Galaxies à l'aquarelle : guide complet pour des fonds lisses et éclatants

1. Introduction: Les aquarelles, elles peuvent être si décourageantes au début. Mais comme n'importe quel autre métier, il est toujours bon de se rappeler que vous n'avez pas besoin d'être génial pour commencer, mais vous devez commencer à être génial. Franchement, avoir cela à l'arrière de mon esprit quand je commençais à commencer m'a vraiment aidé à être persistant et à m'améliorer au fil du temps. Salut, je suis Francoise. Bienvenue dans la première partie de ma série de galaxies aquarelle. Je suis un artiste français et je trouve de la joie dans la création de peintures dramatiques, CELAC, et le chant, et réaliste. Avec ce cours, je veux éliminer la peur et confusion de mélanger plusieurs aquarelles ensemble. Si vous êtes un débutant, vous pouvez apprendre les bases pour créer des arrière-plans d'aquarelle magnifiques et lisses. Si vous êtes un peu plus expérimenté mais que vous avez encore du mal à obtenir ce look lisse sur vos peintures, ce cours va vous aider à vous améliorer. Je trouve que les galaxies sont un excellent point de départ pour les débutants parce qu'elles sont amusantes. Ils vous aideront à pratiquer vos arrière-plans d'aquarelle, et cela vous aidera à vous lancer dans la peinture de paysage. C' est pourquoi j'ai choisi ce sujet aujourd'hui. Dans la première partie de cette série galaxie, nous avons mis l'accent sur le mélange et la superposition, sorte que nous pouvons créer un fond lisse qui pop, lisse comme la surface de la merveille. abord, je vais aborder la façon d'aborder la peinture de galaxie, puis je vais vous emmener à travers les fournitures que j'utilise pour obtenir un look lisse. Nous allons apprendre le mélange et la superposition. Je vais aussi vous montrer comment créer ces espaces très sombres et très clairs tout en obtenant des couleurs riches et vibrantes à sortir. Ces caractéristiques étant si typiques d'une galaxie. Notre projet est une peinture de galaxie colorée, et il sera parfait pour pratiquer les compétences que vous allez apprendre dans cette classe et les appliquer à vos prochains arrière-plans d'aquarelle. Nous terminerons notre peinture avec des éclaboussures de plaisir et une leçon bonus où j'enseignerai plusieurs façons créatives d'ajouter les étoiles. À la fin de la classe, vous serez équipé de l'outil et de la confiance pour créer vos propres galaxies et de beaux arrière-plans colorés. Alors prenez vos peintures, et commençons. 2. PROJET DE CLASSE: Notre projet est une galaxie colorée. J' ai choisi celui-ci à partir d'un site photo gratuit parce que je pense qu'il a tout ce que vous trouverez dans votre galaxie typique, ce qui va être génial de travailler sur les bases. La plupart des débutants au début ont du mal à mélanger plusieurs couleurs ensemble. galaxies peuvent devenir assez confuses car il y a tellement de couleurs. Certains d'entre eux sont si sombres, quand ils se mélangent avec de telles lumières, cela peut devenir délicat. Dans celui-ci, par exemple, il y a une partie très sombre qui devra se fondre avec des couleurs beaucoup plus vives. Les parties lumineuses sont également faites de plusieurs couleurs différentes. On y voit des taches presque blanches. C' est beaucoup de variété. Les prochaines leçons vont vous aider à pratiquer des morceaux de ce qui est inclus dans le projet final. Je vous recommande fortement de les parcourir d'abord avant de vous attaquer à la peinture. Cela rendra l'ensemble du processus encore plus amusant et agréable. Dans votre projet final, je vais examiner la façon dont les couleurs se mélangent et comment vous avez incorporé ces parties foncées et blanches dans les bonnes parties, et comment vous avez ajouté de la profondeur avec la superposition. S' il vous plaît, téléchargez vos projets dans la galerie de projets pour que je puisse jeter un coup d'oeil, vous donner quelques commentaires et vous aider. Ensuite, j'aimerais vous parler des techniques que vous pouvez utiliser pour la peinture de galaxies et l'approche que je prends pour créer des galaxies dans mon propre style. Retrouvez-moi dans la prochaine leçon. 3. Approche de la peinture du Galaxy: J' ai commencé à peindre avec des aquarelles régulièrement à l'hiver 2019, et j'ai trouvé que les galaxies m'ont vraiment aidé à perfectionner les compétences de base très rapidement. Contrôle de l'eau, mélange de plusieurs couleurs, mélange des couleurs. n'y a pas de croquis. C' est un processus amusant et généralement assez rapide et aussi spontané. Ajoutez beaucoup de couleurs là-dedans, un peu de sublattice pour les étoiles, et vous finissez avec un fond magnifique et magique. Il y a plusieurs façons de douleur galaxies. Aucun d'entre eux n'est meilleur. Tout le monde préférera l'un ou l'autre, selon le style. L' un d'eux utilise la technique humide sur sec, tandis que celui que je vais vous enseigner aujourd'hui implique la technique humide sur humide. Je vais vous expliquer et vous montrer la différence un peu plus tard dans la classe. J' ai trouvé la méthode complète après avoir pratiqué et essayé de faire en sorte que mes galaxies soient lisses et vibrantes en même temps, parce que je n'étais pas en mesure d'obtenir des résultats satisfaisants avant cela. Par exemple, je me souviens des deux premières choses qui m'ont laissé frustré en tant que débutant, c'est que mon papier était toujours trop sec pour travailler avec plus de deux minutes et que j'ai toujours trouvé mes couleurs très pâles et ennuyeuses. Les trois composants que j'utilise pour peindre de belles galaxies de nos jours et nous allons élaborer sur chacun dans les classes suivantes avec des exemples détaillés sont ; Fournitures spécifiques qui font bien avec de l'eau, la technique humide sur humide pour les couleurs à mélanger joliment et un look plus lisse, et la technique de superposition pour plus de dynamisme et de profondeur. Tout d'abord, regardons quelles fournitures nous aurons besoin de peindre. 4. FOURNITURES: Dans cette leçon, nous allons examiner les fournitures dont nous aurons besoin pour la classe. Le papier aquarelle, les peintures , l'eau et un ou deux pinceaux suffisent. D' habitude, tu n'as pas besoin de beaucoup. Si vous n'avez pas le choix, commencez avec ce que vous avez. Je me souviens avoir été extrêmement confus par la grande variété de fournitures quand j'ai commencé, en particulier les pinceaux et le papier. Pour de meilleurs résultats qui vous encourageront à continuer à pratiquer, je recommande du papier aquarelle 100 % coton, 300 g/m² pressé à froid. C' est, de loin, le meilleur matériel à essayer pour des milieux lisses et beaux. Ce type de papier tient très bien l'eau, ce qui signifie qu'il absorbe plus et reste humide plus longtemps. Les couleurs se propagent également plus agréable et à mon avis, semblent mieux que sur d'autres types de papier. papier de coton à cent pour cent peut être cher. Ce que je fais, c'est peindre sur de petites feuilles que je découpe d'un grand tampon, et elles me durent un moment. Pour une taille, je vous recommande de commencer sur des feuilles qui sont quelque part entre cinq par sept et six par huit pouces, sauf si vous utilisez deux aquarelles et que vous avez vos propres préférences. Une très petite taille peut rendre difficile la création des espaces blancs sur lesquels nous allons travailler plus tard, et une grande taille peut se sentir écrasante. Le deuxième approvisionnement dont vous aurez besoin est un minimum d' un pinceau rond qui tiendra beaucoup d'eau. pinceaux de peinture en fibre de cheveux naturels sont connus pour juste cela. Les marques spécifieront ce type d'information, donc vous devriez être en mesure d'en trouver une pour vous. Celui que j'utilise depuis que j'ai commencé aquarelle est un pinceau en fibre capillaire naturelle Raphael. La façon dont les tailles sont étiquetées avec des pinceaux varie tellement d'une marque à l'autre, donc je suggère de chercher votre pinceau pour correspondre à la surface de votre papier plutôt qu'à un numéro de taille spécifique. Par exemple, ici, je sais que je peux facilement couvrir beaucoup de terrain sur mon papier. Si je devais peindre sur une très grande feuille, cela deviendra très difficile et ce papier devrait être trop petit. Ce petit malheur m'est arrivé avant. La même chose vaut pour une très petite feuille. Maintenant, il est si grand, il deviendra difficile de déposer chaque couleur assez précisément. Il s'agit de trouver un équilibre entre la taille du papier et celle du pinceau. Nous allons l'utiliser pour la peinture. Je recommanderais le second. C' est bon si c'est complètement différent. Nous voulons juste un autre pinceau que nous garderons propre pour nous aider à enlever la peinture de notre papier quand nous en avons besoin sans perdre de temps à rincer notre pinceau principal. Le troisième type d'approvisionnement dont nous aurons besoin sera, vous l'avez deviné, un ensemble de peintures. Pour les marques n'a pas d'importance, tant