Guépard expressif en aquarelle : geste, lumière et caractère acter

1. Bienvenue au cours !: Bonjour, tout le monde. Je m' appelle Will Elliston Et aujourd'hui, nous allons peindre un guépard expressif plutôt qu'un réalisme serré, nous rechercherons le geste, la lumière et Nous vous proposerons une fourrure aux bords cassés et une brosse sèche. Laissez les flots de couleurs s'épanouir dans des transitions douces et ajoutez-y des tons foncés pour créer ces points distinctifs Nous explorerons le timing, qu'il s' agisse de passages mouillés ou mouillés ou de touches finales nettes , et nous nous entraînerons à laisser blancs intentionnels pour que le papier fasse une partie du Cette approche décontractée invite à l' espièglerie et à l'aisance. Je suis artiste professionnel depuis de nombreuses années, explorant de nombreux sujets différents, tels que la faune et les portraits, les paysages urbains et les J'ai toujours été fasciné par les possibilités de l'aquarelle, mais quand j'ai commencé, je ne savais pas par où commencer ni comment m'améliorer Je ne savais pas de quel matériel j'avais besoin, comment créer les effets que je voulais, ni quelles couleurs mélanger. Aujourd'hui, j'ai participé à de nombreuses expositions dans le monde entier, figuré dans des magazines et j'ai eu la chance de remporter des prix décernés des organisations réputées telles que l'International Watercolor Society, la Masters of Watercolor Alliance, Windsor and Newton et la SAA L'aquarelle peut être bouleversante pour ceux qui débutent, c'est pourquoi mon objectif est de vous aider à vous sentir détendu et à apprécier ce médium étape par étape. Aujourd'hui, je vais vous guider à travers une peinture complète, démontrant diverses techniques et expliquant comment j'utilise toutes mes fournitures et tous mes matériaux. Que vous soyez débutant ou que vous ayez déjà de l'expérience, vous serez en mesure de suivre votre propre rythme et d'améliorer vos compétences en aquarelle Si ce cours est trop difficile ou trop facile pour vous, j'ai une variété de cours disponibles à différents niveaux de compétence. J'aime commencer par une approche expressive libre, sans crainte de faire des erreurs, lorsque nous créons des textures passionnantes pour la sous-couche Au fur et à mesure que la peinture progressera, nous ajouterons plus de détails pour lui donner vie et la faire ressortir. Je m'efforce de simplifier les sujets complexes en faire des formes plus faciles qui encouragent l'espièglerie Tout au long de ce cours, je partagerai de nombreux conseils et astuces. Je vais vous montrer comment transformer les erreurs en opportunités, éliminant le stress lié à la peinture pour vous amuser. Je vous fournirai également mes tableaux de mixage d'aquarelles, qui sont un outil précieux pour choisir et mélanger les couleurs Si vous avez des questions, vous pouvez les poster dans le fil de discussion ci-dessous. Je ne manquerai pas de lire et de répondre à tout ce que vous publiez. N'oubliez pas de me suivre sur Skillshare en cliquant sur le bouton «   Suivre » en haut de la page Cela signifie que vous serez le premier à savoir quand je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux Vous pouvez également me suivre sur Instagram chez Will Elliston pour voir mes derniers travaux Commençons donc à peindre cette lettre volante qui célèbre la liberté à l'aquarelle 2. Votre projet: Merci beaucoup de m'avoir rejoint aujourd'hui. Je suis ravie de vous guider dans ce processus calme et expressif. Nous allons commencer par des formes simples pour placer la tête, le dos et la queue en utilisant des tons chauds de terre et des tons neutres froids Ensuite, nous allons faire flotter des tons moyens doux, puis créer un motif en peignant autour des points et en déposant de la couleur dans les passages humides pour obtenir des bords naturels. Nous façonnerons les ombres, réserverons les reflets et ajouterons quelques marques calligraphiques convaincantes, en minimisant l'arrière-plan pour mettre en valeur les espaces blancs Ce projet est indulgent et ludique, à la confiance plutôt qu'au contrôle Laisser l'eau créer de belles surprises spontanées. Dans la section des ressources, j'ai ajouté une image en haute résolution de ma peinture terminée pour vous guider. Vous pouvez suivre exactement ma peinture ou expérimenter votre propre composition. Comme nous allons nous concentrer sur l'aspect peinture de l'aquarelle, j'ai fourni des modèles que vous pouvez utiliser pour transférer ou tracer le croquis avant de peindre Il est bon de le tracer lorsque vous l'utilisez comme guide pour apprendre à peindre. Il est important que le sous-dessin soit correct afin que vous puissiez vous détendre et vous amuser en apprenant le médium de l' aquarelle lui-même Quelle que soit la direction que vous prenez dans ce cours, serait formidable de voir vos résultats et les peintures que vous créerez grâce à ce cours. J'adore donner des commentaires à mes étudiants, alors prenez une photo par la suite et partagez-la dans la galerie de projets étudiants sous l'onglet Projet et ressources. Je suis toujours intriguée de voir combien d'élèves ont des approches différentes et comment ils progressent dans chaque classe J'aimerais connaître votre processus et ce que vous avez appris en cours de route, ou si vous avez rencontré des difficultés. Je vous recommande vivement de regarder travail de chacun dans la galerie de projets des étudiants. C'est tellement inspirant de voir le travail de chacun et extrêmement réconfortant de bénéficier du soutien de ses camarades de classe N'oubliez donc pas d'aimer et de commenter le travail de chacun. 3. Matériel et fournitures: Avant de commencer à peindre, examinons tous les matériaux et fournitures dont vous aurez besoin pour peindre. Le fait de disposer des bons matériaux peut un impact considérable sur le résultat de votre œuvre d'art. Je vais donc passer en revue toutes les fournitures que j'utilise pour ce cours et au-delà. Ils sont très utiles à avoir à votre disposition et vous faciliteront le suivi. Commençons par les peintures elles-mêmes. Et comme la plupart des matériaux que nous utiliserons aujourd'hui, cela dépend en grande partie des préférences. J'ai 12 couleurs stables dans ma palette que je remplis à partir de tubes. Ils sont jaune cadmium, jaune ocre, sienne brûlée, rouge cadmium, rouge d'alizarine, bleu outremer, bleu cobalt, bleu serléen, lavande, violet, viridien, noir Et à la fin du tableau, j'utilise souvent de la gouache blanche pour les petits reflets Je n'utilise aucune marque en particulier. Vous pouvez obtenir ces couleurs auprès de n'importe quelle marque, même si j' utilise personnellement Daniel Smith, Winsor et Newton pour les peintures Holbein Passons donc aux pinceaux. Le pinceau que j'utilise le plus est un pinceau rond synthétique comme ce pinceau Escoda Purl ou ce pinceau Van Ils sont très polyvalents car non seulement vous pouvez les utiliser pour des travaux détaillés avec leur pointe fine, mais comme ils peuvent contenir beaucoup d'eau, ils conviennent également aux laveuses Ils sont également assez abordables, j' en ai donc pas mal de tailles différentes. Viennent ensuite les brosses à balai. Les pinceaux à balai sont parfaits pour les coups de pinceau larges, remplir de grandes surfaces et pour créer des transitions ou des lavages en douceur Ils ont également un joli embout qui peut être utilisé pour les petits détails. Mais pour les plus petits détails, les reflets ou tout ce qui demande plus de précision, j'utilise un pinceau synthétique de taille zéro. Toutes les marques en ont, et ils sont super bon marché. Un autre pinceau utile est un pinceau de calligraphie chinois Ils ont tendance à avoir de longs poils et une pointe très pointue. Ils sont parfaits pour ajouter de la texture ou créer des lignes dynamiques dans vos peintures. Vous pouvez même les étaler ainsi pour obtenir des textures de fourrure ou de plumes Et c'est tout pour les pinceaux sur du papier. votre papier est de qualité, plus il sera facile à peindre. Le papier bon marché se froisse facilement et est très impitoyable, ne vous permettant pas Il est plus difficile de créer des