Explorations artistiques neurographiques : du dessin à la numérisation

1. Bonjour et bienvenue !: Levez la tête, les gens. Ce cours va être super addictif. Bonjour, tout le monde. Je m' appelle Redi Rach Pal, je suis cinéaste et artiste multidisciplinaire originaire de l'Inde Je suis également professeur d'art et entrepreneur créatif qui dirige mon propre studio plus gros sous le nom de Color Body J'adore créer des œuvres d'art qui vous permettent de vous sentir détendu et revigoré Et dans le cours d'aujourd'hui, je veux vous montrer une merveilleuse façon d'entrer dans un état de flux créatif en créant des œuvres d'art neurographique dynamiques L'art neurographique est comme un stimulant magique de l'humeur qui vous remontera le moral en un rien Les lignes et les motifs continus et complexes deviennent une passerelle fascinante pour explorer et exprimer vos émotions les plus profondes, vos pensées et les trésors cachés de votre Le meilleur, c'est qu'il ne nécessite aucune compétence ou formation artistique particulière. Que vous soyez débutant ou professionnel, vous trouverez dans ce cours de nombreuses idées créatives à intégrer à votre pratique artistique quotidienne Nous développerons trois projets de classe, chacun doté d'un look et d'un style uniques. Et en prime, je vais vous offrir deux leçons supplémentaires dans lesquelles je vous dévoilerai les secrets de la numérisation de vos œuvres d'art, jeu avec les couleurs et de la création variations infinies grâce à la magie de Photoshop Bref, ce cours est l'équilibre parfait entre la pleine conscience, la relaxation et Si cela vous semble être votre problème, venez me rencontrer en classe et nous nous lancerons directement. 2. Aperçu du cours: D'accord. Bien, dans cette leçon, je voudrais vous donner un bref aperçu de la structure de ce cours afin que vous puissiez tirer le meilleur parti de votre expérience d'apprentissage aujourd'hui Dans les leçons à venir, nous commencerons par comprendre ce qu'est exactement l'art neurographique et comment nous pouvons en tirer le meilleur parti dans notre pratique artistique quotidienne Ensuite, nous parlerons de diverses fournitures et outils que vous pouvez utiliser pour créer vous-même un art neurographique époustouflant Enfin, nous développerons trois œuvres d'art différentes qui vous aideront à mettre en pratique vos compétences. Chacun des projets de ce cours est conçu pour donner libre cours à votre créativité et pour vous permettre explorer les nombreuses façons dont vous pouvez personnaliser vos œuvres neurographiques avec votre propre voix artistique unique En prime, je vais également vous donner un aperçu de la façon dont je numérise mes œuvres d'art et que je modifie les couleurs dans Photoshop pour créer d'autres variantes d' Cette étape supplémentaire est le secret pour gagner revenu passif via des sites d'impression à la demande tels que Society Six et Red Bubble. Donc, si vous cherchez un moyen de monétiser vos œuvres d'art et de les faire imprimer sur des produits tels que des housses de coussin, papiers peints, des sacs, des étuis de téléphone, etc., alors cette leçon bonus va certainement changer la donne pour Bien, maintenant que nous avons abordé cette question, passons à notre prochaine leçon où nous parlerons des outils et fournitures que vous pouvez utiliser pour créer vous-même un art neurographique époustouflant 3. Outils et matériel: Très bien, discutons donc de tous les outils et fournitures dont nous aurons besoin pour ce cours. La première chose dont nous avons besoin, bien entendu, c'est de quelque chose sur lequel nous pouvons nous appuyer. Il peut s'agir de feuilles de papier à dessin volantes ou même de votre carnet de croquis Maintenant que nous allons travailler avec de nombreux supports différents, vous devez vous assurer que votre papier est compatible avec les supports sur lesquels vous travaillez Ainsi, par exemple, si vous devez travailler avec des aquarelles, vous devez vous assurer que votre papier supporte les supports humides et qu'il supporte bien les aquarelles Dans ce cas, un bon choix serait donc le papier aquarelle, ou vous pouvez également opter pour du papier mixte Mais disons que vous allez travailler avec crayons de couleur ou des supports secs, puis vous devez vous assurer que votre papier Maintenant, pour les projets que je vais présenter dans le cours d'aujourd'hui, j'utiliserai ces fiches techniques mixtes, qui proviennent d'un fabricant de papier local de ma ville. Et elles sont très, très similaires aux fiches techniques mixtes que nous recevons de Strathmore Je les ai donc réduits à six par 6 pouces pour le cours d'aujourd'hui, mais vous pouvez travailler avec n'importe quelle taille que vous voulez. L'avantage du papier mixte, c'est qu'il supporte aussi bien les supports humides que les supports secs, et c'est pourquoi ces papiers sont l'un de mes préférés Mais comme je l'ai mentionné, vous n'êtes pas obligé d'utiliser exactement la même chose que moi. Vous pouvez les acheter dans un magasin de fournitures artistiques, et il existe de nombreuses marques qui fabriquent très bien du papier mixte, ou vous pouvez utiliser tout ce que vous avez facilement à portée de main pour commencer le cours d'aujourd'hui. Maintenant, j'aime ajouter ces rubans washi sur les bords de mes papiers, car lorsque vous les décollez, ils créent une jolie bordure nette, peu comme si vous aviez un tapis ou un cadre autour de votre œuvre d'art terminée Mais cette étape est totalement facultative, et si vous ne voulez pas avoir cette bordure, vous pouvez totalement ignorer le ruban adhésif Ensuite, nous aurons besoin de stylos à dessin, et j'utiliserai les tailles 01 et 08 de la série Sakura Micron, sont de couleur noire Si vous le souhaitez, vous pouvez également utiliser des stylos de différentes couleurs. Ensuite, nous aurons également besoin de fournitures supplémentaires spécifiques à chacun de nos projets. Pour le premier projet, j'utiliserai aquarelles et nous pouvons utiliser des tubes ou des casseroles, selon ce qui est facilement disponible Et bien sûr, nous aurons besoin de deux pots d'eau pour cela. Et vous verrez plus tard que l' un d'entre eux deviendra votre bocal sale qui servira à nettoyer votre pinceau, tandis que l'autre bocal sera celui dans lequel nous allons chercher de l'eau potable Ensuite, nous aurons également besoin d'une palette de peinture, qui peut être un plat en céramique, ou même les couvercles de ou même les couvercles de vos sets de peinture conçus pour fonctionner comme des palettes Nous aurons également besoin d'un pinceau rond standard pour peindre, et tout produit entre les tailles 4 et 8 devrait bien fonctionner pour le projet d'aujourd'hui. Maintenant, pour le deuxième projet, je vais utiliser des pinceaux. Et ils proviennent d'une marque appelée O huhu et ils donnent une belle finition translucide Ce sont des marqueurs à base d'eau, mais vous pouvez également utiliser des marqueurs à base d'alcool si vous le souhaitez Et pour le troisième projet, nous utiliserons des crayons de couleur Maintenant, j'utilise généralement les crayons de couleur Prisma Color Premiere, qui sont à base de cire et ont un Mais vous pouvez utiliser tous les crayons de couleur dont vous disposez Et pour mélanger les crayons de couleur, nous aurons également besoin d'un crayon mixeur incolore, et j'utilise celui de la marque Prisma Pour aiguiser les crayons de couleur, nous aurons besoin Et encore une fois, ce n'est pas le cas de la marque Prisma Color, mais vous pouvez utiliser n'importe quel autre taille-crayon facilement disponible De plus, nous aurons également besoin de papiers de soie, ainsi que d'objets ronds de différentes tailles. Les objets ronds peuvent simplement être des bouchons de bouteilles ou des couvercles de pots et de contenants de votre maison, et nous en aurons besoin pour tracer les contours de notre deuxième projet Maintenant, une chose que je voudrais mentionner rapidement pour tous les accessoires de peinture, c'est que vous n'avez pas vraiment besoin de tous les avoir à portée de main pour profiter de ce cours. Par exemple, si vous n'avez que des aquarelles et que vous n' avez pas de pinceaux ni de crayons de couleur, vous pouvez faire tous les exercices avec l' avec Je vais vous présenter un tas de techniques différentes qui sont interchangeables et qui peuvent également être utilisées dans différentes combinaisons. N'hésitez donc pas à personnaliser vos projets de classe comme vous le souhaitez, et ne laissez pas le manque de fournitures artistiques vous empêcher de profiter du processus de l'art neurographique Bien, pour passer à la partie numérisation du cours, vous aurez également besoin d'un scanner photo ou d' un appareil photo pour smartphone Et je vais utiliser ce scanner ici , le Cannon Light 400. Mais vous pouvez utiliser n'importe quel autre scanner photo de votre choix ou, comme je l'ai mentionné, vous pouvez également utiliser un appareil photo pour smartphone. Enfin, pour modifier les couleurs, vous aurez également besoin de la dernière version de Photoshop installée sur votre ordinateur. Maintenant, pour toutes les fournitures que j'ai mentionnées dans cette vidéo, j'ai également créé pour vous une liste de contrôle pratique que j'ai incluse dans les ressources de ce cours Vous pouvez donc télécharger le document dans la section des projets et des ressources. Très bien, c'est tout pour toutes les fournitures. Passons maintenant à notre prochaine leçon où nous allons apprendre ce qu'est exactement l'art neurographique 4. Qu'est-ce que l'art neurographique ?: Et très bien. Dans cette leçon, je vais donc vous donner une brève introduction à l'art neurographique et à la façon dont nous, en tant qu'artistes, pouvons profiter de ses merveilles L'art neurographique est une forme d' art relativement nouvelle qui combine des éléments dessin, du gribouillage et de la méditation Il a été développé par le psychologue et artiste russe Pavel Piscaev vers 2010 . La technique est basée sur l'idée qu'en créant des lignes et des motifs complexes et continus, lignes et des motifs complexes et continus, on peut explorer et exprimer ses émotions, ses pensées et son subconscient Il existe trois caractéristiques ou caractéristiques principales de l'art neurographique Le premier est la continuité. Le processus de création d' art neurographique consiste à tracer une ligne ou un motif continu sur du papier ou de la toile sans lever le stylo ou le crayon jusqu'à ce que l'œuvre soit terminée Cette ligne ou ce motif initial est souvent inspiré par une émotion, une expérience ou un concept spécifique. Au fur et à mesure que l'artiste continue de dessiner, ils laissent leur esprit vagabonder et de nouvelles formes et de nouveaux motifs apparaissent, ce qui donne lieu à un design complexe et interconnecté Deuxièmement, l' art neurographique est abstrait. Il ne s'agit pas de créer une image ou une représentation spécifique de quelque chose, mais plutôt d' explorer le processus de création lui-même et de puiser dans le subconscient Il s'agit d'une pratique méditative et réflexive qui peut aider les individus à mieux comprendre, soulager le stress et à favoriser l'expression personnelle Enfin, l'art neurographique met fortement l'accent sur l'exploration de soi La pratique de l' art neurographique encourage la créativité, la pleine conscience et la découverte de soi, permettant aux individus de se connecter avec elfes qui sommeillent en eux et exprimer leurs émotions de manière visuelle C'est la raison pour laquelle l'art neurographique a gagné en popularité en tant qu' outil thérapeutique et forme de soins personnels Il est souvent utilisé dans les séances et les ateliers d'art-thérapie. Cependant, il n'est pas nécessaire de suivre une thérapie pour pratiquer l'art neurographique Il peut être apprécié comme pratique artistique personnelle ou comme forme de relaxation et de soin de soi. Quels que soient vos antécédents ou vos compétences artistiques, vous pouvez profiter des avantages de cette forme d'art polyvalente et accessible qui accueille aussi bien les débutants que les artistes expérimentés. Maintenant, à ce stade, je voudrais vous donner un bref avertissement. Je ne suis ni psychologue ni art-thérapeute. Je ne me concentrerai donc pas sur le flux et le processus traditionnels de l'art neurographique tels qu'ils sont réalisés par des professionnels agréés Nous allons plutôt adopter une approche différente. En tant qu'artiste, mon objectif est de m'inspirer de cette forme d'art visuellement fascinante et de lui insuffler ma propre voix Imaginez que vous créez des œuvres d' art abstraites librement inspirées de l'art neurographique, en mettant davantage l' accent sur l'aspect de la pleine conscience plutôt que sur l'aspect scientifique C'est comme exploiter la magie de la créativité et de la détente tout en s'amusant Maintenant que nous avons terminé ce cours intensif rapide , retrouvez-moi à la prochaine leçon et nous allons commencer à dessiner. 