que c'est quelque chose de commun pour les aquarelles que vous trouverez dans votre magasin d'art. Vous pouvez même utiliser des peintures qui viennent dans des tubes, des casseroles ou des demi-casseroles, et même des bouteilles tant qu'elles sont aquarelles. Pour le projet, j'utilise Art Philosophie peint bleu cobalt, rose opéra et indigo. Pour notre exercice, nous allons ajouter du vert, et utiliser à nouveau l'indigo et le bleu cobalt. bleu cobalt et le rose opéra seront nos couleurs vives, et l'indigo nous aidera à obtenir les tons sombres dans notre projet. Même chose dans notre exercice. Verdâtre, jaune et bleu cobalt seront les couleurs les plus vives, et l'indigo nous aidera à obtenir les choses sombres. Je n'ai pas mentionné le blanc parce que nous allons utiliser une technique appelée technique de levage. On n'utilise pas de peinture pour les blancs dans cette classe, sauf les étoiles. Ne vous inquiétez pas si vous n'avez pas de gouache blanche pour les étoiles, j'ai quelques alternatives pour vous dans la leçon bonus pour peindre les étoiles. N' oubliez pas d'avoir quelques serviettes en papier ou mouchoirs à proximité, et deux bocaux d'eau claire pour mouiller et rincer le pinceau. En outre, un rouleau de ruban adhésif est utile pour coller correctement les feuilles sur votre poste de travail. Rappelez-vous, vous n'avez pas besoin de beaucoup de provisions pour les galaxies. Le papier sera le plus important, je recommande 100 pour cent de coton pressé à froid. Le pinceau compte aussi. Je recommande un qui tiendra beaucoup d'eau. 5. Choisir des couleurs pour les Galaxies: Dans cette leçon, nous allons explorer les couleurs pour la peinture de galaxie avec trois options que vous pouvez utiliser si vous n'avez aucune idée de la gamme de couleurs à utiliser. Si vous êtes sur un budget ou si vous n'êtes pas sûr de ce que les couleurs pour vous, commencez par les trois primaires, rouge, bleu et jaune, pour mélanger toutes les couleurs de l'arc-en-ciel. J' ai fait un fichier PDF, vous pouvez télécharger à partir de la section des ressources de cette classe pour voir comment vous pouvez mélanger les primaires pour obtenir plus de couleurs qui seront idéales pour la peinture de galaxie. Je suggère indigo à ajouter aux primaires pour rendre votre tâche plus facile et obtenir ces parties sombres très foncées tout de suite sans avoir à mélanger beaucoup de peinture. Mes meilleurs choix, les couleurs que j'obtiendrais si je voulais peindre beaucoup de galaxies pour commencer, indigo à nouveau pour la nuance foncée, et pour les couleurs vives, une nuance bleue plus claire comme le bleu cobalt, un rose vif comme l'opéra rose, et les couleurs jaunes et vertes. Les couleurs de base de l'arc-en-ciel seront toujours formidables si vous ne voulez pas avoir à mélanger les couleurs du tout. Vous pouvez ajouter quelques couleurs sombres pour les parties sombres des peintures, comme l'indigo, brun, le gris ou l'ombre noire, peut être utilisé pour ces zones sombres, mixtes ou lisses. Quelque chose sur les couleurs que vous pourriez avoir remarqué avant est quelques couleurs granulées beaucoup. Je vais te montrer à quoi ça ressemble. Beaucoup de bleus et de noirs, certains des verts sont connus pour grandir, puis il variera en fonction de la marque que vous utilisez. Chaque marque doit avoir ces informations disponibles sur son site Web. Prenez cette couleur Daniel Smith appelée bleu lunaire par exemple. Voyez comment les pigments se regroupent ici. Il peut être beau dans une peinture, mais peut-être pas le look idéal pour une peinture typique de galaxie. Bien que j'ai remarqué cet effet devient moins visible après plusieurs couches, donc vous pourriez vous en sortir. Quelque chose qui vaut également la peine de savoir est que certaines peintures se lèvent plus ou moins facilement lorsque nous les mouillons après qu'elles ont déjà séchées une fois dans du papier. Je vais vous montrer ça et exagérer un peu mes coups de pinceau pour le rendre plus évident. Je peux penser à trois raisons de peindre avec ascenseur. La première est si vous mouillez votre feuille, encore une fois, même si la peinture n'était pas entièrement sèche. D' habitude, je le fais beaucoup en tant que débutant parce que j'étais impatient et j'ai pensé que je m'en sortirais. En outre, parfois la peinture semble sèche, mais la feuille à l'intérieur n'est pas complètement sèche. La solution consiste à utiliser un pistolet thermique ou sèche-cheveux à basse température pour essayer complètement la peinture et la feuille. Je le fais beaucoup et je trouve ça très utile. La deuxième raison est trop insister et trop aller-retour avec la brosse lorsque nous mouillons à nouveau le papier après qu'il a séché. J' ai appris au fil du temps que quand je mouille du papier une seconde fois, quand il y a déjà de la peinture, je veux le faire brièvement et doucement. Ne vous inquiétez pas, nous allons pratiquer cela aussi bien dans nos exercices que dans nos projets. À la fin de la classe, vous aurez une bonne idée de la façon de le faire. Une troisième raison est que la peinture n'est pas tachante. C' est une propriété de la peinture qui varie selon les marques, tout comme la granulation. Vous pouvez également trouver ces informations sur le site web de la marque. Ici, nous avons la peinture à droite que je sais ne soulèvera pas trop facilement. Sur le côté gauche, celui qui le fait, même si je prends des précautions avec mon pinceau. Les peintures qui se lèvent facilement peuvent rendre la superposition difficile. J' ai utilisé une technique de superposition pour les galaxies, donc je vais avec des marques que j'ai essayé que je n'ai eu aucun problème avec l'utilisation de la plupart des couleurs, comme Winsor & Newton et Art Philosophy. Je suis sûr qu'il y en a beaucoup d'autres. J' ai essayé d'utiliser Daniel Smith, mais les quelques couleurs que je possède semblent soulever très facilement, donc je préfère les deux autres marques. Je vous montrerai plus tard comment mouiller votre papier pour éviter ce problème autant que possible. Rappelez-vous, quelques couleurs clés suffisent pour la peinture de galaxie, un ton sombre et quelques couleurs plus brillantes. Préférez les peintures qui ne granulent pas et ne se soulèvent pas trop facilement. Ce sont de petits détails qui rendront la peinture des galaxies meilleure et plus facile, mais ils ne vous empêcheront pas de peindre de belles galaxies, sinon tout est parfait. C' est juste sympa d'avoir cette connaissance pour savoir pourquoi ça se passe et ce qu'il faut faire à ce sujet. Maintenant, la partie de sélection des couleurs est plus claire, regardons comment choisir les couleurs d'une photo de référence dans la leçon suivante. 6. Peinture à partir de référence: Dans cette leçon, j'aimerais vous montrer comment je choisis les couleurs d'une photo de référence. Nous allons l'utiliser pour nos exercices de mélange et de superposition. Nous allons répéter ce petit exercice avec le projet réel plus tard. En passant, les références que j'utilise dans cette classe sont jointes dans la section Ressources afin que vous puissiez les télécharger là si c'est plus facile. Observez cette photo. Comme pour la plupart des galaxies, il y a des couleurs intenses opposées aux couleurs très sombres. Tout d'abord, identifiez les couleurs vives. Ici, je vois le bleu avec le vert avec des accents de jaune, c'est pourquoi j'ai choisi une nuance jaune verdâtre et vous ai suggéré de mélanger le jaune et le vert si vous n'en avez pas. Aussi jaune et bleu rend vert. Nous pouvons imaginer que lorsque notre nuance jaune verdâtre se mélange à notre nuance bleue, elle ajoutera plus de variété et de belles transitions avec une nuance verte plus foncée. Ensuite, regardez les parties sombres. Parfois, c'est plus bleuâtre, parfois plus noir ou brunâtre. Ici, c'est plus d'un bleu foncé, c'est souvent, et c'est simplement pourquoi j'aime utiliser l'indigo. Si je n'avais pas d'indigo ici, si j'ai du noir à la place, je mélangerais un peu de bleu cobalt et mon noir parce que mélanger le noir à une autre couleur semble beaucoup plus agréable. Il se fond mieux dans le reste comme il appartient, plus que si vous utilisiez le noir seul. Enfin, observez ces parties plus larges. Vous pouvez voir clairement qu'ils ne sont pas si blancs. Mon style est un peu réaliste, c'est pourquoi ils n'ont pas l'air blanc vif non plus dans ma peinture et je vais vous montrer plus tard comment les faire paraître si bien, comme sur la photo, même s'ils ne sont pas entièrement blancs comme le papier l'est à l'origine. Sur ce tableau récent que j'ai fait, par exemple, vous pouvez voir les parties blanches ne sont pas blanches brillantes mais elles se rencontrent toujours en tant que telles grâce aux parties sombres. Encore une chose, quand vous trouvez une photo de référence qui est la plupart du temps sombre, celle-ci sur le côté gauche est, je pense que c'est tout à fait bien d'exagérer les couleurs vives un peu plus. N' ayez pas peur de les rendre brillants ou de changer choses un peu comme je l'ai fait dans le bon côté. Ce qui est génial avec les galaxies, c'est que vous pouvez les personnaliser complètement sans avoir air étrange puisque les galaxies sont juste un fond coloré avec des étoiles. Rappelez-vous, le blanc n'a pas besoin d'être vraiment blanc pour se détacher en tant que tel. Alors ne vous inquiétez pas pour eux dans vos peintures, concentrez-vous sur le contraste à la place et le noir semble mieux mélangé à une couleur de la palette. Les bases sont beaucoup d'informations à prendre, je sais, mais ne vous inquiétez pas, prenez la leçon après leçon. Nous allons commencer à pratiquer après avoir appris à créer des espaces blancs sans gouache blanche. Dans cette prochaine leçon et avec les exercices et le projet, tout se réunira. 