Éclairage avancé pour les professionnels du film

1. Introduction: Ce cours est conçu pour vous enseigner les techniques d'éclairage avancées et les philosophies pour cinématographie et le cinéma. Notre objectif est d'aller au-delà des bases de l'éclairage et de regarder des exemples pratiques de méthodes d'éclairage que vous pouvez appliquer à des scénarios réels pour résoudre des problèmes d'éclairage plus difficiles . L' éclairage pour film est un équilibre entre l'esthétique visuelle que vous voulez atteindre et limites pratiques de la mise en place de la lumière dans l'espace. Nous supposons que vous êtes familier et compétent avec les principes fondamentaux de la lumière et de photographie, comprendre comment l'exposition, l' ouverture et la sensibilité de la caméra fonctionnent, comment mesurer la lumière et les définitions de termes tels que en tant que Key et Phil, et que vous cherchiez à miser sur votre base de connaissances pour des techniques d'éclairage plus avancées . Nous ne couvrirons pas les marques et les types d'équipement car ces leçons seront précieuses, quel que soit le niveau d'équipement auquel vous avez accès lors de l'éclairage d'un film, il n'aura presque jamais exactement les outils que vous souhaitez avoir, et ces vous apprendront comment atteindre vos objectifs visuels indépendamment de vos limites pratiques. 2. Leçon 1 : Philosophie de la lumière: Lorsque vous approchez d'une scène avec un réalisateur bien avant que vous arriviez au tournage, il est important de leur demander. De quoi parle la scène ? Qu' est-ce que le réalisateur espère réaliser dans cette histoire ? En incluant cette scène ? Habituellement, vous pouvez les faire bouillir un mot. Excuses, rédemption, trahison. L' éclairage dans le travail narratif consiste à raconter cette histoire avec des images, et nous devons comprendre ce qui se passe fondamentalement dans la scène avant de pouvoir placer n'importe quelle lumière dans l'espace. Tout ce que nous faisons avec la lumière doit avoir un but. Soyez délibéré, servi cette histoire et révéler quelque chose sur les personnages dans le processus. Pour y parvenir, nous devons regarder au-delà des bases de l'éclairage. Ici, nous avons un combat traditionnel en trois points mis en place. Il y a une norme qu'il allume à gauche du sujet. Une lumière de remplissage rebondit à droite du sujet et un rétroéclairage derrière le sujet. C' est la norme enseignée pour les interviews et la publicité, mais lorsque nous abordons l'éclairage pour la narration, elle devient moins applicable. Plus nous rencontrons de situations, cette lumière nous en dit très peu sur le sujet et ce qu'ils sentent les éclairer est notre occasion d'amener les sujets à l'extérieur et de dire au public ce qui se passe. Sous la surface, utiliser uniquement la lumière est le personnage seul et couvant, complotant la vengeance ? Sont-ils excités par l'avenir et présentant au monde leur meilleur soi ? Sont-ils en conflit ? Diviser entre deux choix. n'y a pas d'approche unique qui raconte chaque histoire. Notre objectif ici est de vous donner les outils pour raconter toute histoire dont vous avez besoin lorsque vous approchez comment éclairer une scène. La deuxième question à examiner est d'où viendrait la lumière ? Comment la lumière entrerait-elle dans l'espace ? Normalement, il est important d'adapter le style d'éclairage pour un vu donné à l'environnement. Ça se passe sous une lumière très irréaliste. L' approvisionnement peut être distrayant pour le public, même s'il n'en est pas entièrement conscient. Dans cet exemple, sujet est près d'une fenêtre, donc nous attendons à ce que la source de lumière soit grande et venant de côté. Mais nous avons ajouté une durée de vie de clé supérieure dure, qui ne correspond pas à nos attentes et attire l'attention sur l'éclairage. Le public pourrait se demander s'il y a quelque chose qu'il devrait savoir juste hors de cadre et ensuite ils ont cessé de prêter attention à l'histoire. Ici, nous avons déplacé la lumière vers le bas et le niveau avec la fenêtre tout en ne venant pas exactement de la même direction que la lumière de la fenêtre ou en passant par la fenêtre elle-même. Notre lumière complète la lumière naturelle et s'intègre plus naturellement dans la scène . Ici, nous avons une scène impliquant une bougie. Encore une fois, le public voit d'où vient la lumière et quel genre de lumière elle devrait être . Une petite bougie scintillant au niveau des yeux ou au-dessous. Nous avons placé notre lumière clé large devant le sujet et au-dessus du niveau des yeux, ce qui fait apparaître le sujet allumé. Maintenant, nous avons déplacé le niveau de lumière clé avec des bougies et plus près de son angle le long