Esquisse numérique : du papier à Procreate

1. Intro: Salut, tout le monde. Mon nom est [inaudible]. Je suis illustrateur et Travel Sketcher de [inaudible], Russie. J' adore les carnets de croquis et pour les années de croquis dans différents beaux endroits, j'ai rempli je suppose, des centaines de pages et des dizaines de carnets de croquis. Bien sûr, ma technique a été variée avec le temps. Mais après toutes ces années et ces changements, la seule chose est restée constante, un carnet de croquis. Mais parfois je pars, j'ai essayé des croquis numériques sur iPad et je ne pouvais pas m'arrêter. C' était comme quand vous voulez dessiner seulement un croquis de mur de tunnel pour essayer une fonction de Procreate, puis vous vous trouvez plus tard agréable à explorer dans les paramètres des pinceaux et regarder vos propres délais. En fait, après les années de croquis traditionnels, il était un peu difficile de passer directement au numérique. Certaines choses dans l'esquisse numérique sont les mêmes et d'autres sont complètement différentes. Mais quel était le plus difficile pour moi ? C' était de trouver une technique qui ressemblerait visuellement à mes dessins de carnets de croquis, pour me faire sentir satisfait et ne pas perdre un style que j'avais déjà. Je crois que je l'ai trouvé et bien sûr, j'aimerais le partager avec vous maintenant. Cette classe est pour ceux qui veulent dessiner sur iPad, mais ne savent pas comment commencer. Je vais vous montrer étape par étape comment j'ai dessiné le même croquis deux fois, abord sur du papier aquarelle puis sur iPad. Vous verrez les similitudes et les différences de quel processus à chaque étape. Nous allons mettre les pinceaux ensemble pour obtenir un effet correct et je vais vous montrer comment je crée mes palettes de couleurs. En fin de compte, je vous demanderai de faire la même chose, dessiner un croquis deux fois, traditionnellement et numériquement et de le télécharger ici comme projet de classe. Pour cette classe, j'utilise mon iPad 2010, pas le modèle pro, Apple Pencil et l'application Procreate. Si vous n'avez pas encore votre propre iPad, ce cours peut répondre à votre question ; avez-vous besoin d'en acheter un ou non ? Qu' apprendrez-vous grâce à cette classe ? Vous apprendrez comment dessiner un croquis numérique avec des contours et des couleurs étape par étape avec un algorithme prévisible. Vous apprendrez à ne pas se perdre dans la collection de pinceaux Procreate, mais à utiliser des pinceaux particuliers, comment ajouter facilement des formes, des surlignements et des textures, comment créer et utiliser des références photo et vous apprendrez comment pour utiliser votre expérience du dessin traditionnel pour plonger dans l'art numérique. Si vous êtes un esquisse, un Illustrateur, n'importe quel artiste visuel, ou designer ou simplement une personne qui aime dessiner, cette classe peut être intéressante pour vous. Votre expérience de dessin n'est pas vraiment importante pour cette classe. Je pense qu'il convient à la fois aux débutants et aux professionnels. Merci de regarder et je vous souhaite joyeux dessin. 2. Numérique et papier: Parlons de la façon dont les tiroirs numériques diffèrent du tiroir traditionnel. abord, j'allais appeler cet épisode des avantages et des inconvénients. Mais j'ai réalisé qu'ils dépendent de la situation et vos préférences personnelles, tous les mineurs peuvent devenir un plus et vice versa. Comparons les deux approches en utilisant les huit critères. Equipement. Ici, vous pouvez voir ce que j'emporte avec moi quand je vais faire des croquis. Bien que j'utilise de très petits carnets de croquis, j'ai généralement mon sac à dos plein. Un ensemble aquarelle, un pastille, une trousse avec crayon, doublures, pinceaux, pinceaux, pinceaux à eau, marqueurs, etc Quelque chose aplatit ferme à dessiner sans table, un appareil photo pour pouvoir prendre une belle photo d'un croquis sur place mais juste pour le mentionner ici parce que je l'utilise en ce moment. Voici ce dont j'ai besoin pour le croquis numérique de mon iPad, un stylet et un chargeur portable. C' est ça. Temps et espace. Parfois, je porte dans ma poche un petit carnet de croquis et une bande de pinceau pour les croquis rapides. Mais en cas de faire un croquis plus long et coloré plus détaillé, je dois également être préparé en premier. J' emporte tout mon équipement et bien sûr, j'ai besoin d'espace pour ça à côté de moi. La table réelle n'est pas nécessaire. Vous pouvez toujours utiliser un plancher, mais de toute façon, vous avez besoin d'un morceau de surface plane pour mettre vos [inaudibles], crayons et ainsi de suite. Ensuite, vous devez tout récupérer et garder à l'esprit que vous ne pouvez pas fermer le carnet de croquis avec des dessins à l'aquarelle jusqu'à ce qu'il sèche. Pour commencer votre croquis numérique, il vous suffit de sortir votre iPad, stylet et d'ouvrir l'application Procreate. L' espace de travail est prêt. Il peut sembler que si elle est si ghréline, unique, quelqu'un garder des livres de croquis dessinés à la main et ici nous passons au critère suivant, l'atmosphère. Avez-vous déjà remarqué comment parfois nous ne jeter un oeil à certaines arches photo de lieu de travail sur Instagram et puis obtenir immédiatement cet outil E volonté de dessiner. Toutes ces boîtes à aquarelle, tubes, crayons, pinceaux et doublures, et même boîtes de peinture, partout, inspirent beaucoup. Le chaos créatif a soudainement son esthétique. Pour moi, le processus de dessin numérique semble sans visage et même stérile. Vous pouvez créer une illustration incroyable, mais alors vous désactivez ce vert et imaginé disparaît. Néanmoins, le format numérique garantit que vous ne renversez jamais de tache ou de gâcher quoi que ce soit. Conditions de travail. Outre la table dans certains espace drone évolutif nécessite un bon éclaircissement. C' est assez difficile à dessiner quand vous ne voyez pas votre dessin. Parfois, je dois allumer ma page avec la lampe de poche d'un téléphone. Mais la bonne chose ici, c'est que vous n'aurez jamais de décharge de carnet de croquis. Pour le dessin numérique, l'éclaircissement n'est pas si important. Bien sûr, n'est pas très sain pour vos yeux de dessiner dans l'obscurité complète. Mais j'ai déjà eu une certaine expérience quand la lumière et le café étaient trop faibles pour mes amis avec des carnets de croquis et pour moi avec l'iPad, c'était tout à fait bien. Mais comme vous le savez, vous devez payer pour tout dans ce monde, les batteries aimaient être déchargées soudainement. C' est pourquoi je porte toujours un chargeur portable dans mon sac. Limitations. Parlons maintenant des limites. Tout d'abord, je voudrais dire que la limitation elle-même n'est pas une mauvaise chose. Il peut réveiller votre créativité, vous faire grandir en tant que professionnel et parfois cela vous fait vraiment gagner du temps. Mais aussi à peut vous frustrer beaucoup, surtout si vous ne vous attendiez pas à une limitation du tout. Limitations de couleur. Bien qu'en véritable aquarelle ou tout autre matériau de feuille, nous sommes toujours limités dans les couleurs. Selon la théorie de l'appel, nous pouvons obtenir n'importe quelle couleur dans le monde, fait un honneur trois couleurs de base, rouge, jaune, et bleu. En réalité, ça ne marche pas si facilement. Chaque acte de mélangeur de couleurs réduit la saturation. C' est pourquoi nous obtenons souvent des couleurs en sourdine à l'aide d'un granulé limité. Dans le dessin numérique, nous allons obtenir n'importe quelle couleur que nous voulons à tout moment. C' est très pratique, mais ce n'est pas toujours bon pour votre dessin. Une image faite de trop de couleurs vives n'aurait guère l'air harmonique. C' est pourquoi je recommande de limiter intentionnellement votre pastille numérique et d'utiliser des demi-tons légèrement saturés avec des axones lumineux. Limitation des tailles. Il est évident que dans les dessins planifiés, nous sommes limités par la taille et les proportions d' une page ainsi que par les épaisseurs et les formes de nos outils. Si je n'ai que deux doublures, 05 et 08, je ne peux pas faire une ligne 005 peu importe comment j'essaie. Dans