5. Pr1 - Art neurographique avec des fleurs à l'aquarelle: OK, alors commençons avec notre premier projet. Pour ce faire, je vais commencer avec mon stylo taille 08, et je vais juste placer au hasard des lignes courbes et ondulées sur la page, et je vais également les regarder à certains Et honnêtement, la meilleure façon d'y parvenir est de ne pas trop réfléchir à cette étape et de simplement adopter une approche enfantine et ludique, en laissant votre stylo aller où il veut Essayez de le faire en mouvement continu autant que possible, sans trop de pauses ou de secousses. Et n'oubliez pas que plus vous tracez de lignes, plus votre œuvre sera dense. De même, si vous souhaitez opter pour un look plus aéré, léger et minimaliste, quelques lignes suffiront J'opte donc pour une composition diagonale minimaliste , c' est pourquoi j' ai laissé un espace négatif en haut à droite, ainsi qu'en bas à gauche de ma composition Mais vous pouvez également remplir toute la page si c'est ce que vous préférez. n'y a pas de bonne ou de mauvaise façon de procéder, et vous devez simplement suivre le courant et faire ce qui vous vient naturellement à l'esprit. OK. Donc, une fois que les lignes de base seront en place, nous passerons à un stylo plus fin, qui dans mon cas est le stylo de taille 01, puis nous commencerons à chercher les endroits où les lignes se croisent ou tournent Et ici, nous allons commencer à ajouter petites courbes et les courbes créeront de petits espaces, que nous remplirons ensuite avec de l'encre. Honnêtement, c'est la partie du processus que je préfère le plus , car ce faisant, j'ai presque l'impression de mettre de petites étoiles sur ma page et de créer une constellation fantastique. Maintenant, d'un point de vue thérapeutique ou psychologique, ce processus de création de courbes s' apparente à l'établissement de nouvelles connexions neuronales dans notre cerveau, et nous en faisons une représentation visuelle sur papier. Cela nous permet donc de résoudre les problèmes efficacement ou de libérer toute croyance bloquante. Et au fur et à mesure que nous établissons ces liens, nous commençons à voir les choses de différentes manières, ce qui finit par avoir un impact positif sur nos pensées et nos décisions. Même si vous ne le faisiez pas du point de vue de la thérapie, mais simplement comme exercice artistique, ce mais simplement comme exercice artistique, qui est mon objectif dans ce cours, vous trouverez tout de même ce processus très relaxant car vous remarquerez que votre esprit commence à se concentrer sur de très nombreuses choses, mais qu'il s'éloigne dans le bon sens Le meilleur, c'est que l' étape du processus, plus d'être très intuitive et improvisée, est également très indulgente, car il n'y a absolument aucune chance que vous vous trompiez en établissant ces liens Ils s'avéreront magnifiques quels que soient la taille et l'angle des courbes que vous ajoutez. L'objectif est simplement de laisser votre main et esprit travailler ensemble de manière fluide, en laissant les lignes vous mener naturellement à ces intersections Maintenant, vous remarquerez que lorsque j' ajoute ces courbes, j'aime aussi bien les intégrer aux lignes d'origine afin qu' il n'y ait pas de secousses évidentes dans les traits De cette façon, ils peuvent tous avoir un aspect très lisse et continu. C'est précisément la raison pour laquelle est préférable de travailler avec un stylo plus fin ici, car cela vous permet lisser ces lignes de manière très précise OK, maintenant que vous savez comment créer ces courbes et ces connexions, je vais faire avancer la vidéo un peu plus rapidement afin que vous puissiez mes progrès et avoir une idée de la forme que prendra cette œuvre d'art. Et les time lapses sont en fait l'un des plus beaux cadeaux de la technologie de montage pour nous, car ils sont très agréables à regarder Maintenant, si vous vous demandez combien de temps prend ce processus, la réponse est qu'il peut varier d'une personne à l'autre, en fonction du nombre de lignes que vous avez tracées et de la taille de votre papier. Ce processus peut prendre entre 20 minutes et une heure. Il est donc préférable de profiter du processus et de le faire à votre propre rythme, peut-être avec une bonne boisson rafraîchissante ou en écoutant votre musique préférée en arrière-plan. Vous pouvez donc mettre la vidéo en pause ici si vous le souhaitez, puis revenir regarder le segment suivant lorsque vous aurez terminé établir toutes les connexions sur votre dessin. OK, maintenant je voudrais vous montrer quelque chose que je fais avec ces boucles ici. Donc, pour améliorer leur apparence, j'ajoute également quelques courbes ici , puis je les remplis d'encre comme ça. Et cette approche contribue à susciter un intérêt accru pour la composition, et je pense qu'elle apporte une touche de style très agréable. Mais gardez à l'esprit que cette étape est facultative, et personnellement, j'adore la faire parce que ce n'est qu'une toute petite étape supplémentaire, mais elle fait une grande différence dans l'apparence générale du design. Et comme vous pouvez le constater, vous pouvez simplement les placer n'importe où en périphérie de la boucle. Donc, par exemple, sur celui-ci, je vais l'ajouter en plein milieu , comme ça. Ensuite, je vais juste le remplir d'encre, et cela lui donnera un aspect beaucoup plus fini et poli qu'il ne l'était auparavant. Encore une fois, nous voulons les intégrer parfaitement aux lignes d'origine, et la meilleure façon de le faire est d' y aller lentement afin de pouvoir les mélanger manière très précise et de donner à ces courbes un aspect super lisse. OK. Et encore une fois, je suis sûr que vous vous y habituez. Je vais donc accélérer légèrement la vidéo vous montrer d'autres de ces boucles dans mon design. Et bien sûr, ce sera différent pour chacun d'entre nous. Peut-être que vous avez plus de boucles que moi ou même moins de boucles que moi dans votre design. Le temps qu'il vous faudra pour terminer ces boucles en dépendra donc également. Et encore une fois, ne réfléchissez pas trop à cette étape et faites les premières boucles qui attirent immédiatement votre attention Vous n'avez même pas besoin de toutes les faire, juste quelques-unes des plus évidentes ou quelques-unes des plus importantes, et peut-être quelques-unes sur les bords extérieurs de votre composition. Et c'est à peu près tout. Encore une fois, travaillez à votre propre rythme, et si vous le souhaitez, vous pouvez mettre la vidéo en pause et , une fois que vous serez prêt, retrouvez-moi dans le segment suivant. Bien, maintenant que la structure de base de notre design est prête, nous allons commencer par nos aquarelles Et comme vous pouvez le voir dans ma palette, j'ai déjà mélangé quelques nuances de jaune et quelques nuances de vert. Donc, en gros, nous voulons essayer de travailler avec au moins deux couleurs ici, car la technique que nous recherchons est plus belle lorsqu'elle est réalisée avec deux ou trois couleurs Donc, quelles que soient les couleurs que vous choisissez, essayez de les choisir avec des valeurs différentes. Vous voulez donc avoir quelques options de lumière et quelques options sombres afin de créer un contraste intéressant dans le design. Maintenant, pour le placement réel de ces aquarelles, nous allons opter pour une technique appelée fleurs à l'aquarelle Pour ce faire, nous commençons par disposer une grande quantité d'eau potable dans une section de notre dessin, et nous voulons essentiellement créer une petite flaque d'eau ou un petit bassin ici, car la technique de création de fleurs à l' aquarelle nécessite beaucoup d' eau et beaucoup de pigments Ainsi, plus la zone est saturée eau ou plus nous pouvons former une flaque d' eau, mieux c'est Et une fois que l'eau est en place, nous voulons commencer par ajouter un peu de pigment et nous nous contentons de défoncer, trancher et de laver notre pinceau puis de prendre la deuxième couleur et de la tremper bien dedans également. Comme vous pouvez le constater, je ne les mélange pas trop, je laisse simplement les aquarelles flotter d'elles-mêmes ou se fondre d'elles-mêmes et faire leur propre travail pour créer ce motif de marbrure à l'eau Et je vais juste leur donner un petit coup de pouce sur les bords, mais c'est à peu près tout Et il vaut mieux laisser le reste du mix ou du mélange abstrait afin qu'ils puissent faire leur propre travail et créer leurs propres motifs abstraits. Et puis, de la même manière, nous allons laver notre brosse, prendre l'eau douce et créer une autre piscine dans une autre section du dessin. Et cette fois, nous pouvons travailler avec peut-être une autre teinte de jaune et une autre teinte de vert. En gros, il suffit de mélanger les différentes couleurs pour créer des effets intéressants et des mélanges intéressants. La règle de base pour créer des fleurs à l' aquarelle est d'avoir beaucoup d'eau, beaucoup de pigments et de ne pas trop les mélanger. Donc, si nous devions opter pour une approche de l' aquarelle plus réaliste, nous essaierions délibérément de mélanger ces bords, et nous essaierions en fait de nous en débarrasser Mais dans cette approche, nous faisons le contraire parce que nous voulons intentionnellement créer ces fleurs. Une fois que vous avez ajouté le pigment, vous pouvez également ajouter quelques gouttes d'eau supplémentaires, tremper et leur donner un léger coup de pouce ici et là, puis nettoyer votre pinceau, peut-être ajouter un peu de pigment supplémentaire Ensuite, rincez et répétez, puis passez à la section suivante. Il y a quelques jours, je travaillais sur un projet très, très similaire à celui-ci. En fait, j'utilisais exactement les mêmes couleurs, et l'éclairage de mon bureau était légèrement différent à cette époque. J'ai donc une petite partie de la vidéo que je peux vous montrer. Et en cela, vous pouvez réellement déterminer la hauteur de la flaque d'eau par rapport à la surface du papier donc qu' montre donc qu'il y a beaucoup d'eau sur le papier et qu'il semble presque tridimensionnel lorsqu' il est mouillé, car c'est la quantité d'eau que nous plaçons sur le papier. Ensuite, vous commencez à le saturer avec beaucoup, beaucoup de pigments, et encore une fois, vous le trempez et vous le laissez agir tout seul Puis, une fois qu'il sèche, beaux motifs commencent à en émerger. Pour en revenir à cette section, encore une fois, je vais mettre beaucoup d'eau et ensuite y encore une fois, je vais mettre beaucoup d'eau tremper légèrement le pigment. Parfois, vous pouvez prendre le jaune clair avec le vert foncé et d'autres fois, vous pouvez choisir le jaune plus foncé et le vert plus foncé ou le vert clair et le jaune plus clair. Utilisez-les dans différentes permutations et combinaisons et diluez simplement les peintures très bien pour qu'elles soient complètement aqueuses et qu'elles créent un très bel effet Maintenant, je viens de terminer de travailler sur cette section, mais je ne vais pas travailler sur celle qui se trouve juste à côté, et je vais plutôt travailler sur une autre section. La raison en est que lorsque vous travaillez sur deux sections l'une à côté de l'autre, vous avez très peu de contrôle, car l'eau d' une section commence à s'écouler dans la section suivante Vous ne pourrez donc pas vraiment créer ces fleurs à l'aquarelle aussi facilement Et le moyen le plus simple de le faire est de simplement travailler sur des sections légèrement plus éloignées les unes des autres. Et une fois qu'ils sont secs, vous pouvez retourner dans les sections vides et recommencer à travailler dessus. Donc, juste un petit conseil pour contrôler et gérer le puits d'eau sur votre papier. De plus, le nombre de sections dans lesquelles vous souhaitez placer les fleurs à l'aquarelle est totalement une question de choix personnel Dans mon cas, je vais laisser certaines sections blanches car je pense que cela crée un contraste intéressant. Mais si vous voulez remplir chaque boucle et chaque section avec des couleurs différentes, cela crée également un design intéressant. Optez donc pour ce qui vous vient à l'esprit manière intuitive et pour ce que vous trouvez le plus esthétique Et parfois, il est naturel que lorsque vous utilisez autant d'eau et de pigment, vous ayez quelques taches ou gouttes comme celles-ci sur votre papier, ce qui est tout à fait normal, car vous pouvez simplement prendre un mouchoir et l'imprégner rapidement Et si cela laisse une petite tache, ne vous inquiétez pas, car nous apprendrons à nettoyer tout cela dans l'une de nos leçons ultérieures, où nous parlerons de numérisation et de nettoyage de nos œuvres d'art. Ne vous inquiétez pas à et de nettoyage de nos œuvres ce sujet et absorbez simplement l'eau dès qu' elle tombe sur le papier Cette section a déjà commencé à sécher et vous pouvez voir certaines fleurs ont commencé à apparaître. Maintenant que vous avez maîtrisé le processus, je vais juste accélérer légèrement la vidéo pour que vous puissiez me voir travailler sur le reste des sections. Faites-le donc à votre propre rythme et ne vous pressez pas. Travaillez simplement sur une section à la fois. Et essayez d'éviter de travailler sur des sections situées l'une à côté de l'autre afin mieux contrôler le pigment et l'eau. Si vous appliquez un peu de peinture ici et là, ne vous inquiétez pas, vous pouvez l'imbiber d'un mouchoir, ou vous pouvez également utiliser un QTip pour cela, ce qui vous donnera un peu plus de précision Donc, pour rendre votre composition plus attrayante, je vous recommande de choisir un bon mélange de sections sombres et de sections plus claires, et d'essayer trouver des moyens intéressants de créer du contraste. Vous pouvez donc avoir une section très claire à côté d'une section foncée et jouer avec les différentes densités de votre pigment Vous pouvez donc parfois avoir pigment très dense dans l'une des zones, et vous pouvez avoir des sections moins pigmentées ou plus aqueuses autour de celle-ci, ou vous pouvez faire le contraire Donc, en gros, faites un bon mélange de couleurs diluées et de couleurs saturées, ce qui devrait vous donner plus d'intérêt pour votre composition en général. Donc, une fois que vous aurez fini d'ajouter vos aquarelles et que votre peinture sera complètement sèche, retrouvez-moi dans le segment suivant où nous parlerons des retouches finales. OK. Une fois que votre œuvre d'art sera complètement sèche, elle ressemblera à ceci et vous pourrez voir les fleurs à l'aquarelle apparaître joliment J'aime beaucoup cette section ici. Il y a des détails intéressants, et même celui-ci est plutôt beau. En fait, ils ont tous de petits domaines d'intérêt, ce qui correspond parfaitement à la complexité de l'art neurographique C'est la raison pour laquelle j'ai voulu combiner ces deux techniques. Et voici l'autre œuvre dont je parlais tout à l'heure et je vous en ai montré une petite vidéo. Même celle-ci a des fleurs intéressantes ici, et puis vous pouvez vraiment voir les bords durs et vous pouvez voir à quel point elles sont spectaculaires, surtout ici. Donc oui, c'est le look final du projet, et maintenant il est temps d' enlever ce ruban adhésif. C'est une expérience très, très satisfaisante d'en avoir fini avec ça. Et assurez-vous de le faire très doucement et uniquement une fois que votre œuvre d'art est complètement sèche , car parfois ces rubans washi ont une finition très plastique et l'eau a tendance à rester dessus un Assurez-vous donc que votre œuvre est sèche à 100 % avant de la décoller. Parce que vous ne voulez pas tacher accidentellement votre peinture en parlant de taches. Pour celui-ci, comme je l'ai mentionné, nous allons apprendre à le réparer plus tard. Mais pour les petites choses comme celles d'ici, où c'est un peu en dehors de la périphérie, vous pouvez soit laisser les choses comme elles sont parce que je pense que cela donne à l'œuvre d'art un aspect fait main, soit vous pouvez probablement ajouter un trait de stylo à certaines des plus grandes œuvres, comme celle-ci ici. Dans celui-ci, par exemple , vous pouvez voir que j'ai ajouté deux lignes de stylo supplémentaires, ce qui crée ces petites bosses en dehors de la forme d'origine De même, j'en ai un ici dans cette œuvre d'art, et je vais juste prendre rapidement mon stylo 01 et faire un petit contour comme ça. Cela dépend donc vraiment du nombre de ces zones d' aquarelle supplémentaires que vous avez dans votre dessin Si vous pensez qu'il n'y en a pas trop et si vous aimez les voir s'écouler ou s'infiltrer comme ça, alors vous pouvez simplement les laisser tels qu'ils sont Mais sinon, si vous pensez vouloir les nettoyer et simplement garder vos lignes parfaitement nettes, nous allons en apprendre davantage à ce sujet dans l'une des leçons à venir. Donc oui, c'est pour les retouches finales. Et ce sont toutes deux mes œuvres terminées, et vous pouvez, bien sûr, choisir d' en faire autant que vous le souhaitez, et vous pouvez même créer une série à partir de celles-ci. Et que vous réalisiez une seule œuvre d'art ou plusieurs d'entre elles, j'adorerais les voir et m'assurer que vous mettiez une photo de votre projet terminé dans la galerie de projets. Et une fois que vous serez prêt, retrouvez-moi lors de la prochaine leçon où nous commencerons à travailler sur notre deuxième projet. 