du sujet, mais pas si près que nous jetons une ombre de la bougie elle-même. Même lorsque le public ne peut pas voir ce qui est en fait allumer une scène comme les frais généraux dans un bureau, il prend l'information de la scène elle-même et rapidement, faisant inconsciemment des devis instruits, appuyant sur leur souvenirs d'être dans des endroits similaires. Lorsque nous avons une lumière naturelle dans un environnement, nous pouvons travailler avec elle, mais nous n'avons pas absolument besoin de compter uniquement sur cette lumière. Ici, nous avons un sujet près d'une fenêtre sans lumière de supplément ou Phil. Bien que cela puisse fonctionner pour le ton de votre projet, il peut être trop élevé. Contraste, en fonction de la vôtre là afin que nous puissions compléter la lumière naturelle en introduisant une source, Mento apparaissent comme faisant partie de la fenêtre. Le public ne remarquera pas qu'il y a vraiment deux sources ici et croit que la fenêtre fait le travail d'éclairage du sujet. Ici. Le sujet est devant la fenêtre, mais la fenêtre agissant est une vie de retour. Le contraste est élevé et peut ne pas être adapté à tous les projets, avec la fenêtre servant de fond lumineux, nous pouvons compléter cela avec une source devant notre sujet, augmentant la luminosité relative sur leur visage pour correspondre à la exposition derrière eux, même si la lumière vient de la direction opposée. De la source, nous voyons les niveaux correspondants de luminosité ainsi que la qualité de la lumière, que nous allons couvrir plus tard mélange les deux assez ensemble pour ne pas distraire le public à leur I. La fenêtre s'allume toute la pièce de son expérience, le public comprend que pendant la journée, la lumière du soleil venant à travers une fenêtre ouverte éclairera tout un espace en rebondissant autour des murs,du murs, sol et du plafond. En tant que directeur de la photographie, vous devez comprendre que la lumière d'une fenêtre est souvent très directionnelle et ne sera pas toujours en mesure de fournir suffisamment de lumière rebondie dans une scène pour exposer votre sujet sous tous les angles . Lorsque l'on considère le rétroéclairage d'un sujet, il est important d'identifier d'abord ce que nous voulons que cela aime faire pour nous. L' idée fausse commune qui découle de la technique standard d'éclairage à trois points est que le rétroéclairage est obligatoire et superficiel. Si nous nous trouvons dans une situation où un rétroéclairage ne nous donne aucun avantage ou attirerait l'attention sur lui-même parce qu'il est trop naturel, nous ne l'utilisons tout simplement pas. Ici, nous avons un sujet éclairé de la fenêtre adjacente. Le sujet a une bonne séparation de l'arrière-plan. Leur couleur et leur nuance sont différentes d'elles-mêmes, et l'objectif de l'appareil photo est sujet requin tout en brouillant ce qui se trouve derrière eux, les séparant davantage. Le public comprend qu'il y a une fenêtre et n'a aucune indication visuelle pour s'attendre à ce que tout type de rétroéclairage venant de l'intérieur de la maison soit le même coup. Mais avec une forte rétroéclairage sur le sujet, le public croirait immédiatement qu'il y a quelque chose de hors cadre qui éclairent notre sujet , peut-être un trou géant dans la maison. Le rétroéclairage est distrayant et ne règle aucun problème avec le sujet, alors qu'il les sépare techniquement plus loin de l'arrière-plan par le mérite d'être beaucoup plus lumineux. Maintenant, en plus de tous les autres facteurs mentionnés, il offre très peu d'avantages. Voici les sujets Il est devant une toile de fond, avec un ton et une couleur similaires à leur palais et avec des quantités similaires de lumière tombant dessus . L' arrière-plan n'a pas de détails ou d'affaires, et donc la séparation due à la profondeur du champ est très faible. C' est une situation où nous pourrions vouloir retirer notre sujet de l'arrière-plan et un rétroéclairage serait utile. Le même coup avec un rétroéclairage ajouté. Maintenant, nos sujets, il est clairement hors de l'arrière-plan et attire l'attention du public beaucoup plus clairement important. Pour noter les feux arrière, il est derrière le sujet sur le côté opposé et directement en face de la lumière clé. Cela permet la chute du rétro-éclairage sur la partie plus sombre du sujet qui s'est mélangé le plus avec l'arrière-plan. Les lumières de remplissage sont peut-être la partie la plus mal comprise du sujet d'éclairage. Il est important de comprendre leur but avant de les placer et de déterminer s'ils sont nécessaires dans un environnement donné. Ce que Philip fait pour nous est déterminé le rapport d'éclairage, le rapport d'éclairage de la scène est la différence