7. Créer des parties blanches sans gouache: Dans cette leçon, nous allons apprendre comment créer les parties blanches d' une peinture de galaxie sans utiliser de badigeon. badigeon est courant pour cet effet Voie lactée. Pour ceux d'entre vous qui n'en ont pas, nous utiliserons la technique de levage à la place. Tout ce dont nous avons besoin, c'est notre pinceau, bien qu'un autre soit plus pratique. Examinons d'abord nos options pour créer des pièces blanches. Une façon populaire de peindre les galaxies est d'utiliser la technique humide sur sec. C' est ce que je te montre en ce moment. Cela signifie que votre papier est sec lorsque vous appliquez les couleurs. La seule eau provient du pinceau. C' est génial parce que les couleurs restent plus vives, et il est plus facile de garder les zones blanches de papier. Une seule couche de peinture peut suffire pour que les couleurs soient belles. Cependant, il peut être difficile de se débarrasser des bords durs avec cette technique. Il est préférable de peindre rapidement et de savoir quelles couleurs vous appliquez, quand et où à l'avance. Les couleurs sont également plus susceptibles de se fondre moins facilement et ressemblent à commencer et à s'arrêter quelque part. Mélanger les bords rudes nécessite également de venir avec une brosse humide et humide. Ce n'est pas la technique que nous allons utiliser aujourd'hui parce que j'ai du mal à obtenir des arrière-plans lisses avec. La deuxième façon de peindre les galaxies est d'utiliser une technique humide dans l'eau. C' est celui que nous allons pratiquer aujourd'hui avec l'ajout de plusieurs couches. Peindre humide signifie que vous allez d'abord mouiller le papier avec de l'eau claire, puis laisser tomber la peinture. La peinture s'étendra à son tour plus ou moins sur cette eau en fonction de l'épaisseur ou de l'écoulement que vous peignez. Plus il y a d'eau sur le papier et/ou le pinceau, plus il va se répandre. Le moins d'eau sur le papier et/ou le pinceau, le moins il va se répandre. Ce qui est génial à ce sujet, c'est que les couleurs se mélangent très facilement et que les bords sont très doux et diffusés. Les couleurs mélangées et les bords souples semblent plus réalistes pour une galaxie si c'est un style que vous appréciez. Ce qui n'est pas si grand, c'est que quand ils sèchent, les couleurs sont assez pâles parce que le papier est humide, ils sont dilués dans plus d'eau par rapport à la technique humide sur sec, et parce que la peinture s'étend sur du papier qui est humide, il est plus difficile de garder des zones spécifiques sans peinture. Je préfère la technique humide pour les milieux. J' aime qu'ils aient l'air plus lisse avec ça. A partir de maintenant, tout ce que nous faisons utilisera cette technique. Nous avons encore un problème comment garder des zones spécifiques blanches maintenant que nous l'avons réduit à la technique humide ? Je vais comparer deux façons de préserver les zones blanches quand le papier est mouillé. Levage de la peinture par rapport à l'utilisation d'un liquide de Je vais appliquer du liquide de masquage sur le côté droit. Le liquide de masquage aide à préserver n'importe quelle zone de l'eau et des peintures. C'est imperméable. C' est pratique, mais pour les galaxies, je trouve les bords vraiment durs encore plus qu'ils ne l'étaient avec la technique humide sur sec que je vous ai montrée plus tôt. Aujourd'hui, je n'utilise que du liquide de masquage pour les zones qui seront peintes comme une maison, par exemple, un personnage. Je l'évite pour tout ce qui nécessite un mélange lisse, même si c'est pratique. Comme vous l'avez peut-être deviné, soulever de la peinture sera préférable pour créer ces espaces blancs dans nos galaxies. Mouillons le papier de chaque côté et laissons tomber de la peinture tout autour. Sur la gauche, nous allons garder cette zone au centre aussi exempt de peinture que possible puisque je veux vous montrer la technique de levage là-bas, celle que nous allons utiliser dans nos projets. J' ai laissé tomber la peinture et elle se répand. Du côté droit, il ne va pas passer là où se trouve le liquide de masquage. Rappelez-vous que lorsque nous avons regardé notre photo de référence, nous avons pu voir clairement que les parties blanches ne sont pas si blanches. Lorsque nous travaillons humide pour créer notre galaxie, la peinture va se répandre et bien qu'il soit tout à fait possible de préserver certaines zones blanches de papier avec cette technique humide, parfois, la peinture continue à ramper à l'endroit que nous voulons blanc. Ce n'est pas un problème, grâce à la technique de levage. levage de la peinture signifie que nous allons enlever les peintures humides du papier ici avec une brosse propre et humide. La brosse sera suffisamment sèche pour qu'elle puisse absorber l'eau du papier dans ses propres fibres. Cela aidera à enlever la peinture et à obtenir des zones blanches de papier à montrer à travers notre peinture. J' ai juste mouillé mon pinceau et je l'ai amorti sur une serviette en papier comme celle-ci pour enlever l'excès d'eau et le rendre plus sec. Il doit être plus sec que le papier pour que cette technique fonctionne. Je n'utilise pas un pinceau complètement sec parce que je ne veux pas un point fort très, très dur. C' est pourquoi une brosse humide aide à éliminer l' excès d'eau tout en préservant un peu l'humidité sur le papier, ce qui permet une transition plus agréable. Je fais glisser le pinceau sur le papier pour qu'il y ait une certaine pression et que l'excès d'eau et de peinture sur le papier soit absorbé par le pinceau. Vous pouvez répéter cela comme vous le souhaitez. Si notre pinceau est aussi humide que le papier, rien ne se passerait. S' il était trop humide, on créerait un bleu. Il est important de garder le pinceau presque sec ou tout simplement humide et de l'utiliser pendant que la peinture est encore assez humide. Voyons voir à quoi cela ressemble à droite. Les bords sont assez durs là-bas et comme nous devons attendre que le papier sèche pour enlever le liquide de masquage, il n'y a plus moyen de lisser ces bords. Comme je l'ai expliqué dans la leçon précédente, les zones où nous soulevons les peintures ne resteront pas très blanches. C' est la technique de superposition et l'ajout de couleurs très sombres qui aideront à faire ressortir le blanc. C' est exactement comme le dentifrice rouge qui rendrait vos dents plus blanches dans les années 90 en améliorant la couleur des gencives. amélioration des couleurs sombres et vives avec la superposition a le même type d'effet sur les zones les plus blanches du papier. Rappelez-vous que la technique de levage fonctionne mieux pour des œuvres d'art réalistes. Un contraste élevé est ce qui compte. Des couleurs plus foncées rendront les pièces blanches plus blanches. Maintenant, passons à la leçon suivante et apprenons sur le mélange afin que nous puissions commencer à faire de l'exercice. 