Dessiner et croquis Vol 1 : bases pour tous les niveaux

1. Dessiner et croquer les bases du Vol 1: Avez-vous déjà rêvé de dessiner avec précision et passion sans vous enliser dans techniques complexes et des processus infinis ? Je suis BabGovpz et après 30 ans de dévouement au dessin et à l' apprentissage dans les meilleures écoles d'art, j'ai développé une technique qui vous permettra de créer n'importe quel paysage ou objet de votre choix, en profitant de chaque instant du processus J'ai conçu une série de cours de dessin et d' esquisse pour vous guider étape par étape, volume par volume votre parcours pour devenir un véritable artiste Imaginez pouvoir mettre vos idées sur papier, créer des œuvres qui reflètent votre vision unique du monde. Que vous soyez un débutant enthousiaste ou que vous cherchiez à rafraîchir vos compétences, vous trouverez ici les outils et la confiance nécessaires pour réaliser vos rêves artistiques. Dans ce premier volume, vous allez explorer les fondamentaux essentiels de cette technique. Vous apprendrez à observer attentivement objets qui vous entourent afin d'utiliser les angles et les meilleures techniques d'ombrage qui vous permettront de capturer l' essence de tout ce que vous voyez Vous commencerez par une simple nature morte, où vous vous concentrerez sur la composition et l'éclairage, apprenant à rendre efficacement textures, les reflets et les ombres. Vous passerez ensuite à la complexité des arbres aux formes et aux détails complexes Enfin, vous terminerez votre quête artistique en créant à la fois à l'intérieur et à l' extérieur l'un des plus beaux châteaux Barcelone, en Catalogne, en Espagne Appliquer toutes les techniques apprises pour capturer cette grandeur architecturale et les détails qui la rendent unique. Tout au long de ce cours, nous aborderons une théorie qui soutiendra notre apprentissage pratique. Nous explorerons la composition, la bidimensionnalité, la tridimensionnalité et la perspective D'autre part, nous nous plongerons dans l'étude d'artistes de renom, admirant leurs techniques et leurs œuvres, dont beaucoup se trouvent dans les musées. De plus, nous approfondirons la connaissance des matériaux Ainsi, vous pouvez sélectionner les meilleurs crayons, pastels, papiers de luxe , Le choix des bons outils est essentiel pour obtenir les résultats souhaités. Ne manquez donc pas l'occasion de vous lancer dans ce voyage artistique. Ce cours a été entièrement conçu pour vous, s'adaptant à vos besoins et à votre rythme. Sur cette plateforme, vous ne trouverez aucun cours qui propose une approche aussi passionnée, élégante et accessible pour apprendre à dessiner. Bienvenue sur mon Ater et dessinez dans celui du bas de l'esquisse. Des fondamentaux pour tous les niveaux. Je te vois au premier cours. 2. Importance de l'observation active: Bonjour, tout le monde. Aujourd'hui, nous aborderons un aspect crucial du dessin sur lequel de nombreux cours mettent l'accent sur l'utilisation de la méthode de la grille. Il est important de préciser que je ne fais pas référence à la grille de perspective, cette grille où les lignes convergent vers un point de fuite Je parle plutôt de la grille qui divise une feuille en plusieurs carrés. Bien que je sache que de nombreux cours d'art enseignent aux étudiants à utiliser ce type de grille, cette technique, parce qu' elle garantit la précision, reflète souvent un manque de spontanéité du dessin chez les professeurs. Dans notre cours, cependant, nous ne nous appuierons pas sur cette méthode. Nous cherchons plutôt à développer une méthode de dessin expressive naturelle qui vous permet de capturer une scène comme si vous étiez présent dans le moment présent , sans les contraintes de la grille. Historiquement, les artistes de la Renaissance, tels que Mikan Tedo, ont démontré capacités d'observation remarquables qui les distinguent de nombreux Bien que Michel-Ange soit principalement connu comme sculpteur, il était également un dessinateur exceptionnel Par exemple, ses dessins reflètent une profonde compréhension de l' anatomie humaine, de la lumière et de l'ombre. Il a observé méticuleusement le monde qui l' entourait, ce qui lui a permis de traduire ces observations à la fois en sculpture et en dessin Mais ce niveau de compétence n'a pas été développé grâce à des techniques de grille, mais grâce à une pratique dédiée et à un sens aigu du détail. Si nous devions comparer les artistes contemporains qui s'appuient fortement sur les écritures aux maîtres de la Renaissance tels que Michel-Ange, il est clair que ces derniers surpasseraient probablement les premiers dans la vie ou dans La capacité de Michel-Ange à capturer la forme humaine dans bus dynamiques témoigne de ses prouesses en matière d'observation Il ne s'est pas contenté de reproduire ce qu'il a vu. Il l'a interprété, transformant sa compréhension des formes tridimensionnelles dans son dessin. Bien que les artistes contemporains puissent atteindre un réalisme impressionnant grâce à leur cran, leur capacité à traduire cette habileté en un dessin spontané ou en capturant la vie sur place est considérablement limitée L'un des problèmes liés au cran est que les artistes peuvent se concentrer tellement sur la copie qu'ils peuvent reproduire des photographies qui manquent d'équilibre, composition ou d'éclairage intéressant L'acte de copier devient une fin en soi, nuisant aux compétences visuelles de l' artiste C'est là que l'essence de l' entraînement par observation entre en jeu Des artistes comme Michel Anglo entraînent leur regard à ne voir que les formes et les lignes, mais la relation entre les objets, les effets d'ombre et de lumière, et les subtilités de la En perfectionnant ces compétences, ils ont pu créer des dessins empreints d'émotion et de profondeur, engageant les spectateurs à un niveau que seul Capes ne pourrait atteindre De nombreux participants à ce cours sont des designers, des tatoueurs, passionnés de dessin et même des cinéastes qui souhaitent améliorer leurs capacités visuelles. En apprenant à dessiner spontanément sans utiliser de grille, vous deviendrez un meilleur artiste dans vos domaines respectifs. Il est essentiel de développer vos capacités d'observation, car cela vous permettra de détecter l'équilibre dans ce que vous voyez, de reconnaître les couleurs et, en fin de compte, reconnaître les couleurs de créer des œuvres d'art plus dynamiques et plus engageantes De plus, le fait de trop s'appuyer sur une grille peut entraîner un manque d' expression personnelle dans votre travail. Copiez une photo, vous risquez de manquer des occasions d'injecter votre point de vue unique et votre créativité dans votre art. dessin d'observation vous encourage à interpréter le monde qui vous entoure, à saisir vos sentiments et vos idées, et à les exprimer dans votre propre style Au fur et à mesure que nous avançons dans ce cours, je vous encourage à faire appel à la spontanéité et au pouvoir de l'observation Permettez-vous d' explorer le monde visuellement et d' y répondre d'une manière qui vous semble naturelle. N'oubliez pas que dessiner ne consiste pas simplement à reproduire ce que vous voyez Il s'agit d'interpréter et exprimer votre vision unique du monde. Le but de ce cours est donc de développer une technique qui nous permette de nous entraîner à maîtriser un style de lancer qui, sans trop de détails, peut apporter un degré de réalisme significatif. De cette façon, cela devient une compétence utile et agréable pour tout objectif artistique que vous pourriez vous fixer jusqu'à la prochaine leçon. 3. Dessiner et croquer de beaux papiers: Bonjour à tous, et bienvenue à cette leçon. Aujourd'hui, nous allons parler différents types de papier que nous utiliserons tout au long du cours. Je tiens à préciser que nous allons explorer plusieurs options, vous n'avez pas eu à vous soucier trop des matériaux au début. Un livre blanc traditionnel est largement suffisant pour aborder les exercices de ce cours. Le plus important est de vous concentrer sur l'apprentissage du dessin et développement de votre propre technique, car un bon dessin ne dépend pas du matériau. Cela dépend des compétences que nous allons acquérir ensemble. À présent, tout au long du cours et de cette leçon, nous allons explorer une sélection de documents de haute qualité. Il est important que vous connaissiez ces options, car bon nombre d'entre vous n'ont peut-être jamais travaillé avec autre chose que du papier blanc ordinaire. Ces papiers offrent donc différentes textures et finitions, et même s'ils ne sont pas essentiels, les connaître vous aidera à élargir votre perspective et à faire meilleurs choix pour les futurs produits. N'hésitez donc pas à utiliser ce que vous avez sous la main, mais veillez à faire attention à ces alternatives. Commençons donc. Allons-y avec le premier article. Schooler Shammer est un papier à dessin de haute qualité avec une finition blanc poire qui se distingue par sa texture verte très fine Ce type de papier est idéal pour les travaux de détail, car sa surface lisse permet de tracer lignes nettes et précises sans crayon, ni crochet, ni dragon Grâce à son grain délicat, il est parfait pour le graphite, crayons de couleur et les techniques d'encre, où la propreté et la clarté sont essentielles Il fonctionne également bien pour l'ombrage latéral, permettant des transitions douces entre les tons Il est particulièrement utile pour les portraits et les dessins techniques qui nécessitent des lignes claires et uniformes. Dans ce cours en particulier, nous ne l'utiliserons pas car nous utiliserons des papiers presque de la même couleur et du même ton, mais avec une texture beaucoup plus amusante et attrayante. Mais sans aucun doute, le marteau esculler est un excellent papier à dessin Passons à la suivante. Le Honey Mill Ingress est un papier de haute qualité, spécialement conçu pour les techniques du graphite et du pastel Sa texture unique et sa polyvalence en font idéal pour capturer les détails les plus fins et appliquer de riches nuances C'est pourquoi il sera le principal papier utilisé dans ce cours L'une de ses caractéristiques les plus remarquables est son vert brut, qui rend plus difficile l' obtention immédiate de détails précis. Cependant, c'est en fait un avantage lorsqu'on apprend à dessiner. Nous devons élaborer de meilleurs plans de réflexion de meilleure qualité pour obtenir des résultats plus efficaces, en particulier à distance. Les grains bruts résistent un peu plus à la