décrite dans les arrêts entre notre côté lumineux clé du sujet et les zones d'ombre sur ce sujet. les ombres sont sombres, plus le rapport entre la zone la plus brillante et la plus sombre est élevé, et plus la scène est contrastée. Un faible rapport, tel que le remorquage, a les ombres un stock ou la moitié de la quantité de lumière sous le côté clé et a un faible contraste d'éclairage. Il s'agit d'un style d'éclairage commun pour des sujets comiques ou moins dramatiques ou des scènes. Toutes nos informations d'ombre sont visibles, et rien n'est caché dans les ténèbres. Si nous enlevons un peu de Phil en soutenant la lumière de remplissage ou la planche loin, ou en gradant la source, nous augmentons le rapport, mon approfondissement des ombres. Ici, nous avons le sujet où les zones d'ombre sont quatre arrêts plus sombres que le côté de la clé ou les ombres ne reçoivent que 1/16 de la quantité de lumière que le côté clé. Ce ratio serait exprimé en 16 pour 1. Le contraste est beaucoup plus élevé et il y a des détails perdus dans la zone d'ombre. Ce style est beaucoup plus commun aux sujets dramatiques ou d'horreur. Comme vous pouvez le voir, en changeant la position d'une seule source en changeant la quantité de Phil, nous modifions considérablement le taux d'éclairage et l'esthétique globale de la scène. C' est la puissance de la lumière de remplissage. 3. Leçon 2 : la qualité de la lumière: lorsque nous discutons de la qualité de la lumière, ce que nous entendons vraiment, c'est la nature des ombres projetées. La lumière peut se plier, refléter la réfraction, briser deux longueurs d'onde distinctes et apparemment être à deux endroits à la fois. Et nous pouvons exploiter ces caractéristiques pour changer la lumière que nous jetons sur notre sujet. après mon expérience, il est rare que je pointe une source de lumière nue vers un sujet sans rien devant la source pour le façonner ou le modifier. Cela correspond à notre philosophie qui consiste à mélanger l'éclairage de nos scènes avec la lumière qui y serait naturellement. Il est rare dans notre vie quotidienne que nous ayons une ampoule nue brillante pointée et focalisée directement sur nous. Les lampes fluorescentes du bureau sont souvent derrière. Les diffuseurs sont des lampes ont des abat-jour sont les fenêtres ont des rideaux ? Il y a deux extrémités du spectre sur la qualité de la lumière, dur et donc tout cela détermine la propagation d'une source de lumière donnée pour la quantité de surface sur laquelle la lumière est projetée et la netteté des ombres qu'elle projette. Tout d'abord, nous allons discuter de la lumière adoucissante. lumière adoucissante est le moyen le plus courant que nous modifions une source le plus souvent en plaçant un morceau de diffusion devant. Mais nous devrions comprendre quels facteurs contribuent à la douceur de la vie. La taille du diffuseur lui-même est le facteur principal. Lorsque nous utilisons un morceau de diffusion ou une soie ou une planche de rebond, nous faisons effectivement ce fuser notre source de nouvelles et la taille de ces sources par rapport à notre sujet est ce qui détermine la douceur des lumières. Si nous devions diffuser l'un deux fois plus grand que l'autre, mais placer deux fois plus loin de notre sujet, ils jetteraient la même douceur car par rapport au sujet, ils ont la même taille. C' est la raison pour laquelle en termes de qualité de la lumière, soleil et la lune jettent des qualités de lumière très similaires. Alors que le soleil est 400 fois plus grand en diamètre que la lune, le soleil est également environ 400 fois plus loin. Ici, nous avons une lumière adoucie par diffusion. Exactement à trois pieds du sujet, j'ai remarqué la propagation des ombres sur le visage du sujet et la douceur des bords des ombres. Maintenant. Nous avons déplacé cette lumière exacte deux fois plus loin. Après avoir ajusté notre exposition de la caméra, nous pouvons voir que la nature des ombres a changé la taille relative des sources diffusées plus petites en raison de la distance. Et nous pouvons voir que les bords des ombres air plus nets et plus définis dans les ombres se propagent beaucoup moins qu'auparavant. Essentiellement, nous avons rendu une source souple plus difficile en l'éloignant. Le matériau et la méthode de diffusion sont l'autre facteur principal dans la détermination de la douceur. Il existe d'innombrables types et qualités de matériel de diffusion. La règle générale est que plus un matériau produit de diffusion, moins la lumière atteint votre sujet, ce qui est important lorsque vous essayez de déterminer votre filtre d'exposition. Les fabricants vont énumérer ce bureau de lumière. Il y a un numéro de facteur de filtre. Ils vont d'environ 