8. Éviter les catastrophes de mélange: Mélanger des couleurs avec des aquarelles peut se sentir comme un désastre parfois même avec le meilleur papier. Cela devient frustrant quand vous ne savez pas quoi faire à ce sujet. Dans cette leçon, je vais vous donner tous les outils dont vous avez besoin pour obtenir un mélange lisse avec une technique humide, lorsque nous mouillons le papier avant d'entrer avec de la peinture. C' est ainsi que nous allons peindre notre projet dans cette classe. Avec le mélange humide dans humide, nous serons en mesure de créer des transitions douces entre les couleurs, c'est notre objectif. Je me sens souvent mal à l'aise, presque peur quand j'ai commencé à peindre parce que j'ai souvent utilisé une technique humide pour peindre un fond, et il y a moins de contrôle sur ce que les peintures font sur le papier. Je sais pour moi que c'est la peur de perdre le contrôle et potentiellement ne pas finir avec ce que j'avais en tête. Peut-être que ce sentiment semble familier. J' ai déjà fait des tonnes d'erreurs avec des antécédents. De temps en temps, je le fais encore. De nos jours, il arrive quand je ne pense pas à ce je dois faire à l'avance ou quand je me précipite, et la bonne nouvelle est qu'après avoir pratiqué et appris les bases de cette classe, vous saurez où vous avez mal tourné, et vous pouvez recommencez et corrigez tout ce qui s'est mal passé pour faire mieux cette deuxième fois. Si vous avez besoin d'aide supplémentaire, veuillez contacter dans la section commentaire de cette classe. Nous prenons un raccourci dans cette classe en pratiquant avec intention. Je vais souligner les petits détails sur le processus afin que vous puissiez obtenir plus de connaissances, confort et de confiance sur le mélange de plusieurs couleurs beaucoup plus rapide. abord, nous allons nous assurer que nous utilisons préférence du papier 100 % coton pressé à froid. Si vous ne l'êtes pas parce que vous n'en avez pas, c'est correct mais n'oubliez pas que vous verrez probablement de meilleurs résultats avec elle. Je veux vous montrer à quel point les autres papiers sont différents. De gauche à droite, nous avons du papier de pâte de bois. C' est le type plus abordable et assez commun de papier aquarelle que vous trouverez. Ensuite, 100 % coton, c'est une finition pressée à chaud, c'est plus lisse. J' ai remarqué que ce pressé à chaud ne prend pas d'eau aussi bien que pressé à froid même si c'est du coton. A droite se trouve notre papier pressé à froid. Est le type que j'utilise presque exclusivement et recommande. Je mouille tous les trois pour voir comment la peinture va se répandre. Je peux faire la différence dès que je tombe à peindre. Sur le papier à pâte de bois, la peinture ne coule pas aussi bien que ce à quoi j'ai l'habitude avec du coton pressé à froid. Le papier est déjà curling vers l'intérieur. Je crois que c'est parce qu'il ne gère pas l'eau aussi bien. pour cent de coton pressé fait que la peinture semble un peu granulaire, ce qui est étrange en fait, même si je savais que la peinture ne coulerait pas trop bien. Sur le 100 % coton pressé à froid, la peinture s'est mieux propagée sans lignes ou taches dures et la couleur semble plus éclatante. Je me souviens du moment où je commençais, j'avais pris quelques semaines de congé pour peindre pour voyager, et quand je suis revenu, j'ai essayé avec du papier à pâte après avoir commencé avec du papier à 100% coton quelques semaines auparavant. Je ne savais pas grand-chose sur les papiers. Je me souviens avoir été consternée par mes résultats et je pensais que ma pause avait eu un très mauvais effet sur les petites compétences que j'avais acquises auparavant. J' ai fini par comprendre que c'était parce que le journal était différent. Je ne peux pas vous dire à quel point je me sentais mieux quand j'ai recommencé peindre sur du papier 100 % coton pressé à froid. Ensuite, nous voulons également choisir notre meilleur pinceau pour le travail. Ceux qui retiennent l'eau le mieux et qui plaisent le plus si vous avez un choix de brosses à broches. C' est mieux s'il ne se sent pas trop rigide sur le papier, s'il a l'impression qu'il glisse doucement dessus. Un pinceau rigide comme certains pinceaux synthétiques pourrait laisser traces sur votre fond et rendre plus difficile le travail global. Ici, je peins avec mon pinceau en fibre capillaire naturelle, celui qui me correspond le mieux avec les arrière-plans. Vous pouvez voir comment glisse facilement sur le papier. Le mouvement est facile. Ici, je peins avec un de ces pinceaux synthétiques qui se sent rigide. Oui, il est plus petit mais avec celui-ci je dois ramasser plus de peinture régulièrement. Il contient moins d'eau et c'est l'une des principales différences avec un pinceau en fibre capillaire naturelle. Je sens que c'est aussi moins facile à peindre parce qu'il est si rigide. N' oubliez pas de vérifier que la taille de votre pinceau vous permettra de douter confortablement dans votre papier. Ici, j'ai une feuille de papier 6 par 8 et pour moi il semble plus que gérable avec cette taille de pinceau. Avant de commencer à mouiller le papier, il est important de s'assurer que nos couleurs sont prêtes à l'emploi. Tu ne perdras pas de temps à les mélanger plus tard. C' est important parce que le papier sèche après l'avoir mouillé, donc vous voulez utiliser cette fois la peinture et ne pas mélanger les couleurs. On va mélanger le jaune verdâtre, bleu cobalt et l'indigo juste pour cette leçon. Pour obtenir un mélange super lisse, je recommande de commencer très léger. C' est pourquoi j'ajoute tellement d'eau. C' est surtout de l'eau avec juste un peu de peinture. J' ajouterai plus de peintures pour le rendre plus épais, plus épais et plus épais que nous allons sans nous précipiter. Pour l'instant, j'essaie de faire assez pour durer pour ma première couche, n'hésitez pas à en faire plus. C' est ce que j'ai fait en tant que débutant et j'ai vraiment aidé. Ne pas avoir à vous soucier du mélange des couleurs pendant la peinture. Maintenant, notre papier, un pinceau, et les mélanges déjà, assurez-vous que vous avez deux verres d'eau claire près de vous pour mouiller et rincer la brosse, et une serviette en papier si vous avez besoin d'enlever l'excès d'eau de la brosse. Rappelez-vous que la peur est naturelle là où il y a peu ou pas de contrôle. Tout ce que vous avez à faire est de commencer. Tu peux toujours recommencer. Les fournitures peuvent affecter vos résultats. Préparez les couleurs avant de commencer. Nous sommes prêts à peindre, alors rejoignez-moi à la prochaine leçon pour notre exercice de mélange. 9. Exercice de mélange: Dans cette leçon, nous allons peindre un bref contexte pour la pratique. Nous allons utiliser les trois couleurs que nous avons préparées dans la leçon précédente : jaune verdâtre, bleu cobalt et indigo. Avant de commencer à mouiller le papier et à appliquer les couleurs, vous pourriez trouver plus facile de regarder cette leçon sans peindre, puis revenir ici, et commencer à peindre seul. C' est si vous pensez qu'il est plus confortable pour vous de regarder les pas d'abord, afin que vous sachiez à quoi vous attendre. C' est quelque chose que j'aimerais faire chaque fois que la technique humide et humide est impliquée. Je me sens plus détendu en sachant ce que je vais faire à l'avance. Je sépare la feuille en trois parties différentes. Nous allons peindre tous les trois de la même manière dans cet exercice de planification et dans l'exercice de superposition qui est le suivant. Nous allons plus ou moins calquer pour vous montrer les différentes couches à faire sur une peinture. Vous pouvez peindre les trois couches sur toute la feuille si vous préférez avoir une autre galaxie finie en plus de notre projet. Si vous le faites, vous n'aurez pas à voir la différence que chaque couche fait. Je trempe mon pinceau dans l'eau, tout pendant quelques secondes, même plus longtemps s'il était vraiment sec. Lorsque vous le sortez de l'eau, il devrait être mouillé comme ça parce que c' est notre couche initiale donc nous aurons besoin de beaucoup d'eau. Nous nous préparons à appliquer une première couche ici. Notre objectif ici dans cet exercice est de se fondre en douceur. Comme ce sera également notre première couche, nous voulons placer nos couleurs principales là où vous les voyez sur la photo de référence et commencer ajouter un peu de contraste pour avoir une base solide pour le reste du processus. Je mouille mon papier. Je commence à laisser tomber beaucoup d'eau dessus et je la frotte avec des mouvements d'avant en arrière. C' est une bonne chose de faire beaucoup d'aller-retour ici parce qu'il n'y a pas encore de peinture. Le journal est nu et nous devons entrer dans les recoins de celui-ci. Cette étape peut durer environ une minute avec une feuille de six par huit. Une grande feuille prendrait beaucoup plus de mouillage. C' est pourquoi cette taille sera plus gérable pour les exercices et les projets. Une fois que je vois que l'eau s'est enfoncée, j'aimerais ajouter un peu plus et répéter. Le but ici est de m'assurer que je mouille le papier uniformément et aussi de m'assurer qu'il va rester humide plus longtemps parce que l'intérieur et la surface sont tous deux imprégnés d'eau. C' est très important pour que vos couleurs se mélangent bien. Nous voulons finir avec une belle et même brillance sur le papier, comme de la pluie fraîche sur une route mais sans flaques d'eau. Ensuite, je commence à appliquer mes couleurs. Je commence par le vert et je l'applique là où je vois certains dans ma référence. Une astuce qui fera une énorme différence dans le temps que votre papier reste mouillé est de ne pas avoir peur d'ajouter des peintures qui coulent comme celles-ci au tout début. Rappelez-vous que nous avons mélangé beaucoup d'eau dedans. C' est tout à fait correct parce que de cette façon nous ajoutons de la couleur au papier, mais nous ajoutons aussi un peu plus d'eau. Comme vous l'avez peut-être deviné, plus le temps passe, plus le papier sèche et cela va le garder humide plus longtemps. Il m'a fallu un certain temps pour comprendre que mouiller le papier seul n'était pas suffisant. Je sais aussi en peignant tellement que si j'ajoute de la peinture épaisse tout