précision, nous oblige à être plus attentifs à chaque coup, ce qui est essentiel dès les premiers stades de l'apprentissage. De plus, le résultat final est toujours plus beau avec une finition plus dynamique et plus profonde, donnant au dessin un champ plus riche et plus complexe. Cette entrée Hamel particulière a une texture avec des fibres liantes sur la surface, ce qui lui donne un aspect unique et presque parfait Cette texture lui donne non seulement un aspect vintage, mais le rend également particulièrement beau et attrayant. C'est l'un des plus beaux papiers à dessin disponibles. De plus, l'entrée Hamel est disponible en différentes pierres, telles que le socra et Chaque couleur possède sa propre texture unique, ce qui vous permet d' expérimenter différents effets et de trouver celui qui convient le mieux à votre style de dessin. La variété des couleurs offre de nombreuses possibilités pour améliorer votre travail avec des arrière-plans intéressants et créer des contrastes plus dynamiques. D'autre part, le papier possède deux textures différentes de chaque côté. Un côté est plus lisse, idéal pour les détails et les transitions douces, tandis que l'autre côté est plus texturé, parfait pour créer des effets plus riches avec pastel ou des techniques qui nécessitent plus de pression Cette trace de grêle sera le principal papier utilisé dans ce cours, vous permettant d'explorer la créativité grâce à une base de texture qui aide à développer les compétences nécessaires pour dessiner avec plus de précision et de qualité Mais passons à la suivante. Le Canson Mitaints est un papier exceptionnel, spécialement conçu pour les pastels et offre des textures encore plus riches que le C'est l'un des principaux papiers utilisés dans ma série de cours de dessin impressionniste, connu pour sa force et sa polyvalence Ce papier est parfait pour les techniques pastel, car sa texture riche permet une excellente superposition et un excellent mélange Il retient magnifiquement le pigment, offrant une couleur éclatante et une profondeur. De plus, les teintes Canson M sont plus résistantes que les autres papiers, ce qui le rend idéal pour les couches multiples sans compromettre l'intégrité du papier Il est également fabriqué avec un léger pourcentage de coton. Cela lui confère une douceur naturelle qui améliore la texture et la durabilité du papier Tout comme le papier utilisé dans un moulin à jambon, ce papier possède deux textures distinctes de chaque côté. Un côté est plus lisse pour les détails délicats et les mélanges. Alors que l'autre face a une texture plus prononcée, parfaite pour ajouter plus de texture et des effets audacieux. Les tentes Kansan May également disponibles dans une large gamme de couleurs, ce qui permet une plus grande flexibilité créative Les couleurs sont incroyablement riches et la surface de la texture capte et retient magnifiquement les pigments. Ce document vous aidera à créer des dessins au pastel dynamiques à plusieurs couches riches, durables et pleins de vie. Passons maintenant aux papiers de la marque Claire Fontaine, en particulier ceux que l' on retrouve dans le Block Paintm Un bloc de haute qualité qui offre une variété de papiers parfaits pour différentes techniques artistiques. La peinture au bloc est un excellent choix pour sa polyvalence, car elle contient divers papiers qui s'adaptent bien aux supports humides et secs Ce bloc comprend des papiers aux textures riches, vous permettant d'expérimenter différentes techniques, de l'aquarelle au crayon, en passant par l'encre et le basilic Chaque feuille possède une texture qui ajoute une dimension unique à votre travail, rendant chaque pièce plus dynamique et expressive. L'une des caractéristiques les plus remarquables de ce blog est la large gamme de couleurs disponibles. Les papiers sont disponibles dans des tons naturels et vibrants, ce qui donne aux artistes la liberté de choisir le fond parfait pour leurs œuvres, qu'ils recherchent quelque chose de doux et chaud ou quelque chose de plus spectaculaire et coloré. Il est important de mentionner que la plupart des esquisses de dessin, d'esquisse et séries de cours de dessin, d'esquisse et de dessin impressionniste utilisent des articles de ce blog Sa polyvalence, sa gamme de couleurs et de textures font un excellent choix pour les leçons et les exercices que nous allons faire. Ce bloc est parfait pour artistes débutants et expérimentés, car sa variété de papiers vous permet d'explorer différents styles et effets en un seul achat, tandis que les papiers de haute qualité garantissent que votre travail restera intact et éclatant au fil du temps. N'hésitez donc pas à choisir le papier qui vous plaît. Après tout, apprendre à dessiner ne dépend pas du papier, mais de votre créativité jusqu'à la prochaine leçon. 4. Crayons , pastels et autres matériaux Dessiner et croquis: Bonjour encore une fois. Dans cette leçon, nous allons parler de crayons, bails et d'autres matériaux nous allons explorer pendant le cours Je tiens à être clair dès le départ. Apprenez à dessiner, il vous suffit d' un crayon graphite et d'une gomme Ces deux éléments constituent la base de tout dessin et vous suffiront pour développer vos compétences de base. Cela dit, je tiens également à vous encourager à aller au-delà du graphite et à vous familiariser avec d'autres outils. Dans cette leçon, nous examinerons crayons de différentes duretés associés à des couleurs et à des textures, ainsi que d'autres matériaux qui, bien que non essentiels, peuvent enrichir Je sais que beaucoup d'entre vous n'ont travaillé qu'avec du graphite jusqu'à présent. Ce sera donc une excellente occasion de découvrir de nouvelles possibilités et de réfléchir à la manière d' intégrer ces outils dans vos futurs projets. N'oubliez pas que le but de cette leçon est d' élargir vos connaissances et non de vous submerger Le dessin commence toujours par les bases. Petit à petit, vous déciderez quels matériaux complémentaires vous souhaitez explorer. Passons donc à cette leçon. Parfait. Commençons par cet échantillon de crayons et de Comme vous pouvez le voir, nous allons travailler sur les papiers de collecte de graisse Hammill Nous allons commencer par le graphite, puis par le Pierre noir, puis par les pastels L'idée est de voir également comment se comportent chaque crayon et chaque pigment avec ces papiers qui seront présents dans tous les cours Commençons donc par ce crayon graphite à deux H, issu du set de design Benzel Essayez de voir la quantité de graphite qui reste collée sur chacun des papiers. autre côté, il y a quelque chose très important à prendre en compte. Je vais appliquer la même force sur le papier, afin que vous puissiez voir qu'en appliquant la même force, j'obtiens des tons différents. Passons à B. Cette fois, j'utilise un prolongateur C'est un outil très utile pour pouvoir utiliser les crayons jusqu'à la fin Ainsi, en connectant cette rallonge, vous pouvez utiliser n'importe quel crayon jusqu'à ce qu'il s' use complètement Remarquez comment, dans ces papiers aux tons sépia que sont les papiers usinés à la main, le graphite parvient à adhérer encore plus au Je veux dire, il semble plus sombre. Cela est particulièrement important pour ces articles. Je vais maintenant essayer avec le crayon Seven B. Faites attention au fait que plus les crayons graphite sont foncés, plus les différences entre eux sont subtiles D'autre part, faites attention au comportement du graphite sur les différentes textures de chaque papier Maintenant, regardez le graphite pur de cette marque Favour Castle. Il est encore plus foncé que le plus foncé des crayons graphite traditionnels Il est important de mentionner que vous pouvez également trouver du graphite liquide pur, mais c'est assez cher, donc je ne le recommande pas autant. La qualité du graphite n'est généralement pas liée à son apparence, mais à la durabilité du crayon. La facilité avec laquelle le crayon graphite se brise, surtout lorsqu'il s'agit de l'aiguiser, peu importe qui utilise le taille-crayon ou le Ici, vous pouvez remarquer la différence entre les deux. C'est très clair. Passons maintenant au crayon Pierre noir. Le pergnoi aime le basilic sec, mais avec un peu d'huile Il s'agit de la marque Conte Apari. Ce crayon nous permet d'obtenir un ton beaucoup plus foncé qu'avec le graphite. Mais il faut être prudent car il y a une différence notable. Piegnoi aime les pastels, ne réfléchit pas la lumière, alors que le graphite brille Nous devons donc en tenir compte lorsque nous dessinons car lorsque la lumière frappe le dessin, la différence sera perceptible. Regardez la différence entre cette teinte HB de Piernoi et le graphite pur Je vais maintenant appliquer cette teinte plus foncée de Pierni Is a two B. Il est important de mentionner que les dessins et tons benzyliques doivent être testés à la lumière naturelle Pas avec de la lumière artificielle dans le journal. Même dans les musées, l'éclairage est toujours inspiré par les tons naturels. Mais dans tous les cas, ce Piernoi est très utile pour les détails très sombres d'un dessin Commençons maintenant par le pastel. Cet exemple est très important car vous pourrez voir la différence entre un pastel doux de bonne qualité et un pastel de moins bonne qualité. Je vais commencer par le pastel doux de Rembrandt. Je vais utiliser ce bleu royal pour essayer de voir l'intensité de la couleur et la façon dont il forme des lignes fines et blanches, et je peux également mélanger les couleurs. Il s'agit d'un pastel doux de bonne qualité. Le truc, c'est que ce basilic contient un peu de liant et d'huile, ce qui permet au pegament d'être légèrement pâteux et de coller au papier Maintenant, je vais essayer cet autre pastel doux et sec. C'est de la marque Faber Castle. Et bien que le prix ne soit pas très différent, la qualité n'est pas aussi bonne, et vous verrez pourquoi. Attention, j' applique les couleurs avec l'autre basilic. Mais remarquez ce qui se passe lorsque j' essaie de remplir suffisamment le papier avec le pigment. Toutes les particules de pigment tombent du papier parce qu'il n'y a pas assez de cintreuse Ainsi, lorsque le papier présente de telles textures, c'est automatiquement comme du sable dans une barre pastel. Lorsque vous effectuez un travail important avec beaucoup de couleurs et de tons, cela peut vraiment gâcher votre travail. Regardez ce qui se passe lorsque j'essaie de retirer le pigment. Ça tache. Vous pourriez l'effacer, mais que se passerait-il si ces