6. Pr2 - Art neurographique avec un zentangle: Très bien, il est donc temps de commencer notre deuxième projet. Et pour cela, nous allons commencer par tracer des cercles sur toute notre page, et vous pouvez dessiner ces cercles à main levée si vous le souhaitez, mais j'aime utiliser des pochoirs ou des objets ronds de différentes tailles pour obtenir les Maintenant, vous voulez essayer d'obtenir différentes tailles ici pour une bonne variété dans votre composition. Recherchez donc des cercles plus grands, des cercles de taille moyenne et des cercles plus petits. Et pour les contours actuels, j'utilise un stylo 08, mais vous pouvez bien sûr utiliser n'importe quelle taille de plume facilement disponible chez vous Et si vous ne voulez pas faire de cercles, vous pouvez également opter pour une forme différente. Vous pouvez donc opter pour des carrés, des rectangles, des triangles, des nuages, des étoiles et littéralement toute autre forme que vous aimez Et vous êtes totalement libre de personnaliser et de personnaliser ce projet comme vous le souhaitez. OK, alors maintenant je vais juste accélérer un peu vous donner une idée de la forme que prendra cette composition. Et comme nous l'avons fait pour le projet précédent, vous pouvez soit remplir toute votre page, soit laisser un espace négatif. C'est totalement ta décision. Je vais donc laisser espace négatif une fois de plus en haut à droite et en bas à gauche parce que je souhaite également ajouter des motifs en arrière-plan. Mais si vous ne voulez pas laisser cet espace négatif, vous pouvez toujours ajouter ces motifs à l'intérieur des cercles. Maintenant, une fois que vos cercles sont terminés, vous voulez commencer à les connecter en utilisant les mêmes principes que ceux que nous avons appliqués dans le premier projet. Et cela nous donnera essentiellement des cercles interconnectés, et il semblera donc qu'ils sont tous interconnectés Et en option, vous pouvez également tracer des lignes ondulées supplémentaires sur votre dessin, qui sont très similaires à ce que nous avions fait sur le premier projet J'en ai donc un exemple sur votre écran. Encore une fois, ces lignes ondulées ne sont qu'un tout petit pas supplémentaire qui va au-delà des cercles que nous avons dessinés Donc, si vous souhaitez les ajouter pour créer un look plus complexe, ajoutez-les, et votre composition paraîtra légèrement plus complexe Mais si vous voulez une composition légèrement plus aérienne et minimaliste, vous pouvez éviter ces lignes ondulées, et c'est exactement ce que je vais faire dans mon projet Je vais juste faire les cercles. Et encore une fois, je vais connecter chacun d'entre eux à l'aide de mon stylo fin , de la taille d'un cran Encore une fois, il vous faudra un certain temps pour terminer, vous pouvez le faire à votre propre rythme, et une fois que vous aurez terminé, retrouvez-moi dans le segment suivant, où nous commencerons à ajouter des détails à cette composition. Très bien, il est maintenant temps de commencer à ajouter des motifs zentangle à cette composition, et j'utilise un stylo 01 Sena commence par un trait inversé , puis une ampoule en sort comme ça, et nous colorons cette ampoule Ensuite, nous ajoutons de l'épaisseur de trait au bas du trait pour créer du contraste, ainsi que pour ajouter un peu d'intérêt et de caractère à la composition. Et cette épaisseur de trait est facultative, mais personnellement, je l' aime bien parce que je trouve qu'elle s'harmonise assez bien avec l'ambiance générale de l'art neurographique et qu'elle complète très bien la composition Donc oui, si vous voulez l'ignorer, c'est très bien aussi, mais je vais ajouter pour plus d'intérêt ici. Et une fois le premier trait en place, il suffit de contourner l'ampoule d'un autre trait et de la poser sur le contour. Et encore une fois, nous allons ajouter cette épaisseur de ligne et cette couleur. Maintenant, ces traits divisent essentiellement notre forme en deux parties. Nous allons donc commencer par ramifier d'autres courbes sur le côté gauche de la section, et elles se ramifieront toutes à partir du deuxième trait, et nous continuerons à ajouter une épaisseur de trait à chacune d'elles en les dessinant une par une Et c'est ce qui fait la beauté de combiner le Zentangle avec l'art neurographique car les deux sont très méditatifs très relaxants et très thérapeutiques Donc, en combinant les enchevêtrements avec l'art neurographique, nous libérons le double du pouvoir de la méditation et de la relaxation, je suppose Et oui, j'aime bien utiliser cette combinaison et j'espère qu'elle vous plaira aussi. En fait, Sena lui-même est un enchevêtrement tellement relaxant à dessiner que j'adore remplir pages et des pages avec cet enchevêtrement Et tout récemment, je l'ai également utilisé sur un carreau zentangle de 3,5 pouces pour un autre projet Et je pense que c'est cette rotation d'un coup qui me plaît beaucoup. Je pense que c'est ce que je préfère dans cet enchevêtrement. Et puis, bien sûr, ajouter de l'épaisseur du trait est aussi quelque chose que j'apprécie beaucoup. Donc oui, dans l'ensemble, c'est sûrement l' un de mes enchevêtrements préférés à dessiner OK, donc je suis sûr que tu t'y connais. Je vais accélérer un peu la vidéo pour vous montrer comment vous pouvez les bifurquer un par un et remplir le côté gauche de votre composition. Oh, pendant que tu fais ça, voici une anecdote amusante. Senna est en fait l'un des nœuds originaux développés par le siège social de Zentangle, et certains d'entre eux ont été développés par les fondateurs été développés par Y a-t-il d'autres tangles développés par des professeurs de zentangle et passionnés de zentangle Donc oui, celui-ci a été développé par le siège lui-même. Et si vous souhaitez en savoir plus sur cette méthode enchevêtrée, son origine, ses fondateurs, sa philosophie, etc., alors j'ai un cours distinct à ce sujet, et peut-être pourrez-vous y revenir plus tard et combiner vos connaissances de ce cours et de ce cours pour créer quelque chose d' unique qui pour créer quelque chose d' unique OK, maintenant nous terminé avec le côté gauche de la section, et nous allons donc passer au côté droit. Et cette fois, nous allons appliquer les mêmes principes, ce qui signifie que nous allons toujours diversifier les traits en S, mais nous allons les bifurquer à partir du premier trait que nous avons dessiné au lieu du deuxième De plus, pour rappel, vous n'êtes pas obligé d'utiliser des stylos noirs pour l'ensemble de votre composition. Si vous le souhaitez, vous pouvez également utiliser des stylos de couleur, et nous utiliserons des pinceaux plus tard pour colorier certaines parties de notre dessin. Mais vous pouvez également ajouter des enchevêtrements et d'autres détails avec des stylos de couleur Encore une fois, n' hésitez pas à personnaliser le projet comme vous le souhaitez. Bien, une fois que vous avez terminé avec une section, choisissez deux autres zones de votre composition où vous souhaitez ajouter Senna Par exemple, pour moi, je vais le faire peut-être ici et ici ou peut-être ici et ici. Choisissez simplement deux sections fonction de vos préférences en fonction de votre composition. Et une fois que vous aurez fini de les remplir, retrouvez-moi dans le prochain segment où nous ajouterons notre prochain tango. Très bien, le prochain enchevêtrement que nous ajoutons s'appelle les sols, et celui-ci partage également certaines caractéristiques avec l'art neurographique Maintenant, encore une fois, vous pouvez dessiner cette main libre si vous le souhaitez, ou vous pouvez utiliser une règle pour plus de précision. Ici, je vais utiliser le côté centimétrique de la règle pour créer mes directives, et nous allons ajouter cet enchevêtrement en arrière-plan Donc, en gros, nous l'ajoutons dans l' espace négatif restant derrière les cercles, et si votre composition ne comporte aucun espace vide en arrière-plan, vous pouvez également combler cet enchevêtrement à l'intérieur des cercles interconnectés Les sols commencent donc essentiellement par un motif à carreaux. Nous voulons donc commencer par créer des lignes horizontales et verticales, qui créeront une grille pour nous, et vous pourrez choisir la taille ou l'échelle de cette grille en fonction de votre composition. Par exemple, ici, je garde ces lignes espacées d'un centimètre Mais si vous souhaitez créer une grille plus grande, vous pouvez également séparer les lignes de 2 centimètres, voire d'un pouce. Cela dépend donc totalement de la complexité et complexité que vous souhaitez donner à votre composition. Très bien, donc cette prochaine étape vous semblera très familière. Nous ajoutons essentiellement ces liens aux lignes qui se croisent, et c'est ce que je voulais dire lorsque j'ai dit que sols enchevêtrés partagent certaines caractéristiques avec l' art neurographique Nous ajoutons donc essentiellement ces connexions à l'ensemble du réseau. De même, nous ajouterons également étages aux zones vides restantes en arrière-plan. Par exemple, dans ma composition, il y a aussi un espace vide en bas à gauche, et peut-être que le vôtre est différent. Donc, en fonction de l'emplacement des zones vides dans votre composition, prenez le temps de les remplir de planchers, puis une fois que vous serez prêt, retrouvez-moi dans le segment suivant où nous continuerons à ajouter d'autres enchevêtrements D'accord, le prochain enchevêtrement que nous ajoutons s'appelle membranat et cet enchevêtrement comporte de nombreuses variantes différentes, mais j'en utilise une version très simple aujourd'hui afin que nous puissions l'améliorer plus tard avec de la couleur Et pour rappel, si vous souhaitez en savoir plus sur les créateurs de chacun de ces enchevêtrements, n'oubliez pas de consulter le document sur les ressources de classe, que vous pouvez télécharger dans la section des projets et des ressources Il contient donc tous les détails pertinents sur les enchevêtrements, les créateurs d'enchevêtrements, ainsi que leurs stepos OK, donc pour le membranant, nous commençons par ces formes courbes, et lorsque nous contournons chacune d'elles, en ajoutant une épaisseur de ligne partielle, ajoutant une épaisseur de ligne partielle, ce qui lui donne un peu plus de profondeur Il n'existe aucune règle quant au nombre de ces courbes. Vous pouvez simplement les espacer de manière aléatoire en fonction de la taille de la section sur laquelle vous travaillez. Donc, encore une fois, si vous voulez qu'il soit légèrement plus dense et complexe, vous pouvez ajouter de nombreuses courbes ou si vous voulez qu'il soit aéré et minimaliste, vous pouvez ajouter des courbes plus C'est donc entièrement à toi de décider. De plus, si certains d'entre vous ne veulent pas dessiner cet enchevêtrement, mais souhaitent plutôt expérimenter avec d'autres enchevêtrements, j'ai un tas de cours axés sur l'enchevêtrement inspiré de la méthode d'enchevêtrement, ainsi que sur des motifs généraux ludiques faciles à dessiner Donc, si vous avez besoin d'inspiration supplémentaire pour personnaliser et personnaliser votre projet d'art neurographique, n'hésitez pas à consulter ces cours, et vous y trouverez certainement des modèles intéressants que vous pourrez utiliser comme éléments de remplissage pour votre composition artistique neurographique actuelle Pour en revenir à celle-ci, nous allons simplement ajouter partiellement l'épaisseur de la ligne à ces courbes, comme je le disais, puis nous la répétons pour toutes les courbes. Et encore une fois, une fois que nous aurons terminé avec une section, nous allons choisir deux autres sections dans notre composition où nous allons ajouter du membranat Encore une fois, faites-le à votre propre rythme, et une fois que vous serez prêt, retrouvez-moi dans la section suivante. OK, donc maintenant je ne vais pas ajouter un autre enchevêtrement. Je vais plutôt ajouter quelques lignes simples à ma composition. Jusqu'à présent, nous avons donc ajouté de nombreux traits courbes et ondulés dans notre design Et je voulais juste apporter peu de contraste avec les lignes droites dans la composition afin qu'elles soient joliment juxtaposées à toutes ces lignes courbes et Et ce ne sont que de simples lignes de remplissage , que je vais ajouter à nouveau à différentes sections Je vais les ajouter à trois sections, comme nous l'avons fait pour les deux enchevêtrements précédents Encore une fois, en fonction de la forme de votre composition, vous aimeriez peut-être créer un motif différent ou un enchevêtrement différent, c'est également très bien. Amusez-vous simplement, jouez avec votre projet, et il n'y a absolument aucune règle ici, alors profitez-en et amusez-vous simplement. C'est bon. Commençons maintenant par le processus de coloration. J'ai déjà coloré deux de mes sections de membrane juste pour vous donner une idée de la forme que cela va prendre, et maintenant je colorie la troisième. J'utilise donc cette couleur plus claire semblable à celle d'un verre de verre pour remplir ce formulaire, et vous pouvez, bien sûr, choisir de travailler avec une couleur différente et une palette de couleurs de votre choix Ce sont donc pinceaux à base d' eau que j'utilise ici, et ils ont une très belle finition translucide, ce que j'adore absolument car il contraste avec les ce que j'adore absolument car lignes noires opaques que nous avons dessinées jusqu'à présent. Vous pouvez donc également obtenir des résultats similaires avec des marqueurs à base d'alcool ou de simples stylos à croquis. Alors n'hésitez pas à expérimenter avec les fournitures artistiques dont vous disposez et choisissez simplement celles que vous trouvez faciles à utiliser ou celles qui vous attirent le plus. Et maintenant, une fois que j'en aurai fini avec la couleur de base, je vais simplement contourner ces courbes avec une teinte légèrement plus foncée et ajouter quelques contours. Et ce n'est pas une teinte très, très foncée. Elle est juste une teinte plus foncée que la couleur de base. Donc, encore une fois, je vais le faire pour toutes les courbes de cette section, puis je vais répéter le processus pour les deux autres sections où j' ai ajouté une membrane et de cette façon, elles auront toutes le même aspect Ensuite, je vais remplir certaines sections avec cette diapositive bleue, et je veux avoir un joli mélange de couleurs unies et de motifs dans ma composition. Je vais donc placer des