de suite, cela va prendre beaucoup de l'humidité très rapidement. Il y aura moins de place pour les ajustements de couleur. Moins de contraste si nous commençons l'obscurité tout de suite et nous finirons probablement avec un fond tache aussi. Donc c'est vraiment quelque chose que je reste loin de maintenant. Je fais la même chose avec le bleu cobalt qu'avec le jaune verdâtre. A ce stade, vous voulez vraiment appliquer vos couleurs là où vous voulez qu'elles soient dans votre peinture finale. C' est très léger, mais ça va nous guider jusqu'au bout. J' ajoute de l'indigo. Indigo n'a pas l'air bien à côté de notre jaune verdâtre parce que pour l'instant nous obtenons le début et arrêter chercher les deux couleurs. Vous verrez comment résoudre ce problème dans une minute. Pour améliorer le mélange indigo et verdâtre-jaune même s'ils sont si différents, un étant très léger et l'autre sombre, j'utilise un pinceau propre pour tirer des morceaux d'indigo sur les parties jaune-verdâtre pour briser cette rude transition. dans un sens. L' eau de ce pinceau propre rend mon indigo naturellement plus léger quand je le tire vers le jaune verdâtre, je tape le pinceau dans des endroits aléatoirement et c'est ainsi que je fais en sorte que les deux couleurs se fondent mieux. Il a l'air tellement mieux déjà ici, presque comme un nuage. Maintenant, je viens de nettoyer et tamponner mon pinceau pour le rendre juste un peu humide pour soulever les parties où nous voulons les plus forts points forts. Je nettoie le pinceau chaque fois que je le fais pour me débarrasser de la peinture qui vient d'être soulevée. Je n'ai pas peur de répéter cette étape quelques fois si la peinture coule de retour dans ce qui est le cas plus sur la première couche à cause de toute l'eau qui est sur le papier. Cela devient plus facile plus tard dans le processus. Si ce n'est pas encore très précis, c'est normal et correct puisque c'est si léger. Comme la douleur se propage beaucoup, nous allons construire sur le dessus avec des mélanges plus épais de peinture et nous pouvons ajuster le placement à chaque fois. C' est pourquoi il est important de commencer la lumière avec les aquarelles. Gardez à l'esprit que le papier sèche peu à peu, même s'il semble encore mouillé maintenant. C' est pourquoi j'ajoute un peu de peinture à mes mélanges de couleurs. Si je continuais à travailler avec trop d'eau et pas assez de peinture, mon fond resterait léger, et finalement, toute cette eau supplémentaire de la brosse ferait des taches sur le papier de séchage. Je procède de la même manière. Vous voyez clairement comment ma douleur est un peu plus sombre maintenant. Remarquez cependant que mes mélanges sont encore assez coulant. Je tape mon pinceau à des endroits pour que mon arrière-plan se retrouve avec des zones plus ou moins claires et sombres. Mon papier contient encore une bonne quantité d'eau à sa surface que je vois. Il n'est pas encore entré dans les fibres. Donc j'ajoute la peinture et je la vois se propager très bien tout en regardant plus sombre. C' est exactement ce qu'on cherche. Il est important de laisser à découvert certaines de ces zones verdâtres plus légères afin que nous obtenions cette variété de tons dans la peinture. Aidez-vous avec la photo de référence si vous en avez besoin, bien que, avec les galaxies, vous pouvez être plus spontané. Je répète ça avec du bleu cobalt maintenant. Maintenant, ajoutons de l'indigo. On en a presque fini avec cette couche. J' aide l'indigo et le jaune verdâtre à se mélanger une fois de plus avec mon pinceau propre. Ajoutons un peu plus de couleur pour finir cette couche avec plus de pigment dans nos mélanges. Regardez comment le jaune verdâtre et l'indigo commencent à faire une nuance vert plus foncé. Il fait ressortir les parties jaune-verdâtre lumineux encore mieux. Le papier sèche même si on ne peut pas le voir parce que je sais qu'il va sécher. Maintenant, je préfère arrêter et appeler ceci la première couche. L' objectif d'un mélange lisse et de placer les couleurs là où elles appartiennent est atteint. Lorsque vous le prenez lentement et progressivement, comme ce que nous faisons maintenant avec suffisamment d'eau pour que les couleurs coulent, vous avez plus de chances de finir avec un beau fond mélangé et d'éviter les taches ou les taches et la noirceur, tout comme manger, il vaut mieux arrêter avant d'être assez plein, même si cela signifie prendre une collation plus tard. Soulevez les couleurs une fois de plus et ce calque est fini. Il faut un peu de travail parce que c'est la fondation. C' est le plus important. Une fois que nous avons cela, tout ce dont nous avons besoin est d'augmenter le contraste et d'ajuster les couleurs là où nous les voulons. Regarde à quel point c'est beau déjà. Ne soyons pas dupes cependant, parce que cela va sécher beaucoup plus léger et c'est là que les couches entrent en jeu. Assurez-vous qu'il est complètement sec avant de passer à l'étape suivante. Je vais expliquer pourquoi je me suis arrêté ici et plus sur les couches dans la leçon suivante puisque le mélange et la superposition sont étroitement liés. Avec cet exercice de mélange, j'aimerais que vous vous souveniez que les couleurs se répandent et se mélangent là où il y a de l'eau. N' ayez pas peur de commencer avec beaucoup d'eau tout en évitant les flaques d'eau. Ajouter plus de peinture graduellement. Aidez de belles transitions avec un pinceau propre. Arrêtez chaque fois que les couleurs ne se répandent pas autant. Commencez à soulever les couleurs ici dans la première couche. Laissez le papier sécher complètement. Retrouvez-moi dans la leçon suivante pour apprendre à superposer et à créer plus de profondeur à cet exemple de peinture. 10. Pourquoi et quand calques: Maintenant, je vais expliquer ce que la superposition peut faire pour améliorer l'apparence des galaxies à l'aquarelle. superposition sur ce fond signifie que nous allons appliquer un peu plus de peinture sur ce qui est déjà là. Je couche parce que je trouve qu'il ajoute beaucoup plus de profondeur et de dynamisme. Nous pouvons voir que notre fond a séché beaucoup plus léger qu'il ne l'avait l'air il y a quelques minutes. Si vous regardez de près, il y a quelques imperfections que la superposition nous aidera à corriger. En outre, avec la superposition, j'aime que je ne me sens pas obligé d'augmenter le contraste sur une peinture avec un appareil photo après avoir pris des photos de l'œuvre car la superposition va donner à la peinture une finition naturelle prête à la caméra. Maintenant, le problème est que nous pouvons nous sentir confus quant au moment d'arrêter ou de démarrer une couche. Comment pouvons-nous savoir quand faire ça ? D' après mon expérience, arrêtez chaque fois que vous voyez que vos couleurs ne se répandent plus aussi bien, ou chaque fois que le papier semble sécher. Signes que le papier sèche comprennent, dehors des couleurs ne se répandant pas beaucoup, plus de glycérine sur la surface ou même des bosses dans le papier. J' ai arrêté ma première couche avant même que cela ne se produise parce que je connais mes limites de répéter ce tableau plusieurs fois. J' ai pu travailler quelques minutes et appliquer une bonne couche initiale de couleurs alors que le papier était encore assez humide pour qu'ils s'étalent bien. C' est une excellente première couche avec un peu de contraste les peintures plus épaisses mais encore humides que nous avons appliquées, et c'est tout ce dont nous avons besoin pour continuer plus tard. Si je ne m'étais pas arrêté, mon papier aurait assez séché pour que la peinture cesse de se propager, c'est quand les milieux commencent à ressembler comme ça, ils peuvent aussi regarder de cette façon si vous ajoutez une peinture très épaisse, même dans les papiers très humides. Chaque fois que les peintures peuvent se propager suffisamment, que ce soit du séchage du papier ou du mélange trop concentré, vous verrez cela se produire avec une technique humide sur mouillé. Vous pouvez essayer de le réparer un peu en mouillant le papier brièvement après qu'il a séché pour lisser un peu ces peintures en soulevant certaines, et ensuite, continuer à travailler sur votre fond comme nous l'avons fait avant. Une autre bonne raison d'arrêter avant que le papier ne sèche, c'est que vous pourriez avoir des fleurs. Cela se produit lorsque vous ajoutez trop d'eau sur un papier de séchage ; l'eau supplémentaire que vous ajoutez avec votre pinceau repousse le pigment sur le papier et forme une fleur. Ces petits accidents sont la raison pour laquelle je trouve plus efficace de faire des pauses un peu trop tôt avec chaque couche et de planer pour trois ou quatre pontes. Es globalement que d'essayer de tout faire en une ou deux couches. Je sais que mes antécédents seront plus lisses et je n'aurai pas de taches dures ou de fleurs. Rappelez-vous les aquarelles sèchent aussi plus léger que ce qu'elles sont lorsqu'elles sont mouillées. Regarder une couche qui a séché vous permettra de mieux évaluer où vous en êtes ; si vous devez ajouter plus de couleur ou corriger quelque chose comme rendre les en-têtes plus foncés ou ajouter plus de dynamisme ailleurs. Ce qui est génial, c'est que la superposition sur mouillé vous permet de réparer et d'améliorer tout ou partie de l'arrière-plan sans laisser de preuve tant que vous rémouillez tout le papier à chaque fois. Je vais vous montrer exactement à quoi cela ressemble dans notre exercice de superposition, mais rappelez-vous d'abord que les couches aident à garder un fond lisse, exempt de taches de fleurs et que les couches augmentent la profondeur, le réalisme et le dynamisme. Dans notre prochaine leçon, l'exercice de superposition, je vais vous donner un cadre de superposition spécifique que vous pouvez utiliser avec tous vos arrière-plans. 