Dessiner et peindre des portraits : un guide pour les artistes

1. Introduction: Les gens sont mes sujets préférés à peindre, et ils l'ont toujours été depuis que je suis une jeune artiste. Il y a quelque chose de si spécial et gratifiant dans la création de portraits. Je suis Gabrielle Brookie. Je suis artiste et professeur et aujourd'hui nous allons plonger dans le dessin et la peinture du portrait humain. Je veux partager avec vous toutes les petites choses que je garde à l'arrière de ma tête tout en créant une pièce. Tu apprendras à construire une tête. Les proportions de base du visage, et comment voir les rythmes que nous avons dans nos visages qui nous aideront à créer de belles images fluides. Vous apprendrez les principaux repères anatomiques à rechercher sur le visage et comment décomposer chaque fonction en formes simples et faciles à dessiner. Parlera également de la façon dont nous pouvons simplifier nos portraits afin qu'ils lisent bien près, mais aussi à distance. Je vais utiliser l'application de procréation sur mon iPad Pro avec le crayon Apple pour cela, et je partagerai des conseils tout au long du chemin pour l'utiliser. Mais vraiment ce cours est pour tous ceux qui veulent développer leurs compétences en dessin de portrait et en peinture, quel que soit le support. Quand je peins des portraits, je suis dans mon endroit heureux. Si vous aimez faire des portraits aussi, où si vous voulez en savoir plus, sautez en classe et commençons. 2. Matériaux: Donc, si vous allez suivre avec moi dans Procreate, vous voudrez télécharger l'application Procreate sur votre iPad ou iPad Pro. J' utiliserai le crayon Apple pour peindre. Si vous n'en avez pas, ils sont vraiment génial et je recommande fortement obtenir un si votre iPad est compatible. Dans ce cours, j'aurai presque tous les pinceaux que j'utiliserai à télécharger. Vous pouvez trouver un lien vers ceux dans la section de votre projet sous Ressources de classe. Pour les portraits, j'utiliserai généralement une toile de 5000 pixels par 3500 pixels à 300 DPI. C' est généralement assez grand pour que je corresponde à ma référence et à mon portrait côte à côte. Il en résulte un joli fichier volumineux tout en n'étant pas si grand qu'il provoque des retards. Si vous le souhaitez, vous pouvez étiqueter votre canevas , puis le faire glisser vers le haut afin de l'avoir toujours. Voici un aperçu de mes paramètres. Si vous voulez correspondre à ce que j'ai. Vous pouvez trouver vos paramètres sous l'icône de clé, puis préfs. Il y a également d'autres paramètres sous les contrôles gestuels, et vous pouvez les modifier en fonction de vos besoins ou les laisser tels qu'ils sont. Si vous voulez utiliser Procreate pour ce cours, mais que vous n'êtes pas encore familier avec l'application, je suggère d'abord de regarder ma précédente classe Procreate appelée Art Made Easy dessin peinture avec l'iPad Pro. Mais si vous êtes familier avec Procreate, vous devriez vous sentir à l'aise de sauter directement dans ce cours. A noter que cette classe est pour la plupart consacrée au dessin et à la peinture du portrait humain. Donc, je pense que vous trouverez que les idées se transportent dans n'importe quel support, donc si vous utilisez des crayons , des huiles, des acryliques, Photoshop, etc., n'hésitez pas à suivre et à partager votre travail de portrait avec la classe. 3. Formes et proportions de base de la tête: Il y a plusieurs façons de penser à la tête pour aider à la simplifier. Certains aiment commencer par la forme d'un œuf à l'envers. Un œuf capture la qualité ronde de la tête, et vous pouvez commencer un dessin avec quelque chose de similaire à cette forme simple. Je trouve généralement cela comme un bon début pour les têtes féminines. La tête peut également être pensée comme un bloc ou une boîte. Il y a l'avant du visage, les deux côtés, l'arrière de la tête, le haut de la tête, et sous la mâchoire. Penser dans les coins peut vous aider à établir l'emplacement des têtes dans l'espace. L' œuf en bloc combine ces deux idées. Combinant la rondeur de la forme de l'œuf avec la qualité blocky. Vous pouvez également penser à la tête comme une balle avec une mâchoire. Souvent, je vais commencer mes dessins avec ce genre de raccourci. Il fait un bon travail de décrire la rondeur du crâne et les angles du visage et de la mâchoire. Normalement, la balle avec l'approche de la mâchoire ou l'approche de l'œuf en bloc est ce que je gravite vers, mais vous pouvez penser à la tête et à de nombreuses façons différentes. Cela dépendra de ce qui vous semble naturel et aussi de la tête particulière que vous dessinez et vers laquelle elle se penche. Le but de cela est de nous faire penser en 3-D, donc tout le chemin autour de la tête. Cela nous aidera à dessiner un portrait avec structure. Dans ce cours, on parlera de la tête d'adulte. Les proportions d'un bébé ou d'une tête d'enfant seront différentes au fur et à mesure qu'elles grandissent encore. Globalement, sur un bébé ou un petit enfant, le crâne sera plus grand par rapport à leur visage. Andrew Loomis a de très bons diagrammes si vous voulez aller plus en profondeur avec ça. Mais pour l'instant, passons en revue les proportions de base que vous trouverez sur un adulte et une vue droite de face. Si vous voulez pratiquer avec moi, prenez un morceau de papier et un crayon ou dessinez et procréer. Vous pouvez également utiliser les feuilles de calcul d'exercices pratiques fournies dans les ressources de la classe. Maintenant, la première étape va être de dessiner une balle. Si vous êtes aux prises avec cela, allez-y et entraînez-vous à dessiner une balle encore et encore. Finalement, vous entraînerez votre main pour être habitué au mouvement et ce sera plus naturel pour vous. Il ne doit pas être une balle d'une ligne parfaite non plus, vous pouvez utiliser de nombreuses lignes d'emballage si vous en avez besoin. Après avoir dessiné votre balle, ajoutez une mâchoire. Maintenant, cela va varier d'une personne à l'autre, mais sur ce premier exemple, nous allons dessiner un mâle. Une mâchoire mâle aura tendance à être assez angulaire. Dessinez deux lignes qui sortent de la balle, en descendant et légèrement vers l'intérieur l'une vers l'autre. Ensuite, dessinez deux lignes supplémentaires tournant encore plus vers l'intérieur et connectez-les avec une ligne du menton. Maintenant, nous avons la forme de base de la tête du haut du crâne au bas du menton. Ajouter une ligne horizontale droite sur le haut du crâne, puis ajouter une autre ligne horizontale droite au bas du menton. Si vous prenez cette mesure de haut en bas et la divisez en deux, vous obtiendrez où à propos de la ligne de l'œil atterrira dans une ligne droite frontale sur la vue. Si la personne regarde vers le haut ou vers le bas, cela changera. Mais quand il s'agit de comprendre les proportions spatiales sans les effets de la perspective, c'est vraiment utile de le savoir. Maintenant, la face est bilatéralement symétrique, alors ajoutons une ligne centrale verticale au milieu lorsque nous commençons à ajouter des entités. Nous irons beaucoup plus en profondeur plus tard, mais faites de votre mieux pour dessiner deux formes d'œil sur la ligne des yeux. Vous devriez être en mesure de tenir environ une autre longueur d'oeil entre les deux et deux autres de chaque côté. Une fois que vous avez les yeux placés, vous serez généralement en mesure de placer visuellement les sourcils en observant votre sujet dans l'espace entre leurs paupières et leurs sourcils. Je vais placer la ligne ici un peu au-dessus de la ligne des yeux et ensuite placer les sourcils. Je vais aussi de l'avant et effacer la moitié inférieure du cercle. Maintenant, de la ligne du front au bas du menton, si nous divisons cette mesure en deux, nous obtenons sur le placement de la racine du nez ou du bas du nez, où le nez rencontre le visage. J' y mets une autre ligne horizontale et j'ajoute une forme de nez. Si vous avez besoin d'une ligne directrice générale sur la largeur du nez, les coins internes des yeux s' alignent généralement avec les bords des ailes du nez. Maintenant, avec cette nouvelle mesure de la ligne sourcilière à la racine du nez, nous pouvons placer les oreilles. Maintenant, en allant de la ligne de front vers le haut en utilisant cette même mesure, ajoutez une autre ligne. Cela représentera le haut du front. Maintenant, nous avons les tiers de base du visage. Haut du front à la ligne du front, ligne sourcil à la racine du nez, et la racine du nez au bas du menton. Sur un visage, vous constaterez que ces distances sont plus ou moins égales les unes aux autres . En ajoutant sur les lèvres et le menton, nous pouvons obtenir une autre répartition en tiers. Si vous décomposer l'espace de la racine du nez au bas du menton en tiers, au premier tiers, vous obtiendrez à peu près où la partie des lèvres sera, et au deuxième tiers, vous aurez obtenir à peu près où la plaine du menton commence à pomper. Maintenant que les caractéristiques visuelles sont toutes en place, nous pouvons ajouter une coiffure. Gardez à l'esprit que les cheveux ne s'accrochent pas directement au sommet de la ligne du crâne. Les cheveux vont bouffer un peu plus haut sur la plupart des coiffures et beaucoup sur certaines. Ajoutons un cou, donc il n'est pas juste une tête flottante. Le cou aura tendance à être plus épais sur un mâle, et maintenant vous pouvez effacer vos lignes directrices. Ce sont les proportions de base de la tête. Vous pouvez revenir sur ces idées si jamais vos proportions sont à l'affût. Maintenant, allons au-dessus de la tête de la femme. Encore une fois, vous pouvez commencer par dessiner une balle et ajouter une mâchoire. La ligne de la mâchoire sur une femelle sera généralement plus arrondie, mais pas toujours. Pour celui-ci, j'ai essayé de garder ce concept d'oeuf à l'esprit. J' ai tracé les lignes plus doucement et moins carré qu'avant. Une note rapide sur les proportions, dans cette vue droite de la tête, c'est environ un rapport de 2:3, donc le visage est plus long qu'il n'est large. Comme nous l'avons fait avant, du haut du crâne au bas du menton, divisé en deux, est l'endroit où nous pouvons placer la ligne des yeux. Puis encore une fois avec une ligne verticale au milieu, nous pouvons diviser la tête bilatéralement pour obtenir ces poils croisés. Vous pouvez utiliser la ligne des yeux pour placer les yeux et utiliser les yeux pour placer visuellement la ligne du sourcil et les sourcils. J' ai trouvé que les sourcils féminins ont tendance à avoir un peu plus d'arche pour eux. Maintenant effacer le fond du cercle, puis de la ligne du front au bas du menton, divisé en deux, est à peu près où la racine du nez sera. Nous pouvons également placer les oreilles à l'intérieur de cette mesure de la ligne du front jusqu'au fond du nez. En utilisant cette même mesure, nous pouvons placer le haut du front en nous donnant les principaux tiers du visage. Encore une fois dans ce tiers inférieur, de la racine du nez au bas du menton, nous pouvons séparer cette section plus loin en tiers. Au premier tiers est la partie des lèvres, et au second tiers est le menton. Ensuite, nous pouvons ajouter sur la coiffure, encore une fois, se souvenant qu'elle ne s'accrochera pas directement au crâne, à moins que bien sûr, c'est quelque chose comme une queue de cheval super lisse ou un buzz très court. Ensuite, vous pouvez également ajouter le cou, qui aura tendance à être moins épais qu'un cou masculin. Ce sont les proportions de base dans une vue de face. Lorsque la tête s'incline de haut en bas, les choses vont changer en raison de la perspective, mais ces bases sont formidables à avoir dans votre poche arrière. En examinant rapidement la vue latérale, nous pouvons voir les proportions restent. Le tiers supérieur du visage est le front à la ligne brune, le tiers moyen est la ligne sourcilière à la racine du nez, et le tiers inférieur est la racine du nez au bas du menton. sectionnant à nouveau ce troisième bas, nous pouvons voir le premier tiers atterrit à la partie des lèvres, le deuxième tiers autour de l'endroit où le menton commence à se heurter, et le dernier tiers se termine au bas du menton. Ce sont des mesures générales et peuvent se déplacer d'une manière ou d'une autre. Mais cela est vraiment utile à pratiquer, surtout si vous luttez et que vous pouvez parfois rendre les choses trop longues ou trop courtes. Vous pouvez vous en sortir avec d'autres erreurs dans le dessin, mais si les proportions sont éteintes et que ce n'était pas une décision délibérée, cela montrera. Une fois que vous aurez les proportions de base du visage, ils vont se loger dans votre cerveau et vous n'aurez pas à vous fier à des diagrammes. Consultez les ressources de la classe si vous voulez plus de pratique à ce sujet. 4. Gestuelle: Le dessin gestuel est lorsque vous posez rapidement dans les formes, action et les caractéristiques générales de votre sujet. Quand je fais un dessin geste lâche, mon but est de capturer rapidement la forme de la tête, l'inclinaison de la tête, le contour de la personne et certains rythmes harmonieux. Nous avons tous des formes de tête légèrement différentes. De doux et rond comme un oeuf, au carré, un angulaire comme un bloc. Considérez les caractéristiques de forme de la tête de votre sujet lorsque vous commencez à dessiner. Utilisez le bloc d'œufs, œuf en bloc ou les deux idées de mâchoire pour vous aider à commencer. Ensuite, développez ces idées en prenant en considération le caractère unique de vos sujets ont. Nous voulons également établir l'action de la tête. Quelle est la direction de l'inclinaison de la tête ? La tête de la personne est-elle inclinée vers le haut, vers le bas ou sur le côté ? Nous pouvons donner la direction de la tête à l'aide d' une ligne centrale sur le visage et la ligne à travers les yeux. Imaginez une ligne descendant au centre du front, du nez, de la bouche et du menton, puis simplifiée en un seul arc lisse. Ensuite, ajoutez une ligne à l'endroit où la navigation irait ou à travers la ligne des yeux, selon celle qui vous convient le plus. Ces poils croisés nous donneront des informations sur l'inclinaison de la tête. Vous pouvez ajouter des lignes à la bouche et au bas du nez ainsi que pour commencer à suivre ces autres caractéristiques. Parlons maintenant du contour. Quel est le contour simple et incliné de votre sujet ? S' ils devaient rentrer dans une enveloppe, quoi ressemblerait cette enveloppe ? Imaginez, quelle est l'enveloppe de leur coiffure. Capturez ceci sous une forme simplifiée dans l'étape gestuelle. Ajoutez également sur le col cylindrique afin que vous n'ayez pas de tête flottante. Imaginez que si la personne était courue, elle a pris son collier. Cela peut vous aider à obtenir cette forme cylindrique du cou. Vous pouvez également dessiner à travers le cou pour vous faire réfléchir tout au long de la forme. Dans un dessin gestuel, vous voudrez également prendre en compte les rythmes de votre sujet. Recherchez les tourbillons et les lignes d'étirement. Recherchez des arcs dans une direction qui pourraient continuer à aller et ramasser et dans une autre direction. Voici quelques-uns que l'on trouve couramment dans les portraits. La figure huit rythme du front à la nuse, sourcil à nez à sourcil, pommettes à la partie des lèvres à pommettes. Dépressions dans les coins internes des yeux, aux ailes des narines, épaule à épaule. Aussi de l'avant de la poitrine à l'arrière du cou et de la tête et vers le bas de l'avant du visage. Il y a beaucoup de rythmes qui peuvent arriver et vous pouvez décider lesquels vous voulez jouer dans votre composition. Traversez les choses pour vous aider à trouver des liens. Vous pouvez également utiliser des lignes rythmiques à 0,2 et améliorer votre point focal. Les cheveux ondulés sont un endroit idéal pour manipuler les courbes pour être plus rythmiques et harmonieux. Assurez-vous de garder les boucles de cheveux équilibrées de chaque côté de la composition. Je trouve que je peux dessiner rythmiquement quand je laisse le crayon couler de mon poignet plutôt que de dessiner serré avec ma main. Les rythmes peuvent aider à unifier une paix, la rendant plus efficace dans son ensemble puisque les choses auront un sentiment de connexion. Le grand outil en ligne pour pratiquer le dessin gestuel est line of action.com. Si vous effectuez un balayage vers le haut sur votre iPad, vous pouvez glisser-déposer safari afin que vous puissiez multitâche avec la création et le safari ouverts. En ligne d'action, vous pouvez mettre dans ce que vous voulez dessiner et il fera apparaître images pertinentes et changer en fonction de l'intervalle de temps que vous donnez. Ces poses rapides vous permettront d'utiliser vos instincts de dessin. Ils vous donneront beaucoup de pratique et un peu de temps. Ici, je pense à cette enveloppe tout de suite, essayant de considérer son contour général avec des lignes inclinées. Puis j'ai mis cette poussée du cou. Le cou n'est pas droit de haut en bas. Il projette en fait vers l'avant et vous pouvez vraiment le voir sur elle. Maintenant je pense à sa coiffure. Coiffure peut vraiment aider à décrire une personne. Alors que ce geste se termine, je mets une ligne où le nez se projette pour que je puisse me donner un point d'ancrage pour le reste du visage. passant à celui-ci, je commence par une balle parce que tout de suite je sens cette idée arriver. J' ajoute cette ligne centrale sur le visage pour capturer l'action de son visage pointant vers la gauche. L' arc de la ligne aide à encourager qu'il regarde vers le côté plutôt que vers le droit dessus. J' ajoute le contour des cheveux et du cou ainsi que sa ligne de cou et les épaules. Puis je pense au rythme, comme le rythme de la dépression du coin interne de son œil à l'aile de sa narine. Parfois, je vais indiquer les ornières et un geste avec quelques lignes hachurées. Cela peut parfois aider à les repousser dans ce plan de prise. Celui-ci n'est pas parfait du tout, mais c'est un début et je peux travailler à partir de cela et le corriger au fur et à mesure que je vais. Certainement vérifier ligne d'action sont calmes ou si vous préférez, J'ai également créé quelques feuilles de calcul gestuelles pour vous. Ne mettez pas trop de pression sur vous avec ça. Réglez une minuterie et ne passez qu'une ou deux minutes sur chacune. Pensez simplement à la forme, à l'inclinaison, au contour et aux rythmes. 