Faire de la musique dans Logic Pro X : Quickstart

1. Intro: Bienvenue dans ma classe, je crée de la musique dans Logic Pro Ten, Quickstart. m'appelle David et je suis producteur de musique et concepteur sonore. Et depuis dix ans, je vis et travaille en Chine. Je fais de la musique en tant que guitariste depuis plus de 25 ans. Et je pense toujours qu'il n'y a rien mieux que de jouer devant un public en direct. Mais ces dernières années, j'ai également produit de la musique pour la télévision et les jeux vidéo comme ce trap que vous pouvez entendre maintenant. Et d'autres comme ceux-là. Ce qui est cool, c' est que presque tout le monde peut le faire et que c'est très facile de commencer. J'ai donc créé ce cours pour vous montrer comment je vais vous aider à commencer à créer de la musique dans Logic Pro Ten. Rapidement Nous allons examiner les bases de la logique. Comment former des courts, comment créer des progressions d'accords, des mélodies, des lignes de base, des drones. Comment bien mélanger les différents éléments de votre âme, comment l'utiliser. Il s'agit de plug-ins tels que la réverbération, l'égaliseur et les compresseurs. Et comment maîtriser une chanson pour obtenir un son professionnel. Le mieux, c'est que vous pouvez faire tout cela sans avoir aucune expérience de Logic Pro ou de tout autre logiciel de production musicale. Et sans connaître la théorie musicale ni savoir jouer d'un instrument de musique. Ce cours s'adresse à tous ceux qui souhaitent commencer à créer de la musique avec du contenu logique. Que ce soit parce que vous souhaitez commencer une carrière producteur, créer des rythmes ou créer de la musique unique pour vos vidéos TikTok et YouTube. Ou si vous recherchez simplement un nouveau passe-temps créatif et gratifiant, vous n'avez pas besoin d'acheter un équipement supplémentaire coûteux plugins tiers, un éclairage sophistiqué ou quoi que ce soit d'autre. Vous pouvez effectuer tout cela simplement avec votre ordinateur et une copie de Logic Pro Tem. Donc, si tu es prêt à commencer à créer ta propre musique de qualité professionnelle, je te verrai dans ma classe. 2. Espace de travail: Bonjour, merci d'avoir rejoint mon cours. J'apprécie vraiment de t' avoir ici. Pour les premières leçons, nous allons maintenant nous concentrer sur les bases de Logic Pro Ten. Parce qu'au début cela peut sembler un peu écrasant, un peu intimidant. Dans cette leçon, nous allons donc examiner l' espace de travail lui-même. Nous allons voir comment créer des pistes. Nous allons auditionner différents instruments. Ainsi, lorsque vous démarrez un nouveau projet dans Logic Pro Ten, c'est la première option qui apparaît. Choisissez un type de piste. Maintenant, par défaut, ce sera probablement en audio, ce qui est très, si vous utilisez un microphone externe ou si vous branchez un clavier, quelque chose comme ça. Nous allons utiliser les instruments fournis avec la logique. Alors allez-y et cliquez sur les instruments logiciels sur le côté gauche. Ne vous inquiétez pas pour ces paramètres pour le moment, vous pouvez cliquer sur Créer et vous avez créé votre premier morceau. Nous pouvons donc voir ici l'espace de travail logique. Sur le côté droit, vous trouverez votre liste de titres ici. C'est là qu'apparaissent vos différents instruments, vos morceaux ou vos morceaux. Par ici. Il s'agit d'une chronologie. C'est ici que les notes que vous enregistrez apparaîtront. Sur le côté gauche. C'est la bibliothèque. C'est ici que vous allez sélectionner et auditionner différents instruments. Et cette section centrale est celle de l'inspecteur, que nous examinerons un peu plus tard. C'est ici que vous choisirez des éléments tels que des plug-ins d'effets pour modifier le son des objets plus tard. Maintenant, ces deux régions, vous pouvez les activer et les désactiver pour avoir plus d'espace. Celui-ci fermera la bibliothèque, celui-ci fermera l'inspecteur. Ce troisième bouton est utile. Il s'agit du bouton d'aide rapide. Si vous activez cette option là où vous pointez le curseur de la souris, cette case vous donnera quelques informations. Il va donc vous dire à quoi servent les différents boutons. C'est très utile lorsque vous commencez. Vous avez donc votre premier morceau et vos premiers instruments. Vous allez vouloir écouter son son pour pouvoir l'auditionner. Maintenant, si vous avez un clavier MIDI appuyez sur les touches pour l'entendre. Mais si vous n'avez pas de clavier MIDI, ne vous inquiétez pas, vous pouvez appuyer sur Command plus k et cela fera apparaître ce que l' on appelle la saisie musicale. Maintenant, c'est comme un tout petit morceau de clavier. Et vous pouvez voir que les touches ici contiennent les lettres du clavier de votre ordinateur. Donc, si j'appuie sur d'autres touches de l'ordinateur, vous pouvez entendre les notes jouer. Et si vous voulez descendre d'une octave, vous pouvez utiliser la touche Z. Et x se déplacera vers le haut. La touche Tab va agir comme la pédale de sustain d'un piano. Donc, si je joue un accord soutenu, mais que ce n'est peut-être pas un piano que nous recherchons. Nous pouvons aller à la bibliothèque, nous pouvons commencer à regarder d' autres instruments. Disons une base. Peut-être que je veux écrire Studio Base est arrivé. Écoutez, une tonalité un peu trop haute est redescendue. Ou une basse de Liverpool, c'est ambiance de type Paul McCartney. Mais si vous voulez probablement plus d'un instrument et si vous en avez plusieurs, vous aurez besoin d'un autre morceau. Pour créer une nouvelle piste. Vous pouvez appuyer sur ce bouton Plus. Ici. Vous verrez que nous avons à nouveau la possibilité de choisir un type de piste dès le début . Je vais à nouveau créer de nouveaux instruments logiciels. Et cela va faire apparaître le patch par défaut, qui est ce piano électrique classique. Et je peux passer d'un instrument à l'autre, piste à l' autre simplement en cliquant. Mais il existe un autre instrument très utile qui est quelque sorte caché dans la logique et je ne sais pas pourquoi. C'est ce qu'on appelle le synthétiseur d'alchimie. Je vais donc vous montrer une autre façon de choisir un instrument et vous montrer le synthétiseur d'alchimie. Je vais donc fermer la bibliothèque. Et je vais créer un nouveau morceau. Cette fois, au lieu du correctif par défaut, je vais cliquer sur une bande de chaîne vide et la créer. Maintenant, nous avons une piste vide, une piste vide. Tu n'entends rien quand j'appuie sur les touches. Et au lieu d' utiliser la bibliothèque, je vais aller voir l'inspecteur et je vais cliquer sur les instruments. Et cela fera apparaître ce menu ici. Maintenant, si vous avez des instruments tiers, si vous commencez à acheter des bibliothèques contenant différents instruments échantillonnés, ils apparaîtront en bas de page. C'est un peu caché, difficile de le trouver d'abord. Nous allons simplement nous concentrer sur ceux qui sont liés à la logique. Donc, en haut, vous verrez Alchemy Click en stéréo. Et voici le synthétiseur d'alchimie. Maintenant, c'est un petit sens très puissant qui vient avec Logic Pro Tem. Et il possède tout un tas de préréglages différents. Vous pouvez voir ici 3 299 sons, donc de nombreux sons différents et vous pouvez choisir entre eux avec ce menu sur le côté droit. Donc, si je sélectionne simplement le premier dans l' instrument, ils ont composé différents préréglages. Donc, si je clique sur l'un de ces boutons en bas, on opte pour du bégaiement, de la mélodie vocale. Ils ont donc déjà composé ces différents préréglages pour vous, mais vous pouvez toujours jouer. Vous pouvez modifier ces paramètres. Tu ne peux pas le casser. A fait une expérience, vois quels sons tu pourrais trouver. C'est un filtre à travers d'autres instruments. Ils ont ces différentes sections de catégories. Donc, si je cherchais un bloc-notes, je cliquerais sur un bloc-notes. Je peux filtrer par sous-catégorie ou par genre. Optons pour un, un pad ambiant. Quelque chose de complexe au-dessus des nuages qui ne devrait donc pas. Et encore une fois, il présente différentes variantes. Essayons cette riche piste. Donc, une multitude de sons différents que vous pouvez retrouver dans l'alchimie. Et supposons que vous en trouviez une qui vous plaît, mais qui ne convient pas la chanson sur laquelle vous travaillez. Ce que vous pouvez faire, c'est lui attribuer une note. Maintenant, cela signifie que plus tard, vous pourrez revenir et filtrer les différents sons que vous avez déjà écoutés. Ceux que vous aimez ou que vous n'avez pas aimés, et vous pouvez les retrouver rapidement. Vous pouvez également utiliser cette fonction de recherche si vous recherchez un son en particulier. Vous devriez donc maintenant vous sentir un peu plus en confiance dans l'espace de travail Logic Pro Ten. Et tu sais comment créer des morceaux, et tu sais comment auditionner des instruments. Donc, les trois principaux points à retenir de cette leçon. Maintenant que vous connaissez mieux l'espace de travail de Logic Pro Tem, jetez-y un coup d'œil. Il existe toutes sortes d'autres caractéristiques et fonctions dont nous n'avons pas parlé. Certains d'entre eux pourraient vous être utiles. Essayez d'utiliser le bouton Aide rapide pour en savoir plus sur les différentes fonctionnalités de Logic Pro. Et essayez de créer des pistes, d' ajouter des trachs supplémentaires à votre projet ou d'ajouter des instruments différents. Essayez de trouver des sons que vous aimez utiliser pour créer une chanson. Dans la prochaine leçon, nous verrons comment régler le tempo, comment régler la comptabilité et comment commencer à enregistrer instruments dans Logic Pro ten. Je t'y verrai. 3. Enregistrement: Dans notre dernière leçon, vous avez donc envisagé d'auditionner différents instruments et de créer des morceaux. Vous êtes donc probablement prêt à commencer à enregistrer de la musique dans Logic. Dans cette leçon, nous allons donc examiner les signatures temporelles, le réglage du tempo à l'aide du métronome et nous allons commencer à enregistrer dans vos projets. Nous examinerons également les cycles, afin que vous puissiez commencer à créer des boucles avec votre musique afin vous permettre de créer plus facilement différentes couches d'instruments. Pour enregistrer en logique, il vous suffit d'appuyer sur ce bouton d'enregistrement rouge en haut ou d'appuyer sur la touche R du clavier de votre ordinateur pour démarrer l'enregistrement. Vous pouvez voir que les tonnes de têtes de jeu lues commencent à se déplacer vers la droite. Et pour arrêter l'enregistrement, il vous suffit d'appuyer sur la barre d'espace ou le bouton d'arrêt pour le lire. Encore une fois, Space-bar. Maintenant, lorsque vous écrivez une chanson, vous devez décider du tempo. C'est à quel point c'est rapide ou lent. Et vous pouvez modifier le tempo avec cette valeur ici si vous cliquez et faites glisser le pointeur vers le haut, afin de l'augmenter, cliquer et de faire glisser le pointeur vers le bas. Tu peux le diminuer. Voici le tempo, vous devez activer le métronome, et cela se fait avec le bouton du métronome ici. Alors maintenant, si j'appuie sur Play, vous pourrez entendre ce tempo. Et je peux l'augmenter ou le diminuer. Si vous double-cliquez ici, vous pouvez définir une valeur spécifique. Désormais, par défaut, le projet sera lancé dans 44 fois. nos jours, la plupart de la musique se trouve en 44. Mais si vous voulez faire quelque chose de différent, comme une valse en 34, vous pouvez modifier la signature horaire en cliquant dans le panneau ici. Ensuite, vous pouvez faire défiler l'écran vers le haut quelques signatures horaires standard, ou vous pouvez en saisir une personnalisée si vous vous sentez un peu différent. Maintenant, parce qu'il n'est pas facile d'appuyer sur le bouton Enregistrer avoir instantanément les mains au bon endroit pour arrêter de jouer. Il existe ce qu'on appelle la fonction de comptage. Donc, si vous surlignez ce bouton ici, lorsque vous appuyez sur Enregistrer, vous entendrez une barre de tempo avant que l'enregistrement ne commence. Cela vous donne le temps de vous mettre les mains en place pour préparer et aussi d'avoir une idée du tempo, comme si quelqu'un comptait pour commencer une chanson. Si j'appuie sur Enregistrer maintenant, par défaut, cela vous donnera un compte d'une barre. Mais si vous vouliez plus de temps, vous pouvez cliquer avec le bouton droit de la souris et choisir d'avoir une comptabilité plus ancienne. Maintenant, si comme moi, vous n'êtes pas un claviériste très sûr de vous. Une astuce très utile est de régler ce tempo sur quelque chose de plus lent. Donc, si je le réduis à 