particules se trouvaient sur objet déjà dessiné avec de nombreux détails ? Je pense que le seul point positif des pastels Fiber Castle est leur variété de couleurs Nous allons maintenant continuer avec les pastels durs et secs. Ils sont de la marque Rembrandt. On peut aussi dessiner avec ça. habitude, je ne les utilise pas trop car ils sont très durs. Ils servent à faire des croquis, des lignes spécifiques, des rencontres qui demandent de la force. En fait, je dois appuyer légèrement sur le papier pour le marquer à cause de leur dureté. L'avantage de ces pastels est que, comme ils sont de forme carrée, nous aurons toujours un côté pointu pour tracer des lignes fines, et ils se déclinent dans des couleurs terreuses très riches en tons Passons maintenant aux crayons pastel. Cela pourrait être un juste milieu entre un pastel dur et un pastel doux. Ils sont parfaits, suffisamment souples pour être mélangés et suffisamment durs pour pouvoir aiguiser les crayons Bien sûr, il faut être très prudent, mais attention à la précision avec laquelle je peux faire les hachures avec ce crayon au basilic Ce sont des crayons au basilic conçus avec un sceau en bronze. Cette marque propose un magnifique set de 48 crayons au basilic qui en valent vraiment la peine Je vais essayer une autre couleur pour vous montrer à quel point elles sont magnifiques. Par exemple, ce bleu clair est très beau. D'autre part, observez à quel point les couleurs se marient bien avec les tons des papiers. Je vais maintenant faire un test avec un pastel blanc, afin que vous puissiez voir plus ou moins la différence de ton que vous pouvez découper avec un pastel dur et un pastel doux. Je vais d'abord essayer le soft ici. Je l'essaie parce que nous allons beaucoup utiliser la couleur blanche dans les deux séries de cours, qu'il s'agisse de cours d' impressionnisme ou de dessin et d'esquisse Faites attention au ton avec un pastel doux. Avec le puzzle souple, nous obtenons un ton blanc intense et fort. Maintenant, je vais essayer le hard pastel bar, également de la même marque. J'applique la même force contre le papier. Et maintenant, regardez, avec le crayon pastel blanc, je vais aussi l'essayer, que vous puissiez voir la différence. Le ton du puzzle dur est moins intense, vous devez donc en tenir compte lorsque vous les utilisez. C'est l'une des choses les plus importantes. Ici, de loin, vous pouvez voir la différence de tons. Il est important de s' habituer aux matériaux afin de les utiliser comme langage lorsque nous dessinons. Je vais vous dire quelque chose d'important concernant les prix de ces matériaux. Tout d'abord, ne vous inquiétez pas pour les crayons graphite. Vous n'avez pas besoin d'un ensemble complet et il n'y a aucune différence en termes de qualité par rapport à leur apparence sur le papier. Tout dépend de la durabilité du crayon lui-même. Une marque de copeaux aura tendance à casser la pointe du crayon et même à faire sortir complètement le graphite du tube en bois. Mais l'apparence sur le papier est la même. Mais même si je vous recommande vivement de vous procurer un ensemble complet de crayons graphite Bunsil Design, les crayons Pick no sont exclusifs à Conte ParE Ils sont un peu chers, mais vous n'avez pas besoin d' acheter l'ensemble complet car ils sont généralement destinés à certains détails. Pour les pastels, je vous recommande vivement la marque Rembrandt. C'est abordable et de grande qualité. Il existe des marques plus luxueuses, mais elles sont en réalité plus chères. Bien sûr, ils ont des couleurs plus vives, mais je vous dis vraiment que de mon point de vue, la différence n'est pas proportionnelle au prix. En d'autres termes, les reembrands sont assez bons et abordables. D'autre part, je vous recommande également le set de crayons pastel de Brun seal design. Essayez donc de libérer votre imagination et n'hésitez pas à expérimenter avec ces matériaux et mes recommandations. Bienvenue dans ce cours. 5. Exercice de sphère d'éclosion et d'éclairage: Bonjour, tout le monde. Nous allons commencer par apprendre les éléments les plus élémentaires du dessin, les hachures. Un outil que nous allons utiliser pour absolument tout construire. Faites attention à ce que c'est facile. En fait, il existe différents types d'éclosion. Ici, vous pouvez voir certaines des plus basiques et des plus importantes. La lettre A, les lignes parallèles consécutives qui peuvent être utilisées avec une intensité différente. Dans le second cas, ces lignes courbes peuvent également être utilisées avec une force différente et surtout, avec des distances différentes entre chaque ligne. La lettre C est connectée en lignes consécutives pour remplir de grands espaces. C'est l'une des plus importantes car elle nous permet de créer des ombres, et nous pouvons également faire varier l' intensité si nécessaire. Et enfin, la lettre D avec des lignes consécutives et connectées, mais dans le sens vertical car nous allons devoir utiliser ce type de hachures dans plusieurs directions Je vais maintenant essayer de créer une sphère de manière intuitive afin que vous puissiez voir comment je mélange tous ces types de hachures dans cette sphère pour créer des C'est une sphère de style sketch. Essayez de faire très attention à façon dont je mélange les différents types de hachures les uns sur les autres pour créer de la cohérence dans les ombres et les dégradés une attention particulière car nous allons beaucoup l'utiliser dans l'exercice de cette leçon. Une attention particulière au fait que je n'utilise aucune image de référence n'est qu'une sphère de mon imagination. Essayez de voir comment j'utilise les hachures incurvées pour créer le volume de la sphère, comment je renforce les bords de la sphère et tous les détails qui permettent de créer le volume sphérique Faites attention à la façon dont j' essaie également de faire des hachures à la base de la sphère pour créer une ombre possible que cette sphère pourrait avoir sur une surface Il est important de mentionner que vous pouvez utiliser des hachures avec différents crayons graphite de n'y a aucun secret derrière cela, si ce n'est qu'avec des crayons plus foncés, nous ajouterons plus de graphite au papier sans laisser de traces dessus C'est un graphite doux. autre côté, lorsque nous utilisons des crayons plus clairs, il existe des graphites plus durs que nous devons appuyer plus fort contre le papier pour obtenir un ton foncé Par conséquent, nous marquerons davantage le papier. Et puisque nous allons utiliser ce crayon pastel en complément de cette leçon, je vais également l'appliquer avec les mêmes hachures pour ajouter de la lumière Nous sommes maintenant prêts à appliquer tout cela à un véritable exercice. Faisons le rendu de cette sphère. Comme vous pouvez le constater, cette sphère possède un éclairage particulier. C'est l'éclairage typique utilisé par les maîtres de l'art, du baroque à l'impressionnisme, pour représenter portraits et des scènes dans les espaces intérieurs Cet éclairage peut être réalisé avec source de lumière naturelle provenant de l'un des sites, mais nous pouvons également compléter par une autre source de lumière. Ici, vous pouvez voir comment une autre lumière tamisée sur la droite complète la sphère. Tu peux jouer avec ça. Il n'y a pas de moyen unique de le faire. Vous pouvez simplement jouer, par exemple, avec cette seconde lumière pour renforcer une partie de l' objet que vous dessinez. Mais maintenant, rendons cette sphère avec ce type d'éclairage, un éclairage traditionnel et classique. Le but de cet exercice est donc de mettre en pratique les éclosions que nous avons déjà vues au début de la leçon Nous allons commencer par tracer cette croix ici, et cette croix vous permettra de découvrir quelles sont les dimensions de la table. En fait, chaque ligne de croix correspond quelque sorte au diamètre de ce point de vue. C'est une table ronde, mais de ce point de vue, c'est une sorte d'ovale. Nous pouvons également marquer les bords de la table. Je veux dire, les bords de ce tissu sur la table. Maintenant, puisque nous parlons d'une sphère, un objet de forme complètement sphérique du point de vue bidimensionnel est un cercle. Il suffit donc de créer le cercle et de commencer à tracer les hachures sur les tons les plus clairs Si vous travaillez avec un ton de papier plus clair, vous pouvez utiliser les hachures avec les tons foncés Je veux créer l'ombrage. Mais mon idée est de rendre ce dessin plus intéressant. C'est la raison pour laquelle j'utilise ce ton de papier. C'est un ton vert, un vert militaire. Je crée donc le dessin avec ce crayon pastel blanc. Quoi qu'il en soit, j'applique les hachures de la même manière. Je crée chaque zone éclairée avec des hachures avec différents types de hachures dans tous ces types d'éclosions Nous voyons tous ces types d'éclosions au début de la leçon Comme je vous l'ai déjà dit, les hachures les plus utilisées sont les lignes connectées et consécutives C'est la trappe que j'utilise en ce moment. Je superpose chaque couche en utilisant ce type de hachures L'idée de cet exercice n'est pas d'apprendre quoi que ce soit en rapport avec la forme. Nous allons apprendre cela tout au long du cours. Il suffit d'utiliser cet exercice pour relâcher la main et commencer à utiliser des hachures sur des objets réels Maintenant, attention , je vais utiliser le crayon graphite pour renforcer les zones les plus sombres. Maintenant que j'utilise le crayon blanc, le graphite sera beaucoup plus visible. J'utilise un ton de graphite foncé parce que je veux obtenir un ton assez foncé. Faites attention à ce que j'utilise les mêmes types de bonnets que ceux que je vous ai montrés au début, mais de manière souple pour représenter le menton que ceux que je vous ai montrés au début, de rechange. L'un des éléments les plus importants à prendre en compte dans cet exercice est d'essayer de faire correspondre les zones sombres. Par exemple, toutes les zones ombrées de la table ronde sur le tissu et dans l'ombre de la sphère projetée sur la base sont pratiquement du même ton. C'est donc un indice important pour obtenir les bonnes tonalités. Par contre, faites attention aux bords. Dans les esquisses, les arêtes sont importantes. Avant tout, nous devons marquer les bords où il y a un fort contraste. Par exemple, les bords de la sphère en contact avec le fond sombre. Comme j'ai presque terminé ce croquis, je vais tracer quelques lignes ici et là par endroits, et j'utilise un crayon effaçable C'est