le dessin numérique, nous sommes libres de changer, recadrer et faire pivoter la toile à tout moment. Aussi, nous pouvons choisir un outil de n'importe quelle épaisseur et forme. Cela peut sembler fou à un artiste traditionnel, mais nous pouvons appliquer tous ces paramètres non seulement à un pinceau, mais aussi à une gomme. Sonne comme un conte de fées il d'abord, mais jouer avec des choses de base comme les pinceaux, les formats et les couleurs peut prendre trop de temps. Limitation dans les détails. Dans le dessin planifié, nous sommes toujours limités par la taille d'une page, l'épaisseur de vos outils et la plus nette [inaudible]. Si la queue est trop petite pour votre stylo, il suffit de la laisser tranquille. Sur iPad, nous pouvons sans cesse zoomer les plus petites pièces de votre œuvre et ajouter de plus en plus de détails. Parfois, cela entraîne une surcharge de la numérisation, réalisme inutilement et une perte de temps. Erreurs et aléatoirement. Dans le dessin traditionnel, c'est très rare quand vous pouvez corriger complètement toutes vos erreurs, mais parfois vous pouvez le transformer en un avantage. Par exemple, pour ajouter de la couleur à un endroit que vous n'aviez pas prévu de colorer mais où je dessine de la peinture accidentellement. Le hasard est une bonne chose. Cela peut vous conduire à de nouvelles décisions et vous donner un indice de certaines façons que vous ne conseilleriez pas intentionnellement. Dans le dessin numérique, vous pouvez tout réparer littéralement. Au pire, vous pouvez faire peu de couche et recommencer. Mais ici, nous sommes presque privés du hasard. Si nous avons accidentellement dessiné une ligne à un mauvais endroit, nous tapotons avec deux doigts pour annuler. Il peut sembler que c'est un moyen pour le dessin parfait, mais en fait, nous perdons la magie du hasard. Textures. Dans le dessin classique, vous obtenez facilement de belles textures vives. Ils apparaissent simplement à cause de la texture du papier, de la forme du trait, des spécificités des matériaux et du mélange des colonnes. Approprié application a beaucoup de grandes brosses de texture et il ya des centaines artistes créer leurs propres ensembles et vendre sur Internet ou donner gratuitement. J' aime les pinceaux imitant les matériaux secs comme les crayons et la craie, mais je ne suis pas content avec le pinceau car pour moi ils semblent trop artificiels et vous devez essayer dur de reproduire un effet que vous pouvez créer un papier d'un seul coup . Mais peut-être que je ne suis pas assez habile. matérialité. Le dernier critère dont j'aimerais parler est la matérialité. Êtes-vous heureux quand vous dessinez sur du papier ou pas ? Est de pouvoir le toucher et le sentir. Pour le voir dans un allégement différent pour percevoir la texture est un sentiment incroyable lorsque votre prochain carnet de croquis est en train d'être terminé. En feuilletant les pages, vous pouvez sentir combien de travail a été fait, combien d'endroits vous avez été aussi littéralement un poids de vos expériences. Le résultat du dessin numérique est virtuel. Parfois, je manque ce remplissage tactile tout en dessinant, la diversité des matériaux, l'occasion d'essayer de nouvelles combinaisons. Mais bien sûr, vous pouvez imprimer vos dessins numériques si vous souhaitez imprimer des autocollants ou des cartes et des affiches, il est beaucoup plus facile de le faire avec l'image numérique. En conclusion, je dirais que chaque approche a ses pouvoirs difficiles [inaudibles] et ses pouvoirs, et qu'aucune d'entre elles n'est généralement parfaite. Quand je dessine sur iPad Pro à temps, je commence à manquer mes carnets de croquis. Après une longue période de dessin classique, je veux revenir au numérique. Je pense que c'est formidable que nous ayons l'occasion de combiner ces approches et de choisir une approche appropriée en fonction de notre humeur et de notre but. 3. Bienvenue dans Procreate: Alors maintenant, nous allons nous familiariser avec Procreate Interface. En fait, cette application est très facile et intuitive, surtout si vous avez une expérience Photoshop. Mais c'est très bien si tu ne le fais pas. N' ayez pas peur, je ne parlerai pas trop longtemps de la fonction d'erreur. Je vais vous parler des fonctionnalités que j'utilise moi-même. Ainsi, lorsque vous ouvrez Procreate, vous voyez la galerie. Galerie contient toutes les images que vous avez créées avec Procreate ou importées ici. Alors créons une nouvelle image. Pour cela, nous devons taper sur le plus ici. Ici vous pouvez voir les tailles, certaines tailles standard ou tailles que j'ai déjà utilisées ici. Mais nous allons en créer un sur mesure. Ici, vous pouvez taper n'importe quelle largeur et hauteur de l'image. Voici aussi DPI, la résolution de l'image. Je vous recommande fortement de ne pas obtenir moins de 300 DPI car c'est une résolution qui est bonne pour l'impression. Ne touchez pas la couleur car RVB est complètement bien. Ici, vous pouvez taper n'importe quel titre que vous aimez, mais aussi vous pouvez le garder sans titre. Jetez un oeil ici, s'il vous plaît. Voici le nombre maximum de couches possibles. L' un des rares inconvénients de cette application de Procreate app est qu'il y a un nombre limité de couches. Ce nombre dépend de la taille de votre image. Donc, par exemple, créons une très petite image. Par exemple, 500 par 500 pixels. Vous pouvez voir que les couches maximales sont 128, ce qui est beaucoup. Mais essayons de créer une image plus grande. Par exemple, 5 000 sur 5 000. Nous pouvons voir que les couches maximales ne sont que quatre. Pour l'esquisse numérique, je pense que quatre couches ne sont rien. Donc nous serons quelque part au milieu, comme 2.000 sur 2.000. Vous pouvez voir que vous pouvez créer 46 couches ici, ce qui est tout à fait suffisant pour n'importe quelle esquisse. Alors créons. Maintenant, on est à l'intérieur. En fait, à partir d'ici, nous pouvons déjà commencer à dessiner. Mais je pense qu'il est préférable d'apprendre quelque chose sur certaines caractéristiques principales. Donc voici la galerie et en appuyant ici nous pouvons retourner à la galerie. Parlons de ces boutons. Le premier bouton avec ce petit arrangement cache de nombreux paramètres utiles. Donc, voici ajouter, et ici vous pouvez ajouter des fichiers et des photos et couper et copier toute la toile. Par exemple, si vous devez couper l'image entière avec tous les calques d'ici, et les coller dans une autre image. Dans Canvas, nous pouvons trouver recadrer et redimensionner. Ainsi, avec le recadrage et le redimensionnement, nous pouvons changer la taille de notre Canvas réel. Ici aussi, vous pouvez trouver le guide de dessin. Vous pouvez l'utiliser si vous voulez des guides. En outre, il y a des guides de perspective et des guides de symétrie, mais nous ne les utiliserons pas maintenant. Voici également un point très utile. Celui-ci est des informations sur le Canvas. Ici, vous pouvez voir votre nombre maximum de calques, et vous pouvez voir combien d'entre eux vous avez déjà utilisé. Ceux-ci, dites-vous combien d'entre eux sont restés. Cela peut donc être une information très utile. En outre, il y a certaines dimensions physiques de votre image. Par exemple, si vous créez vos dimensions d'image et de pixel, et maintenant vous voulez savoir à quel point il est en millimètres, vous pouvez le trouver ici. Voici le bouton de partage, et partager ici signifie l'exportation. Ainsi, vous pouvez exporter votre fichier dans n'importe quel type de fichier. Le plus populaire est JPEG est juste le format habituel pour n'importe quelle photo ou image. Ici aussi BSD. BSD est un fichier Photoshop. Cela signifie donc que si nous exportons notre fichier de Procreate vers BSD, nous pourrons l'ouvrir dans Photoshop et l'éditer avec tout ce calque sauvegardé. Voici une vidéo. Procreate est si agréable qu' elle enregistre des vidéos pour vous. Donc, après avoir terminé votre dessin, vous pouvez voir le time-lapse de votre processus et peut-être le partager sur Instagram ou ailleurs. Dans les préférences, nous avons quelques préférences comme, nous pouvons changer la couleur de l'interface, le changer en mode main droite, et nous