11. Exercice de couches: Dans cette leçon, nous allons utiliser l'arrière-plan que nous avons peint dans notre exercice de planification, et nous allons les superposer pour les comparer tout en suivant mon cadre à trois couches. Ce que nous avons fait auparavant compte déjà comme une seule couche. Laissons l'arrière-plan sur la gauche intacte. Ensuite, nous allons à nouveau la couche au milieu et sur le côté droit de la feuille. Ensuite, nous allons couche une dernière fois seulement sur le côté droit. Cela nous permettra de comparer les trois étapes et de voir ce que la superposition fait vraiment à un arrière-plan. Vous pouvez décider si c'est quelque chose que vous voulez appliquer à vos futures peintures. Humidifions les parties qui sont dans le milieu et le côté droit pour notre deuxième couche. Tout comme avant, le pinceau est trempé. Cette fois, cependant, il n'est pas nécessaire de passer du temps à mouiller. Tout d'abord, nous ne voulons pas déranger la première couche. Rappelez-vous, pas de pression et aussi peu d'aller-retour que possible cette fois. Nous augmentons aussi la quantité de pigment dans nos mélanges. Nous n'avons vraiment pas besoin que notre papier soit aussi humide qu'il l'était quand nous avons commencé. Bien que, rappelez-vous que la peinture a encore besoin de couler et être un peu coulant. Cette cohérence, je pense, fera l'affaire. J' ajoute mon jaune verdâtre. Je tape le pinceau par endroits. Je ne veux pas couvrir tous les milieux. Je veux chevaucher les couleurs. chevauchement des couleurs qui sont soit claires, moyennes ou sombres en intensité au-dessus de l'autre de manière aléatoire, est ce qui va créer la profondeur naturelle dans la peinture et nous éviter de finir avec des blocs de couleur parfaits qui commencent et s'arrêtent quelque part. Je fais la même chose avec le bleu de cobalt. Tout comme avant, nous pouvons ajouter un peu plus de peinture dans nos mélanges de couleurs et continuer à augmenter le contraste. Est le même processus, la seule différence est que nous intensifions les couleurs peu à peu. Il y a aussi le dernier sur le papier, sorte que le papier et la peinture conservent une quantité similaire d'humidité. Souviens-toi de ne pas cacher tout ce qu'on a fait avant. Nous voulons chevaucher les peintures et les endroits plus sombres et la photo de référence peut nous guider à ce sujet. Si vous faites cela pour la première fois, répétez cet exercice avec autant de fois que vous avez besoin de vous sentir à l'aise. Cela vous aidera à améliorer à la fois la planification et la superposition. Ne vous inquiétez pas si c'est intimidant au début. C' est tout à fait normal, bien que nous ayons déjà fait la plupart du travail lorsque nous avons peint cette première couche. Maintenant, essayons ça complètement et comparons. Il a l'air magnifique. Je ne vais pas ajouter d'étoiles ici. Vous pouvez si vous voulez, parce que je pense que ça aurait l'air encore plus frappant. Vous pouvez voir clairement ici comment le troisième et dernier arrière-plan semble plus intéressant que les deux autres. Ce que j'aime avec cette méthode, c'est parce qu'elle peut sembler dynamique avec la superposition sans être flashy en premier lieu. Ce qui importe, c'est d'avoir un fort contraste entre la lumière et les zones sombres dans la peinture pour créer le dynamisme. Nous pouvons voir ici notre première couche se marie magnifiquement avec une technique humide sur mouillé, mais il est généralement très pâle et il manque de contraste. La deuxième couche ajoute un peu plus, mais elle ne fonctionne pas encore dans son plein potentiel. Il y a toujours des choses à corriger ou à améliorer. Une troisième couche comme celle-ci fait ressortir la profondeur et l'éclat des couleurs encore plus. Ajoutez un peu et il devient sensationnel. J' ai superposé plus de trois fois avant et quand je l'ai fait, j'essayais de corriger une erreur ou d'obtenir une couleur pour être encore plus profonde et sombre. C' est vous qui décidez du nombre de couches dont vous avez besoin. Je pense que trois, c'est génial la plupart du temps. Rappelez-vous, mouillez brièvement le papier pendant une deuxième ou une troisième couche. Ajoutez plus de peintures à vos mélanges au fur et à mesure que vous allez. Utilisez votre photo de référence pour repérer les tons clairs, moyens et sombres. Reposez-vous les couleurs pour plus de profondeur et de dynamisme. Le contraste a plus d'impact que l'intensité d'une couleur. Maintenant, nous comprenons comment tirer parti de la planification, la superposition et du levage, et comment ils peuvent nous aider à peindre des galaxies lisses et vibrantes. Peinons notre projet. 12. Peinture Galaxy partie 1 : Référence et couleurs: Il est temps de peindre notre galaxie colorée. Avant de commencer, c'est une bonne idée de mélanger nos couleurs, surtout lorsque vous travaillez avec une technique humide. J' aimerais en profiter pour jeter un coup d'œil à la photo de référence que j'ai utilisée dans notre peinture. Quand je peins de référence, je regarde comment je peux simplifier mon choix de couleurs à partir de ce que je vois. Ici, il est évident de vouloir un rose vif et un bleu vif pour contraster avec les parties sombres tout autour. Les parties sombres sont presque noires pour moi. Mais comme je vais utiliser le bleu déjà dans les zones lumineuses, je pense que l'indigo conviendra bien. C' est parce que l'indigo est un bleu très foncé. Je sais qu'il se mélange aussi dans de beaux violets avec du rose, donc il sera parfait pour lisser les transitions avec nos autres couleurs. On peut voir quelques violets ici et là, mais on n'aura pas besoin de violet parce que, comme je viens de le mentionner, le rose et le bleu font du violet. Donc nous allons avoir cette couleur dans le tableau où les deux couleurs se rencontrent. Il y a des parties très légères de chaque côté. Ils peuvent avoir l'air blanc, mais quand on regarde de plus près, ils ne le sont pas. Parfait à nouveau avec la technique de levage, envoie ou obtenir cet effet de pièces très légères, mais pas trop évident non plus. Sur la photo, le contraste entre les tons sombres et clairs est incroyable, même si ces petites pièces ne sont pas tout à fait blanches, ce qui est la preuve que les blancs n'ont pas besoin d'être blancs. Nous aurons encore quelque chose de beau tant que le contraste est là. Prenons un rose moins opéra rose. C' est un ton flashy donc ça va être génial pour ce tableau. J' y ajoute beaucoup d'eau. Rappelez-vous, il est très important d'obtenir une première couche lisse. J' ai mélangé du bleu de cobalt de la même manière. Cette nuance de bleu n'est pas la plus frappante par rapport à mon rose, mais c'est une bonne nuance basique à avoir, et elle va bien avec le rose opéra et l'indigo. Maintenant, faisons un mélange d'indigo qui coule et nous sommes prêts à partir. Retrouvez-moi dans la deuxième partie pour notre première couche. 