effets attrayants et appliquer des techniques utiles comme le frottement des pigments. Cependant, le papier de bonne qualité, tel que le papier à base de coton, vous permet non seulement de retravailler les erreurs plusieurs fois, mais comme le pigment réagit beaucoup mieux, les risques d' erreur sont beaucoup plus faibles et vous aurez plus de chances faibles et vous aurez plus créer de meilleures peintures J'utilise du papier archers parce que c'est ce que l'on trouve dans ma boutique d'art locale Un jet d'eau est absolument indispensable. En l'utilisant, vous aurez plus de temps pour peindre les zones que vous souhaitez avant qu'elles ne sèchent. Cela vous permet également de réactiver la peinture si vous souhaitez ajouter une ligne lisse ou enlever de la peinture J'ai aussi un vieux chiffon ou t-shirt que j'utilise pour nettoyer mon pinceau Nettoyer la peinture avant de la plonger dans l' eau prolongera la durée de vie de l'eau Il est toujours utile d' avoir un mouchoir à portée de main lorsque vous peignez pour enlever l'excédent de peinture. De plus, vous ne savez jamais quand éclaboussures ou des gouttes indésirables peuvent se produire et qu'il faut les essuyer rapidement. J'ai également un compte-gouttes pour garder les peintures humides. Lorsque vous peignez, il est important que leur consistance soit similaire à celle des tubes. De cette façon, il est plus facile de prélever suffisamment de pigment. Un sèche-cheveux est utile pour accélérer le temps de séchage et contrôler l' humidité du papier. Et enfin, du masking tape. Bien entendu, il s'agit simplement de maintenir le papier immobile sur surface pour l'empêcher de glisser pendant que vous peignez. De plus, si vous prévoyez de peindre jusqu'au bord, cela vous permettra de créer une bordure très nette et propre. Et c'est tout ce dont tu as besoin pour peindre avec moi aujourd'hui et même après ce cours. Maintenant, préparons le dessin pour commencer la peinture. 4. Préparer la composition: Commençons donc par l'esquisse, et l'idée même de toute composition est de prendre toute la complexité et de la simplifier dans un langage visuel agréable facilement lisible et accessible au spectateur. Donc, commencez par la tête là, juste pour avoir un cercle. Ajouter une sorte de rectangle oblong à l'endroit où se trouve la mâchoire, puis relier les formes, avec une sorte de marquage gestuel Je ne recherche pas la précision. Je recherche le geste parce que le geste a une émotion, sentiment, un sens du mouvement. Même si ce guépard est assis ou couché, en utilisant un crayon à mine souple comme celui-ci, nous pouvons être un peu plus expressifs, puis lorsque nous voulons affiner les détails, nous pouvons passer à un crayon à mine plus fin vraiment créer la structure et mettre en évidence les zones que nous voulons Mais pour le moment, nous ne faisons que tout exposer. L'avantage de cette technique gestuelle, cette façon de dessiner de manière libre et libératrice, c'est que nous n'avons pas besoin d'être 100 % parfaits Nous ne cherchons pas le réalisme. Nous essayons simplement de faire passer le message de ce que c'est. Nous pourrons donc affiner un peu plus tard, mais à ce stade, je dois vous dire qu'il s'agit d'un guépard Et nous pouvons réarranger ou utiliser le caoutchouc pour corriger les proportions Mais pour le moment, nous ne faisons que tout cartographier d'une manière générale. Regardez où se trouvent les pattes avant et comment elles se connectent. Parce qu'une grande partie de cette peinture que nous allons faire, cette peinture en particulier, nous allons utiliser de nombreuses formes implicites. Nous n'allons pas peindre dans les moindres détails. Nous allons suggérer des choses. Cela signifie que ce trait doit nous donner une structure sur laquelle travailler car ce que nous omettons est tout aussi important que ce que nous y ajoutons. Et lorsque nous réalisons un croquis comme celui-ci, nous réfléchissons à la façon dont nous allons l' aborder avec la peinture. Nous ne le faisons pas uniquement pour faciliter le processus de peinture. Nous le faisons pour notre propre bien, afin de le planifier dans notre esprit. C'est donc un dessin d'outil utile. Nous allons beaucoup utiliser le blanc du papier, mais nous devons avoir une idée de l'espace et de la forme de la créature, le guépard, pour que cela soit convaincant C'est donc le but de ce sketch. Nous avons donc tout cartographié maintenant, et maintenant je peux utiliser un crayon plus fin. 5. Un début en douceur: Maintenant, nous avons tout esquissé. Pour le modèle, je suis entré dans les détails de tous ces endroits au cas où quelqu'un voudrait avoir un guide complet. Mais en fait, si je devais le faire moi-même et comme je vous suggère de le faire, c'est de ne pas tirer au sort toutes ces places car ce n'est pas comme si nous devions compter toutes les places et nous assurer que nous les avons toutes présentes. Nous allons utiliser ces espaces davantage pour notre langage visuel, pour notre approche compositionnelle plutôt que être fidèles au sujet réel de manière réaliste ou scientifique Nous allons donc utiliser ces points pour créer cette illusion de forme , car vous pouvez voir comment le guépard se courbe Et selon l'angle sous lequel nous regardons ce guépard, soit ce sera un cercle parfait de notre point de vue, il sera légèrement incliné ou il sera légèrement incliné Cela lui donnera donc une impression de forme plus tard. Et nous ne voulons pas vraiment nous limiter à tout dessiner , car cela prendra plus de temps à dessiner que de le tamponner avec un pinceau plus tard n'est donc qu'une petite note à ajouter à l'esquisse avant de commencer ou d'aborder le tableau. Nous commençons simplement par pré-mouiller le papier en arrière-plan, là où cette ligne, cette ligne de contour où le guépard rencontre l' Nous ne mouillons aucun guépard. Nous mouillons simplement l'arrière-plan, nous appliquons de la peinture très claire la faire disparaître Nous mouillons une surface plus grande que ce que nous avions prévu pour ajouter peinture, de sorte que lorsque nous ajoutons ces touches, elle puisse progressivement disparaître C'est une chose très subtile, car même fois séchée, elle paraîtra plus claire. Nous n'essayons pas de faire quelque chose d'audacieux pour le moment, essayons d'être un peu plus subtils, juste de nous détendre, lancer dans le flux de la peinture parce que même pour moi parfois, le simple fait d'avoir une feuille de papier blanc sans peinture peut sembler un peu accablante, et vous pouvez ressentir la pression de peindre Cela facilite donc processus de peinture doucement et subtilement J'utilise des couleurs dorées, donc et par là, je ne veux pas vraiment dire que j'utilise de la peinture dorée. Ce qui me passe par la tête, c'est que je veux transmettre cette sorte de sensation dorée. Alors je prends ça, je regarde ma palette, et je me dis : OK, eh bien, l'ocre jaune a cette sorte d' or et de sensation, sienne brûlée. Je vais donc utiliser ces couleurs, et ce sont les couleurs que j'utilise simplement, la sienne brûlée et Et très subtilement, j'ai mélangé un peu de bleu cobot ou vous pouvez également utiliser du bleu outremer à cette sienne brûlée, car la sienne brûlée est un brun assez vif, en cette sienne brûlée, car la sienne brûlée fait, et je ne veux pas qu'elle soit trop éclatante fait, et je ne Je veux que ce soit assez subtil. Donc, en utilisant sa couleur bleue complémentaire, vous pouvez utiliser le bleu que vous voulez, cela le rendra un peu plus discret, rendra un peu plus gris, pour ainsi dire C'est donc très subtil. Vous pouvez également voir qu'il est mouillé sur mouillé, n'y a donc pas de bords durs. C'est parce que je ne veux pas que le sujet, guépard, soit juste une silhouette plate sur fond blanc L'ajout de ces petites éclaboussures et de ces petites marques qui s'estompent doucement donne donc ces petites marques qui s'estompent cette sensation de profondeur Nous ne savons pas quelles sont ces choses en arrière-plan. Cela peut être n'importe quoi , un buisson, peu importe. Cela donne simplement une sensation de profondeur car si vous imaginez une photo ou un appareil photo, le sujet