avons quelques contrôles gestuels ici. Ce que je vous recommande fortement de faire est de désactiver les actions tactiles. Cela signifie que vous ne serez pas en mesure de dessiner accidentellement quelque chose avec votre doigt. Ainsi, vous serez en mesure de dessiner uniquement avec votre crayon Apple ou tout autre style. Vous n'utiliserez vos doigts que pour certains gestes comme le zoom arrière principal, la rotation, l'annulation, et d'autres choses, mais pas le dessin. C' est pour ça que je l'allume ici. À l'aide, il y a quelques choses habituelles qui sont dans la section « Aide ». Déménageons ici. Voici le bouton avec cette baguette magique. Il y a quelques ajustements. Pour moi, il ressemble à une liste très limitée de fonctions photo, mais en fait pour dessiner, c'est tout à fait suffisant. Je n'en utilise que peu ici, comme l'obésité, cela change l'obésité ou la transparence de votre couche. Aussi j'utilise celui-ci, teinte, saturation, luminosité. Cela fonctionne exactement comme dans Photoshop. Vous pouvez modifier la légèreté de votre objet. C' est la saturation et aussi la teinte. Ainsi, vous pouvez changer la couleur très doucement. En outre, il y a des courbes qui peuvent être très utiles. Vous pouvez changer le contraste et la légèreté de votre objet, tout comme Photoshop et Lightroom et tous les autres programmes qui ont des courbes dedans. Voici donc l'outil de sélection. L' outil de sélection peut être à main levée. Donc, vous dessinez votre sélection par votre main. Il peut être rectangle et il peut être ellipse. Une fois que vous l'avez sélectionné, vous pouvez faire glisser ce geste avec vos trois doigts sur un écran. Ensuite, ce menu apparaît et vous pouvez choisir ce que vous voulez faire avec cette partie sélectionnée de votre image, comme couper, copier, coller, etc. En passant, le geste très utile est juste marcher avec deux doigts. Tu fais ça et ça veut dire annuler. Pour le montrer, je vais dessiner autre chose. Maintenant, je tape avec deux doigts et je recule. Je peux faire la même chose avec ses flèches. Donc voici refaire, voici annuler. Mais parfois, il est plus pratique de le faire juste avec vos doigts. Cette petite flèche ici est un outil Déplacer. Donc, vous appuyez dessus et vous avez cette sélection autour de votre calque. Il peut le déplacer, le faire pivoter, changer la taille, et ainsi de suite. Passons à la partie la plus intéressante du menu. Voici le pinceau et en appuyant ici, vous pouvez voir toute la bibliothèque de vos pinceaux. Vous disposez de la même bibliothèque pour l'outil Pinceau, pour l'outil Balisage et pour l'outil Gomme. Donc, si vous créez un nouveau pinceau ou le téléchargez, vous pouvez l'utiliser pour tous ces trois outils. Dans certaines des prochaines vidéos, je vais vous parler des brosses que j'utilise et un peu des paramètres de la brosse. Alors maintenant je veux dire sur l'étiquette à ces deux curseurs. Donc celui-ci change la taille de votre pinceau. Par exemple, quand il est ici, le pinceau est petit et quand il est ici, les pinceaux sont très gros. Voici le curseur de transparence. Donc, quand vous allez ici, la brosse est assez transparente. Quand vous allez ici, les pinceaux sont vraiment solides. Donc voici votre outil Smudge. Lorsque vous ouvrez votre outil Smudge, vous pouvez voir qu'ici est la même bibliothèque que dans les pinceaux. L' outil Smudge est un outil qui tache comme un doigt. Donc, il peut être utilisé pour mélanger certaines couleurs, par exemple, comme ça. Donc, il se mélange dans des couleurs qui sont proches les unes des autres. Parfois, j'utilise cet outil pour certains effets. Voici l'outil Gomme et il fonctionne comme une gomme habituelle. Il supprime certaines parties de votre image. Voici les couches. Avec ce bouton plus, vous pouvez créer les nouveaux calques autant que vous le souhaitez jusqu'à ce que vous obteniez ces limites. Cette case à cocher signifie que ce calque est visible. Donc, par exemple, dessinons quelque chose sur ce calque, puis décochez-le, et vous verrez qu'il a disparu mais qu'il est toujours là. Vous l'ouvrez à nouveau et il apparaît. Donc, pour obtenir les paramètres de la couche, vous pouvez appuyer ici et voici aussi [inaudible] nous avons déjà vu ici. Aussi, vous pouvez simplement toucher le calque et vous verrez un menu ici. Donc, ici, vous pouvez effacer le masque, faire un masque de coupe, et ainsi de suite. Vous pouvez également le faire glisser vers la gauche. Ici, vous pouvez voir quelques options simples comme verrouiller, dupliquer ou supprimer. Voici la couleur. Il existe différents modes de couleur dans Procreate. Vous pouvez voir la couleur comme ça. Vous pouvez également utiliser des palettes. Vous pouvez utiliser ces palettes par défaut ou le lotus de quelque part ou simplement les créer par vous-même. Nous en parlerons un peu plus tard, quand nous colorierons notre croquis. Donc maintenant notre petit magasin d'interface est terminé, et passons enfin au dessin. Eh bien, je vais être plus crypton. 4. Faire une ébauche sur papier: Maintenant, je vais vous montrer mon processus de dessin sur papier. La plupart du temps, je dessine par le même algorithme composé de quatre étapes. L' étape 1 est l'esquisse. J' utilise un crayon et une gomme pour cela. Étape 2, c'est les contours. J' utilise pour cela, des doublures d'encre résistantes à l'eau. Étape 3, est la couleur, où j'utilise l'aquarelle, et l'étape 4, est les détails, et je les dessine avec les mêmes doublures d'encre. Je vous le dis maintenant, parce que dans le croquis numérique et suivez exactement les mêmes quatre étapes. Je vais vous montrer deux processus de dessin d'abord sur papier, puis sur iPad. Cela nous permettra de comparer les deux approches et de voir les spécificités et les différences de chacune d'entre elles. Pour le dessin, j'ai inventé un peu de nature morte à partir de certains objets que j'ai trouvés à la maison. Je ne donnerais pas une décoration parfumée. Un minuscule verre, une fleur séchée, un appareil photo vintage et un livre inspirant par nature, je [inaudible] le nom incorrectement. Le livre intitulé Les femmes rebelles brasées qui battent le monde. J' aime dessiner de la vie beaucoup plus que d'utiliser des références de feuille. Dessiner de la vie vous permet de voir vos objets sous n'importe quel angle, choisir le meilleur point de vue, les déplacer vers les positions les plus harmoniques et d'examiner tous les détails. Cependant, parfois je n'ai pas assez de temps pour terminer mon dessin sur place, puis je prends des photos. Un peu plus tard, je vais vous dire comment choisir le bon moment pour cela et comment rendre les références pratiques pour une utilisation ultérieure. Tout d'abord, je fais un petit croquis pour trouver la bonne composition. Quand je dessine dans un carnet de croquis, je fais habituellement ces minuscules aperçus sur la dernière page. Je dessine un cadre dont les proportions sont similaires à mon futur croquis. Trouver un endroit pour chaque objet déterminer leurs tailles. C' est une étape très rapide, mais elle est importante dans la mesure où elle vous aide à étudier vos objets et à aller plus loin en toute confiance. Maintenant, je transfère mon croquis sur la feuille de papier aquarelle. J' ai essayé de dessiner plus précisément qu'avant, mais je me tiens toujours de montrer tous les détails. Je le ferai plus tard sur l'étape du plan général. Maintenant, je regarde non seulement les objets, mais aussi mon premier croquis. C'est très utile. Une fois mon dessin au crayon terminé, je l'allégerai avec le nécessaire pour effacer. Aussi, ça s'appelle gomme gomme. Il est très doux et n'efface pas complètement le fichier dessiné, mais enlève une couche supérieure de celui-ci. Vous pouvez toujours voir le dessin, mais maintenant il est très léger. Votre dessin s'éclaircit plus uniformément si vous roulez votre gomme au lieu de le frotter. Passer à l'étape suivante. Au début, je dessine avec 08 liner, dessine toutes les lignes principales, ce qui le rend beaucoup plus précis et en détail que sur l'étape précédente. Néanmoins, je n'inclus pas de textures et j'ai dû maintenant le laisser pour la toute fin. Comme j'ai fini avec