour débutants et les bases de l'art, d'accord ? Donc je ne veux rien de dur de ta part. Je veux donc que tu penses aux parties du corps. Alors, prenons-en trois, d'accord ? Nous aurons donc la tête. Tu auras le corps, et nous aurons la queue. Donc, ces trois-là seront au centre de l'attention et les oreilles et les jambes ne seront qu' une question secondaire, d'accord ? Pensez donc à la forme de la tête, la forme du corps et à la queue, et je veux que vous passiez un peu de temps à combiner des formes géométriques de base pour voir à quoi ressemblerait cette combinaison. Ainsi, par exemple, je peux avoir une tête circulaire, mais ce qui m'est venu à l'esprit, c'est que je voulais avoir une forme un peu plus rectangulaire comme tête de chat. Pour transmettre cette émotion de stabilité, disons. Il est également intéressant de créer une carte mentale sur la conception de votre personnage, mais je ne veux pas entrer dans le détail. Concentrons-nous simplement sur les fondamentaux de l'art. Alors dessine de la glace. Je vais juste les noter très rapidement. Utilise un nez. Et ajoutons les oreilles. Elles ne sont pas très nettes, donc je ne crée pas des oreilles comme celle-ci, mais un peu plus arrondies. Pouvez-vous voir que même s'il a un bord en haut, va être arrondi. Je veux donc transmettre l'émotion que ce chat est gentil, d'accord ? Je veux conserver cette rondeur dans la forme du corps. Il aura tellement de corps et de queue. Vraiment sympa. Je veux qu'à la fin de cet entraînement, vous ayez une sorte de croquis approximatif d'un chat. Repense juste à la forme de la tête, d'accord ? Le corps qui peut avoir une forme de base triangulaire qui peut avoir une queue et, d'une manière ou d'une autre, des oreilles. Vous pouvez simplement noter les yeux, le visage, etc. D'accord ? Alors prends ton temps. Vous pouvez simplement dessiner de la même manière que moi ou simplement trouver votre propre solution. C'est bon. Après avoir ce sketch, rendez-vous à la pause café d'une minute parler de quelques trucs créatifs. Ils vont le découvrir. Ils sauront que la façon dont je dessine un arbre a été inspirée par mon amie de maternelle, et elle l'a fait de cette façon. Et maintenant, je suis une impostrice parce que je la copie toujours après 30 ans. Ça me semble familier. Bienvenue dans le syndrome de l' imposteur. Le syndrome de l'imposteur est lié au fait que vous êtes réellement propriétaire votre parcours artistique et à la limite entre l' inspiration et la copie Et tracer cette limite repose sur la confiance. Il est tout à fait normal d'intégrer des choses que vous aimez à votre travail. Comme les couleurs, les combinaisons de couleurs, l'utilisation du dessin au trait, compositions, les différents sujets, les choses que vous aimez dans le travail des autres Vous pouvez vous inspirer de votre environnement et de la nature et intégrer des éléments à partir de là, comme des textures ou, encore une fois, des couleurs. C'est ce que font tous les artistes. C'est ce qu'on appelle l'inspiration. L'autre avantage, c'est de copier, d'accord ? Copier n'est pas acceptable si vous ne le référencez pas. Vous pouvez apprendre beaucoup en copiant le travail de quelqu'un d'autre. C'est ce que les gens aiment parfois imiter de grands maîtres, l'œuvre de grands maîtres, n'est-ce pas ? Vangg ou Vous pouvez apprendre la technique, vous pouvez apprendre ou voir à quoi ressemblent les différentes couleurs, comment mélanger ces peintures, etc. C'est ce qu'ils font à l'école. Mais c'est comme du référencement. J'ai copié cet ouvrage pour apprendre. Et c'est tout à fait normal. Faire cela puis dire que votre travail n'est pas acceptable. Mais pourquoi ferais-tu ça ? Si vous êtes confiant dans votre parcours, vous ne le ferez pas. Nous sommes donc arrivés à un point très important. Tu as besoin de ta confiance. La confiance nous permet d'intégrer le travail des autres tout en le transformant en quelque chose qui reflète notre vision unique Le syndrome de l'imposteur provient également du sentiment que nous ne sommes pas assez compétents pour ne pas savoir ce que nous faisons Nous ne sommes pas assez bons. Nous comparons notre parcours à celui des autres. Vous pouvez essentiellement surmonter le syndrome de l' imposteur en étant responsable et confiant dans votre façon de faire Vous devez avoir confiance dans votre essence unique, les déchets que vous recevez du monde, et laisser cela être la nature , et laisser cela être la nature travail de quelqu'un d'autre ou quelque chose que vous inventez vous-même Toute la combinaison, c'est toujours vous et vous êtes toujours en train de le faire. C'est vous qui avez aimé ces choses et qui les avez mises ensemble, d'accord ? Vous n'êtes donc pas un imposteur. Vous ne serez pas éliminé. Bien, maintenant que vous savez que vous êtes le créateur et non un imposteur, continuons avec notre sketch D'accord ? Je vais réduire l'opacité de cette esquisse et créer une autre couche en dessous de l'esquisse Je vais juste passer un peu de temps à peaufiner le croquis et je vais même ajouter des accessoires. Parlons donc un peu plus du character design. Donc, si vous souhaitez ajouter une personnalité au personnage que vous créez, ajout d'accessoires à l'esquisse ou au dessin vous aidera beaucoup. Je veux donc que ce chat boive du café. D'accord ? Et je veux que ce chat soit comme un chat mort intelligent et fiable, je vais juste revenir une seconde sur ce dessin. Et je vais ajouter une tasse à café, une tasse à café géante ici. Et ajoutez-y ces pattes ou ces têtes de chat. Je vais juste affiner cette capture dans une seconde et je n'ai pas besoin d'en faire trop Voici une tasse à café. Je suis dans ma nouvelle couche. Et ce que je vais faire, c'est suivre ce croquis de base comme guide et dessiner un dessin au trait net dessus. Il est donc en train d'affiner le croquis. Il s'agit de m'assurer que tout est en place. Comme vous pouvez le voir, j'utilise beaucoup de lignes courtes pour obtenir la forme. Et je n'aime pas cette partie, donc je peux l'affiner au fur et à mesure et apporter des ajustements à l' esquisse de cette façon. J'ai des yeux géants et j'essaie peut-être d'y ajouter des reflets ou de le rendre un peu drôle. Le chat regardera donc la tasse à café et aura une sensation un peu maladroite ou géniale ou géniale Je vais devoir ajuster ces yeux dans une seconde, mais j'ajouterai aussi des moustaches . Comme ça. Mmm. Il y a quelque chose qui ne va pas avec les yeux. Je vais passer un peu de temps à peaufiner le OK. Ça a l'air sympa. Je vais ajouter les oreilles. Un petit peu, on dirait un lapin. Je vais créer des oreilles plus petites. Comme ça. D'accord. Cool. Passons au corps. Maintenant, ce qui m'est venu à l'esprit, ce sont les proportions. Je pense donc que le corps est trop grand pour le mug. Je veux créer du contraste. Je vais ajouter le mug ici. Ce sera le mug du café. Nous pouvons avoir quelque chose écrit sur le café, comme bonjour ou quelque chose comme ça. Oups. C'est bon. Et je vais rendre le corps petit. Et un peu triangulaire peut-être comme ça. Laissez-moi voir comment cela fonctionne. Je vais ajouter des pattes comme ça. Laisse-moi éteindre. Celui-là. D'accord. Je ne suis pas sûr. Je vais essayer d'arrondir un peu plus cette forme. Je veux une tasse à café géante, je vais donc sélectionner cette tasse à café. Et glissez, coupez et collez du doigt gratuitement, et je vais l'agrandir . Comme si gros. Et allez dans la couche du corps, sélectionnez le corps et réduisez-le. Plus petit. Comme ça. Je peux l'effacer. Un peu Comme ça. Je vais vers la tasse à café et je l'ajuste efface la patte, la patte, une autre patte. Comme ça. Tu peux le tenir. Je vais effacer un peu de ça, euh, Steam. C'est un peu embêtant. Et je vais également ajuster la glace. Je vais donc les mettre sur la même couche afin de pouvoir ajuster la glace. W. En fait, je vais ajouter quelques verres par dessus. Alors un cercle, un autre cercle, agrandissez-le et connectez Walla J'ai peut-être un joli petit chat qui tient une tasse de café géante Et qu'en est-il des jambes ? Je vais pouvoir ajuster et ajouter une pause ici. Vous pouvez ajouter une pose comme s'il était assis. Ce serait chouette. Donc, par exemple, comme ceci, ou vous pouvez simplement les laisser de côté tels quels. Ou vous pouvez agrandir encore la tasse à café et simplement cacher le chat derrière elle. Si vous n'êtes pas sûr, comment procéder. Et je peux même ne pas le savoir. Effacez la queue et collez-en une autre. Comme ça, derrière la tasse à café, et il peut s'agir d'une assiette géante sur laquelle ils sont assis par exemple. D'accord. Ça a l'air sympa. D'accord. Vous venez donc de faire l'expérience mon état de flux où je trouve des idées au hasard . Permettez-moi de faire un petit résumé ce que vous devez faire d'ici la fin de cette leçon Trouvez donc des formes libres pour les principales parties libres du corps du chat. Ainsi, la tête, le corps et la queue créent une composition de ces formes géométriques, créent un chat à partir de celle-ci. Esquisse approximative aléatoire d'un chat. Ajoutez ensuite un design de personnage. Des accessoires dedans. Donc, des accessoires de hache ou quelque chose que fait le chat. Il peut donc s'agir d'un livre. Il peut s'agir d'une tasse à café. Cela peut être n'importe quoi. Parce que lorsque nous illustrons, nous illustrons des histoires, il se passe quelque chose sur ces illustrations, Il est donc pire d' ajouter certaines choses, car cela racontera l'histoire. Alors réfléchissez à quelque chose et ajoutez-le. Et si vous C'est une très bonne astuce si vous ne savez pas comment terminer un chat. Donc, si vous ne savez pas comment ajouter les pieds ci-dessous, recouvrez-les d'un objet. Maintenant, j'ai cette tasse à café. J'ai couvert le bas du corps du chat, mais vous pouvez toujours voir qu'il a en quelque sorte cette forme de corps. Et oui, ça va être très amusant. Vous pouvez passer du temps à peaufiner l'esquisse. Je ne suis pas vraiment satisfait de ces glaces, mais je travaillerai dessus plus tard ou je pourrai y travailler plus tard, non ? Je ne suis pas un imposteur. Voici mon œuvre d'art. Je suis le créateur. Tu es le créateur. Vous pouvez donc être directeur du processus de création. Alors, prenez votre courage, terminez un croquis et passez à la leçon suivante lorsque vous serez prêt d'une manière ou d'une autre. Si vous ne ressentez pas les énergies créatives et que vous ne pouvez tout simplement pas faire un croquis. Vous allez simplement prendre le croquis dans les ressources, passer à la leçon suivante et travailler avec moi tout au long du cours. Et une fois que vous avez terminé le processus de pliage et que vous savez que vous pouvez le faire, vous pouvez simplement revoir le tout et créer vos propres informations. C'est trop cool. Très bien, alors rendez-vous dans la prochaine leçon où nous allons parler de forme 6. Leçon 4 : forme: Bienvenue. Dans cette leçon, nous allons parler de forme. Maintenant, la forme fait référence à une forme qui a trois dimensions, hauteur, largeur et profondeur. Les formes existent dans le monde réel et ont du volume, par opposition aux formes bidimensionnelles plates. Dans l'art bidimensionnel, la forme artistique est souvent impliquée par le biais de techniques telles que l'ombrage, la perspective et les reflets, qui donnent l' illusion de profondeur Il existe plusieurs types de formulaires comme c'était le cas pour les formes. Ainsi, par exemple, il existe des formes géométriques. Ce sont des équivalents tridimensionnels de formes géométriques. Ainsi, par exemple, nous avions des cercles. Ce sont des sphères en tant que forme. Nous avions un carré, c'est un cube en ce qui concerne sa forme. Ensuite, il y a les formes organiques comme les formes organiques, les formes organiques sont plus naturelles et irrégulières. Par exemple, le corps humain, les arbres, les animaux et les autres objets naturels ont tous des formes organiques souvent asymétriques ou fluides Nous allons en fait explorer ombrage lorsque nous parlons de formulaires Et je souhaite faire la différence entre deux types de surfaces en matière d'ombrage, à savoir l'ombrage et l'ombrage objets ronds et l'ombrage d'objets présentant des arêtes OK ? Il y a une différence avec l'approche de l'ombrage. Alors laisse-moi juste choisir une couleur que je choisirais ce rose parmi ce petit ombrage Comme vous pouvez le voir, voici ce mug, et il est entouré d'objets. Pouvez-vous me dire comment il est ombré ? Eh bien, c'est une gradation douce. Cela signifie que cette ombre passe doucement d' une couleur à l'autre. Et cela crée l'illusion que l'objet qui s'y trouve est arrondi. OK ? Il est arrondi. Il n'est pas plat. Il est arrondi. Donc, cette ombre se dissout au fur et à mesure que l'objet se rapproche de vous Nous allons le faire dans une seconde. Quand il s'agit d' objets avec des arêtes, par exemple, c'est une sorte de gradation, mais pouvez-vous le voir ici ? Il s'agit donc d'une surface plane avec de l'ombre, et l'objet ou la surface à côté se trouve à un niveau complètement différent. De légèreté. Il ne se passe donc pas facilement de cette partie sombre à cette partie plus claire, mais il y a une coupure. J'aime l'appeler comme s'il s'agissait de niveaux d'ombrage. Ainsi, lorsque nous ombrageons