principal est très détaillé, puis l'arrière-plan est un peu plus flou Et chaque fois que je sélectionne une couleur, comme la Sienne brûlée ou l'ocre jaune, je pense automatiquement qu'elle est complémentaire Je viens de parler de Sienne brûlée et de son incorporation à du bleu Mais avec l'ocre jaune que j'ai utilisé sur le côté droit, près des pores, j'ai mélangé une sorte de bleu violacé, car violet et l'ocre jaune sont Juste de petites touches subtiles. Sur le blanc du papier, cela le rend un peu gris car, bien sûr, ils se neutralisent mutuellement 6. Arrière-plan doux ground: Maintenant, je vais faire un léger lavage de l'intérieur du corps. utilisons les mêmes couleurs que celles que nous avons utilisées, de l'ocre jaune, sienne brûlée et un peu de bleu pour atténuer l' éclat, juste Encore une fois, il faut rester subtil petit à petit pour créer des couches. exprès que je laisse passer quelques trous dans le blanc du papier C'est parce que j'essaie, même à ce stade, créer un peu de forme et ces petits trous blancs suivent la direction, la courbure du corps, même s'ils sont assez subtils. Juste par souci de variété, je vais rendre cette petite zone à l'arrière un peu plus jaune ocre, un peu plus chaude Encore une fois, c'est juste pour la variété. Vous n'avez pas besoin de suivre exactement. Vous pouvez le rendre de la couleur que vous voulez , de l'influence que vous voulez, vous pouvez le rendre un peu plus bleu, un peu gris Je ne fais que blanchir certaines zones. Par exemple, en face, ce n'est pas essentiel, ou du moins ce n'est pas évident, mais lorsque nous passerons à la couche suivante, cela signifiera que ce n'est pas trop choquant Briser le blanc pur permet au spectateur de mieux comprendre la forme. Améliore un peu mieux la silhouette du guépard. Et vous pouvez voir sur le côté gauche que nous avons le fond sombre sur lequel se trouve actuellement la lumière du guépard, puis de l' autre côté, là où se trouve la tête, la tête est plus foncée que le Nous avons donc déjà une certaine dynamique allant de la lumière à l'obscurité et de l'obscurité à la lumière. Même si nous restons subtils, j'ai découvert quelques lamelles qu'il j'ai découvert quelques lamelles vaut mieux utiliser des brosses à cheveux naturelles plutôt que des pinceaux synthétiques pour les éclaboussures, car les poils naturels sont un peu plus doux et ils éliminent la peinture manière beaucoup plus contrôlée elle aille là où vous voulez qu'elle Mais les cheveux synthétiques, lorsque vous voulez éclabousser, sont trop rigides, donc ils sont un peu plus aléatoires et ils se retrouvent partout sur la table, sur le bureau utilise un mouchoir juste pour en retirer certains parce que je ne veux pas qu'il se détache trop fort, juste à une profondeur subtile 7. Mélanger les couleurs: C'est donc la couche de base terminée, et nous pouvons la laisser sécher complètement maintenant. Nous pouvons même utiliser un sèche-cheveux pour nous assurer qu'il est parfaitement sec avant l'étape suivante. Mélangeons donc les couleurs que nous voulons utiliser pour les taches, car je n'utiliserai qu'environ trois couleurs, mais je vais les utiliser dans de nombreuses variétés. Nous avons donc de la Sienne brûlée en bas, et dans le panneau suivant, nous avons une teinte noire ou neutre. Et puis celui ci-dessus, nous avons le bleu cobalt. Et selon mon idée, avec ces taches et le reste des zones tonales du corps, en termes simples, nous allons utiliser le brun, le bleu et le noir Et nous allons créer une variation complète de ces trois pigments pour que cela reste intéressant. Mais ce sont les principaux types de couleurs, les termes simples. Bien sûr, nous verrons quel type de brun nous allons faire. Peut-être utiliserons-nous de la Sienne brûlée. Peut-être utiliserons-nous un peu d'ocre jaune pour créer des variations entre ces bruns, ces bleus et Mais pour garder les choses simples dans votre esprit lorsque vous peignez ce tableau, nous allons essentiellement créer une gamme de brun, de bleu et de noir. Et ce quatrième, encore une fois, est brun, mais un peu plus vif. Vous pouvez donc voir que j' y mélange ocre jaune et même un peu de jaune de cadmium de l'ocre jaune et même un peu de jaune de cadmium plutôt que de la Sienne brûlée Et puis quand j'y ajoute du noir, ça le rend un peu plus discret Il est donc toujours brun, mais vous pouvez voir que c'est un brun plus froid. Elle n'est pas aussi rouge que la Sienne brûlée. Ce sont nos couleurs de base, en gros, et nous pouvons continuer à les mélanger et à les ajouter si nous n'en avons plus. Mais je les ai à ma disposition maintenant parce que nous allons utiliser une grande partie de la technique humide sur humide, et nous voulons nous assurer que les peintures sont pré-préparées sur notre palette prêtes à être appliquées au bon moment. Je commence donc par ajouter un peu plus d'eau. 8. Sous-couche brune: diluant certains d'entre eux juste pour commencer le lavage de gauche à droite, en utilisant de l'eau pure pour commencer, juste pour les pré-mouiller Tout ce cours se déroule en temps réel. Je n'ai vraiment accéléré aucune des images. J'ai coupé les parties où j'utilise le sèche-cheveux, mais à part ça, vous pouvez avoir une idée de mon timing. Nous avons mouillé sur mouillé. Bien entendu, il se peut que votre climat soit différent ou que la température de votre pièce influe sur le temps de séchage. Donc, le meilleur pari est de créer une sorte de perception. Avec la lumière projetée sur votre papier, vous pouvez voir à quel point les surfaces sont mouillées. Et au bout d'un moment, vous pouvez sentir et avoir une idée de la réaction du pigment, en fonction de l' humidité de votre papier S'il est très brillant et humide, vous savez que le pigment s' épuisera et se répandra en fusionnant tous les pigments Mais s'il est un peu plus emmêlé, vous pouvez toujours voir qu'il est mouillé, mais il n'a plus cet éclat C'est l'endroit idéal où il conservera sa forme, mais où les bords seront souples. Et c'est le genre de domaine que nous recherchons aujourd'hui. En ce moment, il fait très humide, donc vous pouvez voir que je le laisse tomber dedans et que ces pigments vont juste s' étaler , il y aura un peu de texture. Il ne s'agira pas d'un lavage à plat, mais aucune forme claire ne sera conservée lorsqu'il fait si humide à ce stade. Il suffit de remplir grossièrement zone du dos où la queue se connecte au corps. Et puis il y a certaines zones que nous pouvons pré-mouiller et que nous pouvons continuer à peindre dans différentes sections. Ensuite, je regarde toujours ma peinture d'un angle pour évaluer dans quelle mesure elle est humide ou sèche en attendant le point idéal. Et vous pouvez utiliser une feuille de pratique pour déterminer à quel moment se situe cet endroit juste pour vous en faire une idée, si vous ne voulez pas prendre le risque le perdre sur votre œuvre d'art, sur laquelle vous êtes en train de peindre. Au fur et à mesure que je progresse, je deviens un peu plus saturée, un peu plus dynamique. Ce brun est donc un peu plus coloré, pour ainsi dire, qu'en bas où il est un peu plus discret. Utiliser de l'eau pure pour l' étaler et adoucir ce bord. J'utilise cette eau pure sur les endroits où je prévois d'aller un peu plus tard, mais je dois les mouiller au préalable pour être sûr d' avoir le bon moment. certaines de ces zones, j'ai besoin d'une couche de base un peu plus J'ajoute donc un peu plus de pigment, mouillé sur mouillé, pour ajouter à cette sensation de forme, car je ne peux pas le faire par la suite. Je veux que les points noirs apparaissent en haut. Si je devais peindre par-dessus les points noirs, ce serait difficile à contrôler. 