1/3 d'un arrêt pour la fusion la plus légère, généralement quelque chose comme Opal Frost à plus d'un arrêt complet en deux. Pour quelque chose comme de grands applaudissements. De nombreux fabricants de lumière qui incluent du matériel de diffusion avec leurs lumières ne dérangent la liste des facteurs de filtre avec le matériau. Mais mon observation a été qu'il y a souvent un type de matériau de grille, il perd environ un arrêt de vie pour une lumière encore plus douce. Sur notre sujet, nous pouvons aller plus loin et utiliser une planche de rebond. Au lieu de pointer la source directement sur le sujet. Ici, nous concevons la même taille et la même distance de la lumière clé qu'une prostituée, sauf maintenant que la lumière est rebondie dans un tableau de rebond blanc, et nous avons compensé l'exposition à la caméra avec une perte de lumière à nouveau, les ombres se sont propagés encore plus loin, et les bords des ombres air moins définis. Il s'agit d'une méthode courante pour obtenir des droits de clé logicielle. Lorsque de grands panneaux de diffusion ne sont pas disponibles ou ne rentrent pas dans l'espace physique, Nous pouvons prendre cette méthode et l'appliquer ailleurs. Ici, nous avons le sujet de près d'un mur et dans un espace trop petit pour mettre une lumière. Mais nous voulons toujours une lumière de touche douce en plaçant un tableau blanc ou même en utilisant une surface blanche dans l'espace. Hors de cadre et rebondissements sont légers. Nous obtenons la même touche logicielle avant d'apprendre à trouver des zones sur votre plateau où vous pouvez rebondir naturellement. La lumière vous sortira de beaucoup de situations difficiles. Regardons la modification de la lumière dans l'autre sens, rendant notre lumière plus difficile. Il y a des scénarios où nous voulons des faisceaux de lumière plus nets, comme des scènes de contraste plus élevé où nous essayons d'imiter des faisceaux de lumière à travers une fenêtre ou de suggérer des coupes de lumière étroites à travers une porte. Il y a des façons plus esthétiquement agréables d'y parvenir. Regardez cela ne consiste pas simplement à pointer une source de lumière dure sur le sujet. L' une des façons d'y parvenir est de façonner la lumière en utilisant un miroir comme réflecteur. Ici, nous avons la même lumière de clé dure sur le sujet mais fourni en utilisant un petit miroir la même façon que nous utilisions un rebond et de viser le miroir par opposition à déplacer la source. Bien que nous ayons perdu une certaine morsure de le refléter, regardez les ombres et combien le bord de l'ombre est beaucoup plus défini. Puisque nous avons tous ces outils à notre disposition, il est important d'établir une ligne directrice sur ce que nous recherchons dans notre ombre sur un sujet, quelle que soit la qualité de la lumière. En tant qu'humains, nous avons développé des perceptions très vives sur les visages des autres. C' est ainsi que nous faisons la grande majorité de notre communication interpersonnelle, légers changements ou déviations dans le visage d'une personne. Informez-nous beaucoup, et c'est là que la majorité de notre attention est portée aux autres. Si les ombres ne sont pas placées sur un visage sujet d'une manière agréable qui ne déforme pas la forme du visage, nous le reconnaissons immédiatement. Comment et où. Les ombres doivent être placées sur les changements de sujet avec tout le monde en fonction de leur forme . Mais quelques règles peuvent être appliquées à chaque sujet. Ici, nous avons un dur de jeter des ombres sous les yeux. En plus d'attirer l'attention sur une zone absolument aucun sujet comme liaison des ombres au poids visuel sous l'œil, changeant efficacement sa forme globale, les faisant apparaître hors de proportion en prenant exactement la même lumière dure et l'abaissant pour diminuer les ombres en dessous, les yeux ont été ramenés à leur proportion naturelle et obtenir une lumière plus naturellement agréable . Des études de suivi des audiences du four de mouvement I à travers un cadre donné ont montré la grande majorité de notre attention. Ce qu'une personne est à l'écran est placé sur leurs yeux lors de l'éclairage d'une personne considérée comme les yeux d'abord, nous allons couvrir cela plus dans la leçon suivante. Rappelez-vous, tout l'éclairage est un acte d'équilibrage, et il n'y a pas de déjeuner gratuit chaque fois que nous modifions une source. Nous perdons une certaine quantité de lumière à cause de sa nature. bornes sont-elles réfléchies et réfractées ? Et nous devons compenser l'exposition de la caméra pour cela, que ce soit en ajustant notre ouverture sur l'objectif ou en utilisant une source lumineuse intense pour commencer. Idéalement, vous avez