100, alors vous enregistrez que c'est un tempo lent. Et après avoir enregistré, vous pouvez à nouveau augmenter le tempo. Cela signifie que vous n' avez pas à jouer du clavier aussi vite que vous le souhaitez. Essayons donc ça maintenant. Essayons d'enregistrer quelque chose dont le tempo est plus lent, puis de l' accélérer par la suite. Je vais donc battre le record. J'arrête. OK, donc si on écoute ça à ce rythme, 120. Et c'était beaucoup plus facile à jouer car l'enregistrement ne jouait qu' à 100 bpm au lieu de 120. Maintenant que nous avons enregistré de la musique, nous pouvons la faire tourner boucle encore et encore. Et pour ce faire, nous pouvons utiliser ce bouton de cycle, ou nous pouvons cliquer dans cette région, ou vous pouvez utiliser le bouton C de votre clavier. Donc, ce que vous pouvez voir, c'est que cette zone est illuminée. Et cela signifie que cette partie va se répéter encore et encore. Et nous pouvons déplacer cela ou étendre la région. Je vais faire 8 bars. Maintenant, lorsque nous appuyons sur Play, nous jouons à plusieurs reprises sur cette barre de 8. Nous pourrions ajouter un autre instrument sur le dessus. Je vais donc ajouter le même sens, mais peut-être avec un préréglage différent. Peut-être que ça brille. Et c'est un record. Il suffit d'appuyer sur le bouton d'enregistrement. Vous remarquerez maintenant que ce n' est pas tout à fait à temps. Je n'avais pas le métronome allumé. Je n'ai pas appuyé sur la touche au bon moment. Nous pouvons donc corriger cela. Nous n'avons pas besoin d'aller l'enregistrer à nouveau. Nous pouvons le corriger à l'aide de l'éditeur. Vous pouvez y accéder en double-cliquant sur ce clip ou en cliquant sur ce petit bouton ici. Maintenant, nous pouvons voir les notes que j'ai jouées. Et vous pouvez voir la chronologie. Vous pouvez voir les barres en haut. Si je voulais changer cela, je pourrais littéralement les placer dans la bonne position. Si je prenais les mauvaises notes. Il revient au bon endroit. Une autre chose que vous pouvez faire si vous voulez arriver à temps est de surligner ces notes. Vous pouvez utiliser le bouton de quantification ici. Maintenant, cela va bloquer cette note sur les battements ou les fragments de battement les plus proches. Donc, dans ce cas, il s'agit d'une seizième note. Donc, si je clique sur Q maintenant, vous pouvez voir qu'ils sont tous un peu poussés au rythme. Maintenant, faites attention à la quantification car si vous en faites trop, si tout est parfaitement rythmé, cela ne sonne pas vraiment naturel. Cela ne ressemble pas à un vrai humain. C'est donc utile pour se rapprocher du rythme. Et pour ce faire, vous pouvez réduire la force de la quantification. De cette façon, vous avez corrigé à 100 % le timing de vos notes, mais cela les corrigera. Disons que si nous tournons autour de 50 %, ce sera plus précis, mais ce ne sera pas trop robotique. Écoutons-y en arrière et j'espère que ce sera plus tard maintenant. Je ne pense toujours pas que ce soit tout à fait correct. Donc, ce que je vais faire, c'est donner un coup de pouce. Essayons encore une fois. Maintenant, une autre fonction très utile de Logic Pro Tem que j' aimerais partager avec vous est la fonction d'enregistrement des captures. Maintenant, c'est un peu caché dans le menu. Mais si vous allez en haut et que vous cliquez avec le bouton droit sur cette barre de menu et que vous choisissez Personnaliser. Ici, vous avez un enregistrement de capture. Et si vous cochez cette case, vous remarquerez vous aurez un deuxième bouton d'enregistrement à côté du premier. Et cela signifie que vous avez joué quelque chose au clavier, que vous avez aimé le son, vous avez aimé le son, mais que vous vous êtes dit que je l'ai raté. Je n'étais pas en train d'enregistrer ce bouton qui va rappeler les choses que vous venez de jouer. Donc, si j'ajoute un autre instrument pour le démontrer, optons simplement pour un lead et un synthétiseur des années 70. Et disons que je déconne avec les touches. Et peut-être que j'aime bien ce son. J'appuie sur ce bouton et tu peux voir ce que je viens de jouer. Laisse-moi désactiver ces camions. Ils sont disponibles pour que vous puissiez les modifier, les déplacer, les déposer dans votre son, une fonctionnalité vraiment puissante. Vous savez maintenant comment enregistrer dans Logic Pro Ten. Et vous connaissez mieux le métronome qui règle le tempo à l'aide des fonctions de signature temporelle. Ce que je vous encourage à faire, c'est d'utiliser l'enregistrement Functions Logic Pro s'entraîne un peu. Réglez le métronome, réglez la signature temporelle, utilisez le comptage si vous voulez jouer en live et habituez-vous à utiliser la région du cycle avoir un morceau de musique jouez en boucle en boucle pour pouvoir commencer à ajouter des couches supplémentaires. Alors maintenant, vous êtes presque prêt à commencer à créer votre propre chanson. Mais vous êtes peut-être assis là à penser que c'est génial David, mais je ne suis pas musicien. Je n'ai aucune théorie musicale. Je ne sais pas comment construire ces courts. Dans la prochaine leçon, je vais vous montrer un moyen très simple de saisir des accords dans une logique sans avoir besoin d' être un expert en musique. Vous n'avez pas besoin d'être musicien ou de jouer du clavier. Rien d'autre ? 4. Les accords: Dans cette leçon, je vais vous montrer une manière différente de mettre des notes dans la logique sans jouer au clavier, ce soit sur un clavier physique ou sur votre ordinateur. Je vais vous montrer ce que l'on appelle les codes fourrés, qui vous permet de créer des accords sans connaître la théorie musicale. Ensuite, je vais vous montrer comment vous pouvez rendre ces accords un peu plus naturels, un peu plus humains, comme s'ils avaient vraiment été joués par un musicien. Nous allons donc entrer directement dans le vif du sujet et commencer à saisir quelques notes. Vous pouvez voir que j'ai du violoncelle acheté dans la bibliothèque. Je vais juste cacher la bibliothèque et je vais cacher l'inspecteur. Nous avons donc un peu plus de place. Ensuite, dans la chronologie, je vais cliquer avec le bouton droit de la souris et choisir Créer une région midi. Et cela nous donnera un espace vide pour commencer à saisir des notes d'un octet seulement Je vais donc cliquer dessus et les faire glisser vers l'extérieur. Alors maintenant, nous avons 4 bars. Ensuite, je vais cliquer sur l'éditeur pour faire apparaître cette section en bas intitulée Piano Roll. Je vais le redimensionner pour que nous puissions voir ce qui se passe. Plus que la gauche. Vous pouvez voir les touches du piano et la note C est marquée à chaque octave. Si vous cliquez sur ces notes, vous pouvez les entendre jouer. Pour ajouter une note à la chronologie. Je vais appuyer sur la touche Commande et la maintenir enfoncée, puis cliquer. Vous pouvez donc voir que cela a créé une note ici. Je vais juste le raccourcir. Vous remarquerez donc que nous avons ici deux petites astuces. Maintenant, celui de gauche montre ce que votre clic gauche sur la souris va faire. Celui de droite montre ce qui va se passer si vous maintenez la touche Commande enfoncée puis cliquez. Donc, dans ce cas, j'utilise le crayon qui va m'amener à dessiner les notes. Voilà, si j'ajoute quelques notes supplémentaires. Et juste à gauche d'ici, vous pouvez voir la vélocité. La vélocité est la force ou la douceur avec laquelle la note est jouée. Si je clique sur la première note, puis-je la modifier et augmenter la vélocité ? Vous pouvez voir les changements de couleur pour nous montrer que la vitesse est devenue plus élevée et que cela va jouer plus fort. Celui-ci, je vais réduire la vélocité. Vous pouvez maintenant entendre la différence. Essayons donc d'ajouter un accord. Un accord n'est qu'un ensemble de notes. Nous allons commencer par un accord en do majeur. Notre nœud racine sera donc C. Je vais donc continuer et cliquer ici. Et maintenant, nous avons le C, ce sont les nœuds racines. Maintenant, si vous regardez les codes de cordons que j'ai fournis, vous verrez qu'un accord majeur porte le code 047. Donc zéro est notre nœud racine C dans ce cas. Et maintenant, nous allons compter les files d'attente à partir d'ici. Donc c'est zéro, voici 123,4. Je vais donc créer une note ici. Ensuite, je vais en ajouter un à sept. Il s'agit donc du 4567. Et voici les notes, l'accord de do majeur. Rendons donc ce code un peu plus long. Je vais juste sortir ces notes. Essayons maintenant de le remplacer par un accord mineur. Et nous pouvons voir à partir des codes de code qu' un accord mineur est égal à zéro, trois septièmes. Je pourrais donc simplement modifier cette note ici. Nous avons le zéro. Il s'agit d'un 4.7 car c'est majeur. Modifiez-le en mineur en le remplaçant par trois. Alors maintenant, ce sera un accord en do mineur. À l'aide de ces codes de code, vous pouvez programmer à peu près tous les codes dont vous pourriez avoir besoin pour progresser d'accords dans Logic Pro. Réunissons donc une progression à quatre accords très simple et courante, qui va du do majeur, mineur, le fa majeur, le sol majeur. La première chose que je vais faire est de changer cet accord de do mineur en un majeur. Donc, au lieu de 037, nous allons passer à 047. Je vais donc simplement cliquer et faire glisser ceci maintenant. Maintenant, il nous faut un accord, un accord mineur. Je vais donc déplacer le gommage ici. Donc, pour trouver une note pour notre position zéro, je vais compter à partir de C. Donc comptant les touches blanches, nous avons C, D , E, F, G, a. Donc je sais que c'est un. Et je vais pour ajouter une note égale à zéro. C'est un mineur. Donc 037, nous avons 01234567. Et je peux vérifier que c'est mineur en cliquant, en faisant glisser et en surlignant, puis en regardant ici sur la gauche, je verrai quel est le terrain. Maintenant, j'ai un do majeur, un mineur. Je vais ajouter un fa majeur. Faisons défiler la page pour voir que la touche est plus facile. Nous avons donc C, D, E, F. Voici donc le zéro. 1234567. Et puis g sera simplement OneNote à partir de là. Donc, si c'est F, la note blanche suivante est g01 234567. Nous pouvons vérifier que c'est un sol majeur. Maintenant, si nous écoutons cette séquence, gardez à l'esprit que le code code , je vous donne juste l'accord de base. Ils vous donnent trois ou quatre notes. Maintenant, dans un accord, tel qu'un musicien peut le jouer, il peut doubler certaines de ces notes. Donc, par exemple ce premier do majeur, nous pourrions avoir un autre C ici en haut. Nous aurions donc quatre notes dedans. N'hésitez donc pas à ajouter des notes supplémentaires tant qu'elles sont dans le cordon ou à repositionner ces notes. Vous pouvez donc déplacer cette note vers le bas par rapport à ce G. Elle se trouve peut-être ici à la place. Et cela nous donnerait un son légèrement différent. N'hésitez donc pas à jouer avec les accords de cette façon afin d' obtenir des voix différentes. Maintenant, il n'y a rien de mal à cette séquence de code, mais elle ne semble pas particulièrement naturelle pour le moment. Et c'est parce que toutes les notes ont la même longueur et toutes les notes ont la même vélocité. Je vais donc apporter quelques modifications. La première chose que je vais faire est de voir que cette note en do se répète dans les deuxième et troisième mesures. Je vais donc les supprimer. Ensuite, nous allons étendre ce FirstNode. Elle dure plus longtemps. Maintenant, la prochaine chose que je vais faire est de sélectionner toutes les notes ou d'appuyer sur Commande et a. Et ensuite je vais passer aux fonctions. Je vais passer à Middy Transform et à humaniser. Cela fera apparaître ce menu ici. Maintenant, ce menu va attribuer au hasard quelques fonctionnalités différentes. Donc, tout d'abord, il va randomiser la position de chaque nœud, la vélocité de chaque note , sa dureté ou sa douceur. Et cela va rendre la longueur aléatoire. Maintenant, je l'ai réglé, de sorte qu' il ne les randomisera que par une petite quantité. Vous pouvez modifier ces paramètres pour les rendre plus ou moins drastiques. Mais nous avons sélectionné toutes les notes. Donc, si je clique sur Operate uniquement, vous remarquerez que toutes les notes ont changé de vélocité et qu'elles ont légèrement changé de durée et de position. Alors maintenant, lorsque nous jouerons cette progression, elle semblera plus humaine. Vous connaissez maintenant une autre façon d'intégrer de la musique dans Logic Pro qui n' implique pas l'utilisation d'un instrument de musique. Et vous savez comment manipuler les notes que vous avez jouées ou programmées. Passons maintenant aux points clés que vous pouvez retenir de cette leçon, à savoir comment saisir des notes dans la logique. Comment utiliser les codes d'accords pour transformer ces notes en accords. Et puis comment manipuler ces notes et accords pour leur donner un son plus naturel. Dans la prochaine leçon, nous allons examiner certaines progressions d' accords courantes. Comment faire passer un accord dans le suivant, dans le suivant et le faire sonner comme un bon morceau de musique. 