une sphère, elle aura une gradation douce Et lorsque nous ombrageons un objet avec des bords, nous avons des niveaux d'ombrage Ouais. Je vais donc le faire sur cette feuille de travail J'ai une nouvelle couche. J'ai choisi ce rose. Tu peux le faire avec moi pour essayer, d'accord ? J'ai une nouvelle couche. Je vais choisir le clean shaper et créer une sphère. Je vais dessiner un cercle, le remplir de couleur. Il me reste quelques pixels de ce côté. Je vais effacer ici. Ce cercle n'a pas besoin d'être parfait, d'accord ? C'est bon. Maintenant, je vais verrouiller cette forme et choisir une version plus foncée de cette couleur Je vais choisir le pinceau shader, et en gros, je déciderai si la lumière vient de ce côté Vous devez penser à la source de lumière, origine et à son point de contact avec l'objet Et de l'autre côté, vous aurez l'ombre. Je vais juste ajouter de l' ombrage à la sphère. Il s'agit d'une gradation douce. On passe doucement de cette couleur plus claire à cette couleur plus foncée sur le côté. Comme vous pouvez le voir, j' en ai oublié un peu. Cela est dû au reflet de la surface dont je vous parlerai un peu plus tard. Je vais choisir une couleur un peu plus foncée et l'assombrir encore plus à cette Je vais prendre une couleur plus claire. Pour mettre un peu en valeur en haut. Et voilà, nous avons un objet en trois dimensions. J'ai donc commencé comme un cercle avec une ligne, rempli de couleur, c'était une forme, et quand j'ajoute des ombres, cela devient une forme. La raison pour laquelle ils vous disent, dans cours d' art, d'apprendre à ombrer les formes géométriques, c'est pour que vous sachiez comment fonctionne la lumière sur différentes surfaces Comme nous sommes dans un cours pour débutants, j'aimerais que vous vous souveniez maintenant que lorsque vous ombragez des objets ronds, cela passe facilement du clair au foncé Et lorsque vous avez des bords, il y a des niveaux d' obscurité et de lumière Ce qui est également très important, que je vais créer une couche sous nos ombres tombantes. J'adore les ombres tombées car elles ajoutent vraiment une sensation d'espace. Et nous parlerons de l'espace un peu plus tard. Mais maintenant, choisissons simplement ce noir, et j'ajouterai juste une petite ombre sous cette sphère, et on dirait immédiatement qu'elle se trouve sur quelque chose. Il suffit d'y jeter un œil. C'est comme si je flottais dans les airs, je le remets en place et boum, il se trouve sur une surface. Voici donc ce que tu peux faire. Permettez-moi de créer rapidement un cube. OK. Je vais donc choisir le clean shaper, créer rapidement des ops, le carré Nous allons fermer le formulaire, le remplir. Et en fait, je vais créer une autre couche pour en créer les côtés. Je n'ai vraiment pas envie de me lancer dans l'art tridimensionnel. L'ajout d'ombres à des formes bidimensionnelles donnera un rendu à votre image, et c'est juste suffisant, vous savez. C'est bon. Euh, oups n'est pas parfait, mais je ne veux pas perdre de temps là-dessus. Je vais choisir une couleur plus foncée, verrouillage alpha et les cerceaux, utiliser le shader et assombrir beaucoup cette partie et juste un peu de Et comme vous pouvez le voir, à ce bord, si je laisse cette ombre douce, on dirait qu' elle est arrondie. Mais si je crée un avantage très dur. Vous pouvez voir que c'est devenu plus net, non ? C'est donc l'astuce qui consiste à ombrer surfaces ou les arêtes arrondies OK ? J'ai donc mis un peu d'ombrage sur le devant pour qu' il soit un peu texturé Nous avons l'air en meilleure forme. Mais je suis cool. C'est donc ce que vous devez retenir. Et maintenant, passons à l'entraînement et parlons un peu de notre chat. OK, donc dans la première partie de cette leçon, nous allons simplement remplir les formes, accord, sur différentes couches. Remplir des formes sur différentes couches vous aidera à faire de l' ombrage, d'accord ? Alors, choisissez une couleur pour votre chat. Pour une raison ou une autre, j'ai pensé que ce chat serait bleu indigo. C'est juste dans mon chapeau, nous parlerons donc de couleur un peu plus tard, et nous pourrons également ajuster les couleurs plus tard. Alors maintenant, ne vous concentrez pas vraiment sur la couleur que vous choisissez réellement, mais assurez-vous de choisir une couleur, et je vais vous montrer comment travailler avec la couleur. OK ? Je vais donc choisir un peu comme ça. Et commençons à créer une palette. Je vais donc simplement passer à la palette, créer une nouvelle palette et y ajouter cette couleur. La façon dont je commence à illustrer chaque pièce est de réduire l' opacité de cette esquisse, de créer une autre couche en dessous. Et choisissez la forme ou le pinceau épuré parmi le jeu de pinceaux et commencez simplement à remplir les formes. Donc, ce que je vais faire, c'est diviser cette esquisse en formes que j'ai réellement créées auparavant et simplement les remplir. Je vais accélérer ce processus. Prends ton temps pour remplir les formulaires, d'accord ? Je vais donc commencer par la tête. OK. Ajoutons ensuite le cou. Ou, en fait, vous pouvez ajouter une sorte de forme de base de ce corps. Peut-être que ça va aider. C'est bon. Ajoutons les oreilles. Je vais ajouter des détails. Et superposez le dessus et choisissez une autre couleur pour un mug Je choisirai la plage claire et je réduirai la couleur de fond gris plus foncé pour que je puisse voir ce que je dessine ici, d'accord ? Et une autre couche en dessous de tout cela. D'accord, et décidez également ce que vous allez avoir dans cette tasse. Je vais prendre un café, donc je choisirai le brun foncé et je remplirai simplement la tasse sur une couche séparée. J'ajouterai également les mains sur le dessus. Comme ça. Et oui, j'ai rempli toutes mes formes. Voyons maintenant quelles couches j'ai. J'ai une couche pour l'assiette. J'ai une couche pour la queue, le corps, où je continue simplement cette main ici pour qu'elle n'ait pas de tête flottante, vous savez, liée d'une manière ou d'une autre au corps. Les oreilles, la tête, le café, le mug, et oui, ces mains. Donc oui, faisons une pause café d' une minute , puis ombrageons le tout. Aujourd'hui, parlons des blocs créatifs. La plupart du temps, un blocage créatif vient de Rem lorsque vous vous concentrez sur le résultat final et sur toute la satisfaction que vous ressentirez une fois que vous aurez terminé ce projet, cette peinture, ce livre, peu importe. Mais vous avez un énorme travail devant vous, et qui veut le faire ? Pour surmonter les blocages créatifs, il est essentiel de trouver la joie du processus dans le dur labeur que vous devez accomplir et ne pas mettre le résultat final sur un piédestal Vous devez donc trouver de la joie dans le processus, dans le flux, dans les erreurs et dans l'apprentissage Et en gros, pour tout projet, si vous le décomposez en petites étapes et que vous vous concentrez sur le fait de le terminer étape par étape, vous aurez un sentiment de réussite plus régulier , et pas seulement un sentiment d'euphorie à la fin, comme si vous souffriez tout au long du processus et que vous vous concentrez sur le fait de le terminer étape par étape, vous aurez un sentiment de réussite plus régulier, et pas seulement un sentiment d'euphorie à la fin, comme si vous souffriez tout au long du processus et que vous ressentiez un effet positif à la fin. Mais vous remporterez de petites victoires tout au long du processus, ce qui vous motivera, vous incitera continuer et vous mettra moins de pression, sorte que vous n'aurez pas le blocage créatif. Vous saurez simplement ce que vous voulez faire et quelle est la prochaine étape à suivre. Sois également gentil avec toi-même. Permettez-vous de ne pas faire des choses productives tout le temps. Tu peux te reposer. Tu peux prendre du recul. Et ne te blesse pas. Ou ne pas être assez bon ou assez productif, mais prenez du repos et prenez du recul le cadre du processus qui vous permettra acquérir de nouvelles énergies , de nouvelles perspectives et un regard neuf sur ce que vous faites. Parfois, il suffit de s'asseoir et de jouer sans intérêt. C'est ce qui vous donnera l'impulsion nécessaire pour continuer et vous remettre dans cet état d'être créatif. Regarder la toile mélangée ne vous aidera pas. Alors peut-être que vous pouvez simplement commencer à griffonner ou ne rien faire du Passez simplement à votre journée, puis revenez quand vous ne ressentirez pas cette pression, encore une fois, qui vous oblige à faire quelque chose de très beau immédiatement. C'est juste irréaliste, non ? Restons réalistes. Nous sommes humains. Nous sommes en train de faire des bêtises. Nous traversons de mauvaises journées et nous ne pouvons pas créer, être productifs et être parfaits tout le temps. Et voici un puissant rappel. Tu es le créateur. Vous décidez donc quand vous créez, quand vous vous reposez, quand vous prenez du temps, quels sont vos objectifs et comment vous allez les atteindre ? Tu es le directeur artistique de tout ça. Donc, soyez responsable de ce que vous faites, vous pouvez le faire. Très bien, alors donnons un formulaire à notre chat. Nous devons toujours garder à l'esprit les formes géométriques de base qui sont à la base de notre dessin, d'accord ? J'ai surtout des formes arrondies ici. Je vais donc principalement ombrer avec ce dégradé doux, et je vais simplement commencer par la tête Pour l'ombrage, je vais enregistrer en alpha toutes les couches Et j'utiliserai la stratégie de l'ombrage avec une version plus foncée de la même couleur Nous allons parler des couleurs dans une autre leçon. Nous allons donc maintenant nous concentrer sur la bonne définition de notre ombrage. OK ? J'ai donc ma couleur de base. Je vais passer au classique et en choisir une version plus foncée, et j'ai un pinceau shader Le meilleur pinceau pour l'ombrage dans un Procreate est un pinceau à grains Si vous voulez créer cette ombre lisse. Vous pouvez également créer des ombres audacieuses. Cela dépend vraiment du niveau de détail que vous souhaitez mettre dans l'œuvre d'art. Donc, si vous avez un style d'ombrage différent, allez-y, mais je vous recommande également d'essayer ma méthode C'est donc une sorte de rectangle, mais avec des formes ou des bords arrondis. Oh, oui. Choisissez la forme de la tête. Et ce que je vais faire, c'est simplement contourner les bords de cette forme. Comme ça. Cela va donc l'assombrir et ajouter immédiatement cette sensation d' espace à cette forme Tu peux le voir ? Parce que, comme c'était le cas pour la sphère, la forme était en fait plus foncée sur les bords, puis elle devenait plus claire quand elle était, vous savez, dans l'espace. Je vais donc essayer de le faire en me concentrant sur le fait de passer doucement des bords à la partie interne du visage, je choisirai une couleur encore plus foncée pour les bords. Cela ajoutera encore plus de contraste à la forme. Et comme vous pouvez le constater, je ne fais pas ombrage directement sur cette partie, mais en dehors de la forme Et comme je peux le constater, la forme n' est pas vraiment parfaite, alors je vais juste m'en remettre. Et si vous exagérez l'ombrage, laissez-moi d'abord régler ce problème Et si vous exagérez l'ombrage, prenez simplement la couleur intérieure revenez un peu en arrière et lissez-la Et vous pouvez choisir une couleur encore plus claire au milieu pour ajouter cette partie surlignée afin qu'elle soit réellement plus claire au milieu. Tu peux le voir ? Donc, si je le fais avec toutes les formes , j'aurai cette impression de rendu. C'est le moyen le plus simple d'ombrer, et j'adore l'utiliser Ainsi, lorsque vous accédez à ce menu, vous aurez l'historique des couleurs que vous avez utilisées. Donc, si vous choisissez cette palette que nous avons créée, je peux simplement y placer mes couleurs. Placez-le également très sombre. Faisons donc cela pour toutes les formes. Je vais continuer jusqu'aux oreilles. J'ai mon shader, et je vais juste le réduire un peu et ajouter un peu d'ombrage sur les bords et même en bas, comme ceci Je sais que nous n'avons pas ajouté les détails du visage. Nous le ferons un peu plus tard. Mais maintenant concentrons-nous sur l'ombrage, d'accord ? Et aussi, je vais prendre le bleu léger et en ajouter un peu au milieu. Et faisons exactement la même chose au corps. Oups, la version plus sombre, oui. Donc, sous la tête, il y aura une ombre, non ? sorte d'ombre. OK. Eh bien, je vais ajouter le point ici. Cool. Et maintenant, passons à la queue. Si vous en avez besoin, vous pouvez agrandir encore le pinceau. Et j'ajouterai un peu de briquet. Oups, en haut de la petite queue. Et ici aussi. Cool. Allons voir les poules. Je vais faire exactement la même chose. Ombrez autour de cette forme. Aussi, cette forme, choisissez la version plus légère et ajoutez un peu de lumière sur le dessus. C'est totalement cool. Maintenant, voyons le mug. Je vais maintenir la touche enfoncée et trouver une couleur plus foncée. Par exemple, celui-ci. Voyons comment cela fonctionne. Hum, c'est autour de la forme, donc je vais maintenant me concentrer principalement sur le bas de la forme et je vais ajouter un peu de noir à l' intérieur du mug. Je vais le réduire et ajouter plus d'ombre au manche car cette partie est un peu à l'extérieur. Je vais choisir une couleur plus claire pour aller à l'extérieur, peut-être encore