9. Taches humides sur humides: Maintenant, à l'arrière du guépard, nous lui avons laissé un peu plus de temps pour sécher Je l'ai regardé sous un angle, et je peux voir que si je laisse tomber ce pigment, il conservera un peu plus sa forme. Et bien sûr, l'épaisseur du pigment sur votre pinceau influe également sur cela. Si vous avez un pinceau humide très dilué, il va déborder et chou-fleur sur le papier Mais si vous avez pigment plus épais avec moins d'eau sur votre pinceau, il conservera un peu plus sa forme simplement à cause de sa consistance plus épaisse. Découvrez comment ces petits points prennent un peu plus leur forme. Et je mélange un peu de bleu maintenant. Les marques que je fais maintenant sont toujours des taches, mais comme elles se trouvent sur le dos, en suivant la colonne vertébrale et que nous les voyons sous un angle, la colonne vertébrale et que nous les voyons sous un angle, elles ressemblent un peu plus à des lignes courtes. Cela crée cette sensation de profondeur parce qu'ils sont biaisés, nous les voyons sous un angle Si nous regardions ce guépard vu du ciel, il aura lui aussi l'air Mais comme nous voyons sous un angle, cela renforce cette sensation de profondeur et perspective, cette sensation de forme. J'ai donc mélangé ces points bleus avec les points bruns. Et vous pouvez choisir où vous voulez placer les bleus ou les bruns. Il n'y a aucune règle. Cet aspect du tableau est sujet à interprétation. Ce n'est pas comme si je suivais une structure rigide, essayais juste de trouver une variété. S'il y a trop de brun, j'ajouterai un peu de bleu. S'il y a un peu trop de bleu, j'ajouterai un peu de brun. Ce contraste subtil. Et ce n'est pas non plus un bleu vif. C'est un subdue. Il n'y a pas beaucoup de dynamisme dans ce tableau Ces points mous sur la queue en bas, à gauche, sont très importants, car je veux que cette queue passe des zones mouillées aux lignes plus dures une fois qu'elle atteint le bout de l'autre côté. Nous allons donc commencer par la gauche en utilisant de l' eau sur des zones mouillées, et nous allons progressivement passer à des endroits plus difficiles au fur et à mesure. Et c'est une bonne pratique en tant qu'étudiant de travailler sur ce calendrier. Mais ce n'est pas indispensable pour la peinture. C'est juste l'occasion de s'entraîner. Je prémouille beaucoup de ces endroits maintenant parce que je veux que certains soient mouillés sur mouillés Mais je ne sais pas encore lesquelles je veux être mouillée sur mouillée, alors je les mouille toutes et quand vient le temps de les peindre en 5 minutes environ, je peux choisir celles que je dois tamponner. De même, avec une queue, je suis en train de pré-mouiller ce bout maintenant. Et comme il s'agit d'eau pure et qu'il n'y a aucun pigment à stade, nous avons une grande liberté. Donc, même si on oublie de revenir, ça va juste sécher et rien ne changera. Cela m'est arrivé beaucoup de choses. J'ai préalablement mouillé une zone avec l'eau pour y revenir et je l'ai oubliée 10. Sous-couche de cou: Si vous pensez au fonctionnement de la lumière et des ombres, les zones d'ombre sont celles que la lumière ne peut pas atteindre. Donc, bien sûr, autour du cou, là où il entre un peu, il y a un peu plus d'ombre à cause de la lumière. Il va faire plus sombre. C'est pourquoi j'ajoute un peu plus d'ombrage là où la région du cou est à nouveau mouillée, en prémouillant la zone ou en ajoutant une touche de pigment puis en l' étendant avec de l'eau pure, pigment puis en l' étendant avec comme je le fais actuellement Je veux qu'il y ait un bord dur sur le côté gauche de cette forme, là où le bras se croise parce que l'épaule ou la jambe chevauchent en quelque sorte la région du cou Il va donc y avoir un bord dur, et j'utilise un mouchoir juste pour nettoyer ce bord parce que le nettoyant pénétrait dans la région des épaules. Mais je veux qu'il y ait une nette distinction à cet égard. Je suis donc en train de planifier et de réfléchir aux domaines dans lesquels je veux avoir un avantage et à ceux dans lesquels je veux avoir un avantage. En utilisant un mélange de cette sienne brûlée et de brun ocre jaune. Il est assez difficile de penser à ces couleurs façon logique, parce que c'est tellement spontané et j'essaie de penser à me frayer un chemin à travers plutôt que de les exprimer logiquement en mots dans mon esprit J'ai un brun chaud et un brun froid. Le brun chaud qui se trouve au bas de ma palette semble presque rouge. Et le brun froid, même si le brun est une couleur chaude, vous pouvez toujours vous réchauffer et vous rafraîchir avec ces couleurs. Je mélange donc des bruns chauds et des bruns froids. Revenons-en à cette queue maintenant, en ajoutant un bord un peu plus dur maintenant qu' elle a eu le temps de sécher. 11. La queue: Maintenant, pour peindre le bout de la queue, nous avons déjà ajouté un peu de brun, et maintenant je mélange une sorte de bleu foncé et atténué Bien sûr, en réalité, c'est du noir, mais comme nous y avons déjà du brun, mélanger ce bleu dessus le neutralisera de toute façon Et même si on y détecte toujours le bleu, c'est beau esthétiquement C'est agréable pour le spectateur car ce sont des couleurs complémentaires. Nous essayons de prévoir l'humidité du papier. J'ai veillé à ce qu'il ne soit pas mouillé au point que le bleu puisse complètement se mélanger et s'étaler. Ces rayures ont toujours leur forme et leur forme. Et si nous voulons ajouter encore plus de détails, nous devrons attendre encore plus longtemps ou utiliser le mouchoir pour le sécher encore plus rapidement. Je fais des allers-retours pour essayer de trouver ce qui est juste, je veuille que ce soit un bord plus doux et qu'il y ait plus d'eau ou que je veuille que les bords soient un peu plus détaillés et plus durs. Parce que parfois, dans votre esprit, cela peut sembler juste, mais quand vous le voyez réellement sur le papier, cela ne se ressemble pas. Cela n'a pas le même résultat que celui que vous souhaitiez. donc parfaitement modifier ou modifier la vision ou le plan. Le processus de peinture se déroule rarement sans heurts. L'idée de l' aquarelle en particulier est d'être à l'aise avec ces mésaventures et l'aspect résolution de problèmes Comment peaufiner les choses. Et il existe généralement une liste de contrôle que vous pouvez consulter et qui résume les éléments, qu'il s'agisse de tons, de couleurs, de textures, de bords, de formes Vous pouvez les parcourir tous sous forme de liste de contrôle pour voir ce qui ne va pas et ce qui peut être modifié pour éventuellement le corriger ou l'améliorer. 12. Points abstraits: Alors que nous peignions cette queue, la région du cou a eu le temps de sécher. Il est donc temps d'y ajouter quelques points mouillés pour qu' ils s'étalent bien avec un bord souple sans pour autant disparaître complètement. Encore une fois, j'ai vérifié le papier incliné par rapport à la lumière et j'ai pu constater qu'il n'était pas mouillé de façon scintillante C'était juste humide. J'ai pu voir qu'il y avait encore de l'humidité là-bas, mais elle n'était pas complètement mouillée Ces points vont donc bien conserver leur forme. De même, le corps que nous avions préalablement mouillé avec de l'eau pure a eu suffisamment de temps pour être absorbé par le papier, et c'est maintenant à ce point idéal que nous pouvons obtenir de beaux points avec des bords souples Et je peux choisir et décider dans quels domaines je veux qu'ils soient. Je ne veux pas les peindre toutes mouillées sur mouillées. Je ne m'en tiens donc pas à un seul domaine. Je saute en quelque sorte d'avant en arrière , en commençant par le brun. Sienne brûlée avec un peu de noir ou de bleu pour l' atténuer un peu Je ne veux pas qu'il soit complètement dynamique. Encore une fois, si vous trouvez cette technique humide sur mouillé un peu difficile. Si vous appliquez un coup de pinceau et qu'il saigne trop vite, c'est soit parce que le papier est trop humide, soit parce que le pigment est trop fin sur votre pinceau. C'est trop dilué. Si vous peignez à partir de casseroles plutôt que de peinture en tube, cela peut être encore plus difficile car les casseroles sont généralement sèches comme de la pierre. Ils sont solides, ils ne sont pas mouillés du tout. Ainsi, lorsque nous essayons de colorer une casserole, nous utilisons beaucoup d'eau pour l'activer, car nous utilisons beaucoup d'eau, seule la surface de cette casserole est diluée et elle est beaucoup diluée, elle est en fait assez fine. Vous devez vraiment mélanger l'eau quelques heures avant de commencer votre processus de peinture pour obtenir la texture Marmite Belimte, l'épaisseur de beurre dont vous votre processus