5. Les progressions d'accord: La dernière fois que nous avons examiné les codes d'accords, comment assembler des accords simplement en comptant une séquence de chiffres. Dans cette leçon, nous allons examiner les progressions d'accords. Nous allons nous plonger un peu dans la théorie musicale. Ne vous inquiétez pas, ne vous laissez pas intimider. Tout va être présenté très simplement. Vous pouvez utiliser le document que j'ai fourni sur les progressions d'accords. Et nous verrons comment créer quelque chose de vraiment musical. Ainsi, un morceau de musique comporte normalement plus d'un accord. Et les accords peuvent être regroupés dans des familles appelées touches. Ainsi, dans l'exemple de notre dernière leçon avec les codes de code, nous avons commencé par un accord de do majeur. do majeur est le premier accord de la tonalité de do majeur. Et il y a six autres accords dans cette tonalité que nous pouvons utiliser, et nous pouvons les assembler dans ordres différents pour faire une progression. Maintenant, à la fin de cette leçon, sans guillemets, nous avons fait une progression. Nous avions un accord en do majeur suivi d'un accord en la mineur, suivi d'un fa majeur, suivi d'un sol majeur. Maintenant, une autre façon de le dire est que nous avions un accord suivi du six accords, suivi du quatre accords, suivi du cinquième accord. Vous pouvez maintenant utiliser cette même progression dans une touche différente. Et la seule chose qui changerait , ce seraient les accords que vous avez utilisés. Cette même progression dans la tonalité de ré majeur. Notre premier code sera d. Un deuxième accord sera en si mineur, ou un troisième accord en sol majeur. Et notre quatrième accord serait un majeur. Et il aurait le même type de son, mais dans une tonalité différente. Donc, une chose à noter est que même si vous jouez dans une tonalité majeure, une tonalité majeure contiendra toujours quelques accords mineurs. Et c'est vrai si les touches mineures aux touches mineures auront un quadsim majeur. Et c'est la relation entre ces différents types de sons qui donne à chaque touche une saveur particulière. Maintenant, l'autre chose que vous remarquerez peut-être, c'est que lorsque nous appelons un accord, les deux accords, etc. seront écrits avec un chiffre romain. Donc, s'il s'agit d'un accord majeur, ce sera un chiffre romain en majuscule. Et s'il s'agit d'un accord mineur, il sera écrit en minuscules. Il y a aussi cet étrange accord à la fin du septième accord qui est diminué. Vous n'avez pas à vous soucier de ce que signifie diminuer. On s'intéresse de plus en plus à la théorie musicale. Mais sachez simplement que vous verrez ce petit cercle au-dessus des six. Maintenant, une autre chose à noter est que chaque touche majeure est liée à une touche mineure et vice versa. Donc, si nous examinons cette tonalité majeure de do, et que nous examinons ces accords. Et maintenant, si nous examinons les touches mineures, vous verrez que la première clé de cette liste est mineure. Maintenant, c'est le mineur relatif du do majeur. Et vous remarquerez que ces sept accords sont en fait les mêmes accords. Nous avons un mineur, un si diminué, un do majeur, un ré mineur. Regardons C à nouveau. Nous avons les mêmes accords. C'est juste qu'ils apparaissent dans un ordre différent. Maintenant, vous aurez remarqué sur les graphiques que j'ai rassemblés que certains accords sont surlignés dans cette couleur rose-violet. Maintenant, les cordes surlignées ne sont que les accords principaux de la clé. Ce sont donc les accords les plus importants. Ce sont ceux où vous voudrez probablement commencer ou terminer. Ce sont eux qui ont le plus effet dans la clé. Donc, dans la tonalité majeure, vous pouvez voir que ce sont les 14,5 accords, les touches mineures. Ce sont les trois, les six et les sept accords. Il est également assez courant qu'une tonalité, une progression dans une tonalité particulière commence au premier quart se termine au premier accord. Et le fait de passer d' un accord de quatre accords à un accord, ou de cinq accords à un accord, par exemple , comment utilisez-vous ces tables ? Eh bien, la première chose à faire est de choisir une tonalité majeure ou mineure. Disons que je veux une clé secondaire. Maintenant, je vais choisir mon accord racine, mon seul accord. Donc, pour des raisons de simplicité, je vais dire mineur. Un mineur est ma clé. Maintenant, je vais regarder les différentes progressions. Choisissons donc une progression mineure qui commence par un accord. Et nous en avons un en bas. Nous avons, euh, 154,1. Donc, si je le ramène à ma table, je peux dire que j'ai un 1a5a4 et un autre. Je dirais donc un mineur, un mi mineur, un ré mineur, encore une fois mineur. Maintenant, ce n'est pas le cas, toutes les progressions d' accords ont coûté, il y en a des tonnes d'autres. Ou vous devez rechercher des progressions d' accords courantes. Et vous obtiendrez des tonnes de résultats avec différentes progressions d'accords pour des chansons célèbres. Il y a aussi une vidéo assez amusante d'un groupe appelé Axis of Awesome. Ils ont une vidéo sur YouTube sur une progression à quatre accords ou une chanson à quatre accords. En gros, il s'agit d'une performance musicale dans laquelle ils jouent toutes sortes de chansons en utilisant les quatre mêmes accords, même progression d'accords, car ces quatre accords sont tellement courants dans toutes les musiques populaires. Une autre chose qui pourrait vous être utile pour créer vos propres progressions d'accords est ce tableau, le tableau des progressions de route habituelles. Il s'agit maintenant d'une analyse de la musique et de la direction que prennent les accords après avoir commencé avec un accord spécifique. Nous avons donc un code de départ dans cette première colonne. Il y a donc sept accords différents dans une tonalité qui peut commencer. Et puis voici les différents types de probabilités quant à l' accord qui pourrait suivre en analysant la plupart des musiques. Ainsi, lorsque vous commencez par un accord, il est généralement suivi par le quatre ou les cinq accords. Mais parfois, il est suivi par le six accords. Et très rarement, il sera suivi par le deuxième ou le troisième accord. Vous pouvez donc l'utiliser pour commencer à créer vos propres progressions d'accords en fonction de la manière dont , de son accessibilité vous souhaitez que votre progression sonne, de son accessibilité et de sa fréquence. Voulez-vous que cela sonne très coquelicot, que les gens puissent écouter et reconnaître la progression ? Ou voulez-vous créer quelque chose qui soit un peu à gauche, un peu bizarre. Vous pouvez utiliser ce tableau pour voir quels accords sont les plus ou les moins susceptibles de suivre un accord en particulier. Maintenant, je sais que c'est beaucoup d' informations à recueillir en une seule fois. Ce que j'aimerais souligner, c'est que vous n'avez pas besoin de mémoriser toutes ces choses. Tu n'as pas besoin de tout savoir. Il s'agit simplement d'un point de référence pour vous lorsque vous essayez de créer des progressions d'accords. Maintenant, je suis guitariste et producteur de musique. Ma théorie musicale, comme beaucoup de guitaristes, est probablement mon point faible. Et c'est très bien. Parce que tant que vous savez comment assembler des courts qui sonnent bien ensemble, vous pouvez créer quelque chose de musical. Alors, que pouvez-vous faire avec ces informations ? Eh bien, comme je l'ai dit, vous n'avez pas besoin de tout mémoriser. Essayez simplement d'autres progressions. Faites-vous une idée de ceux que vous aimez. Oubliez ceux que vous n'aimez pas. Expérimentez simplement en assemblant différentes séries d'accords. Vous pouvez essayer de placer une progression après l' autre afin développer quelque chose d' un peu plus varié. Vous ne voulez pas être coincé dans un cycle sans fin composé des quatre mêmes accords. Et tu peux expérimenter tes propres progressions. Utilisez le tableau des progressions des racines comme guide. Choisissez un accord, une touche et commencez à assembler des codes en séquence. Ensuite, nous allons examiner les mélodies. Et je vais vous montrer quelques petites astuces que vous pouvez utiliser pour vous aider à écrire plus facilement une mélodie au-dessus de la séquence d'accords. 6. Les mélodies: Commençons par une petite expérience. Je veux que tu penses à un morceau de musique célèbre. Je veux juste que tu penses à un morceau de musique célèbre et que tu le gardes en tête pendant un moment. Maintenant, je parie que ce à quoi vous pensez, c' est à la mélodie de ce morceau de musique, au hook, à la ligne vocale principale ou à la ligne d'instrument principale. Et c'est parce que les mélodies sont généralement la partie la plus importante d'une chanson. Dans cette leçon, je vais vous montrer un moyen très simple de créer une mélodie adaptée à progression de vos accords et de vous assurer que c'est dans la même tonalité que vous jouez les bonnes notes. J'écris un petit morceau de musique pour un jeu RPG. Et j'ai créé une progression d' accords. C'est en si mineur. Et j'ai élaboré une progression qui remonte à 1765. Si je mets ça en boucle, on pourra l'écouter. Vous pouvez donc voir que j'ai déjà humanisé cela. J'ai dessiné, je n'ai pas joué ça dedans. Je l'ai dessiné avec les notes. Et j'ai changé la longueur des notes, j'ai changé la vélocité, j'en ai extrait certaines sur les accords. Cela semble plus naturel. Et j'ai également choisi un instrument pour la mélodie. Je l'ai choisi car ça ressemble à ça. Il y a beaucoup d'écho, beaucoup de retard, beaucoup de réverbération parce que je voulais quelque chose qui sonne un peu mystérieux. Pour ce qui est de la mélodie, je veux qu'elle soit plus longue que 4 mesures. Je vais faire une mélodie à huit mesures. Donc, la première chose que je vais faire est de boucler cette progression d'accords pour qu'elle soit jouée deux fois. Donc, si je passe la souris ici, vous pouvez voir quand nous avons cette petite icône en boucle, je peux cliquer et faire glisser, c'est terminé. On y va. Nous avons une boucle complète. Nous avons deux boucles. La progression est deux fois 8 bars. Et la prochaine chose que je veux faire est commencer à essayer d'écrire une mélodie. Mais je ne vais pas jouer des touches. Je ne vais pas jouer cette mélodie. Je vais dessiner la mélodie avec le crayon. Et ma théorie musicale n'est pas très bonne. Cela peut donc être un peu difficile. Je vais donc partager avec vous une astuce qui vous aidera à savoir quelles notes vous pouvez utiliser et quelles notes vous ne pouvez pas utiliser. Maintenant, la première chose que je vais faire ici est dupliquer ce morceau. Je vais le dupliquer car je dois le faire, je vais appuyer sur la commande D, ou je pourrais cliquer sur ce bouton de duplication. Et vous verrez que j'ai dupliqué ce synthétiseur. Ce que je vais faire, c'est cliquer avec le bouton droit de la souris et créer une région midi. Alors maintenant, vous pouvez voir que j' ai 1 barre sans notes. Ici. Je vais sélectionner la gamme de notes que je vais utiliser pour ma mélodie. Disons qu'à partir de C3 environ, je vais également désactiver ce morceau. Vous verrez pourquoi dans une minute. Je vais donc écrire des notes au crayon. Je vais écrire au crayon tous les nœuds de la gamme de notes que je veux jouer pour ma mélodie. OK, si je devais le faire. Maintenant, vous voyez si je l'ai désactivée, c' est pour ne pas avoir à écouter toutes ces notes. Alors maintenant, je vais appuyer sur la commande a pour tous les sélectionner. Et j'ai surligné tous ces nœuds. Maintenant, ça ne sert à rien. Ça va avoir l'air horrible. Ce que je vais faire, c'est utiliser cette échelle pour quantifier parce que je connais la clé, parce que je l'ai choisie. J'ai choisi une progression en si mineur. Donc, sur cette échelle, quantifiez, je vais sélectionner B. En bas. Je vais sélectionner un mineur naturel. Et vous pouvez voir que cela a changé les notes, de sorte qu'il a supprimé toutes les notes qui n'ont pas leur place dans cette gamme, dans cette tonalité. Maintenant, j'ai les notes de la gamme de si naturel mineur, et elles sont toutes là. Mais cela n'est