13. Peinture Galaxy partie 2 : Première calques: Nous sommes prêts à commencer à mélanger et à superposer nos trois peintures. Rappelez-vous qu'il n'y a pas d'éruption aussi longtemps que le papier et les mélanges sont très humides au début. S' il commence à sécher, vous avez toujours la possibilité de vous arrêter et de vous lancer plus tard. Je sais que nous sommes un peu impatients parfois. Nous voulons continuer, gardez à l'esprit que vous pouvez contrôler vos peintures et où la peinture va un peu plus si vous le prenez lentement. Vous obtiendrez plus vite et mieux après seulement quelques galaxies. D' ailleurs, j'ai répété cette galaxie quelques fois avant de filmer cette vidéo. Prenez-le lentement et vous y arriverez. Je mouille mon papier généreusement pendant environ une minute. Nous ne voulons pas qu'il soit couvert dans une piscine d'eau ou de petites piscines d'eau par endroits. Nous voulons que l'eau pénètre d'abord, puis ajoute un peu plus sur la surface pour que la peinture continue à couler. Comme je laisse tomber le rose en premier, vous pouvez voir de près comment il est léger et comment il coule. Je garde le papier mouillé en ajoutant ce drôle de mélange de peintures. Je ne perds pas de temps, mais je n'ai pas l'impression d'être pressé non plus. Essayez d'obtenir vos couleurs principales sur le papier si vous n'êtes pas encore assez confiant. Ensuite, vous pouvez sécher le papier, le mouiller à nouveau et continuer. Maintenant, commençons à appliquer notre nuance de bleu. Le mien est bleu cobalt. Indigo maintenant, et maintenant il est possible que le papier soit déjà un peu sec, où nous n'avons pas appliqué de peinture. C' est pourquoi nous voulons obtenir ces couleurs sur papier dans les premières minutes, puis nous serons en mesure de continuer. Ça n'a pas encore l'air sympa et ça ne le sera pas avant un moment. C' est tout à fait normal et c'est l'une de ces choses qui peuvent rendre l'aquarelle si décourageante au début, mais une fois que vous savez qu'il y aura toujours une scène laide comme certains, il est plus facile de passer à travers. Je commence à chevaucher les couleurs, nous ferons plus de cela plus tard. Mélangons un peu plus de douleur dans notre mélange rose. Si votre papier est encore assez humide des peintures précédentes, c'est le moment de continuer à construire cette couche et de chevaucher les différentes couleurs pour obtenir une transition agréable et naturelle entre nos couleurs. Rappelez-vous, nous voulons éviter que nos couleurs ressemblent à commencer et à s'arrêter quelque part. Vous pouvez voir notre nuance rose commence à se transformer en un ton violacé maintenant parce que je chevauche le bleu cobalt par endroits. J' essaie de ne pas tout couvrir ici. Nous voulons que ces zones presque blanches sur ma photo de référence, celles de chaque côté de la peinture, restent très légères. Vous pouvez voir que je tape le pinceau dans le papier qu'il y a encore beaucoup d'eau là-bas. J' ajoute un peu de pigment à mon mélange bleu cobalt et je continue à créer un contraste pour cette couche. C' est important parce qu'il commence déjà à rendre cette partie d'un tableau plus vibrante. Mais comme nous avons encore beaucoup d'eau là-bas, il va toujours se fondre avec les autres couleurs bien. Nous sommes maintenant en train d'obtenir un arrière-plan impeccable avec cette approche. Ajoutons de l'indigo. Remarquez comment le haut à gauche de la feuille devient un peu sinueux. Les coins sèchent toujours plus vite. C' est pourquoi je me dépêche d'y ajouter de la peinture maintenant alors qu'il y a encore du temps. Là, étaient bonnes pour quelques minutes de plus maintenant. Nous pouvons commencer à façonner la peinture un peu plus précisément à ce stade. Cela peut sembler beaucoup de choses à faire pour notre première couche, c'est parce que le papier était brut. Il n'y avait rien là-dessus. premières couches sont toujours les plus difficiles avec tous les supports. Ils sont la base de l'œuvre d'art. La couche suivante sera une répétition de celui-ci avec des mélanges plus épais. Seulement nous aurons notre base pour nous guider et la dernière partie sera plus rapide. Nous créerons encore plus de contraste, tout en augmentant la profondeur. J' ai arrangé la brosse plus petite pour faire glisser un peu d'indigo des bords vers les zones plus légères comme nous l'avons fait dans nos exercices. Je le fais avec un pinceau propre et humide, pas celui que j'utilisais juste parce que la peinture que je tire sera moins intense que ce qu'il y a dans l'autre pinceau. Puisque je vais juste nettoyer l'eau dans ce que j'utilise maintenant au lieu de mon mélange d'indigo. Lorsque vous faites cela, assurez-vous que votre pinceau propre est juste humide et ne coule pas mouillé. Sinon, vous pourriez avoir un bleu. Si vous observez une fois de plus la photo de référence, vous pouvez voir ces petits points de tons plus foncés dans les zones rose vif et bleu. C' est ce qu'on peint maintenant. Nous avons fini. Avant de passer à la couche suivante, soulevez de la peinture pour mettre encore plus en évidence les taches presque blanches. La peinture sur papier doit encore être assez humide à ce stade, c'est facile à faire. Il y a un peu d'excès d'eau dans le coin. Chaque fois que cela se produit, la technique de levage fonctionne tout aussi bien. Soulevez la peinture un peu trop au milieu. À présent, vous pouvez voir que nous avons déjà des zones sombres et très lumineuses évidentes ainsi qu'un peu de dynamisme avec le rose et le bleu. Quelque chose qui peut être un peu décevant parfois, est la façon dont les aquarelles légères sèchent. Comme ils perdent facilement le dynamisme que nous recherchons. La superposition va corriger ça. Nous corrigerons les petites imperfections avec ça aussi. Encore une fois, ne vous inquiétez pas, il deviendra plus facile et plus rapide maintenant puisque tous les coins et recoins de notre papier sont remplis de peinture maintenant. Tout ce que nous avons à faire, c'est d'agir les couleurs ensuite. On a fini. Félicitations pour avoir déjà fait la plupart du travail. Je te retrouve dans la prochaine leçon pour une deuxième couche. 14. Partie 3 de galeries : : On va peindre la deuxième couche maintenant. Il sera beaucoup plus facile d'augmenter le contraste et le dynamisme maintenant. Les principales formes et couleurs sont placées. Nous allons procéder de la même manière que ce que nous venons de faire. Je nettoie un peu mes couleurs, mon rose s'est gâté par la peinture bleu cobalt. Je ne change pas encore l'eau, mais si vous voyez que la tienne est trop sale pour l'utiliser, vous pouvez aller de l'avant et la changer. Assurez-vous que nos mélanges de couleurs sont prêts, nous en aurons besoin comme ils l'étaient vers la fin de la première couche. De quoi on se souvient encore ? C' est ce qui aide la couleur à se fondre en douceur, mais avec plus de pigments que lorsque nous avons commencé. Nous pouvons voir ici que la peinture a séché très léger et il y a quelques marques de séchage visibles par endroits. C' est bon, on ne les verra même plus tard. Maintenant, mouillons à nouveau le papier. Cette fois, remarquez combien il faut peu de temps pour mouiller le papier puisque la dent dans le papier est déjà remplie de peinture. Rappelez-vous de ne pas faire trop d'aller-retour, de ne pas appuyer trop fort. Je sais avec ces peintures, parce que je les ai déjà utilisées pour cela, que si je faisais glisser un pinceau deux fois au même endroit, la peinture commencerait à se détacher un peu. Sinon, c'est très bien. Appliquons du rose. On peut déjà dire que ça éclaire un peu la peinture puisqu'il y a plus de pigment dans la peinture. Continuons à tapoter doucement notre pinceau et plus tard nous appliquerons chacune de nos peintures comme nous l'avons fait dans la couche précédente. Vous pouvez vous arrêter à tout moment. Rappelez-vous que la partie la plus délicate est faite. Je me souviens que j'ai commencé à superposer naturellement parce que je me sentais toujours frustré par l'apparence d'une seule couche. J' ai mouillé mon papier à nouveau et appliqué plus de peinture pour réparer cela. Au fil du temps, j'ai aussi remarqué que j'étais capable de mieux contrôler l'apparence de ma peinture. Je suppose que c'est ainsi que la superposition est devenue lentement une partie de mon style artistique. J' adore la superposition qu'elle est si puissante avec des aquarelles, et j'aime pouvoir créer des peintures réalistes qui ne prennent pas heures, voire des jours à compléter par rapport à d'autres médiums, étant tout aussi belles. Je pense que j'ai ajouté un peu trop d'eau ici dans mon mélange, donc je vais y mélanger un peu plus de peinture. Je remarque cela parce que maintenant la peinture devrait être plus concentrée si nous voulons qu'elle devienne de plus en plus intense. Il était trop léger il y a quelques secondes. En plus, je n'ai pas besoin qu'elle se répande autant qu'elle l'a fait. C' était un autre indice qui m'a fait savoir d'ajouter plus de pigment. Je peux le repérer parce que j'ai peint beaucoup de galaxies. Vous le ferez également l'expérience après que seulement quelques-uns d'entre eux sont prêts. Parfois, nous pensons qu'il faut du temps pour progresser, mais ce n'est pas le cas. C' est toujours une question de commencer d'abord et avant tout. Même si cela est encore humide, nous pouvons voir combien il y a plus de contraste et combien il est plus facile de le placer sur une première couche. Intensifions un peu plus ces couleurs vives avant d'appeler cette deuxième couche terminée. On y va. N'hésitez pas à partager votre progression avec les couches de la section projet de la classe. Ensuite, rejoignez-moi pour la troisième couche. 