calculé la quantité de lumière que vous perdrez par le type de modification que vous voulez et utilisé une source assez intense en premier lieu. 4. Leçon 3 : Déterminer l'exposition: dans cette leçon, nous discuterons des méthodes et des considérations avancées lors de la définition de l'exposition. Lorsque nous faisons référence à l'exposition dans cette définition de cours, nous utilisons est la quantité de lumière provenant de la scène entrant dans la caméra. Autrement dit, l'exposition provient de la lumière, réfléchissant les objets dans l'espace et atteignant effectivement l'objectif de la caméra. Déterminer l'exposition est plus que vérifier un hist par gramme pour s'assurer que la caméra ne perd pas d'informations. L' exposition est la détermination de ce que nous voulons faire avec les sujets sur lesquels elle tombe. La première chose que nous pouvons faire pour contrôler et déterminer son exposition est de décider de l' ouverture de notre caméra avant d'allumer n'importe quelle lumière. La façon dont nous définissons l'ouverture affecte l'image de plusieurs façons, et être délibéré sur la façon dont nous voulons que ces effets apparaissent nous aide à créer l'apparence d'une scène et à maintenir la cohérence visuelle à l'intérieur et entre les scènes a décidé que notre ouverture sur l'objectif devrait être à quatre heures, et la sensibilité de notre appareil photo devrait rester à ESO 400. Nous allumons la lumière et immédiatement nous pouvons voir qu'elle est trop exposée. Au lieu de modifier les paramètres de l'objectif ou de l'appareil photo pour s'adapter à la lumière. Il est important de comprendre que c'est la lumière que nous devrions changer pour la caméra. Nous aimons la taille de la source de lumière sur la qualité de la lumière, donc pour réduire l'exposition sans altérer la qualité, il suffit de réduire la lumière ou de placer des filets devant la lumière pour obtenir l' exposition souhaitée avec des lumières modernes . Cela n'a pas d'impact négatif sur la qualité de la couleur de la lumière, comme dans le passé, et cela nous permet de maintenir les paramètres prédéterminés de l'appareil photo et de l'objectif. Rappelez-vous, nous devons toujours déplacer ou changer la lumière avant de penser à déplacer ou à changer la caméra ou le sujet comme mentionné. détermination de l'exposition dépend de l'information à l'écran et de l'endroit où, le long d'un spectre de luminosité, nous voulons que cette information tombe. Quels détails voulons-nous mettre en évidence et quels sommes-nous voulons tomber ? Vous pouvez penser à votre image comme un dia rama ou un modèle que vous ne voyez que sous un angle. Lorsque vous placez plus de lumière sur le sujet dans le cadre, il avance vers le public et attire son attention. Lorsque nous enlevons la lumière d'un sujet, il le déplace plus loin, ce qui le rend moins remarquable pour le public. Ici, nous avons un sujet et un objet éclairé uniformément. Nous avons fixé l'exposition pour les deux au même niveau, de sorte que la plupart des détails sur chacun d'eux soient également visibles pour un public. Maintenant, nous augmentons l'exposition sur l'objet, pas même de façon spectaculaire, juste d'un demi-arrêt de la valeur de la lumière. Et vous pouvez voir immédiatement il attire plus de focalisation un public. Est-ce que les tanières de donner consciemment à l'objet plus d'attention que le sujet et le sens du tir ? Changements de deux partages de deux sujets soutenant l'objet, ce qui est plus important ici. Maintenant, le sujet a l'exposition accrue, et le sens change à nouveau. Maintenant, l'objet apparaît à l'appui du sujet. Moins important et probablement, a ajouté Justin , l'exposition à la pièce consiste à dire au public ce qui est important et à guider son attention. L' exposition révèle ou cache les détails, et c'est l'outil que nous avons pour donner des informations délibérées au public. C' est ainsi que nous racontons l'histoire avec la lumière maintenant que nous avons couvert le but de l'exposition et sa relation avec le déplacement des sujets vers l'avant ou vers l'arrière et le cadre. Nous pouvons discuter de ce qu'il faut faire sur les milieux. Si nous pensons à l'arrière-plan de l'image, comme la toile sous la peinture, nous pouvons comprendre que son fond de but est une base pour les sujets de l'image assis lors de l'exposition d'un arrière-plan. Les mêmes règles de rapport d'éclairage s'appliquent parce que nous examinons le contraste entre la lumière et l'obscurité et comment cela affecte l'esthétique en tant que guide général, mais pas toujours, le fond devrait être à une exposition inférieure à celle du sous réserve de les déclencher. Ici, nous avons un fond à la même