plus claire cette partie centrale, peut-être sur le dessus du mug ici. Pouvez-vous le voir jusqu'à l'embouchure du mug, si je peux l'appeler ainsi, peut-être aussi jusqu'en haut. Je vais choisir une couleur encore plus foncée et je vais juste rentrer à l'intérieur. N'ayons pas peur de l'ombrage, d'accord ? Je vais juste ajouter quelques ombres. dessous de cette main, vous savez que lorsqu'elle tient le mug, elle projette de l'ombre. Je vais donc y ajouter ces ombres. Je vais agrandir un peu le pinceau et ajouter un peu d' ombrage en bas Ajoutez également un peu d' ombrage autour de cet arc. Et je vais rendre cette partie intérieure encore plus sombre que l'extérieur. Et je vais aller ici et ajouter ces bords. Vous pouvez donc voir comment cela continue. J'espère que tu comprends ce que je veux dire. Donc, comme ça, je vais ajouter cette petite ombre sur le bord. Cela crée donc cet effet, vous savez, de la façon dont les tasses se trouvent à la bouche. Je vais assombrir un peu cette partie et peut-être en choisir une très blanche et en rajouter sur le côté du mug également ici, peut-être encore plus blanche sur cette Pour l'allumer. J'adore jouer avec ça. OK, je trouve que ça a l'air plutôt cool. Je vais ajouter par dessus un peu de blanc, peut-être un peu de reflet ici et là. J'ajoute un peu de réflexion ici. Cool. Ajoutons d'abord un peu d'ombrage au café Je vais choisir un brun clair et ajouter un peu d' ombrage au milieu Comme ça, ça a l'air super cool. Passons maintenant à l'assiette et faisons exactement la même chose. J'ai ces cheveux noirs. Je vais ajouter ce noir en dessous du tout. Et il me manque quelque chose ici. C'est quoi ça ? Oui, il me manque des pixels. Oh, d'accord. C'est une excellente occasion d'apprendre à réparer quelque chose comme ça. Je vais donc créer une couche en dessous. Choisissez un shaper propre, enveloppez la couleur qui s'y trouve et remplissez-le comme ceci Et je vais simplement fusionner ces deux couches. Et bien, j'ai une couche remplie. Je peux donc continuer ce que je faisais avec mon shader. Donc oui, c'est l'assiette. Je vais ajouter cet ombrage doux au milieu. Et pour une raison ou une autre, il n'est pas verrouillé en alpha, donc je vais le verrouiller alpha et le refaire. J'essaie donc en quelque sorte de créer une gradation fluide à partir du milieu J'ai choisi une couleur encore plus foncée du milieu vers les bords. Et c'est ici que la petite magie va opérer. Je vais juste effacer un peu cette forme parce que je ne l'aime pas. Vraiment beaucoup. Oups. OK, cool. OK. Et je vais choisir cette couleur très claire et le shader et le rendre petit Et je vais juste ajouter cet avantage ici. Oups, c'est encore plus petit. Tu sais quelles assiettes ont un cercle intérieur. OK, un peu de légèreté autour de cette forme. Nous l'agrandissons encore et l'éclaircissons un peu. Autour réduisez-le encore plus et choisissez-le presque blanc. Et sur les bords de cette forme, ajoutez simplement cette légèreté. Très bien, alors permettez-moi de faire un petit récapitulatif de ce que nous avons fait Nous avons donc essentiellement réparti les formes de forme présentes dans notre composition sur différents calques, les avons dans notre composition verrouillées alpha, puis nous avons choisi le pinceau de shader et la version plus foncée de la couleur, puis ombré les formes avec un dégradé lisse Maintenant, nous n'avons défini aucune direction de lumière et d'autres choses de ce genre. C'est le moyen le plus simple de donner vie à quelque chose dans l'espace si vous y ajoutez simplement des ombres. Hum, dans cette assiette, nous pratiquons l'ombrage plat Cette zone est donc plate. Il y a une lumière, et cette zone est également plate, y a donc pas autant de gradation lisse Comme vous pouvez le voir, c' est aussi un peu bio, et j'ai fait un mug comme celui-ci plusieurs fois, donc ça me vient plus naturellement. Mais encore une fois, pour savoir comment ombrager quelque chose, vous devez prendre vos fuseaux d'observation, prendre une tasse de café et observer comment la lumière agit dessus Bref, eh bien, je voulais vous parler des formes, et maintenant passons à la suivante où nous allons parler de l'espace et de l'illusion d' espace et placer notre petit chat dans d' autres dimensions. On se voit donc dans la prochaine leçon. 7. Leçon 5 : espace: C'est bon. Bonjour. Dans cette leçon, nous allons parler de l'espace. L'espace fait référence à la zone située entre les objets et à l'intérieur de ceux-ci. Il peut s'agir d'un espace positif, la zone occupée par un objet ou d'un espace négatif, la zone vide entourant l'objet. L'espace est utilisé pour créer une impression de profondeur et de dimension dans les Otwks bidimensionnels et joue un rôle crucial dans Maintenant, lorsque nous parlons des types d'espace, j'adorerais faire la différence entre le premier plan, le plan intermédiaire et l'arrière-plan Ce sont les trois plans d' une composition qui contribuent à créer une impression de profondeur. Le premier plan est donc la zone la plus proche du spectateur. Le plan intermédiaire est la zone située entre le premier plan et l'arrière-plan, et l'arrière-plan est la zone la plus éloignée du spectateur Dans l'art bidimensionnel, les artistes utilisent plusieurs techniques pour créer l'illusion de l'espace. Il y a donc une perspective. Et je dirais aussi de l'ombrage ou de l'ajout d'ombres tombantes. En matière de perspective, nous avons plusieurs types de perspectives. Il existe une perspective linéaire, une perspective à un point, une perspective à deux points, une perspective à trois points, etc. Nous n'allons pas vraiment parler des perspectives dans ce sens, mais laissez-moi simplement vous dire ce qu'est la perspective linéaire et expliquer en quoi consistent les perspectives à un ou deux points. OK, alors au début, jetez un œil à cette image. Vous pouvez immédiatement voir qui est à l'avant parmi ces trois personnages, qui est à l'arrière, Tout dépend du placement Et la règle que nous devons suivre ici est que ce qui est le plus proche de nous est plus important que ce qui est plus éloigné. D'accord ? Et aussi, ils sont dessinés plus bas. Ainsi, par exemple, cette licorne géante, la maman licorne, est attirée plus près du bord de la toile Et cela crée l'illusion que c'est comme au premier plan. Et ce petit bonhomme ici, ou même ce beignet, est dessiné plus haut et plus loin du bord du premier plan, d' Melo plus près de l'arrière-plan. Et cela crée l' illusion qu' se trouvent derrière ou, vous savez, ce genre d'espace que vous pouvez imaginer là-bas, qu'ils sont au sol. Maintenant, en jouant avec le déplacement, vous pouvez créer cette illusion, n'est-ce pas ? C'est ce que nous avons déjà fait. Donc, si je crée un grand cercle et un plus petit, vous verrez immédiatement que c'est derrière. D'accord ? Alors, jusqu'où pouvez-vous dessiner des choses ? Et c'est là que cette question de premier plan et d'arrière-plan prend toute son importance Nous avons généralement une ligne d'horizon. La ligne d'horizon, permettez-moi de la tracer ici. La ligne d'horizon est la ligne entre le ciel et la terre. Nous avons généralement des lignes d'horizon. C'est exactement comme ça. Il y a le ciel et la terre, voici l'arrière-plan, et ce sera le premier plan Plus vous vous rapprochez de la ligne d'horizon, vous verrez immédiatement qu'elle est plus éloignée. Tout ce qui est le plus proche de nous est plus grand quand on parle de taille, mais cela affecte aussi les couleurs. Tout ce qui est le plus proche de nous est plus grand, plus net, plus saturé, les couleurs sont plus chaudes et les objets plus éloignés en arrière-plan deviennent plus petits, plus pâles, plus lumineux et dans des couleurs plus froides Maintenant, nous pouvons créer cette illusion. Si nous mettons quelque chose ici, c'est une route. Vous avez déjà vu cette petite image miniature au début C'est une route qui mène quelque part à l'espace. Maintenant, le point où il atteindra cette ligne d'horizon sera une perspective ponctuelle. Si je dessine un bâtiment, par exemple, ici, et que je veux le rendre en trois dimensions, ces lignes seront toujours ces lignes seront toujours orientées vers le point de fuite C'est ce qu'on appelle le point de fuite. Je vais juste effacer ceci ici. Et tant que j'ai un cube. D'accord ? Nous pouvons également avoir une perspective à deux points lorsque nous avons deux points de fuite sur la ligne d'horizon, et nous pouvons même avoir des points de fuite libres Mais c'est plutôt de la géométrie, et je ne veux pas en parler dans ce cours d'illustration. Je veux juste que tu le comprennes. Il y a la ligne d'horizon. Nous avons un point de fuite là-dedans, et tout ce qui est de dimension libre se connectera à ce point de fuite Non, j'y retournerai. Ce que nous allons appliquer ici, c'est la première, la perspective linéaire que j'appelle perspective linéaire, selon laquelle les choses qui sont plus proches de nous sont plus grandes que celles qui sont plus éloignées. C'est donc ce que nous allons essentiellement appliquer. Lors de la première séance d'entraînement, je vous ai déjà parlé du drop shadow. C'est ainsi que nous pouvons créer de l'espace. De plus, l'ombrage a déjà ajouté de l'espace à cette petite illustration Donc, dans la première partie d'entraînement, nous allons d'abord ajouter les ombres tombées, puis ajouter les détails que nous avons omis, n'est-ce pas ? Donc, pour créer une ombre portée, créez une couche sous la plaque, choisissez le noir et passez au pinceau pour ombre portée que j'ai déjà inclus dans ce set de pinceaux. Maintenant, vous avez le noir, agrandissez-le et je vais placer une ombre sous cet objet. Il suit la forme de ce type d'objet, n'est-ce pas ? Et je suis en train de le superposer. Donc, plus je me rapproche de cet objet, l'ombre tombante deviendra plus foncée. Je peux le superposer comme ça. Et comme le chat a sa queue ici, je vais juste dessiner un petit objet en forme de queue . Et si vous souhaitez adoucir ces ombres, passez aux réglages, faites des entailles et floutez-les un Et maintenant tu as une jolie ombre tombante. Et cela a immédiatement créé l'illusion qu' il y avait de l'espace, d'accord ? Le chat avec la tasse est donc déjà quelque part. Il peut s'agir d'un bureau. Ça peut être, je ne sais pas, un plancher, peu importe, ça peut être à l'intérieur, ça peut être à l'extérieur. Nous en déciderons un peu plus tard. Mais concentrons-nous maintenant sur l' ajout de plus de détails à l'œuvre d'art. Nous allons également parler des ombres d' inclusion dans la deuxième partie. Mais bon, commençons. Je vais donc créer une autre couche sur le dessus et choisir blanc et le shaper épuré sentant simplement la forme des yeux OK, cool. Je vais maintenant créer une autre couche sur le dessus et en faire un masque de découpage Et je choisirai la couleur des yeux. Et j'ai pensé que ce brun orangé ferait du bien aux yeux. Je vais donc simplement le remplir. Maintenant, ce que vous devez savoir sur masque de découpage, c'est qu'il clipsera essentiellement cette couche à la forme qui se trouve en dessous Alors que nous avons dessiné ces cercles, euh, tout ce que je dessine sur un nouveau calque sera découpé à la forme des yeux Et c'est tellement bien parce que je peux ensuite déplacer cette forme comme je le souhaite et l'effacer sans affecter la forme de base des yeux. D'accord ? Je vais l'ajuster un peu ici. OK. Lo est si mignon, non ? Maintenant, créons un autre calque, redevenons-en un masque de découpage, puis dessinons le cercle intérieur, d'accord ? Et je ne vais pas opter pour des cheveux noirs, mais des cheveux bruns très, très foncés. Voyons voir. C'est presque noir. Alors peut-être celui-ci ? Oui, cool. Si vous devez effectuer un ajustement, il suffit de sélectionner un œil, par exemple, et de le déplacer. OK. À quoi ça ressemble ? Pour moi, quelque chose ne va pas, mais je dois peut-être le mettre plus bas. Comme ça. Peut-être aussi l' œil derrière. Oh, comme ça. OK, cool. Je dois m'adapter ici. Comme ça et super cool. Faisons-les aussi de l'ombre. Je vais donc aussi utiliser l'œil alpha, l'œil arrière. Commençons par le blanc. Je choisirai une couleur argentée ou grise plus foncée. Choisissez le shader. Et encore une fois, il suffit de contourner un peu cette forme. Je vais le réduire, rendre peut-être un peu plus foncé pour que le blanc ne soit pas 100 % blanc. J'y ajouterai également un peu de cela. Maintenant, je vais jouer avec ces deux couleurs. Je vais choisir ce brun foncé et passer à la partie œil doré. Encore une fois, avec le shader, je vais le rendre encore plus petit Je vais ajouter un peu d'ombre sur le bord de l'œil. Cela créera l'effet de cet œil brillant. C'est un peu plus une question de coloration maintenant, et je vais revenir à ce doré et choisir une partie encore plus claire ou une couleur plus claire, peut-être même jaunâtre, plus jaunâtre, comme ça Et autour de cet œil intérieur, je vais juste ajouter un peu d'éclat. Ça a l'air cool. Maintenant, je passe à ce brun foncé, je choisis cette couleur dorée et j'en ajoute un peu sur le dessus ou au milieu pour éclaircir la glace Super cool. Maintenant, je vais créer une autre couche et m' assurer qu'il ne s'agit pas d'un masque à clipser et je vais créer les lunettes Je choisirai ce jaune très vif, choisirai