5. Anatomie de la tête: Maintenant, nous allons parcourir une partie de l'anatomie importante à connaître pour dessiner des portraits. Commençons par les points de repère importants du crâne. Ici, nous avons l'os frontal du crâne et il fait saillie vers l'avant sur certaines personnes comme un melon rond. Parfois, il fonctionne bien d'ombrager ces zones ici pour montrer que cela va de l'avant. Maintenant, vous ne pouvez pas vraiment voir les éminences frontales sur ce crâne, mais ce sont ces deux formes arrondies qui sont comme des balles de ping-pong. Vous verrez cela plus souvent sur les femmes et les enfants. Les arcs superciliaires sont beaucoup plus évidents à ce sujet. Ils sont juste là et juste là. Ils forment cette forme d'oiseau volant. Au milieu, ici, tu as ce qu'on appelle la glabella. D' un côté à l'autre, vous obtenez cette crête sourcilière, qui est une connexion harmonieuse. Ici, là où le sourcil s'arc ou se termine, vous aurez la ligne temporelle. Cela aide à séparer le plan latéral de la tête du plan avant et du plan supérieur. Ici, nous avons l'arc zygomatique et l'os zygomatique. Il va d'ici et vient autour, changeant la direction du plan en maxillaire, créant le plan avant de la structure de la joue. Maintenant, c'est l'os nasal. Vous pouvez même le pincer sur vous-même. L' os nasal déterminera beaucoup du caractère d'un nez. C' est l'une de ces structures osseuses qui se transmettront à travers les générations. Souvent dans un portrait en raison de l'angle, cela va attraper un peu de lumière. Ici, nous avons le processus mastoïdien, ce qui est important quand nous parlons un peu des muscles du cou. Ici, nous avons les prises oculaires et elles sont profondes, elles doivent protéger les globes oculaires. Lorsque vous dessinez la zone des yeux, n'oubliez pas que ce plan oculaire pousse en arrière. La mandibule est également importante pour donner cette structure de mâchoire unique sur une personne. Je veux aussi que vous preniez note de la rondeur du cylindre dentaire. Cela sera particulièrement important lorsque nous commençons à rendre les zones autour de la bouche. En regardant le squelette très rapidement, certains points de repère importants que nous voudrons également connaître sont le haut du sternum ici, en particulier l'encoche jugulaire qui plonge vers le bas et aussi les clavicules. Ces os sont importants à savoir car souvent, lorsque nous dessinons des portraits, nous inclurons cette partie de l'encolure. Personnellement, je ne pense pas qu'il soit nécessaire de connaître tous les noms de chaque muscle dans le visage. Les connaissances ne peuvent pas faire mal si vous voulez aller plus loin dans vos études. Une connaissance plus approfondie sera particulièrement utile si vous commencez à dessiner des expressions plus dramatiques. Il y a quelques muscles qui apparaissent sur la surface cependant. Examinons ceux que vous voudrez connaître pour le dessin. Tout d'abord, le muscle masseter. Quand vous regardez quelqu'un mâcher, vous pourrez voir ce muscle en action. Parfois, sur un portrait très viril, cela peut bien fonctionner pour donner plus d'attention. Si tu serres les dents, tu verras mieux ce muscle. Parfois, les modèles masculins vont même serrer leurs mâchoires pour rendre cela plus prononcé dans les photos. Le muscle masseter se fixe au bas de l'arc zygomatique. Vous pouvez également voir le muscle temporalis se déplacer lorsque quelqu'un mâche. Si vous regardez dans un miroir et mordez, vous verrez de légers changements de valeur qui se produisent ici entre le bord de votre front et votre tempe. Si vous mettez votre main sur votre visage et serrez vos dents, vous devriez être capable de sentir le mouvement de votre muscle masseur et de votre muscle temporalis. Le muscle sternocleidomastoïde sur le cou est l'un des muscles les plus évidents que vous verrez. Ce muscle va du sternum et de la clavicule à l' arrière de l'oreille sur ce processus mastoïdien que nous avons examiné plus tôt. Le muscle sternocleidomastoïde nous permet de tourner et de hocher la tête. Au niveau de la connexion du sternum, le muscle ressemble plus à un accord. Alors qu'à l'attachement claviculaire, il est plus large et plus plat. De la vue de face, les deux muscles sternocléidomastoïdes qui se réunissent ressemblent à une forme de V. Il y a plus de muscles dans le cou, mais c'est le principal que vous voudrez connaître pour le dessin. Parlons maintenant de quelques compartiments gras dans le visage. Voyez cette forme convexe qui coule du pont de nez aux coins de la bouche. Dans ce domaine, il y a beaucoup de muscles qui se rassemblent. Mais il y a aussi ce qu'on appelle des compartiments de graisse nasogénienne et ils attribuent à certains de ces poches que nous voyons. Il y a aussi d'autres compartiments de graisse dans le visage qui deviendront plus évidents avec l'âge. Sur un enfant ou un jeune adulte, il y a encore une plénitude au visage, donc on ne voit pas vraiment les séparations entre les compartiments. Mais avec l'âge, une partie de la plénitude du visage disparaît, sorte que l'espace entre les compartiments devient plus évident. Je peins généralement des gens plus jeunes, donc je trouve qu'il est préférable d'indiquer ces zones délicatement. Le rendu du formulaire côte à côte par rapport à la longueur de celui-ci peut aider. Dessiner les marques trop sombres peut vieillir votre sujet très rapidement, alors faites attention aux légères variations de valeur. Si vous êtes intéressé à peindre des sujets plus âgés et que j'espère le faire beaucoup plus moi-même, soyez conscient des séparations causées par l'âge et étudiez les autres compartiments de graisse pour mieux comprendre ce qui se passe. Pour vous entraîner, regardez-vous dans le miroir et voyez si vous pouvez commencer à repérer certains de ces os, muscles et compartiments de graisse et observer vos amis et les membres de votre famille ou les gens à la télévision aussi. Ici, j'essaie de trouver cet os frontal qui fait saillie vers l'avant sur le bord de cette ligne temporelle. Ici, j'essaie de comprendre où serait l'os nasal, ainsi que ses compartiments nasogéniens. Ici, je vois ce muscle sternocleidomastoïde qui vient vraiment à travers le cou. Là encore, je vérifie ces compartiments nasogéniens. Ici, j'observe où ces éminences frontales montrent à travers et ses arcs superciliaires. Si vous voulez pratiquer cela, allez-y et récupérez ce fichier à partir des ressources de la classe. Placez une photo au milieu et dessinez dessus pour analyser l'anatomie. Faites de votre mieux pour trouver certaines de ces choses. Parfois, l'anatomie ne sera pas claire et vous devrez faire un peu de devinettes, mais donnez-lui votre meilleur effort. Je pense que vous découvrirez que ce que vous découvrirez vaudra le moment où vous commencerez à dessiner. 6. Conceptualisations de la tête: Il y a beaucoup de façons que les artistes simplifient la tête pour rendre le processus de dessin un peu plus facile. Maintenant, nous allons parcourir ce que je considère comme les trois principales conceptualisations que les artistes utilisent aujourd'hui dans le portrait. abord, parlons d'une mentalité de formes pour dessiner la tête. C' est quand vous pensez à la tête en termes de solides géométriques. Nous avons abordé cela dans les vidéos précédentes avec les idées de l'œuf et du bloc. Avec cette pensée, nous considérons la tête et toutes ses caractéristiques dans des formes 3D de base simples. Ici, l'os frontal est quelque chose comme une sphère. La forme de la douille du front à l'œil est comme un bloc incliné. Les globes oculaires sont des sphères. Le nez est comme un trapèze coincé. Le cylindre dentaire est une forme arrondie et le menton est comme une sphère écrasée. Ce ne sont pas les seules formes auxquelles vous pouvez penser. Par exemple, en prenant le nez un peu plus loin, le bout du nez est comme une boule ou une sphère. Être capable de décomposer une tête en formulaires peut vous aider quand il s'agit de gérer l'ombrage et le rendu. Certaines façons de penser fonctionneront mieux sur certains visages que d'autres. Mais je démontrerai comment je pense à chaque façon de penser à ce type ici. Il y a une certaine quantité de devinettes ici. Tout n'est pas évident, mais cela peut être un moyen vraiment utile de considérer la tête. Pour ce sujet particulier, j'ai trouvé cette mentalité de forme utile quand il s'agissait de voir la rondeur de son cylindre dentaire. En plus de voir la forme de coin de son nez. Cela m'a aussi aidé à voir que descendu de sa zone supérieure des pommettes sur le côté des joues. La prochaine façon de penser que je veux partager avec vous est de penser en termes d'avions. Ceci est vraiment utile pour l'artiste qui a tendance à dessiner tout trop arrondi. Penser dans les avions vous donnera un regard très solide. Ceci est similaire à la mentalité des formes seulement maintenant nous pensons en termes d' angles et de coupes claires par rapport à beaucoup de formes sphériques arrondies. Heureusement, beaucoup d'artistes avant nous ont déjà décomposé la tête en avions. C' est intéressant maintenant, ils sont tous légèrement différents. Personnellement, j'utilise généralement la ventilation d'Andrew Lewis comme guide. Regardons de plus près celui-là. Ici, nous avons le plan avant du front avec deux autres plans à la ligne au fur et à mesure que nous nous dirigeons vers les bords du front. Ici, nous avons les plans de la zone du temple. Ici, nous avons ce qu'on appelle la forme de la clé de voûte. C' est comme une clé de voûte. C' est un avion qui pend à la ligne du front entre les sourcils. C' est essentiellement l'emplacement de la glabella sur le crâne. Ici, nous avons deux plans oculaires qui vont souvent aller dans l'ombre. Ce plan représente le plan avant du nez. Ce sont les deux plans latéraux du pont. Ce sont les ailes des narines. Voici les plans sous du nez. Ce sont les plans au-dessus de la bouche. L' avion du milieu étant l'avion Philtrim. Ce sont les plans de la lèvre supérieure de base qui font face vers le bas. Ce sont les plans de la lèvre inférieure qui font face vers le haut. Ce sont les plans des joues. Ensuite, à partir de l'os zygomatique, nous pouvons faire trois lignes au bord du muscle masseter, au menton, et une autre pointant vers l'endroit où se trouverait la dent canine. Cela aide à nous donner les changements d'avion autour de la mâchoire et des joues. Ici, on a un avion juste sous la lèvre inférieure. Dans de nombreux scénarios de location, cela ira dans l'ombre. Ici, nous obtenons le plan supérieur du menton. Ici, le plan inférieur comme il commence à tourner en dessous. Ici, nous avons le plan avant du cou et ici deux plans latéraux que le cou commence à se détourner. Ici, nous obtenons le plan latéral de la tête à propos de l'endroit où la ligne temporelle serait sur le crâne. Mais ce n'est pas un emporte-pièce. Vous devrez considérer chaque visage comme ils viennent. Ici, sur ce gars, plus évident pour moi que probablement n'importe quoi sur lui sont les plans de son front. Je peux voir le plan central du front ici , puis deux autres plans s'éteignent lorsque le front change légèrement de direction. Cette forme de clé de voûte où se trouve la glabella, est à peu près ici. Puis son nez se décompose assez clairement en avions aussi. Essayez donc de dessiner sur le dessus des photos pour apprendre comment vous pouvez décomposer un visage en plans. Essayez de redessiner certains de ces diagrammes aussi, pour vraiment vous aider à obtenir ces idées dans votre tête. Les avions vous guideront quand il s'agit de peindre la lumière et l'ombre. Je parle plus de la panne d'avions dans ma classe d'éclairage. Si vous souhaitez en savoir plus sur cette approche, assurez-vous de vérifier cela. Les changements d'avion doivent être pris en compte même lorsque nous ne les voyons pas sur une photo. Faire des traits rapides à travers un plan peut aider à mettre l'accent sur un changement de plan d'un plan à l'autre. Enfin, jetons un coup d'oeil à l'abstraction Reilly, alias la méthode Reilly. Frank J. Reilly était un artiste et instructeur qui enseignait à l'Art Students League of New York des années 1930 aux années 1960. Il a créé cette abstraction pour les élèves afin de les aider à simplifier l'anatomie et les connexions rythmiques dans le visage. Cette méthode continue d'être transmise d'un enseignant à l'autre et nombreux artistes travaillent l'utilisent comme méthode de référence pour construire une tête. Dénonçons ce que nous regardons ici. Surlignée en bleu, cette ligne nous donne la rondeur de la tête. C' est aussi une ligne rythmique qui relie la partie charnue de la joue au sommet de la tête, autour de l'autre joue. Ces deux lignes montrent essentiellement où se trouveraient les lignes temporelles. Ces lignes travaillent pour relier rythmiquement les côtés des socles oculaires, le long du bord de la tempe, puis le long des lignes temporelles. Ces lignes aident également à séparer l'avant et le haut de la tête des côtés. Ici, nous avons la ligne centrale de la face, qui fonctionne comme un guide pour nous aider à garder les caractéristiques bilatéralement symétriques. Ces deux lignes sont ici des lignes de relation montrant la connexion des coins des yeux au bord des ailes du nez et à travers le plan avant des deux cylindres et du menton. Le cercle sur le front représente l'os frontal et il chevauche les paupières pour aider à obtenir ces formes dedans. Cette ligne représente ici la crête du front alors qu'elle balaie d'un côté à l'autre. Ces lignes représentent la connexion des prises oculaires lorsqu'elles se balancent vers le bas et se connectent au pont du nez. Cette ligne nous donne la largeur du nez et se connecte au fond du nez. Alors que ces lignes nous donnent le fond du nez et les narines. Celui-ci est un peu complexe, mais en commençant par le haut de l'oreille, vous pouvez balancer une ligne frappant autour du sommet de l'os zygomatique, se balançant vers le bord du nez. Puis continuant vers le bas dans les lèvres, tourbillonnant autour du coin des lèvres et se déplaçant dans le haut des lèvres et répétant de l'autre côté. Cela établit le haut de l'oreille, le haut de l'os zygomatique, le plan avant du cylindre dentaire, le coin des lèvres, le haut des lèvres et la connexion rythmique entre le tout. Cette ligne va ici de l'hélice interne de l'oreille, passant par le zygomatique, où l'os fait changer ce plan d'un côté à l'autre. Souvent, vous verrez un changement de couleur là-bas. Puis cette