un outil utile pour effacer de façon précise. Et voici le premier croquis de notre cours. Il est important de beaucoup pratiquer cet exercice pour s'habituer à l'éclosion. Mais ce cours n'est pas encore terminé. Nous allons utiliser un éclairage légèrement différent, et nous allons également travailler avec une tonne de papier encore plus foncée. Je vous l'ai dit, vous pouvez changer l'éclairage. Vous pouvez combiner cette lampe avec une autre source lumineuse, celle qui vient de la droite. L'idée est de valoriser la tridimensionnalité du sujet N'oubliez pas que cet objet peut être une personne, un phoque, un animal, n'importe quoi Mais nous allons travailler sur ce point. Il y a une autre source de lumière depuis la droite. C'est subtil. Je vais donc commencer par le même processus. Je vais créer le haut de la table ronde. Mais cette fois, je ne vais pas utiliser la croix au centre. Je vais essayer de créer cet ovale de manière intuitive. Je vais maintenant essayer de marquer les bords de ces plis sur le tissu de la table. Et comme nous l'avons fait auparavant, je vais tracer le cercle. Faites attention à la façon dont je remplis la réserve avec ce crayon pastel blanc. J'utilise ce hachurage avec les lignes connectées et consécutives Et comme j'utilise la couleur du papier comme signification de ce dessin, je laisse la couleur exposée sur cette ombre, car la couleur sera l' ombre elle-même. Fais attention à ce que je ne mélange pas les œufs. J'utilise les hachures directement sur le papier. Faites attention aux bords. Les bords sont très importants lorsqu'il s'agit d'ombrage. D'autre part, essayez de vous rendre compte que la source lumineuse vient de gauche à droite. Je parle de la principale source de lumière. C'est la raison pour laquelle je renforce ces zones de gauche sur la table ainsi que dans la sphère. Je vais maintenant utiliser le crayon graphite pour créer une sorte de ton intermédiaire entre la couleur du papier et le crayon pastel blanc. Faites attention à la façon dont j'applique ces couches de graphite sur ces zones médianes. En fait, vous pouvez vous demander quel est le plus brillant sur l'image de référence De mon point de vue, c'est cette face de la sphère qui est exposée à la source lumineuse. J'essaie donc d'assombrir le dessus de la table ronde avec ce crayon graphite, car la table n'est pas censée atteindre le ton des zones les plus claires de la sphère Je vais maintenant utiliser mon outil préféré, Pierre noi, qui est un crayon fait pigments très foncés qui permet d'obtenir des tons complètement noirs. Et c'est tout. Un autre exemple du même exercice avec Spa, qui est, de mon point de vue, beaucoup plus intéressant. Vous pouvez le pratiquer avec un livre blanc si vous le souhaitez. C'est exactement pareil. Je te vois dans la prochaine leçon. 6. Découvrir le croquis de bouteille des lignes de référence: Bonjour, tout le monde. Nous allons maintenant faire la première approche de la technique des angles. Le but de cette leçon est d'essayer d'utiliser les mesures de votre composition pour découvrir et créer un dessin complet. Je vais donc commencer par dessiner le haut du tableau. Il s'agit d'une sorte de table rectangulaire. J'essaie de créer cette base de manière intuitive. Ensuite, nous allons faire un exercice plus complexe où nous allons apprendre à découvrir quelles sont les mesures de la table elle-même Mais je trace le tableau cette fois-ci manière intuitive, car nous devons apprendre des sujets plus fondamentaux avant Supposons donc que nous ayons déjà cette table ici et que nous devions découvrir l'endroit exact où se situe la bataille. Il y aura donc des lignes importantes à prendre en compte. Par exemple, celui-ci, je vais le nommer A et celui-ci un autre B, et celui-ci en est un autre C. Il y a des lignes qui partent des coins vers le centre. Nous devons essayer de voir ces lignes sur l'image de référence en utilisant notre imagination, car nous devons découvrir cette ligne et d'autres types de lignes qui sont des lignes inclinées Je vais l'appeler l'œil humain, le côté humain, est très sensible aux angles. Nous sommes donc censés utiliser ces lignes inclinées pour découvrir la hauteur de cette bouteille Dans ce cas, le sujet est une bouteille, mais il peut s'agir de n'importe quoi d'autre. Faites donc attention à la façon dont je stocke ces informations. Ces mesures sont des outils permettant de créer le reste des objets en position de came. Attention au ******* sur la table. Par exemple, la distance entre ce ***** et le flacon est importante Je vais l'appeler E. Mais il y en a d'autres ******* ici Nous devons donc essayer de découvrir quelques directives qui m' aideront à découvrir quelle est la position de ce *****, du ***** extérieur ici. Je vais appeler cette ligne H. Je ne suis pas l'ABC. C'est juste pour identifier les lignes. Nous sommes donc censés stocker ces mesures dans notre esprit lorsque nous dessinons. Et cela, à son tour, va nous aider à découvrir la position des nouveaux objets sur la table. Maintenant, je vais construire quelques lignes de construction ici, surtout à l'intersection de la bouteille. Et ici aussi. Maintenant que nous devons mettre en pratique tout ce que nous avons appris jusqu'à présent, je vais utiliser les hachures croisées pour remplir le flacon de graphite L'idée est de représenter ces parties sombres de la bouteille. Attention, à ce stade du cours, je ne mélange pas les éclosions Je ne mélange rien du tout. Tous ces premiers croquis ont pour but de vous donner confiance en vous en utilisant des hachures et en perdant votre main sur le papier Cependant, il est important de prêter attention à ces lignes d'angle et aux lignes de référence, le A, le D, le B, le C, qui sont des outils utiles pour découvrir la position exacte des éléments sur la table. Maintenant, faites très attention à cela. Je vais mesurer la distance entre ce H et la bouteille. Et cette distance, je vais l'appeler E. Et maintenant, vous pouvez remarquer que j'ai fait quelque chose de mal ici. En fait, ce côté de la table est plus grand, et après avoir mesuré l' autre côté de la table , je peux découvrir les mesures réelles de la table. Je veux dire, même si de ce point de vue, ce côté de la table est censé paraître plus court. C'était trop court par rapport à l'autre côté. J'ai donc agrandi la table sur le côté droit. Ce genre de choses est censé se produire lors du dessin, et c'est pourquoi nous sommes censés utiliser autant de lignes de référence que possible pour créer la composition complète. D'autre part, faites attention au chemin et aux registres des hachures qui se chevauchent C'est très important lorsqu'il s'agit d'ombrage. Je vais maintenant utiliser le Pierre noir pour renforcer les zones les plus sombres de la composition. Par exemple, le flacon, qui est le sujet le plus important de cette composition, et je vais assombrir les zones ombrées de la table, les ombres projetées sur le tissu de la table Je vais maintenant remplir ces objets avec une autre couche vitale du graphe. Essayez de ne pas vous forcer à l'obtenir parfait. Essayez simplement de desserrer votre main pour pouvoir appliquer les hachures librement. Je vais maintenant utiliser ce crayon pastel blanc pour créer les zones les plus lumineuses sur les objets Surtout les reflets sur le flacon. Attention, cette fois j'utilise une barre pastel. En gros, la différence entre une barre pastel et un crayon pastel est simplement que dans le cas de ce bâton spécifique, cette barre pastel spécifique, le cochon colle plus rapidement au papier Dans le cas des crayons pastels, ils ont tendance à être plus durs, faut donc appuyer plus fort pour qu' C'est pourquoi cela fait un peu de bruit lorsque j' utilise le crayon pastel. Et tu es là. Nous avions terminé ce croquis de bouteille. N'oubliez pas qu'il s'agit simplement d'un exercice pour continuer à relâcher votre main et à observer les lignes de référence pour créer une composition Je te vois dans la prochaine leçon. 7. Découvrir les lignes alignées de tomate: Il est maintenant temps de mettre en pratique les lignes inclinées. Donc, cette fois, vous allez essayer de faire un croquis similaire. Je vais d'abord tracer la table en utilisant lignes inclinées pour découvrir les mesures du haut de la table Faites attention à la façon dont j' étire les lignes d'un coin à l' autre pour déterminer les dimensions exactes de ce tableau. autre côté, il est important de tenir compte du fait qu'il s'agit toujours d'une approximation. Même si j'applique le processus approprié pour créer le haut de la table, il s'agit toujours d'une approximation que nous pouvons fixer pendant le processus de création du dessin Donc cette fois, je vais faire ce sketch rapidement. Nous avons donc maintenant une idée précise de la position dans laquelle cette tomate est censée se trouver. Je vais donc commencer à créer le contour de cette tomate. Il est important de faire attention au fait que vous êtes censé utiliser tout le dessin, toutes les dimensions de la table comme sujet de référence pour créer une tomate. Par exemple, l'âge des tables est très important lorsqu' il s'agit de créer les plages et de créer la tomate elle-même. Et une fois que nous avons le contour de ces fruits, nous pouvons commencer à appliquer l'éclosion. N'oubliez pas que vous pouvez appliquer différents types d'hachures dans différentes directions C'est censé être l' empreinte digitale de votre dessin. Au fur et à mesure que nous avançons dans le cours, nous sommes censés accorder plus d'attention aux détails complexes. Par exemple, ces subtilités sur le tissu de la table. Maintenant, je vais élever ces lignes de construction ici et là pour continuer à appliquer l'éclosion À partir de maintenant, il faut faire attention à la relation entre les différentes tonalités des fruits. Par exemple, vous pouvez remarquer que cette plage contient le fruit le plus foncé sur la composition, et nous devons utiliser ce ton comme référence pour créer les autres tons du fruit. Il est important de se rappeler que vous n'êtes pas censé trop utiliser les hachures pour créer un ombrage approprié L'idée est d'exceller dans la précision des teintes. Je veux souligner les ombres et les lignes les plus importantes sur chaque fruit. Cette capacité à esquisser correctement est un outil très utile lorsqu'il s'agit de dessiner et de peindre également. Par exemple, les peintres, quant à eux, sont censés créer des études, études préalables avant d' engager le travail final. Faites attention ici au poids et à la représentation du duvet de ce tissu en utilisant des hachures, des hachures continues et consécutives Je vais maintenant utiliser le crayon pastel blanc pour créer les points les plus lumineux de la composition, les zones les plus claires sur les fruits, par exemple, et les faces des fruits exposées à la lumière Et c'est tout. une autre esquisse rapide, très utile. Vous avez appris à utiliser lignes suspendues pour créer le haut de la table, mais ce n'est que le début du cours Je te vois dans la prochaine leçon. 