le clean shaper et je créerai les lunettes Je vais m'arrêter. Assurez-vous qu'il s' agit d'un cercle Cool. Je vais le réduire un peu. Je vais ajuster sa taille. Je vais m'assurer qu'il s'agit d'un uniforme et qu'il soit plus petit. Cool. Je vais relier les deux , faire le tour et m' assurer que le cercle est complet. Ça va. Maintenant, je vais le déverrouiller. Du jus plus foncé. Joe le shader, et va juste à l'intérieur. Faites-le petit. À l'intérieur de ces lunettes. J'ajouterai un peu de texture que nous allons réellement explorer dans la prochaine leçon. Mais oui, nous allons également ajouter de l' ombrage et un peu de texture OK. Et maintenant, ajoutons le nez. Je vais créer une autre couche. Le nez sera également brun très foncé. Je vais donc choisir le clean shaper. Ajoutez un peu de nez ici. OK. Oups. Je vais ajouter ces petites bouches. donc des points ici. Moustaches. En fait, je peux les ajouter. Ils peuvent être de n'importe quelle couleur. C'est vraiment cool. Et je vais ajouter ces choses à l'oreille. Je vais donc créer une autre couche, et il y aura juste cette plage très jaunâtre, de couleur claire Ces derniers étant plus jaunâtres, je vais changer de couleur, je vais donc passer au réglage de la luminosité de saturation Et je pense que je vais le rendre encore plus lumineux et changer la couleur en conséquence. Je vais le verrouiller en alpha, choisir une version plus foncée de la couleur. Peut-être que c'est brun, l' ombrage et encore une fois, ombragez un peu ces formes et assombrissez-les en bas pour qu'elles aient un peu d' ombre provenant du chapeau Et par là, j'ai déjà ajouté un peu de texture. Passons au café, et je vais créer une autre couche pour le café. Choisissez un brun très brillant et un crayon à dessin. C'est vraiment bien pour ajouter des détails. Et je vais juste ajouter une spirale au milieu et dessiner des bulles. Comme ici et là, des petites bulles. Comme ça. C'est vraiment cool. C'est bon. Alors maintenant, partons pour une pause café d'une minute, puis nous allons continuer avec les inclusions Aujourd'hui, nous allons parler du processus créatif conscient. Je sais que notre Dulu nous dit que les artistes professionnels s'assoient simplement devant la toile et créent immédiatement des chefs-d'œuvre Mais ce n'est pas ainsi que cela fonctionne. Tu le sais. Le processus de création est différent pour chacun. Si vous prenez conscience de la vôtre, vous souffrirez vraiment beaucoup. Par exemple, pour moi, ne rien faire pendant deux semaines puis tout faire en trois jours est la façon dont je peux travailler efficacement. J'ai déjà arrêté de me reprocher de ne rien faire de tel pendant deux semaines parce que je sais que tout trouve sa place dans mon esprit et que je peux ensuite m'asseoir et les assembler en trois jours. Et ces deux semaines comptent aussi. C'est ainsi que je travaille. Accepter cela comme mon rythme m' lever une telle pression inutile. Le processus créatif conscient signifie que vous vous connaissez vous-même, comment vous fonctionnez Que voulez-vous réaliser pour ensuite l' aborder avec curiosité. C'est le mot qui est très important. Il faut être curieux. Et lorsque vous connaissez votre rythme, vous pouvez plus facilement décomposer n'importe quel processus en étapes plus petites et l' aligner sur votre rythme, votre processus de création. Par exemple, la création d'une illustration comporte ses propres étapes : trouver l'inspiration, créer un croquis, créer un personnage, tracer des lignes, colorier, ombrer, etc. De plus, le fait de tenir compte des phases du projet ou de ce que vous allez faire, puis de l'aligner sur votre processus, vous apportera beaucoup de tranquillité et nous vous aiderons à travailler plus harmonieusement Alors ne sois pas Lulu. Sois attentive, Lulu. Bien, continuons et parlons des ombres d'inclusion qui vous aideront à obtenir plus d' espace dans l'œuvre d'art. Et pour cela, nous allons utiliser, encore une fois, le pinceau Drop Shadow et le noir. Maintenant, que sont les inclusions ? inclusions sont de petites ombres qui apparaissent lorsque deux objets se touchent. Ainsi, par exemple, lorsque le chat touche la tasse ou là où se trouvent les lunettes, vous savez, ou en dessous de certaines formes projetant de petites ombres tombantes, si je peux l'appeler ainsi. Je vais donc créer une autre couche et ajouter ces inclusions Et cela apportera plus d'espace à votre art et plus de dimensions. Par exemple, ici, l' oreille touche la tête. Je vais donc réduire un peu cette action et ajouter quelques ombres, juste une petite ligne. OK, je vais mettre cette couche par-dessus tout. C'est donc logique. Je vais également ajouter un peu d' ombre à cette partie de l'oreille. Ne vous inquiétez pas pour les couches ou les niveaux. Nous allons également masquer et brouiller cette couche. Voici donc un conseil de pro : l'ajout ces petites ombres vous aidera vraiment à augmenter la sensation d'espace de votre œuvre d'art Pouvez-vous voir qu'il crée déjà comme s'il projetait des ombres, plus de dimension à votre œuvre d'art. Je vais faire un peu d'ombre autour du globe oculaire pour que ce soit un peu caricatural À cette partie supérieure de l'œil, pas tout autour, mais uniquement là car cette paupière supérieure projetait cette ombre OK. Ensuite, j'en ajouterai sous le nez. J'en ajouterai sous les lunettes, en dessous des lunettes. Nous allons l' agrandir un peu, comme des cerceaux, et essayer de les ajouter ici Nous en ajouterons un peu plus en dessous du nez, peut-être en dessous de cette bouche. Ces points me manquent. Je vais juste revenir en arrière, trouver cette couche et ajouter ces points ici avec le texturateur Oups. Et j' ajouterai également ces sourcils si je suis ici en ce moment. Cool. Je vais donc y retourner et continuer avec les lunettes. Je vais donc ajouter une forme ou une petite ombre sous les lunettes comme celle-ci. Peut-être aussi en dessous de ces moustaches. OK. En dessous de la tête, sans aucun doute. Il nous faut une petite ombre là-bas. Je l'ajouterai également ici où la tasse est devant le corps. Cool. Maintenant, je vais ajouter un peu d'ombre ici pour que cette forme soit plus définie. Comme vous pouvez le constater, nous n'avons pas vraiment de liste ici dans la Soundwek et ces inclusions nous aident vraiment à Je vais ajouter un peu d'ombrage ici. OK. Ensuite, sous les pores, ici aussi. Puis à côté de cette poignée. Cool. Je vais l'agrandir un peu et je vais ajouter en dessous de la tasse ou du mug. OK. Ensuite, là où il se trouve devant la queue et peut-être aussi ici. Comme vous pouvez le constater, cela améliore le contraste de l'œuvre d'art. Ne vous inquiétez pas si ce n'est pas chouette, car pour l' instant je vais régler Gashenblur. Je vais juste ajouter du gashenblur à l'ensemble de la couche et Vous ne verrez même pas vraiment que quelque chose y est peint, mais cela créera une ombre, ce qui apportera simplement plus de contraste et d' espace à votre travail. Bien, alors que nous explorons l'espace aujourd'hui, nous avons déjà ajouté du contraste, des détails peints, mais nous devrions nous concentrer davantage sur l'environnement dans lequel se trouve le chat Maintenant, cette étape devrait intervenir un peu plus tôt. Lorsque vous créez un personnage vous pensez déjà ce qui se passe dans votre illustration. Nous allons maintenant esquisser grossièrement un arrière-plan. Nous n'allons pas nous lancer dans quelque chose de trop difficile. Je vais donc simplement créer une couche en dessous du tout. Choisissez un crayon à dessin, et je vais simplement définir une ligne d'horizon, d'accord ? Je voudrais donc également vous présenter le concept de la règle des tiers. Et la règle du troisième consiste à diviser une toile de toutes dimensions en trois parties paires. J'ai une partie ici, une partie ici. Un ici et un ici. J'ai divisé la toile en trois branches à la fois horizontalement et verticalement Maintenant, la règle des 30 concerne principalement placement des objets là où ces lignes se croisent, sont des points focaux, points plus intéressants d'une œuvre d'art. Si je place ce chat quelque part ici, il sera juste plus intéressant. Je vais simplement mettre chaque couche dans un groupe afin de pouvoir déplacer le chat. Oui, je suis en train de me regrouper. C'est bon. Maintenant, je peux me déplacer autour du chat. Si je réduis le chat et que je le place simplement ici, ce sera plus intéressant et je pourrai créer un environnement autour de lui. Si je le place ici, comme vous pouvez le voir, l'attention change, il sera ici. Je peux peut-être imaginer un bureau ici, puis il y aura un arrière-plan. Si je l'agrandis et que je le place de ce côté, après ce troisième OK. Ce sera, encore une fois, plus intéressant qu'au centre. Donc, si vous placez le chat dans les parages, vous pouvez immédiatement penser à des environnements adaptés à cette composition. Donc je veux que vous vous demandiez où placeriez-vous le chat, et je pense que je vais le faire venir ici, peut-être en le faisant grossir. Alors peut-être comme remplir ce troisième. J'ai donc ce troisième gratuit. Maintenant, je peux juste y ajouter quelque chose. Vous pouvez également réfléchir à endroit où vous allez placer cette illustration, par exemple sur Instagram. Ensuite, vous aurez besoin d'une toile de taille carrée pour la composition et créez-en des tiers. Je ne veux pas trop compliquer les choses. Maintenant, je veux que vous regroupiez ce chat, que vous le placiez tout autour de la toile et que vous pensiez aux environnements qui s'offrent à vous. Ce n'est pas grave non plus si vous le laissez au centre. C'est ce que je vais faire pour ne pas trop vous embrouiller. Et je vais désactiver ce troisième élément inférieur. Je vais créer une autre couche, et votre tâche consiste maintenant à simplement définir une ligne Hornza, et j'utiliserai le tiers inférieur pour Si je mettais la ligne d' horizon ici, l'angle de la composition changerait. J'espère que tu peux le voir. Très bien, nous sommes donc dans le tiers inférieur. Il suffit de définir une ligne d'horizon dans le tiers inférieur. D'accord ? Donc, le genre de troisième parfait, vous n'avez pas besoin d' être précis à nouveau. L'illustration n'est pas une question de précision. Très bien, alors faisons un petit récapitulatif ce que nous avons fait dans cette leçon Je vous ai donc présenté l'espace, cet espace est positif, l'espace c'est ce petit chat ici, et l'espace négatif, c'est tout ce qui est en dehors de lui. Ensuite, nous avons un premier plan, un plan intermédiaire et un arrière-plan, et nous devrions avoir une ligne d'horizon qui divise le ciel ou le mur ou quelque chose entre l' arrière-plan et le premier plan Maintenant, nous avons la règle des tiers, qui consiste à diviser une toile en trois parties paires à la fois horizontalement et verticalement et à utiliser ces lignes comme lignes directrices pour créer des compositions Euh, je vous présente également les inclusions qui sont en fait petites ombres tombées dans une illustration qui apportent plus de profondeur et de contraste à votre œuvre d'art Et maintenant, dans la leçon suivante, nous allons parler de textures et ajouter des textures , puis créer l' environnement également pour ce petit chat J'espère que cela vous a plu, alors à la prochaine leçon. 