sections solides comme celle-ci au hasard. À bien y réfléchir, je pense que je veux rendre ma membrane un peu plus opaque Je vais donc ajouter une couche supplémentaire, et c'est ce qui fait la beauté de ces pinceaux car vous pouvez les superposer pour créer une finition plus opaque. Si vous voulez une finition légèrement translucide, vous pouvez simplement réduire la pression de votre main et opter pour une seule couche. Cela vous donnera une finition plus translucide , semblable à une aquarelle Je vais encore une fois assombrir ces courbes pour qu'elles ressortent un peu plus OK. Ensuite, je vais ajouter quelques sections bleu foncé, et je vais les superposer plusieurs fois pour donner une finition plus opaque au bleu foncé que j'ajoute. OK. Maintenant, j'utilise la pointe la plus fine de mon stylo pour ajouter de petits points Ces pinceaux que j' ai sont à double pointe. D'un côté se trouve la pointe du stylo, et de l'autre côté, la pointe fonctionne à peu près comme un stylo à doublure fine. J'utilise donc cette fine ligne d'un côté pour ajouter de petits points à ma composition. Encore une fois, il s'agit simplement d'ajouter de la couleur et de la variété à la composition globale. Et selon la complexité ou l'affluence de votre composition, vous voudrez peut-être sauter cette étape ou créer vous voudrez peut-être sauter cette étape ou plus de segments avec celle-ci. N' hésitez pas à suivre ou à vous écarter de ce que je fais, en fonction de la forme de votre œuvre d'art Vous êtes le meilleur juge et le meilleur créateur de vos œuvres d'art, alors n'hésitez pas à faire ce qui vous vient naturellement et ce que vous avez envie de faire de manière intuitive En fait, si vous le souhaitez, au lieu de faire de petits points, vous pouvez probablement également créer d'autres modèles de remplissage simples Peut-être aimeriez-vous dessiner des formes ludiques comme des étoiles petits nuages ou des petites fleurs. Ainsi, en fonction de l'ambiance générale que vous souhaitez donner à votre œuvre d'art, vous pouvez choisir de créer différentes formes et, encore une fois, vous amuser avec votre projet Maintenant, de la même manière, je vais continuer à ajouter quelques petits détails au hasard dans toutes les sections. Donc, dans certaines sections, je vais ajouter quelques petits points supplémentaires. Ensuite, je vais aussi jouer avec des lignes droites, des lignes diagonales, et peut-être aussi ajouter quelques lignes pointillées Donc oui, en gros, recherchez simplement des formes simples que vous pouvez remplir dans des zones vides. Et chaque fois que vous sentez que votre composition manque de contraste ou que vous sentez qu'elle manque de couleur, vous pouvez toujours faire allers-retours entre les différents stylos que vous avez et simplement ajouter de jolis blocs de couleur ou de motifs. Et oui, amusez-vous simplement et considérez cela comme votre terrain de jeu personnel maintenant. Et continuez à ajouter de petits détails ici et là. Et encore une fois, c'est à vous de décider de la couleur, de l'intensité ou de la richesse des motifs que vous souhaitez donner à votre œuvre d'art. J'opte pour une touche très abstraite, donc je vais placer la plupart de mes éléments de manière aléatoire. n'y a pas d'autre idée importante ici , si ce n'est d'essayer de maintenir l'équilibre entre toutes les couleurs et d'essayer de bien répartir les zones sombres et claires les zones sombres et claires sur l' ensemble de la composition. Et j'essaie également de trouver un bon équilibre entre tous les traits. Ainsi, par exemple, si je fais des traits en diagonale, je ne les laisse pas dans une seule zone. Je vais également remplir au moins quelques zones supplémentaires avec les traits diagonaux afin qu' il y ait un bon équilibre. Et en même temps, je vise également un peu de variété, car je ne veux pas que tout ait la même apparence. Je veux avoir de légers écarts et des traits, peut-être jouer avec l'espacement, peut-être jouer avec l' épaisseur des traits Et oui, continuez simplement à suivre votre intuition et continuez à remplir des zones aléatoires avec des couleurs et des motifs. Très bien, c'est à peu près tout pour cette composition. Alors allez-y et ajoutez ces petits détails à votre guise. Et une fois que tu seras prête, retrouve-moi dans le segment suivant pour que nous puissions décoller ensemble ce ruban adhésif Très bien, alors sortons cette cassette. En fait, je suis très impatiente de voir comment celui-ci sortira avec la bordure blanche, car je suis allée vers les bords pour ajouter quelques lignes de stylo, et je ne suis pas sûre à 100 % de les avoir bien comprises. Oh, oui. Ils étaient plutôt chouettes dans certaines sections. Pas mal. OK, donc j'aime bien ça, et je suis sûre que le tien est tout aussi beau. Pour rappel, n'oubliez pas de partager votre projet dans la galerie de projets de ce cours car j'adore voir ce que vous réalisez tous. C'est toujours un régal pour mes yeux, et une fois que vous serez prêts, retrouvez-moi lors de la prochaine leçon où nous combinerons l'art neurographique avec des mélanges de crayons de couleur 7. Pr3 - Art neurographique avec des mélanges de crayons de couleur: Très bien, alors allons-y et commençons à travailler sur notre projet de troisième classe. Encore une fois, je commence avec mon stylo taille 08 et je dessine un cadre abstrait autour de la page. Cette fois, je ne toucherai pas le ruban adhésif pour que ma composition soit alignée au centre, mais vous pouvez certainement l'appliquer jusqu' aux bords si c'est ce que vous préférez Maintenant, j'ajoute des taches abstraites au milieu et je vais les transformer en fleurs abstraites Vous pouvez bien sûr choisir de créer d'autres formes et d'autres styles de composition si vous avez une autre idée en tête. Mmm, hum. Mm. Ensuite, je vais simplement ajouter quelques lignes simples et les décomposer en sections plus petites. C'est donc comme avoir des rayures avec des sections plus petites, certaines épaisses et d' autres fines. Honnêtement, il n'y a pas vraiment d'idée ici. C'est assez abstrait. Je ne fais que mettre traits aléatoires sur du papier et créer petites sections que je pourrai ensuite colorier avec des crayons de couleur Maintenant, vous savez déjà comment ajouter ces lignes, donc je vais juste accélérer un peu les choses. OK. Maintenant, pour les formes intérieures, je vais faire quelque chose de similaire. Je vais juste ajouter d' autres blobs à l'intérieur des blobs d'origine, suivant simplement les contours, puis je vais les décomposer à nouveau en sections plus petites Et c'est assez abstrait. Mais dans mon esprit, je les considère comme des pétales de fleurs, et je vais faire la même chose les deux autres. Ensuite, comme nous l'avons fait pour les deux projets précédents, je vais passer à mon stylo taille 01, et je vais commencer à établir les liens. À présent, vous savez déjà comment procéder. Je vais juste vous montrer un petit laps de temps afin que vous puissiez avoir une idée de l' évolution de celui-ci. Vous remarquerez que je fais dans ce projet non seulement les connexions sur les lignes qui se croisent, mais j'épaissit également les lignes dans certaines sections, car je veux qu'elles ressortent en tant qu'éléments ou sections séparés lorsque nous commençons à les colorier. Et c'est, bien sûr, facultatif, car si vous tracez déjà les lignes avec un stylo épais, vous n'avez probablement pas besoin de le faire. Mais dans mon cas, je travaille avec un stylo 01, je vais donc simplement épaissir certaines sections ici et là Et encore une fois, vous pouvez prendre votre temps et terminer les connexions. Et une fois que vous serez prêt, retrouvez-moi dans le prochain segment où nous commencerons à colorier ces sections. OK, j'ai donc fait mes sélections pour les couleurs que je vais utiliser pour ce projet. Et si vous utilisez Prismacolor et que vous souhaitez utiliser exactement les mêmes couleurs que moi, je vais afficher les codes couleurs sur votre écran afin que vous puissiez suivre Et je les inclurai également dans le document sur les ressources de classe afin que vous puissiez les avoir plus tard que vous puissiez les avoir plus tard à titre de référence. Et en dehors de ces couleurs, nous aurons également besoin d' un mixeur incolore et d'un crayon de couleur blanc J'ai donc obtenu le mien auprès de la marque Prisma Color elle-même, mais vous pouvez bien sûr également utiliser une autre marque Bien, commençons par le coloriage, et je vais commencer par un jaune plus clair ici et colorier une petite tache. Ensuite, je vais passer à ce vert plus clair, et j'ajoute juste le pigment légèrement pour que nous puissions bien le mélanger. Je passe maintenant au vert plus foncé, qui est le vert pomme dans mon cas. Ensuite, nous allons simplement ajouter du blanc aux parties les plus claires afin pouvoir le mélanger à la couleur la plus claire, qui est le jaune dans mon cas. Ce sont les trois couleurs que je viens d'utiliser, et vous pouvez voir qu'elles passent du foncé au clair C'est ainsi que nous obtenons une gradation fluide lorsque nous passons de couleurs plus claires à des couleurs plus foncées ou de couleurs plus foncées à des couleurs plus claires. Maintenant, je vais juste ajouter ma deuxième couche et commencer à mélanger ces couleurs pour obtenir un dégradé fluide Et la beauté des couleurs Prisma c'est qu'elles se mélangent très bien. Ils sont donc très légers pour les doigts et je n'ai pas à appliquer beaucoup de pression. Tant que nous superposons bien les couleurs à ces points de transition, nous serons en mesure d'obtenir très bons mélanges doux au beurre Et si vous recherchez des cours plus approfondis sur la façon d'obtenir ces mélanges de crayons de couleur lisses, j'ai des didacticiels détaillés dans mon autre cours sur les pierres précieuses aux crayons de couleur Donc, si vous le souhaitez, vous pourrez le regarder plus tard pour mettre encore plus en pratique vos compétences au crayon de couleur. Maintenant, une fois que j'ai fini d' ajouter la deuxième couche, je prends mon mixeur incolore et je polit simplement toute la surface pour que le pigment s'infiltre vraiment dans la dent du papier et que la dent en papier soit aplatie Il suffit donc d'entrer doucement dans tous ces coins pour s'assurer que le mélange est lisse. Pour les crayons de couleur, les poussières et les taches qui s' accumulent sur le papier, j'utilise un pinceau pour m'en débarrasser Je recommande de ne pas le faire avec vos mains car la sueur ou les huiles de vos mains peuvent décolorer le papier ou même laisser des taches Un pinceau ou un pinceau à maquillage est donc un bon moyen de se débarrasser de ces spécifications Nous pouvons maintenant passer à notre prochaine série de couleurs. Nous pouvons faire ces trois ou ces trois ou ces trois. Nous voulons essentiellement refaire un dégradé du foncé au clair. Je vais commencer par la couleur plus foncée. Ensuite, nous prenons simplement la valeur moyenne , puis nous passons à la valeur légère. Ensuite, nous mélangeons cette valeur plus claire avec le blanc. Et nous ajoutons un peu plus de pigment si nécessaire. Maintenant, je vais simplement nettoyer mon crayon mixeur car il contient encore les résidus des couleurs précédentes que j'utilisais. Je vais donc simplement le nettoyer sur un bout de papier, puis nous pourrons commencer à le brunir et à le mélanger Alors maintenant, faites la même chose, nettoyez la poussière. Et maintenant, nous pouvons faire ces trois choses du noir au clair ou ces trois, qui seront une combinaison de vert et de jaune. En fait, les verts plus foncés qui entrent dans ce jaune peuvent également constituer une bonne gradation. Je pense donc que je vais opter pour le vert foncé, le vert moyen et ce jaune. Même chose, nous commençons par le vert plus foncé. Ensuite, je vais passer au vert plus clair. Ensuite, je vais apporter le jaune. Et cette fois, je saute le blanc et je passe directement au mixeur incolore Donc, encore une fois, je vais juste nettoyer tout ça, puis nous pourrons commencer à polir les couleurs Je vais juste l' éclaircir peu avec un peu plus OK. Bon, maintenant, pareil, je vais continuer à ajouter les couleurs manière aléatoire tout au long de ma composition. Je vais travailler sur chaque section indépendamment, en allant de l'obscurité à la lumière Et en travaillant sur ces sections à votre propre rythme, vous ferez l'expérience d'un autre type de relaxation et vous vous sentirez presque dans un état d'esprit zen, car l'expérience est très, très satisfaisante. C'est presque comme si vous alliez entrer dans un univers très paisible ou un autre type de royaume paisible dans votre esprit. Et je pense que cela complète parfaitement l'état de relaxation que nous ressentons lorsque nous établissons ces lignes et connexions neurographiques Alors oui, les mélanges de crayons de couleur se marient très bien avec l'art neurographique Assurez-vous simplement toujours nettoyer votre mixeur incolore, ainsi que votre crayon de couleur blanc sur un bout de papier chaque fois que vous changez de couleur, car vous ne voulez pas que les résidus de la couleur précédente interfèrent avec les nouvelles. De cette façon, vous pouvez conserver les vraies teintes de chaque couleur. Et essayez de changer la direction des dégradés à chaque fois. Donc, si vous avez un dégradé entre le foncé et le clair qui se produit de haut en bas dans une section, faites le contraire dans la section voisine. Cela répartira bien les couleurs sombres et claires sur toute la page. Bien entendu, n' oubliez pas d'aiguiser vos crayons au fur et à mesure des besoins afin pouvoir entrer dans ces coins avec précision et de bien mélanger les couleurs De plus, dans certaines sections, nous pouvons ajouter la couleur plus foncée aux deux extrémités. Par exemple, ici, je vais simplement ajouter le vert foncé des deux côtés de la section et je vais essentiellement garder le surlignage ou la couleur plus claire au milieu. Cela ne fait qu'ajouter plus de variété et d'intérêt à la composition. Maintenant, je suis sûr que vous vous y habituez, alors je vais accélérer un peu pour vous montrer comment j'alterne les couleurs et comment je crée les dégradés C'est certainement un projet qui prend beaucoup de temps, mais la pleine conscience et la relaxation qu'il nous apporte en valent vraiment pleine conscience et la relaxation qu'il nous apporte Je vous promets que vous allez prendre beaucoup de plaisir à continuer sur cette composition. Et si vous travaillez avec de nombreuses couleurs, je suis sûr qu'il serait encore plus amusant et agréable de passer de l'une à et de créer les dégradés Pour les sections intérieures, le concept est à peu près le même, sauf que je crée le dégradé latéralement plutôt que de haut en bas Et si vous le souhaitez, vous pouvez également créer ces fleurs abstraites dans les tons d'une couleur, tandis que l'arrière-plan peut être dans les tons d'une autre couleur. C'est donc toujours possible. Mm Et puis nous continuons à travailler sur le reste des sections de la même manière. Une fois que vous aurez effectué quelques sections, vous serez pratiquement en pilote automatique pour le reste Et comme je l'ai dit plus tôt, c'est une activité qui prend un peu de temps. Il est donc fort probable que vous ne puissiez pas le terminer en une seule séance, et surtout si vous travaillez avec un format de papier plus grand, vous aurez probablement besoin d'encore plus de temps. Alors ne vous inquiétez pas à ce sujet et ne vous inquiétez pas du temps que cela vous prendra. Et concentrez-vous plutôt sur le plaisir du processus et sur le fait d' entrer réellement dans cet état d'esprit zen. C'est assez répétitif, je vais donc passer à la fin de mon enregistrement, et vous pouvez voir ici que j' ai essentiellement joué avec le placement aléatoire des sections sombres et claires dans ma composition. De même, lorsque votre dessin sera prêt, revenez voir cette vidéo et nous verrons ensemble la pièce finale. C'est ainsi que s'est déroulée ma composition, et je vais juste retirer le ruban adhésif. Vous pouvez voir une certaine décoloration se produire ici, et c'est parce que j'ai constamment retiré beaucoup de crayons, de poussière et de spécifications, et parce que ma main bougeait constamment sur le papier, bien sûr, certaines huiles humaines et la sueur humaine ont tendance à interférer avec le papier Il y a donc une petite décoloration. Mais nous n'avons pas à nous inquiéter à ce sujet, car nous pouvons toujours résoudre ce problème ultérieurement dans Photoshop. Donc, une fois que vous serez prêt avec tous vos dessins, retrouvez-moi lors de la prochaine leçon où nous commencerons à les numériser. 