8. Approche théorique Nature morte en intérieur: Bonjour, tout le monde. Avant de nous lancer dans notre premier exercice de nature morte avec l'éclairage intérieur, examinons comment différents artistes ont abordé des sujets similaires dans leurs œuvres. Nous étudierons Edward Hopper, ou Class, et Edward Mante. Trois maîtres qui offrent une perspective distincte sur l'utilisation de la lumière, des textures et de la composition. Ces références nous aideront à comprendre comment capturer l'essence des objets et l'atmosphère d'une scène intérieure de différentes manières. Edward Hopper, bien que principalement connu pour ses scènes urbaines, a également créé des natures mortes qui mettent en valeur sa capacité unique à suggérer une atmosphère à travers la lumière une bouteille de vin et un bol en métal en est un exemple clair morte avec une bouteille de vin et un bol en métal en est un exemple clair. Dans cette peinture, Hopper utilise des traits lâches et des formes simplifiées pour suggérer la présence de lumière sans se fier à des détails excessifs La bouteille de vin et le bol en métal ne sont pas rendus avec une précision photographique, mais ils transmettent tout de même une impression de solidité et de qualité de la lumière qui les entoure. Hopper utilise stratégiquement les zones d'ombre et de lumière permettre aux objets de respirer à l' intérieur de la composition Cela montre que son talent dessinateur lui permet de capturer l' ambiance et la lame Résultat : une image convaincante et attrayante sans qu'il soit nécessaire de reproduire le moindre détail Un autre excellent exemple est la nature morte aux agrumes, où Hopper peint un simple arrangement de fruits La lumière semble glisser doucement sur la surface des oranges, rongeant leurs textures sans qu'il soit nécessaire de les peindre au préalable Cette approche démontre que grâce à son talent de dessinateur, Hopper peut capturer l'essence des objets avec une économie de objets avec une Dans les deux cas, l'accent est mis sur la façon dont la lumière interagit avec les surfaces, un aspect que nous explorerons également dans notre exercice D'autre part, Peter Class propose une approche différente qui met l' accent sur le réalisme méticuleux. Dans sa nature morte avec verre à vin et mur d'argent, Class démontre une maîtrise impressionnante de la représentation de surfaces brillantes et transparentes. Le verre et le métal cette peinture reflètent non seulement la lumière, mais montrent également les reflets subtils des objets environnants, ajoutant de la profondeur et du réalisme à la scène Chaque surface semble avoir sa propre vie en raison de l'habileté du choc à habileté du choc à capter la lumière et de ses interactions complexes. Cash observe avec précision la façon dont la lumière se réfracte à travers le verre du verre à vin, créant des distorsions et des ombres qui donnent à l'objet une apparence tangible et réelle Les reflets sur le bol métallique, quant à eux, fournissent non seulement des détails supplémentaires, mais contribuent également à ancrer les objets dans l'espace, créant ainsi une impression de tridimensionnalité Ce niveau de détail et d'observation sera crucial pour notre exercice, en particulier lorsque vous travaillez avec des objets qui réfléchissent ou réfractent la lumière de manière complexe Garmont propose une approche plus souple et plus expressive de la nature morte Je vis toujours avec des pivoines blanches. Dans d'autres fleurs, Monette utilise des coups de pinceau libres et un fort contraste pour capturer la lumière et la vie des fleurs La peinture ne vise pas à reproduire exactement chaque pétale. Il reflète plutôt la vitalité et le dynamisme de la scène. Le coup de pinceau semble bouger et se déplacer avec la lumière, créant une sensation de fraîcheur et spontanéité qui fait entrer la nature morte dans le monde réel Cette technique plus expressive permet aux éléments de la peinture de se démarquer sans se perdre dans des détails inutiles. T utilise les pays pour mettre en valeur les textures et les formes, donnant à ses natures mortes une qualité vibrante et presque tangible. Cette approche peut nous inciter à être plus créatifs et audacieux lorsque nous appliquons nos ombres et nos reflets, donnant ainsi à nos dessins une impression de mouvement dans la vie. Maintenant que nous avons vu comment ces trois artistes abordent la lumière et deviennent des positions, nous sommes prêts à appliquer certaines de ces idées à notre propre travail. Notre exercice sera de dessiner une nature morte sur une table recouverte d'un drap de velours. Cette scène comprend une plaque métallique au centre avec des fleurs au-dessus, une légère pastèque sur la gauche, une grosse tomate à côté de l'assiette, quelques piquets près de la tomate et un verre de vin sur la droite Au cours de cet exercice, nous porterons une attention particulière à la façon dont la lumière interagit avec les différentes surfaces. Inspirés par Hopper et Mainnet, nous pouvons nous permettre d'être plus souples dans certaines zones pour suggérer de la lumière sans pour autant nous fier à un réalisme extrême classe, nous apprendrons à décrire avec précision les reflets et la transparence, et grâce au net, nous apprendrons à utiliser le contraste éclatant pour donner vie à notre composition. Commençons alors. 9. Structure générale Nature morte d'intérieur: Dans cette leçon, nous allons tous jeter les bases de notre nature morte en concentrant sur la structure de la composition. Au début, je trace soigneusement les lignes de base qui guideront le placement de chaque objet. L'objectif ici est d'établir un cadre solide avant de plonger dans les détails. Je commence par une table dont la surface rectangulaire est dessinée avec des traits légers et affirmés. Cela permettra d'ancrer la scène et de fournir un contexte pour la disposition des objets. Il est toujours plus facile pour l'œil de voir les angles qui déterminent la forme d'un objet. Il est donc plus facile d'essayer de découvrir la forme de la table en traçant cette ligne croisée sur la surface. Même si les objets sont dans la table, nous devons essayer d'imaginer la table sans les objets dessus afin de déterminer la surface exacte sur laquelle reposent les objets. Cette ligne croisée est très importante. En traçant ces lignes croisées, nous pouvons corriger à temps la surface sur laquelle seront placés les objets. Et cela vous aidera beaucoup. Nous allons maintenant nous concentrer sur le développement des aspects généraux de tous les objets à la fois. Je vais commencer par sélectionner le verre comme ligne de référence en utilisant sa hauteur pour déterminer l'angle formé entre le haut du verre et la position de la pastèque Cet angle me guidera vers le bon placement de la pastèque et m'aidera à établir sa bonne hauteur À partir de là, je peux commencer à construire le verre à vin lui-même, commençant par le haut pour connaître sa largeur. Comme j'ai déjà deux points de référence, je vais dessiner une structure possible de la plaque juste au milieu, guidée par les angles. Il n'est pas nécessaire que ce soit parfait. Cela doit paraître convaincant. C'est très important. Je vais maintenant commencer à tracer ces fleurs sur le dessus de l'assiette. J'ai déjà la structure générale de ces branches, et je peux utiliser cette structure même pour terminer la construction de la composition, par exemple la pastèque Faites attention à ne pas créer une structure globale complète de l'ensemble de la composition, comme le font de nombreux universitaires Ce que je fais m'a été enseigné par mon professeur de dessin bulgare à l'université. Et c'est leur stratégie qui est enseignée à un débutant. J'étais très jeune à cette époque. Cette technique d'angle consiste donc à faire croître un dessin entier à partir d'une forme initiale. Maintenant que nous avons plusieurs éléments, il est plus facile de dessiner la tomate. C'est une tomate géante, en fait. En utilisant tous les éléments déjà construits comme référence, nous pouvons compléter les photos qui se trouvent à côté de la tomate. Je pense que ce n'est pas si compliqué de suivre les lignes. Nous devons être conscients de la nature dimensionnelle B du papier. Nous essayons de rendre des objets tridimensionnels en utilisant un langage de dimension B. Mais attention à ce qui se passe ici. C'est normal lorsque vous dessinez et vous devez vous y habituer. Le plus important est de remarquer les erreurs. En dessinant cet angle, nous nous rendons compte que le verre à vin n'est pas assez haut, mais nous sommes encore dans le temps et nous pouvons le corriger. En fait, si on trace une ligne horizontale entre le haut du verre à vin et l'assiette, on se rend compte qu' ils ont la même hauteur. Et comme nous avons déjà le verre au bon endroit, nous pouvons également corriger un peu la taille de la table. Il est important de comprendre que les structures initiales sont toujours approximatives. Ce ne sont jamais des lignes définitives. Au fur et à mesure que nous avançons, nous les perfectionnons même aux étapes les plus avancées du dessin. Nous allons maintenant terminer la structure de la pastèque. Je vais dessiner le centre de cette plaque, mais ce n'est qu'une approximation. Toutes ces formes changeront un peu au fur et à mesure que nous avancerons et que nous créerons les ombres, et c'est normal. C'est l'idée du dessin. sont un autre détail important ombres projetées sur la table sont un autre détail important. Ils sont également des points de référence pour créer le dessin. Il est très important de les tracer avec précision. N'oubliez pas que vous pouvez utiliser des hachures pour tracer ces ombres Mais essayez de ne pas trop appuyer le crayon sur le papier. Nous ne voulons pas gâcher le journal trop tôt. Nous allons maintenant passer à ces branches et à ces feuilles. Ils sont trop importants. Mais ce qui est amusant avec les fleurs et les branches, c'est que nous pouvons les interpréter car elles sont pleines de formes irrégulières. Regardez comment j'essaie toujours de définir la taille de l'élément que je dessine avec un angle qui correspond toujours à l'angle produit lorsque je le compare à un autre objet. En ce qui concerne les fleurs et les branches, important est de connaître la structure générale et sa position dans la composition pour le moment. Le tissu plié en arrière-plan est également un élément important car il ajoute de la profondeur au dessin. Le tissu sépare la couche de table de l'arrière-plan de la composition. Maintenant, je vais dessiner quelques points de référence, quelques détails sur les branches pour me guider plus tard. Et c'est tout. Nous avons déjà terminé la première étape, la structure et le design de notre composition sur la table jusqu'à la prochaine leçon. 