de peinture pour obtenir la texture Marmite Belimte, épaisseur de beurre dont Mais je ne dis pas que cela ne peut pas être fait avec des casseroles. Chaque artiste a ses propres stratégies, sa propre façon de travailler. C'est ce qui rend les galeries destinées aux étudiants si intéressantes, car elles voir comment les différentes méthodes et approches influent sur le résultat final. Je sais que beaucoup d'étudiants et artistes n'aiment pas utiliser une palette. Ils préfèrent sortir directement du tube, et c'est parfaitement bien aussi, car beaucoup de ces marrons peuvent être achetés directement en tube Et bien que j'aie mélangé certains de ces bruns, vous pouvez utiliser du Sienna pur si vous le souhaitez Vous pouvez utiliser du bleu pur. En fait, mon bleu ressemble beaucoup au gris pâle, je crois, parce que le gris de Payne est essentiellement un bleu très foncé et désaturé En fait, l'utilisation de peintures provenant directement du tube présente des avantages , car cela limite la palette et en limitant la palette, cela rend l'ensemble de la pièce un peu plus cohérent. Cela les réunit. Cela harmonise tout, surtout en tant qu'étudiant. Ne vous laissez donc pas rebuter par le fait que j'utilise une palette ici, car vous n'êtes pas obligé d'utiliser une palette si vous ne le souhaitez pas. Vous pouvez commencer à voir la façon dont je distribue généralement mes couleurs. Vous pouvez voir que j' ai des zones brunes, des zones noires plus foncées et des zones bleues, et ce n'est pas uniforme. Tout est équilibré les uns dans les autres et assez aléatoire. 13. La sous-couche de la tête: Nous pouvons maintenant commencer à peindre la couche inférieure du visage. Je vais mélanger un peu de bleu au niveau des oreilles. Ce n'est pas un bleu pur, une sorte de bleu monotone désaturé. Et c'est parce qu'il y a tellement de brun sur nous. Je veux quelque chose pour contrebalancer ce brun en utilisant sa couleur complémentaire Commencez par un bon tampon, puis nettoyez ma brosse et utilisez de l'eau pure pour l' étaler sur la zone où je le souhaite J'ai laissé un petit écart entre la fin de l' année et l'arrière-plan. Le plus petit blanc du papier. Ce sont ces petits détails subtils qui donnent l' impression qu'il est plus fin qu'il ne l'est réellement, car il y a beaucoup d' éléments abstraits dans cette peinture Cette peinture est davantage une question de suggestion et de détail, mais contient de petites choses subtiles comme ça. Ancrez-le, maintenez-le ensemble et permettez au spectateur de comprendre de quoi il s' agit sans avoir à expliquer chaque détail, car souvent, en énonçant tout, gâche le sentiment et l'enthousiasme. Et c'est en fait la façon dont nous voyons le monde. En fait, nous ne voyons pas la plupart des choses avec tous les détails. C'est en grande partie périphérique, et beaucoup de choses sont naturellement masquées de toute façon L'éclairage parfait n'existe pas nécessairement partout où nous regardons , donc cet arrière-plan subtil, cet ombrage que nous utilisons actuellement, la sous-couche Je colle et combine, c'est la structure. Particulièrement au niveau de la tête, car nous ne nous concentrons pas sur une grande partie de la sous-couche, c'est-à-dire sur le reste de la peinture Nous en avons un peu sur le corps, mais c'est vraiment très subtil. Cette tête est le domaine central, et dans chaque composition, il y a une hiérarchie. Nous commençons donc toujours par la fin en tête, et notre point focal est la tête, les yeux et les lignes sombres qui ressemblent à des déchirures. Et tout le reste soutient ce moment dans le tableau. Nous devons donc garder ce visage net avec quelques détails plus nets. Et un peu plus de contraste. C'est pourquoi nous utilisons le bleu. Et comme le corps est plus souple, l'œil se concentre naturellement sur le caractère du thé L'ensemble de cette composition a été décomposé en formes plus grandes. Donc, trois formes, en gros, nous avons la tête, le dos et la queue. Les pores frontaux, je vais les abstraire complètement. Je ne vais pas passer beaucoup de temps à y réfléchir. Juste un geste subtil, suggestion de ces pores situés sur le devant, car si je devais ajouter des détails, cela entrerait en concurrence avec d'autres zones focales. S'ils se lisent clairement dans une silhouette simple, le tableau tiendra le coup même si nous gardons le reste des détails détendus et abstraits. 14. Les tons moyens de tête: est donc la première couche terminée, et pendant qu'elle est encore humide, nous pouvons passer aux tons moyens, mouillé sur mouillé en y ajoutant un peu du même pigment, la sienne brune brûlée, laissant J'aimerais vous encourager dans cette peinture à explorer les tons chauds et les tons froids, car ce n'est pas une peinture vibrante C'est donc un espace sûr avec des subtilités sans extrêmes. Parce que nous gardons la fourrure au chaud avec des couleurs terreuses, de la sienne brûlée, de l'ocre jaune Mais il y a tellement d'autres options à votre disposition. Je suis sûr que vous avez beaucoup de pigments, de tubes ou de couleurs que vous pourriez utiliser pour que cette peinture soit vraiment la vôtre. Pour ce qui est des ombres, nous avons tendance à être un peu plus froides. Ultramarine, bleu cobalt. Et ceux-ci neutralisent les bruns dont nous parlons. Et vous pouvez explorer ces différents bleus et bruns et découvrir comment ils créent le gris, vos propres gris uniques, pas un gris que vous achetez en tube, votre propre mix personnel vous-même Cela le rend vraiment unique. Nous avons utilisé du bleu pour l'oreille et un peu là où la ligne de la mâchoire se situe là où le museau, la bouche et le cou atteignent le cou Ensuite, nous utilisons le brun chaud. Nous allons maintenant ajouter un brun plus froid où le museau est autour du nez, sous l'œil Je ne vais pas faire si sombre ici parce qu'en plus de ça, je vais peindre encore quelques taches. Détails de construction progressifs. Mais si le visage devient raide, nous passons à d'autres parties de la peinture et nous pouvons même supprimer des détails du corps plutôt que d'en ajouter plus sur et nous pouvons même supprimer des détails du la tête. Moins de détails autour du point focal le rendent souvent plus net. Souvent, lorsque nous regardons un tableau et que nous pensons que quelque chose ne va pas, qu' il en faut plus, cela peut sembler étrange, mais en fait, le fait de supprimer d'autres éléments qui entrent en concurrence avec le point focal peut en fait renforcer l'image. Parfois, réduire détails, supprimer des détails peut créer l'illusion de détails dans le point focal. Lorsque vous peignez l'ensemble de cette composition, et pas seulement le visage, il faut garder à l'esprit peignez l'ensemble de cette composition, et pas seulement le visage, il faut garder à l' l'idée que nous ne peignons pas de la fourrure. Ce n'est pas ce à quoi j' essaie de penser. Nous mettons en lumière la forme, et la fourrure apparaît comme un effet secondaire des bords et du timing. Parce que, techniquement, même le visage est en fourrure juste une fourrure plus fine. 15. Se détendre: Prenons un peu de recul et arrêtons-nous du visage maintenant car souvent, si nous restons coincés dans une zone, nous en faisons trop et nous oublions le message principal, la composition dans son ensemble Il est facile de s'y laisser emporter. Et j'ai eu l'impression d' entrer dans les moindres détails, ce qui est généralement une erreur car cela ne s'harmonise pas et ne semble cohérent avec le reste de la pièce Nous pouvons donc commencer à réfléchir à différentes sections comme la fourrure du dos et du cou. Et puis revenez-y une fois que le reste du tableau sera un peu plus détaillé, afin que nous sachions comment mieux l'équilibrer. Nous passons donc de la section détaillée du visage à une partie très abstraite et suggestive de la composition où la queue rejoint le haut de la jambe au niveau des épaules Et je ne veux pas de détails clairement définis ici. J'utilise juste des traits généraux, tout un méli-mélo de couleurs Cela ne prête pas à confusion, mais nous n'avons pas besoin de détails ici. Ce n'est pas le message ou le tableau, ce n'est pas la zone surlignée. Bien sûr, nous devons le peindre. Nous ne voulons pas le laisser vide, mais nous voulons le peindre avec le moins d'attention possible. Cela signifie qu'il faut l'abstraire gros et s'amuser vraiment sans pression amusant à mélanger ces bruns, ces bleus et ces noirs, nous déposons une touche de chaleur et de fraîcheur dans un endroit plus grand lorsqu'il fait humide, en sentant le souffle du bleu du côté de l'ombre, une touche de Sienne du côté clair, ces petits changements de température Il empêche toutes ces marques et ces lavages de se sentir plats. Et tous les points sont assez uniformes. Tu ne peux pas avoir le guépard tout entier plein de points Il nous faut un autre élément. Il faut briser l'unité. Il faut un peu de variation. Voilà ce que c'est parce que nous n'avons pas vraiment touche dans cette composition, dans cette peinture. 