8. Numériser votre œuvre: Et bien, maintenant que nous avons créé toutes nos magnifiques œuvres d'art, il est temps de commencer à les numériser Si vous souhaitez que vos illustrations soient imprimées sur plusieurs produits, il est absolument essentiel de numériser et de préparer vos fichiers pour l'impression C'est littéralement la première étape de base pour commencer votre voyage dans le monde des licences d'art ou de la fabrication de vos propres produits. Il existe donc généralement deux manières de numériser vos œuvres d'art La première consiste à numériser à l'aide d'un scanner photo, et la seconde consiste à cliquer sur une photo haute résolution à l'aide d'un smartphone ou d'un appareil photo numérique. Maintenant, au fur et à mesure que vous progressez dans votre parcours artistique et dans votre entreprise, vous vous rendrez compte que la numérisation est la méthode préférée pour numériser vos images Cela élimine de nombreux problèmes que vous rencontrez habituellement avec la photographie. Mais pour le cours d'aujourd'hui, si vous n'avez pas de scanner tout de suite, ne vous inquiétez pas. Je vais également vous expliquer toutes les étapes de la photographie de vos œuvres d'art Commençons donc par le scan. Tout d'abord, vous devez vous assurer que le scanner que vous utilisez est un scanner photo et non un scanner de documents ordinaire. En effet, les scanners photo peuvent numériser en très haute résolution, ce qui est absolument essentiel si vous souhaitez agrandir vos œuvres d'art pour les imprimer sur des produits plus volumineux, tels que des housses de couette, des rideaux ou même des peintures murales Le scanner que j'utilise est donc le scanner photo Cannon Light 400, et il y a quelques années, lorsque je l'ai acheté, cela semblait être la meilleure option pour deux raisons. Premièrement, c'était ce qui correspondait le mieux au budget que j'avais à l'époque. Ensuite, parce qu'il est assez léger et que je peux donc le mettre facilement dans mon sac à dos. Et la deuxième raison était très importante pour moi car je voyage beaucoup et j'ai presque toujours besoin de mon scanner avec moi. Mais cela étant dit, il existe également un tas de très bons scanners que vous pouvez acheter auprès de la marque Epsin Certains d'entre eux sont légèrement plus lourds et plus volumineux que les autres, tandis que d'autres sont plus faciles à emporter. En fin de compte, vous voulez trouver un scanner capable de numériser jusqu'à 2 400 ou 4 800 DPI, qui corresponde à votre budget et qui soit de la bonne taille pour Donc, en termes de taille, je veux dire que certains scanners sont dotés d' un plateau de numérisation capable de prendre des documents jusqu'au format A quatre, alors que d'autres scanners peuvent prendre des documents de format A trois et plus. Et bien entendu, le prix varie en fonction de la taille du scanner. Mais honnêtement, le plateau de numérisation n'est pas vraiment un problème, car vous pouvez toujours numériser une œuvre d'art plus grande en sections plus petites, puis la reconstituer ou la fusionner complètement dans Photoshop. Bref, l' achat d'un scanner dépend en grande partie de vos préférences personnelles et de la façon dont vous comptez vos préférences personnelles et l'utiliser Et bien entendu, chaque scanner et chaque fabricant ont leur propre ensemble de fonctionnalités à offrir, ainsi que leurs avantages et inconvénients. Mais ce sont les trois éléments de base que vous devez garder à l'esprit lorsque vous souhaitez acheter un scanner. À présent, avant de commencer à numériser, il est important de vous assurer que votre scanner est parfaitement propre. Je travaille avec de nombreux médiums différents tels que l'acrylique, la gouache, aquarelle et j' utilise même parfois des flocons d'aluminium et utilise même parfois des flocons d'aluminium Et parfois, ces œuvres d'art laissent des taches de peinture séchée ou un petit résidu sur le boîtier du scanner. Et si vous ne le nettoyez pas, il sera scanné à chaque prochaine pièce que vous scannez. Non seulement cela augmente votre travail de nettoyage ultérieur dans Photoshop, mais cela nuit parfois la beauté de l'œuvre d' origine Au point que vous devrez peut-être tout scanner à nouveau. Bref, prenez l'habitude de nettoyer le boîtier de votre scanner avant chaque numérisation. Et la meilleure façon de le faire est d'utiliser un chiffon en microfibre, et j'utilise généralement le même que celui que nous utilisons avec des lunettes de soleil C'est très doux pour les lunettes. Donc, bien sûr, il y a aussi du tendon sur la vitre du scanner. Et en guise de conseil, ne commettez pas l'erreur de nettoyer le boîtier de votre scanner avec un mouchoir en papier, car certains d'entre eux ont texture très dure laissent des rayures sur le verre, et laissent des rayures sur le verre, ce qui n'est peut-être pas évident à l'œil nu, mais vous verrez les rayures mais vous verrez les rayures une fois votre œuvre numérisée. Une fois que votre plateau de numérisation est propre, vous devez placer votre maquette face vers le bas sur la vitre, fermer le couvercle et ouvrir le logiciel du scanner sur votre ordinateur. Désormais, chaque scanner possède une boîte de dialogue différente avec des paramètres différents, mais je vais vous expliquer certains des éléments de base à garder à l'esprit, quelle que soit la marque ou le modèle de scanner que vous utilisez. Donc, tout d'abord, vous devez vous assurer que vous effectuez une numérisation de photos et non une numérisation de documents. Et dans l'interface Canon, cela signifie sélectionner l'option couleur et non le texte ou l'option noir et blanc. Peut-être que votre scanner a un nom différent pour ces paramètres, mais vous devez essentiellement choisir celui qui représente le scan photo ou le scan couleur et non celui qui représente le document numérisé. Parlons maintenant de la résolution. Je recommande donc toujours de commencer par un fichier à plus haute résolution, car vous ne savez jamais dans quelle mesure vous souhaitez agrandir vos œuvres d' art par la suite. Si un jour vous décidez d'imprimer des papiers peints à très grande échelle ou une peinture murale, vous ne voulez pas que votre œuvre d'art pixelisée La meilleure chose à faire est donc de le scanner à une résolution plus élevée en premier lieu. J'ai l'habitude de tout numériser à 2 400 DPI, et certaines personnes peuvent penser que c'est exagéré, mais croyez-moi, j'ai déjà numérisé des fichiers à une résolution inférieure, puis je l'ai regretté beaucoup Et si vous ne comprenez pas très bien le concept du DPI, voici un guide simple. Le DPI représente essentiellement des points par pouce. Supposons que votre illustration mesure six pouces sur 6 pouces et que vous la scannez à 300 DPI, puis que vous puissiez la reproduire ou réimprimer au même format Cela signifie que vous pouvez créer des impressions au format six par six. Mais supposons que vous souhaitiez imprimer votre illustration à 12 x 12 pouces, soit le double de la taille, puis votre illustration sera pixélisée car l'impression se fait avec ce réglage de 300 DPI L'imprimante n'a donc plus de points ou de pixels à imprimer. Au lieu de cela, si vous numérisez à 600 DPI, vous pouvez doubler la taille car l'imprimante peut désormais utiliser le double du nombre de pixels ou de points pour effectuer votre impression. De même, 900 DPI vous donneront trois fois plus de taille et ainsi de suite. Je fais donc généralement huit fois la taille, soit 2 400 DPI, ce qui signifie que je peux utiliser mes œuvres d'art de 6 pouces et les redimensionner jusqu'à 48 x 48 pouces sans me soucier de la perte de qualité Certains scanners vous offrent ensuite la possibilité de choisir la partie du document ou de l'illustration que vous souhaitez réellement numériser. Vous pouvez donc voir ici qu'il me donne des dimensions de 4,83 et 4,91 pouces, et c'est parce qu' il détecte automatiquement où se trouve mon œuvre sur cette feuille blanche Mais je veux tout numériser, y compris les bords du papier, car je veux conserver cette texture du papier. Je vais donc ajuster le recadrage pour m'assurer que j'obtiens également les bords du papier. Et quand vous le faites, vous recevez une confirmation ici alors que le format du papier est assez proche du format réel. Donc, dans ce cas, c'est assez proche de 6 pouces parce que c'est exactement la taille sur laquelle je dessinais. Et, bien entendu, si vous avez un autre format de papier sur lequel vous travailliez, vous devrez régler le recadrage en fonction de votre format de papier. Il n'est pas nécessaire que ce soit exact, mais essayez simplement de vous rapprocher le plus possible du format de papier d'origine. Et maintenant, la prochaine chose que vous voyez ici, c'est qu'il est configuré pour détecter la boîte enveloppante, ce qui signifie essentiellement qu'il scannera tout ce que j'ai défini pour le scanner à l'intérieur de cette boîte que je viens de régler J'enregistre généralement tous mes fichiers sur le bureau avant de les déplacer vers leurs dossiers pertinents. Mais vous pouvez également définir directement le dossier de destination de votre scan ici même, puis renommer votre fichier ici Vous pouvez également le faire plus tard, mais j'aime juste le faire ici même. Et puis vient le format de fichier. Le TIF est donc généralement de meilleure qualité que JPAG et le TIF vous donne plus d'espace pour jouer ultérieurement avec les ajustements de couleur Mais honnêtement, je numérise tout format JPEG parce que je numérise à très haute résolution au départ. Il n'y a donc guère de différence entre la version TIF et la version JPEG en termes de qualité pour moi . Mais il s'agit d'une différence majeure en termes de taille de fichier, car le format TIF stocke des fichiers de grande taille, ce qui prend beaucoup de place sur mon ordinateur ou sur mon disque dur, alors que le JPEG enregistre dans une taille de fichier plus petite. Donc, juste pour faciliter le stockage et l'accès, j'utilise le format JPEG, qui s' ouvre et se charge plus rapidement sur Photoshop. Donc oui, le TIF est meilleur que le JPEG, mais j'utilise personnellement le JPEG. Vous pouvez choisir d'enregistrer dans le format qui vous convient le mieux. Ensuite, le plus important lors numérisation est de vous assurer que vous n' appliquez aucun type de filtre ou d' outil de correction d' image à votre numérisation d'origine. Il est préférable d'effectuer les améliorations dans Photoshop. Donc, qu'il n'en soit rien comme c'est le cas actuellement, puis nous passerons à la numérisation. Maintenant, la numérisation prend bien sûr quelques minutes. Plus les paramètres DBI que vous avez choisis sont élevés, plus la taille du fichier sera importante et il faudra donc plus de temps pour le scanner et l'enregistrer Pendant ce temps, parlons de notre deuxième option pour numériser nos œuvres d'art, à savoir la photographie Maintenant, l'une des choses les plus importantes lorsque vous cliquez sur des photos de votre œuvre d'art est que vous avez besoin d'un bon éclairage. La lumière naturelle est ce qu'il y a de mieux pour que vous puissiez photographier vos œuvres d'art dans leurs vraies couleurs. Cela étant dit, nous devons parfois attendre la lumière naturelle parfaite qui ne projette aucune ombre sur nos œuvres d'art. Parce que s'il y a des ombres, il est très difficile de nettoyer le travail plus tard. Donc, idéalement, vous devriez cliquer sur les photos à la lumière naturelle plate ou, s'il fait particulièrement beau, vous devez cliquer sur la photo sous un abat-jour pour éliminer les ombres. L'alternative à l'attente d' une bonne lumière naturelle pourrait être de tout photographier dans un environnement contrôlé avec des lumières de studio. Cela étant dit, vous devez acquérir les compétences supplémentaires nécessaires pour obtenir l' éclairage parfait pour photographier vos œuvres d'art avec la bonne température de couleur, ainsi que sans ombres. Et bien sûr, il est important de garder à l'esprit que les lampes de studio sont également un investissement rentable. Vous devez donc en tenir compte dans votre budget à long terme. En passant, vous le savez probablement déjà, mais il convient de mentionner que, quelles que soient les conditions d'éclairage de votre environnement, n'utilisez pas de flash. Le flash détruit les couleurs de votre œuvre d'art originale et provoque parfois même un éblouissement sur l'œuvre d'art, ce qui peut être très difficile à corriger ultérieurement dans Photoshop L'autre chose à garder à l'esprit est la perspective. Vous devez vous assurer que vous cliquez sur une photo de votre œuvre d'art en ligne droite et que vous ne tenez pas votre smartphone ou votre appareil photo numérique incliné. Et c'est assez évident, car vous voulez également que vos illustrations soient imprimées directement. Il peut donc être un peu difficile trouver le bon angle au début, mais vous y arriverez certainement avec un peu d'essais et d'erreurs. En guise de conseil, vous pouvez activer lignes de la grille ou les directives sur l' appareil