10. Premiers détails et nuances d'intérieur nature morte: Bonjour, tout le monde. Dans cette leçon, nous nous concentrons sur l'application d'un ombrage général à l'ensemble de la composition sans trop détailler les branches ou les fleurs Je vais utiliser la technique des hachures pour créer toutes les ombres larges afin que le dessin gagne en profondeur et en dimension En superposant des lignes parallèles, je peux progressivement développer les zones les plus sombres tout en conservant une sensation de luminosité lorsque cela est nécessaire Cette approche permet de créer un champ cohérent dans toute la composition, ce qui nous permet de définir la forme et la structure de chaque objet avant de nous plonger dans détails plus complexes ultérieurement La clé ici est donc la cohérence, en veillant à ce que l'ombrage passe naturellement d'une zone à l' autre tout en respectant la source de lumière et en maintenant l'équilibre de la scène Lorsque j'applique l' ombre sur l'assiette, je m'attache à faire correspondre l' ombre matologique projetée sur la table Relier les ombres est très important lorsqu'il s'agit de dessiner. Et vous devez vous rappeler qu' en gardant l'ombrage lisse et graveleux, vous serez en mesure de créer un ton unifié qui relie naturellement deux objets Pour les branches, j'applique un ombrage qui correspond au ton de la pastèque À l'aide de légères hachures, j'ombrage soigneusement les zones des branches qui tombent dans l'ombre, veillant à ce qu'elles se fondent parfaitement avec les parties les plus sombres de la pastèque Cela crée un équilibre constant entre la lumière et les ombres entre les deux éléments, ce qui leur donne l'impression d'être naturellement connectés au sein de la composition. Il est essentiel de respecter les différences entre les ombres des zones sans lumière et celles des zones partiellement éclairées. ombre et les zones sombres doivent être plus profondes et mieux définies, tandis que les zones d'ombre et les zones éclairées doivent être plus douces et plus sombres Ce contraste est essentiel pour créer de la profondeur et du réalisme dans la composition. Il est maintenant temps de commencer à remplir l'arrière-plan avec graphite pour créer de la profondeur et séparer les principaux éléments de l'arrière-plan. En ajoutant un ombrage progressif derrière les objets, nous pouvons améliorer la sensation de distance et faire les éléments clés de la composition ressortir plus clairement Il est important de respecter les plis du tissu en arrière-plan, donnant à chacun son ton approprié. ombrant soigneusement les courbes, nous pouvons capturer la texture et le mouvement du tissu, en veillant à ce que la lumière et les ombres suivent le flux naturel du tissu L'ajout de plusieurs couches de graphite et le hachurage progressif sont essentiels pour renforcer la profondeur et la richesse de l'ombrage Chaque couche contribue à assombrir progressivement les tons et à créer des transitions plus douces entre la lumière et les ombres, donnant à la composition plus de dimension et de réalisme En ombrageant l'arrière-plan, vous pourrez mieux définir les contours de vos objets Ces contours aideront les formes à ressortir plus clairement, permettant à chaque élément de trouver sa place dans la composition et de vous rappeler avec un peu de patience et un léger ombrage, vos objets commenceront à prendre vie et à se sentir mieux intégrés à la scène Profitez du processus. C'est une récompense et étape dans la réalisation de votre dessin. En utilisant différentes couches d' ombrage et différentes techniques de hachurage en arrière-plan, vous créerez une belle impression de profondeur et de cohérence L'ajout de couches de graphite augmente progressivement les ombres tout en expérimentant différents styles de hachures, tels que les hachures croisées ou les lignes parallèles donner à l'arrière-plan une Cette approche réfléchie permet à l'arrière-plan de se fondre harmonieusement avec les éléments principaux, rendant ainsi l'ensemble de votre champ de dessin plus unifié et plus raffiné. Essayez de jouer avec ces techniques pour trouver l'équilibre parfait. Pour mettre en valeur les ombres sur la table, tenez compte des ombres claires subtiles projetées par le tissu qui tombe dessus. Cette attention aux détails ajoutera du réalisme et de la profondeur, donnant à la table et à son revêtement une apparence plus naturelle d' intégration dans la scène. Maintenant, je vais choisir le ton le plus foncé du vin dans le verre afin de trouver les valeurs les plus sombres de la En développant pleinement cette ombre riche et profonde, nous pouvons établir une référence pour les zones les plus sombres, en garantissant cohérence et profondeur l' ensemble du dessin Cela aidera à orienter l'ombrage des autres éléments et à créer une pièce plus cohérente et plus réaliste Maintenant que nous avons déterminé le point le plus sombre avec le vent, nous pouvons l'utiliser comme référence pour affiner les autres ombres de la composition Avec le ton le plus sombre défini. Il est plus facile de régler et d'améliorer les ombres les plus cachées, afin qu'elles se fondent parfaitement et s' adaptent parfaitement à l'ensemble du dessin Je veux dire, c'est un excellent moyen de faire fonctionner toutes les ombres ensemble et de donner vie à votre œuvre d'art. Pour créer une brillance réaliste sur la plaque, il est essentiel de renforcer les ombres fortes causées par les reflets sur le matériau. En approfondissant ces ombres, vous améliorez le contraste entre la lumière et l'obscurité, rendant la surface réfléchissante plus lumineuse et conférant à la plaque une qualité tridimensionnelle convaincante. Cette attention portée aux ombres contribuera à faire ressortir la luminosité et les détails des plaques. Quoi qu'il en soit, nous travaillerons sur le brillant des planches jusqu'à la toute fin des leçons de dessin, car c'est l'un des aspects les plus détaillés et les plus chronophages de cette œuvre d'art. Continuez à ajouter du graphite à l'arrière-plan pour mettre davantage en valeur les éléments de la composition et affiner les détails. N'oubliez pas que l' approfondissement progressif des ombres permettra de faire ressortir les objets principaux et d' améliorer la profondeur globale de votre dessin N'oubliez pas que vous devez vous assurer que chaque élément semble intégré et équilibré dans la scène. portant une attention particulière à ces détails, vous créerez une composition de cueste plus raffinée. Pour définir le contour des branches, commencez par dessiner doucement leur contour avec des traits légers et délibérés Concentrez-vous sur la capture des courbes et des irrégularités naturelles, ce qui donnera aux branches un aspect plus réaliste et organique. En affinant ces contours, vous préparez le terrain pour ajouter ultérieurement un ombrage et une texture détaillés, en veillant à ce que les branches ressortent clairement dans la composition Après avoir ajouté une autre couche de graphite à l'arrière-plan, je vais commencer à incorporer des hachures sur le verre pour indiquer où se situera la brillance plus tard Cela aidera à définir les zones où la lumière sera réfléchie, préparant ainsi le terrain pour ajouter ces doses finales de luminosité. Je pense que cette étape est cruciale pour garantir que la brillance du verre semble naturelle et bien définie dans le dessin final. Nous sommes arrivés à la fin de la leçon. Si vous avez besoin de revoir quoi que ce soit, n'hésitez pas à le faire. J'ai hâte de vous voir lors de la prochaine leçon. 11. Première approche de l'assiette et plan de feuilles Nature morte en intérieur: Bonjour encore une fois. Au cours de cette étape, nous entreprenons un voyage délicat pour donner vie aux branches et aux fleurs en traçant les contours intégrés de chaque petite feuille. Imaginez chaque feuille comme un petit murmure gracieux dans les ruelles de la nature vers une feuille ronde, douce et pleine de courbes douces Lorsque vous tracez ces formes délicates, laissez glisser légèrement votre crayon pour capturer les subtiles variations de forme et de zies qui rendent chaque feuille unique Prenez un moment pour apprécier la façon dont ces petites feuilles s' entrelacent et se superposent comme une danse d' ombres et de lumières lors d'un après-midi serein En définissant soigneusement les contours, vous ne vous contentez pas de dessiner, mais agitez une tapisserie de l'élégance de la nature Laissez-vous emporter par le processus en appréciant le rythme de chaque trait tout en révélant la beauté de chaque feuille, une à la fois. Cette pratique méditative apportera donc une touche apaisante à votre dessin, faisant de chaque feuille une partie d' une composition harmonieuse et tranquille Au fur et à mesure que vous vous immergez dans les détails de votre dessin. Laissez la musique apaisante et le doux bruit de la pluie créer une atmosphère douce qui améliore votre concentration. Les mélodies douces et le motif rythmé gouttes de pluie offrent une toile de fond sereine, permettant à votre esprit de s'apaiser et à votre créativité Cette ambiance tranquille aide à éliminer les distractions vous permet de vous concentrer pleinement sur chaque détail délicat de votre Profitez de cet environnement paisible comme source d'inspiration. Lorsque vous travaillez sur les détails des feuilles, n'oubliez pas que celles situées plus bas ou cachées dessous doivent être ombrées plus foncées que les feuilles les plus exposées. Ce principe ajoute non seulement de la profondeur et du réalisme à votre dessin, mais permet également de distinguer les feuilles les