8. Leçon 6 : texture: Très bien, alors bienvenue à la leçon d'aujourd'hui. Nous avons déjà exploré la forme, la forme et l'espace des lignes , et le sujet d'aujourd'hui est la texture. Maintenant, la texture fait référence à la façon dont les objets se sentent ou ressemblent au toucher. En art visuel, la texture est la perception de la qualité de surface d'une œuvre d'art. Il peut être tectile, il s'agit donc d'une texture réelle ou d'une texture simulée implicite Mais les deux jouent un rôle important dans la façon dont le spectateur interagit avec une œuvre d'art et en fait l' expérience La texture peut susciter un sentiment de réalisme, transmettre des émotions et améliorer la réponse émotionnelle et physique du spectateur à une œuvre Maintenant, en ce qui concerne la texture réelle, c'est une texture physique que vous pouvez sentir lorsque vous touchez une surface, d'accord ? Ce type de texture est généralement tridimensionnel et se retrouve le plus souvent dans des sculptures, des œuvres mixtes, des objets physiques tels que des peintures comportant des éléments d'imposto ou de collage épais Maintenant, cette texture réelle dans l'art numérique est impossible, est-ce pas, parce que nous avons une surface complètement plane sur un écran. Cependant, c'est à ce moment que la texture implicite entre en jeu. Il s'agit d'une texture visuelle qui crée l'illusion de la texture créée par l'artiste. On dirait qu'il a de la texture, mais au toucher, la surface reste plane et lisse, non ? Ce type de texture repose sur des techniques visuelles telles que l'ombrage, pinceau et le modelage pour inciter l'œil à voir une surface texturée Vous pouvez l'obtenir avec des rendus réalistes. Ainsi, dans les peintures très réalistes, non dans les dessins, les artistes imitent souvent les textures, telles que le grain du bois, la fourrure ou vêtements, en utilisant habilement reflets et les détails des ombres Ainsi, plus vous entrez dans les détails lorsque vous peignez une surface, vous obtenez des résultats plus réalistes. Maintenant, à titre d'illustration, ce n'est généralement pas très réaliste. Il existe donc des techniques, comment créer des textures, comme celle que je vous ai montrée avec du bois, d'accord ? Donc, si vous ajoutez des détails, nous allons maintenant combiner un peu ces deux sujets. Comme je l'ai déjà mentionné, le niveau de détail influencera réellement votre style. Alors, jusqu'où allez-vous dans les détails ? Vous pouvez donc peindre le bois avec un pinceau en bois vraiment réaliste à la texture du bois que vous pouvez réellement créer et procréer ou simplement utiliser ce niveau de détail pour créer des textures Il s'agit donc en fait d'une texture en bois. Mais comme vous pouvez le constater, cette tache que j'ai créée ici contient du grain, et elle est en fait, je pense, créée à partir de la texture du papier aquarelle Donc oui, pour en revenir à une texture réelle, lorsque vous peignez sur du papier toile, du papier aquarelle, elle a déjà une texture Et c'est ce qui nous manque dans l'art numérique, et c'est pourquoi il est très important d' ajouter de la texture à nos œuvres d'art. Ainsi, dans l'illustration numérique, la texture est souvent simulée l'aide de pinceaux ou de motifs pour imiter l'apparence de matériaux réels tels que la pierre, le tissu ou Et ce que j'ai découvert, c'est que lorsque nous faisons de l'ombrage, en numérique, nous créons déjà des textures Donc, si nous revenons à notre chat, cet ombrage semble un peu plat, mais il a déjà une certaine texture Pouvez-vous voir que ces grains autour du visage dans l'ombre ajoutent déjà de la texture ? Déjà ici, pouvez-vous voir que ce pinceau , ce crayon à esquisse, contient déjà une texture, donc il a déjà ajouté de la texture à l'œuvre d'art Maintenant, ce que nous allons faire, c'est ajouter la sensation de fourrure au chat. Comme je l'ai déjà mentionné, vous pouvez créer une texture avec des lignes. Donc, lorsque vous tracez beaucoup de petites lignes, permettez-moi de revenir ici. Vous pouvez donc créer de nombreuses petites lignes, qui créeront en fait une sorte de motif, et c'est ce qui créera pour nous cette illusion de fourrure. Et comme vous pouvez le constater chez ce chat, vous pouvez voir que ces petites lignes ont vraiment créé ce joli effet de fourrure. Ça a l'air vraiment cool. Comme vous pouvez le constater, j'ai déjà joué avec les couleurs ici pour ajouter de la variation, créer plus de profondeur, de contraste et d'intérêt pour l'œuvre d'art. Donc, ce que nous allons faire maintenant, c'est retourner à notre chat et je vais ouvrir ce groupe. Je vais créer une nouvelle couche au-dessus du corps, et je vais choisir une couleur plus foncée et choisir ce crayon de mise en cache Je vais aller voir ce chat. Je vais rendre le pinceau un peu plus petit. Je vais essayer d'ajouter ces petites lignes pour imiter la fourrure. OK. OK. J'ai changé de direction. C'est une sorte de suivre la forme du corps. Nous ajouterons également D. Nails et quelques détails supplémentaires un peu plus tard. Mais ce que je veux vous montrer, c'est que les modes de fusion nous aident également à créer différents effets Donc, si vous voulez accéder au menu du mode de fusion, nous avons cette couche ici Vous cliquez dessus, et c'est normal. Voyons simplement ce qui change lorsque nous passons en revue les modes de fusion Donc, avec la multiplication, vous obtenez un effet transparent. Ainsi, par exemple, l'ombrage ne sera pas affecté. Les lignes continueront donc en quelque sorte le S pour faire effet. Voici donc le multiplicateur. Il y a une brûlure de couleur plus foncée, brûlure linéaire, une couleur plus foncée. J'aime bien celui-ci. Il s' agit de l'éclaircissement normal Tu ne peux même pas voir cet écran. C'est aussi très beau, la couleur la plus claire. Esquivez les couleurs, ajoutez une superposition, lumière douce, une lumière dure, une lumière linéaire Il y en a tellement, et cette différence est également très belle. C'est amusant. Il se fond donc dans la forme principale. Cette luminosité est également très belle. Je ne sais pas lequel je vais choisir. C'est à vous de décider, vous pouvez donc tout parcourir et choisir celui que vous aimez le plus. Pour une raison ou une autre, j'adore cette publicité. C'est donc comme un écran d'esquive de couleur plus claire ou en couleur. Peut-être un écran. Maintenant, si je dessine sur cette couche, elle mettra automatiquement ceci à cela. Tu peux le voir ? Il fait déjà un peu plus sombre là où il est ombragé. Ça a l'air vraiment génial. C'est pour la texture maintenant. Nous avons déjà de la texture ici. Plusieurs pinceaux de texture sont fournis avec Procreate Par exemple, les matériaux, vous pouvez voir ici tant de textures différentes, une peau rugueuse, un pinceau anti-bruit. Je vais choisir le pinceau antibruit et passer à la tasse à café. Choisissez un brun plus foncé. Voyons ce qu'il fait. Ça ajoute un peu de bruit. Je trouve que c'est beau, mais j'adorerais le rendre un peu plus léger. Oups. Oui, je vais embrouiller cette tasse à café. Je vais donc simplement passer par le trou et ajouter un peu de ce bruit, passer à l'assiette. Oui, il est déjà palogé et ajoutez-y juste un peu de bruit Bien que nous ayons quelques textures, je vais peut-être en ajouter une aux oreilles également. Bien, prenons un petit café nous-mêmes pendant la pause café d'une minute OK. Le sujet d'aujourd'hui est tellement bon. Nous allons parler de la façon de trouver votre propre style. Ton style, c'est toi. Alors, qui êtes-vous ? Lorsque nous parlons de trouver votre propre style, nous parlons en fait de vos choix, vos goûts et de ce qui vous attire. Un style n'apparaît pas comme par magie, d'accord ? Et trouver son propre style artistique n' est pas vraiment une destination mais un voyage. C'est le voyage qui consiste à vous découvrir dans votre art. Pensez-y de cette façon. Un style artistique est une recette. Chaque technique influence, choisissez votre préférence pour le rose ou les Au fil du temps, vous commencez à choisir les ingrédients qui vous conviennent, il s'agisse d'une palette de couleurs audacieuse ou de lignes lâches Vous finirez par remarquer des motifs qui réapparaissent sans cesse dans votre travail, et ce sera votre style Et je vais te dire quelque chose de drôle. Ce sont généralement d'autres personnes qui remarquent ces modèles dans notre travail Oh, j'ai tout de suite su que tu l'avais créé. Tu as déjà entendu cette phrase ? Je parie que tu l'as fait. Au début, cela peut simplement ressembler à des décisions de base, comme la palette de couleurs que je vais utiliser, par exemple, manière cohérente dans mes œuvres d'art, ou si vous utilisez le dessin au trait ou non, détail de vos œuvres d'art ou leur rendu Tout se résume à l'effort, à la concentration et au dévouement. Par exemple, j'aime garder mes designs simples, tout en les rendant beaucoup. Et cela ajoute à mon style le fait que je le fais comme ça parce que j'apprécie davantage la partie rendu. Peut-être que vous aimez créer des lignes très, très détaillées et que vous ne vous souciez pas du tout de l'ombrage. Et c'est aussi toi. C'est votre style, et vous faites des choses que vous aimez dans le processus. Et c'est ton style, d'accord ? C'est ce qui donne un sens à notre travail. Encore une fois, soyez conscient de vos goûts et de vos aversions et prenez possession de votre façon de faire les choses. Tu l'as. OK. Dans la deuxième partie, je veux vraiment vous montrer comment créer vous-même un pinceau de texture dans Procreate Ce dont j'ai besoin , c'est de prendre votre iPad et de prendre une photo d'une texture. Et ce que je vais faire, c'est prendre une photo de cet espace. OK ? Mm. J'ouvre juste mon appareil photo. Ce n'est pas vraiment propre, mais voyons ce que nous pouvons en faire. Bien, revenons à la galerie et créons une toile de taille carrée Taille carrée car l'image de base de tout pinceau en béton, qu'il s'agisse d'une source, source façonnée ou d'une source de grain, doit être de taille carrée Importez maintenant cette photo OK. Je vais le faire aussi grand. Ce que vous devez savoir à propos des pinceaux percurates, c'est que les images sources doivent être en noir et blanc Passons donc à luminosité de saturation des teintes et réduisons la saturation. Et je veux jouer avec le contraste ici Je vais donc passer aux courbes et apporter plus de noir aux noirs et de blancs plus de blanc. OK. Nous avons maintenant un outil appelé clone. Donc, si vous passez aux réglages et que vous appuyez sur Cloner, un cercle apparaîtra ici, ce qui signifie que là où vous peignez, il clonera l'espace situé à l'intérieur du cercle. Je vais juste prendre un pinceau et le laisser façonner proprement. Et je vais très attentivement parcourir cette ligne pour le supprimer. C'est une nouvelle astuce que vous pouvez apprendre dès maintenant. Je place donc ce cercle dans l'espace que je veux cloner. C'est très utile. Et ça va m'aider. Pour me débarrasser de cette ligne. On le voit un peu, mais ce n'est pas si mal. OK. Et oui, je vais aussi nettoyer ce cercle. OK, cool. Alors maintenant, j'ai une texture comme celle-ci, que faire avec. J'ai besoin de le copier. Je vais balayer et copier du doigt gratuitement Accédez à mes ensembles de pinceaux, créez un nouveau pinceau avec le signe plus. Passez aux céréales. Et ici, vous pouvez modifier la source du grain, appuyer sur Modifier, importer et coller. Et maintenant, créons un modèle de répétition automatique. Donc, si vous appuyez sur la répétition automatique, elle se répétera, créez un motif de répétition à partir de celle-ci. Je vais juste ajouter peut-être une balance à grains comme celle-ci. Voyons voir. Maintenant, c'est bizarre. Est-ce que le masquage prend un peu de temps ? Et oui, le chevauchement des frontières devrait exister. Dureté du masque. C'est plutôt cool en fait. Cela crée cette texture à l'intérieur. Je vais faire chauffer. Et voyons voir texturé. Ici, vous avez deux réglages, mobile et texturé. Si vous le configurez sur Déplacer, lorsque vous dessinez, la texture se déplace en même temps que votre pinceau, mais si vous appuyez sur Texturiser, texture sera fixe derrière votre Je vais appuyer sur OK. Je vais éteindre et essayons ce pinceau maintenant. Nous allons l'agrandir, créer une autre couche. Et, ouah. Tu peux le voir ? Ça a l'air plutôt sympa. Ce n'est pas parfait, mais je trouve que ça a l'air vraiment cool. Ça marcherait pour un arbre. Oh, d'accord. Très bien, maintenant tu as ton propre pinceau. Vous pouvez le faire avec n' importe quelle texture, il vous suffit de le mettre dans la sauce aux céréales, faire en noir et blanc, d'accord, nettoyer et de le mettre tel que texturé La création de pinceaux pour procréer est assez complexe, mais cela peut être votre entrée dans ce sujet étonnant qu'est la procréation J'ai donc cliqué sur OK, vous trouverez également ce pinceau dans le set de poitrine. Je vais juste nommer ce pinceau. Texture de l'arbre. Mais je vais lui donner un nom. Et signez, créez un nouveau point R. Si vous modifiez des paramètres, vous pouvez simplement y revenir en cliquant sur ce bouton RST Très bien, j'espère que vous avez apprécié la création de cette branche. Revenons à notre petit chat et discutons des couleurs dans la prochaine leçon. H. 9. Leçon 7 : couleur: Très bien, dans cette leçon, nous allons explorer la couleur. La couleur est l'un des éléments les plus puissants de l'art et du design, capable d'influencer les émotions, créer une ambiance, d' attirer l'attention et de transmettre des informations Les artistes utilisent la couleur pour ajouter de l'éclat, profondeur et du sens à leur travail Il peut être utilisé de manière symbolique, esthétique ou même pour créer une harmonie et un équilibre visuels Maintenant, je n'ai pas vraiment envie d' approfondir la théorie des couleurs. Je veux juste mentionner quelques notions de base , puis voir comment nous pouvons travailler dans la pratique avec la couleur. de plusieurs propriétés de Nous avons déjà parlé de plusieurs propriétés de la couleur à savoir la teinte, la valeur et la saturation. Et lorsque vous utiliserez cet outil de couleur, j'espère que vous vous souvenez qu'il y a ces trois tables. La teinte est donc la première, c'est le nom de la couleur, donc rouge, orange, jaune, vert, bleu, rose, violet, rouge OK ? Le second est la saturation, degré de matité ou d' intensité d'une couleur. Et puis nous avons la valeur, le degré de noirceur et de clarté d'une couleur. Donc, si vous choisissez une couleur, elle aura ces propriétés, non ? Il existe plusieurs manières d' examiner les couleurs. C'est donc celui que j'adore aussi, mais voici également le disque. Si je trace une ligne un peu ici, ici vous pouvez voir les couleurs froides et voici les couleurs chaudes. Maintenant, les couleurs chaudes incluent le rouge, l'orange et le jaune, et elles sont associées à l'énergie chaleureuse, la passion et ont tendance à avancer ou à se rapprocher dans une composition Et les couleurs froides incluent le bleu, le vert et le violet. Elles sont souvent associées à la froideur, à la tranquillité, et elles ont tendance à reculer ou se sentir plus distantes dans une composition Donc, lorsque nous avons parlé d'espace , nous pouvons également créer l'illusion de l'espace avec