exposition est le sujet éveillé. Tu vois comment ils se fondent ensemble ? Et il est plus difficile de déterminer ce qui est le plus important dans le cadre. Lorsque nous réduisons l'exposition de fond d'un arrêt ou de la moitié de la quantité de lumière, le sujet avance et attire notre attention. Cela crée une séparation et les rend plus distincts. L' image est plus facile à regarder, et même si nous avons enlevé la lumière de la scène, elle semble toujours lumineuse. Notre taux d'éclairage est de 2 à 1. Le même faible taux de contraste récupéré plus tôt. Maintenant, nous avons supprimé encore plus comme laisser tomber l'exposition sur le fond. Trois arrêts ou 18 quantité de lumière thème que nous avons commencé avec le sujet se distingue plus loin. La scène a plus de contraste. Il s'agit d'un ratio commun pour le matériel plus dramatique ou d'horreur. Rappelez-vous, si c'est dans notre cadre, nous en sommes responsables. Chaque morceau de l'image doit servir un but, même si ce but est de pointer. attention ailleurs en arrière-plan est un élément fondamental de chaque image. 5. Leçon 4 : Les scénarios communs: Dans cette section, nous examinerons un certain nombre de scénarios d'éclairage courants qui apparaissent régulièrement sur la bonne et la mauvaise façon de les aborder, en utilisant les leçons que nous avons déjà abordées. Peu importe le nombre d'histoires écrites par l'air, les mêmes défis d'éclairage continuent de se produire, et avoir ces approches déjà élaborées vous fera gagner une tonne de temps à expérimenter et à ajuster sur le plateau et vous fera apparaître deux fois comme de l'expérience au réalisateur. Candle est un scénario d'éclairage extrêmement courant, tandis que les appareils photo numériques ont été suffisamment sensibles pour photographier strictement à la chandelle depuis des années . La raison pour laquelle nous voulons délibérément aimer cette scène est à cause de ce que nous savons sur les bougies . En tant que source, ils sont petits, jettent dur, léger, léger, jettent des ombres peu flatteuses et ne s'approchent même pas de l'arrière-plan. Ici, nous avons un sujet près d'une bougie qui dans le cadre, qui indique à notre public d'où doit venir la lumière. Puisque nous connaissons déjà cette partie, nous pouvons placer notre source près de l'endroit où se trouve la bougie et plus loin de là. Nos sources s'alignent sur la ligne des yeux pour éviter de projeter des ombres laides sur le visage du sujet, mais pas si haut qui semble hors de la synchronisation avec la bougie elle-même. La source est plus grande que la bougie et diffuse pour adoucir les ombres Il ne coule. C' est parce que si notre source était aussi petite que la bougie et à travers la lumière dure, le sujet aurait deux séries d'ombres concurrentes sur son visage, ce qui est à la fois peu attrayant et non naturel, distrayant le public. Maintenant, nous réchauffons la couleur de la source, soit Elektronik Lee ou avec des gels et l'assortissons de plus près à la couleur de la bougie. Nous n'avons pas besoin de liqueur intentionnellement notre source, puisque la bougie elle-même est éclairée et scintillante seule. Deux séries de scintillement hors synchronisation seraient à nouveau distrayants pour le public. Ici, nous avons naturellement, joliment éclairés sont sujets tout en respectant la lumière naturelle présente dans la scène et ne pas attirer l'attention sur l'éclairage que nous avons fait. L' obscurité à l'écran est un paradoxe Secret. Convoquer l'obscurité dans une scène, c'est avoir une zone ou un objet de luminosité relative que le reste de la scène peut tomber en dessous de l'exposition. Ici, nous avons une scène littéralement sombre, sans zones de forte exposition qui transmettent le contraste entre la lumière et l'obscurité. Le public comprendrait la soirée de la CIA. Mais plus important encore, ils auraient du mal à distinguer les détails et prétendaient que la scène est difficile à voir. Maintenant, nous avons ajouté juste une lumière derrière le sujet, fournissant un bord d'exposition plus élevée autour de leur visage. L' exposition est plus brillante que n'importe quoi naturellement pendant la nuit. Cette lumière nous donne des détails sur notre sujet. Le contour révèle la forme et permet au public de comprendre facilement ce qu'ils regardent remarquer. Le fond a très peu d'exposition. Le cadeau mort entre l'éclairage pour l'obscurité et l'exécution d'un jour pour l'effet de nuit est l' exposition relative dans le fond de scènes de cadre prises la nuit ont tendance pas les orteils ont beaucoup d'exposition dans le fond. Où est le jour pour la nuit ? Les plans ne peuvent pas éviter les détails d'arrière-plan. Voici une image prise pendant la