15. Peinture Galaxy partie 4 : Troisième calques: Nous nous rapprochons de la finalisation de ce projet pour la troisième et dernière couche. Assurez-vous que la peinture est complètement sèche avant de la mouiller à nouveau. Assurez-vous que vos mélanges sont prêts aussi. Pour cette troisième couche, nous les rendons assez épais pour souligner encore plus nos couleurs sur le papier. Le débit binaire est toujours pour que tout se mélange. Je l'ai répété plusieurs fois parce que c'est si important visage avec la planification. Permet de mouiller la surface à nouveau. Ça suffit. On peut commencer à laisser tomber nos couleurs là-bas. Comme vous pouvez le voir, notre fond est déjà beau. Mais cette couche, je veux augmenter la vibrance et le contraste encore plus. Je chevauche rose mais pas partout pour le garder intéressant et naturel. On va continuer. Ensuite, bleu cobalt puis indigo. Ici encore, je vois que mon bleu est un peu trop coulant. C'est bon. Nous avons juste besoin d'ajuster la quantité de peinture tant que le papier est mouillé, vous pouvez toujours corriger. C' est bon si tout n'est pas parfait pendant le processus de peinture réel. Je fais encore de petites erreurs, parfois de grosses erreurs si je suis pressé, ce qui compte vraiment, c'est d'être capable d'identifier les problèmes afin que vous puissiez les résoudre. D' accord. Ce tableau de l'éducation. On voit ici au bas de la feuille qu'elle commence à sécher. C' est pourquoi les dernières peintures que j'applique ici sont très concentrées avec des pigments. Ici, nous pouvons voir ces parties blanches ne sont pas blanches, mais elles ont quand même réussi à égayer toute la peinture en contraste avec l'indigo. Nous en avons fini avec nos couches. Essayons ceci maintenant et ensuite nous allons ajouter les démarrages. J' ai hâte de voir à quoi ça va ressembler. Regardez à quel point ce fond est devenu profond et lisse. Rendez-vous dans la prochaine leçon pour un peu de spluttering. 16. Peinture Galaxy partie 5 : Finir avec des étoiles: Nous sommes arrivés à la toute dernière partie pour terminer ce projet. Pour les étoiles, j'utiliserai de la gouache blanche en titane. Ne vous inquiétez pas si vous n'avez pas de gouache blanche, la leçon bonus est tout sur la création d'étoiles d'autres façons. Cette gouache blanche en titane est assez opaque, et je vois en fait une différence avec autre type de gouache blanche que j'utilisais jusqu'à présent. Pas une énorme différence, mais j'obtiens toujours de meilleurs résultats avec celui-ci. Préparons un mélange de gouache blanche. Nous voulons aussi épais qu'il l'est quand il est sorti du tube avec juste assez d'eau pour pouvoir éclabousser la peinture. Parfois, c'est dur d'éclabousser. Nous avons tendance à lutter avec le rapport eau/peinture avec ces deux. Si aucune peinture ne sort du pinceau, cela signifie juste que nous avons besoin d'un peu plus d'eau. Mais si de grosses gouttes sortent, c'est parce qu'il y a trop d'eau et qu'il faudra ajouter de la peinture. Ici, vous pouvez voir comment les éclaboussures sortent. Je vois que j'ai la bonne quantité de peinture, bien que je puisse ajouter plus d'eau pour obtenir de plus grandes étoiles, mais comme l'étoile à la gouache est très légère, je vais la garder de cette façon. Je commencerai directement avec un pinceau plus tard. Essayez de faire varier la direction de vos éclaboussures. J' ai des lignes droites d'étoiles ici. C' est bon. Il y en a quelques-uns, mais je n'en voudrais pas trop. Ici, j'ajoute quelques étoiles plus grandes. Cela me permet de les agrandir tout en gardant la peinture aussi opaque que possible. Essayez de ne pas placer ces étoiles de manière trop uniforme sur le tableau. J' ai tellement de mal à faire ça. Je reçois toujours de l'aide pour en ajouter dans tous les domaines de la pièce et chaque fois que c'est la même chose. On a fini et ça a l'air incroyable. Je suis vraiment content de la façon dont cela s'est avéré et c'est vraiment un excellent moyen de pratiquer le mélange et la superposition avec des couleurs simples mais frappantes. J' espère que vous avez aimé peindre ça à mes côtés. Veuillez télécharger votre produit fini dans la galerie du projet. Je suis excité de voir comment votre peinture s'est avérée. Passons à notre leçon bonus pour apprendre à peindre les étoiles de différentes manières. 17. Bonus : plusieurs façons Add ajouter des étoiles: Avec cette leçon bonus, je veux vous montrer d'autres façons de peindre les étoiles au cas où vous n'auriez pas de gouache blanche. Je vais commencer par la gouache blanche pour la comparer à nos autres options. Je transfère rapidement cette partie où je peins en arrière-plan pour cette expérience juste pour que vous voyez ce que j'ai fait si vous voulez lui donner un essai avec vos propres fournitures, si vous avez des similaires à la mienne ou même d'autres options que vous pense que ça pourrait être génial pour peindre des étoiles. Je suis allé avec trois couches simples d'indigo là-bas pour m'assurer qu'il fait très sombre et quelle que soit l'option que nous essayons pops autant que possible. Si vous ne voulez pas vous embêter à peindre et à sécher les couches, c'est bon. Je le fais de cette façon pour obtenir quelque chose à paraître lisse et beau pour la classe aussi. Vous, d'autre part, pouvez peindre directement lorsqu'il est sec pour obtenir un fond plus sombre plus rapidement. Peu importe s'il y a des marques ou d'autres irrégularités puisque ce n' est qu'une expérience. Pour le premier, j'utilise de la gouache blanche comme nous l'avons fait dans la leçon précédente pour la comparer avec d'autres façons plus tard. Je vais ajouter une grande étoile pour vous montrer comment vous pouvez les peindre. J' utilise un pinceau avec une pointe fine pour cela. Il s'agit d'un pinceau en velours noir argenté. Pour éviter de faire une ligne énorme et épaisse, je fais ce mouvement de va-et-vient et j'essaie de me rapprocher du papier jusqu'à ce que le ruban du pinceau le touche, puis je le glisse très, très doucement, et je vais répétez cela tout autour pour faire une étoile. Je souligne le centre de l'étoile un peu plus ici pour le faire pop plus. C' est ça. Maintenant, nous allons utiliser un crayon de couleur. C' est un crayon de couleur Prismacolor blanc. Ce type est un peu crémeux, il est donc facile de déposer des pigments sur papier et nous pouvons mieux contrôler les formes. Cela n'a pas l'air aussi naturel que la gouache blanche. Il a aussi l'air moins blanc que la gouache, il apparaît moins. Maintenant je me souviens pourquoi j'ai eu ce marqueur Sharpie en premier lieu. Cela ressemble beaucoup à un crayon de couleur. Essayons ça et voyons. Il ressemble beaucoup à un crayon de couleur. Il se sent juste un peu épais ici, presque comme du pastel à l'huile sous forme de crayon et la pointe n'est pas aussi fine et précise même avec un taille-crayon. Maintenant, nous allons essayer un Pastel Pitt Faber-Castell. C' est un pastel doux, donc il est génial à appliquer sur un dessin ou une peinture, mais il se détache aussi très facilement. C' est poussiéreux. Je trouve qu'il est facile à appliquer et c'est une option pratique, même si ce n'est toujours pas aussi précis que le crayon de couleur et pas aussi opaque et blanc vif que la gouache blanche. Je vais essayer des pastels à l'huile maintenant. Les bâtonnets de pastel à l'huile sont donc généralement épais. Je les ai beaucoup utilisés aussi. Je sais en les utilisant que vous pouvez obtenir reflets blancs brillants si vous appuyez fermement sur le bâton sur la feuille. Ça peut être quelque chose à essayer si c'est tout ce que tu as. Il sera difficile de dessiner des formes d'étoiles détaillées avec eux maintenant. Vous pouvez clairement voir ici les marques que nous faisons sont moins bien que celles que nous obtenons avec nos autres médiums, mais elles montrent presque autant que la gouache blanche. Essayons ce Gelly Roll de Sakura. J' aime beaucoup cela car un gel est blanc vif, il est facile à appliquer. Ce serait mon prochain meilleur choix après la gouache personnellement. Basé sur comme ça avec la gouache blanche, stéroïdes gars sont plus rapides à faire et les étoiles semblent plus spontanées. Terminé d'explorer comment peindre des étoiles. J' espère que vous apprécierez cette leçon bonus. N' hésitez pas à partager votre expérience de début de peinture dans le projet dans la section ressources de la classe si vous aviez les fournitures pour essayer cela. J' adorerais voir de nouvelles façons que vous avez pu trouver. J' ai encore quelques choses à vous dire, alors nous allons nous rencontrer une dernière fois dans la conclusion de cette première partie de la série de peintures de galaxies. 18. Conclusion: Vous n'avez pas besoin d'être génial pour commencer, mais vous devez commencer à être génial. Alors félicitations pour avoir pris des mesures et terminé ce cours. N' oubliez pas de mettre vos projets dans la section Projets et ressources de cette classe, afin que je puisse jeter un coup d'oeil, vous donner quelques commentaires et vous aider. N' hésitez pas à me laisser un commentaire pour me faire savoir comment vous avez apprécié la classe, et suivez-moi ici sur Skillshare pour être informé de mes futurs téléchargements et aussi du reste de cette série Aquarelle Galaxy. Je suis aussi sur YouTube et Instagram. Vous pouvez me trouver là-bas @blayacfineart et utiliser le hashtag CreateWithFrancoise pour partager vos œuvres là aussi. Merci beaucoup d'avoir pris ce cours avec moi aujourd'hui. se voit dans la prochaine.