une main et une fleur, je reprends un crayon et fais un croquis plus précis pour un appareil photo car il a une forme assez délicate. Pour la caméra, j'utilise un revêtement plus mince, 04 parce que la caméra est située derrière la fleur et je veux montrer un peu d'espace. [ inaudible] lignes non médianes pour les remplir bien et harmonieusement avec une forme de fleur. Après avoir terminé toutes les lignes, je dessine le cadre. J' aime comment les croquis de cadre ressemblent sur le papier à une composition complète. Les contours sont prêts. Maintenant, je nettoie mon papier avec une gomme douce à nouveau, puis retirez les derniers coups de crayon avec une gomme régulière et maintenant et pas avant, c'est maintenant le bon moment pour prendre des photos. Depuis que j'ai déjà dessiné tous les détails principaux, je sais quoi exactement et sous quel angle j'ai besoin de tirer. Je tire les trous pour vivre, mais ce qui est beaucoup plus important les éléments individuels. Je prends les gros plans d'une main et d'une fleur, je veux dire, dans les clichés si je veux restaurer les textures à l'avenir. Maintenant, si je devais laisser mes objets immédiatement, j'ai tout ce qu'il faut pour finir ma photo plus tard et cette fois, heureusement, j'ai l'occasion de continuer à dessiner de la vie. Passer à l'étape de couleur. Voici ce dont j'ai besoin pour cette étape. Un ensemble de mes différentes aquarelles, quelques tubes avec des peintures supplémentaires, les pinceaux, ma palette en céramique préférée, un verre d'eau, et une serviette en papier pour essuyer mes pinceaux et corriger quelques erreurs. Je commence par colorier chaque objet, une couche à la fois pour éviter le mélange accidentel des couleurs. Si j'ai besoin de quelques dégradés lisses, comme de la barre lumineuse à la main à l'obscurité, je n'attends pas qu'une peinture sèche et dessine sur mouillé. Pour que mes couleurs s'intègrent mieux, j'essaie de prendre plus de couleurs déjà utilisées de la palette et moins de peintures propres de la boîte. Même s'il ne correspond pas exactement aux vraies couleurs du public de la vie, il fait un dessin, look meilleur et plus harmonieux. J' utilise très rarement de la peinture noire, c'est pour les objets sombres et les couleurs [inaudibles] et légèrement saturées. J' aime utiliser la violette et l'indigo pour ça. Retour au crayon un instant, pour esquisser une image sur la couverture du livre. Je n'essaie pas de faire une copie exacte, mais je veux toujours le rendre naturel en termes de perspective. J' ajoute constamment des couleurs, laisse chacun sécher, pour empêcher les peintures de couler et de mélanger. Pour rendre les taches roses plus saturées, je décide d'y ajouter ces aquarelles liquides. Cette peinture est incroyablement concentrée et brillante, trop saturée pour être utilisée comme elle est, mais il peut être très agréable d'éditer ici et là pour créer les accents. Honnêtement, cette combinaison de chocolats et de rose s'est avérée beaucoup plus brillante que je ne l'attendais. S' il s'agissait d'une image numérique, je recolorerais cette pièce, mais dans le dessin sur papier il n'y a pas de bouton d'annulation, donc je garde le dessin. Je peins le verre avec des couleurs que j'ai déjà utilisées pour montrer qu'il est transparent, mais j'ajoute beaucoup d'eau ici pour laisser couler les couleurs et les mélanger pour créer un peu d'effet flou. Garder un peu d'espace blanc pour montrer les reflets, la lumière réfléchie et les petites taches roses sont des reflets du livre. Après avoir couvert tout mon dessin avec de la peinture uniformément, je fais quelques détails. Couleurs réfléchies sur l'appareil photo, texture en bois de la main, nuances sur la fleur et le verre. Je peux ajouter des détails presque sans fin, mais j'essaie de garder à l'esprit que j'ajouterai aussi quelques détails, mais avec des doublures à la fin. Après le séchage du papier, j'ajoute plus d'ombrage et d'ombres. C' est ça avec la couleur. Déplaçons l'étape de détail, la dernière. Pour plus de détails, en plus de mes doublures habituelles, j'utilise ces bandes de signes de crayon. C' est un super outil, quelque chose entre une doublure et une bande de brosse. La pointe est élastique et il fait une ligne assez dynamique. Cependant, il n'est pas assez résistant à l'eau et peut accidentellement tacher, il est donc préférable de l'utiliser après la coloration à l'eau. Pour les faits saillants éventuels, je vais utiliser ce crayon costal blanc forber et ce marqueur acrylique blanc pour Molotov. Le crayon est bon pour un foudre doux et la priorité du marqueur et capable de couvrir votre image complètement avec du blanc. [ inaudible] dans mes lignes ici et là pour séparer les parties de mon dessin puis j'ajoute quelques hachures avec liner pour montrer les textures et rendre les surfaces plus physiques et plus volumineuses. Je dessine de petits points et traits pour rendre une image entière plus graphique et visuellement intéressante. J' ai ajouté quelques bandes blanches sur la couverture du livre pour moduler un peu et dessiné quelques points forts avec marqueur sur les surfaces brillantes de mon verre et de mon appareil photo. En fin de compte, je pense à encadrer avec le stylo de signe pour le rendre plus lisible. Mon dessin sur papier est prêt. Cette image que j'ai fait avec trois outils principaux, un crayon, des doublures et de l'aquarelle. Dans la vidéo suivante, je vais vous montrer quels pinceaux appropriés j'ai utilisé pour imiter ces outils et comment les configurer. 5. Mes pinceaux Procreate: Comme je l'ai déjà dit, mon dessin traditionnel et a quatre étapes. Croquis, avec le crayon graphite, contours avec des doublures, couleur à l'aquarelle et détails avec des doublures à nouveau. Maintenant, je vais vous montrer quels pinceaux Procreate sont utilisés pour chacune des étapes du dessin numérique. Tous un natif brosses Procreate, mais certains d'entre eux sont modifiés un peu. Pour une étape de croquis, j'aime utiliser quelque chose comme un crayon doux. En ce moment, mon choix est la brosse à craie. Vous pouvez le trouver dans la section calligraphie de la bibliothèque des pinceaux. Je l'utilise comme il est avec ses paramètres natifs. étapes de lignes et de détails sont un peu plus difficiles. Les lignes et les détails, j'utilise le stylo technique. Vous pouvez le trouver ici dans la section Encrage, et voici comment cela fonctionne. J' aime à quel point c'est sensible et croustillant. Mais pour moi, ces conseils des coups sont trop pointus et minces. Ils contrastent avec beaucoup avec le corps de la ligne. Aussi la taille de cette ligne semble trop petite pour moi, pas comme une vraie ligne sur papier, et cela fait paraître artificiel et évident avec le numérique. Pour mes croquis, je l'ai un peu modifié. Pour modifier un pinceau, tout d'abord, vous devez le dupliquer en glissant vers la gauche et appuyer sur le duplicata. Maintenant, nous avons une copie d'un pinceau, et même si nous le renommons, nous pouvons toujours distinguer un pinceau natif et un duplicata d'un, par une petite icône ici dans le coin droit. Maintenant, nous allons à l'intérieur des paramètres de la brosse. Il y a beaucoup d'options pour jouer avec, mais nous n'avons besoin que de quelques d'entre elles maintenant. Ici, vous pouvez trouver sept boutons et nous allons au cinquième. Le crayon. Voici ce que nous recherchons pour Apple Pencil Pression. Comme vous pouvez le voir, le curseur latéral est commuté à son maximum. En fait, cela signifie que la différence entre la pointe et le corps d'un pinceau est de 100 pour cent. Nous le déplacons et vous pouvez voir comment la forme du trait change. Si nous le déplacons en dessous de zéro, la pointe devient plus épaisse que le corps. Vous pouvez essayer comment cela fonctionne ici. Je préfère beaucoup de coups supplémentaires où la pointe est plus mince que le corps, mais pas si drastiquement qu'avec les paramètres natifs. Je déplace le curseur à 25 pour cent et je suis assez content de cette ligne. Maintenant, allons sur le bouton de course, et ici j'aimerais changer une Jitter. Quand je le déplace, vous pouvez voir que les bords de plus alignés deviennent plus