16. Le message: Vous pensez à la courbure et à la forme de cette jambe, il va y avoir de l'ombre sur le côté gauche, puis lorsqu'elle se courbe vers la lumière, c'est là qu'elle sera la plus claire, et c' est là que nous plaçons les points et les points Mais ensuite, cette jambe recouvre l'ombre du cou et de la jambe éloignée Nous utilisons donc de la peinture négative pour peindre le reste de la jambe en ajoutant les ombres situées derrière celle-ci. Mais c'est toujours lié à ce vernis que nous venons de peindre. Nous avons simplement utilisé de l'eau pour l'alléger dans certaines zones. Mais tout est lié. Et nous allons garder ce domaine très abstrait. Il suffit de remplir la forme générale. Je ne suis même pas aussi fidèle à mon croquis au crayon qu'il contient, qui mon croquis au crayon qu'il contient, crée une variété de couleurs. Juste une suggestion de forme et ton plutôt que quelque chose de complètement décrit. Nous n'avons certainement pas besoin de peindre chaque orteil ou chaque articulation. Parce que le spectateur comprendra ce qui se passe. En fait, en les gardant souples et minimalistes, l'attention reste sur la tête et le personnage ressent l'ambiance du guépard Remarquez que quelques traits inclinés, quelques ombres chaudes et une rupture dans le bord suffisent à indiquer le poids et l'ancrage Il s'agit plutôt de créer une impression de cette silhouette. Les jambes se dissolvent dans le fond ci-dessus. Mais il y a une sorte de rythme net en bas, comme une vague, depuis la queue jusqu'à la patte, le coude Cette ambiguïté joue en notre faveur car elle permet à la peinture de rester expressive plutôt que rigide Cela nous rappelle que l'aquarelle n'exige pas de précision. Parfois, le meilleur choix est d'impliquer plutôt que d' expliquer et de laisser l'imagination du spectateur s' occuper du reste. Tout cela a été fait avec un midton. Mais maintenant, nous pouvons ajouter quelques touches de noir pour vraiment le mettre valeur et lui donner une gamme tonale complète en utilisant le langage visuel de la forme et de la direction du rythme Je plisse les yeux de temps en temps pour voir si la forme générale transmet un message clair 17. Endroits propres: Quand je parle de message, je ne parle pas vraiment d'une phrase ou d'une histoire écrite sur le papier. Tout ce que cela signifie, c'est le sentiment, l'impression, l'idée tacite que j' essaie de transmettre lorsque quelqu'un regarde notre travail Et chaque tableau est porteur d'une ambiance. Peut-être que cela semble calme, paisible, puissant, énergique. Peut-être que cela ne peut pas être expliqué par de vrais mots. C'est juste une sensation subtile, un moment éphémère Avec ce guépard, le message porte peut-être sur l'élégance, le calme, la force, le calme, mais aussi la puissance, la pause éphémère d'un animal rapide mais au la pause éphémère d'un animal rapide Ce ne sont pas des choses auxquelles je pense consciemment et spécifiquement. Je ne les écris pas et je ne les mets même pas en mots dans mon esprit pendant que je peins. Mais vous pouvez ressentir ce message sans avoir à vous l'expliquer spécifiquement. Et c'est généralement cela qui guide vos décisions de manière intuitive. Nous n'avons pas besoin de le préciser. Cela se reflète plutôt dans le fait que nos pinceaux sont lâches ou serrés, l'espace blanc que nous laissons, façon dont nous équilibrons les couleurs chaudes et froides, puis ce courant émotionnel sous-jacent est ce que je voulais dire par le message Et c'est l'essence de la peinture et ce qu' elle communique sans avoir à utiliser ces mots. Maintenant, je vais revenir sur place en utilisant du noir presque pur. Et ces endroits particuliers sont un peu plus définis avec un bord plus dur. Lorsque nous peignons les taches, il est important de se rappeler que nous ne décorons pas simplement la surface, nous décrivons la forme, le geste, le rythme, le motif. Si nous les pointillons simplement au hasard, ils peuvent paraître plats collés ou même déplacés Dans mon esprit, je pense plutôt à l' angle de la surface. En considérant les points comme faisant partie du design, chacun d'entre eux devrait réellement contribuer à la sensation de volume ou de mouvement. Je ne le porte pas sans me demander pourquoi il doit être là. Au fond, ici, elles sont assez grandes, les taches. Mais lorsque nous nous rapprochons de la tête, les taches deviennent plus petites, plus foncées, voire plus rapprochées, ce qui attire naturellement davantage l' attention sur le visage. Puis, lorsque nous nous déplaçons le long du corps à travers la cage thoracique, les taches s'ouvrent et suivent les courbes du torse Et leur espacement nous aide à décrire la rondeur et la perspective Sur les membres, nous pouvons les laisser s'estomper, les relâcher pour que l'œil ne se bloque pas dans ces détails inutiles 18. Les zones d'adoucissement as: Remarquez combien de ces points ne sont ni nets ni uniformes. Ils sont assez abstraits. Ce ne sont pas des cercles bien définis, surtout ceux qui sont mouillés sur des cercles mouillés. Nous en avons quelques belles, propres, aux bords durs, juste pour les ancrer. Ce ne sont que des points d'ancrage destinés à aider le spectateur à en comprendre les parties abstraites. Nous n'avons besoin que de quelques points d' ancrage, de quelques formes correctes définies et le reste peut être un peu plus suggestif et moins défini Il faut donc varier la couleur, le ton, la qualité des bords pour les rendre plus naturels. Nous en créons certaines en peignant autour de la forme, en laissant le papier intact former le centre de la lumière D'autres, nous y déposons alors que le linge est encore humide, ce qui lui permet de s'appliquer doucement Et c'est ce qui suggère cette texture de fourrure. Et puis, comme nous le faisons actuellement, en plaçant des coups de pinceau audacieux sur du papier sec, net et foncé, pour lui donner structure et contraste. Et cette variété donne aux spots apparence vivante et intégrée plutôt que mécanique. Et la règle d'or à garder à l'esprit est trouver l'équilibre entre clarté et souplesse. Trop de marques identiques peuvent sembler raides, mais trop de douceur peut faire perdre complètement le motif. Et nous pouvons utiliser l'échelle, l' espacement et, encore une fois, la qualité des arêtes à bon escient Nous ne nous contentons pas de peindre des taches, nous façonnons le caractère et l'énergie du guépard, car voyez quantité d'espace blanc que nous utilisons réellement dans cette composition Un grand nombre de ces endroits sont nécessaires pour donner forme. J'ai juste utilisé un vieux pinceau juste pour éliminer un peu de ce pigment parce qu' il était un peu trop foncé. C'était juste un vieux pinceau. Je ne voulais pas l' abîmer avec l'un de mes jolis modèles à embout propre. Je l'ai fait sécher. En fait, j' utilise un vernis en ce moment pour recouvrir certaines de ces taches sur le dos Et cela les adoucira encore une fois. Ainsi, même si vous n'avez pas pris le temps de vous mouiller sur les points mouillés et qu'ils ont un bord dur, vous pouvez y revenir plus tard pour les adoucir un peu. Et même à l'intérieur des taches, vous pouvez avoir des taches moitié tranchantes et dont l' autre côté est mou. Ça agite certains d'entre eux. Utiliser des coups de pinceau dans le sens de la forme du geste. Vous