pas très utile car ce sera juste pour tous les nœuds. Ça va avoir l'air horrible. Donc, ce que je vais faire, c'est faire glisser cette section centrale vers l' extérieur. Je vais le mettre en boucle. Je vais le boucler de manière à ce qu'il fasse 8 barres de long, pour que nous ayons quatre boucles. Nous en avons cinq et nous ignorons le premier. Nous avons quatre répétitions. On y va, on a huit répétitions. Maintenant, ce morceau le plus populaire avec le violoncelle est « Je vais juste le remplacer ». Nous allons donc ignorer cette première barre. Nous allons commencer par la deuxième barre. Maintenant, je vais sélectionner le morceau sur lequel je veux mettre ma mélodie. Et je vais cliquer avec le bouton droit de la souris pour créer une région midi. Et je vais l'étirer pour qu'il fasse 8 bars de long. Il a remarqué le curseur ici. Cela permet de modifier la longueur de la région midi. Si tu le mets en haut, c'est pour faire une boucle. OK, maintenant je suis prêt à commencer à écrire quelques notes dedans. Mais je veux voir ces notes que j'ai faites ci-dessous. Ce que je vais faire, c'est maintenir la touche Shift enfoncée et cliquer également sur cette région. Maintenant, si je fais défiler l'écran vers le haut, vous verrez que je peux voir. Les notes fantômes de ce chat que j'ai créées avant de me montrer toutes les notes disponibles dans cette gamme. Cela va donc servir de guide. Si je clique dessus, rien ne se passe, ils apparaissent simplement en arrière-plan. Mais je peux ajouter des notes et en haut, et je peux m'en servir comme guide pour savoir où je pourrais mettre des notes. Maintenant, je vais m'en servir comme guide et je vais essayer d'écrire une mélodie. Je vais accélérer cette section parce que normalement, vous passez un peu de temps à y mettre des notes, à ajuster la durée pendant laquelle elles changent les choses. Je vais donc accélérer les choses pour que tu n'aies pas à rester assise à m'attendre. Alors écoutons ce que nous avons. OK, donc c'est une bonne statistique. Et maintenant, je peux me débarrasser de ces notes fantômes qui étaient là en arrière-plan. Je vais juste supprimer cette région, supprimer cette piste. Je vais les mettre en évidence et les ramener à la première barre. Vous verrez donc que les notes fantômes sont un moyen très utile d'écrire rapidement une mélodie dans la bonne tonalité, utilisant la bonne gamme en fonction de la progression de vos accords, mais sans avoir à Je comprends la théorie qui le sous-tend , une petite astuce vraiment très utile. Maintenant, pour ce qui est de l' écriture d'une mélodie, voici quelques conseils il est toujours bon d'avoir de grands sauts dans votre mélodie. J'ai donc commencé par ce grand saut de la première note aux deuxièmes nœuds. Et puis ça redescend. Et c'est juste former l'accord en si mineur. Mais avoir ce grand saut dans la mélodie rend toujours les mélodies plus attrayantes. Maintenant, une autre caractéristique courante des bonnes mélodies est d'avoir un modèle d' appel et de réponse. Si vous écoutez cette mélodie avec attention c'est en fait la même chose répétée deux fois. Donc, la même phrase ou idée est répétée deux fois, mais les deux dernières notes, la deuxième fois, sont légèrement différentes. Donc c'est froid, l'appel et la réponse sont appelés une réponse. C'est également une bonne idée de laisser des espaces dans votre mélodie. Vous ne voulez pas avoir une note à chaque battement. Vous ne voulez pas simplement jeter des notes partout. Laissez des espaces, laissez des espaces entre vos notes. Prenez d'autres notes plus longtemps que d'autres, prenez parfois de longues notes. D'autres fois, faites jouer les notes très brièvement et rapidement avec une telle variété de mélodies, et cela les rendra encore plus intéressantes. Vous pouvez donc voir que l'utilisation notes fantômes est un moyen très efficace de créer rapidement et simplement une mélodie qui correspond à votre progression de base. Il y a maintenant quelques conseils que je peux vous recommander pour écrire une mélodie réussie et mémorable. Essayez d'utiliser la structure d'appel et de réponse. Donc, si vous avez 8 mesures de mélodie, répétez deux fois la même mélodie à quatre mesures, mais la deuxième fois, modifiez peut-être la fin ou un peu au milieu. Essayez de faire en sorte que cela ressemble à une conversation entre deux personnes. C'est pourquoi on l'appelle appel et réponse. N'oubliez pas d'inclure des sauts entre les notes dans votre mélodie. Si vous utilisez la gamme comme base, comme base de votre mélodie, vous ne voulez pas qu'elle sonne comme quelqu'un qui ne fait que monter et descendre cette gamme, elle sera plus musicale, plus mélodique. Si vous avez de grands sauts entre les notes que vous choisissez. N'oubliez pas de laisser un espace entre les notes. Vous n'avez pas besoin d'avoir une note à chaque battement ou à chaque demi-battement. Comprend de l'espace, certaines notes sont plus longues que les autres. Certaines notes arrivent plus vite, autres plus lentes avec ce type de variété. Et cela aidera vos mélodies à être plus intéressantes et donc plus mémorables. Maintenant, vous avez une progression d' accords et vous avez une mélodie qui va avec. La prochaine pièce du puzzle que nous allons ajouter est une base de référence, et nous le ferons dans la prochaine leçon. Je t'y verrai. 7. Lignes de basse: Les niveaux de référence varient en fonction du type de musique que vous écrivez. Certains types de musique ont une base de référence, presque comme une mélodie en soi. Et dans cette leçon, vous allez libérer des chats. Dans cette leçon, je vais vous montrer moyen très rapide et efficace de réduire la base de référence après la progression de vos accords. Ben, il va se joindre à nous pour. Une fois que vous avez mis en place une progression d'accords, il est très simple d' ajouter rapidement une base de référence simple. C'est ta chanson. La première chose que vous allez vouloir faire est de créer une nouvelle piste. J'ai déjà choisi la base que je voulais. C'est donc un synthétiseur d'alchimie et je lui ai attribué une note afin de pouvoir le retrouver facilement plus tard. Si je clique sur ce champ. Base lourde foncée. C'est parti. J'ai trouvé que c'était un son très intéressant. Je vais donc vous montrer comment ça sonne. Très sombre, très bas. Maintenant, tout ce que je vais faire pour établir cette base de référence, c'est cliquer sur la progression des accords. Je vais maintenir la touche Option enfoncée. Je vais cliquer et faire glisser le pointeur vers le bas jusqu'à ma piste de course. Maintenant, je ne veux pas que la base joue des accords. Donc, toutes ces notes, je vais m'en débarrasser. Je vais juste laisser les nœuds racines. Donc, si je les mets en évidence et que je supprime les deux derniers. Maintenant, si nous écoutons ces notes de base avec le reste de la chanson, vous remarquerez que la troisième note n' est pas vraiment mordante. Nous n'entendons pas ça entrer. Et c'est parce que dans notre progression d' accords, nous l'avons rendue plus naturelle en superposant ces notes. Et ça marche pour le violoncelle, mais ça ne marche pas sur la base. Je vais donc mettre en évidence ces nœuds. Je vais juste le réduire. Une fois, j'ai laissé un peu d'espace à la fin. Maintenant, nous serons en mesure de les entendre plus clairement. OK, donc en tant que base de référence très simple, ce n'est pas grave, mais essayons de rendre un peu plus intéressant. Je vais donc sélectionner les deuxièmes notes, puis je vais maintenir la touche Shift enfoncée et sélectionner les quatrièmes notes. Maintenant, je vais accéder au menu Édition ici. Ensuite, dans cette liste déroulante, je vais cliquer sur Transposer. Je vais sélectionner plus de 12 demi-tons, donc c'est une octave plus haut. Cela signifie qu'il y aura les mêmes notes mais qu'il y aura une tonalité plus élevée. Maintenant, la base va se déplacer entre ces notes très graves d'une octave plus haute. Et ça va sembler un peu différent, un peu plus intéressant, comme ça. Alors voilà. C'est un moyen très rapide et efficace d'établir une base de référence à partir de votre progression de base. N'oubliez donc pas de copier la progression de vos accords et de la mettre sur la piste de votre instrument de basse. Vous pouvez supprimer les notes en dehors des notes de base, y conserver les notes de base, et cela constituera la base de votre base de référence. Et puis ajoutez quelques variations à ces notes. Vous pouvez ajouter des notes entre les deux. Vous avez donc une ligne de basse ambulante, ou vous pouvez simplement décaler les notes d'une octave vers le haut ou vers le bas, comme nous l'avons fait dans l'exemple. Maintenant, notre chanson commence vraiment à prendre forme. Vous avez une progression d'accords, une mélodie et une base de référence. La prochaine partie que nous allons ajouter concerne les batteries. Je vais vous montrer une façon vraiment amusante ajouter des batteries dans Logic Pro Ten. Je te verrai dans la prochaine leçon. 8. tambours, batterie: Il existe plusieurs options pour créer une piste de batterie dans Logic Pro Ten. Mais dans cette leçon, je vais vous montrer ce que je trouve le moyen le plus amusant et le moins apprécié. Et cela utilise la fonction Drummer. Maintenant, si je le trouve si cool, c'est parce qu'il simule la façon dont vous travailleriez réellement en tant que producteur de musique dans un studio avec un batteur de session. Et je veux dire par là, vous ne seriez pas assis là à dire au batteur exactement quelle au batteur exactement quelle batterie il doit frapper sur quel rythme. Tu essaies de dire à n'importe quel batteur du monde comment jouer de la batterie. Ils ne seront pas très contents de toi. Donc, en toute logique, ce que cela vous offre comme options pour aborder le drame. C'est comme une conversation. Disons que je veux que cette section soit plus complexe ou qu'elle contienne un peu moins de détails. Il vous donne la possibilité de manipuler les tambours et de les faire sonner comme vous le souhaitez sans avoir à programmer chaque dose de drogue. Allons-y et jetons un coup d'œil pour créer un drame. me suffit de créer un nouveau morceau, sélectionner le batteur, de cliquer sur Créer, puis de consulter la bibliothèque. J'ai un ensemble d'informations différent. J'ai quelques genres sur la gauche. Sur la droite de chaque genre, j'ai quelques photos de batteurs différents, et si je passe la souris dessus, j'obtiens une description de leur style. Voici donc Gavin, indie rocker. Et en bas, j'ai différents kits de batterie parmi lesquels je pourrais choisir. Ils sont tous livrés avec leur propre batterie par défaut qui correspond à leur son. Donc, si je prévisualise Gap ici, laissez-moi simplement les sélectionner. Et sur le côté gauche et les montages, il y a différents rythmes que ce drame peut faire. Donc si je veux mieux contrôler cela, je peux utiliser cette grille x-y pour passer du plus fort au plus doux. Et plus complexe et plus simple. Découvrez comment cela change la forme d'onde ici au fur et à mesure que j'ajuste la complexité et le niveau de bruit. Je pourrais changer cette batterie pendant qu'il joue. Je pourrais donc changer pour Manchester, venir ici. Je peux sélectionner les différents éléments que je veux qu'ils jouent et dans quelle mesure je veux qu'il les joue. Revenons au kit de Brooklyn. Sur le côté droit, j'ai ce style ici. C'est le nombre de films qu'il va jouer. Alors, combien de petits rouleaux de batterie fabrique-t-on ? C'est dire que c'est le swing. Alors comme il est jazzy avant ou après les perles qu'il m'a données. Et je peux choisir entre une 16e note ou une huitième note. Si je clique sur Détails en bas, je peux entrer dans les détails sur ce point. Donc, si je veux qu'ils jouent plus ou moins de notes fantômes, je veux qu'ils soient plus enclins à pousser ou à tirer. Et je peux choisir comment il utilise les chapeaux hauts ici. OK, donc une chose très utile ici, c'est que vous êtes peut-être en train de jouer et que vous avez peut-être le son le volume, la douceur et la complexité que vous aimez. Mais ensuite, tu veux changer de batteur. Lorsque vous changez de batteur, ces paramètres sont réinitialisés, mais vous pouvez les modifier ici et les préréglages de rythme. Si je clique dessus, je peux dire de conserver les paramètres lorsque vous changez drame ou de conserver les kits de batterie lorsque vous changez de drame. Je pourrais donc souligner les deux. Maintenant, si je change de drama, je pourrais opter pour un batteur complètement différent. Allons-y pour les morts. Maintenant, il joue