souvent texturés jusqu'à ce qu'ils s'effondrent complètement. Ce dont j'ai besoin est d'environ 20 pour cent, ce qui rend ma ligne plus naturelle. Comme une ligne de stylo à encre sur papier. Parfois, j'utilise également des paramètres de rationalisation. Lorsque le curseur est différent de zéro, la ligne est aussi cruette et couleur que vous le dessinez. Avec les rationalisations éteint votre 're en charge et la ligne obèse. Mais certaines fois où vous avez besoin d'une ligne vraiment lisse et stable, votre main peut se sentir pas assez confiante et c'est le bon moment pour activer la rationalisation. Il justifie votre ligne, aligne. Pour montrer comment cela fonctionne. Je vais dessiner quelques lignes avec le même mouvement de ma main que si elle a secoué accidentellement, comme par exemple, en dessinant dans un avion. La première ligne est avec zéro rationalisation. La deuxième ligne est avec environ 50 pour cent de rationalisation et la dernière est avec la rationalisation maximale. Je suppose que vous pouvez sentir la différence. Mais maintenant, nous allons éteindre cette ligne de flux et passer à l'étape suivante. Pour la couleur, j'utilise généralement le stylo studio de la section Encrage, mais aussi un peu modifié. Je suppose, est conçu pour la calligraphie, pas pour la coloration. C' est pourquoi il a ce merveilleux coup dynamique. Mais puisque je l'utilise pour les remplissages de couleur, je n'ai pas besoin de cette pointe pointue. Ce dont j'ai vraiment besoin, c'est une plus grande taille de mon pinceau. Mais vous pouvez voir qu'ici le curseur est sur elle est 100 pour cent et la brosse n'est toujours pas si grande. Je duplique mon pinceau aller à ses paramètres, ajustez à nouveau la taille de la pointe et la section du crayon à environ 50 pour cent. Maintenant, ça me semble bien. Ensuite, pour augmenter la taille d'une brosse elle-même, je vais à générale et les limites de taille sont exactement ce dont j'ai besoin ici. Mettons ce curseur maximum à son maximum et vous pouvez voir à quel point mon trait est maintenant plus épais. Mais comme la source du pinceau est une image raster, augmentation trop importante peut entraîner une perte de qualité. C' est pour ça que nous avons des bords flous. Je réduit ce curseur un peu à peut-être 50 pour cent, l'origine il était 20 ici et maintenant il semble assez net. Enfin, je désactive les rationalisations jusqu'à ce que pour la coloration et je n'en ai pas besoin du tout. En parlant de coloration, je travaille aussi avec ce curseur d'opacité pour un mélange de couleurs. Pour l'étape des lignes, le curseur va toujours s'arrêter, mais maintenant il peut varier. Pour montrer comment cela fonctionne, je vais mettre deux couleurs ici. En passant, dans Procreate, vous pouvez utiliser le sélecteur de couleur de deux façons. Le premier est un petit bouton ici. Vous appuyez ici, puis le sélecteur de couleurs apparaît, vous pouvez le déplacer à la couleur que vous souhaitez ramasser et c'est tout. Même le moyen le plus rapide est d'utiliser votre doigt. Vous pouvez toucher l'écran et le maintenir enfoncé pendant une seconde. Ensuite, la molette de sélection apparaît à nouveau et vous permet de choisir la couleur désirée. J' utilise le sélecteur de couleurs tout le temps pendant le dessin. Retour à leur opacité et leur mélange de couleurs. Disons que nous avons besoin d'un dégradé entre ces deux couleurs. Pas un dégradé lisse parfait, mais toujours un joli dégradé. Ce que vous avez besoin est de choisir l'une des couleurs réduire l'opacité à 30 pour cent et peindre au milieu chevauchement et la deuxième couleur. Ensuite, vous choisissez cette couleur mixte du milieu vers le haut et maintenant peindre avec elle, chevauchant les deux couleurs d'origine. Ensuite, tout est sur la cueillette et la peinture avec un niveau d'opacité. Pour appliquer à ce mélange de couleurs et de la zone look plus artistique, j'utilise un outil de taches. Pour un outil anti-taches, j'utilise habituellement une brosse Stucco. J' aime la façon dont sa texture fonctionne. Je ne tache pas tout le gradient juste faire quelques coups ici et là. Avec l'outil de taches, il est très facile d'en faire trop, donc j'essaie de l'utiliser avec soin. Une autre brosse que j'utilise en plus de mon stylo de studio modifie, est la brosse à eau. Vous pouvez le trouver dans les paramètres de calligraphie. Pour vous le montrer, je vais peindre ces deux couleurs nouveau avec le stylo studio et ensuite passer au stylo à eau. Je préfère l'utiliser dans une grande taille et avec une faible opacité. Je fais cette cueillette et la peinture à nouveau, mais vous pouvez voir à quel point la zone de mélange ressemble différemment maintenant et parfois, cela fait un effet approprié. Ce pinceau peint non seulement mais aussi des taches un peu et est très sensible à la pression. Finissant le sujet de la brosse vers le haut, quelques mots sur la gomme. Pour l'étape d'esquisse, j'utilise les paramètres de l'aérographe moyen dur de la section Aérographe. Il est très sensible à la pression et me donne la sensation d'une gomme très douce. Pour toutes les autres étapes, j'utilise les paramètres Monoline de la section calligraphie. J' aime que c'est une largeur constante. C' est très prévisible et m'aide à effacer exactement ce que je veux. La bibliothèque de pinceaux est assez grande et certains des outils que j'utilise sont alloués dans différentes sections. Pour faire mon en-tête de kit de brosses, je peux créer ma propre section pour d'eux. J' appuie sur le plus en haut de la liste des sections, donnez-lui un nom comme l'esquisse numérique. Ensuite, je vais à mes pinceaux, les duplique pour ne pas les perdre de leur emplacement d'origine, puis je déplace une copie vers ma section d'esquisse numérique. Ici, je peux réorganiser mes brosses comme je le veux. Maintenant, nous avons tous les cinq pinceaux ensemble et c'est beaucoup plus facile de les atteindre ici puis quand nous faisons défiler toute la bibliothèque à chaque fois. Ok, c'est assez avec des pinceaux. Maintenant, je vais définir les couleurs de mon dessin. 6. La palette de couleurs: Dans Procreate color est représenté en quatre types, une Color Wheel, ou comme ils l'appellent ici, un disque, vue classique, complètement comme dans Photoshop. Valeurs, où vous pouvez entrer un nombre exact de rouge, vert et bleu ou un code couleur particulier ici. Le quatrième onglet ici est palettes, où vous pouvez choisir l'une des palettes par défaut ou créer la vôtre et c'est ce que nous allons faire maintenant. Contrairement au dessin traditionnel, dans Procreate, nous avons un nombre illimité de couleurs possibles. Cela peut sembler génial, mais choisir des couleurs de tout le spectre prend beaucoup de temps pour moi si je le fais en dessinant. C' est pourquoi je préfère me limiter intentionnellement et créer une palette pour le dessin à venir. La palette pour moi n'est pas chose trop rigide. Bien sûr, je change les couleurs si j'en ai besoin, mais c'est une sorte de base qui me permet de ne pas me perdre dans le spectre et qui évite le dessin d'être trop beau. Puisque j'ai déjà dessiné cette composition sur papier et ma décision de couleur type, il est un peu plus facile pour moi de choisir les couleurs maintenant. Quoi qu'il en soit, même si je ne l'ai pas fait, ce processus serait tout à fait le même. Si vous êtes nouveau dans le dessin numérique et qu'il est difficile pour vous de choisir les couleurs, essayez de faire une étude rapide des couleurs avec de l'eau ou tout autre matériau que vous avez utilisé, puis passez au numérique. Ça peut aider. Mais s'il vous plaît, ne choisissez pas vos couleurs directement sur la photo. Les couleurs dans la vie, et surtout sur les photos et où elles peuvent être déformées, ne sont pas nécessairement belles et harmonieuses. Essayez de créer une belle image, pas de faire une copie exacte. C' est comme ça que je commence. Je choisis les couleurs des parties principales de mon futur dessin et vérifie à quoi elles ressemblent les unes à côté des autres. Ces couleurs beige et marron sont pour la main, ce sont des reflets et des ombres. Ce Violet légèrement saturé est pour les parties en plastique de mon