pouvez même utiliser de l'eau pure sans pigment pour ces traits, puis le mélange mouillé sur mouillé agitera le pigment déjà présent sur le papier 19. Cheveux sur le dos: J'ai préalablement mouillé la zone où se trouvent les poils sur le dos, en haut du dos, et je vais le faire avec un pigment épais pour qu' ils conservent leur forme peins ces poils, mouillés sur mouillés Ils conservent donc leur forme, mais ils ont un côté doux. Mais je ne suis pas trop stricte avec moi-même à ce sujet. Ça ne me dérange pas s'ils sont trop tranchants. Tant qu'ils transmettent cette sensation de poils sur le dos en haut Je ne veux pas qu'il soit mouillé sur mouillé au point que tout se dissout et se fond dans un désordre flou Je veux toujours qu'il y ait des limites définies. Nous pouvons maintenant attendre un peu plus longtemps avant de revenir à ces cheveux pour ajouter plus de traits, plus de définition. Prenez un moment pour voir combien d'espace blanc il y a dans ce tableau. C'est en fait l'un des éléments que j'aime le plus, car j'ai presque l' impression que la triche est camouflée en arrière-plan Il semble assez inhabituel, voire risqué, de laisser une telle partie du papier intacte dans le cadre du sujet principal Mais plutôt que d' affaiblir le tableau, je pense que cela le rend un peu plus unique. L'aquarelle est assez intéressante dans la mesure où le papier intact fait également partie du À l'huile ou à l'acrylique, vous devez généralement appliquer de la peinture blanche sur la toile. Mais ici, elle agit comme notre source de lumière, la lumière la plus propre et l'atmosphère. Il le connecte également à l' arrière-plan. C'est étrange parce qu'à certains égards, impression qu'il manque des parties du guépard parce que ce n'est que le blanc du papier Mais je pense que cela ajoute un sentiment de mystère. C'est presque comme si l'animal s' intégrait à son environnement. De plus, cela permet à l'imagination du spectateur de combler ce qui n'est pas là, qui rend le tableau un peu plus captivant parce que nous n'y sommes plus, précisant chaque détail. Les taches, les formes des ombres et quelques lignes précises suffisent à suggérer la forme, et nos yeux complètent automatiquement le reste. Et la retenue est une chose très importante, elle permet à la peinture de rester expressive et d'éviter la lourdeur qui pourrait survenir si nous essayons de couvrir chaque centimètre carré de la peinture Chaque espace est pigmenté. 20. Flux et rythme: Pour en revenir aux jambes, je vais simplement suggérer quelques traits sombres en suivant la courbure des jambes. C'est presque comme si je les imaginais comme des sortes de tubes. Je pense à la rotation. Bien sûr, ce sont des taches, mais si vous les étirez et les enroulez, elles ressemblent un peu plus à des rayures dans ce contexte. L'un des plus grands atouts de l'aquarelle est que même après avoir défini les couleurs, nous avons encore de la place pour les ajuster et les affiner soulevant ou en les adoucissant Par exemple, ici, si le linge ou les bords ont séché un peu plus fort que prévu, nous pouvons y revenir avec un pinceau propre et humide, adoucir doucement le bord et encourager le pigment à s'étaler encore plus pour qu'il un pinceau propre et humide, adoucir doucement le bord et encourager le devienne moins dur. Cela évite également le risque de trop peindre ou de superposer trop de couleur, car cela pourrait atténuer la sensation de lumière Nous pouvons également faire ressortir les points forts directement des formes plus grandes. créer un pinceau assoiffé en lavant votre pinceau, puis en le tamponnant sur une serviette ou un mouchoir, puis en le faisant glisser légèrement sur le passage humide, nous retirerons le pigment pour créer des textures douces qui ressemblent à la lumière qui traverse actuellement les cheveux C'est très efficace dans cette zone du dos où la lumière du soleil peut passer à travers ces poils Si nous avons trop peint, nous pouvons également gratter. Cela donne une sorte de brillance et de variété à la surface et empêche les choses de paraître un peu trop uniformes. J'ajoute maintenant quelques lignes directrices, de petites lignes subtiles qui ne sont pas des taches. Ils ne font même pas partie du guépard. Ce sont de petites lignes subtiles qui orientent et fluidifient le regard, ce qui ajoute à cette sensation de geste. Nous complétons cette zone avec quelques espaces supplémentaires pour lui donner forme. Et ce que je veux vraiment dire par forme, c'est donner une forme plate, l'impression de tourner dans l'espace. Et avec l'aquarelle, nous ne le faisons pas en dessinant tous les détails, mais en gérant les bords, la valeur et la température La variation de l' angle est subtile, mais nos yeux la lisent assez instinctivement C'est pourquoi nous n'avons pas besoin de surmodeler ou de peindre spécifiquement les différentes mèches de fourrure avec des nuances Si les taches suivent la forme, le volume se révèle vraiment. C'est un excellent exemple de la façon dont le motif peut servir de structure à une peinture et peut donner de la profondeur et la dimensionnalité sans trop de modulation C'est pourquoi nous n'avons pas mis autant d'autre sous-couche dans la majeure partie du tableau 21. Les oreilles: Nous allons donc commencer à peindre le visage maintenant, et c'est là que nous voulons ralentir et être délibérés. La tête est le point central de ce tableau. Quelques détails soigneusement placés peuvent donc porter tout le personnage. Et toute petite variation de la valeur de placement ou de l'avantage peut modifier radicalement l'expression ou le sens de la vie du guépard Nous commençons donc par réserver les points forts les plus brillants. Nous l'avons déjà fait un peu. Nous l'avons cartographié. Vous pouvez voir l'image de référence pendant que vous peignez ou la peinture terminée pour vous aider à y parvenir. Mais en commençant par un beau noir épais, je suis passé à un pinceau très fin, d'ailleurs, avec une belle pointe. Il suffit de simplifier la forme de l'ombre à l'intérieur de l'oreille. Un noir foncé, essayant de garder la forme organique et de la relier. C'est presque comme un étrange pin étiré. Ensuite, je vais ajouter une fine ligne de l'autre côté de l' oreille, juste pour indiquer que c'est la fin de l'année. Rien de plus que ça. Nous pouvons maintenant nous déplacer dans les airs de l'autre côté en utilisant la même couleur brune que celle que nous avons utilisée pour la Sienne brûlée Il s'agit essentiellement d'une pure sienne brûlée. C'est un beau ton moyen, ni trop épais, ni trop dilué. Belle couleur et ton riches et affirmés, juste pour simplifier et souligner la forme de l'oreille. J'essaie de le décomposer en une forme très simple avec le moins de traits possible. Il s'agit simplement d'une forme simple, car une forme fiable est bien plus puissante que 20 lignes surchargées Et c'est tout ce qu'est cette oreille. C'est une forme très étrange, mais c'est une forme. Ce n'est pas une forme normale comme un triangle ou un cercle, mais tout est lié. 22. Taches sur la tête: Maintenant, nous pouvons commencer à peindre le front, je suppose que c'est ce que vous appelleriez. Et il y a presque une sorte de direction, sorte de flux allant de l'œil à l'arrière de la tête. Ce n'est pas exactement une ligne, mais je vais ajouter ces points dans une direction qui implique une ligne. Éloignons-nous légèrement de tous les détails raffinés du visage et commençons simplement à ajouter quelques points, de petits points parce qu'ils se trouvent sur le visage. Elles restent assez aléatoires, mais je dois être consciente qu'il faut faire un peu plus attention à la phase, un peu plus attention à car c'est le point central. Et ils ont certainement une sorte de structure. Même si je les place de manière assez aléatoire, je dois quand même réfléchir à leur forme et à leur angle. Heureusement, je peux encore voir les traces de crayon. Je sais à peu près où je vais les mettre. L'utilisation de ces points permet à nouveau de définir la forme, la ligne de mâchoire, ce qui ajoute au flux Même s'ils ne sont pas des lignes en eux-mêmes, si vous ajoutez ces points les uns à côté des