des couleurs. Donc, si nous utilisons des couleurs chaudes, nous devrions les utiliser dans les objets les plus proches de nous et ceux qui sont plus éloignés, elles deviennent froides et moins saturées et ressemblent davantage à des couleurs pâles. OK ? Nous pouvons donc créer une impression d'espace dans une illustration avec cela. Nous allons l'utiliser dans notre illustration pour l' utiliser dans la pratique. Et quoi d'autre avec les couleurs ? Maintenant, il y a des harmonies de couleurs. Nous avons donc ici l'outil de l'harmonie des couleurs. Si vous choisissez une couleur, elle affichera les couleurs en fonction de l'harmonie des couleurs. Donc, si vous cliquez sur ce mot ici, ce menu s'ouvrira, sorte que vous verrez des couleurs complémentaires, séparées, triadiques et tétradiques analogues Et ce sont essentiellement des bronzages sur une roue chromatique qui vous apporteront des harmonies si vous utilisez ces Cependant, je préfère les choix de couleurs intuitifs car, comme nous en avons déjà parlé, notre subconscient est également connecté. Hum, les chances que nous créons sont nombreuses et parfois des choses qui nous viennent de nous peuvent ressortir à travers les couleurs, et nous pouvons également transmettre des émotions Donc, si je veux délibérément créer une pièce très ardente, j'utiliserai des rats pour voir à ce moment-là quelles couleurs correspondent à cela OK ? Donc, ces règles sont généralement données à titre indicatif, d'accord ? Nous n'avons donc pas nécessairement besoin de tout suivre à 100 %. fur et à mesure que vous progresserez dans votre parcours artistique, vous expérimenterez combinaisons de couleurs qui fonctionnent bien ensemble. Donc, par exemple, j' adore cette orange, j'adore ce bleu turquoise et sont des couleurs que j'utilise habituellement dans mon style d' illustration. Maintenant, si vous choisissez le bleu que vous aimez, l'orange que vous aimez, le rouge que vous aimez, avec le vert et le jaune également Vous choisissez ces couleurs, puis réutilisez continuellement dans vos œuvres d'art. Vous créerez de la cohérence dans votre travail, et cela définira également votre style d'illustration. Il vaut donc vraiment la peine de passer revue toutes les couleurs présentes et de choisir la variation de couleur. Ça vous plaît, puis travaillez avec ça. Ce sera donc votre palette de couleurs signature. C'est ainsi que cela s' appelle, en fait. Donc, une autre chose que je voulais vous montrer , c'est qu'en ce qui concerne l'ombrage, je recommande généralement aux débutants d' la version plus foncée de la même teinte, de la même couleur Mais si vous souhaitez créer des nuances plus intéressantes, plus réalistes, etc., je vous recommande d' appuyer légèrement sur le curseur, par exemple, par exemple Donc, la couleur à côté de cette couleur principale sur la roue chromatique. Ici, vous pouvez voir que c'était la couleur d'origine et je l'ai poussée vers le violet et l'ai nuancée avec ça. Bien sûr, la version la plus sombre. Nous avons donc une valeur plus sombre. Donc, la couleur est ombrée avec celle-ci, vous pouvez voir à quel point elle est plus éclatante. Donc, comme je l'ai fait pour ces ombres maintenant avec celui-ci, mais si j'avais choisi ce shader, cet ombrage serait tellement cool avec le violet Donc, ce que je suggère si vous êtes débutant, choisissez simplement une version plus foncée de la même couleur, c' est très bien Cela créera un excellent contraste et donnera à vos valeurs une belle apparence. Mais vous pouvez choisir une couleur à côté sur la roue chromatique et cela suscitera plus d'intérêt pour une œuvre d'art. Bien, dans cette première partie d'entraînement, nous allons créer des vignettes en couleur mise en miniature est très utile pour essayer plusieurs versions de votre œuvre d' art dans différents paramètres compositions ou couleurs Il existe également des vignettes de composition qui sont vraiment utiles lorsque vous créez un environnement Mais nous allons maintenant faire très simple, et essayons simplement ce qu'est la miniature en couleur. Donc, ce que je vais faire maintenant pour que nous ayons ce chat dans ce groupe, c'est vrai, faites-le glisser et dupliquez-le. Maintenant, je vais aplatir ce groupe, je vais appuyer sur ce groupe et appuyer sur Aplatir Maintenant, ce que j'ai si je désactive ce groupe, c'est une image plate de mon chat. Je ne veux pas interrompre les couches du groupe , car nous allons y peindre un peu plus tard avec de la couleur. Mais maintenant, je veux dupliquer ce petit chat. Je vais éteindre le chat principal. OK. J'ai un chat, Kitty Cat Je vais également dupliquer la ligne d' horizon. Nous allons le placer en dessous de ce chat. Ici, je vais fusionner les deux en fait. Je vais le mettre en place, et je vais créer quatre de ces chats et les rendre petits. Il y a donc un chat deux, trois et quatre. N'oubliez pas que cette miniature est en baisse de basse alors qu'il ne s'agit que de croquis, Donc, pendant la phase d'esquisse, lorsque vous n'avez pas peint ce petit bonhomme, il est préférable d'utiliser les couleurs comme ça, mais nous pouvons toujours l'utiliser à n'importe quelle étape du processus C'est donc vraiment bien de l'essayer. Je vais créer une autre couche en dessous de ces chats, et je veux que vous trouviez deux couleurs, une pour le premier plan et une pour l'arrière-plan qui conviendra au chat Et nous allons juste y ajouter de la couleur au hasard , non ? Nous avons donc ce bleu. Qu'est-ce qui aurait l'air bien. Hmm, hum. Laisse-moi réfléchir. Je vais peut-être essayer un jaune clair. Je vais choisir ma forme épurée ou l'agrandir, et je la remplirai simplement en arrière-plan. Et pour le premier plan, je choisirai peut-être le violet Mm, je ne suis pas sûr. Voyons voir. Sur cette même couche, vous pouvez le faire. Je vais choisir ce rose clair pour le fond et peut-être un brun foncé pour le premier plan OK. Je n'en suis toujours pas sûr. Je ne sais pas si ce sera un bureau. C'est peut-être de l'herbe. Essayons juste quelques légumes verts ici. Je vais choisir un vert ici pour l'herbe et laisser choisir un parterre clair pour le fond, comme si c'était, vous savez, dans le jardin. Et essayons d'en faire un terreau avec ce gris foncé et peut-être que j'ajouterai du vert au fond. Peut-être un vert différent. Peut-être ce vert. J'adore ce vert. Waouh. Ça a l'air cool. OK. Je pense que parmi ces quatre, je vais choisir celui-ci. Ce sera donc un extérieur. Ce sera le sol et il y aura de l'herbe autour ou des plantes. Je pense que cela complète vraiment le chat. Mais oui, comme vous pouvez le constater, avec les couleurs, nous pouvons immédiatement créer une sorte d'environnement. Votre travail consiste donc maintenant à créer ces petites vignettes en couleur et à trouver les deux couleurs avec lesquelles vous travaillerez Passons maintenant à la pause café d'une minute , puis continuons à créer l'environnement. Aujourd'hui, nous allons parler de la création de vos propres ressources et de la personnalisation de votre art. Je peux le faire. Vraiment ? Alors pourquoi ne le fais-tu pas ? Tu as entendu cette conversation ? Je suis sûr que tu l'as fait. Soyons réalistes. Tout a déjà été dit, peint ou dessiné. OK ? Alors, comment vous démarquez-vous ? Comment créer quelque chose de nouveau ou d'original ? La vérité, c'est que vous n'avez pas besoin de réinventer quoi que ce soit. Pourquoi le ferais-tu ? Mais vous pouvez personnaliser les choses en créant vos propres ressources. Et si nous parlons d'art numérique, création de vos propres pinceaux de procréation, l'utilisation vos propres textures ou même de manière traditionnelle, l'utilisation de vos propres mélanges de peinture conférera à votre art un caractère distinctif De plus, lorsque vous donnez à vos œuvres une histoire, un sens, elles commencent à représenter votre voyage, un voyage totalement irremplaçable Votre façon de faire est la vôtre, et elle est puissante. Je tiens également à dire que lorsque je dis souvent que votre façon de faire est suffisante, et que tout au long de votre parcours, je ne veux pas dire que tout est parfait comme vous le faites. OK ? Vous devez donc rester curieux et trouver des moyens d' améliorer vos compétences. Cela ne diminue donc pas la nécessité pour vous de pratiquer et de perfectionner vos compétences, d'accord ? Être propriétaire de votre parcours artistique signifie également que vous êtes responsable du développement de vos compétences. Alors ne l'oubliez pas non plus. Je voulais juste le dire. Avant que quelqu'un ne se trompe. Maintenant que nous avons choisi nos couleurs, ajoutons-les à notre palette de couleurs. Je vais juste le maintenir enfoncé, choisir la couleur et le placer ici, je vais désactiver ces vignettes de couleur Je vais revenir à mon original et ce que je vais faire, c'est créer une couche en dessous de tout. Et ajoutez ces couleurs. Je vais choisir le clean shaper, réduire l'opacité de cette ligne d'horizon et je vais simplement remplir ces couleurs Cela ne doit pas nécessairement être parfait. Je vais juste avoir l'air bien comme ça. Je vais créer une autre couche, choisir le vert et le remplir. Je vais le placer en haut, à droite. Et comme je veux avoir l'impression que le chat est dehors, je vais juste ajouter quelques silhouettes en forme de plante à l'arrière-plan Avec ce bleu, ce bleu, ce vert. Et je vais passer aux réglages Gausmblur et je vais passer à Gauss et Blurry Et c'est déjà comme si c'était dehors avec de l' herbe en arrière-plan. Et oui, ce sera le contexte. Et au premier plan, appliquons simplement un peu de texture, et utilisons simplement le pinceau à texture que nous venons de créer Et ça va être un peu courtisé comme s'il était sur un bureau à l'extérieur Ouais. Ce que je pense, je vais ajuster la forme de celui-ci parce que s'il s'agit d'un bureau, il devrait être vraiment en ligne droite, non ? Très bien, donc je pense que ça a l'air plutôt bien. Nous allons ajouter d'autres éléments dans les prochaines vidéos. Nous allons parler de valeur , puis ajouter de la lumière et des détails supplémentaires. Alors rendez-vous dans le prochain, où nous allons parler de valeurs et y voir un peu plus clair. On se voit donc dans la prochaine leçon. 10. Leçon 8 : valeur: Bienvenue dans la leçon d'aujourd'hui dans laquelle nous allons découvrir et explorer les valeurs. Maintenant, que sont les valeurs ? La valeur dans l'art fait référence à la luminosité ou à l' obscurité d'une couleur, comme nous en avons déjà parlé, n'est-ce pas ? Alors, dans quelle mesure une couleur est claire ou foncée. Il joue un rôle crucial dans la création de profondeur, contraste, de forme et d' ambiance dans une composition. Sans valeur, nous ne serions pas en mesure de faire la distinction entre la lumière et l'ombre ou de définir l' apparence tridimensionnelle d'un objet. La valeur est particulièrement importante dans les œuvres en noir et blanc ou monochromes où les artistes peuvent s'appuyer sur une gamme de gris pour exprimer Maintenant, jetez un œil à cette illustration. Vous pouvez voir qu'il est également lisible en niveaux de gris. Une chose importante à retenir est que votre œil et de vos spectateurs voient en niveaux de gris. D'accord ? Vous voyez donc les couleurs, mais ce sont les informations que votre œil capte. Qu'il s'agisse d'un briquet ou d'un produit plus contrasté, il attirera davantage votre attention. Et quand les choses se mélangent, ce n'est pas si intéressant que ça. C'est donc ici que vous devez vous assurer que votre œuvre est toujours lisible en niveaux de gris. La valeur est souvent représentée sur une échelle de gris, qui va du blanc pur au noir pur, avec une variété de tons de gris entre les deux. L'échelle fournit une représentation visuelle de la gamme de luminosité et obscurité qui peut être utilisée dans une œuvre d'art. Vos œuvres d'art ne doivent pas nécessairement utiliser du blanc pur et du noir pur. Si vous définissez une plage entre sur l'échelle, vous savez, ce sera ma lumière la plus foncée et ma lumière la plus claire Il s'agit de la plage de valeurs au sein d'une œuvre d'art. OK, vous définissez donc la touche haute. Hi ke est la couleur la plus claire et la couleur basse est la couleur la plus foncée de votre œuvre d'art Donc, cette plage de valeurs, encore une fois, s'il s'agit de trouver votre style d'illustration, nous parlerons encore une fois de vos façons de faire les choses. Jusqu'à quel point peux-tu faire nuit ? Jusqu'à quel point pouvez-vous prendre de la lumière ? L'ampleur du contraste que vous créez dans vos œuvres d'art. C'est également un élément de votre style auquel vous devez réfléchir. Vous créez donc des marches, cela ajoute de l'atmosphère et de l'ambiance, etc. Permettez-moi simplement de vous montrer comment vérifier les valeurs de votre œuvre d'art. Je vais donc retourner ici pour retrouver notre chat. Et laisse-moi te montrer un truc. Donc, si vous avez obtenu les couches et que vous créez une couche au-dessus, sélectionnez le gris du milieu de gamme et remplissez-le. Il sera entièrement gris, c'est vrai. Mais si je clique sur ce bouton et que je change le mode de fusion de cette couche grise en couleur, c'est celle qui se que je change le mode de fusion de cette couche grise en couleur, trouve derrière Vous verrez notre Otwek en noir