appareil photo et d'autres éléments sombres et ces bleu grisâtre est pour ses parties métalliques. Orange et beige verdâtre sont pour la fleur. La légère turquoise, rose et vert sera pour le livre. Le même vert mais plus léger que je peux utiliser pour l'arrière-plan et maintenant, j'ai couvert plus ou moins toutes les couleurs et nous allons créer une palette. Ici, dans Palettes Tab, j'ai appuyé sur ce petit plus et puis vous entrez pellet apparaît et je peux le nommer en quelque sorte. Maintenant, je ramasse mes couleurs et je les mets à la palette. C' est vraiment un peu comme si j'avais mis mes vraies peintures traditionnelles comme la couleur de l'eau ou un fard à joues à ma palette réelle. Comme vous pouvez le voir, cette nouvelle palette a été définie comme par défaut car vous pouvez voir ce bouton bleu ici et cela signifie qu'elle est déjà là et est prête pour le travail. Comme je l'ai déjà dit, je n'ai pas besoin d'utiliser seulement ces plusieurs couleurs, c'est juste une base conçue pour faciliter un processus de coloration. Si j'ai besoin d'autres couleurs, par exemple, violet comme ça, mais un peu plus léger et un peu plus rougeâtre, je le choisis et déplace curseur de légèreté vers la droite et trouver le ton approprié sur l'échelle de teinte. Si j'en ai besoin, je peux aussi facilement l'ajouter à ma palette. Il s'agit d'un processus beaucoup plus contrôlé que la sélection de couleurs dans l'ensemble du spectre. Il vous aide à créer votre art plus consciemment. Mes pinceaux sont prêts et mes couleurs sont prêtes aussi et dans la prochaine vidéo, je vais enfin vous montrer le processus de dessin numérique. 7. Esquisser sur iPad: Mon dessin aquarelle quand a été faite sur le papier 15 par 20 centimètres. Donc, pour répéter le processus, je crée un fichier de la même taille. La première étape est le croquis et je le fais avec ma brosse à dents. Je commence par un cadre et donne un nom à un calque. Ensuite, créez un nouveau calque pour le reste de mon esquisse et nommez-le également. Habituellement, je ne nomme pas toujours la couche d'erreur, mais maintenant je veux rendre ce processus plus clair pour vous et n'ai pas renommé les couches est assez pratique. Avec les noms, il est assez peu probable de dessiner quelque chose accidentellement sur le mauvais calque. Dans Procreate, vous pouvez non seulement dessiner et effacer, mais aussi transformer des morceaux de votre dessin. Pour cela, il vous suffit de sélectionner et de transformer avec un outil de déplacement, cette petite flèche en haut à gauche. Puisque j'ai déjà dessiné cette image sur papier, il est beaucoup plus facile de créer une composition maintenant, mais j'ai encore besoin de quelques corrections. Je crée un nouveau calque, quatre caméras attrapent, et dans la mesure où c'est sur l'arrière-plan, j'ai déplacé ce calque sous un calque avec une fleur et une main. Il est préférable de dessiner les objets qui se chevauchent ou lient sur différents calques pour pouvoir les éditer individuellement. Une fois mes esquisses rugueuses sont prêtes, je fusionne tous les planificateurs de développement vers le bas et alléger avec le panneau de luminosité de saturation de teinte à partir du menu des réglages. Dans le sud, semblable à éclaircir mon croquis au crayon avec une gomme gomme. Vous pouvez obtenir le même effet en réduisant les couches d'obésité. Maintenant, je spécifie mon croquis, rendre plus précis et précis en termes de formes et de proportions. Je le prépare à l'étape suivante parce que j'aime dessiner les contours en toute confiance sans chercher la bonne ligne. Maintenant, lorsque mon esquisse est terminée, j'abaisse l'opacité de ce calque à environ 30 % et crée votre calque pour ma prochaine étape, les contours. Sur un papier, j'ai dessiné les lignes principales avec une doublure d'encre 08. Ici pour le même processus, j'ai utilisé la taille de la bande passante technique autour de 30 pour cent. Mais bien sûr, la taille de votre pinceau dépend de la taille de votre image. La grande différence ici est que vous êtes [inaudible] contraste la doublure d'encre chaque ligne que vous dessinez reste sur un papier pour toujours. Dans le cas approprié, vous pouvez effacer autant de fois que vous le souhaitez, et cela fonctionne avec n'importe quel pinceau. Cependant, le reste du processus est tout à fait le même. Exactement comme je l'ai fait sur une étape d'esquisse, je crée un nouveau calque pour mon appareil photo et le dessine avec un pinceau plus fin, environ 20 pour cent. À la fin de l'étape, je dessine le cadre et maintenant je peux unir toutes les couches de contours en un seul. Nous avons passé avec succès les étapes précédentes, mais la troisième sera difficile. Maintenant, nous passons à l'étape de la couleur et ce processus ne ressemble pas au dessin sur papier autant que possible. Si vous n'avez pas encore d'expérience dans le dessin numérique, cette étape peut vous sembler un peu difficile, mais je ferai de mon mieux pour vous l'expliquer aussi clairement que possible. Je m'assure que ma couche de contours est verrouillée pour l'empêcher de le dessiner accidentellement là-bas. Création d'un nouveau calque, appelez-le couleur et déplacez-le sur les contours. La couche de débours doit toujours être sur le dessus. Parfois, les couches peuvent occasionnellement le groupe se déplacera dans, parlera de groupes un peu plus tard, et maintenant je n'ai besoin que de faire glisser cette couche vers le bas. Pour la coloration, je prends mon stylo de studio, choisis la couleur de mon pellet créé précédemment et commence à peindre avec la main. Je couvre tous les objets uniformément avec un maximum d'obésité, juste avec une couleur. En fait, à ce stade, vous pouvez utiliser n'importe quelle couleur, pas nécessairement une couleur finale. Vous pouvez peindre avec des coups ainsi qu'avec l'échec. Pour un champ, vous devez dessiner un contour fermé sans lacunes, tout comme dans un livre de coloriage pour enfants, puis prendre littéralement le collier et le faire glisser dans un espace vide. Si vous créez un contour soigné sans espace, la couleur ne s'écoule pas. Je n'aime pas vraiment cette étape est travail mécanique assez ennuyeux à peindre avec une couleur fuie, mais il doit être fait pour faciliter le processus ultérieur. Pour colorer cette déclaration, je crée un nouveau calque pour elle. Ainsi, je peux éditer ma main et mes déclarations séparément les unes des autres. Je prends la couleur de mon palais tonalement, juste en les accordant avec des couches. Comme la fleur et la main ne se chevauchent pas, je peins la sur la même couche. En cas de besoin, je serai en mesure de couper un des objets, de le coller sur un nouveau calque, et de travailler seul. En fait, en train de courir la tête. Je peux dire que je vais le faire à la toute fin. Créer un nouveau calque pour mon appareil photo, donner un nom à la couche de déclaration et renommer le collier superposé à la main et aux fleurs. Pour autant que cela semble être vrai. Pour l'appareil photo, j'ai utilisé deux couleurs maintenant, violet foncé pour ses barres en plastique et gris bleuâtre pour les barres métalliques. Sous toutes ces couches, je crée une couche pour un livre et peint entièrement avec des chocolats. Voici un bel exemple de ce qui se passe si vous ne fermez pas votre contour et ne faites pas de remplissage de couleur. Apparemment, j'ai un écart quelque part derrière mon appareil photo ou la main, et c'est pourquoi toute l'image est inondée de couleurs. Je ferme le contour et puis cela a probablement fonctionné. Je prends des bonbons de peinture, vert jaunâtre pour éditer sur la couverture, créer une couche pour mon arrière-plan avec un point d'interrogation et le peindre. Ensuite, créez une couche pour mon brillant et peindre avec des couleurs ont déjà utilisé ici, mais plus léger. En ce moment, il ne se sent pas du tout brillant, mais c'est juste une préparation pour la prochaine étape. Maintenant, le point colorant extrêmement important est commun, qui diffère énormément du dessin traditionnel. Je vous montre délibérément l'enregistrement à partir d'une caméra, pas d'un écran pour vous permettre de voir mon stylet bouger. Je vais