ligne s'écoule dans la mâchoire. Ce grand ovale représente les muscles ici et ces compartiments de graisse labiale nasale dont nous avons parlé plus tôt. Il commence au pont du nez, travaillant autour du visage et à travers l'autre côté. Cet ovale plus petit va du haut des ailes des narines au bord de la bouche à travers le menton et se connecte à l'autre côté. Cela vous aidera à obtenir cette rondeur du cylindre dentaire. Vous pouvez utiliser les lignes de rire sur une personne comme un guide pour celui-ci. L' ovale écrasé représente la butte du menton. Ceci et le cylindre de dent ovale peut écraser ensemble sur un visage. Enfin, ces deux cercles représentent les globes oculaires. Ce truc est compliqué à regarder, et ce n'est pas le gars le plus attrayant du monde. Mais si vous tirez ça beaucoup de fois, ces choses commenceront à avoir du sens pour vous et peut-être que ça deviendra votre méthode de référence pour construire la tête. Tout n'est pas visible ici, mais nous pouvons faire nos meilleures suppositions avec notre connaissance de l'anatomie. La méthode Reilly vous aide vraiment à trouver des connexions. Vous vous assurez que si vous trouvez quelque chose d'un côté, vous pouvez le trouver de l'autre côté. Quand j'étudiais ces idées, j'avais parfois du mal à trouver le placement exact des choses. Je pense qu'il est important de savoir que vous ne verrez pas tout sur tous les visages. En outre, l'espacement et le dimensionnement des choses seront différents de ceux en face à face. Par exemple, avec le diagramme Reilly, le front est très grand. Parfois, je vois cela, surtout c'est clair pour les hommes plus âgés, mais parfois je ne le vois pas du tout. Parfois, c'est beaucoup plus subtil. Le point que j'essaie de faire ici est d'utiliser ces idées tant qu'elles vous sont utiles. Plutôt que d'essayer d'intégrer une personne dans un diagramme spécifique, faites en sorte que le diagramme ou la combinaison de diagrammes fonctionne pour vous. Une partie de cela est plus évidente dans la vraie vie que dans les photos. J' ai aussi découvert que quand je regarde la télé, je suis capable de m'entraîner à voir certains de ces trucs. Alors donnez ça un aller à. Maintenant personnellement, dans mon processus, j'aime combiner les idées de ces trois conceptualisations où elles me sont utiles avec le visage et le dessin. Sur lui, je trouve que, penser à son front et à ses avions m'aide le plus. Je trouve que penser son nez comme un simple coin est le plus utile pour moi. Autour de sa bouche. Je trouve l'abstraction de Reilly utile. Donc je l'utilise là. Dans mon flux de travail, parfois je ne dessine même pas la référence. Mais plutôt, pensez mentalement à ces idées. Ces conceptualisations vous aideront à peindre une tête avec une structure solide plutôt que de simplement copier ce que vous voyez, utiliser vos connaissances ainsi que vos compétences de copie pour faire un grand portrait. Il y a des feuilles de travail pratiques dans les ressources de la classe pour vous aider à mieux comprendre ces idées. Assurez-vous de les télécharger. Vous pouvez également utiliser l'outil de symétrie sur Procreate lorsque vous pratiquez ces idées. 7. Les caractéristiques: Maintenant, parlons probablement de la partie préférée de tout le monde du portrait, les caractéristiques du visage. Dans cette vidéo, nous allons couvrir les yeux, le nez et les lèvres. Je vais rétrograder chacune de ces fonctionnalités séparément pour que nous puissions vraiment les étudier. Mais quand il s'agit de dessiner le portrait complet, je préfère tout développer ensemble et le remonter en même temps. Personnellement, au lieu de travailler fonction par fonction, j'aimerais rebondir autour du portrait, donc je travaille toujours sur l'ensemble plutôt que sur la pièce par pièce. Mais utilisez le processus qui vous convient le mieux. Comme nous l'avons dit dans la vidéo des proportions, les yeux sont au milieu de la tête. Pour vous aider à trouver la position exacte des yeux, vous pouvez utiliser les mesures de votre référence. Ce que je fais habituellement d'abord cependant, est de dessiner la forme générale des sockets oculaires. Cela m'aide à placer les douilles oculaires avec une grande forme car obtenir cette forme de douille générale n'est pas aussi effrayant que d'obtenir la forme exacte des yeux. Si vous en avez besoin sur votre référence, vous pouvez peindre les yeux, vous n'êtes pas distrait par eux. Vous devez préparer la structure autour de l'œil avant d'ajouter de petits détails. Peindre les yeux de votre référence peut vous aider à développer la zone de la douille avant de mettre dans les détails de l'œil. Une fois que vous avez un atone pour les prises oculaires, vous pouvez commencer à placer les yeux à l'aide d'une ligne rythmique comme celle-ci, de la ligne des cils à la ligne des cils. Cela vous aidera à trouver l'arc des deux yeux et vous aidera également à obtenir cette symétrie entre eux. Vous voudrez également considérer ces formes autour des yeux. La zone ici où l'os du sourcil a une convexité et près de l'œil interne où il est plus concave. La rondeur du globe oculaire est essentielle pour obtenir afin que les yeux n'aient pas l'air d'être simplement collés. Considérez ces formes sphériques. Les paupières se replient ensuite et se conforment à cette forme de boule. Maintenant, passons en revue l'anatomie de base de l'œil. La partie de couleur de l'œil est appelée l'iris. Le milieu sombre est la pupille, et la sclérotique, la partie la plus tardive autour de l'œil, est souvent appelée le blanc des yeux. En fait, ils ne sont pas blancs. La couleur changera en fonction des conditions d'éclairage, alors gardez cela à l'esprit lorsque vous décidez des couleurs. Ensuite, nous avons le couvercle supérieur, qui est souvent plus angulaire que le couvercle inférieur moins angulaire. Vous trouverez que le couvercle supérieur a tendance à couvrir l'iris plus que le couvercle inférieur, et la plupart des poses. Aussi le couvercle supérieur jettera une ombre sur le globe oculaire. Ensuite, dans le coin interne de l'œil, nous avons le conduit lacrymal, que je trouve généralement meilleur lorsqu'il est rendu simplement. Parlons maintenant des détails. Le globe oculaire est humide, de sorte que l'humidité attrape un peu de lumière parfois le long du couvercle inférieur. Lorsque vous dessinez les cils, recherchez des groupes de poils qui forment des formes triangulaires en V. Souvent, vous verrez des cils regroupés comme ça en plus de certaines de ces larmes simples trottoir. Vous verrez aussi parfois cet interrupteur et cette direction. Sur le coin externe, les cils clignotent vers la droite, mais ensuite vers l'œil très interne, certains d'entre eux ont cliqué vers la gauche. La forme des sourcils est la première chose essentielle que vous voulez obtenir. Une fois que vous avez les angles vers le bas dans l'ombre rempli, vous pouvez passer à dessiner des poils individuels. Les poils intérieurs tournent vers le haut, puis ils ont commencé à tomber sur le corps du front. Une fois sur le sommet du front, les poils commencent à pousser vers l'intérieur des deux directions. Les poils au début du front ont tendance à être plus épais que les poils extérieurs plus fins. Les iris sont des formes de cercle rond lorsque vous les regardez directement. Mais alors ils deviennent elliptiques en forme à mesure qu'ils s'éloignent. yeux masculins et féminins auront leurs légères différences. yeux mâles ont tendance à avoir une forme plus angulaire, tandis que les femelles ont tendance à être plus rondes. yeux des hommes peuvent être plus petits, tandis que ceux des femmes peuvent être plus grands. Les cils sont le plus souvent moins dramatiques sur les hommes, tandis que les cils sur les femmes sont souvent dramatisés avec du mascara. sourcils mâles ont tendance à être un peu plus bas et moins arqués que les femelles, qui ont tendance à être plus hauts et plus arqués. Bien sûr, tous ces éléments sont des généralités, et le contraire peut se produire aussi. Eye est une expression très déterminée, alors assurez-vous que vous avez cet endroit du couvercle supérieur où vous le voulez. Trop de sclérotique et d'iris couverts se traduira par un aspect fatigué, mais trop de sclérotique apparaîtront entraînera un regard choqué, alors soyez conscient de la façon dont vous dessinez ce couvercle supérieur. En outre, les sourcils sont incroyablement expressifs, donc si l'expression regarde hors, consultez les sourcils, avez-vous les arqué un peu trop ? Ou peut-être que les angles sont légèrement arrachés ? Le moindre changement peut faire la plus grande différence quand il s'agit d'expression, alors assurez-vous de vérifier les sourcils et les paupières. La variété du couvercle vous donnera des looks différents pour refléter les différentes races. Jetez un oeil à la forme exacte de leur paupière pour capturer leur unicité. Je vais vous guider dans mon processus de peinture et de dessin des yeux. Pour commencer par la peinture, la première chose que je fais, est de se situer dans les valeurs de base autour des yeux. Ensuite, j'ajoute les formes de la douille oculaire. Ils sont presque comme la forme des lunettes de soleil. Ensuite, j'ajoute les formes de valeur entre les sourcils et les yeux et je commence à mettre quelques accents sombres pour commencer à ancrer ces yeux en place. Maintenant, je crois que je suis prêt pour les formes irlandaises générales, alors je vais de l'avant et je mets ça. Ensuite, je me tache avec le pinceau pastel doux dans l'outil de bavure. En regardant de plus en plus mon image de référence, je me familiarise avec elle, alors j'ai commencé à mettre plus précisément les formes des lignes des cils supérieurs ainsi que les sourcils. Ensuite, je fais beaucoup de regards d'avant en arrière entre ma référence et ma peinture et je fais les ajustements proportionnels dont mes yeux me disent qu'il me faut. J' abaisse un peu les yeux, laissant plus d'espace pour les couvercles. Je considère également la plénitude des couvercles supérieurs et inférieurs et comment avec chaque changement de plan sur les couvercles, il y a un léger changement de couleur. Encore une fois, je lisse avec le pinceau pastel doux. Pour quelque raison que ce soit, le pinceau pastel doux aide vraiment à unifier et rend également les yeux plus réels. Se sentant assez confiant avec le placement des choses, je me sens prêt à ajouter les petits reflets lumineux dans les yeux. Cela aidera à donner ce regard humide. J' ai également ajouté les élèves avec une application douce. J' ai remarqué que les proportions des yeux sont légèrement éteintes, donc je duplique toute ma peinture et je lasso les yeux et les bouge. Dupliquer ma peinture fait en sorte que la peau apparaîtra à travers la couche de peinture précédente ci-dessous. Une fois que je suis heureux, je fusionne le tableau pour en être un à nouveau. Enfin, j'ajoute des détails sur les sourcils et les cils et j'ajoute des cheveux sur le côté aussi bien. J' ai aussi lissé quelques transitions de valeur sur nos couvercles. Je vais dire que celui-là est fini. Voici tout le time-lapse à voir. Je trouve les formes de couleur et de valeur, affinant le bord au fur et à mesure que je vais. Vous remarquerez que l'image de référence devient floue pendant un certain temps. J' aime faire cela parce que cela m'aide à voir l'ensemble plutôt que les détails. Vous pouvez dupliquer votre couche de référence et le faire sur un doublon. Allez simplement dans Réglages, Flou gaussien et Faites glisser votre pointeur vers la droite pour flouter l'image. Réglez ensuite l'opacité des images dont vous avez besoin, pour être plus floue ou moins floue. J' utilise également mon pinceau de taches de rousseur personnalisé pour cela, qui est inclus dans le téléchargement de la classe, si vous voulez l'essayer. Vous pouvez choisir de garder les yeux vraiment simples ou vous pouvez les rendre vraiment détaillés. Faites ce qui fonctionne le mieux pour votre style et votre pièce. Un peu peut aller le long du chemin cependant, alors n'avez pas l'impression d'avoir besoin de l'amener à un réalisme complet. Maintenant, je veux vous montrer comment je commencerais si je dessinais d'abord, puis en ajoutant des couleurs après. Je regarde d'abord la forme, les contours et l'espacement. Ici, je simplifie les sourcils et les formes triangulaires. Une fois que j'ai le croquis en place et dans la bonne proportion, je vais dans les grands tons. Puis je continue à travailler comme je l'ai fait dans ma démo de peinture, essayant de placer les couleurs et la relation appropriée dans la manipulation des bords. Avec des yeux qui sont sous différents angles, essayez de votre mieux avec leurs proportions. Mais en cas de doute, mesurez. Mesurez la distance entre les choses et faites constamment des comparaisons. Vous pouvez mettre de petites lignes sur un nouveau calque pour déterminer vos mesures. Encore une fois, rappelez-vous que lorsque les yeux se détournent de la caméra, ils deviendront plus elliptiques par rapport aux cercles parfaits. Dessiner les yeux prendra un peu de pratique. J' ai donc ajouté quelques références à partir desquelles vous pouvez puiser et les ressources de classe si vous voulez obtenir une partie de ce timing d'entraînement. Les études oculaires peuvent être vraiment gratifiantes cependant, alors amusez-vous beaucoup de ces. Les nez viennent dans une variété de formes et de tailles, mais la structure de base et l'anatomie sont les mêmes. De la forme de la clé de voûte, le nez se projette. Dans ce sont les avions les plus simples, c'est comme un coin bloc, presque comme une barre d'or. Seulement, il devient plus large à mesure qu'il descend. Les plans simples sont un plan avant pour les plans latéraux et le plan inférieur. fur et à mesure que vous développez le nez, vous pouvez décomposer les avions de plus en plus loin jusqu'à ce qu'il ressemble plus à un nez. L' étude des plans majeurs et mineurs et plus de détails peut aider quand il s'agit de capturer tous les petits changements de valeur qui se produiront. Celles-ci varient d'une situation d'éclairage à une situation d'éclairage. Donc je ne peux pas les couvrir tous ici. Mais chaque changement de plan sur le nez signifiera un changement de couleur, qu'il soit subtil ou dramatique. Comme je l'ai mentionné, vous remarquerez que le bout du nez peut ressembler à une boule. Le rendu final sera donc similaire à celui d'une balle. Sur une boule, la transition de la lumière à l'ombre est plus progressive que sur un bloc ou un cylindre où les valeurs de lumière et d'ombre changent un peu plus soudainement. Ceci est similaire à la lumière et à l'ombre sur la boule du nez, par rapport au pont plus angulaire du nez, la lumière tombe plus rapidement sur le pont. Examinons l'anatomie basique du nez maintenant pour mieux comprendre ce qui se passe là-dessous. L' os nasal, comme nous l'avons vu sur le savant plus tôt, projette hors de l'objectif Bella, sur certains nez l'os nasal peut sortir assez dramatiquement, créant une bosse ici. Le cartilage latéral commence alors habituellement au point le plus éloigné du nez. Pour moi, il ressemble presque à une raie de la vue de face. Le fond du cartilage latéral se loge entre le cartilage Alar. Sur certaines personnes, vous pourrez voir la séparation entre les deux morceaux de cartilage alar. Il va créer une sorte de retrait au milieu de leur nez. Sur d'autres personnes, le cartilage alar aura l'air lisse sur la surface comme une boule ronde. Ensuite, nous avons ici les ailes des narines qui peuvent bouger dans le flair. Connaître l'anatomie de base peut aider à comprendre toutes les bosses que vous pouvez voir. Typiquement, je vais me référer aux parties du nez comme ceci cependant. Examinons maintenant certains détails de surface que vous verrez sur le nez. Comme il s'agit d'une fonctionnalité plus petite, vous verrez souvent qu'elle est un peu plus rouge que les autres parties de la peau sur le visage. De nombreuses conditions d'éclairage, vous verrez un point d'exclamation en forme de point culminant du pont du nez au bol du nez. Vous verrez aussi souvent que les taches de rousseur s'accumuleront ici. Maintenant, je veux partager à quoi ressemble mon processus général pour peindre le nez. Quand je peins, je vais directement dans des formes de valeur, plutôt que de commencer par des lignes minces. Je serre les yeux vers le bas ma référence pour m'aider à mieux comprendre l'énoncé de