journée et affectée en poste pour simuler la nuit jour pour la nuit. Bien que techniquement, il a les caractéristiques de ce à quoi nous pensons que la nuit devrait ressembler. La présence de détails de fond le dégage comme en vigueur et peut distraire le public . Un autre scénario commun dans lequel nous nous trouvons est le désir de lumière d'en haut. L' éclairage de droite au-dessus d'un personnage peut transmettre une esthétique dramatique d'humeur adaptée aux scènes tendues et intimes. Le problème est que le fait de s'appuyer uniquement sur une lumière aérienne projette de longues ombres sur le visage du sujet , en changeant sa forme et en paraissant peu attrayante pour le public. C' est une situation où l'utilisation de la lumière de remplissage peut nous sauver en déplaçant une carte de rebond directement dessous du sujet. En face de la lumière de la clé supérieure, nous pouvons remplir le visage et fournir une exposition aux zones importantes de détail. Les yeux, la bouche. En pêchant le Fillmore vers le haut, nous pouvons mettre plus d'accent sur le visage et moins sous le menton. C' est une approche précieuse pour apprendre avant de tourner une scène autour d'un bureau dans l'obscurité ou une partie de poker. Voici un scénario commun que de nombreux cinéastes ont tendance à trop penser ou à aborder de manière générale. Vous avez une scène de deux sujets face à l'autre. Chacun a besoin d'une lumière clé, et vous avez décidé que chacun a besoin d'un rétroéclairage pour la séparation. Sur le papier, vous pourriez avoir peur qu'il s'agisse d'une configuration de quatre lumières, et vous pourriez finir par combattre plusieurs ensembles d'ombres partout dans l'ensemble. Notre approche ici n'utiliserait que deux lumières chacune, fournissant la lumière clé pour un sujet et panoramique pour fournir le rétroéclairage de l'autre avec les deux lumières sur les côtés opposés du sujet. À partir de la caméra, nous obtenons une lumière clé attrayante et étroite sur les deux faces du sujet, avec une partie du déversement de chaque lumière atterrissant sur le sujet le plus proche. Et ici, nous avons la même configuration, mais avec une seule lumière. Comme précédemment, nous pouvons utiliser un réflecteur brillant pour remplacer l'une des lumières et fournir une clé pour le sujet ultérieur. Bien que l'exposition sur chaque sujet ne soit pas aussi égale, cette approche pourrait s'adapter à une scène avec une source importante dans l'environnement, comme une fenêtre. En utilisant autant de lumière que nous avons d'une source affaiblir faire le travail de quatre. 6. Leçon 5 : Techniques avancées: Les lumières I sont un outil puissant, mais pas nécessaire, que nous pouvons utiliser pour attirer plus d'attention sur notre sujet. Lorsque vous discutez des lumières I, il est important de savoir qu'elles ne proviennent pas de la lumière directe sur nos sujets I mais plutôt de placer une source dans une plage d'espace entre les sujets du I visible et la caméra. Parce que le I est incurvé, nous n'avons pas nécessairement besoin de mettre la lumière directement sur la caméra elle-même, mais nous pouvons utiliser la capacité des lumières pour se plier et réfléchir pour placer la lumière juste hors ligne de la caméra et obtenir le même effet. Ici, nous avons le même sujet avec autour de I lumière placé juste au-dessus de la caméra et gradé de manière à affecter l'exposition globale aussi peu que possible. Je n'ai pas besoin de la source pour être très brillante du tout. Depuis ce que nous voyons dans les sujets, je suis un reflet de la lumière elle-même. Ce qui importe le plus, c'est le placement et la taille de la source. Voici le même sujet avec la lumière I fournie par une grande planche de rebond juste sous la caméra. Très peu de lumière tombe sur la planche elle-même, mais parce qu'elle est grande et placée entre le sujet et la caméra, elle semble très lumineuse. Bien qu' il s'agisse d'une technique très attrayante, il est important de se rappeler que par sa nature, la lumière I sera très visible pour le sujet et vous devez donc prendre soin de l'empêcher les distraire en étant trop brillante ou trop envahissante. L' éclairage d'un espace plutôt que d'un seul sujet est un scénario très courant que nous nous trouvons souvent dans le blocage des personnages et le mouvement les emmènera à travers un environnement, et nous n'avons pas toujours les outils pour permettre à notre clé parfaite et remplir de bouger avec eux. Nous pouvons résoudre ce problème en éclairant l'espace pour leur permettre de se déplacer et de maintenir la qualité et le rapport d'éclairage que nous voulons. La méthode la plus simple pour éclairer l'espace est de prendre la source la plus