toujours le kit de Brooklyn et il joue toujours avec les instructions que j'ai données au drame précédent. Une autre chose intéressante que je peux faire pour modifier le son est d'aller la bibliothèque et de cliquer sur les kits ou une batterie sélectionnée ici dans l'Inspector. Je peux changer les pièces du kit. J'ai le choix entre différentes batteries ou je veux peut-être accorder la caisse claire. J'ai tout ce contrôle sur les kits. Restons-en à ce batteur. Je vais m'en tenir aux décès. Nous allons changer le kit. Je vais opter pour un kit piège qui lui convient mieux. OK, allons en donner un aperçu. OK, donc c'est intéressant, ce que je vais faire ensuite, c'est essayer dans le contexte de cette chanson. Je vais donc fermer la bibliothèque, nous donner plus d'espace. Je vais le déjouer en solo. Je vais faire venir la batterie après l'introduction. Un petit peu aussi. OK, maintenant j'ai quelque chose qui me semble correct. Je vais ajouter une deuxième région. Cette région, notez qu'elle est séparée. Je peux, je peux changer le rythme là-dessus. Je pourrais donc faire en sorte que cela devienne un peu fort et peut-être un peu plus complexe. Je vais augmenter considérablement les remplissages. Et vous pouvez voir dans la chanson que cette section est silencieuse à côté. Je vais donc créer une autre région. Je vais le réduire. Celui-là. Je veux que ce soit beaucoup plus simple et beaucoup plus doux. Mais j'aimerais qu'il y ait une fin importante. Peut-être. Je mets les remplissages, puis je vais maintenir la touche Option enfoncée et faire glisser ce bouton jusqu'à la fin de celui-ci. Maintenant, écoutons-y. En fait, je pense que je veux modifier cette section pour quelque chose de plus substantiellement différent. Je vais donc lui demander d' acheter un autre type de beat. Voyons comment ça sonne. Oui. Vous pouvez donc voir que c' est un moyen très rapide de commencer à assembler des batteries. Et vous avez beaucoup de contrôle sur le son. Je peux dire ce contrôle encore plus loin, car cet instrument, vous le verrez , possède une petite liste déroulante. Et c'est ce que l' on appelle une pile de pistes. Donc, en fait, cette piste est composée de nombreuses pièces différentes. Et je peux modifier chacune de ces parties. Je peux modifier le gain, je peux modifier le solde. Et ici, dans l'Inspecteur, je pourrais ajouter n'importe quel plugin. Je voulais changer le son de chaque partie de cet instrument. C'est donc un outil très puissant pour éditer le son de votre batterie. Nous n'avons pas à nous arrêter là non plus, car si nous sommes satisfaits de ce son de batterie, je peux le convertir en Midea, puis je peux contrôler chaque note individuelle. Pour cela, je vais créer une autre piste. Et je dois mettre des instruments. Ce sera la même , cette trappe. Passons donc à la batterie de la bibliothèque. Jusqu'en bas. On y va. Maintenant, je vais surligner cet audio, et je vais le faire glisser vers le bas sur la piste ci-dessous. Vous verrez maintenant que toutes ces notes ont été converties en midi. J'ai donc le contrôle sur les sons individuels. Donc, si je voulais que cette vitesse soit plus élevée, je pourrais simplement augmenter cette vitesse. Cela me donne donc vraiment contrôle ultime sur ce qui a commencé comme une session dramatique où j' ai eu l'impression de le laisser tomber et de faire son propre truc. En fait, cela m'a fourni un cadre pour changer chaque note, chaque son de cette batterie. C'est un outil très puissant. Si vous utilisez un kit de batterie traditionnel, sachez qu' il ne contient pas de pistes comme le font les boîtes à rythmes. Donc, si je regarde ici, il n'y a pas de liste déroulante me permettant d'ajuster les différentes pièces du kit. Je peux y avoir accès. J'ai juste besoin d'aller au bas de cette liste ici. Et je sélectionne les kits de production. Et vous trouverez tous les mêmes kits de batterie traditionnels, mais avec le plus à la fin. Et cela va charger les kits les plus étendus. Et ici, vous pouvez voir qu'il s' agit d'une pile de pistes et que j'ai le contrôle de chaque élément du kit. Donc, si vous êtes très pointilleux à propos de votre batterie, vous voulez vraiment avoir un contrôle total sur tout. C'est ainsi que vous pouvez y accéder. C'est ainsi que vous pouvez utiliser la fonction drama pour créer le bec de votre chanson, puis la manipuler selon votre goût et la convertir en MIDI afin d' avoir un contrôle encore plus fin. S'il y a quelque chose que vous souhaitez modifier ou ajouter. donc des points essentiels à en tirer. Trouvez le batteur idéal pour votre chanson. Il existe différents drames pour différents genres. Choisissez donc celle qui correspond au type de musique que vous créez. Ou si vous voulez faire quelque chose d'un peu inhabituel, choisissez-en un dans un genre différent, mélangez un peu les choses. N'oubliez pas de créer des régions supplémentaires et de varier les motifs de batterie pour que le son soit réaliste. Un vrai batteur ne joue pas le même rythme, les mêmes battements tout au long d'une chanson. Même si les changements sont subtils, ils ajoutent des intérêts. Cela rend le son de batterie plus réel. Si vous recherchez un contrôle très précis de votre batterie, pensez à convertir votre piste de batterie en MIDI. Une fois que vous avez fini de l' ajuster, vous pouvez utiliser les kits de production pour avoir contrôle ultra précis sur chaque élément des kits, son son et les effets que vous souhaitez y appliquer. Vous avez maintenant tous les principes de base pour créer une chanson. Vous pouvez créer une progression d' accords, mélodies de base à la batterie. Ensuite, nous allons aborder la façon dont vous réunissez ces éléments, comment vous pouvez les mélanger, utiliser les effets, utiliser l'automatisation pour obtenir un son vraiment professionnel. Je te verrai dans la prochaine leçon. 9. mixing: Maintenant que vous avez plusieurs instruments différents dans votre chanson, il est temps de penser au mixage. Maintenant, le mixage peut presque sembler être l'un des arts obscurs. Surtout si vous avez consulté des conseils de production musicale sur Instagram, YouTube ou ailleurs. Mais ce que nous allons faire, c'est vraiment examiner l' essentiel du mixage. Comment faire en sorte que votre chanson sonne bien avec les bons niveaux rapidement et facilement. Nous allons également examiner la planification. agit donc de positionner les instruments dans le mix. Et je vais vous montrer quelques astuces d' automatisation pour que vous puissiez vraiment faire preuve de créativité. Le mixage consiste à obtenir les niveaux de vos pistes ou de vos instruments les uns par rapport aux autres. Mais vous aurez besoin d'une sorte de point de référence pour le niveau global de l'ensemble du mix. Maintenant, si vous regardez l' inspecteur en bas, vous avez des volumètres et deux Thetas. Donc, le côté gauche, vous verrez, c'est le violoncelle, le côté droit est la sortie stéréo. Maintenant, sur les sorties stéréo, ce sera le niveau du mix global. Et je veux que ce soit entre moins trois et moins six dB pour les pics. Maintenant, avoir ce niveau va rendre mon étape de maîtrise beaucoup plus facile. Cela va me donner une certaine marge de manœuvre. Donc, la première chose que je vais faire est de passer aux effets audio ici. Je vais passer au comptage. Et je vais mettre le compteur de niveau sur ma sortie stéréo. Et cela va me montrer les sommets de l' ensemble, de la chanson dans son ensemble. Donc, tant que cela se situe entre moins six et moins trois, c'est bien quand je fais mon mastering. Une fois cela fait, nous pouvons commencer à mixer la chanson. La première chose que je vous recommande de faire est de décider quels instruments ou quelle piste constitueront la partie principale de votre chanson. Alors, quelle partie porte le contenu émotionnel ou le sens ? quoi souhaitez-vous que l' auditeur se concentre ? Et comme ce morceau de musique sert fond à un jeu vidéo, je vais utiliser la progression des accords dans cette chanson, That's the Yellows. J'ai choisi le violoncelle comme contenu principal, mon principal contenu émotionnel pour la chanson et tous les autres morceaux. Je vais construire en fonction de cela afin qu'ils soient relativement au bon niveau. Je vais donc également ajouter un indicateur de niveau à mon violoncelle. C'est donc sur le côté gauche de l'inspecteur. Je vais cliquer en dessous de cette chaîne EQ. Et comme j'utilise un indicateur de niveau juste avant sa sortie récente, je vais ajouter un indicateur de niveau ici pour mes camarades. Maintenant, pour ce qui est de mes instruments principaux, je veux que le pic se situe entre -18 dB moins trois dB, selon le style de musique que vous jouez et l'instrument. Je vais donc écouter ce violoncelle. Le violoncelle est seul et voyez où ils se trouvent sur ce compteur. Vous pouvez voir qu'ils atteignent un pic d'environ moins neuf dB et c'est très bien. Je vais régler les autres morceaux pour essayer de les faire correspondre à celui-ci afin qu'ils sonnent bien par rapport aux jaunes. Alors écoutons-les. Quand les autres instruments commencent à entrer. Tout de suite. Vous pouvez le faire ici, vous n'avez même pas besoin de regarder cet indicateur de niveau. Vous avez probablement remarqué qu' il culmine au-dessus de zéro. Mais vous pouvez entendre que la base est trop bruyante. Je vais donc sélectionner la piste de basse. Et je vais y retourner et écouter. Et pendant que j'écoute, je vais garder un œil sur le volumètre en bas. Et je vais ajuster ce fader pour ajuster le niveau de la base. OK, je pense que c'est bien mieux parce que maintenant je sens que la base est là. Il me manquerait s'il disparaissait. Mais ce n'est pas tant que ça dans ton visage. La base n'est pas la partie principale de cette chanson, donc j'ai juste besoin de sa présence dans le bas de gamme, mais je ne veux pas me submerger. Je vais donc commencer à ajuster les niveaux des autres instruments, commençant par ces applications Staccato. Vous avez probablement remarqué que les opérations étaient un peu bruyantes et que j' ai trouvé que c'était un peu calme. Je les ai donc ajustés en conséquence pour qu'ils s'intègrent parfaitement dans le mix. Maintenant, si nous revenons ici, écoutons et examinons notre indicateur de niveau global pour voir où se situe le pic. Nous pouvons donc voir que cela nous laisse une certaine marge de manœuvre pour le mastering plus tard. Je pense aussi que je voudrais baisser un peu la batterie. Je vais écouter et ajuster la piste de batterie. Notez donc qu'il est recommandé d'écouter la chanson en entier tout en gardant les yeux rivés sur le volumètre. N'essayez pas de le régler uniquement avec les yeux ou les oreilles, utilisez ces deux sens. Et vous avez probablement vu des tableaux de référence en ligne vous indiquant que votre batterie doit mesurer un certain nombre de dB et que la voix doit être un autre chiffre. Et ton piège est celui-ci et n'importe quoi d'autre. Maintenant, ce sont des points de départ acceptables, souvenez-vous que les différents genres auront des sons différents. Votre chanson doit sonner comme la vôtre. Identifiez donc l' instrument principal, la piste principale, réglez le niveau entre moins trois et -18 dB en fonction de ce qui, selon vous, sonne le mieux. Ensuite, configurez les autres pistes pour qu'elles correspondent. De cette façon, vous allez créer votre morceau de musique unique aux bons niveaux. Une fois que vous avez atteint à peu près les niveaux souhaités, vous pouvez commencer à jouer avec l'équilibre ou le panoramique. C'est la distance à laquelle un instrument donné sonne à gauche ou à droite. Vous pouvez contrôler cela avec ce style ici. Vous pouvez le déplacer vers la gauche et vers la droite. Donc si je joue ça dès le début, je peux déplacer le violoncelle. Si vous cliquez avec le bouton droit sur cette commande, vous pouvez modifier le type de balance en stéréo panoramique, ce qui vous donnera une sensation stéréo plus large. version la plus amusante, je pense que le réglage le plus amusant pour l'équilibre est de sélectionner un panneau binomial. Et cela change la commande en un petit écran radar. Si vous double-cliquez dessus, cette commande s'affichera. Cela vous permet désormais de choisir la distance dans laquelle une piste va sonner et sa largeur . Donc, si je rejoue et que je commence à le manipuler, vous verrez que cela vous donne un énorme contrôle sur la directionnalité, la largeur du son pour chaque piste. Et si vous voulez changer le volume tout au long de la chanson ? Vous voulez que le niveau de votre défi augmente et baisse. Ou