plus proches de celles qui sont plus éloignées. Même dans les lignes de contour, cette gradation d'obscurité met en valeur les couches de son dimon Cette technique rappelle le travail du maître de la Renaissance Leonardo Da Vici, qui utilisait habilement l'ombrage pour créer de la profondeur et du volume dans tels que les études sur la vie végétale et l'anatomie Ainsi, en appliquant des principes similaires, vous pouvez obtenir une représentation annoncée et réaliste qui capture le jeu délicat de l' ombre et de la lumière dans vos propres H. Comprendre la structure et le positionnement des feuilles est essentiel pour saisir leur essence, même dans les zones où les détails peuvent ne pas être parfaitement clairs dans votre image de référence. Lorsque vous rencontrez ces points ambigus, utilisez votre imagination pour combler les lacunes, en appuyant sur votre connaissance de la structure des feuilles et de leur disposition naturelle. N'oubliez pas que dans les situations de dessin en direct, votre référence peut être la distance ou ne pas être entièrement visible, ce qui rend difficile de discerner chaque queue Ayez confiance en votre capacité à déduire et visualiser comment les sauts interagissent et Appliquer des hypothèses logiques basées sur leurs caractéristiques connues. Cette approche créative vous permet de maintenir la cohérence et l'harmonie de votre dessin, en veillant à ce que même les parties les moins visibles s'alignent parfaitement sur la composition globale. Mettre en valeur les brindilles délicates qui soutiennent les lèvres est essentiel pour donner structure et authenticité au bouquet dessinant soigneusement ces tiges d'étain, vous créez un sentiment de connexion et de soutien au sein de la composition. tiges bien définies ancrent non seulement les lèvres, mais ajoutent également de la profondeur et du réalisme au bouquet. Lorsque ces petits détails sont soigneusement rendus, ils améliorent la structure globale, donnant à l'arrangement une apparence plus cohérente et naturellement équilibrée Prêter attention à ces éléments latéraux permet de créer des relations complexes entre les lèvres et les branches qui les soutiennent, apportant ainsi une touche raffinée de réalisme et d' élégance à votre dessin renforcer l'arrière-plan juste Il est essentiel de renforcer l'arrière-plan juste derrière le bouquet pour faire ressortir plus clairement les détails des lèvres et des branches En insérant l'ombrage et en ajoutant de la texture à l'arrière-plan, vous créez des contras plus forts qui mettent en valeur les détails complexes du Cette toile de fond améliorée permet de mettre en valeur le bouquet, rendant chaque feuille et chaque brindille plus distinctes et prononcées Lorsque vous travaillez dessus , n'oubliez pas qu' arrière-plan bien développé encadre non seulement le bouquet, mais accentue également sa beauté, laissant transparaître les détails les plus fins et créant une composition plus dynamique et visuellement attrayante Nous allons maintenant nous concentrer sur l'amélioration de la brillance de la plaque. Nous allons commencer par souligner la séparation entre l' assiette et les fleurs, même si elles sont en contact étroit. En ombrageant et en surlignant soigneusement les zones où l' assiette rencontre les fleurs, vous créerez une distinction claire qui améliorera la qualité tridimensionnelle des deux éléments Cette approche permet de faire ressortir la surface réfléchissante de la plaque tandis que les fleurs conservent leur propre présence distincte, ajoutant de la profondeur et de la clarté à la composition. Nous allons maintenant affiner et améliorer l'aspect métallique de la plaque pour faire ressortir son éclat. Nous devons continuer à mélanger soigneusement tons les plus sombres et les plus clairs pour créer un effet réaliste de réflexion de la lumière sur la surface Pendant que vous travaillez dessus, n'oubliez pas de suivre la forme arrondie de la plaque, car la lumière et les ombres s' adapteront naturellement à sa courbure. Cela vous aidera à obtenir un éclat métallique convaincant, capturant la façon dont la lumière interagit avec la surface de la plaque et en mettant en valeur sa forme tridimensionnelle Mm Lorsque vous affinez la brillance de la lame, la patience est essentielle. Essayez de poser votre greffe progressivement pour obtenir l'effet métallique souhaité. Et je dois vous rappeler qu'en raison de la texture grossière du papier, il d' obtenir une surface lisse peut être plus difficile d' obtenir une surface lisse et réfléchissante, mais ne vous laissez pas décourager Avec une attention particulière, de la persévérance et des superpositions, vous pouvez toujours créer un éclat saisissant et convaincant sur l'assiette Je veux dire, la texture du papier ajoutera une qualité unique à votre travail, rendant l'effet final à la fois distinct et captivant N'oubliez pas d'utiliser le crayon rasoir pour améliorer l'éclat métallique de la lame ronde. C' est une technique efficace pour obtenir un effet réaliste et saisissant Je veux dire qu'en soulevant doucement le graphite dans des zones spécifiques, vous pouvez créer l'illusion que la lumière se reflète sur la surface incurvée, soulignant ainsi la qualité métallique de la plaque. Cette technique vous permet de mettre en évidence les points les plus lumineux de ce contraste, ce qui donne à la brillance un aspect plus dynamique et tridimensionnel Une utilisation prudente du crayon à effacer vous aidera à affiner les détails réfléchissants, faire ressortir la brillance des plaques et ajouter une touche de réalisme à votre œuvre d'art prendre du recul Il est essentiel de prendre du recul par rapport à votre dessin pour avoir une nouvelle perspective évaluer plus efficacement votre travail. En prenant vos distances, vous pourrez mieux contempler la composition globale et voir comment tous les éléments s'assemblent Ce moment de réflexion vous permet d'identifier les zones qui peuvent avoir besoin d'être ajustées ou corrigées, en veillant à ce que chaque détail corresponde à votre vision artistique Prendre régulièrement du recul vous aide à prendre des décisions éclairées, améliorer votre dessin et à mieux comprendre l'avancement de votre travail Nous sommes arrivés à la fin de cette leçon. La plaque semble bien améliorée. Il reste encore beaucoup à faire pour obtenir l'effet final, mais vous faites de grands progrès. Rendez-vous dans la prochaine leçon. Oh 12. Détails des fruits et des glas de vin nature morte en intérieur: Bonjour, tout le monde. Plongons maintenant dans le monde vibrant des textures, commençant par notre tranche de pastèque N'oubliez pas que nous travaillons avec seulement un quart de ce jus de fruit, ce qui nous donne une vue magnifique sur son intérieur rouge foncé. Le contraste entre les tons riches et charnus et les graines lisses et brillantes ajoute beaucoup Essayez de vous concentrer sur la capture de ce rouge vif et accueillant, en utilisant du graphite, mais n'oubliez pas les tons sombres, chauds et mystérieux de la graine qui s'y trouve. Tout d'abord, je vais appliquer une première couche de graphite pour obtenir cette tonalité générale. Lorsque vous travaillez avec du graphite, il est essentiel de faire preuve de délicatesse pour vraiment capturer les textures douces et juteuses de l'intérieur des pastèques. Utilisez de légers coups de pinceau pour définir les tons de base, laissant le jus rouge naturel apparaître légèrement ombragé L'idée est d'éviter de presser trop fort. Vous voulez que le graphite glisse presque sur le papier, créant ainsi un défaut de velours sur la selle Pour les zones les plus sombres, comme les espaces autour des graines, superposez les traits progressivement, en augmentant la profondeur tout en maintenant cette transition douce entre ombre et lumière. De cette façon, vous allez préserver la qualité tendre et presque translucide du fruit . une attention particulière à l'arrière-plan lorsque vous façonnez le bord de la pastèque La texture du rhin est légèrement irrégulière, ce qui peut être souligné par le contraste avec la surface située derrière lui Utilisez les tons environnants pour définir les arêtes du tricot, en veillant à ce que la transition entre la croûte l'arrière-plan soit naturelle mais distincte Cette attention portée aux détails contribuera à améliorer la texture réaliste de la pastèque, montrant sa forme organique et parfaite Les graines sont des détails petits mais importants qui donnent vie à la pastèque Chacun doit être soigneusement placé avec une forme lisse et arrondie légèrement brillante qui suggère leur surface brillante Essayez d'utiliser des traits plus foncés et plus définis pour contraster avec la chair molle qui les entoure, mais gardez-les subtils N'oubliez pas qu'ils doivent avoir le sentiment d'appartenir au fruit, et non d'en être séparés. Concentrons-nous maintenant sur l'écorce de pastèque et ses Ces motifs sombres ressemblant à des rivières descendent vers la base, là où le fruit se connecte à la tige. Remarquez comment cette ligne semble se courber doucement en suivant les contours naturels de la pastèque N'oubliez pas que cette partie inférieure doit être foncée car elle est moins exposée à la lumière. superposant soigneusement votre graphite à cet endroit, vous pouvez créer une impression de profondeur et de rondeur, mettant en valeur les navires à selle et la lumière lorsqu'ils se déplacent du haut de la coque jusqu'à sa base ombragée Il est important de différencier les deux types d'ombres créées par la pastèque Tout d'abord, il y a une ombre complète au point où la pastèque touche la table C'est le plus sombre, le plus solide. Ensuite, il y a une ombre plus douce et plus diffuse que la pastèque projette sur la table, connue sous le nom d'ombre projetée Cette ombre s'estompe progressivement mesure qu'elle s' éloigne du fruit, créant ainsi une transition en douceur Lorsque vous travaillez avec du graphite, exercez une pression plus forte sur l'ombre de contact et éclaircissez progressivement vos traits fur et à mesure que vous créez la projection, afin de permettre un décalage naturel entre les deux ombres Regardez de plus près comment le crayon effaçable a contribué à créer le bord clair de la pastèque , produit par l' épaisseur de la croûte En soulevant doucement le graphite en traits de gradle, j'ai révélé le point culminant du flanc Il s'agit d'un processus délicat retirer juste assez de graphite pour montrer l'épaisseur de la croûte sans