et blanc et verrez comment le contraste et les valeurs fonctionnent dans votre travail extérieur Maintenant, j'adore la façon dont cela s'est passé. Pouvez-vous voir que le chat est plus foncé que le fond et que la tasse est plus claire que le premier plan C'est donc assez équilibré avec les valeurs. Ce que je n'aime pas, c'est qu' ici, par exemple, cette queue se fond en quelque sorte dans le crépuscule Maintenant, nous pouvons ajuster cela. Je voulais déjà ajouter de l'ombre à ce... euh, bureau parce qu'il est plutôt plat. Si j'ajoute un peu d'ombrage au dos, cela créera également plus de contraste ici et ajoutera à l'espace dont nous avons déjà parlé Je vais donc l'éteindre. Et ce que nous allons faire dans cette leçon c'est essentiellement nous assurer que nos valeurs sont correctes. Je vais donc passer à cette partie inférieure, choisir la couleur que nous avons ici. Je vais en fait créer une couche sur le dessus et créer un masque de découpage pour cela Et comme je tiens à conserver la texture, je n'utiliserai pas le shader brush car je perdrai la texture que j'y ai déjà peinte Donc, ce que je peux faire, c'est y aller avec le pinceau Drop Shadow. Je préfère donc choisir le noir, l'agrandir, et je vais essayer de créer un dégradé lisse avec cette couche Oups. Ce sera peut-être une partie assez sombre et une gradation douce Tu peux le voir ? Il fait plus sombre là-bas et plus clair là-bas. Je vais juste entailler et flouter cette couche pour qu'elle ressemble vraiment à un Tik Nika qui s'assombrit. Tu vois à quel point c'est ressemble vraiment à un Tik Nika qui s'assombrit Tu vois à quel point c' Oh, mon Dieu. Si vous voulez ajuster l'obscurité, allez simplement à cette fin, je veux dire, dans ce menu, et vous pouvez simplement réduire l'opacité de cette obscurité Mais j'adore la façon dont cela s'est passé. Et maintenant, si je reviens aux valeurs et que je les réactive, vous pouvez constater qu'il y a un plus grand contraste entre la queue et le bureau, et cela l'a immédiatement fait ressortir et a créé plus d'espace. Il fait donc plus sombre en arrière et plus clair au premier plan. Cela met en quelque sorte l'accent sur le premier plan. D'accord ? Le contexte n'est donc pas si précis. Lorsque nous avons parlé de l'espace, nous avons dit que les choses les plus proches de nous ont une valeur plus sombre, n'est-ce pas ? Et plus loin, les choses sont plus pâles. Et c'est également vrai. Donc, ce que je veux, c'est ajouter quelques éléments au recto. J'adore utiliser des éléments floraux. Oh, cela créera en quelque sorte cette vignette pour cette œuvre d'art, et cela améliorera cette luminosité ou cette obscurité Bien, alors faisons une pause maintenant et prenons une pause café d'une minute Aujourd'hui, nous allons parler de cohérence. Nous avons tous du mal à y faire face, c'est certain. Ce que je vais vous dire va donc être très sage. Donc, si vous voulez être cohérent dans votre art, vous devez être cohérent dans votre art. Je crois que nous sommes ce que nous faisons dans ces petits moments quotidiens, principalement. Nos petites habitudes façonnent le déroulement de nos journées. Donc, si vous voulez être cohérent avec votre art, vous devez développer de petites habitudes liées à l'art. Réfléchissez un peu à vous-même et recherchez des modèles de comportement auxquels vous pouvez associer l'art. Par exemple, tu passes beaucoup de temps au téléphone ? Mettez un carnet de croquis à l'endroit où vous êtes en train de le faire. Donc, pendant que vous êtes au téléphone, il vous suffit de griffonner. D'accord ? Vous aurez tellement d'idées si vous le faites souvent. Ou faites-vous de longues pauses café ? Associez-y le fait de conduire en buvant votre café. Êtes-vous en train de faire défiler Doom ? Mais tu sais quoi faire. La cohérence consiste également à avoir une vue d'ensemble tout en se concentrant sur les détails. Encore une fois, si vous avez un projet, que vous le décomposez en petites étapes et vous surmontez les blocages créatifs parce que vous vous concentrez sur l'étape suivante, et que vous n'êtes pas un imposteur parce que vous êtes propriétaire de votre processus, n'est-ce Cela vous aidera également à être constant, car vous savez que vous pouvez passer à l'étape suivante. Et je pense qu'il est très important de célébrer vos victoires, pas seulement à la fin d'un projet, mais aussi lorsque vous terminez un petit pas. C'est donc le moment de nous gâter et de nous offrir des cadeaux et des choses qui nous rendent heureux Donc, si vous avez une victoire, célébrez-la. Partez en voyage, achetez cette robe ou offrez-vous simplement quelque chose qui vous rend heureuse. Il est très important de recâbler notre cerveau pour que nous soyons récompensés si nous faisons quelque chose Il s'agit essentiellement d'un système gratifiant. Ce sentiment régulier de réussite et de célébration vous rendra également plus confiant et vraiment fier. Sois fier de toi. Nous avons tellement de respect de nous-mêmes lorsque nous faisons réellement les choses que nous nous promettons. C'est ce que nous allons faire. Alors continuez. Tu l'as. C'est bon. Maintenant que nous sommes de retour, nous allons ajouter quelque chose au premier plan pour améliorer encore plus l'espace que nous avons dans votre œuvre d'art et aussi pour ajouter une touche d' atmosphère à l'œuvre Donc, ce que je vais faire, c'est créer une couche par-dessus tout. Choisissez une couleur plus foncée que celle-ci et le shaper texturé Je vais juste choisir quelques éléments floraux sur le devant. Je vais aller et venir et le brouiller. Il se trouve sur un front plus proche de nous. Très bien, maintenant il y a un peu d' atmosphère dans l'œuvre d'art. Cela a ajouté encore plus d'espace. Ce que je pense, vérifions simplement les valeurs. Ce que je pense, c'est que je pourrais rendre l'arrière-plan un peu plus clair ou le chat un peu plus foncé, juste pour avoir un peu plus de contraste ici. Mais nous verrons ces valeurs. Comment fonctionnent-ils ? Dans la leçon suivante, parce que nous allons ajouter de la lumière, cela va tout changer pour nous en ce qui concerne l'ambiance. Je pense donc que c'est tout pour aujourd'hui. Rendez-vous dans la prochaine leçon où nous allons ajouter cette lumière magique. 11. Leçon 9 : lumière: Bienvenue à la leçon d'aujourd'hui. Nous allons explorer la lumière aujourd'hui. La lumière est un élément essentiel de l'art car elle influe sur la façon dont nous percevons la forme, la couleur, la texture et l'espace. Les artistes utilisent la lumière pour définir des formes, créer de la profondeur et créer une ambiance ou une atmosphère dans leurs œuvres. Que vous travailliez avec de la lumière naturelle ou artificielle, il est essentiel de comprendre son rôle et son comportement pour créer des œuvres d'art réalistes et visuellement captivantes Maintenant, pour utiliser efficacement l'art de l'éclairage, il est important de comprendre comment la lumière interagit avec les objets Voici les principes clés. Il y a donc une lumière directe. La lumière directe est une source de lumière qui éclaire directement un objet sans aucun obstacle et projette des ombres bien définies Les exemples incluent la lumière du soleil par temps clair ou un projecteur dans un studio. Il y a une lumière diffuse, qui se produit lorsque la source de lumière est adoucie, que ce soit par les nuages, brouillard ou à travers des surfaces réfléchissantes comme les murs ou les diffuseurs, les ombres deviennent plus douces et le contraste entre la lumière et l'obscurité est Et puis il y a la lumière réfléchie. lumière réfléchie est la lumière qui rebondit sur la surface et éclaire des zones qui seraient autrement dans Par exemple, la lumière rebondissant sur un mur blanc peut projeter une douce lueur sur le côté ombré de l'objet Ainsi, par exemple, dans cette image, nous avons une lumière directe dans cet objet lumineux qui éclaire autour de l'objet lui-même Ensuite, nous avons une sorte de rayon de lumière qui éclaire ces parties de la grenouille. C'est ce qu'on appelle en fait la lumière principale, et puis nous avons également de la lumière réfléchissante , par exemple, sur ces surfaces ici. Maintenant, si nous revenons à notre chat. Il y a déjà du blanc ici, non ? Je dirais cette lumière diffuse. C'est pourquoi nous pouvons réellement tout voir. Nous pouvons donc voir le chat, nous pouvons voir la tasse, nous pouvons voir l'arrière-plan, etc. Ce que je veux ajouter, c'est davantage cette lumière directe. Donc, comme s'il y avait un rayon de lumière qui éclairait le chat, et que je créais une nouvelle couche sur le dessus, un peu derrière ces éléments floraux sur le devant, je choisirais le jaune et le pinceau à fard à paupières que nous avons Maintenant, ce pinceau à ombres est transparent, il est réglé sur transparence. Elle est grande. C'est vraiment bon pour l'ombrage, et cela ajoutera une touche de blanc tellement cool OK ? Je vais donc apporter un peu de lumière à ce sujet. Maintenant, je pense que c'est trop jaune, alors je vais choisir une couleur plus blanche, et essayons comme ça. OK. C'est trop. Je vais mettre cette lampe sur la tasse. Je vais peut-être ajouter un rayon de lumière. Peut-être que je vais être plus petit comme ici. Et ajoutons le troisième rayon de lumière comme ici. Je peux encore une fois faire attention à brouiller ces rayons de lumière. Vous ne les voyez pas vraiment, mais je vais passer revue le mode de fusion de cette couche L'écran le rendra plus, euh fort, peut-être plus fort. Mettons-le pour l'ajouter. Maintenant, je veux assombrir tout ce qui n'est pas des rayons de lumière, d'accord ? Laisse-moi juste le faire. Je vais créer une autre couche. Je vais le remplir de noir. Je vais réduire son opacité. OK ? Alors je m'assombrit Je vais en couper les rayons de lumière. Ou placez-le sur le dessus. Voyons voir. Si je sélectionne ces rayons de lumière et que je choisis cette couche, glisser et couper avec le doigt librement, cela crée encore plus de contraste Je voudrais ajuster un peu ces rayons de lumière et les placer un peu comme ça, et cela a immédiatement créé une sorte d' ambiance atmosphérique et ce petit café est comme illuminé. D'accord. Nous avons donc ajouté les rayons lumineux. Passons maintenant pause café d'une minute et revenons pour ajouter encore plus de lumière. Le sujet d'aujourd'hui est très important. Nous allons parler de jalousie. Et j'ai juste baptisé cette pause-café Admirer ». Ne comparez pas. Comment vaincre la jalousie ? Je pense qu'il est naturel de se comparer aux autres, souhaiter que leur succès soit le vôtre ou que vous ayez leur talent ou leur dévouement. La première étape consiste donc à reconnaître que vous éprouvez ces sentiments et que tout va bien. C'est naturel. Et ne vous reprochez pas d' avoir ces sentiments. Tu n'es pas tes sentiments. Vous êtes ce que vous faites pour eux, et vous ne monterez pas de niveau ou sentirez pas mieux si vous atténuez la lumière des autres. Et ce que j'aime faire, c'est inviter l'admiration à la fête. Vous pouvez profiter de cette occasion pour observer ce qu'ils font bien. Quelle est la clé de leur succès et qu'est-ce qu'ils font que vous pouvez mettre en œuvre dans votre propre parcours C'est la possibilité pour toi d'apprendre. Admirer le travail des autres vous aidera également à admirer le vôtre N'abordez pas les choses par manque. Mais par amour. Et si nous commençons à nous admirer les uns les autres, nous aurons une communauté d' artistes florissante, ce soit dans le domaine de l'art ou dans d'autres dimensions de la vie. Si quelqu'un d'autre réussit, cela ne signifie pas que vous ne pouvez pas réussir également. Vous avez une place, et nous sommes très heureux que vous soyez là. Nous avons donc parlé de réflexions et de ce qui donne vie aux choses. Et je pense que j'adorerais ajouter plus de lumière à cette œuvre d'art, principalement au niveau des yeux. J'ajoute donc généralement de la lumière aux yeux au début, mais je voulais garder cette partie jusqu'à la fin lorsque nous discutons de lumière. Je vais donc choisir l'intérieur de l'œil, choisir blanc et choisir la teinte ou la branche, et oups, je vais juste le réduire et ajouter ce reflet à l'œil Cela ne fera que le rendre vivant. Tu peux le voir ? Non, je n'aime pas ça, comme ça. Comme ça. C'est tellement cool. OK. Ensuite, je vais aller à l' extérieur de l'œil, y ajouter un peu de lumière et le rendre un peu plus petit là où je suis. Ouais. Oups. Tellement mignon. Cela lui a donné tellement de vie, non ? Je voudrais également ajouter une lampe de poche. Euh, c'est donc ici que nous allons utiliser notre principale forme de chat que nous avons ici. OK ? Ce sont donc les plus petits, et nous en avons un plus grand. Si vous ne l'avez pas, vous pouvez simplement dupliquer à nouveau ce groupe et l'aplatir car nous avons besoin la silhouette du chat, d'accord ? Je vais choisir un jaune léger, et je vais essentiellement sélectionner cette silhouette et créer une nouvelle couche. Maintenant, je peins sur une nouvelle couche. Et en gros, ajouter de la lumière sur le côté du chat, d'accord ? Je peux donc également ajouter un peu de lumière sur les lunettes. Ici aussi, sur le côté. Peut-être jusqu'au bout. Regarde ça. C'est illuminé, non ? Je vais en ajouter à l'oreille. Du bœuf principal dans