vous souhaitez modifier la directionnalité, le panoramique de l'un de vos morceaux. Vous pouvez le faire en utilisant l'automatisation. Et vous pouvez accéder à l'automatisation en appuyant sur la touche A du clavier de votre ordinateur. Et cela changera votre point de vue à ce sujet. Dans la vue automatique, un menu déroulant vous permet de sélectionner le paramètre que vous souhaitez modifier au fur et à mesure que le morceau joue. Donc, par exemple, disons que je veux que cette base change. Ils sont donc dans cette section de la chanson où il n'y a que les applications, la basse et la batterie. Je veux que la base soit plus forte. Je clique dans cette zone. Maintenant, j'ai une ligne indiquant mon niveau. Je peux cliquer pour gagner des points, mais je peux les faire glisser vers le haut et vers le bas pour changer de niveau. Maintenant, une meilleure façon de le faire, pour modifier l'ensemble de votre section, est de maintenir la touche Commande enfoncée. Sélectionnez une région. Et maintenant je peux cliquer dessus et le faire glisser vers le haut. Et maintenant, cela va augmenter la base juste dans cette section, comme celle-ci. Et une chose créative vraiment amusante que vous pouvez faire est combiner l'automatisation avec le panoramique binomial. Si je choisis cette ligne directrice ici. Et si je change le modèle équilibré en modèle binaural, je double-clique dessus. Maintenant, pour ce qui est de l'automatisation plutôt que du volume, je vais passer au mode principal et choisir l'angle binaural. C'est l'angle d' où provient le son. Ce que je peux faire, c'est créer des points ici pour automatiser. Ensuite, je pourrai les déplacer et cela changera automatiquement l'angle. Le panel. Je les déplace simplement, par exemple , et maintenant écoutons cette section. Vous pouvez donc utiliser l'automatisation combinée au panoramique et au volume pour obtenir des effets vraiment créatifs et sympas. Ce sont donc vraiment les éléments essentiels pour obtenir un bon mix. Et je ne saurais trop insister, l'essentiel est d'identifier les instruments ou les morceaux qui constituent le principal contenu émotionnel de votre chanson, c'est-à-dire la partie que vous souhaitez mettre en avant. Et puis construire le reste de la chanson autour de cette pièce. Définissez les principaux éléments de votre chanson. Quels instruments ou quelle chanson sont porteurs du principal contenu émotionnel ? Concentrez-vous d'abord là-dessus, puis réglez les niveaux des autres pistes qui l'entourent en conséquence. N'oubliez pas d'utiliser le panoramique afin que différents instruments puissent occuper différents espaces dans le mixage stéréo. Et n'oubliez pas d'utiliser l'automatisation pouvoir modifier les niveaux tout au long de la chanson. Ou vous pourriez même changer la position des différents instruments dans le mix. C'est très rare dans les cercles de production musicale d'entendre parler de mixage. Sans parler de mastering, ces mots semblent toujours aller de pair. Mais les différentes étapes du processus. Dans les prochaines leçons, nous verrons comment vous pouvez maîtriser vos morceaux rapidement et facilement pour leur donner un comment vous pouvez maîtriser vos morceaux rapidement et son professionnel. Et nous allons également examiner certains effets que vous pourriez utiliser pour vraiment dynamiser vos chansons. 10. Réverbe: Avant de passer à l'étape du mastering, il existe un ou deux plugins ou effets qui, je pense, vous seront utiles. L'une d'elles est la réverbération. La réverbération vous entoure tout le temps. Ce sont les reflets des sons que vous entendez. Par exemple pensez à la façon dont la voix d'une personne sonne dans une salle de réunion par rapport à celle d'une église ou d'une grande salle La qualité sonore est différente et cela est dû à la réverbération. Désormais, la réverbération indique l'espace à vos oreilles ou à votre cerveau. C'est un son, comme si vous pouviez l' utiliser logiquement pour donner à un instrument son propre espace, le faire ressortir d' un mix ou pour créer quelque chose de créatif. Vous pouvez voir ici que j'ai une simple piste de piano dans un projet. Et la première chose à remarquer, c'est que chez l'inspecteur, il y a ces deux bus. Cela signifie que ce morceau envoie tout ce qui est joué sur deux pistes distinctes qui ont chacune des effets sur elles. Si je clique sur celui-ci, vous verrez qu'il possède un Space Designer, qui est une sorte de réverbération. Et je suis le patron pour ce qui a un chromosome déjà doté d'une réverbération. Parce que la plupart des instruments de Logic ont leur propre réverbération. Le synthétiseur Alchemy possède également son propre bouton de réverbération sur l'interface. Donc, la première chose que je vais faire est d' éteindre ces bus parce que nous allons faire la réverbération nous-mêmes afin pouvoir découvrir comment fonctionne ChromaVerb. Donc pour ajouter une réverbération, il me suffit de me rendre en dessous de ces plugins, en cliquant sur le bouton espace, puis descendant vers la réverbération. Je vais choisir ChromaVerb et stéréo. Et voici le paramètre par défaut de ChromaVerb. Si j'appuie sur Play et que j'active et désactive cet effet, vous entendrez ce qu'il fait. Et vous pouvez accéder à différents préréglages dans ce menu supérieur. s'agit d'un menu rapide, mais il ne changera pas la courbe d'égalisation que vous voyez. Il est préférable d' y accéder via ce menu. Comme ça, tu pourrais y aller, tu peux dire « je veux tenir », « je veux une salle de concert avec piano ». Et cela change également cet égaliseur représenter l'espace dans lequel il est censé sonner. Donc, si j'appuie sur Play now, vous entendrez le son d'une salle de concert. Et en bas, il y a une représentation graphique. Vous pouvez donc voir chacun de ces petits points. C'est comme un reflet de cet espace. Et vous pouvez voir la fréquence, eh bien, elle se reflète. Donc, si je veux réduire le bas de gamme, je peux simplement cliquer dessus. Vous pouvez personnaliser davantage les préréglages à l'aide des commandes situées en bas. L'attaque portera donc sur la rapidité avec laquelle le volume ou la densité s'accumuleront. La taille représente les dimensions de l'espace que vous simulez. La densité indique le nombre de reflets qui reviennent. La désintégration correspond à la rapidité ou la lenteur avec laquelle le son réfléchi disparaît. La distance est la distance à laquelle vos oreilles sont censées se trouver par rapport à la source sonore , dans ce cas le piano . Et sur le côté droit, le sec et le mouillé. Il s'agit des niveaux du signal sec et humide. Le signal sec est donc sans réverbération et le signal humide est avec la réverbération. Et vous pouvez ajuster les proportions de celles-ci pour obtenir un effet plus subtil. Ici, le pré-délai représente le délai entre le son original et la réapparition des premiers reflets. Si vous cliquez sur ce petit bouton de note de musique, vous synchroniserez le pré-delay avec le tempo de votre morceau. Ainsi, vous pouvez choisir une valeur de longueur de note, durée en conséquence. Et puis il en va de même pour la décadence. Si je clique sur ce bouton, le déclin sera synchronisé avec la vitesse, avec le rythme de mon âme. La fonction de congélation en bas de page est très intéressante. Si vous appuyez sur le bouton Freeze, peu importe ce que vous remarquez en train de jouer ou que le code est en cours de lecture à ce moment-là, nous serons reflétés à l'infini. Je vais donc vous montrer à quel point c'est difficile à expliquer. De cette façon, vous pouvez conserver la réverbération d' un son et créer un bourdon sous la musique. Très bien pour les morceaux d'ambiance. Lorsque vous utilisez la réverbération pour placer une piste dans le mix, gardez à l'esprit que plus vous avez de réverbération sur une piste, plus elle recule dans le mix, comme si elle était plus éloignée. Donc, les instruments que vous voulez être plus directs , comme vos lignes principales, devraient probablement avoir une réverbération plus subtile, tandis que vos pads et votre accompagnement, votre section de cordes. Si vous ajoutez plus de réverbération à cela, cela peut donner l'impression que c'est plus en arrière-plan. C'est donc une bonne règle de base pour positionner les instruments dans votre mix. Faites avancer les choses en utilisant simplement une réverbération subtile, une très légère réverbération d'ambiance. Et vous êtes plutôt des couleurs de fond épiques. Vous les avez en arrière-plan en leur donnant plus de réverbération. Lorsque vous essayez simplement d'ajouter une petite réverbération subtile pour faire ressortir un instrument . Une très bonne chose à faire est de prévisualiser la réverbération, puis de désactiver lentement le signal humide jusqu'à ce que vous ne remarquiez que la réverbération ici, cette réverbération. Maintenant, c'est une réverbération vraiment très subtile. Cela va aider son piano à sortir du mix. Si je désactive ça pour voir la légère différence. Vous pouvez donc voir que ChromaVerb est un outil très puissant et polyvalent à utiliser dans vos mixages. Voici donc quelques points à retenir. De nombreux instruments logiques, voire la plupart d'entre eux, sont déjà soumis à une sorte de réverbération, généralement sur un bus et généralement sous la forme d'un concepteur d'espace. Vous pouvez modifier cela avant d'ajouter une autre réverbération ou de la désactiver complètement. réverbération peut être utilisée pour aider un instrument à sortir du mix. Si vous l'utilisez de cette façon, utilisez-le de manière subtile. Moins c'est certainement plus Dans ce cas, la réverbération sur les basses fréquences peut rendre votre mix boueux. Cela signifie que votre chanson peut sembler floue, comme si elle était noyée dans toutes ces basses fréquences réverbérantes. Utilisez l'égaliseur de ChromaVerb pour essayer d'apprivoiser une partie du bas de gamme. Maintenant que vous connaissez ChromaVerb, je vous encourage à le mettre sur une piste, à explorer les préréglages, puis à modifier les paramètres à votre guise. N'oubliez pas qu'il vaut mieux laisser ces énormes réverbérations spatiales à des styles de musique plus ambiants. Je te verrai dans la prochaine leçon. 11. EQ: Le Dq, ou égalisation, est une autre de ces choses qui tend à intimider les gens. Mais ce n'est pas si compliqué que ça. Il s'agit simplement d'appliquer un gain à des fréquences particulières. Augmentez donc certaines fréquences ou réduisez certaines fréquences pour façonner le son global. Il peut être appliqué à des instruments ou à des pistes individuels, ou il peut être appliqué sur l'ensemble du mix. Dans cette leçon, nous allons passer directement à l' égaliseur, et je vais vous montrer comment contrôler les différents paramètres. Pour ajouter un égaliseur pour attirer, vous devez passer à l'inspecteur, passer aux effets audio, puis passer à l'égaliseur et à l' égaliseur stéréo des canaux. Et cela fera apparaître cette fenêtre EQ ici. Cette fenêtre EQ vous montre une ligne qui représente les fréquences de l'audition humaine. Donc, de 20 Hz dans les basses à 20 000 Hz. Maintenant, dans la vraie vie, vous ne pouvez pas réellement entendre 20 000 Hz. Et 20 Hz, c'est quelque chose que vous êtes plus susceptible de ressentir qu'ici. Mais toutes ces fréquences sont représentées parce qu'elles sont importantes Même si vous ne les entendez pas, elles interagissent les unes avec les autres. Comme il est utile de les contrôler, l'égaliseur du canal est divisé en différentes bandes. Vous avez donc tous ces différents symboles représentant les différentes zones, comme la sous-base, la base, les médiums graves, les médicaments, puis vos fréquences les plus élevées. Vous pouvez activer ou désactiver le contrôle des différents groupes en cliquant sur ces symboles haut. Désormais, nous pourrons voir tout ce que nous jouons sur ce morceau. Nous devons voir les fréquences sur cet analyseur. Vous pouvez donc voir que même une seule note est composée d'une seule fréquence. Il s'agit d'un ensemble de fréquences différentes agissant ensemble. C'est pourquoi l'égalisation est importante, car les sons sont composés de groupes de fréquences ou d' harmoniques qui interagissent et de fréquences ou d' harmoniques qui interagissent la façon dont le week-end les contrôle, soit en les amplifiant, soit en les diminuant, va façonner la tonalité d'un son. Ainsi, pour régler l'égaliseur, n'importe laquelle de ces bandes que vous survolez s'allumera et vous pourrez voir une gamme de fréquences qui seront affectées si vous faites glisser la souris vers le haut ou vers le bas. Donc, si