utiliser chaque objet en ajoutant des textures, des surlignements et des ombrages et d'autres tons. Commençons par un coup de main. Je peux ajouter une ombre sur le même calque où j'ai ma main. Dans ce cas, je dois être incroyablement précis, sinon la couleur conduit à travers le contour. En fait, je peux le réparer avec une gomme et le nettoyer, mais cela ralentit vraiment tout le processus. Retournons en arrière. Procreate a une fonctionnalité merveilleuse appelée Alpha log. En appuyant ici, nous voyons que l'icône de ce calque a été recouverte de carrés, qui signifie que ce calque a Alpha connexion. Maintenant, si je peins très bâclée, mon coup reste dans les bords de cette couche. C' est une option parfaitement pratique car elle aide à dessiner plus rapidement et plus précisément. Pour désactiver la session Alpha, appuyez à nouveau ici. Aussi, nous pouvons l'activer simplement en déplaçant la couche avec deux doigts vers la droite. Vous voyez que je l'ai fait et un carré est apparu. Je recommence, et les carrés disparaissent. Cela signifie que le journal Alpha est éteint. Vous pouvez faire presque la même chose sur un calque séparé. Disons que je dessine un peu d'ombrage désordonné ici, puis nous allons dans le menu des calques et choisissez le soin du masque d'écrêtage. Comme vous pouvez le voir, tout ce que j'ai dessiné ici a été coupé le long des bords de la couche inférieure. Vous pouvez reconnaître un calque avec ce masque d'écrêtage par ces minuscules flèches ici. Pour le moment, je peux désactiver le masque d'écrêtage et obtenir mon calque tel quel. Quand le clip et le masque sont allumés, je peux dessiner ici sans craindre d'aller au-delà du calque. Le masque d'écrêtage est plus fonctionnel que le journal Alpha car nous pouvons toujours le désactiver, le supprimer ou la couleur et le modifier. Mais en fait, ce n'est pas une nécessité très fréquente. Comme vous vous en souvenez, dans Procreate, nous avons un nombre limité de couches. Donc, j'utilise principalement Alpha log au lieu de masquer son assez pour ces images. Si vous voulez ajouter quelque chose à votre calque, comme ce petit support sous la main, vous devez désactiver la session Alpha, peindre votre pièce sur le calque déverrouillé, puis réactiver. Revenons à la peinture. J' ai dessiné tout ici avec une opacité maximale jusqu'à ce moment. Mais maintenant, je mets mon pinceau plus transparent pour créer des transitions de couleurs subtiles. Je peins le côté sombre d'une main avec du violet brunâtre. Ensuite, choisissez ce beige original et en raison de la faible obésité, je me lève et entre elle et la couleur plus foncée. Peu à peu rendre cette transition plus lisse. Maintenant, j'ai beaucoup de tons beige et brun. Donc la plupart du temps le sélecteur de couleurs de l'utilisateur, pas ma palette. J' utilise le menu de couleurs seulement pour obtenir une couleur complètement différente comme ce bleu foncé. En ombrage penchant, je fais une main de plus en plus de volume dans les détails. Je choisis un jaune saturé pour souligner les pièces éclairées par le soleil. ombres bleues et violettes et les reflets jaunes et orange sont communs pour une journée de soleil et rendent un objet plus volumineux. J' ai eu ce jaune au bout des doigts, depuis leur visage en délice. Éditez graduellement des tons clairs et sombres transparents ici et là, j'apporte plus en direct à cette main. Il y a une belle texture en bois sur cette main. Donc, pour mieux l'exprimer, je crée un nouveau calque pour cela et allume le masque d'écrêtage. Je dessine un bouton en bois avec des couleurs que j'ai déjà utilisées ici. Ensuite, prenez cet outil beaucoup et frottez certaines parties d' une texture à intégrer avec le reste d'un objet naturellement. En même temps, j'allège un peu les nuances pour dessiner une texture sous le pouce. Ensuite, dessinez une texture sur la partie basse d'une main, faisant un sombre et des ombres, continuez à travailler avec le pinceau et l'outil écraser. Se déplacer vers les doigts, dessiner la texture là, reflets et les ombres, et revenir à cette chose normes de couleur foncée. J' ajoute un reflet bleu clair transparent sur le côté ombragé et fusionne une couche texturale et la couche de main ensemble. Maintenant, je préfère laisser ma main tranquille. En passant à la décoration, le sujet est beaucoup plus simple, donc j'allume Alpha et je peins avec différents tons de vert et de rouge. Ajoutez quelques détails à la corde pour la rendre plus réelle. Si je n'avais pas de connexion Alpha ici, vous seriez vraiment difficile de peindre avec précision ce petit détail. Je peins l'ombrage et la surface la plus intelligente de cette chose un peu pour montrer que certaines de ces batailles sont à l'intérieur, par la surface elle-même est lisse. Maintenant, c'est l'heure de la fleur. J' ajoute des nuances et du volume à sa tête et des tons différents aux feuilles. Je commence orange à partir d'une fleur et ajouté de façon transparente aux feuilles, peins quelques taches ici, et montre que les feuilles sont sèches et texturées. Ajoutez des coups lumineux, sombres et légers à la fleur pour souligner sa moelleuse. Dessinez un peu plus de texture et déplacez-vous dans l'appareil photo. Au début, je dessine des lignes sur le calque de contours car elles sont importantes pour la forme et je les ai manquées auparavant, puis l'ombrage commence. Je peins ce [inaudible] avec une couleur plus claire jusqu'à [inaudible] plus de lumière. Peindre les nuances, j'ai essayé de montrer que la lumière va de la gauche. Ajoutez quelques traits jaunes aux parties les plus proches de la lumière. Apportez un peu de contraste aux lumières et aux nuances et ajoutez un peu de volume à l'objectif. Avec divers traits gris un spectacle que ces métal, malgré sa surface mate totale reflètent les couleurs, et ces traits roses et bleus sont le reflet de la couverture du livre. Passe dans le verre maintenant. verre peut être assez frustrant, et il y a quatre choses principales dont vous devez vous souvenir à ce sujet. Il est transparent, déformé, réfléchissant et lisse. Pour le rendre transparent, j'ai utilisé les couleurs de son environnement, mais plus léger. Pour le faire déformer, je change la forme des taches de verre au lieu d'un brillant pour plus de flux dans ceux. Pour le rendre réfléchissant, j'ajoute quelques couleurs vives comme ça, rose de la couverture du livre et l'orange de la fleur, et ajoute également quelques reflets blancs. Pour le rendre lisse, j'utilise un pinceau à eau, qui peut alourdir la peinture et les taches. C' est tout avec le verre, finalisons la couverture du livre. Il n'a pas besoin de vrais volumes et d'ombrage car il est plat, mais je veux que ces couleurs soient plus artistiques, pas comme il y avait juste été découpé et collé ici, donc je les tache un peu, et ajoute aussi plus léger et plus foncé pour empêcher une image d'être un remplissage de couleur homogène terne. Je fais quelque chose de assez similaire à mon processus passé avec une aquarelle liquide brillante. J' ajoute des couleurs saturées, puis je les tache. Il semble que c'est quelque chose qui ne va pas avec cette image, les objets semblent plus ou moins réalistes, mais ils ne laissent aucune ombre, donc il est temps de le réparer. Puisque tous les objets sont montés sur un livre, les ombres doivent également être situées dessus. Je crée un nouveau calque au-dessus d'un calque de livre, le nomme ombres et change le mode de fusion de normal à multiplier. Ensuite, voir la lettre N est remplacée par M maintenant. Le mode Multiplier signifie que les couleurs de ce calque seront mélangées avec les couleurs du calque de soulignement. J' ai abaissé l'opacité ici pour rendre mes ombres futures ne semblent pas trop sombres, car violet légèrement saturé et dessiner les ombres. La lumière va de la gauche, sorte que les ombres se déplacent vers la droite. Je les peins avec un stylo studio et puis je me tache un peu. Plus près de l'objet, l'ombre est toujours plus claire, puis elle se dissout radieusement. Il peut être difficile à croire, mais maintenant l'étape des couleurs est enfin terminée et nous n'avons plus que les détails. Je crée un nouveau calque sur