la tasse ici. Il est illuminé. OK. D. Jouez ici. Cela ajoutera simplement plus de contraste et plus de fun. OK. Ce que je vais faire avec cette couche de lumière, c'est faire des ajustements et commencer à fleurir. Maintenant, la floraison éclaircira cette partie que je viens de peindre. Je peux augmenter sa taille. Dans un premier temps, je dois y ajouter de l'intensité. Tu peux le voir ? Donc, si je fais glisser mon stylo sur l' écran, permettez-moi de zoomer. Cela illuminera ce que je viens de peindre. OK ? Il y a une transition. Vous pouvez définir des choses comme ceci. Vous pouvez ajouter de la taille ou faire en sorte que le contraste soit tel quel ou vous pouvez diluer un peu cette lumière. C'est ce que je vais faire. Vous pouvez modifier la combustion , l'intensité de l'éclairage. Tu peux le voir ? C' est tellement illuminé par cette brûlure. J'adore ça. Si quelque part vous pensez que c'est trop, vous pouvez simplement revenir en arrière avec une gomme Je choisirais une gomme à effacer et je me remettrais simplement de cette lumière Et j'adore le résultat. C'est tellement beau. Je pense que nous devrions vérifier à nouveau les valeurs. Nous verrons donc si c'est juste. Et j'adore le résultat, mais je pense que le fond devrait être un peu plus sombre. Je vais donc désactiver maintenant la couche de vérification des valeurs, passer à cette verdure en arrière-plan, passer aux réglages et à luminosité de saturation des teintes et simplement réduire cette luminosité. Et, ouah. C'est trop cool. Pouvez-vous voir que ces rayons de lumière illuminent totalement le chat et le café, et que ça a l'air super cool OK, vérifions les valeurs maintenant. Pour eux, je trouve ça super génial. Et voyez-vous que vous n' avez pas vraiment besoin de quelque chose de spécial pour obtenir ce résultat ? Nous travaillions avec des formes géométriques, en appliquant des couleurs unies, uniquement des lignes comme texture, et il y avait certains concepts que si vous comprenez et que vous appliquez à votre travail, tout ira bien. D'accord. Je suis tellement heureuse que tu sois là et que tu sois arrivée si loin. Je vous verrai dans la dernière leçon où nous allons ajouter quelques détails supplémentaires. 12. Leçon 10 : Détail: Très bien, alors bienvenue à la dernière leçon. Dans cette leçon, nous allons parler des détails. Le détail fait référence aux éléments complexes et raffinés d'une œuvre d'art, notamment les textures, lignes fines, les motifs et les petits éléments qui apportent une touche de réalisme et de complexité à une composition Les détails font souvent passer une pièce d'une structure de base à quelque chose de plus raffiné, complet et captivant Ils aident à guider le regard du spectateur, susciter des émotions, à s'adapter à l' expérience narrative ou esthétique de l'œuvre Donc, comme je vous l'ai déjà dit, le niveau de détail que vous avez dans vos œuvres d'art au début définit votre style. Donc, dans quelle mesure votre travail est détaillé, dans quelle mesure vous accordez du détail à vos œuvres d'art. Par exemple, je l'inclus même imprudent dans celui-ci. Donc, je dirais que ce niveau de détail n'est pas épuisant pour vous Pour moi, j'ai le TDAH, et je suis une personne très impatiente Je n'aime pas trop entrer dans le réalisme, d'accord ? J'aime le maintenir au même niveau. Et c'est à vous de décider comment vous peaufinez les détails, dans quelle mesure vous accordez de l'attention aux formes des ombres, formes de la lumière, aux détails de la texture et petits détails magiques qui peuvent rendre votre art vraiment fantaisiste Donc, encore une fois, c'est à vous de décider comment vous l' appréciez, d'accord ? Vous n'avez pas besoin de vous forcer à entrer dans trop de détails. Il y a vraiment de grandes œuvres d'art, tellement, très belles œuvres d'art sans trop de détails, d'accord ? Donc, lorsque nous revenons à cette œuvre d'art, je ne veux pas vraiment entrer dans les détails, mais nous pouvons ajouter des éléments qui ajouteront une sorte de magie à l'œuvre d'art. Hum, et le premier est Steam. OK ? Ajoutons donc de la vapeur à cette tasse de café. Je vais donc créer une couche au-dessus de tout. Choisissez le blanc. Et nous avons dans le set de pinceaux bio fourni avec Procreate, le pinceau en coton Et je vais utiliser ce pinceau pour la vapeur et des trucs comme ça. Donc, ce que je vais faire, c'est ajouter un peu de vapeur au café. Et c'est déjà un café chaud. Ces petits changements peuvent donc être ajoutés à votre œuvre d'art. Ce que j'aime aussi faire, et je vais le refaire sur une couche séparée, c'est le set de pinceaux et de pinceaux lumineux ainsi que le stylo lumineux qui s'y trouve. Et je vais lentement ajouter des petits points magiques ici et là. Cela va vraiment apporter un peu de magie à l'œuvre d'art. Alors n'hésitez pas à ajouter ces cerceaux à votre travail et à le rendre vraiment magique Par exemple, cela peut améliorer des choses comme ça. OK. Ça a l'air super mignon. Tu vois si mignon ? Très bien, passons maintenant à la pause café d'une minute , puis terminons notre illustration Aujourd'hui, nous allons parler du fait que vos efforts font la différence. Savez-vous ce qui transforme les idées flottantes pour terminer l'alerte spoiler d'Atwexs Ce n'est pas du talent. Ce n'est même pas du dévouement ou de l'ambition. C'est un effort. Chaque action que vous entreprenez donne vie à vos idées. L'effort se manifeste les jours où votre inspiration a pris un jour de congé. Il s'agit d'avancer par petits pas, mais de faire au moins quelque chose, même s'il s'agit simplement de terminer une petite tâche ou même de prendre soin de vous afin de pouvoir vous présenter plus pleinement le lendemain. Regardez-le de cette façon. Dans votre œuvre d'art, plus vous consacrez d'efforts à chaque détail, comme l'ombrage, l'esquisse ou le raffinement des lignes, plus il devient raffiné et intentionnel Et croyez-moi, cela montre que cela fait une différence. Vos efforts se reflètent dans chaque coup de pinceau, chaque ligne soignée et chaque choix de couleur. Et voici le coup de pouce : il ne s'agit pas d'un facteur externe. Il n'y a que vous et l' énergie que vous apportez à votre esprit et à quel point cette pensée est libératrice, n'est-ce pas ? Et c'est tellement puissant. Vous n'êtes pas victime de facteurs externes. Tu peux tout faire. C'est en ton pouvoir. Il vous suffit de faire des efforts. Et je pense que c'est tellement libérateur et même juste un peu de changement d'état d'esprit , de penser à ces choses et d'y réfléchir. vous rapprochera du succès, et je mesure le succès en fonction du bien que je ressens à l'égard de ce que je fais. Et je pense que c'est la plus grande réussite que vous puissiez accomplir dans la vie, comme apprécier vraiment ce que vous faites, y intégrer votre propre jeu tout en sachant que vous faites ce que vous pouvez. C'est incroyable. Alors reprenez votre pouvoir. Tu peux le faire. Faites l'effort de réaliser votre rêve car au final, ce sont vos efforts qui font la différence. Maintenant que nous sommes de retour et nous avons presque terminé notre illustration, il est temps de peaufiner certaines choses qui pourraient ne pas nous sembler bonnes. Et ici, je veux profiter de l'occasion pour vous faire réfléchir à la façon dont vous vous présentez en tant qu'artiste. Donc, tout d'abord, je pense que vous devriez ajouter votre signature à l'œuvre d'art. Donc, généralement, si vous créez simplement un nouveau calque, choisissez une couleur. Il peut également s'agir d'une couleur de signature que vous utilisez pour signer votre œuvre d'art. Il peut également s'agir d'un pinceau que vous utilisez habituellement pour signer votre œuvre d'art, peut-être un crayon à dessin Vous pouvez simplement ajouter votre signature ou si vous avez un logo. Je vais donc simplement importer mon logo. Bon, voici mon logo. Je vais le mettre dans ce coin et il signera mon travail. C'est donc vraiment bien si vous créez un logo pour vous-même. Vous pouvez même créer un petit pinceau à tige à partir de votre signature et de votre logo que vous pourrez ensuite réutiliser dans chaque œuvre d'art que vous créez. D'accord, mais revenons aux détails, certaines choses me manquent dans cette œuvre d'art, et je voudrais juste un peu de forme Ainsi, par exemple, je ne suis absolument pas d'accord avec la forme de l'assiette, et le poteau me manque. J'ai besoin des ongles du chat. Donc, ce que je vais faire, c'est d' abord ajouter la forme de l'assiette, puis, oui, simplement l'effacer. Je m'assure que la forme de ma gomme est parfaitement adaptée, et je vais ajuster sa forme et je vais ajuster sa Je veux aussi ajuster la forme des yeux, mais vous pouvez créer les formes appropriées lorsque vous les créez, mais je veux que vous le montriez, parfois c'est juste que vous ne pouvez pas les voir. Et quand vous avez un œil neuf, vous pouvez toujours, par exemple, ajuster les choses sans vous pouvez toujours, par exemple, vous inquiéter. Comme si vous en étiez le créateur, non ? Vous êtes le réalisateur de cette illustration, alors n'hésitez pas à faire ce que vous voulez. Il n'y a vraiment aucun contrôle. Ici. C'est l'endroit idéal pour découvrir votre pouvoir. OK, je dois régler cette lumière ici. Ici. Et je vais ajouter ceci. Je vais créer une nouvelle couche en dessous cet objet coulissant afin qu' il ne soit pas encore affecté. Et je vais choisir une couleur bleu plus foncé, et en fait, la texture est plus belle, et je vais juste en ajouter. Est-ce que ça a l'air bien ? Non. Pas si sombre, mais plus clair. Un peu plus sombre. Plus petit. Comme ça. OK. Ça m'a l'air mignon. Quoi d'autre ? Je me réjouis vraiment ici aussi, juste un peu. Donc, ce dont je veux parler ici dans les détails, c'est que c'est vraiment bien si vous réfléchissez à l' endroit où vous voulez publier et, par exemple, si vous concevez en conséquence. Donc, si vous voulez publier sur Instagram, il y a une toile de taille carrée, vous pouvez donc, exemple, couper cette partie et ajuster le logo pour qu'il soit visible dans ce diamenson Si vous voulez publier, par exemple, dans un vrai, vous devriez peut-être découper comme ça. Et encore une fois, ajustez le logo. bien, c'est que vous avez tout sur des couches séparées. Donc, si vous voulez simplement attraper ce chat et réduire pour qu'il s'intègre mieux dans une composition, vous pouvez le faire également. C'est donc ce que nous avons dans l'illustration numérique en tant que truc. Quoi que vous décidiez, quel que soit le niveau de détail que vous choisissez pour votre œuvre d'art, ce sera vous , c'est suffisant, c'est assez bon et c'est super incroyable. Vous devez simplement avoir confiance en et apprécier ce que vous faites, car cela se ressentira dans vos œuvres d'art. D'accord ? J'espère donc que vous avez apprécié ce petit tutoriel de création de ce chat. J'ai hâte de voir ce que vous créez dans vos illustrations et de vous voir dans la vidéo finale où nous allons terminer le tout. 13. Réflexions finales: Oui Félicitations. C'est toi qui l'as fait. Je suis tellement fière que tu restée fidèle jusqu'à la fin du cours. Je suis sûr que ton illustration finale est magnifique. N'hésitez donc pas à le télécharger dans la galerie de projets. Si vous avez commencé votre projet de classe au début du cours avec le dessin initial, c'est le moment de mettre à jour votre projet de classe avec votre illustration finale. Je suis tellement curieuse de connaître votre projet de classe, alors fais-le venir. De plus, si vous partagez vos œuvres sur les réseaux sociaux, assurez-vous de me taguer. Faisons un petit résumé ce que nous avons appris dans ce cours Dans ce cours, vous avez découvert les éléments fondamentaux de l' art et comment ils s'appliquent à chaque œuvre d'art visuel. Vous avez appris à vous échauffer avant chaque séance artistique pour être attentif et intentionnel. Vous avez également découvert et réfléchi aux difficultés les plus courantes de tous les artistes. Vous avez également créé une illustration incroyable étape par étape dans laquelle vous avez appliqué tout ce que vous avez appris dans ce cours. C'était tellement amusant, non ? Et j'espère que le cours vous a vraiment donné une base solide sur laquelle vous pouvez désormais vous appuyer et approfondir de manière plus consciente certains sujets que nous avons abordés dans ce cours Ainsi, par exemple, vous connaissez maintenant chaque élément de base, et il y a tellement de sujets différents dans chacun de ces sujets, sous-sujets, si cela a du sens Vous savez peut-être maintenant que vous pouvez apprendre tellement ou tellement de choses dans le dessin au trait, dans l' ombrage ou dans l'espace Et je vous souhaite beaucoup de créativité dans ce voyage. Assurez-vous de me suivre sur les réseaux sociaux et ici sur Skill Share pour rester à jour. Et veuillez laisser un commentaire pour le cours. Avec quelques mots également. C'est très important pour moi de savoir ce que tu en penses. C'était un plaisir de vous avoir parmi nous. Rendez-vous également dans mes autres cours. J'ai de nombreux cours sur les éléments fondamentaux ces sujets plus profonds dont je viens de parler. J'espère donc vous y voir et que vous allez continuer à approfondir vos connaissances avec moi. Je vous souhaite donc tout le meilleur et bonne création.