valeur général. Une fois que j'ai les valeurs de base en place, je fais une vérification des proportions. Je vois que j'ai dessiné le nez trop petit. Avec l'outil lasso, je le sélectionne et je le fais plus grand. Une fois que les valeurs, les couleurs et les proportions sont bien placées, j'utilise mon pinceau pastel doux avec l'outil de taches pour mélanger et lisser tout. Ensuite, j'y vais et je redéfinit en commençant par les narines, puis je me déplace vers ce petit changement de plan ici sur le nez dans les reflets plus brillants au bout du nez. Maintenant, je finis tout ça en utilisant un peu de cette information d'anatomie. Je ne voulais pas peindre tous les pores, juste une version simplifiée de ce que je vois. Maintenant, je vais démo quand je commencerai avec un croquis en premier. Je fais mon croquis sur un calque séparé, je pense dans des angles, en regardant constamment d'avant en arrière entre la référence dans mon dessin. Prenez vraiment l'habitude de scintiller vos yeux d'avant en arrière plutôt que de fixer sur un seul de vos dessins. Cela vous aidera vraiment avec précision. Si ça aide, tu peux réfléchir à cette idée d'enveloppe. Quel genre d'enveloppe, aurais-je besoin de tenir ce nez parfaitement dedans. Ça vous aidera à capturer le contour du nez. J' aime aussi utiliser de nombreuses lignes pour décrire une courbe ou un angle lorsque je dessine. Je trouve que c'est plus facile que de travailler lentement avec une ligne régulière. Plus souvent qu'autrement, il finit par ne pas être stable du tout et aussi inexact pour moi quand je dessine de cette façon. Je me suis laissé devenir grossier à mesure que je trouve mon chemin et que je deviens plus confiant et que je fais une ligne plus raffinée. Sur ce milieu, puisque je dessine, je n'entre pas trop tôt dans la peinture de formes. Au lieu de cela, j'utilise une lentille rapide rapprochée pour décrire les formes d'ombres plus sombres. J' ai essayé de trouver le changement d'avion du haut de la narine au plan du vent de narine lorsqu'il tourne en dessous. Sur ce nez, j'essaie de considérer la bosse de l'os nasal au cartilage latéral. Même si ce n'est pas super clair sur la référence. J' exagère trop pour l'instant. Je reviens à celui-là parce que je veux indiquer ces sockets oculaires qui repoussent. Je fais ça avec des lignes hachurées. En changeant les directions, le flux des lignes sur le plan peut aider votre spectateur à comprendre que la direction du plan change sans même beaucoup d'aide du contraste des valeurs. En travaillant sur celui-ci, j'essaie de capturer cette bosse où se rencontrent l'os nasal et le cartilage latéral. Sur celui-ci, j'aime comment, on peut voir qu'il y a un petit retrait sur la boule de son nez, presque le faire ressembler à un peu en forme de cœur. Je fais de mon mieux pour essayer de capturer cette singularité de son cartilage alar. Maintenant, peu après que j'ai fini mes croquis, ça devient plus un processus de peinture et de procréer, en mettant ces grandes masses de couleurs. Ce qui est bien à propos de ce dessin commence cependant, c'est que vous avez tout en place. Il n'y a pas autant de pêche au milieu du processus de portrait pour les proportions correctes. Lorsque j'utilise cette approche, j'ajoute simplement un autre calque sous mon calque d'esquisse et commence à remplir des couleurs. Ensuite, une fois que je me sens prêt, je vais fusionner les couches de croquis et de couleur ensemble et je continuerai à travailler dessus. Je pense que ça donne un aspect légèrement différent à la fin. Si vous aimez quelque chose de plus pictural, commencez par des formes, mais si vous aimez quelque chose de plus défini, commencez par la ligne. terminant, j'essaie juste de considérer les changements de couleur et de valeur qui se produisent d'un plan à l'autre, puis de unifier tout cela avec quelques œuvres d'art en utilisant l'outil de taches pastel doux. Donc, comme tout le reste, la variété sur les lèvres est infinie, mais les formes de base et l'anatomie sont les mêmes. Comme nous avons parlé du cylindre dentaire et de l'arc des dents et comment arrondir cela à eux. Alors gardez toujours cela à l'esprit, surtout lorsque vous dessinez une vue de trois quarts, et que vous ne pouvez pas voir ce côté opposé. Tu vas devoir sentir l'autre côté. Je me bats encore avec cela moi-même et je dois juste travailler à ça un peu plus dur. Nous voulons considérer les formes autour des lèvres avant de peindre les lèvres. La mentalité de forme vous aidera à peindre ce monticule arrondi sur lequel les lèvres sont placées. Sur certaines personnes, la forme ici ressemblera plus à une forme de W. Alors soyez attentif et recherchez cette unicité. Il peut également aider à penser à envelopper des lignes de contour ou un filage autour des lèvres et de la région environnante. Cela peut donner un regard de plénitude. Penser en termes d'avions nous aidera aussi. J' aime comment les avions autour de la bouche sont représentés ici par John Van Der Pol reliant à travers le philtrum, les plans avant des lèvres et du menton aux coins du menton. Cela fait un bon travail de distinguer où se trouve le plan avant et où les plans latéraux commencent à s'incliner. Maintenant, c'est flippant, mais j'espère que cela vous rappellera de considérer les changements d'avion. Parfois, mes peintures restent dans la scène sans bouche pendant un certain temps, parce que je sais que nous devons d'abord considérer les formes autour de la bouche avant de mettre les lèvres. Maintenant, parlons des lèvres elles-mêmes. Les lèvres peuvent être cassées comme ça. Trois formes sur le dessus et deux sur le bas. Ceux-ci sont de forme presque triangulaire. La pièce du milieu ressemble à un cœur. Le fond peut être décomposé en deux oreillers chaque forme de goutte de larme. Habituellement, la lèvre supérieure sera plus angulaire et la lèvre inférieure sera plus ronde. La lèvre inférieure aura également tendance à être un peu plus grande que la partie supérieure, bien que le contraire puisse se produire. Sur certaines lèvres, la partie médiane tombera ici, tandis que sur d'autres elle remontera. Ici, nous avons ce qu'on appelle le philtrum. Parfois, ça attrape un peu de lumière. Vous verrez aussi autour des angles de la lèvre supérieure, il y a cette petite crête qui attire aussi de la lumière. Habituellement, les valeurs ici seront un peu plus légères que la peau environnante. Les nœuds sont également une chose importante à noter. Il y a une plénitude en forme de haricot aux coins des lèvres, et ils aideront à adoucir les coins des lèvres dans une peinture. Lorsque vous peignez, vous remarquerez également que souvent la transition de bord entre les valeurs ici est douce. Donc, sachez que vous n'avez pas à définir tout le bord en bas à gauche. Il y a aussi une connexion rythmique qui se produit entre les joues et la partie des lèvres, ce qui peut vous aider à les placer. Une note rapide sur les dents. Si vous dessinez des dents et un sourire, ne tracez pas toutes les lignes entre elles. Au lieu de cela, dessinez la forme des gencives et les formes sombres sous les dents de la rangée supérieure, en particulier autour des dents canines pointues, puis les dents apparaîtront et juste assez de détails. Lorsque vous travaillez dans une vue de côté, il peut être utile de penser aux plans des lèvres et du menton, un escalier marches en mode out-in, out-in, out-in, mais soyez vigilant aux variations. Maintenant, je veux partager avec vous mon processus général pour peindre les lèvres. D' abord sur celui-ci, je bloque dans les formes de la couleur. Puis je vais à droite en pensant aux coins de la bouche dans l'avion sous les lèvres. Ensuite, je commence à bloquer dans les formes des lèvres. Mais avant d'aller trop loin, je pense à ce qu'il y a autour des lèvres. J' ai essayé d'obtenir dans cette forme ronde que les lèvres sont assis sur le dessus, en utilisant la direction de certaines de mes lignes pour aider à encourager cela. Une fois que je me sens bien sur les valeurs, les couleurs et le placement de tout, je vais dans et lisser avec l'outil de taches à l'aide du pinceau pesto doux. Quand je sens que les formes sont belles, j'ajoute sur les détails étincelants. Ici, dans cet exemple, j'ai posé certaines des couleurs de la peau et se fondre, puis je vais dans un dessin esquissé, plaçant les coins des lèvres, une ligne entre eux, puis la forme générale de la partie supérieure et inférieure lèvres. J' affine la forme, puis j'ajoute les parties plus foncées autour de la peau, dans le plongeon du philtrum et sous la lèvre inférieure. J' ajoute les parties plus légères de la numérisation en bas, à gauche et à droite des lèvres ainsi. Pour obtenir ce formulaire W réglé là-dedans. Ensuite, j'utilise l'outil de taches pour mélanger les bords et adoucir le tout. À l'aide d'une brosse douce, je pousse la partie des lèvres plus profondément dans l'ombre. Ensuite, j'ajoute quelques faits saillants avec le crayon 6B, en mettant le crayon sur le côté pour obtenir une stries de bord tranchant. Maintenant, j'ajuste les couleurs, rendant la couleur plus saturée à certains endroits pour capturer ce beau rouge rose vif. Si vous le souhaitez, vous pouvez ajouter un calque Color Dodge et obtenir vraiment de belles couleurs vives. Pour finir ça, je mets juste ces valeurs plus légères sur les plis des lèvres et assombrit mes ombres. Maintenant, pour ces quelques démos supplémentaires, je vais montrer comment je commencerais avec le travail en ligne. Sur un profil, je trouve qu'il est utile de regarder toute la pente de l'angle de la racine du nez au menton, et c'est ce que je fais ici. Je suis juste en train de le dessiner du mieux que je peux, mais si je fais des erreurs, je sais que je peux effacer et essayer à nouveau et aussi utiliser l'outil lasso ou liquéfier et procréer. Apprendre à dessiner est cependant une compétence essentielle. J' espère donc partager une classe sur le dessin bientôt. Nous voulons utiliser un équilibre entre les compétences de copie et la connaissance de notre sujet que les femmes dessinent. Donc j'essaie de le faire ici. Mettre cette forme d'ombre sous la lèvre inférieure m'aide toujours à ancrer les lèvres, alors je fais ça ici. Puis j'ai décidé que ces croquis pourraient être plus forts. Alors j'ai recommencé. Il est facile de tenir serré à un croquis, je sais, mais si ce n'est pas correct, il est préférable de le changer dès le début, puis d'arriver au milieu de votre processus de peinture et de vous sentir coincé avec un mauvais croquis. Parfois, vous pouvez esquisser mieux la deuxième fois de toute façon, puisque vous l'avez déjà fait une fois. N' ayez donc pas peur de recommencer parfois si vous n'aimez pas votre dessin initial. Je pense que sur la deuxième passe, j'ai vu ces lèvres un peu plus clairement. J' utilise ma brosse à charbon de saule maintenant. J' aime celui-ci parce qu'il a une certaine texture tout en étant toujours très doux. Je l'utilise beaucoup pour faire des croquis. Avec ces lèvres, j'ai utilisé lignes d'emballage incurvées pour aider à montrer la rondeur de cette lèvre supérieure. Maintenant que mes esquisses sont terminées, j'ajoute un calque en dessous et j'ajoute des couleurs de base. La bonne chose à propos de l'esquisse d'abord est que beaucoup de travail proportionnel dur est fait au moment où vous arrivez à peindre. Après que les couleurs de base continuent, j'ajoute des changements de valeur plus petits et j'utilise le pinceau pastels doux pour mélanger. Je ne copie pas tous les détails, mais tu peux prendre ça aussi loin que tu veux. Continuer de la même manière, en travaillant simplement dans des formes plus petites et plus petites. 8. Les caractéristiques (suite): Dans cette vidéo, nous allons couvrir le reste des fonctionnalités dans un portrait. Les oreilles, le front, les joues, mâchoire, le menton, le cou et les cheveux. L' oreille est située à l'arrière de la mâchoire sur un léger angle. Dans une vue directe, nous savons qu'ils tombent dans le tiers central du visage. Mais quand une personne regarde vers le haut ou vers le bas, cela change. Quand nous levons les yeux, les oreilles descendent par rapport au nez. Quand nous regardons vers le bas, les oreilles remontent et la relation avec le nez. Les oreilles peuvent sembler complexes, mais une fois que vous mémorisez les formes, il deviendra beaucoup plus facile de les peindre. Jetons un coup d'oeil à l'anatomie. La jante en spirale autour du bord de l'oreille est appelée l'hélice. C' est la partie de l'oreille qui se rapportera aux lignes rythmiques dont nous avons parlé plus tôt sur l'abstraction de Riley. Ensuite, nous avons l'antihélice, qui est cette forme en Y ici. L' antihélice a deux pattes. La plus basse, plus nette, et l'autre, plus arrondie et plus douce. La dépression entre ces deux, est appelée fosse triangulaire et peut être indiquée avec une forme de valeur plus foncée. Ensuite, nous avons la concha, qui est sombre en valeur comme sa forme de bol et conduit dans notre oreille interne. Ensuite, nous avons le tragus, l'antitragus, et l'encoche. Toutes les petites courbes situées autour de la concha. Enfin, nous avons le lobe, qui peut être attaché au visage directement, pendre vers le bas, ou faire quelque chose entre les deux. Prenez une photo de votre propre oreille et voyez si vous pouvez repérer certaines de ces choses. Voici quelques conseils pratiques pour dessiner et peindre des oreilles. L' oreille est généralement en forme de C, mais si vous voulez de la précision, dessinez les angles de l'oreille. La concha atterrit dans le tiers médian de l'oreille. Si vous avez besoin d'aide pour placer tous les petits détails de l'air, vous pouvez commencer par cela. Souvent, tout ce que vous avez vraiment à faire, c'est peindre les formes négatives et l'oreille apparaîtra, comme quand nous parlions de peindre des dents. Parfois, il suffit de peindre les formes autour de la forme que vous peignez, vous donnera tous les détails dont vous avez besoin. Vous pouvez utiliser des lignes d'habillage pour afficher le formulaire. Vous pourriez même dessiner littéralement vos lignes dans cette direction. Je ne sais pas pourquoi, mais ça marche. Si vous voulez un portrait détaillé, il peut être utile de savoir que l'épaisseur de l'hélice peut varier au fur et à mesure que vous vous déplacez. Enfin, quand vous oubliez l'anatomie, pensez juste point d'interrogation et pourquoi. Penser à ces symboles peut jogging votre mémoire pour voir comment les formes anatomiques ressemblent. Réglez les variations de la taille des oreilles. Les oreilles de chacun sont différentes, mais en gardant à l'esprit les bases, aide toujours. Maintenant, je vais montrer quelques démos. La première chose que je fais, c'est de cartographier la forme générale avec quelques lignes esquissées. Je reçois la forme de C, la largeur de l'hélice, puis commence juste à le mettre dans ces formes négatives. Mes pensées sur les oreilles sont généralement, ne les laissez pas voler le spectacle. Je garde mon approche assez simple la plupart du temps. Parce qu'il y a beaucoup de détails complexes sur l'air et aussi beaucoup de contraste, je trouve généralement que si je lui donne trop de détails, il peut rapidement devenir un point focal. plus souvent, je veux que le point focal de ma pièce soit le visage. Parfois, je vais rendre les oreilles un peu plus douces et un peu moins détaillées qu'elles ne le sont sur la photo. Pour le second, je commence par les angles de l'hélice, et j'utilise l'outil lasso pour ajuster les proportions. Puis j'y vais avec ces formes négatives sombres. Si vous avez de la difficulté à voir les valeurs, plissez vos yeux sur votre image de référence, et vous verrez les formes négatives sombres apparaître plus clairement. Une fois que les couleurs de base sont en place et manipuler les bords avec la brosse au pastel au sel, adoucir les bords qui doivent être ramollis, et garder d'autres zones comme la jambe inférieure de l'antihélice croustillante. Maintenant, je vais un peu plus loin juste pour le bien de la démo. Mais tu peux arrêter dès que tu sauras que c'est une oreille, je crois. Maintenant, sur celui-ci, je prépare mon croquis avec l'aide de regarder les angles. J' essaie vraiment d'obtenir la bonne inclinaison. Alors j'indique juste les formes négatives avec des lignes hachurées. Sur celui-ci, on peut voir la bosse du tragus un peu plus, alors j'essaie de saisir cette forme. Ensuite, sur un calque sous le