je clique et que je fais glisser celui-ci vers le haut, vous pouvez voir que j'augmente ces fréquences entre environ 1 kHz et un peu moins de 6 kHz. Mais si je voulais, les interdictions auraient été plus étroites. Je pourrais mettre deux doigts sur le trackpad et le faire glisser vers le bas pour réduire cette bande. Et si je veux qu'il soit plus large, j'utilise deux doigts et je le fais glisser vers le haut. En règle générale, lorsque vous augmentez les fréquences, vous augmentez sur une plage plus large. Et lorsque vous coupez des fréquences, comme dans les médiums graves ici, vous êtes plus susceptible de couper une bande étroite de fréquences. C'est ce qu'on appelle un égaliseur chirurgical. Et vous constaterez que les gens le font souvent dans les médiums inférieurs pour réduire le mod N MIX. N'oubliez pas que de nombreux instruments de Logic Pro Ten sont déjà dotés d'un égaliseur. Donc, si je sélectionne ces chaînes modernes ici, vous pouvez voir une miniature dans l'inspecteur. Et cela vous donne un aperçu de l'égaliseur déjà appliqué. Si je change cela des chaînes modernes à un autre type de chaînes. Passons aux cordes romaines. Vous verrez que l'EQ change. Il possède déjà un égaliseur différent. Et vous pouvez également accéder aux préréglages pour différents instruments dans la liste déroulante des préréglages pour la batterie, les claviers, la guitare, et vous trouverez également des outils d' égalisation de maîtrise en bas. Celui que je trouve très utile en tant que guitariste est celui de la guitare, il possède un égaliseur de guitare propre. Donc, si j'enregistre ma guitare en logique, il y a ce bit ici, qui réduit les basses fréquences en dessous de 60 Hz environ. Il s'agit donc de se débarrasser du bourdonnement à 60 cycles que produisent les micros de guitare. Voici donc un exemple de la façon dont vous pourriez commencer à égaliser une chanson entière. Il s'agit donc d'une chanson d'un groupe qui s'appelle The North Dimension pour laquelle je suis en train de faire du mastering. Je vous recommande vivement d' aller les consulter sur Spotify ou Apple, où que vous les écoutiez. Ce morceau s'appelle Bloom. Et si je joue d'ici, tu auras une idée du type de son que le genre a connu. Donc, il y a ce AT vraiment cool qui va simplement ajouter un égaliseur rapidement en cliquant sur cette miniature spatiale stéréo. OK, il y a donc deux étapes que vous pourriez franchir sur une piste comme celle-ci. Le premier est l'égalisation corrective. Supprimez donc les fréquences ou les sons, ou réduisez les sons que vous n'aimez pas. Ensuite, l'étape suivante consistera à adoucir l'égaliseur, c'est-à-dire à augmenter les fréquences ou les zones dans lesquelles vous aimez le son. Donc, dans le cas de ce morceau, j'ai l'impression qu'il se passe beaucoup dans les médiums graves, que la base est très lourde de basses et que le son est un peu boueux. Mais j'aime beaucoup ces touches et les carillons de synthé fantomatiques qui sonnent et sonnent davantage en haut de gamme. J'appliquais donc un égaliseur correctif essayant de découper quelques encoches au milieu, près de la base. Et puis j'augmenterais légèrement le haut de gamme. Donc quelque chose comme ça. Je vais appuyer sur Play et je vais commencer à manipuler l'égaliseur pour que vous puissiez voir ce que je pourrais faire. Vous pouvez donc voir que ce n'est pas une courbe très radicale, mais c'est une différence subtile qui réduit en quelque sorte l'encombrement. Et ça fait ressortir les éléments de la chanson que j'ai aimés. Je l'active et la désactive pour que vous puissiez voir la différence. Quand tu fais un EQ comme celui-ci. est très important de se rappeler que si vous avez impression qu'un certain son manque dans un mixage, disons que vous voulez plus de haut de gamme, vous voulez qu'une plus grande partie des hautes fréquences transparaisse. Parfois, il ne s'agit pas simplement d'augmenter ce haut de gamme, mais de le retirer du spectre. C'est donc une bonne pratique de toujours réduire les dépenses avant de donner un coup de pouce. Il est beaucoup plus facile de commencer à supprimer des fréquences. Vous pouvez donc écouter ce qui reste lieu d'essayer de vous booster partout. simple fait de tout augmenter a beaucoup plus de chances de vous donner un mix vraiment compliqué. Vous pouvez donc voir que l'utilisation de l'égaliseur est un excellent moyen de vraiment contrôler vos sons. Quelques points clés pour les retenir. Les instruments Logic ont souvent déjà un égaliseur et les préréglages sont très utiles. Utilisez-les comme point de départ. En règle générale, lorsque vous coupez des fréquences, vous devez être plus étroite avec la bande de l'égaliseur. Et lorsque vous augmentez les fréquences, vous pouvez être un peu plus large. Et lorsque vous utilisez EQ, essayez d'avoir un objectif clair en tête, qu' essayez-vous d'atteindre ? Vous essayez donc de rendre un mix moins boueux alors que vous essayez de faire une caisse claire vraiment HIT. Ayez toujours un objectif pour utiliser EQ. Ne vous contentez pas de l'appliquer parce que beaucoup de gens en parlent. Si vous êtes un passionné de physique comme moi, vous trouverez que l'égalisation un sujet vraiment fascinant et est un sujet vraiment fascinant et amusant à expérimenter. Mais vous pouvez utiliser le document que j'ai fourni pour vous aider à démarrer. Dans la prochaine leçon, nous aborderons un autre de ces sujets intimidants, à savoir les compresseurs. Je t'y verrai. 12. compresseurs: Il existe des tonnes de compresseurs différents, tous dotés de configurations différentes applicables à différents genres de musique. Mais dans cette leçon, je vais vous montrer un réglage fourre-tout pour l'une des compresses de Logic Seven. C'est un moyen que vous pouvez utiliser pour coller, vous allez mélanger pour obtenir un son vraiment professionnel. Commençons par une brève explication de ce qu'est la compression. Pour le démystifier un peu. Un compresseur ne fait que capter les pointes de votre forme d'onde dans votre mix, ce qui réduit le jeu. En attendant, cela peut augmenter le gain sur les parties inférieures du mix. Ces pics situés en haut de cette forme d'onde sont donc abaissés. Et ces creux, les parties inférieures, sont amplifiés, ce qui rend votre forme d'onde moins dynamique ou plus compressée. Et c'est un bon moyen de rendre votre mixage plus collé, si vous le souhaitez. Cela donne l'impression que tous les instruments jouent ensemble. Ajoutons donc un compresseur à la sortie stéréo. Je vais aller voir l' inspecteur des effets audio. Je vais passer à la dynamique, au compresseur et à la stéréo. Et ici, nous verrons que nous avons la fenêtre du compresseur. Vous remarquerez maintenant qu'il y en a sept parmi lesquels choisir en haut. Et c'est parce que chacun d'entre eux est un, c'est comme une simulation d'un véritable compresseur matériel. Parce que la veille, les utilisateurs utilisaient des compresseurs matériels, comme Logic Pro . Chacun d'entre eux représente donc une simulation d'un véritable compresseur matériel. Ils ont tous des sons légèrement différents et certains d'entre eux ont des commandes légèrement différentes. Mais celui sur lequel nous allons nous concentrer aujourd'hui est le Vintage VCA. Et la raison en est que celui-ci n'est pas un compresseur transparent. Cela ajoute un certain son, une certaine chaleur, et beaucoup de producteurs de musique apprécient le compresseur, ils ont l'impression que cela ajoute une certaine musicalité au mix. La première chose que je vais faire avec la configuration du compresseur est de désactiver le gain automatique et de désactiver l'attaque et le relâchement automatiques. Je vais donc appuyer sur ce bouton ici et aussi sur celui-ci. La prochaine chose que je veux faire est assurer que le gain d'entrée ici gauche et le gain de sortie à droite affichent le même niveau. Parce que l'une des choses à propos de nos oreilles, c'est que nous percevons que les sons plus forts sonnent mieux. Et lorsque vous avez un plugin d'effets la plupart du temps, cela ajoute un petit gain et vous avez l' impression qu'il améliore le son alors qu'il améliore le son alors en fait vous n'entendez qu'un petit peu plus fort. Donc, en nous assurant que l'entrée et sortie gagnent un niveau , nous savons que tout changement dans notre perception de la qualité du son est dû la compression et non à une augmentation du jeu. Je vais appuyer sur Play et les comparer pour gagner des mètres. Nous allons voir si c'est le bon niveau. OK, ils correspondent à peu près. Je peux donc me contenter peaufiner les paramètres de ce compresseur. Jetons donc un coup d'œil à ces cadrans et à ce qu'ils font. seuil supérieur est le niveau auquel le compresseur va commencer à agir. Et le ratio est la quantité de compression qui sera appliquée une fois qu'il commencera à agir. Ces deux cadrans fonctionnent ensemble. Un seuil bas et un ratio élevé se traduiraient par une très forte compression. Et ce n'est pas ce que nous recherchons lorsque nous essayons de coller le mélange. Ici, sur la droite, vous verrez le cadran de maquillage. Maintenant que la compression réduit le volume global, le gain de votre signal en comprimant ces points élevés, vous allez obtenir une réduction du gain. Le cadran de maquillage vous permet de réintroduire le gain dans le signal compressé. Le genou en bas à gauche indique à quel point la transition entre le comprimé et le décompressé sera fluide. Et puis ces deux-là, attaquer et relâcher, très importants pour obtenir le son correct de votre compression. L'attaque est la rapidité avec laquelle le compresseur va commencer à réduire ces pics une fois qu'il est déclenché. Et le relâchement est la vitesse à laquelle il va relâcher le signal et lui permettre de se décompresser. Ces deux fonctionnent également en étroite collaboration pour ajuster le son. Donc, généralement, lorsque je commence à compresser, je fixe le seuil à 30. J'ai un ratio de deux pour un. Je vais laisser le maquillage à zéro pour le moment. Je vais en prendre une chouette. L'attaque que je vais faire passer à 20 millisecondes. Et à la sortie, je vais composer jusqu'à 100. Maintenant écoutons ça, je vais allumer et éteindre le compresseur et nous verrons à quoi cela ressemble. Maintenant, la prochaine chose que je veux faire est d' ajuster cette version. Et un très bon moyen d'y parvenir est diviser 60 000 par le tempo de vos chansons, vous aurez une idée approximative de l' heure à laquelle vous devriez sortir. Donc 60000/120, qui est mon tempo, est de 500. Je vais donc le réduire à un peu plus de 500 pour obtenir la bonne sortie. Ensuite, pendant que j'écoute, je vais ajuster l'attaque pour essayer de modifier les sons et de trouver un équilibre entre attaque et relâchement. Et je ne vais pas continuer à peaufiner les différents paramètres tant que je ne suis pas satisfait de la compression. Alors, comment savoir si votre compression est correcte ? Eh bien, en fait, tout dépend de vos goûts et préférences personnels. Mais en règle générale, lorsque vous appliquez une compression au mix complet, vous devriez ressentir la compression plus que vous ne devriez l'entendre. Vous ne voulez pas que vos compressions modifient radicalement le son de votre mix. Vous voulez simplement qu'il ajoute un peu d' éclat à votre résultat final. C'est donc un excellent point de départ pour définir vos paramètres de compression. Et vous pouvez modifier ces paramètres à votre goût et en fonction du style de musique que vous créez. Voici donc quelques points clés à retenir de cette leçon. Encore une fois, de nombreux instruments de Logic et de nombreux instruments tiers sont déjà équipés d'un compresseur intégré Il n'est donc peut-être pas nécessaire d'en ajouter un supplémentaire sur la piste d' instruments. Vérifiez ceci avant de commencer à ajouter de la compression. Un excellent point de départ pour toutes les logiques, les compresseurs sont un ratio de deux pour un, un seuil fixé autour de -30, ni de un, une attaque de 20 et une libération de 100. Et n'oubliez pas de faire correspondre le gain d'entrée et de sortie. Et peut-être plus important encore, n'oubliez pas d'appuyer sur votre musique. Si vous utilisez trop de compression, vous perdrez la dynamique de votre chanson. La prochaine fois, nous examinerons une chaîne de mastering très simple. Et je vais vous montrer comment vous pouvez sortir votre chanson de la logique et la partager avec le reste du monde. 