photo de votre smartphone ou appareil photo numérique pour vous aider à obtenir un angle droit. Au lieu de laisser votre œuvre d'art posée à plat sur une table, vous pouvez également simplement la placer ou l'accrocher sur un mur blanc uni, puis cliquer sur une photo. Maintenant, la plupart des smartphones sont assez faciles à utiliser, vous pouvez donc simplement cliquer pour cela. Il vous suffit de placer votre appareil photo juste au-dessus de l'illustration ou juste en face de celle-ci, puis d'appuyer sur le bouton de mise au point au milieu pour vous assurer que la mise au point de votre illustration est complète, puis vous pouvez cliquer. Mais si vous le faites avec un appareil photo numérique, vous devrez également posséder des compétences de base en photographie pour obtenir une exposition correcte. Vous devrez donc en apprendre un peu plus sur l'ouverture, vitesse d'obturation, la mise au point, etc. Vous devriez donc reconsidérer la photographie vos œuvres d'art si vous n'avez pas ce genre de temps avec vous En résumé, vous avez probablement déjà compris que photographier vos œuvres d'art est un peu plus compliqué et nécessite quelques étapes supplémentaires Et donc, bien sûr, après toutes ces considérations, numérisation semble être une option plus facile. Mais encore une fois, si vous êtes déjà un photographe professionnel et que vous savez déjà comment cliquer sur de bonnes photos, vous ne voudrez probablement pas investir dans un scanner, et vous voudrez peut-être simplement cliquer sur des photos de vos œuvres d'art, donc c'est très bien aussi. Et en fin de compte, c' est entièrement à vous de décider. Quoi qu'il en soit, les étapes d' amélioration de l'image restent les mêmes quel que soit l'itinéraire que vous choisissez. Que vous cliquiez sur une photo de votre œuvre d'art ou que vous la scanniez pour le cours d'aujourd'hui, toutes les étapes de la leçon suivante resteront les mêmes. Et plus tard, si vous passez de l' appareil photo d' un smartphone à un scanner pour numériser vos œuvres d'art, vous saurez toujours comment améliorer et corriger les couleurs de tous vos fichiers Ce que nous voulons faire maintenant, c'est scanner ou cliquer sur des photos de toutes les œuvres d'art que nous avons réalisées dans ce cours. Et si vous le souhaitez, vous pouvez également utiliser certaines de vos autres œuvres d'art. Ensuite, nous voulons les enregistrer sur notre ordinateur. J'ai déjà scanné quatre de mes œuvres et elles sont toutes là, prêtes à être peaufinées. Une fois que vous aurez préparé vos fichiers, retrouvez-moi à la leçon suivante, où nous commencerons par les ajustements et les coloris 9. Corrections, ajustements et couleurs: Très bien, j'ai donc mes quatre scans prêts, ici sur mon bureau, et je vais utiliser un MAC aujourd'hui à des fins de démonstration, mais je vais également mettre en place les commandes pour Windows que vous pourrez suivre. Ainsi, lorsque je clique avec le bouton droit sur l'un d'entre eux et que je vois les informations sur le fichier, je peux constater que la taille ou les dimensions du fichier sont supérieures à 14 000 pixels, et nous avons pu atteindre cette grande échelle parce que je le scanne à 2 400 Maintenant, je peux faire de très grandes reproductions de cette œuvre d'art De même, vérifions également l'autre. Et encore une fois, cela représente plus de 14 000 pixels de largeur et de hauteur, ce qui signifie que nous avons une très grande taille avec laquelle jouer Donc, en gros, plus votre paramètre DPI est élevé, plus la taille de votre fichier sera grande et vous aurez de plus grandes dimensions avec lesquelles jouer. Et j'ai fait de même pour tous mes fichiers. Maintenant, ouvrons-les. Je vais donc simplement cliquer avec le bouton droit de la souris et l'ouvrir avec Photoshop. Encore une fois, l'ouverture du fichier prend quelques secondes. Plus la taille du fichier est grande, plus l'ouverture prendra du temps. Soyez donc patient pendant que cela se produit, et peut-être pourrez-vous profiter de ce temps pour cliquer sur une belle photo des coulisses de votre processus à publier sur les réseaux sociaux. C'est donc un petit conseil pratique pour vous aider à fidéliser vos fans sur vos pages de réseaux sociaux. Et une fois qu'il sera ouvert, voici à quoi il ressemblera. Vous verrez donc votre illustration ici sur le panneau des calques sur le calque d'arrière-plan. Donc, la première chose que nous allons faire est prendre cette illustration et de la placer dans un nouveau fichier. Je vais donc cliquer sur Fichier nouveau, puis créer un canevas personnalisé de 10 000 pixels en largeur et en hauteur. Vous pouvez également opter pour un format plus petit ou plus grand, mais c'est à peu près le format que j'utilise pour la plupart des sites Web d'impression à la demande, et cela fonctionne très bien pour moi. Et pour le reste des paramètres, nous voulons qu'ils restent les mêmes que ceux que vous voyez ici. Je garde donc mon profil de couleur en RGB, mais vous pouvez également le changer en CMYK si l'imprimante ou le fabricant avec lequel vous travaillez a spécifiquement demandé des fichiers CMJN, puis nous cliquons sur Créer. La première chose que nous voulons faire est d'enregistrer notre fichier afin de nous souvenir qu'il s'agit du fichier modifié sur lequel nous effectuons toutes les corrections, alors que le fichier que nous avions ouvert plus tôt est le fichier d'origine qui restera intact Je vais donc simplement l'appeler œuvre d'art modifiée. Mais vous pouvez utiliser la nomenclature ou le système de dénomination vous est facile à comprendre. Ensuite, je vais enregistrer mon fichier dans un format de document volumineux, qui est un fichier PSB à points plutôt qu'un format Photoshop, qui est un fichier PSD à points Et la raison en est que point PSD a une limite de deux Go en ce qui concerne la taille du fichier Ainsi, lorsque nous ajoutons plusieurs couches et effets sur un fichier particulier, il est probable que nous ayons besoin d'une taille de fichier plus grande, ce qui explique pourquoi le PSB à points fonctionne mieux De cette façon, vous pouvez conserver toutes les couches dans un seul fichier plutôt que d'avoir plusieurs fichiers PSD à petits points Je vais donc simplement appuyer sur Grand format de document, puis sur Enregistrer. Maintenant, la prochaine chose que je veux faire est de revenir à mon fichier d'illustration d'origine, sélectionner le calque dans le panneau des calques et de passer le curseur sur l'autre onglet, puis de déposer le calque directement sur le canevas Maintenant, vous verrez que votre image sort du canevas, ce qui est inévitable car le canevas que nous avions créé mesurait 10 000 pixels, mais le scan de l'image était légèrement plus grand. Donc, si vous vous souvenez, c' était environ 14 000 pixels. Nous allons donc utiliser les nœuds d'angle pour repositionner notre illustration au milieu du canevas Et vous pouvez également utiliser les touches fléchées votre clavier pour déplacer légèrement l'illustration pixel par pixel. Et si votre scan n'est pas complètement direct, vous pouvez également laisser votre souris survoler le nœud d'angle, ce qui vous donnera la possibilité faire légèrement pivoter l'illustration Le mien est donc assez droit, donc je n'ai pas du tout besoin de le faire pivoter, mais vous avez cette option au cas où votre numérisation ne serait pas parfaitement droite. Je peux donc recommencer à fixer le placement. Et encore une fois, je vais juste utiliser les touches fléchées ici pour déplacer légèrement l'image afin de mieux contrôler le placement. Ensuite, une fois que vous êtes satisfait du placement, appuyez sur Entrée, une fenêtre contextuelle comme celle-ci indiquera transformer, puis elle sera définie sur le canevas. Ensuite, vous verrez qu'il se trouve maintenant sur un nouveau calque au-dessus du calque d'arrière-plan. C'est donc sur cette couche que nous allons effectuer tous nos ajustements et corrections, et nous n'avons plus vraiment besoin du fichier d'illustration original pour le moment Je vais donc fermer cet onglet, et ce fichier de travail est tout ce dont nous avons besoin. Donc, ce qui est bien, c'est que si vous voulez repartir de zéro, votre fichier de numérisation d'origine est en sécurité et reste intact, et vous pouvez y accéder plus tard à tout moment Maintenant, nous voulons le faire pour tous nos fichiers. Je vais donc simplement déplacer ma fenêtre Photoshop sur le côté pour pouvoir également accéder à mon bureau. Et puis pareil, j' ouvrirai ma deuxième œuvre d'art. Ensuite, je vais créer un nouveau fichier ici, et je vais l'enregistrer en tant qu'illustration à modifier. Ensuite, je vais accéder au fichier d'origine et faire glisser le calque sur le canevas. Encore une fois, je vais réajuster le placement. En fait, pour celui-ci, je vais prendre l'œuvre d'art jusqu'aux bords, et je ne quitterai pas la bordure blanche. Je pense qu'il sera beau sans bordure lorsque je l' utiliserai comme housse de coussin ou quelque chose comme ça. Et encore une fois, une fois que je suis satisfait du placement, je vais appuyer sur Entrée. Ensuite, je vais fermer l'autre onglet qui contenait mon fichier d'origine. Ensuite, je vais également le faire pour mes deux autres fichiers. Mais je vais accélérer légèrement la vidéo car vous connaissez déjà cette partie. De plus, pour les besoins de la démo d'aujourd'hui, je travaille sur plusieurs fichiers côte à côte, mais vous pouvez certainement le faire mais vous pouvez certainement le faire un par un. Cela dépend totalement du type de flux de travail que vous préférez. Et pour moi, ce type d' chaîne de montage fonctionne mieux. J'ai donc maintenant mes quatre fichiers de travail, et vous pouvez voir que tous les onglets sont ouverts ici en haut. Et maintenant, la première chose que nous allons faire est de définir le point blanc pour chacun de ces fichiers. Maintenant, un point blanc est essentiellement un ensemble de valeurs de couleur qui définissent la couleur blanche de l'ordinateur. Dans notre cas, nous aidons essentiellement l' ordinateur à comprendre quelle est exactement la partie la plus blanche de notre image ou de notre œuvre d'art Ensuite, toutes les autres couleurs font référence à ce blanc en particulier. Cela ressemble beaucoup au concept de balance des blancs en photographie et en vidéographie Cela permet essentiellement de ramener les niveaux de votre œuvre d'art à un niveau plus proche du papier blanc original sur lequel vous avez peint ou dessiné. Ça peut sembler un peu dingue, mais écoute-moi bien une seconde ici. Il existe de nombreuses sortes de blancs disponibles dans le monde. Il y a du blanc froid comme neige, du blanc chaud, du blanc ivoire, etc. Ce que nous voulons faire ici, c'est indiquer à Photoshop quel type de blanc reflète le mieux le blanc de nos œuvres peintes. En d'autres termes, le point blanc fait spécifiquement référence à la balance des couleurs des parties blanches les plus claires ou les plus précises de l'image En ajustant le point blanc, vous pouvez faire en sorte que les blancs de votre image apparaissent plus chauds ou plus froids en fonction de l'effet souhaité. Et le réglage du point blanc correct est essentiel pour une reproduction précise des couleurs, incidence sur l'ambiance générale et le rendu de l'image. Si vous venez de numériser votre image et qu'elle semble très terne chaude ou froide par rapport à l'illustration originale, ne vous inquiétez pas, car définir le point blanc résoudra le problème pour vous. Une chose que j'ai remarquée avec la plupart des scanners , c'est que, quelle que soit la qualité du scanner, la profondeur des couleurs et la saturation de vos illustrations réelles diminuent légèrement. La lumière du scanner est si forte qu'elle enlève certaines couleurs et leur donne un aspect plat, tout en supprimant une partie du contraste. Nous pouvons régler ce problème manuellement. Pour ce faire, la première étape consiste à définir le point blanc. Je vais donc vraiment zoomer sur mes œuvres d'art ici et passer à la partie la plus blanche de mon dessin Et comme nous avions utilisé du ruban adhésif sur cette œuvre d'art, nous savions déjà que les zones les plus propres se trouvaient derrière ce ruban adhésif . C'est pourquoi nous pouvons distinguer clairement le papier blanc d'origine des zones décolorées Je vais donc zoomer un peu plus. Et ici, on voit très clairement la texture du papier. Et en raison de la façon dont la lumière du scanner tombe sur le papier, vous pouvez voir que certaines parties sont très blanches tandis que d'autres sont plus grises. Et ce ne sont que les ombres du grain du papier lui-même. Donc, une fois que nous avons zoomé, il ne nous reste plus qu'à trouver la partie la plus blanche du grain du papier , en l'occurrence cette petite section blanche que j'ai repérée Ensuite, dans le panneau des couches, nous cliquons sur la première couche pour assurer que toutes nos modifications se produisent sur la bonne couche. Ensuite, je passerai aux niveaux de réglage de l'image. Dans cette fenêtre contextuelle, nous verrons trois outils de pipette différents Si vous laissez votre souris survoler cet outil pendant un moment, vous verrez qu'il est écrit «  exemple d'image » pour définir Nous allons simplement placer cette pipette sur le point blanc de notre œuvre d'art , puis nous allons cliquer Maintenant, l'image est devenue un peu plus lumineuse. Nous allons cliquer sur O, puis nous allons effectuer un zoom arrière. Et je vais consulter mon panneau d'historique pour vous montrer l' avant et l'après. C'est l'avant, et c'est l'après. Encore une fois, c'est avant et après. La différence est vraiment très subtile, mais c'est cette petite première étape qui facilite la correction des couleurs grandement la correction des couleurs dans toutes les étapes suivantes. Nous voulons donc aller de l'avant et faire la même chose pour toutes nos œuvres d'art. Encore une fois, nous zoomons pour trouver le papier blanc. Ensuite, nous allons passer aux niveaux de réglage de l'image, sélectionner le troisième outil compte-gouttes et définir le point blanc Appuyez sur OK. Je vais juste faire rapidement pour les deux autres œuvres d'art également. Encore une fois, vous pouvez choisir de faire ceci un fichier à la fois, ou vous pouvez travailler sur plusieurs fichiers ensemble comme je le fais. Donc, en fait, tout dépend vos préférences en matière de flux de travail. D'accord. Maintenant, je vais revenir à mon premier dossier. Et cette fois, nous allons ajuster les niveaux de nos œuvres d'art. OK, donc encore une fois, nous allons sélectionner le bon calque, puis nous allons passer aux niveaux de réglage de l'image. Et cette fois, nous allons jouer avec ces curseurs pour ajuster les niveaux de notre image Ainsi, l'outil de niveaux de Photoshop vous permet essentiellement d'ajuster la plage de tons et l'exposition