calque d'esquisse, j'ajoute les couleurs de base. Ne va pas écrire trop sombre, mais choisir les couleurs moyennes de chaque partie de l'oreille. Cela laissera de la place pour construire jusqu'à des reflets lumineux et des ombres sombres. Une fois que toutes les couleurs sont en place, encore une fois, il est temps de manipuler les bords, adoucir certaines zones et d'en découper d'autres. Vous remarquerez pour beaucoup de cela, j'ai l'image de référence floue un peu. Cela m'aide vraiment à penser aux formes, aux valeurs, aux couleurs et aux bords, plutôt que de me mêler aux détails. Entre le bord sur le dessus de l'oreille et les cheveux foncés, je voulais adoucir cela, mais je ne voulais pas seulement ramollir avec la technique de l'outil de salissure. Au lieu de cela, j'ai choisi une valeur qui tomberait entre ces deux couleurs et j'ai contourné le bord de l'année avec cela. C' est une autre façon amusante de résoudre dans une transition entre les valeurs. Choisissez un ton médian qui tomberait entre eux. Vous pouvez également ajouter un peu d'éclat aux oreilles avec une grande brosse douce. J' ai trouvé que cela donne une belle brillance autour des oreilles, que vous pouvez parfois voir dans la vraie vie. Sur cette dernière oreille, vous remarquerez comment l' antihélice, en forme de Y, frappe le plus loin de l'année. Cela peut parfois se produire dans une vue de face sur certaines oreilles, alors attention à cela. Comme sur le nez, parfois les oreilles peuvent devenir un peu plus rouges que le scan environnant. Gardez cela à l'esprit. Parfois, cela peut aider à ajouter un peu de vie à votre pièce. Maintenant, en passant sur le front, en pensant en termes de formes, nous pouvons vraiment voir cette qualité de bloc du front. À environ la fin du sourcil et parfois à l'arc du sourcil, nous pouvons voir la ligne temporelle aide à nous tourner d'un front à l'autre. Sur certaines personnes, vous pouvez voir ce bord assez clairement. En pensant aussi en termes de forums, nous avons vraiment une idée pour cette rondeur en forme de melon de l'os frontal. Décomposer le front en plans, peut vous aider à obtenir ce look simple mais solide. Quand on considère la méthode Riley, on peut vraiment voir les connexions rythmiques trouvées dans le front. regardant l'anatomie du front, parfois vous verrez ces éminences frontales en forme de ping-pong montrer à travers. Souvent, vous verrez les superarcs ciliaires et glabella, qui forment ensemble cette forme d'oiseau volant. Certains angles d'éclairage montreront cette anatomie mieux que d'autres. fronts des hommes, auront tendance à incliner davantage en arrière, tandis que les femmes auront tendance à incliner moins en arrière. Parfois, l'anatomie et les formes du front seront vraiment évidentes, et d'autres fois les choses seront vraiment lissées. Soyez attentif et essayez de repérer certaines de ces choses quand vous regardez les gens. C' est amusant quand vous commencez à voir tous les différents types de front là-bas. J' ai trouvé que l'étude de l'os zygomatique m' a aidé à mieux comprendre la zone des joues. Essayez de trouver l'os zygomatique sur votre sujet si vous pouvez ou essayez de le sentir sur votre propre visage pour comprendre où il tombe mieux. Etudier les avions m'a beaucoup aidé. Du point le plus éloigné de l'os zygomatique, les plaines environnantes ont changé de direction. Cela m'aide également à penser à l'étagère des pommettes lorsque je peins des changements de valeur. Déménager dans la zone de la mâchoire, trouver cet avion m'aide. Celui qui commence à ce point sur le zygomatique et se déplace vers le menton. Lorsque vous dessinez la zone de la mâchoire, cela m'aide à simplifier d'abord les courbes en lignes droites, puis à la lisser plus tard. Cela peut vous aider à capturer le caractère unique de la ligne de la mâchoire de quelqu'un plutôt que de dessiner quelque chose de plus générique. Un autre plan important que je veux noter est le plan digastrique, qui peut être vu comme une forme en V de la vue latérale et sous la vue de votre sujet. J' ai trouvé que cette zone prend un rendu prudent lorsque vous passez doucement les valeurs de la lumière à l'obscurité. Souvent, j'utiliserai une brosse douce pour cette transition de la mâchoire au plan digastrique. Le menton est en forme d'ellipse. La forme est comme une balle écrasée. Le rendu est donc similaire. Certains mentons seront plus pointus, d'autres ronds et d'autres carrés, certains seront lisses et d'autres auront une fossette. Dans de nombreuses situations d'éclairage, une ombre moulée des lèvres apparaîtra sur le menton, en particulier dans un scénario d'éclairage direct comme celui-ci. Cela se traduira par une ombre nette tranchée ici. L' ombre de forme du menton aura une qualité de bord plus douce en comparaison. Si vous voulez en savoir plus sur l'éclairage, consultez ma classe. Comprendre mieux la lumière ne vous aidera que dans votre travail de portrait. Personnellement, je garde les mentons assez simples et doux. Je pense juste que l'avion change autour du menton quand il entre et sort de la lumière. La forme du col est celle d'un cylindre qui se projette vers l'avant. Si vous pouvez dessiner un cylindre avec de la lumière et de l'ombre que vous êtes sur votre chemin pour dessiner des cous. Une fois que vous avez la forme vers le bas, alors vous pouvez considérer l'anatomie du cou. Ici, nous pouvons voir le muscle sternocleidomastoïde de ce modèle. C' est là qu'il s'attache au jongleur et à l'entaille du sternum. Vous pouvez voir comment le muscle ici est plus petit et plus cordon comme. Ici, nous pouvons voir la partie de son sternocléidomastoïde qui se connecte à ses os de la clavicule. Ceux-ci sont plus larges et plus plats. Ce muscle a également une forme cependant, alors considérez comment les lignes envelopperaient autour de la forme pour vous aider à peindre. Parfois, je vais même dessiner physiquement autour de la forme pour essayer d'obtenir ce sentiment d'emballage. Quand il s'agit de la différence de cou entre les mâles et les femelles, souvent sur un homme le muscle trapèze sera plus convexe tandis que sur une femme il peut apparaître plus concave. Le cou sera également plus mince sur une femme. J' ai trouvé que tous les hommes, les clavicules ont tendance à aller plus droit à travers tandis que sur les femmes, ils peuvent s'incliner plus, mais le contraire arrive à. Vous verrez aussi la pomme d'Adam sur les hommes. Vous trouverez peut-être que l'allongement du cou peut aider à donner un look plus élégant, tandis que le raccourcissement ou l'épaississement du cou donnera un look plus viril. Quand je peins sur un cou, ça m'aide à me plisser sur ma référence pour m' aider à me souvenir de ce qui est le plus important à capturer. Maintenant, parlons de cheveux. Une fonctionnalité si unique d'une personne à l'autre. Le meilleur conseil que je peux donner quand il s'agit de peindre les cheveux, est d'oublier les poils individuels. Ne l'approchez pas avec des lignes filtrantes, mais pensez à de grandes masses de valeur. Voici mon approche typique. abord, commencez par un dessin de contour, esquissant le contour de base pour capturer la forme et le caractère de la coiffure. Ensuite, vous trouverez les formes de grande valeur pour établir la déclaration d'éclairage. L' étape intermédiaire consiste à affiner ces formes et à pousser vos couleurs et vos bords. Ensuite, mettez dans les formes plus petites de valeur, ces formes d'accent claires et sombres. Splissez à votre référence pour voir comment vous pouvez les simplifier. Souvent, les plus sombres seront autour du cou. Enfin, en fonction du niveau de détail que vous recherchez, entrez et ajoutez des poils droits et des voies de migration, ou si vous voulez garder la simplicité. Si vous voulez ajouter beaucoup de mèches de détail de cheveux, c'est une décision de style totalement valide. Assurez-vous simplement que c'est au-dessus d'une structure de valeur très solide. Vous pouvez utiliser ce processus indépendamment de la coiffure, ce soit long, bouclé, texturé, court. abord, pensez au contour, puis pensez aux changements de valeur de base. Souvent, nous voulons passer ces premiers pas directement dans la texture, mais une structure de valeur solide est beaucoup plus importante. Même avec les poils du visage, ne pensez pas aux poils individuels, mais pensez à la masse entière ensemble. Ensuite, ajoutez les grandes formes de lumière et d'ombre de couleur. À la fin, ajoutez ces poils errants individuels ou la texture que vous en avez besoin. Parlons d'autres façons de sortir de la mentalité du brin. Essayez de briser les cheveux en plans, décomposer les courbes en angles pour capturer une déclaration d'éclairage lisible. Recherchez des angles spécifiques aux cheveux et au crâne. Ne parlez pas simplement sur la forme. Vous pouvez peindre les cheveux avec des avions pour l'aider à garder sa structure. Ensuite, vous pouvez revenir en arrière et y ajouter la qualité rythmique. Pensez aux cheveux comme s'il s'agissait d'une draperie. Cela fonctionne particulièrement bien si vous dessinez de longs cheveux raides. Pensez à la façon dont il tire, grappe et coule. Maintenant, cette astuce, je pense fonctionne bien pour n'importe quelle coiffure et c'est de le mettre dans Photoshop et de mettre ce filtre dessus. Si vous n'avez pas Photoshop, essayez cette technique gaussienne floue et procréer. Mais si vous avez Photoshop, galerie de filtres, hachurage peut donner une très belle déclaration simple qui supprimera les détails distrayants. Ce que vous voulez faire est de faire une copie de votre original en appuyant sur ce bouton juste ici. Ensuite, il suffit de hachez l'original pour que vous l'ayez. Si vous travaillez avec un fichier volumineux, vous voudrez vraiment le redimensionner pour être plus petit pour cela, cela accélérera le temps de rendu et cela fonctionnera également mieux de cette façon. Je vais à l'image, la taille de l'image et je le fais 1200 à la place. Ensuite, allez à filtre, galerie de filtres. Sur le mien, j'ai déjà haché sélectionné, mais c'est sous coups de pinceau si vous avez besoin d'aide pour trouver cela. Maintenant, j'ajuste ces curseurs pour que les formes de cheveux soient vraiment lisibles et claires. Ce sera quelque chose que je peux utiliser comme référence supplémentaire pour m'aider à simplifier. Vous pouvez voir comment cela aide à simplifier non seulement les cheveux, mais vraiment toute l'image. Nous pouvons voir comment l'original pourrait être écrasant. Mais quand on regarde cela et à quel point il est simple avec ses formes simples, il devient plus lisible et plus facile à comprendre. Par conséquent, il est plus facile d'avoir foi en nous-mêmes que nous pouvons le dessiner. Les cheveux nous donnent l'occasion d'équilibrer notre design. Nous n'avons pas à copier toutes les directions de chaque petit morceau de cheveux. On peut changer les choses pour mieux s'adapter à nos pièces. Parfois, une mèche de cheveux peut être mieux retournée la façon inverse de la façon dont elle est dans la référence. Cherchez des opportunités dans les cheveux pour rendre votre pièce plus équilibrée. Maintenant, pour quelques conseils supplémentaires. Cette ligne importatrice aura souvent un éclat dessus. Vous pouvez également ajouter une lueur douce autour des cheveux avec une brosse à air douce, pour améliorer l'idée de la lumière. N' oubliez pas que vous n'avez pas à donner à votre spectateur toutes les informations. Parfois, c'est plus amusant pour eux de faire une partie du travail. 9. Démonstration de peinture: Maintenant, je vais vous montrer comment j'aime travailler et procréer d'habitude. Cette première démo, nous aurons l'iPad Pro en vue pour la partie de configuration, puis le reste sera un screencast. Ensuite, après cette démo, je partagerai plus de temps écoulé et mes réflexions sur le dessin et la peinture. Donc, commencer à ce sujet, j'attrape mon 5 000 pixels par 3 500 pixels, 300 dpi Canvas, puis je clique sur l'icône Clé ici et appuyez sur Insérer un fichier. Ensuite, à partir de Dropbox, je prends ma référence. Si vous avez enregistré votre image de référence sur votre pellicule, vous allez simplement sur l'icône Clé, puis cliquez sur Insérer une photo à la place. Maintenant, l'image est importée dans procréation et je vais juste appuyer sur cette flèche ici. Maintenant pincer et zoomer afin que je vois toute la toile. Je vais cliquer à nouveau sur cette flèche et puis m'assurer que le magnétisme est activé, je vais saisir le coin et le rendre plus petit et le faire glisser vers la gauche. Vous devrez peut-être le faire quelques fois pour le faire correctement. Maintenant, je vais dupliquer ma référence. Donc, je clique sur Calques, balayez vers la gauche, puis cliquez sur Dupliquer et je prends la flèche et je fais glisser dessus. Cette ligne vous fera savoir qu'ils sont parfaitement alignés. Ensuite, je vais cliquer sur mes calques et faire glisser vers la droite avec deux doigts sur ce calque supérieur. Cela fait en sorte que les couches alpha verrouillées. Ce que cela signifie, c'est que lorsque je peins, je ne pourrai peindre que dans les pixels qui sont déjà sur ce calque. Donc, dans ce cas, je ne pourrai peindre que sur le dessus de ce carré, qui correspond parfaitement aux dimensions de ma référence. J' aime travailler de cette façon parce que cela rend plus facile de repérer les formes positives et négatives parce que vous comparez deux choses qui sont exactement de la même taille. Vous pouvez également verrouiller le calque en appuyant simplement le calque une fois et en appuyant sur le verrou alpha dans la liste des options. J' aime juste utiliser certains des gestes parce qu'ils sont plus rapides. J' ai donc rempli l'arrière-plan à l'aide de la brosse douce parce qu'il est vraiment grand et il couvre rapidement et maintenant je vais commencer à peindre avec le crayon 6B grand, l' un de mes pinceaux préférés de tous les temps. Donc je choisis une couleur pour sa peau et la lumière, et je commence juste à mettre dans cette forme de base. Son visage est plus long, donc je pense à cette forme de bloc pour l'instant que je place les premiers coups. Maintenant, je vais directement dans la forme des cheveux, essayant de capturer le contour incliné et de les remplir. Avec le crayon 6B grand, vous pouvez mettre le crayon sur le côté et il vous donnera un coup plus épais et puis je vois que je peux consolider mes valeurs. Donc je considère ses cheveux et son arrière-plan comme une valeur pour l'instant. Parfois, je commence mes tableaux avec un dessin geste lâche. Mais le plus souvent qu'autrement, au lieu de commencer par le travail de ligne, je vais sauter directement dans les formes. C' est ce que je fais ici. Donc, en regardant ça, ça pourrait être écrasant. Mais pensez comme si c'était une nature morte et non pas un portrait. Ça vous aidera à vous détendre un peu. Penser objectivement peut vous aider à vous débarrasser de toute peur approchant des portraits de peinture. Donc maintenant, je prends une couleur pour le côté ombre de son cou et maintenant une autre pour son visage et nous essayons juste d'entrer dans cette déclaration latente et maintenant je vais lui faire visage un peu plus tard parce que mon pli à ma référence, Je vois tout ce côté va un peu plus sur la lumière et maintenant je suis en train de raffiner la forme des cheveux là-bas, je regarde l'espace gris négatif autour des cheveux en fait pendant que je dessine. Encore une fois que l'obscurité dans les cheveux là-bas, belle et sombre et maintenant je vois que le placement du bas de son menton est éteint, donc je suis juste en train de pousser un peu et puis je cartographie la zone de ses ornières. Alors j'ai mis ça plus sombre. Maintenant, je vois que son front est gentil et doux. J' ajoute donc cette couleur médiane entre les valeurs foncées et claires que j'ai mises en place. Alors maintenant, je vérifie l'espace négatif dans le coin inférieur droit. Voyez comment il y a juste un petit morceau de noir là-bas. Je veux essayer de l'obtenir plus comme ça. Donc, je vais juste travailler pour essayer de faire correspondre ça un peu mieux. Bien sûr, ce n'est pas nécessaire de copier, mais ce que je commence, je trouve que les coins sont de bonnes choses pour moi d'ancrer vers le bas pour les mesures et ici sur le coin gauche, je peux voir les besoins de l'épaule être tiré en regardant l'espace négatif ici. En faisant glisser une ligne imaginaire, je