haute intensité que nous avons pour la clé et de la rebondir hors du plafond ou un panneau de rebond blanc placé sur le plafond. Rappelez-vous, rebondir la lumière, c'est la diffuser, ce qui la répand. Une plus grande surface avec cette méthode ont essentiellement fait du plafond notre source de lumière, fournissant une lumière clé à tout ce qui est en dessous. Maintenant, notre sujet peut se déplacer sans que nous perdions notre lumière. Supposons maintenant que vous vous retrouviez dans un scénario plus commun que nous ne voulons l'admettre. Vous devez éclairer un sujet. Tu ne peux avoir qu'une seule vie ? Si ça ne t'est pas arrivé, ça le fera. Et si c'est le cas, ça se reproduira. Dans ce scénario, nous devons aborder est que nous pouvons compter sur. Le premier est d'utiliser la lumière est un vol arrière fort assurant la séparation pour le sujet . Excepté que nous tournons la lumière juste hors du sujet assez pour que nous puissions déplacer une carte de rebond près du visage du sujet, qui au lieu d'un Phil fonctionne maintenant comme sa propre vie clé. La seconde est d'utiliser notre lumière comme une lumière clé de l'avant en premier lieu. Ensuite, nous pouvons utiliser un rebond ou un Reflektor brillant juste derrière le sujet et créer un rétro-éclairage. Comme par le passé, nous avons déplacé la lumière du sujet juste assez pour permettre à la lumière d'obtenir le rebond derrière eux et de revenir sur le sujet. Dans les deux scénarios, il y a suffisamment de lumière pointant sur l'épaule du sujet pour que nous puissions utiliser une deuxième carte de rebond et créer une lumière de remplissage. Si nous voulons ajuster le taux d'éclairage, vous voyez que nous avons essentiellement un éclairage à trois points mis en place, utilisant une lumière de deux façons distinctes. Si la lumière a été remplacée par une fenêtre, vous pouvez raisonnablement tirer sans éclairage artificiel tous ensemble. Un sujet très important à aborder celui que je n'ai pas vu couvert mais qui vous rendra absolument indispensable en tant que directeur de la photographie est la compréhension de la gentillesse envers les sujets. Voici le visage du sujet. Les flèches désignent des zones du visage dont le sujet moyen est conscient de soi, tandis que vous, un directeur de la photographie, pouvez avoir une idée d'un éclairage intéressant mis en place. Ce que vous devez comprendre, c'est que tous les humains dans leurs cultures respectives ont notions préconçues sur ce qui constitue une personne attrayante. Vous devez être capable de travailler dans ces préjugés si vous êtes intéressé à garder votre travail parce que chaque sujet regarde les quotidiens, et si la tête d'un film pense que vous les dépeignez mal, le réalisateur peut avoir à choisir entre vous et leur star, et ce n'est pas un combat que les cinéastes gagnent souvent. L' astuce pour un éclairage attrayant sur le sujet réside dans l'exposition et le placement des ombres. Notre objectif est de réduire le contraste visuel dans les zones préoccupantes en abaissant le taux d'éclairage dans la possible et en évitant d'augmenter l'exposition sur les zones préoccupantes. Ici, nous avons notre lumière clé sous la ligne des yeux du sujet. Ce que cela fait est d'augmenter l'exposition sous le menton, une zone dont aucun sujet n'est satisfait. Ce placement met l'accent sur la rondeur de la forme du visage, et de souligne les yeux. Maintenant, nous avons la même lumière soulevée à 30 degrés au-dessus de nos sujets. J' ai menti. Cela augmente l'exposition sur les yeux et jette une ombre sous le menton en mettant l'accent sur la zone en règle générale. Garder la lumière et la caméra juste au-dessus de la ligne des yeux flattera presque tous les sujets et devrait être votre emplacement de départ par défaut lors de la configuration des plans moyens et rapprochés. Ici, nous avons une lumière dit au-dessus de la ligne des yeux du sujet. Comme recommandé, cependant, la lumière est assez haute et assez dure pour qu'elle projette de longues ombres sous les yeux, augmentant ainsi le contraste et l'attention à un autre domaine préoccupant. Nous pouvons et remplir la lumière à cette mise en place pour abaisser le taux de combat sur le visage, mais les ombres air encore proéminente parce que leurs bords sont bien définis maintenant. Way ont diffusé de la lumière, adoucissant les bords des ombres et de mettre l'accent sur la zone sous le couvert. Si nous ajoutons Phil, nous augmentons encore l'exposition sur les yeux eux-mêmes et attirons l'attention loin de la zone des yeux. Si vous êtes vigilant dans l'observation des ombres ou du contraste sur les domaines préoccupants pour votre sujet, vos sujets apprendront très rapidement à vous aimer.