autres, presque comme des tremplins, ils donnent l' illusion de lignes, même si ce ne sont pas des lignes, des lignes implicites. Et j'utilise du brun, encore une fois , un brun plus foncé Mais il n'y a aucune raison de ne pas le rendre bleu, ajoutez-y quelques points bleus. Maintenant que la plupart des peintures ont été réalisées, vous pouvez voir un peu mieux l'équilibre des couleurs. Vous pouvez voir qu'il est probablement 75 %, peut-être même 80 % brun, puis 25 % à 20 % bleu. Mais vous pourriez expérimenter et ne pas y mettre du tout de bleu, garder monotone, tout brun Peut-être même le faire en noir et blanc, ou utiliser une couleur comme le sépia, qui, lorsqu'il est à pleine consistance et épaisseur, est le noir Mais une fois dilué, c'est en fait un brun. Et plus j'y pense, en fait, plus j'ai envie de m'y essayer parce que j'aime faire des peintures monotones Pour la plupart de ces cours, je fais un sketch monotone avec du sépia Ou du gris pâle, juste pour que les tons aient du sens dans l'image elle-même, car la plupart du temps, vous pouvez enlever la couleur d'une peinture, et elle peut parfaitement se lire uniquement avec les tons. Vous pouvez donc voir l' emplacement de ces points. Bien qu'ils soient assez aléatoires, ils correspondent à une stratégie. Ils sont assez régulièrement espacés ici, et ils ont une direction implicite. Ils ne sont pas absolument aléatoires. Je ne ferme pas les yeux et je me contente tamponner au fur et à mesure qu'ils reculent, je les assombrit aussi un peu 23. Les yeux: Mélangez un brun dilué et passez simplement sur certaines de ces zones mieux guider l'œil, en comblant certaines zones vides. Vous pouvez voir la direction qui descend de l'oreille jusqu'à la ligne de la mâchoire en utilisant les bords durs des lavages ci-dessous. Nous pouvons maintenant commencer à peindre l'œil, qui est sans doute la partie la plus importante de la peinture car les yeux ont tendance à simplement capturer l'âme et à inviter les gens à entrer. Mais même lorsqu'il s'agit de cela, nous pouvons le faire étape par étape, en prenant notre temps, sans entrer directement dans la partie la plus importante et la plus détaillée. Au fur et à mesure que cette forme brune apparaît vers l'œil, je la fais passer à un joli noir foncé, puis je fais très attention avec le bout de mon pinceau Peignez jusqu'au bord manière à ce qu'il soit simplement relié à l'œil par le bout. Ensuite, nous pouvons commencer à remplir l'œil, mais en laissant un tout petit espace blanc, bien sûr, si vous passez dessus, vous pouvez revenir avec du badigeon à la chaux au bout où se trouverait le canal lacrymal Nous peignons une sorte de triangle avec une courbe à l'endroit où se trouve l'œil et en contournant l'autre côté. Sur le dessus de l'œil, il y a encore une bande noire qui simplifie la forme Ce ne sont que deux tons, en gros, le brun et le noir. Indiquez peut-être plutôt quelques paupières ou quelques cils. Je crée un joli point où se trouve cette déchirure. Nous avons donc une agréable sensation de rythme et de fluidité où le brun se trouve en bas, puis le blanc réservé, puis la larme noire. Heureusement, l'autre œil est l'autre côté, nous n'avons donc pas à le peindre. Après cette déchirure jusqu' au nez, nous pouvons utiliser les traits du crayon pour nous guider. Connectez-le vers le bas à la zone que nous avons peinte auparavant. Tout est lié. 24. Gratter la peinture: Il est très important que vos noirs et foncés soient suffisamment forts ne faut pas qu'ils aient une consistance trop faible ou qu'ils soient trop dilués, car même lorsque le noir est mouillé , il peut paraître noir pur , mais lorsqu' il sèche, il devient gris pâle. Il y a donc un point idéal où c'est trop épais et où c'est trop fin. Mais en fin de compte, il vaut mieux opter pour le côté épais, car nous avons besoin de ce contraste fort sur le visage et de ces détails nets où se trouvent ces jolies lignes blanches , puis des lignes brunes et des lignes noires. Pareil pour le nez. En prenant soin réserver une partie de ces blancs, pivoter le pinceau de manière à ce que le bout du pinceau soit bien incliné faites pivoter le pinceau de manière à ce que le bout du pinceau soit bien incliné. Commencez par un noir bien épais et si vous trouvez que c'est trop épais, sera une marque de pinceau sèche Vous pouvez donc simplement revenir à votre palette où j'ai déjà un peu d'eau Je ne vais pas aller chercher de l'eau dans mon bac à eau. Je récupère l'eau qui déjà sur ma palette là où se trouve le brun et j'aide à étaler cette peinture si elle est trop épaisse. Faites tourner le pinceau de manière à ce que la pointe du pinceau se Je vais maintenant faire des essais avec ce cure-tuf pour gratter quelques moustaches, mais il était encore trop humide, donc il n'a pas vraiment fonctionné Je vais utiliser mon couteau à palette, mais vous pouvez utiliser votre cure-tuf une épingle ou autre, ou même du guash droit à blanc pour ajouter quelques traits pour indiquer la fourrure du dos, les cheveux, les poils les plus longs Les moustaches. Parfois, je mets un petit point blanc à l'endroit de leurs yeux pour leur donner l' impression que c'est brillant, mais je ne pense pas que je vais prendre le risque aujourd'hui Ce n'est pas essentiel, alors je vais utiliser le pouvoir de retenue. 25. Réflexions finales: Bienvenue et félicitations pour avoir terminé ce cours d'aquarelle sur la peinture d'un guépard Nous avons exploré le geste, le timing et la peinture négative, créé une fourrure douce avec un pinceau et des bords secs, et utilisé des formes simples pour maintenir la pose. Nous nous sommes entraînés à créer des motifs ponctuels avec variété et sobriété, afin que l'œil puisse lire le réalisme sans aucun détail. N'oubliez pas à quel point le fait de laisser du blanc, charger de la couleur et de le soulever doucement de charger de la couleur et de le soulever doucement peut être très bénéfique pour le travail. Maintenez votre pinceau en mouvement, laissez les passages se fondre et terminez avec quelques accents affirmés. N'oubliez pas que la peinture à l'aquarelle n'est pas seulement une question de compétences techniques, mais aussi d'expression votre créativité et de votre style personnel Je vous encourage à continuer à explorer, à expérimenter et à repousser vos limites pour créer vos propres chefs-d'œuvre d' aquarelle uniques À la fin de ce cours, j'espère que vous vous sentirez plus en confiance et aise avec vos capacités de peinture à l'aquarelle La pratique est essentielle pour améliorer vos compétences, alors continuez à peindre et à expérimenter Je tiens à exprimer ma gratitude à chacun d'entre vous. Votre passion pour la peinture à l' aquarelle est tellement inspirante et je suis honorée d'être votre professeur Si vous souhaitez avoir des commentaires sur votre peinture, je serais ravi de vous en faire part. Veuillez donc partager votre peinture dans la galerie de projets étudiants ci-dessous, et je ne manquerai pas de vous répondre. Si tu préfères, tu peux le partager sur Instagram, en me taguant sur Will Elliston, car j'adorerais le voir Skillshare aime aussi voir mes étudiants travailler, alors taguez-les également sur Skillshare Après y avoir consacré tant d'efforts, pourquoi ne pas partager votre création ? Si vous avez des questions ou des commentaires sur cours d' aujourd'hui ou si vous souhaitez des conseils spécifiques concernant l'aquarelle, veuillez me contacter dans la section de discussion Vous pouvez également me faire part de tout sujet, la faune ou de toute scène sur lequel vous aimeriez que je donne un cours. Si vous avez trouvé ce cours utile, j'apprécierais vraiment de recevoir vos commentaires à ce sujet. La lecture de vos critiques me remplit le cœur de joie et m'aide à créer la meilleure expérience pour mes étudiants. Enfin, veuillez cliquer sur le bouton « Suivre » en haut pour pouvoir me suivre sur Skillshare Cela signifie que vous serez les premiers informés lorsque je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux J'espère que vous aurez envie de peindre davantage dans ce style expressif. J'ai hâte de vous voir dans les prochains cours d'ici là Bonne peinture.