peux voir que l'arrière de sa couleur atterrit ici, puis une autre ligne imaginaire ici et la nature inclinée montre le basculement vers l'avant du cou. Je mets juste quelques lumières et des ombres sur la chemise. Ils n'ont pas exactement raison, mais c'est bon. Pour l'instant, j'essaie toujours d'obtenir des couleurs ici. Maintenant, quand je plissais les yeux, je vois que cette partie de la chemise tombe dans l'ombre. Alors j'ai mis ça là-dedans. Nous voulons continuer l'histoire de la lumière jusqu'au bout. Maintenant, je mets cette sorte de forme d'ombre rythmique qui relie son sourcil ici à son nez et je vois que j'ai besoin de rendre son visage beaucoup plus étroit. Donc j'utilise le noir de ses cheveux pour raccourcir la largeur de son visage. Maintenant, en regardant la qualité des bords ici, ce n'est pas un bord serré mais doux, donc je tire un peu de gris dans ça. Il y a beaucoup de poussée et de tirer sur une approche de peinture et cela fait partie du plaisir que je pense, découvrir quand vous allez. Ensuite, je remarque cette petite forme d'ombre d'argent ici à partir des cheveux, donc je pousse cela un peu plus saturé et peindre que sur le bord ici. Je vais dupliquer ma couche de peinture parce que je pense qu'il est temps pour quelques effets de taches, je clique sur l'icône de taches ici, et avec le pinceau pastel doux, je commence à résoudre dans quelques matchs. Ici, sur le front, le long du visage, entre le visage et les zones environnantes, travers la chemise, dans les cheveux, dans le fond, à travers le cou, de la chemise à l'arrière-plan. J' aime faire cela parce qu'il adoucit les bords, mais pousse aussi les couleurs voisines les unes dans les autres. Si vous connaissez la lumière, vous savez que la couleur rebondit autour. Je me sens bien à ce sujet alors je vais le fusionner. Je veux prendre une valeur de lumière dans les cheveux parce que je veux commencer à établir la lumière qui frappe les cheveux. Avec le côté de mon arc de crayon 6b, je suis juste légèrement frapper cela sur la toile puis je juste baver un peu avec les pastels doux beaucoup outil. Maintenant, je reçois une valeur sombre pour essayer de distinguer ce bord des cheveux et je travaille mon chemin vers le bas, peignant cette forme noire ici dans le coin un peu plus précisément. Je remarque que cette tête a une inclinaison vers elle, mais j'ai réussi à la redresser, donc je vais dessiner une ligne centrale pour m'aider à me souvenir du tilde. La ligne centrale n'est pas droite vers le haut et vers le bas, mais elle est inclinée et la ligne des yeux sera également inclinée. À la suite de cette inclinaison, le menton sortira, donc j'ajoute un peu plus de celui du cheddar, en le retirant plus. Maintenant, je pense aux formes des ombres sur le visage ici. Une fois que je les cloue, tout le reste deviendra plus facile à placer, je commence à en faire allusion. Maintenant, en balayant à droite avec deux doigts sur le calque, je désactive la peinture Alpha lock et je vais aux ajustements, liquéfier, ajuster la taille, puis commencer à esquisser les choses autour. C' est l'une des bénédictions de la peinture numérique, Il est beaucoup plus facile d'ajuster les proportions incorrectes. Je dirais laisser liquéfier pour de petits coups comme ça et juste repeindre les choses qui sont vraiment au mauvais endroit. Maintenant en couches, je ré-alpha verrouille ma couche de peinture. Poursuivant, j'ai attrapé mon outil de taches et mélangé un peu ce menton, puis je prends cette valeur sombre et j'ai essayé obtenir certaines de ces formes ici plus précisément. Je me souviens que le cou est comme un cylindre, donc j'essaie de penser à la forme en se mélangeant à travers le cou. Maintenant, je pense au plan des douilles et à la façon dont elles sont comme une paire de lunettes de soleil. J' indique aussi ce brun foncé. Maintenant j'ajoute ce petit changement de couleur sur son front ici et je peins cette couleur de nez saturée. J' essaie de remettre la forme de la lumière que je vois sur son cou, et je définit l'arrière du cou avec les cheveux. Reprenant cette couleur plus claire, j'ai essayé d'obtenir la lumière sur le menton. Remarque à propos de la sélection des couleurs, vous n'avez pas à les choisir dans votre fichier, vous pouvez faire vos meilleures suppositions et vraiment en faire une étude pour couleur ou vous pouvez également choisir vos propres couleurs et faire preuve de créativité. C' est à toi et ce que tu veux faire. Ce petit morceau de lumière sur le collier est important pour l'histoire lydienne donc nous voulons être sûrs de le mettre, ici le collier a aussi des avions, vous pouvez à peu près tout décomposer en avions. Obtenir ce petit morceau de lumière est également important parce qu'il aide à décrire une épaule. Maintenant, je suis un peu plus audacieux et je suis dans ce point culminant sur son os zygomatique. J' éteins Alpha Lock pour faire des ajustements liquéfiés. Ensuite, je le verrouille à nouveau. Maintenant, j'en suis arrivé au point où les couleurs sont autant qu'elles peuvent l'être. Il est temps d'ancrer certaines de ces fonctionnalités en place. J' ajoute une nouvelle couche, prends une nouvelle couleur et attrape la brosse à charbon de saule. Avec le pinceau assez petit, je dessine une ligne droite sur ce nouveau calque. Je maintiens mon pinceau encore à la fin du trait pour qu'il s'enclenche à une ligne rapide. Ensuite, j'appuie sur mon doigt de pointeur sur l'écran afin qu'il s'accroche à un horizontal parfait. Vous pouvez le faire autour de la ligne du front, la ligne du nez, la ligne du menton, etc. Maintenant, nous nous sommes donné des lignes droites pour comparer les caractéristiques aussi. Je vois que je suis sur la bonne voie ou je suis parti. Tout de suite, je peux voir les sourcils sur la peinture devraient être plus élevés, ainsi que sur le nez et le menton. C' est le chèque que je n'ai pas envie de faire parfois, mais je trouve toujours cela en vaut la peine et cela aide ma peinture à passer à l'étape suivante. Étant sûr de cliquer de nouveau sur mon calque de peinture, j'y vais et je commence à faire mes corrections. J' ajoute cette légèreté au-dessus de cette ligne pour pousser ce nez vers le haut. Je pousse les sourcils, sachant que je peux revenir plus tard et les réparer. J' ajoute des formes simplifiées pour les yeux pour instant et j'ajoute dans cette pièce de lumière qui frappe sa joue. J' utilise toujours la brosse au charbon de bois de saule, mais j'aime vraiment cette brosse aussi, donc je continue à l'utiliser. Je pousse le cou, voyant enfin que j'avais besoin de l'allonger tout le temps. Même si ça se sent mal, j'ajoute les lèvres sur cette ligne et parce que je l'ai mis, maintenant je peux mieux voir où le nez jeté l'ombre doit atterrir. J'ai mis dans cette forme sombre. J' ai mis dans l'obscurité de la partie des lèvres et j'ai mis ici ce petit morceau de lumière au-dessus des lèvres. Alors que je suis un peu plus audacieux, j'ajoute ce rouge vif de la lèvre inférieure. Avoir les lignes me donne juste cette assurance supplémentaire dont j'ai besoin parfois. Je mets dans les zones sombres autour des lèvres et au coin de la bouche et j'essaie à nouveau de placer ce menton délicat. Parfois, vous l'obtenez la première fois, dans d'autres fois, il faut sept essais. Continuez et soyez patient avec vous-même. J' ai ajouté la narine pour aider à développer davantage le nez. Puis, avec un ton plus clair, je reviens et ajoute la forme de l'os du sourcil. Encore une fois, j'essaie de vérifier cette ligne de rythme du front qui se courbe dans l'ombre du nez. J' ai négligé le front pendant un certain temps, alors j'y vais et je vais ajuster ces couleurs un peu plus loin. Je vois aussi que la forme de la clé de voûte n'est pas claire du tout, mais un gâchis de valeurs, alors je vais et commence à corriger cela. Pour prendre une petite pause du visage, je prends la couleur de fond et peins les formes négatives autour des cheveux. Puis je prends le noir pour capturer une petite boucle. Maintenant, je suis en train d'ajuster le placement et la taille de certaines de ces valeurs de lumière. Je vais être un peu audacieux et mettre le point culminant sur le nez. Je tourne la teinte au bleu pour expérimenter avec l'idée qu'il s'agit d'un point culminant teinté bleu. Ensuite, j'indique très doucement les sclérotes. Maintenant, je vois que je suis entré dans les détails trop tôt. Je le fais aussi, donc je tache légèrement les yeux. Alors que j'ai l'outil de taches à portée de main, je profite de l'occasion pour adoucir d'autres zones autour du visage. Je trouve que c'est une constante d'aller-retour pour moi, personnellement. Définition et lissage, définition et lissage. Maintenant, avec une grosse brosse douce, j'ajoute une lueur orange douce sur toute la peau dans l'espoir qu'elle l'unifiera un peu et lui donnera un peu plus de saturation. Maintenant, nous sommes sur le point d'envelopper l'iPad en vue partie de cette démo, mais j'espère que cela a été utile pour vous de dire. J' essaie toujours de trouver un moyen de peindre confortablement pendant tournage afin que je puisse vous montrer la démo. Mais quand je travaille, ma tête est généralement sur mon iPad de plus en plus près de l'écran. Je vais passer à la vue screencast pour l'instant afin que je puisse y entrer un peu plus. Maintenant, pour l'amour de votre temps, je vais tripler le temps de ce screencast car le processus est pour la plupart le même, juste se diriger vers des formes plus petites et plus petites. Maintenant, je mets la narine dedans et certaines des valeurs les plus sombres autour du nez. Maintenant, j'ajoute un peu de transition de valeur sur le front. Je continue à développer cette lumière de zone au-dessus des lèvres. Maintenant, j'ajoute un nouveau calque pour ajouter une nouvelle mesure en ligne pour m'aider à placer les yeux. J' indique légèrement la sclérotique qui est en fait bleue, et le couvercle supérieur. J' essaie de capturer ces changements d'avion qui se produisent sur le nez ici. Je le rends plus dramatique pour l'instant, parce que je pense que quand je le lisserai plus tard, ça marchera. Déplaçant ma mesure bleue en ligne avec l'outil flèche, je la place sur la lèvre inférieure pour aider à mieux remplacer ces formes. J' ajoute dans l'ombre de trésorerie sombre des lèvres sur le menton. J' ajuste également la forme de la ligne de la joue et de la mâchoire le long du côté gauche. En développant la couleur de la chemise, poussant cette partie un peu plus sombre. Maintenant, je suis en train de lisser la zone de la mâchoire au-dessus des lèvres, ses pommettes et du front. Maintenant, je suis plus audacieux en ajoutant dans cette forme d'ombre de cache sous le nez. Maintenant, j'ajoute des tons plus foncés sur les lèvres. Sur le nez, j'essaie de capturer certains des changements subtils de valeur à mesure que je deviens plus spécifique avec elle. Puis j'ajoute cette forme plus légère pour montrer la convexité de l'os du sourcil. L' ajout de ce petit triangle de lumière au bord de la narine permet de montrer la forme du cylindre dentaire. Maintenant, je suis un peu plus audacieux avec ces yeux. Obtenir cette ligne plus foncée et ajouter dans la ligne des cils et des formes de paupières supérieures. Sur l'ombre suivante, je vois qu'il y a un peu de couleur de rouille saturée entre les valeurs foncées et claires, donc j'ajoute cela dans. Je fais la même chose à la racine des cheveux, ajouter une petite couleur de transition entre le front et les cheveux. Maintenant, j'ajoute un peu plus de détails à la chemise. Le rouge est une couleur si intense, mais si jamais vous voulez rendre le rouge encore plus intense, vous pouvez mettre des taches de vert autour d'elle. J' ajoute des poils bouclés autour de sa coiffure. Ne pas copier des journaux individuels, mais simplement essayer de capturer le sentiment de celui-ci. Maintenant, je regarde de plus près cet œil, et le nez pour adoucir les bords tout en pensant aux avions. Maintenant j'ajoute ce petit peu de lumière sur sa crête sourcilière et le lisser. Puis quelques faits saillants sur le nez. Les faits saillants aideront à faire avancer le projet de nez. Maintenant, je donne un peu d'attention au front, essayant d'imaginer les plans et les changements de valeur sur chacun. Maintenant, j'utilise des lignes courbes enveloppant autour du cou. Je les tache autour de la forme dans l'espoir que cela donnera l'apparence de tourner. J' efface le bord de la couleur et ajoute du vert au bord de son cou, heurté contre le rouge de la chemise. Ici, je suis juste d'ajouter plus de coupes de lumière et d'ombre sur la chemise. Maintenant, je rebondit autour des traits dans les cheveux, sur la chemise, assombrissant la lèvre supérieure, et je travaille sur les yeux. Comme je l'ai mentionné, les sourcils sont si essentiels pour déterminer l'expression. Dans ma peinture, elle a l'air inquiet à cause de la façon dont j'ai regardé ces naviguer. Je répare ça un peu et j'y reviendrai plus tard pour le réparer. Maintenant, j'ajoute un ton de transition le long de la ligne de la mâchoire. Je l'ai ramolli avec cet outil beaucoup. Comme je l'ai mentionné, une grande brosse douce fonctionne également bien autour de cette zone le long du bord de la mâchoire. Maintenant, on trouve la forme de cette ombre sous la lèvre inférieure. Maintenant, avec un pinceau doux et un rouge plus foncé, j'ajoute doucement un peu de couleur à sa joue. Avec la brosse douce encore je commence à ajouter dans les formes irlandaises dans la forme du couvercle inférieur. Maintenant, ramassant cette couleur à lèvres, je commence à faire des ajustements aux valeurs sur les lèvres. Rappelez-vous que le plan des lèvres inférieures fera face vers le haut. Dans ce scénario d'éclairage, cette lèvre inférieure attrapera une bonne quantité de lumière. Maintenant, je fais allusion à ces bleus de Clara. Maintenant, je passe au crayon 6B procréer pour gros pinceau, et j'ai ajouté son île Irwin. Maintenant sur le point de retourner mon Canvas, et si vous vous demandez comment je fais c'est en appuyant sur ce bouton ici. Pour programmer le vôtre, accédez à Préfs, Contrôles gestuels. Cliquez sur Menu rapide et touchez un. J' appuie sur ce bouton et retourne mon Canvas horizontalement pour me donner une nouvelle perspective. Maintenant, je duplique ma peinture parce que je voulais apporter quelques modifications avec l'outil Lasso. Mais je veux que les couleurs de l'original montrent à travers le dessous. Cela rendra le nettoyage beaucoup plus facile. Je sélectionne cet œil parce que je me rends compte qu'il doit venir un peu. Je fais ça avec magnétique allumé. Une fois en place, j'appuie sur la flèche pour la désélectionner. Je suis content de ça, alors je l'ai fusionné. Maintenant, je peux corriger ce bord cassé avec un outil Soft Pastels Much. Maintenant, avec mon 6B à nouveau, j'ajoute quelques tons autour du visage et dans les cheveux. Retourner maintenant, je fais juste quelques mesures avec ma ligne bleue. Si vous vous demandez comment je peux facilement déplacer cela, c'est parce que j'ai fait un minuscule petit point ici aussi sur la couche, rendant la couche entière plus grande et plus facile à déplacer. Dupliquer ma couche et éteindre un verrou tout, je manipule la chemise avec l'outil Liquefied et je la déplace à ce que je pense être un endroit plus précis. Maintenant, je travaille sur certains de ces détails autour de la chemise. Maintenant, je vais prendre le rythme de cela plus pour ne pas prendre tout votre temps à parler des mêmes idées. Mais maintenant, enfin, je travaille sur certains des petits détails, en obtenant certains des faits saillants dans les yeux. Maintenant, je me débarrasse enfin de cette courbe et du front qui donne l'impression qu'elle est inquiète ou triste. Ici, je tache les zones autour du nez, et maintenant je fais la couleur de la lèvre inférieure plus tard. déplaçant sur les cheveux, je fais des lignes tourbillonnantes pour capturer une partie de la texture. J' en fais un peu et j'en laisse passer un peu. Maintenant marquage sur les plaines autour de ses yeux, essayant de mettre en petites et petites formes de valeur. Maintenant, je travaille sur les bords de la chemise. Maintenant, je fais ses flèches de crâne un peu plus légères, sa narine un peu plus foncée et plus définie, et je travaille partout là-dessus, en me faufilant lentement et soigneusement sur les valeurs. Mais ce n'est qu'une