le dessus pour eux, le nomme et je reprends mon stylo technique. Autre chose que j'ai fait avec des couches inclinées sur papier dans Procreate j'ai fait avec ce stylo technique, et cette étape est complètement similaire à dessiner dans les détails sur papier, Je pense que dans certaines des lignes pour créer l'excès et apporter le volume. Ensuite, je dessine des hachures et des textures, même s'il y avait des ratios de couleur, maintenant ces traits noirs attirent toute l'attention. Peut-être que c'est ma partie préférée d'un dessin, peut-être parce que j'aime les graphiques, et maintenant toute l'image donne peu à peu le look terminé. Cependant, il est important de ne pas trop faire avec les détails, ne pas avoir trop de pièces noires.. En dessinant sur papier pour créer cette petite tendance ondulée sur l'appareil photo, j'ai dû donner l'espace blanc et peindre autour d'elle très précisément. Ici, je peux juste l'écrire avec de la couleur blanche. J' ajoute ces minuscules chiffres sous l'objectif pour un dessin traditionnel, numérique serait trop petit. Dessinez des ombres portées, des textures sur le livre et sur l'arrière-plan, et en général, mon dessin est prêt. Dans mon processus habituel, je fusionnerais les couches de couleur vers le bas, mais maintenant je les garde, donc vous pourrez télécharger ce fichier et examiner tous les détails. Maintenant, je veux vous montrer comment changer certaines couleurs, alléger ou contraster, si vous ne vous sentez pas satisfait avec eux à la toute fin, vous pouvez éditer les calques individuellement ainsi que l'image entière. Par exemple, je ne suis pas vraiment satisfait de mon appareil photo maintenant. Il semble trop sombre et se fond avec la fleur, donc je m'assure que la couche de la caméra est active, puis allez aux réglages et choisissez les courbes ici. En déplaçant la partie supérieure de la ligne vers le haut, j'allège les lumières de mon appareil photo. Je me sens très satisfait de cet effet. Essayons maintenant d'alléger un peu la main de la couche de fleurs. Maintenant, je me rends compte que c'est seulement la main est allé pour alléger un peu et garder la fleur telle qu'elle est, donc je sélectionne la main, appuyez sur un outil « Déplacer » et faire ces trois doigts pour accéder à ce menu. Ici, je choisis coupe-coller, et maintenant visuellement la main reste au même endroit, mais en couches, nous pouvons voir qu'elle a sauté dans votre couche individuelle. J' ai renommé les couches pour ne pas se perdre, et je répète cette manipulation avec des courbes. Je le rend plus léger, et puis encore ici dans les courbes, je suis passé au canal rouge, aussi faire glisser la ligne vers le haut, et maintenant ma main a eu un peu de teinte rougeâtre. J' ai aimé ce ton chaud, et maintenant je suis enfin heureux avec toute l'image. Néanmoins, je voudrais vous montrer comment vous pouvez éditer toute votre image à la fois si vous voulez expérimenter avec des couleurs et des contrastes. Pour cela, je vais créer un groupe, le groupe est un dossier où nous pouvons mettre nos calques. J' ai regroupé tous mes calques de couleur ensemble, j'appuie ensemble ici sur le calque supérieur, puis le groupe apparaît, et j'ai juste déplacé le reste de mes calques. Puisque je veux un avec la couleur à éditer, je laisse le calque externe en dehors de la boucle, donc nous obtenons tous les calques colorés ensemble, maintenant, je duplique ce groupe avec tout son contenu, et nous sommes arrivés à groupes exactement identiques avec le même ensemble de couches. J' ai décoché le premier groupe pour le cacher, nous le garderons en réserve, puis j'aplatirai le deuxième groupe pour fusionner toutes ses couches ensemble. Il a été nommé comme arrière-plan automatiquement. Je vais à nouveau aux réglages, ouvrir les courbes, et maintenant je peux jouer avec toute l'image que je veux. Avec les courbes, vous pouvez apporter un peu de contraste en faisant glisser la partie supérieure de la ligne vers le haut et la partie basse vers le bas, ces dernières rendent les diapositives plus claires et plus sombres. En outre, nous pouvons changer complètement les couleurs avec la saturation des teintes, la luminosité ou l'équilibre des couleurs et ainsi de suite. C' est à ça qu'il avait l'air, et c'est une nouvelle version. De cette façon, vous pouvez modifier infiniment votre image et faire autant de versions que vous le souhaitez. Mais comme je l'ai déjà dit, je suis assez content de mon résultat précédent, donc je le garde comme ça. Il s'est avéré être assez proche de mes dessins à l'aquarelle, donc il serait facile de comparer avec eux. La toute dernière chose que je voudrais faire, est d'ajouter quelques faits saillants, c'est similaire à ce que j'ai fait avec un crayon blanc et un marqueur sur mon image aquarelle. Pour ceux-ci, je prends un stylo studio et ajoute un peu d'excès à la main pour le verre, la fleur et l'appareil photo, et à la fin dessine quelques traits blancs transparents sur une couverture de livre pour montrer qu'il est un peu brillant. Maintenant, c'est sûr, exportons l'image pour ceux-ci que je vais partager, choisissez JPEG, et enregistrez-la sur mon iPad. Cette image, il est en pleine résolution et aussi les fichiers Procreate et Photoshop que vous pouvez trouver dans l'application à la classe, les ouvrir sur votre ordinateur ou iPad et examiné en détail. 8. C'est acceptable !: Jetons un coup d'oeil à la fois aux dessins, traditionnels et numériques. Ces deux dessins ont pris plus ou moins le même temps pour moi. Bien sûr, quand nous les plaçons l'un à côté de l'autre, nous voyons quelques différences de couleur et de composition. Mais de toute façon, je pense qu'ils sont tout à fait comparables. Bien sûr, vous pouvez aimer l'un d'entre eux plus qu'un autre, mais c'est surtout une question de goût personnel et de but. À mon avis, ces dessins à l'aquarelle se sont avérés plus intéressants et variables en termes de couleur. Honnêtement, cela s'est produit principalement à cause du facteur de hasard, j'en ai parlé au tout début. Certaines peintures étaient parfois mélangées sur un pastille et les nouvelles couleurs sont apparues sans mon impact. Dans le dessin numérique, vous devez faire un choix conscient pour chaque couleur et chaque mouvement. le même temps, dans le cas de la version numérique, je suis certainement plus heureux des détails. Puisque vous pouvez zoomer votre image autant que vous en avez besoin, vous pouvez créer les plus petits détails. Vous pouvez trouver ces images dans leur résolution supérieure dans les applications de cette classe et les comparer par vous-même. Je serais heureux de connaître votre opinion à ce sujet. 9. Projet de classe et réflexions finales: Voici un projet de classe. S' il vous plaît créer deux versions ou un croquis, comme je l'ai fait. Tout d'abord, traditionnel et numérique. La complexité du sujet n'a pas vraiment d'importance ici, il peut être encore mieux de commencer par quelque chose simple pour ne pas être trop frustré par ce processus. Cependant, j'insiste sur le fait qu'il est toujours préférable d' utiliser un objet réel pour dessiner ne pas mettre de références à la place, alors s'il vous plaît télécharger les deux images ici comme un projet de classe, et aussi ajouter quelques phrases sur votre processus. Quelle partie de ça vous a plu le plus ? Quelles sont les difficultés auxquelles vous faites face ? Quels sont les avantages et les problèmes de chacune de cette version dans votre cas particulier ? J' ai hâte de voir vos dessins et de lire votre expérience. N' oubliez pas que vous n'avez pas besoin d'être un artiste professionnel ou de dessiner parfaitement pour réaliser ce projet. Nous sommes tous seuls ici et dans la ligne pour tracer le processus est beaucoup plus important qu'un résultat actuel. N' hésitez pas à me contacter ici ou sur les réseaux sociaux si vous avez des questions ou des commentaires, et je ferai de mon mieux pour vous aider. Merci beaucoup d'avoir regardé ma classe. J' espère que vous avez appris quelque chose de nouveau ou peut-être systématisé certaines connaissances que vous avez déjà acquises. Nous attendons avec impatience des croquis numériques. Au revoir.