13. Maîtrise: Donc tu y es presque arrivée. Vous êtes sur le point d' avoir terminé votre propre chanson. Et cette étape, c'est le mastering. Mais avant de plonger dans le vif du sujet, il y a quelques points qui méritent d'être mentionnés. Le premier est le mélange et maîtrise de différentes disciplines de l'industrie musicale. Ces deux tâches sont effectuées par différents types d'ingénieurs. Maintenant, lorsque vous créez votre propre musique, vous finirez probablement par faire ces deux choses vous-même. Et lorsque c'est le cas, il est important de séparer ces deux étapes. Assurez-vous donc que vous êtes satisfait votre mix fini avant de passer au mastering. L'autre point à noter est que vous devriez faire une pause toutes les 20 à 30 minutes pendant le mastering pour écouter une ou deux pistes de référence. Les titres de référence ne sont que des chansons du même genre que celui que vous écrivez. De cette façon, vos oreilles peuvent être réglées de manière à ce que, lorsque vous des décisions créatives concernant le son de votre chanson, le son soit correct pour le genre qui correspond à ces éléments . Plongeons-nous dans le vif du sujet. Nous sommes donc en train de maîtriser le track bloom by the North Dimension. Et vous remarquerez que sur mon bus Stereo Out, je dois déjà modifier le style. Ensuite, j'ai le Channel EQ, qui est l'égaliseur que nous regardions auparavant. Et j'ai un compresseur ici. J'ai donc le Vintage VCA, que j'utilise pour essayer de coller ces sons ensemble. Et il est important de noter que les effets que vous insérez ici, les plugins que vous insérez sur la chaîne vont modifier le son de haut en bas. L'ordre dans lequel vous placez vos effets va donc faire la différence. Maintenant, les gens se disputent pour savoir s'ils veulent que l'égaliseur soit avant le compresseur ou l' inverse. Parfois, les gens utilisent plus d'un égaliseur et tout dépend vraiment du goût. Mais j'ai d'abord mon égaliseur , puis je comprime ensuite. Le prochain composant que je vais ajouter à notre chaîne de mastering est facultatif. Mais je pense qu'il est très utile de connaître la diffusion stéréo. Je vais donc cliquer sous le compresseur. Je vais passer à l'imagerie, à la diffusion stéréo et cliquer sur la chaîne stéréo. Et cela fera apparaître ce paramètre par défaut. Maintenant, cela permet de distribuer les bandes, bandes de fréquences de votre piste vers les canaux gauche et droit, afin d'améliorer votre champ stéréo. Ce réglage par défaut est trop extrême pour ce que nous recherchons pour le mastering de ce morceau Nous voulons juste une amélioration subtile, mais je vais passer au morceau suivant et appuyer sur Play pour que vous puissiez entendre quoi cet effet se fait sentir. Donc, si j'avance dans la chanson et que j'appuie sur Play, vous remarquerez à quel point cela améliore réellement le champ stéréo de votre morceau. Mais comme je l'ai dit, je ne veux pas que ce soit aussi extrême. Je vais donc utiliser les préréglages. Je vais passer à diffusion des hautes fréquences légères parce que je ne veux pas que les basses fréquences se répandent trop. Le bas de gamme va donner l'impression que tout est trop boueux. ne s'agit donc que d'une légère diffusion des hautes fréquences et je vais la réduire un peu plus. Je vais donc appuyer à nouveau sur Play. Et je vais juste réduire cela et peut-être modifier légèrement les fréquences . Ainsi, en utilisant une quantité très subtile d'effets de diffusion stéréo, vous pouvez améliorer votre chanson et lui donner un peu d'éclat supplémentaire. Nous utilisons donc un égaliseur pour façonner notre son. Nous utilisons un compresseur pour coller les objets ensemble. Et nous utilisons la diffusion stéréo pour améliorer le champ stéréo. Nous allons maintenant ajouter deux composants à notre chaîne pour nous assurer que le volume de notre chanson est correct. Tout d'abord, nous allons ajouter un limiteur adaptatif. Donc, en dessous de Spread, je vais passer au limiteur adaptatif dynamique, stéréo. Et en dessous, je vais ajouter un sonomètre. Et c'est en comptage, en sonomètre. Maintenant, j'ai deux composants qui vont m'aider à faire en sorte que notre chanson soit suffisamment forte, mais pas trop forte. Le limiteur va faire en sorte que notre chanson ne dépasse pas un certain niveau. Et nous pouvons l'utiliser pour empêcher l' introduction de distorsions. Pour être plus précis, je vais activer la détection des pics réels. Il cherche donc à atteindre le sommet de lui-même. Je vais double-cliquer sur le plafond et entrer -0,97. Cela va nous donner un plafond juste en dessous de zéro dB. Et sur le côté gauche, vous verrez que nous avons encore un compteur ici, donc nous pouvons introduire peu de gain pour augmenter le niveau de notre chanson, de notre chanson. Assurez-vous donc que le volume sonore est correct. Mais quelle est la bonne intensité sonore ? Eh bien, c'est pourquoi nous avons un sonomètre ici, sur le côté droit. Désormais, l'intensité sonore est mesurée dans une unité différente de celle mesurée en L UFS. Et cela nous indique à quel point notre chanson est forte au fil du temps. Donc, pas seulement les pics, les parties les plus bruyantes de notre chanson, mais aussi le niveau de volume que nous ressentons en fonction de l'accumulation de volume. Maintenant, l'une des meilleures façons d' entamer une discussion en ligne à propos de l' intensité sonore est de demander combien de L UFS vous devez maîtriser, car de nombreux producteurs vous diront de maîtriser jusqu'à -14. Et s'ils vous le disent, c'est parce que plateformes de streaming musical comme Spotify et Apple Music refuseront tout ce qui est plus fort que -14, notre UFS. Mais un ingénieur de mastering professionnel vous dira que les choses doivent être maîtrisées deux moins neuf L UFS. Alors, que devriez-vous choisir ? Eh bien, ne t'inquiète pas trop à ce sujet. Si vous maîtrisez jusqu'à -14 UFS et que vous mettez ensuite votre chanson sur Spotify ou Apple Music, le son sera parfait. Si vous craignez que votre chanson passe à la radio et soit plus silencieuse que la chanson qui a précédée ou qui vient après, alors oui, vous pouvez masquer les deux moins neuf UFS, mais n'importe où entre ces deux valeurs, tout ira bien. Pour utiliser le sonomètre. Vous appuyez sur le bouton de démarrage en bas. Et puis tu joues ta chanson du début à la fin. Et vous remarquerez que sur le côté droit, il s'agit de la valeur qui vous donnera l'intensité moyenne globale de votre chanson en EFS. Ce sera donc , espérons-le, d'ici la fin de votre course, le -14 ou moins neuf, selon le but que vous visez. Si vous trouvez que votre morceau est trop fort, vous pouvez annuler le jeu sur le limiteur. Et si vous trouvez que votre morceau est trop calme dans l'ensemble, vous pouvez améliorer le jeu ici. Vous constaterez probablement que vous devez écouter le morceau et ajuster votre jeu plusieurs fois jusqu'à ce que vous atteigniez le volume souhaité. Une fois que vous êtes satisfait du volume et tout le reste et que vous maîtrisez la chaîne, il est temps de sortir votre chanson il est temps de sortir votre chanson de la logique et de la partager avec les autres. Pour ce faire, vous devez effectuer ce que l'on appelle un rebond. Pour afficher le menu de balance, appuyez sur les touches Commande et B. Ces options s'affichent. Je recommande d'exporter sous forme de fichier WAV car cela sera de meilleure qualité. Mais si vous cochez cette case, vous pouvez également le partager au format MP3. Dans les paramètres ci-dessous, conservez le mode en temps réel. Cela signifie que votre morceau fera rebondir en temps réel pendant que vous l'écouterez. Et cela peut aider à éviter toute erreur MIDI due à des problèmes informatiques. Et pour la normalisation, choisissez uniquement la protection contre les surcharges ou désactivez-la. Parce que si vous l'activez, cela va introduire une certaine compression dans votre chanson. Et vous avez déjà activé la compression vous-même. Lorsque vous êtes satisfait de ces paramètres, si vous cliquez sur OK, il vous sera demandé de sélectionner la destination vers laquelle vous souhaitez renvoyer ces pistes, puis elles seront prêtes à être partagées avec le monde entier. Si vous travaillez sur un projet où de nombreuses pistes sont visibles et pas une seule piste de mixage comme je travaille ici. Ensuite, il est utile d'ajouter la piste stéréo à la vue, puis de suivre vos limites à partir de là. Appuyez donc sur la commande Shift et m, et la sortie stéréo sera ajoutée. Et maintenant, lorsque vous sélectionnez cette piste et que vous appuyez sur Commande et B, c'est la piste sur laquelle vous allez rebondir et vous pouvez vous assurer de tout capturer pour raccourcir le projet. Si vous effectuez un zoom arrière ici, une poignée se trouve sur le côté droit, puis vous pouvez la faire glisser pour sélectionner le nombre de projets que vous souhaitez faire rebondir. Si votre chanson possède une longue queue de réverbération, il peut être intéressant de cocher cette option pour inclure la queue audio. Ainsi, lorsque vous rebondissez, cela ne mettra pas fin à la fin. Une autre façon de procéder serait de sélectionner votre sortie stéréo, appuyer sur a pour l'automatisation, de cliquer sur le volume. Et puis ici, je peux choisir un point et ajouter mes propres fondues manuellement à la place. Vous pouvez utiliser cette chaîne de mastering simple pour vous aider à démarrer et à donner à votre chanson un son professionnel. Et puis, plus tard, vous pourrez essayer d' utiliser d'autres plug-ins. Donc, quelques points clés à retenir. N'oubliez pas de séparer vos étapes de mixage et de mastering. Utilisez des références pour vous assurer que vos oreilles sont bien connectées. Lorsque vous utilisez des plug-ins tels que des égaliseurs ou des compresseurs, utilisez-les dans un but précis. Ne les incluez pas simplement parce que vous avez l'impression d'en avoir deux. Enfin, et c'est peut-être le plus important, trouvez les bons niveaux. Assurez-vous que votre chanson n'est ni trop forte ni trop faible. Ensuite, il y a le projet. Tu vas écrire le code, mixer un master, ta propre chanson. Chaque fois que tu seras prête. Je t'y verrai. 14. PROJET: Tu as fait tout ce chemin jusqu'ici. Merci beaucoup d'avoir suivi mon cours et félicitations pour l'avoir terminé. Il est maintenant temps de mettre en pratique ce que vous avez appris. tâche de votre projet est assez simple. Produisez un morceau de musique complet à l'aide de Logic Pro Tem. Maintenant, il y a de fortes chances que vous ayez fait de la musique en suivant ce cours. Et vous pouvez l'utiliser pour votre projet ou vous pouvez commencer quelque chose de totalement nouveau. L'important est que vous utilisiez tout ou partie de ce que vous avez appris dans ce cours pour créer votre propre morceau de musique. Et si une chanson entière donne l'impression c'est trop, c'est très bien. Vous pouvez faire une simple progression d' accords. Vous pouvez faire une boucle de huit barres. Tu pourrais faire un beat , c'est tout à fait normal. L'important, c' est de passer d'un projet vide à un projet musical. Il y a deux choses que je voudrais dire à propos de la production musicale en général. Il est très facile de douter de soi ou de se remettre en question et de commencer à se demander des choses comme : et si je ne suis pas assez bon ? Et si quelqu'un d'autre fait de la meilleure musique que moi, surtout si l'on considère que tous les créateurs de contenu sur les réseaux sociaux publient des articles sur « Oh, j'ai fait six chiffres cette année dans la production musicale » ou essayant de te vendre ? les secrets de l' introduction de licences musicales synchronisées. Oubliez tout ça, concentrez-vous sur votre propre musique. Votre musique est aussi unique que vous l'êtes. Mais toutes ces choses mises à part, ne vous laissez pas intimider par les personnes qui essaient de vous vendre des produits sur les réseaux sociaux. Et ils ont collaboré avec d'autres producteurs de musique. Posez-leur des questions, apprenez de nouvelles choses montrant votre soutien à des personnes passionnées par les mêmes choses que vous. Fabrication. La musique est une question d'expression personnelle. Il ne s'agit pas de rechercher des likes et des followers en ligne. Une fois votre projet terminé, n'oubliez pas de le partager dans la galerie de projets. J'adorerais savoir ce que vous avez fait et répondre à toutes vos questions . Vous pouvez également suggérer les futurs cours que vous souhaiteriez suivre sur Logic Pro Tem ou sur la production musicale. Enfin, n' oubliez pas de laisser une critique de ce cours. Si vous le trouviez utile ou agréable, cela m'aiderait vraiment. C'est pour avoir passé ton temps avec moi. Et bonne création musicale.