approche de la peinture. Parfois, je suis prudent avec mon processus, et d'autres fois mon objectif est d'être plus lâche et expressif. Je pense que c'est bon d'avoir une idée générale de l' endroit où vous aimeriez aller quand vous commencez un morceau. Pour que vous puissiez mieux décider des étapes de processus à suivre pour vous amener à la fin de la pièce. Maintenant, je remets ce point culminant du nez à nouveau. Parfois, je fais des choses une fois, mais parfois je dois revenir aux choses encore et encore jusqu'à ce que je l'aime. Maintenant, je trouve une distinction claire à ce changement d'avion sur le nez quand la narine passe du plan latéral à sous le plan. J' essaie d'obtenir ces changements d'avion autour du front qu'il ne l'est aussi, même si ce n'est pas tout à fait clair dans ma référence. E vous pouvez distribuer les avions même quand vous ne le voyez pas. Maintenant, je travaille sur les changements d'avion qui décrivent les paupières qui tiennent sur le globe oculaire. Je rend ces tons plus audacieux, donc les fusionner au fur et à mesure que je vais. Maintenant, attrapant la brosse douce, j'ajoute un peu plus de rougeur à ses joues. Puis avec le crayon 6B, j'ajoute sur ce front, et ajuste les tons sur la joue. Maintenant, j'ai augmenté la taille de la brosse et ajouter certaines de ces formes négatives autour des cheveux. J' égaie ce point culminant au bord de la narine et je fais un zoom avant pour ajouter le point culminant sur le nez. Encore une fois, j'ajuste cette mise en évidence et je manipule les bords. Il s'agit d'obtenir des formes, des valeurs, des couleurs et des bords de meilleure qualité pour moi. J' expérimente avec le bord de la chemise. Je ne sais pas si je veux que ce soit un bord perdu ou un bord trouvé. Maintenant, je suis à la recherche d'un pinceau texturé cool avec les cheveux. J' ai décidé d'essayer celui-ci appelé argile et la section organique. Je pense que ça fait un beau travail de capturer la texture de ses cheveux. Maintenant, avec le crayon 6B grand, je fais plus de travail sur la chemise. Puis à l'aide de la brosse de ruisseau de saule turkle, je travaille plus sur les yeux. C' est définitivement un acte d'équilibre avec ces yeux. Je me suis retrouvé à mettre des choses et à les retirer. Étant un peu indécis, dans ces cas, je trouve qu'il est bon pour moi de faire une pause et de réinitialiser mes yeux et mon cerveau. C' est ce que j'ai fait ici. Cette partie reprend après une pause. Maintenant, je suis arrivé à un point où j'ai vraiment besoin de zoomer sur mon portrait. Je m'assure que mes références sont enregistrées dans les photos de mon iPad et j'ai ouvert la photo. Ensuite, je glisse vers le haut, attrape la procréation du dock, et le fais glisser sur le côté et le dépose. Ensuite, je peux tirer la barre au milieu et zoomer très près sur les deux. Maintenant, je peux vraiment entrer là-dedans avec les détails. Puisque je suis sur le point de faire beaucoup de changements de détail, je fais un duplicata et je peins sur un duplicata. Cela fait en sorte que si je prends les détails trop loin, alors je peux baisser l'opacité de ce calque, et que ma version plus simple soit visible en dessous. Vers la fin d'une pièce. C' est souvent comme ça que je travaille. Prendre un peu trop loin en double. Mais j'aime le travail que j'ai fait. Travailler sur une couche en double et réduire l'opacité plus tard est souvent la solution parfaite pour moi. Maintenant, je fais de minuscules petits changements de couleur ici et là autour la pièce en utilisant le crayon 6B pro créer pour grand pinceau. J' utilise les pastels doux beaucoup dit chaque fois que j'ai besoin de ramollir. passant à la brosse douce, j'ajoute cette douceur autour du bord de sa mâchoire pour l'aider à passer de la lumière à l'ombre. Je l'utilise aussi pour unifier d'autres zones sur le visage. En dupliquant ma couche, je décide que je veux mettre à l'échelle un peu. Je pense que cela va résoudre une partie du problème de ne pas peindre son visage assez étroit. Puis je l'ai fusionné. Retour en vue fractionnée. Je duplique ma peinture et ajuste l'inclinaison de cet œil avec magnétique désactivé. Ensuite, je fixe les bords avec cet outil de fusion et je le fusionne vers le bas. Maintenant, je continue à faire quelques petites modifications de couleur et d'arête de valeur de forme, rebondissant autour des entités. Maintenant, je veux me concentrer sur ce qui est le plus important pour moi dans cette pièce. Je regarde ce filtre à trappe croisée de Photoshop. Je duplique mon calque de peinture et commence à apporter quelques modifications sur le doublon. J' ai travaillé pour rassembler les sombres dans l'obscurité et les lumières, assez claires. J' utilise la brosse à charbon de saule sur une opacité inférieure pour travailler lentement aux changements. Ici, j'ai avant la simplification et après. Je pense que je veux quelque chose qui tombe entre les deux. J' abaisse l'opacité de cette couche et essaie de trouver où je l'aime le mieux, et je débarque ici et la fusionne. Maintenant, je travaille sur les changements de valeur autour de la forme de keystone. Maintenant, je travaille sur certaines de ces zones autour des yeux. À ce stade, je choisis la couleur de la peinture afin que la valeur reste en ligne avec ceux déjà dans la pièce. Vous remarquerez que je fais beaucoup de zoom avant et de zoom arrière à ce stade. Quand il s'agit de détails, ce qui semble bon, gros plan, peut vraiment paraître bizarre quand l'utiliser loin. Changez toujours votre point de vue lorsque vous travaillez sur les détails. Maintenant, avec l'outil pastel doux et taches, je dessine le bord où le front rencontre la racine des cheveux. Je travaille plus sur certaines de ces transitions de valeur sur le front en utilisant la brosse douce. Ensuite, en utilisant ce pinceau pour mon ensemble de portraits appelé Glimmer, j'ajoute un peu d'éclat supplémentaire aux joues. Puis dupliquer le calque. Je vais expérimenter avec de grandes taches, tirant les couleurs dans les couleurs voisines pour les faire interagir plus. Cela aide à unifier, mais c'est aussi une décision stylistique pour moi. Si vous n'aimez pas peindre ce doux, pas de soucis. Comme je l'ai fait avant, j'ai poussé sur l'opacité pour trouver le médium heureux. Je suis content de ce petit peu de lueur qu'il donne, alors émergez-vous que vers le bas. Maintenant, je travaille à cette forme d'ombre depuis les cheveux sur sa joue. Les ombres un peu bouclés et la forme comme la forme de ses cheveux. Maintenant, je travaille à affiner son cou et sa chemise. Si vous peignez dans un support traditionnel, et ce n'est pas aussi facile que la cueillette de couleurs. Reliez vos couleurs à d'autres couleurs et demandez, est-ce plus chaud ou plus frais ? C' est plus sombre ou plus léger ? Est-il plus vif ou plus gris vers le bas ? Toujours faire des comparaisons. Vous pouvez même choisir une couleur et vous concentrer sur elle pour l'obtenir exactement. Ensuite, enlevez toutes les autres couleurs de cette couleur. Quand il s'agit d'utiliser des références, je suis personnellement tous les quatre omettant des choses de la photo. Supprimez les choses qui sont distrayantes et qui rivalisent avec votre focus. Comme sur ça, il y a des rides de surface sur sa chemise qui ne sont pas vraiment importantes pour moi, et qui ne sont donc pas importantes à capturer dans ma peinture. Je ne vais pas les mettre. Je ne veux pas que son formulaire disparaisse sous un tas de détails inutiles. Je prends la licence artistique et je change les choses là où je le vois bon. Dans ce type de travail, je me suis en fait laissé s'éloigner d'obtenir une ressemblance exacte à. Comme ce n'est pas une commission où la ressemblance est importante, je me sens bien de laisser ma peinture être une interprétation d'elle par rapport à une copie exacte. Je termine cela en resserrant les bords, faisant de légers ajustements de couleur, etc. Je fais un zoom avant et arrière pour voir ce qui doit être réparé. Maintenant, je vais dire que celui-là est fini. J' espère que cela a été un peu utile pour vous de regarder. Passons maintenant à des délais plus rapides. 10. Accéléré et conseils: À chaque time-lapse, je vais donner un bref aperçu de ce que j'ai fait. Ensuite, je vais sauter dans un sujet d'art. J' inclurai les brosses principales que j'ai utilisées au début de chaque time-lapse. Mais bien sûr, tu sais, mon pinceau de mélange est le pinceau pastel doux qui utilise cet outil. Donc c'est généralement mon pinceau de mélange de choix quand vous voyez que les choses sont gagnées lissées. Pour celui-ci, je voulais vous montrer comment je mettrais en place un tableau si je commençais par le travail de ligne d'abord. Je fais un dessin très détaillé pour commencer. Je ne vais dans le tableau qu'une fois que j'ai confiance dans le dessin. Ce n'est pas comme ça que je travaille habituellement. Mais j'ai trouvé que c'est bien parce que le travail acharné est fait au début d'une pièce quand mon énergie est la plus élevée. Je pourrais essayer ce processus plus à l'avenir. Une question que l'on me pose parfois est où vous pouvez toujours dessiner ? La réponse à cela n'est absolument pas. Je ne pense pas être entré dans la vie avec un talent supplémentaire, mais j'ai eu la chance d'avoir une chose en particulier qui, à mon avis, a été la force motrice pour moi. C' est tout simplement ma passion extrême pour ça. Couleurs, formes, lumière. Quand je vois ces choses, je suis juste étonné par leur beauté. Je pourrais passer toute la journée à faire de l'art et à admirer l'art. C' est comme ça que je sais que c'est ma passion. Si vous êtes comme moi et que vous avez le même lecteur, alors vous voulez probablement continuer à améliorer vos compétences en dessin et en peinture comme moi. Comment on fait ça ? Nous apprenons, nous pratiquons, et nous répétons ces choses pour le reste de notre vie. Comment j'apprends, c'est que j'aime lire des livres d'art et j' aime aussi suivre des cours d'art en personne et en ligne. J' ai embrassé l'idée d'être un étudiant à vie. Quand je suis hors du mode d'apprentissage trop longtemps, je trouve que mon travail commence à se stabiliser ou même à s'aggraver. Quand cela arrive, je sais qu'il est temps de me consacrer à l'apprentissage pendant un certain temps. Je regarde un cours de partage de compétences, ou je vais à l'université communautaire, ou je me suis joint à un groupe de peinture. Puis après avoir appris un peu de nouvelles informations ou avoir été rappelé quelque chose que je sais, mais avec un étudiant de première année dessus, alors il est temps de le mettre en pratique. Je fais une étude de peinture à partir de la vie, d'une photo, ou de ma mémoire pour vraiment tester les idées, en me concentrant sur tout ce que j'ai appris. Je suis aussi un grand défenseur des défis. la meilleure façon d' Je pense quela meilleure façon d'améliorer un art est d'adopter un mode de vie qui consiste à être un apprenant pour toujours qui travaille dur et qui met en avant l'effort. Dans ce tableau, je voulais m'amuser. Je voulais laisser mes coups de pinceau être expressifs. Être peintre peut exiger un état d'esprit désinhibé pour moi, ce que je n'ai pas souvent. Mais ici, j'étais prêt à être plus libre avec mon approche. J' utilise mon pack de pinceaux de peinture à l'huile pour cela. J' ai inclus la plupart des principaux que j'ai utilisés dans l'ensemble de pinceaux dans cette classe. Puisque celui-ci est plus stylisé, parlons de la façon de trouver votre style. Je pense que le style individuel est en partie inné dans un mélange de toutes les choses que nous admirons. Je pense que c'est quelque chose qui s'est développé au fil du temps grâce à la création de beaucoup et beaucoup d'art. Vous pouvez cultiver le style que vous voulez en copiant ceux que vous considérez comme des maîtres. Ceux dont vous aimez déjà les œuvres et nos objectifs de citation et de citation. Disons que vous voulez apprendre à dessiner personnages et il y a un artiste qui fait des croquis de personnages étonnants, copier un de leurs dessins. Gardez-le juste pour vous-même, et ne le partagez pas en ligne ou n'en prenez pas le crédit. Avec cette expérience seule, vous aurez acquis quelques compétences essentielles et vous commencerez à développer un style que vous aimez. Ensuite, copiez une autre personne dont vous aimez les œuvres et enquêtez vraiment pour découvrir ce que vous aimez tant à ce sujet. Puis se branche et essaie de faire quelque chose sans regarder le travail de qui que ce soit. Vous verrez certaines des techniques s'infiltrer, mais vous remarquerez qu'elles sont uniques pour vous avec votre propre tour car elles ont été faites à la main avec votre point de vue unique ajouté. Vous ne pouvez pas le style de copyright, mais personnellement je ne suis pas pour copier les styles des autres et les revendiquer comme les vôtres, mais je suis pour vous garder entouré art incroyable qui vous inspire et vous pousse à devenir un meilleur artiste . Une fois que vous commencez à développer un style et que les gens commencent à y répondre positivement, n'avez pas l'impression de devoir rester dans la boîte. Continuez à vous exprimer et développez ce que vous pouvez faire. Pour moi personnellement, c'est plus gratifiant puisque j'aime peindre des portraits, mais j'aime aussi dessiner des personnages et un jour je veux apprendre à peindre des fleurs. Je me sentirais trop [inaudible] si je ne pouvais choisir qu'un de ces styles et ne produire du travail que dans la même chose pour le reste de ma vie. Si vous êtes pareil, n'étouffez pas votre créativité. Mais pour d'autres, il peut être plus gratifiant de rester dans un même style de travail et de construire un ensemble de travail cohérent et cohérent. Je sais que j'adore regarder des flux Instagram comme ça. Le point est, faites ce qui vous rend le plus heureux et sachez que votre style ou différents styles se développera avec le temps. J' aime l'apparence des peintures à l'huile d'Alla Prima, et j'aime le type abstrait de milieux que vous voyez souvent dans ceux-ci. canalisant ce style de pinceau, j'ai fait des arrière-plans texturés désordonnés. J' ai pensé qu'elle aurait peut-être l'air cool sur ce fond à la place. J' ai sauté par ici. J'ai aimé comment cela ajoutait à l'ambiance picturale. Dans ce tableau. Je voulais mettre en place le dessin avant de me lancer dans la peinture. Je me suis concentré sur la structure de la tête d'abord, puis après cela est allé avec les couleurs. Parlons maintenant des taches inspirées et motivées. Quand je ne me sens pas inspiré, ça m'aide à regarder des sujets qui me font exciter la peinture. Pour moi, c'est certaines combinaisons de couleurs, comme j'aime les roses et les verts. J' aime aussi regarder certains de mes thèmes préférés comme l'art de la sirène ou les elfes ou l'art fantastique. Je ne sais pas pourquoi, mais ce sont des trucs qui m'inspirent. Ou parfois j'aime juste quitter l'art concept qui m'inspire toujours. Garder mon flux Instagram plein d'artistes étonnants, me garde toujours inspiré pour créer. Assurez-vous que vous tombez des gens qui font de l'art que vous aimez. Parfois, même si je ne peux pas dépasser la bosse sans inspiration et c'est bon. Ces moments ont passé du temps avec la famille et les amis et passer du temps sur les autres joies de votre vie. Ce qui m'aide à rester motivé, c'est le rêve d'être un meilleur artiste et de faire quelque chose que j'aime. Se souvenir aussi de mes objectifs de peinture à long terme, cela m'aide toujours aussi. Sur ce tableau, je l'ai gardé assez doux. Je ne suis pas allé dans les détails sur les fonctionnalités. Parfois, je pense que moins c'est plus. C' était mon approche en ce moment. J' aimais aussi peindre son front. Cette référence m'a fait avoir une plus grande appréciation pour cette caractéristique sous-appréciée. Parfois, les gens demandaient, combien de temps devrais-je passer sur un portrait ? n'y a pas de règle pour ça. Personnellement, j'ai passé une à cinq heures sur un portrait qui l'a fait procréer. Quand je passe plus de cinq heures et que ce n'est qu'un portrait, pas un chiffre complet, c'est ce que je sais que je suis passé en mode nouilles et que j'ai cessé d'être décisif. Je pense que c'est de ça qu'il s'agit plus. Savoir quand tu es entré dans le pilote automatique et que tu ne penses plus. C' est à ce moment-là qu'il est temps de prendre du recul, laisser votre cerveau se rafraîchir, puis