de vos images ou de vos œuvres d'art en jouant avec les ombres, les hautes lumières et les tons moyens. Ainsi, par exemple, ici, lorsque je déplace le curseur vers la droite, vous pouvez voir que les ombres deviennent plus visibles, mais qu'elles deviennent un peu plus claires sur la gauche De même, ce curseur vous permet de régler les surlignages de vos images afin d'éclaircir certaines zones plus claires Il n'y a donc pratiquement pas de formule fixe pour cela. Vous devez le faire manuellement pour chacune des images car chacune de vos œuvres d' art aura couleurs différentes et une gamme de tons différente L'objectif est donc rapprocher le plus possible de l' œuvre originale, ou vous pouvez le monter d'un cran et peut-être simplement l'améliorer un peu plus que l'original si c'est ce que vous préférez. Et une fois que vous êtes satisfait, cliquez sur OK. Et puis je vais aussi appuyer rapidement sur la commande S pour enregistrer mon fichier. Vous devez le faire le plus souvent possible pour éviter toute déception ultérieure Ensuite, nous faisons la même chose pour le suivant. Nous passons aux niveaux de réglage de l'image et commençons à déplacer les curseurs, et nous continuons à jouer jusqu'à ce que nous soyons entièrement satisfaits de l'apparence générale Donc, pour celui-ci, j'essaie simplement d' améliorer un peu plus les couleurs pour qu'elles ne soient pas aussi ternes qu'elles le sont actuellement. Et comme je l'ai dit, les réglages varient d'une image à l'autre. Vous devez donc le faire manuellement pour chacun d'eux. Et selon la façon dont votre scanner a numérisé vos images, vous n'avez peut-être pas besoin de le faire. Mais encore une fois, vous serez le meilleur juge de ce à quoi ressemble votre image et de ce à quoi vous voulez qu'elle ressemble un jour . Alors continue de jouer avec ça. Et une fois que vous êtes satisfait, cliquez sur OK et enregistrez votre fichier, puis passez au suivant. De même, je vais rapidement faire les deux autres. Et une fois tous vos fichiers terminés, nous passerons à l'étape suivante, qui consiste à ajuster la saturation de ces images. OK, donc encore une fois, je vais revenir à mon premier dossier. Et encore une fois, nous allons sélectionner le calque, passer aux réglages de l'image, à la teinte et à la saturation. Donc, cette fois, nous aurons une fenêtre contextuelle comme celle-ci. Désormais, l'outil de teinte et de saturation Photoshop modifie la teinte, saturation et la luminosité d' une image ou de parties spécifiques de celle-ci. Ainsi, par exemple, si vous souhaitez modifier la gamme de couleurs d'une partie d'une image, ou si vous souhaitez rendre une couleur plus profonde ou plus éclatante, c'est l'outil qui viendra à notre secours. Ici, nous pouvons jouer avec le curseur de saturation pour augmenter ou diminuer la saturation nos œuvres d'art et la rapprocher au plus près de nos couleurs d'origine Et bien sûr, encore une fois, si vous voulez volontairement améliorer légèrement la couleur et l'augmenter d'un cran, c'est également possible ici Vous remarquerez également que pour le moment, nous allons simplement travailler avec le curseur de saturation et non avec celui de teinte et de luminosité Je vous montrerai comment utiliser le curseur de teinte plus tard dans la leçon, je n' utilise pas vraiment le curseur de luminosité car nous avons déjà ajusté niveaux dans la section précédente à l'aide du tabouret de niveaux Je préfère donc régler les niveaux avec le tabouret Levels plutôt d'utiliser le tabouret Lightness ici. Je vais donc aborder cette question légèrement et pas trop, car je ne veux pas que cela paraisse très anormal également, et je voulais tout de même conserver cette qualité artisanale de l'œuvre d'art Dans la plupart des cas, l' ajustement de niveau que nous avons effectué à l'étape précédente donne en fait un très bon résultat. Mais ce jeu de saturation est une étape supplémentaire pour vraiment améliorer l' apparence de votre œuvre d'art. Et une fois que vous êtes satisfait, cliquez sur OK, enregistrez votre fichier et passez au suivant. Maintenant, je vais aussi faire les autres rapidement. Encore une fois, il n'y a pas de formule fixe pour cela. Vous devez le faire manuellement pour chacun de vos fichiers car chacune de vos œuvres d'art aura un aspect et une sensation différents. Passez vraiment du temps à effectuer ces ajustements pour donner à votre œuvre l'apparence que vous souhaitez vraiment et vous commencerez bientôt à vraiment apprécier le processus de correction. Et une fois que vous aurez terminé régler la saturation de tous vos fichiers, retrouvez-moi dans le segment suivant où nous utiliserons le pinceau de correction des taches. OK, donc sur le panneau de gauche, nous avons le pinceau à cicatriser les taches qui ressemble en quelque sorte à un pansement. Et en haut, nous pouvons ajuster la taille de cet outil en déplaçant le curseur Bien entendu, pour les grandes surfaces, vous pouvez utiliser un pinceau plus grand, et pour les zones plus petites, vous pouvez réduire la taille des pixels. Pour voir l' aperçu en direct de la taille, il est préférable de sélectionner d'abord la couche. Et une fois le calque sélectionné, vous pouvez voir correctement la taille. 5 000 pixels, c'est donc cette taille, et vous pouvez l'utiliser pour corriger rapidement de grandes zones. , vous pouvez également utiliser les touches du support de votre clavier ailleurs, vous pouvez également utiliser les touches du support de votre clavier pour réduire ou agrandir la taille de votre pinceau. Je vais donc réduire cela à peu près à ce montant. Nous allons maintenant rechercher les zones nos œuvres d'art qui présentent des éclaboussures de peinture que nous voulons réparer, comme celle-ci ici. Ainsi, l'outil Spot Healing Rush supprime facilement les taches, marques, petites empreintes indésirables marques, petites empreintes ou même les objets présents sur votre image. Photoshop sélectionne essentiellement les pixels que vous souhaitez nettoyer et les fusionne avec les pixels d'une autre partie de votre image pour qu'elle soit homogène et qu'elle ne présente aucune erreur. Donc, par exemple, c' est le domaine que je veux corriger en ce moment. Je vais donc cliquer ici sur la section des éclaboussures de peinture et vous verrez qu'elle se nettoie parfaitement et que cela n'affecte pas la texture du papier en dessous C'est donc presque comme si les éclaboussures de peinture ne s'étaient jamais produites. Nous pouvons également le faire glisser légèrement avec notre curseur pour nettoyer les zones en un seul mouvement au lieu de faire plusieurs clics. Et de la même façon, je vais nettoyer ce petit coin ici. Et encore une fois, nous pouvons réduire la taille du pinceau pour atteindre des zones plus petites, puis nous continuons le même processus. Tout cela prend donc beaucoup de temps, car nous avons de temps, car nous avons nombreux domaines à couvrir dans nos œuvres d'art. Donc, à des fins de démonstration pour le moment, je vais simplement aborder certains points clés et quelques exemples clés et je vais également accélérer légèrement les choses. Mais vous pouvez prendre votre temps pour nettoyer ces boîtes et ne pas être pressé suivre, car vous pouvez toujours mettre la vidéo en pause autant de fois que vous le souhaitez et le faire à votre propre rythme. Maintenant, voici un passage intéressant. Vous remarquerez que dans certaines sections, comme celle-ci, l'outil de correction localisée ne fonctionne pas très bien, car il n'y a pas assez de pixels de référence pour que Photoshop comprenne comment corriger un problème comme celui-ci lorsque l'erreur est étroitement liée au design réel. Donc, dans des domaines comme celui-ci, nous utiliserons un outil différent plus tard, et l' outil de réparation localisée fonctionne mieux avec des éclaboussures et des marques indépendantes ou éparses, comme celles qui ne sont pas vraiment liées à la conception globale Encore une fois, cette fosse est en fait très proche de la ligne de stylo d'origine. Photoshop n'est donc pas en mesure de comprendre à quel endroit exactement se trouve l'erreur et quels pixels sont exactement l'origine du problème, car il n'est pas en mesure de faire la distinction entre les deux. Donc, pour quelque chose comme ça, nous utiliserons un autre outil plus tard. Et puis pareil ici, c'est très proche du design. C'est très proche des lignes du stylo. Nous allons donc régler ce problème plus tard. Mais sur votre deuxième œuvre d'art, où nous avons utilisé des crayons de couleur, le pinceau à cicatrisation des taches s' avérera très pratique Donc ici, comme vous pouvez le voir, je peux facilement retirer tous mes crayons de couleur, spécifications et ma poussière Photoshop peut facilement identifier les points sales ou ceux qui semblent étranges par rapport au reste des pixels qui l'entourent, puis il les nettoiera très rapidement pour nous. Encore une fois, je vais juste accélérer légèrement la vidéo pour vous montrer certains des autres endroits que je nettoie. Pour être honnête, il est en fait très facile de suivre cette pente glissante qui consiste à nettoyer à peu près toutes les taches de votre œuvre d'art un moment ou à un autre du processus, vous devez faire une pause pour réfléchir à la quantité que vous souhaitez nettoyer et à la quantité de cette imperfection naturelle que vous souhaitez conserver, car le fait de nettoyer une œuvre d'art en profondeur dans Photoshop peut nuire à sa beauté naturelle, et vous voulez que votre œuvre ait l'air faite main après tout Je dirais donc qu'il suffit de nettoyer les plus grandes taches qui sont vraiment une horreur pour Ou particulièrement les zones où les spécifications ou la poussière d'une couleur interfèrent avec l'autre couleur Mais ne visez pas la perfection extrême ou la perfection excessive , car cela ôterait complètement le caractère artisanal de votre œuvre d'art, et c'est quelque chose que vous ne voulez certainement pas faire en tant qu' artiste, car vous l'avez réalisée avec des matériaux de dessin traditionnels. Vous voulez donc conserver un peu cette qualité. Et donc oui, ce serait donc mon conseil pour toi. Et encore une fois, de la même manière. Regardons un autre exemple pour voir comment nous pouvons également utiliser le pinceau cicatrisant sur celui-ci. Je vais donc faire un zoom arrière, rechercher des marques et des points comme celui-ci et les nettoyer. Ces petites taches de stylo ne sont pas très visibles à l'œil nu, mais vous pouvez les voir très clairement maintenant sur ces scans en haute résolution. Et, bien entendu, si vous agrandissez votre design, vous devez absolument vous débarrasser de ces imperfections, car elles peuvent être une horreur pour les yeux Encore une fois, je vais simplement passer en revue l'ensemble de mon design et nettoyer ces endroits. Et donc ici, encore une fois, cette zone est trop proche de cette ligne noire. Photoshop n'est donc pas en mesure de faire la différence entre l' erreur et le design réel. Donc, comme je l'ai dit, pour quelque chose comme ça, nous utiliserons un autre outil plus tard. Mais pour le moment, vous pouvez simplement rechercher spécifications, des taches et des marques isolées ou indépendantes sur vos œuvres d'art et les nettoyer Et encore une fois, comme je l'ai mentionné, cela peut prendre beaucoup de temps. N'hésitez donc pas à suspendre la vidéo autant de fois que vous le souhaitez pour terminer le processus de nettoyage. Et une fois que vous aurez terminé de réparer les taches dans toutes vos œuvres d'art, revenez au segment suivant où nous utiliserons l'outil d'estampage de clones Très bien, il est donc temps d' explorer un autre outil intéressant. Et sur le côté gauche, nous avons cet outil appelé outil de clonage, qui ressemble essentiellement à un tampon à encre. Et si vous laissez le pointeur de la souris dessus pendant un moment, vous verrez que la description indique que les peintures sont peintes avec des pixels provenant d' une autre partie de l'image Ainsi, le tampon de clonage prend essentiellement l'échantillon d'une partie de votre image, puis le reproduit dans une autre section de l'image Maintenant, ici, j'ai une section du dessin, qui est très sale avec toutes ces taches bleues, et j'en ai aussi une autre , qui est assez propre. Je vais donc utiliser le tampon de clonage pour prendre les pixels de la zone propre, puis les reproduire dans la zone sale Je vais donc d'abord passer à la zone propre, et je vais réduire un peu la taille de mon pinceau à l'aide des touches du support. Ensuite, je vais maintenir la touche option enfoncée et cliquer sur la zone de l' image que je souhaite copier. Cela définit essentiellement un point de départ pour l'outil, et lorsque vous cliquez, vous verrez apparaître ce petit symbole semblable à une cible. Maintenant, je vais commencer à peindre sur ma partie sale. Et vous pouvez voir que lorsque je déplace ma souris sur le point de sortie, le point source cible se déplace également avec lui. Il s'agit donc essentiellement de reproduire également les pixels environnants , puis de les peindre au-dessus de la zone sale. Maintenant, si mon point cible survole accidentellement les parties noires de mon dessin, il copiera également ces pixels et les répliquera au point de sortie Ainsi, en fonction des sections de votre dessin que vous essayez réellement de reproduire, vous devez déplacer votre curseur dans ces directions, et vous devez essentiellement faire attention à votre déplacement ici Donc, bien sûr, nous pouvons annuler cela et définir un nouveau point source. Donc quelque part en bas, ici. Et maintenant, nous pouvons monter comme ça. Encore une fois, où que mon point de sortie se déplace, le point source cible se déplace en même temps et lui fournit des pixels jusqu'à Sm. Encore une fois, je me suis trop rapproché de la ligne noire, donc je vais l'annuler et recommencer. Vous pouvez également le faire en sections courtes pour éviter de trop faire des allers-retours. Et maintenant, je vais simplement prendre le point source d'ici même à partir de cette zone propre que je viens de créer, et je vais simplement le reproduire. D'accord. Et de la même manière, nous pouvons parcourir l'ensemble de nos œuvres d'art et effectuer toutes les corrections. n'y a donc pas de formule fixe pour cela, car chacun d'entre nous aura une œuvre différente et un niveau de nettoyage différent à effectuer, en fonction des taches et des taches que vous avez Comme autre exemple, je vais également vous montrer l'aquarelle afin que vous puissiez avoir une idée de la façon dont je répare quelque chose comme ça Je pense donc que vous vous souviendrez cette zone où nous avions la tache, tout près de la ligne noire. Encore une fois, je vais juste faire la même chose. Je vais définir mon point source dans la section du nettoyeur, puis je vais simplement le reproduire ici, près