d'y revenir plus tard. La plupart de mes tableaux ne sont pas faits en une seule séance à moins que je ne fasse une étude rapide d'une heure. Sinon, je reviendrai habituellement deux à quatre fois avant d'avoir fini. Une fois que je suis passé quatre fois, je ne finirai probablement jamais ce truc. Réponse si courte, travaillez pendant autant d'heures que vous êtes productif et faites avancer la paix. Si vous avez été coincé au même endroit pendant un moment, rangez-le et revenez plus tard avec un œil frais. Avec cette référence, j'aime vraiment le modèle de l'expression douce. Je ne crois pas que je l'ai capturé à la fin. Mais je me suis amusé à peindre celui-là. J' ai appris que j'aime peindre avec mon grand pinceau au charbon de bois de saule. Parce que c'est une taille unique, ça m'a forcé à ne pas sauter trop vite dans les détails. Puisque je ne suis pas super content de la façon dont cette peinture s'est avérée et qu'elle ne répondait pas tout à fait à mes attentes pour ce que je voulais qu'elle soit. Parlons de quand tu as l'impression que tu ne seras jamais assez bien. J' ai toujours aimé le dessin, mais quand j'ai commencé à prendre le dessin plus au sérieux à l'adolescence, parfois je suis super frustré par moi-même parce que je n'étais pas aussi bien que je le voulais et que je ne répondais pas à mes attentes pour moi-même. Parfois, je déchirais même mes croquis avec frustration. Je me sens toujours comme ça parfois, mais beaucoup moins. Parfois, je vais supprimer un dessin insuborgeable. Mais quand je dessine maintenant, je me sens plus libre d'apprécier le processus et de profiter l'expérience d'apprentissage plutôt que de me sentir frustré par mon manque de capacité. Je pense que c'est quelque chose qui vient avec le temps et l'âge en tant qu'artiste. Je suis sérieuse dans l'art depuis plus de 10 ans maintenant. regardant en arrière, en comparant mes expériences maintenant au début, je suis beaucoup moins frustré avec moi-même maintenant que j'en ai appris plus. C' est pourquoi l'apprentissage est si essentiel. Non seulement cela fera de vous un meilleur artiste, mais cela rendra également l'expérience plus amusante. Si vous êtes dans la phase de frustration de l'apprentissage, sachez qu'avec le temps et les efforts, il deviendra plus facile et plus agréable. Vous verrez un peu de saut et de progrès ici et c'est parce que j'ai fait un peu de travail dans Photoshop. Pas parce que je ne pouvais pas le faire dans Procreate. Mais parfois, je passe à Photoshop pour changer mon point de vue. Parfois, même la distance supplémentaire que je peux obtenir de mon écran peut me donner une nouvelle perspective et un regard neuf pour les erreurs. Comme je l'ai dit, mes attentes pour celui-ci nous sont plus élevées, mais c'est bon. Je ne vais pas aimer tous les dessins que je fais, même après avoir dessiné pendant plus de 10 ans. Mais j'ai appris quelque chose avec celui-ci et ça en vaut la peine pour moi. Avec ce tableau, je voulais faire une étude rapide avec mes pinceaux à l'huile à nouveau. Je voulais faire le sujet comme plutôt que de capturer les modèles ressemblant exactement. J' ai l'impression de le dire dans toutes les classes, mais c'est parce que je pense que c'est si important et que c'est de garder à l'esprit la structure des valeurs quand vous peignez. Nous devons comprendre la situation de l'éclairage. Par exemple, sur la peau. Si j'avais fait une valeur trop légère, ça ressemblera à une bosse. Si j'avais fait une valeur trop sombre, ça ressemblerait à un trou. Nous devons garder les valeurs en relation les unes avec les autres. Plisser est l'une des meilleures façons de le faire, il aide à regrouper les lumières et les sombres. Ce qui est dans la lumière doit appartenir à la lumière et ce qui est dans l'ombre doit appartenir à l'ombre. Si lorsque nous plissons, disons qu'une valeur apparaît comme deux lumières du côté de l'ombre, alors nous savons qu'il peut s'agir d'une valeur égarée. Peindre des formes sous une source de lumière directe aidera à éclairer cela. Ils vendent ces formulaires sur Amazon. En cours d'art, j'ai toujours pensé que ces petits dessins de forme étaient si ennuyeux et inutile, mais j'avais vraiment tort. Si je ne sais pas comment estomper correctement quelque chose de simple comme une balle, alors comment saurai-je jamais comment ombrager le bout du nez ? Des scénarios d'éclairage direct comme celui-ci sont vraiment amusants et satisfaisants à dessiner parce que les formes d'ombre sont sombres et définies. Essayez de trouver des références comme celle-ci si vous le pouvez, car elles sont parfaites pour la pratique, mais aussi très amusantes à dessiner. Dans ce tableau, j'ai expérimenté avec une brosse vraiment, vraiment douce. J' ai gardé celui-ci adouci et stylisé. En parlant de références, j'ai eu cette image et beaucoup d'images dans cette classe de Shutterstock.com. J' ai là 10 image par mois plan. Je voulais vous parler de quelques ressources gratuites. Je suis tellement reconnaissant pour tous les photographes généreux dans les mannequins qui partagent avec nous. J' ai trouvé de superbes photos de ressources gratuites de Pixabay.com, Unsplash.com et Pexels.com. Tous ces sites sont des sites qui permettent l'utilisation des images même à des fins commerciales. J' essaie d'avoir plus dans l'habitude de cela, juste pour éviter tout problème de copyright. J' ai également tiré à partir de modèles et dans ces cas, j'aime soit étiqueter le modèle ou le lien vers la photo originale. Parfois, je vais aussi référencer célébrité tapis rouge regards. Mais j'essaie d'utiliser ces références de manière lâche et d'en faire une pièce plus créative. Ce qui est sur ma liste personnelle de choses à faire et peut-être que cela pourrait être sur la vôtre, c'est de suivre un cours de photographie afin que je puisse apprendre à prendre mes propres références de portrait. Si nous faisons cela, alors cela peut être notre propre vision personnelle du début à la fin. Avec ce tableau, j'y suis allé en voulant passer un peu de temps à développer le portrait. J' y suis allé avec un peu de patience et j'en avais besoin pour les cheveux. Certains d'entre vous ont peut-être rejoint ce cours parce que vous aimez faire des portraits pour le plaisir. Mais vous êtes peut-être quelqu'un qui est un professionnel ou peut-être voulant devenir un professionnel un jour. Être capable de dessiner des portraits peut être une compétence très précieuse. Cela ouvre beaucoup d'opportunités pour l'artiste qui travaille. Une chose que vous pouvez faire est de prendre des commandes de portrait. Beaucoup de gens veulent des photos de leurs proches. J' ai trouvé qu'il y a toujours un marché pour ça. Si vous vous demandez comment fixer le prix de vos pièces, voyez ce que les gens d'un niveau de compétence similaire ou de charge. Mais aussi ne vends pas votre travail trop bon marché. Si tu le fais, ça finira par ne pas en valoir la peine pour ton temps. Venez avec ce que vous pensez vaut le temps que vous allez passer, puis ajustez au fur et à mesure que vous apprenez ce qui fonctionne pour vous. Vous pouvez également prendre le travail de concept de personnage. Beaucoup de créateurs comme les écrivains ont besoin de quelqu'un pour donner vie à leurs personnages. Être capable d'attirer des gens est une merveilleuse habileté à posséder si vous êtes intéressé à entreprendre un travail conceptuel. Je pense que vous pouvez attirer l'attention avec un visage mieux que tout autre, donc vous pouvez être engagé pour faire un portrait pour une annonce. Procreate m'a embauché pour créer un portrait pour leur version Procreate 4.0 et c'était l'une des opportunités les plus cool. Ce ne sont pas seulement des opportunités de travail indépendant, mais des occasions d'enseigner comme je le fais ici. Enseigner le dessin de portrait et la peinture est l'une des choses les plus gratifiantes que j'ai à faire. Il y a toujours quelqu'un d'autre qui vient et qui est prêt à apprendre. Si vous avez quelque chose à partager, enseignez-le. Il y a beaucoup d'opportunités à être portraitiste, mais nous ne le faisons pas seulement pour les opportunités monétaires. Il peut être extrêmement gratifiant de peindre des visages et d' expérimenter différents regards, sentiments et histoires. Si vous appréciez cela, continuez. Toujours s'efforcer de mieux et les occasions de faire de l'argent avec votre métier viendront, je vous le promets. Pour cette dernière démo, j'ai choisi cette référence parce que j'ai adoré la façon dont vous pouviez vraiment voir les formes de son visage. J' ai aussi pensé que la pose était vraiment jolie et douce. Je reviendrai peut-être à celui-là et je consacrerai plus de temps. Mais je voulais essayer une nouvelle approche avec celui-ci. J' étais assez disciplinée avec moi-même. J' ai seulement rendu la référence moins floue car je me sentais prêt pour elle. Cela m'a vraiment aidé à me concentrer sur les formes, les changements de valeur et les bords. Quand j'ai commencé à dessiner, j'ai pensé que plus la pièce était détaillée, meilleure était la pièce. Mais au fur et à mesure que je travaillais plus, j'ai développé une appréciation plus profonde des bords souples. Je crois que la douceur fait partie de mon style et du look de beaucoup de mes pièces. Je vous encourage à expérimenter aussi. Essayez quelque chose qui est un peu différent de ce que vous feriez normalement. Parce que tu trouveras peut-être quelque chose que tu aimes encore mieux. 11. Enregistrer et partager votre travail: Pour enregistrer votre travail, cliquez sur l'icône de la clé, puis cliquez sur « Partager ». Ensuite, j'aime sauver le mien en JPEG. Ensuite, j'appuie sur « Enregistrer l'image ». Cela va l'enregistrer dans votre pellicule d'appareil photo. Si vous n'utilisez pas Photoshop, vous pouvez le recadrer directement dans la pellicule de votre appareil photo, en appuyant sur « Modifier », puis en utilisant cet outil de recadrage pour insérer les côtés. Procreate a également une fonction de recadrage maintenant, mais j'aimerais juste recadrer la mienne en dehors de Procreate afin que je sache que j'ai encore mon original. Une fois votre image rognée, vous pouvez appuyer sur ce bouton et l'envoyer par e-mail. Si vous avez un ordinateur Mac, vous pouvez également Airdrop sur vous-même. Il suffit de cliquer sur la clé, « Partager », « JPEG », puis si vous avez Airdrop sur les deux appareils allumés, votre ordinateur apparaîtra comme une option ici. Cliquez dessus et il apparaîtra sur votre ordinateur. J' appuie sur « Accepter », « Enregistrer dans les téléchargements », et je clique sur mes téléchargements ici sur mon document. Ensuite, après avoir défilé vers le bas, je clique sur « Ouvrir dans le Finder », et c'est juste ici en haut. Si vous cliquez avec le bouton droit de la souris et appuyez sur organiser par date, vous devriez être là aussi. Donc, je fais glisser cela sur mon bureau, puis je le fais glisser dans Photoshop. Maintenant, dans Photoshop, je prends l'outil de recadrage et je fais un zoom avant pour m'assurer que j'obtiens les bords. Maintenant, j'appuie sur « Fichier », « Enregistrer sous », et tapez Painting Fullsize, sorte que j'aurai toujours cette version pleine grandeur au cas où je voudrais en faire une impression. Maintenant, j'appuie sur ce bouton ici pour dupliquer le fichier puis je X sur cette version pleine taille. Maintenant, sur celui-ci, je veux le redimensionner pour Internet, je vais à « Image », « Image Size », et je fais le côté le plus long autour de 900, parfois je fais un peu moins. Cela fera de sorte que vous pouvez facilement télécharger sur les sites Web et ne pas être trop grand. Si vous n'avez pas de programme qui se redimensionne, certains sites Web le feront automatiquement, et si ce n'est pas le cas, vous pouvez utiliser un outil en ligne gratuit. Maintenant, ce que j'aime habituellement faire après avoir redimensionné est d'aiguiser l'image, « Filtre », « Autre », « Personnalisé », peut bien fonctionner pour cela. Si jamais c'est trop, je sélectionne le tout avec l'outil de sélection rectangulaire, appuyez sur « Modifier », « Copier », revenez à la version redimensionnée originale et appuyez sur « Modifier », « Coller », puis j'abaisse l'opacité. Une autre façon d'aiguiser est d'aller à « Filter », « Sharpen », « Sharpen ». Ensuite, bien sûr, vous pouvez également effectuer des ajustements d'image jusqu'à ce que vous soyez satisfait du résultat final. Une fois que j'ai terminé, j'enregistre l'image comme Peinture redimensionnée, donc je sais qu'il s'agit de la version redimensionnée pour mes fichiers. Encore une fois, je l'enregistre comme un JPEG. Vous pouvez également enregistrer votre processus de peinture et un time-lapse, ce qui est une fonctionnalité vraiment cool de Procreate. Pour ce faire, il suffit d'appuyer sur l'icône de la clé, « Vidéo », puis « Exporter la vidéo Time-lapse ». À partir de là, vous pouvez enregistrer la version complète qui est accélérée ou une version plus rapide de 30 secondes. Ceux-ci sont amusants à partager sur Instagram. Si vous souhaitez partager votre travail sur Skillshare, j'aimerais le voir. Vous pouvez le faire sur un ordinateur en allant la section de votre projet, puis en faisant défiler bas et en cliquant sur le bouton « Créer un projet ». À partir de là, n'hésitez pas à partager vos photos de progression, feuilles de travail de classe ou vos portraits finis. 12. Dernières réflexions: Merci beaucoup d'avoir regardé la classe. Pour terminer, résumons en passant en revue certaines des choses dont nous avons parlé. Tout d'abord, nous avons parlé des formes de base et des proportions de la tête. Ensuite, nous avons examiné comment nous pouvons créer des dessins gestuels lâches et comment nous pouvons appliquer la connaissance de l'anatomie et les conceptualisations de la tête pour créer des portraits réalistes. Ensuite, nous avons décomposé la tête par fonction et nous avons tout ramené ensemble à la fin avec quelques démonstrations de portrait. Maintenant, c'est à ton tour et j'ai hâte de voir ce que tu fais. Voici quelques idées que vous pouvez essayer. Faites quelques études rapides, chronométrez vous-même et essayez de le garder en dessous d'une heure. Cela vous aidera à faire une pratique cohérente, et cela vous aidera également à obtenir beaucoup et beaucoup de dessins et de peintures derrière vous. Consultez les ressources de la classe pour vraiment avoir une idée de certaines de ces idées dont nous avons parlé. L' autre moitié de tout cela est la partie faisant. Je vous encourage à leur donner une chance si vous avez besoin d'un saut. Vous pouvez également créer une étude de portrait de trois heures. Engagez-vous vraiment à faire quelque chose , puis partagez-le avec nous dans la galerie du projet. Je suis tellement excité de voir l'une de ces feuilles de calcul, toutes les choses que vous essayez, et je suis tellement excité d'entendre comment cela se passe pour vous, alors assurez-vous de partager cela aussi. Maintenant, pour seulement quelques conseils de fermeture, apprenez à connaître vos matériaux. Si vous vous sentez submergé par toutes ces informations et que vous vous sentez submergé même par votre médium, tenez qu'à quelques uns de vos pinceaux préférés pendant un certain temps. Cela vous aidera à apprendre à savoir tout ce qu'ils peuvent faire. Si vous utilisez la procréation, apprenez à connaître les pinceaux dans la procréation, même si cela signifie simplement gribouiller avec eux. Utiliser le pinceau 6B pour dessiner et le pinceau pastel doux pour mélanger est un excellent endroit pour commencer. Vous pouvez peindre une image entière avec seulement ces deux pinceaux. Expérimentez avec différents processus et techniques. Vous trouverez une fois que vous préférez, et ils feront naturellement partie de votre processus. Choisissez un processus, essayez-le et voyez si cela fonctionne pour vous. Sois patient avec toi-même. Faire du portrait peut être très difficile à certains moments, mais si vous l'aimez, il en vaudra la peine tout le temps que vous y mettez. Enfin, continuez toujours à ajouter de la pratique et des efforts à vos connaissances et l'amélioration viendra. Je suis si contente que tu m'aies rejoint dans ce cours. Merci beaucoup. Si tu es intéressé, j'aimerais te voir dans mes autres cours. Veuillez vous joindre au téléphone si vous souhaitez en savoir plus avec moi. Merci encore beaucoup les gars. Jusqu' à la prochaine fois, joyeux tableau.