de la ligne noire Vous pouvez donc remarquer qu'à chaque fois que je m'approche de très près de la ligne noire, cela se reproduit également Et nous pouvons ensuite le faire avec un pinceau plus petit afin d' absolument précis dans les zones où nous voulons aller. Et vous pouvez voir ici à quel point il reproduit magnifiquement ces pixels blancs immaculés et élimine nos taches Il faut donc un peu d'essais et d' erreurs au début, mais avec de la pratique, cela devient assez facile, et bientôt vous commencerez à vraiment apprécier le processus de nettoyage de vos œuvres d' Il suffit donc de continuer à zoomer et de trouver des sections propres , puis de les tamponner par clonage à l'endroit où vous avez la tache, la tache ou toute autre marque sur votre Et encore une fois, je vais accélérer légèrement pour que vous puissiez voir mes progrès. Encore une fois, gardez à l'esprit que je fais une grande partie de ces activités en ce moment à des fins de démonstration, donc je laisse quelques petites taches derrière moi. Mais si vous êtes perfectionniste et que vous voulez vous débarrasser de la moindre tache, ou si vous voulez suivre le même chemin et tout faire vous-même, vous pouvez réduire encore plus la taille de votre pinceau et fixer chaque pixel à votre guise Encore une fois, vous pouvez mettre la vidéo en pause et prendre tout le temps dont vous avez besoin pour apporter vos corrections. Et c'est vraiment votre choix personnel lorsqu'il s'agit savoir dans quelle mesure vous souhaitez nettoyer ou quelle mesure vous souhaitez affiner vos œuvres d'art à ce stade. En fait, cela ne me dérange pas d'avoir une petite tache ici et là parce que je cela ajoute à la qualité du fait main, mais c'est à vous de décider de la quantité de nettoyage que vous souhaitez faire Donc, pour un autre exemple, examinons également l'illustration au crayon de couleur que nous avions réalisée. Encore une fois, même chose ici, je peux voir beaucoup de taches de crayon de couleur et des marques supplémentaires sur les zones blanches, que je ne veux évidemment pas conserver. Je vais donc définir le point source pour les pixels propres, puis les reproduire ici sur les parties sales. Donc, comme vous pouvez le voir, je prends les pixels propres situés sur les bords du papier, les zones qui étaient en fait cachées derrière le ruban adhésif Ensuite, je ne fais que les reproduire sur les parties sales. J'aime beaucoup cette méthode de fixation de mes œuvres d'art, car je peux toujours conserver la texture du papier tout en nettoyant toutes mes taches. Il existe également une autre méthode, vous permet de vous débarrasser complètement de l'arrière-plan, puis de le remplacer par un nouvel arrière-plan. Mais je n'utilise pas cette méthode sur des œuvres d'art comme celles-ci car j'aime conserver autant que possible le toucher fait main. Et j'utilise davantage l'autre méthode pour mon travail de conception de motifs de surface , que j'espère aborder en détail dans un autre cours. Pour l'instant, je vais continuer à changer taille de mon pinceau pour l'adapter aux plus petites zones, et je vais continuer à utiliser l' outil Clonem pour toutes mes œuvres d' art Cette œuvre d'art au crayon de couleur a beaucoup de travail à faire. Je pense donc qu'il me faudra probablement au moins une heure pour tout nettoyer. Mais je vais juste accélérer les choses pour que tu puisses regarder. Et puis il en va de même pour toi. Vous pouvez suspendre la vidéo et prendre le temps dont vous avez besoin une fois que vous avez terminé, en effectuant tous les nettoyages de vos œuvres d'art à l'aide du pinceau réparateur et de l'outil d' estampage par clonage, puis retrouvez-moi dans le segment suivant où nous commencerons à créer des couleurs pour nos œuvres d' D'accord, il est maintenant temps de créer des couleurs pour toutes les œuvres d'art que nous avons développées. Et si vous souhaitez commencer à ajouter de nouveaux designs à votre portfolio, cette étape est très utile car vous pouvez créer de nombreuses variantes différentes en utilisant la même œuvre d'art, ce qui signifie que vous aurez plus de chances de monétiser votre Donc, pour commencer, nous allons encore une fois faire un peu de magie avec Photoshop. Tout d'abord, nous allons cliquer sur la bonne couche sur laquelle se trouve notre œuvre d'art. Et je vais le renommer comme original afin d'éviter toute confusion par la suite Ensuite, je vais appuyer sur la commande J de mon clavier, qui dupliquera cette couche pour moi. Je vais également désactiver la visibilité de la couche d'origine en utilisant cette petite icône en forme d'œil ici. Ensuite, je vérifierai que je suis sur la bonne couche, et nous devrions être sur celle qui indique la copie originale. Ensuite, nous passons au calque, au nouveau calque de réglage, teinte et à la saturation. Appuyez sur o. Ensuite, dans le panneau des calques, il va ajouter une couche au-dessus votre couche d'illustration où vous pourrez effectuer tous les ajustements. Cela signifie que notre couche d'illustration d'origine restera intacte et que les ajustements seront effectués sur une couche séparée sans affecter l'original Et vous verrez que dans l'onglet des propriétés ici, un panneau avec des curseurs de teinte et de saturation s' ouvrira pour Et ici, nous allons jouer avec ce curseur de teinte pour voir quelques variations de couleur pour nos œuvres d'art Vous pouvez donc voir que lorsque je le déplace vers la droite, cela me donne différentes options de couleurs, et les couleurs de mes œuvres d'art changent en conséquence. De même, j'ai plus d'options de couleur en déplaçant également le curseur vers la gauche, donc nous le déplaçons simplement jusqu'à ce nous trouvions quelque chose qui nous convient. Donc, par exemple, j' aime bien cette version rouge-orange qui se passe ici. Je vais donc m'arrêter là. Ensuite, je vais accéder à mon panneau de calques, et une fois mon calque de réglage sélectionné, j'appuierai sur Shift sur le clavier et je sélectionnerai également le calque de copie. Ensuite, j'appuierai sur la commande G, qui placera les deux couches dans un groupe. Et je vais renommer ce groupe en rouge orange, et c'est ainsi que nous avons créé une variation de couleur pour nos œuvres d'art Encore une fois, je reviendrai sur notre toute première couche d' illustration originale. Je vais le dupliquer avec la commande J. Ensuite, j'activerai la visibilité de cette couche. Je vais passer à la couche, nouveau calque de réglage, à la saturation des teintes , appuyer sur OK, et je vais désactiver la visibilité de ce groupe rouge-orange car ce groupe rouge-orange car il se trouve actuellement au-dessus de la couche sur laquelle nous travaillons. Nous ne pourrons pas vraiment voir ce qui se passe sur les couches situées en dessous. Ensuite, je reviendrai à mon onglet de propriété et je recommencerai à déplacer mon curseur de teinte Et cette fois, je vais m'arrêter là où je vais obtenir une variation rose-violet. Pareil, je vais regrouper ces couches et nommer cette variation de couleur violet preppy Et maintenant, nous avons deux variations de couleur de la même œuvre d'art. En fait, trois, si l'on compte aussi l'original. Encore une fois, je vais désactiver la visibilité et refaire la même chose. Dupliquez l'illustration d'origine, puis nous ajoutons la couche de réglage. Et cette fois, expérimentons certaines des options prédéfinies qui s' offrent à nous. Ici, dans le menu déroulant prédéfini, vous verrez certaines options qui peuvent parfois très bien fonctionner pour vos œuvres d'art. Il existe donc une option cyanotype et des options permettant d' augmenter la saturation ou de renforcer des couleurs spécifiques Jouons donc avec certains d'entre eux et voyons si quelque chose peut fonctionner pour nous. La version CPR semble intéressante, mais pour ce qui est de mon œuvre, je pense qu'elle ne correspond pas vraiment à l'ambiance de l'œuvre d'art Peut-être que cela fonctionne bien pour votre pièce, vous pouvez donc expérimenter et enregistrer ce paramètre également, si vous le souhaitez. Mais je vais en fait revenir à la valeur par défaut, et je vais jouer avec une autre option en bas, qui dit coloriser Cette option permet donc supprimer la couleur d'origine d'une image et de la recouvrir d'une teinte et d'une saturation uniques Et encore une fois, vous pouvez choisir cette teinte en déplaçant les curseurs situés en haut C'est donc également une option intéressante avec laquelle vous pouvez jouer pour créer davantage de variations de vos œuvres d'art. Encore une fois, rien ne fonctionne bien pour moi en tant que tel ici, mais peut-être que cela fonctionne bien pour vous. Alors jouez le jeu et voyez si vous pouvez trouver quelque chose d'intéressant. En fait, j'aime bien l'approche multicolore, donc je ne vais probablement pas utiliser cette option aujourd'hui. Et je vais revenir à mes paramètres par défaut et utiliser les curseurs tels quels Maintenant, il y a en fait une autre astuce que je voudrais vous montrer. Ainsi, lorsque vous accédez à votre panneau de calques et que vous cliquez sur le calque de réglage, vous disposez également de différents types de modes de fusion dans ce menu déroulant heure actuelle, nous utilisons le mode de fusion normal, mais nous avons également la possibilité de dissoudre, de multiplier la combustion des couleurs et de nombreux autres modes de fusion, qui peuvent donner des résultats très intéressants pour votre Je vous encourage donc à essayer également ces options. Je vais également essayer de trouver quelque chose qui me plaît. Ce n'est pas comme si ces options fonctionnaient pour toutes vos œuvres d' art et ce n'est 10. Exemples supplémentaires: Et bien, examinons les très bien, examinons les différentes variations de couleurs que j'ai créées pour chacune de mes œuvres d'art, ainsi que la façon dont je les ai utilisées sur différents produits. Donc, pour l'aquarelle , j'ai bien sûr amélioré la palette de couleurs d'origine, puis j'ai créé cinq autres variations de couleurs Et voici quelques photos pour vous montrer à quoi ressemble cette œuvre d'art sur différents produits. Ce sont donc des maquettes que j'ai prises red bubble.com, où mes créations sont Et une fois que vous avez téléchargé vos designs, vous pouvez également voir vos illustrations sur différents produits, tout comme les miens. Il s'agit ensuite de la deuxième œuvre d'art que nous avons créée avec des pinceaux. Pour cela, j'ai créé trois autres variations de couleurs en plus de l'original Voici un aperçu de l' apparence de ce design sur différents produits. De même, j'ai également créé trois variations de couleurs supplémentaires pour les illustrations au crayon de couleur, et voici à quoi elles ressemblent sur différents produits. Maintenant, je vais juste vous montrer quelques autres exemples d'œuvres d'art que j'ai créées dans un style similaire. C'est donc celui que j'ai créé avec une combinaison de pinceaux de crayons à aquarelle C'est donc très similaire à l'aquarelle que nous avions créée dans Project One J'ai également utilisé un peu d'or ici, le stylo doré UIBL Signo, et je l'ai indiqué dans le document sur les ressources pédagogiques, afin que vous puissiez le vérifier là-bas Ensuite, ces deux modèles sont légèrement plus aérés et minimalistes, et ils sont à nouveau créés avec des pinceaux Et dans l'un d'entre eux, j'ai également utilisé le stylo pinceau pour créer de jolies lignes neurographiques sur les bords C'est donc aussi quelque chose que vous pouvez essayer. Ensuite, celui-ci était un dessin légèrement plus maximaliste que j'ai créé dans le cadre d' un défi de Noël que je faisais, et j'ai utilisé cette palette de couleurs pour d'autres dessins lors de ce défi de Noël J'ai donc créé une œuvre d'art supplémentaire dans le style neurographique également Encore une fois, celui-ci est similaire au premier projet que nous avons créé, sauf que j'ai tracé les lignes jusqu'aux bords, de sorte que vous obtenez un effet plein cadre une fois que vous avez retiré les lignes jusqu'aux bords, sorte que vous obtenez un effet plein cadre une le ruban adhésif Ensuite, bien sûr, comme toujours, vous pouvez également jouer avec les différentes couleurs de papiers que vous avez. Voici donc une expérience que j'ai faite sur un carreau noir en zentangle Donc oui, comme je vous le disais, les possibilités de l' art neurographique sont tout simplement infinies Vous pouvez jouer avec des médiums, vous pouvez jouer avec des papiers, vous pouvez jouer avec tant de techniques différentes et de styles différents, tout combiné à la structure de base de l'art neurographique Je vous encourage donc à vous amuser avec vos fournitures et créer de beaux projets. N'hésitez pas les partager avec moi dans la galerie des étudiants de la classe. Et si vous avez des questions, n' hésitez pas à me contacter. 11. Réflexions finales: OK, alors félicitations pour avoir terminé ce cours et réalisé vos magnifiques projets. J'espère vraiment que vous avez apprécié l'apprentissage de cette technique et que vous continuerez à la pratiquer davantage. Si vous avez trouvé ce cours utile pour vous, puis-je vous demander de laisser un avis à ce sujet sous l'onglet des critiques Vos critiques m'assurent que tous mes cours et ma présence sur Skills Share se poursuivent et que je peux continuer à créer du contenu de plus en plus intéressant pour vous. Le partage de compétences est vraiment une plateforme axée sur les étudiants, et j'accorde plus d'importance à vos opinions. Donc, si vous avez des idées ou des suggestions pour les prochains cours, assurez-vous de les indiquer dans l'onglet de discussion, situé juste en dessous de cette vidéo La discussion Stab est également ouverte pour que vous puissiez me poser des questions sur ce cours ou pour échanger des idées en général Je vous recommande également de consulter mon profil sur Skillshare et d'appuyer sur le bouton de suivi situé juste à côté de mon nom pour vous abonner à toutes mes notifications ici Ainsi, vous serez les premiers informés chaque fois que je lancerai un nouveau cours ou une leçon supplémentaire, ou lorsque je planifie un concours et que j'ai d'autres annonces intéressantes à faire Et au cas où vous ne l' auriez pas déjà fait, je voudrais vous rappeler rapidement publier vos projets dans la galerie de projets, qui se trouve également juste en dessous de cette vidéo. Je réponds à tous les projets publiés ici, et ce sera un excellent moyen pour vous de recevoir des commentaires personnalisés. Enfin, n'oubliez pas de communiquer avec moi sur les réseaux sociaux. J'ai créé une communauté de hashtags sur Instagram, où vous pouvez trouver des étudiants de toutes mes classes qui publient leurs merveilleux travaux Ainsi, nous pouvons tous donner et recevoir de l'inspiration. Merci donc beaucoup de m' avoir rejoint aujourd'hui. Et jusqu'à la prochaine fois, continuez à créer.