perdre la transition fluide entre les ombres et les lumières Je vous rappelle toujours qu'il peut être extrêmement utile de prendre du recul et de regarder votre dessin à distance , en particulier lorsque vous évaluez la qualité de vos ombres. De loin, vous pourrez voir à quel point les ombres se mélangent bien et à quel point la transition entre le clair et l'obscurité semble naturelle la transition entre le clair et l'obscurité semble Cette perspective vous permet de déterminer si les ombres sont trop fortes ou trop douces, si elles transmettent correctement la profondeur et Au fur et à mesure que nous approfondissons les textures des ombres, il est essentiel de rendre les hachures plus délicates Au fur et à mesure que nous nous rapprochons des zones sombres, les traits devraient devenir plus fins et mieux contrôlés Cette superposition de hochets permet aux ombres de se former naturellement sans paraître trop dures ou trop abruptes Appliquons maintenant le même processus d' ombrage et de texturation à la tomate Concentrez-vous sur les zones claires et foncées, en utilisant une approche délicate pour capturer la rondeur et la texture du fruit Comme pour la pastèque, n'oubliez pas que la craie blanche que nous utiliserons plus tard sera cruciale pour ajouter les reflets finaux et la Donc, ne vous inquiétez pas si vous ne voyez pas encore la luminosité. Notre objectif est maintenant de créer une base solide avec nos ombres et nos textures, laissant de la place à la craie pour améliorer la brillance finale une attention particulière aux ombres projetées par la tomate et l'assiette sur la table recouverte de velours. Les ombres auront des caractéristiques instinctives en raison des textures du tissu. Les ombres des tomates seront légèrement plus douces et plus diffuses, se fondant doucement dans la riche texture du velours En revanche, l'ombre de la plaque peut être plus définie et plus foncée, créant ainsi un contour plus net sur le tissu. Observez comment les textures du velours interagissent avec l'ombre, créant de subtiles variations d'obscurité et de La capture de ces nuances ajoutera de la profondeur et du réalisme à la scène. Prêtez attention à l'image de référence. Remarquez comment le tissu en velours est légèrement soulevé devant la tomate. Cette élévation de selle influe la façon dont l'ombre est projetée sur la table, créant ainsi une transition douce et uniforme entre l'ombre et le tissu Appliquons les mêmes techniques d' ombrage et de texturation que celles que nous avons utilisées pour la tomate aux petits poils Concentrez-vous sur la capture des variations de la selle dans les tons clairs et foncés, tenant compte de chaque forme brune ***** et de chaque texture floue Les ombres doivent être auto-ignorées pour refléter les courbes douces et la surface du fruit Prêtez attention à la façon dont la lumière interagit avec les tonalités, créant à la fois des lumières hautes et des ombres plus profondes N'oubliez pas que plus un s'éloigne de la source lumineuse, la lumière émise est légèrement plus foncée , passons au verre à vin. Commençons par nous concentrer sur la zone où le verre à vin touche le tissu en velours de la table. Ce point de contact créera une ombre subtile sur le tissu. Utilisez donc un ombrage doux pour créer une transition douce et fluide entre le verre et la table Observez la légère pression du verre sur le tissu, ce qui peut provoquer une légère impression ou une distorsion du velours capture précise de ces détails améliorera le réalisme de la façon dont le verre interagit avec le tissu, ajoutant ainsi de la profondeur à votre dessin N'oubliez pas que le verre de vin crée fortes ombres et des transitions abruptes entre la lumière et l'obscurité Concentrez-vous sur la capture de ces changements spectaculaires, en particulier lorsque la lumière se reflète sur le verre et lorsque des ombres sont projetées à la fois sur le verre lui-même et sur le tissu en velours situé en dessous. L'interaction de la lumière sur la surface du verre peut créer un contraste net et une lumière intense Utilisez donc des techniques d' ombrage précises et variées pour refléter ces changements dynamiques Le dessus du verre à vin est un excellent exemple de la façon de gérer la lumière et les ombres sur le verre. À travers le matériau transparent, vous pouvez observer les couleurs de l'arrière-plan en se mélangeant subtilement aux reflets Dans le même temps, faites attention aux transitions d' ombre et de lumière spectaculaires qui caractérisent le verre. Le bord et la surface du verre peuvent présenter une lumière intense et des ombres nettes. Ajustez donc soigneusement votre ombrage pour capturer ces pays et la façon dont les couleurs d'arrière-plan filtrent à travers le verre Mm. Il est maintenant temps d'ajouter une autre couche de graphite à l'arrière-plan pour mettre en valeur le verre à vin En approfondissant les ombres de fond, vous créerez un contraste plus fort qui fera ressortir encore plus le verre. Assurez-vous que la nouvelle couche de graphite est bien mélangée pour éviter les lignes raides, afin que le verre apparaisse plus clairement sur le fond plus sombre Ce dernier ajustement permettra de mettre en valeur les détails délicats du verre et de mettre davantage l'accent sur votre dessin. En terminant, l'arrière-plan, prenez un moment pour apprécier à quel point les reflets sur le manche du verre s'harmonisent parfaitement les reflets sur le manche . Et cela met fin à notre leçon pour le moment. Prenez un moment pour admirer la façon dont le dessin s'assemble. Ça a l'air super jusqu'à présent. Rendez-vous dans la prochaine leçon. 13. Détails de fleurs et de feuilles Nature morte en intérieur: Bonjour, tout le monde. J'espère que tu vas bien. Avant d'entrer dans les détails de l'arrangement floral, je vais d'abord appliquer une autre couche de graphite sur le fond. Cela améliorera la profondeur et le contraste de l' arrière-plan. Faire ressortir encore plus les fleurs et les branches. N'oubliez pas qu'au fur et à mesure que vous poursuivez vos propres tirages, n'hésitez pas à vous enregistrer et à voir comment l'arrière-plan s' approfondit et affecte la composition globale. Mais passons aux détails des fleurs. Pour le moment, nous allons nous concentrer sur les détails fermés de l'arrangement floral. La structure générale et les formes de chaque feuille étant déjà en place, l'étape suivante consiste à appliquer les ombres et les textures appropriées. Ces éléments sont essentiels pour donner une impression de tridimensionnalité aux feuilles et aux fleurs Ainsi, en ombrant et en texturant soigneusement, nous améliorerons le réalisme de l'arrangement, en faisant ressortir chaque détail par sa profondeur et sa Faites très attention car j'utilise la couleur du papier pour représenter la couleur des feuilles. Au lieu de faire de l'ombre aux feuilles les plus illuminées, je me concentrerai sur celles qui se chevauchent à cause des sauts au Cette technique m'aidera à créer différentes couches de feuilles, ajoutant ainsi de la profondeur et de la dimension à l'ensemble de la branche. En nous concentrant sur les zones qui se chevauchent, nous pouvons obtenir un arrangement plus dynamique et plus réaliste La valeur de la ligne est cruciale dans notre dessin. Une ligne foncée peut efficacement séparer une feuille ombrée de celle surlignée, créant ainsi des distinctions claires entre les différents éléments. De plus, l' arrière-plan lui-même peut aider à définir l'âge d' une feuille surlignée sans avoir besoin d'une ligne séparée. En utilisant la valeur et l'ombrage de l'arrière-plan, nous pouvons naturellement dessiner les feuilles illuminées et améliorer la profondeur et le réalisme généraux de l'arrangement Faites preuve de patience et de délicatesse en vous plongeant dans cette étape du dessin Laissez-vous guider par la musique, emportant doucement vos pensées, permettant à votre esprit de se déplacer facilement dans les formes et les ombres Chaque coup devient une danse alors que l'on se perd dans le rythme serein de la création Essayez de sentir l'harmonie entre votre main et le papier et laissez le flux tranquille de votre concentration faire ressortir la beauté subtile cachée entre chaque feuille et chaque fleur de pratiquer le processus délicat d'observation Il est essentiel de pratiquer le processus délicat d'observation de chaque feuille pour créer un effet visuel convaincant. Et c'est une compétence qui vous sera utile dans tous les domaines des arts visuels. Le défi des artistes réside souvent dans les détails. Je veux dire qu'être l'atome de ces subtilités nécessite une immense attention dans Mettre l'accent sur de tels détails dans vos dessins est un moyen efficace de développer cette sensibilité, recherchant votre capacité à capturer les annonces complexes qui donnent vie à votre œuvre d'art M Prêtez attention à cela. Il est important de se rappeler que la zone la plus proche la tige de chaque feuille a tendance à être plus foncée. Ce détail, petit mais significatif ajoute du volume et de la profondeur à la feuille, renforçant ainsi sa tridimensionnalité. En observant attentivement et en ombrageant cette région plus sombre, vous pouvez créer une impression de forme subtile mais percutante, donnant à chaque feuille un aspect plus réaliste et réaliste Essayez de reconnaître que vous ne dessinez pas les fleurs exactement comme vous les voyez. Votre dessin est plutôt le résultat d'une compréhension de la disposition des feuilles. Ce que vous créez est donc en fait une interprétation fidèle de la complexité visuelle, car ces petites feuilles irrégulières peuvent être assez confuses. Acceptez la nature de leur complexité et concentrez-vous sur la capture de leur essence plutôt que de rechercher une précision parfaite. Cette approche vous permet de transmettre le véritable caractère de l'arrangement tout en naviguant dans ses formes complexes. Observez comment, au fur et à mesure que je progresse, je dois renforcer le contexte pour mettre en valeur la branche. En approfondissant l'arrière-plan, les éléments de premier plan, tels que la branche, ressortiront davantage, améliorant ainsi leur apparence tridimensionnelle Ce contraste met non seulement en valeur les détails de la branche, mais crée également une profondeur plus dynamique et réaliste dans la composition globale. Nous devons être attentifs aux points les plus blancs de la composition Par exemple, dans l'arrangement floral, il y a des feuilles blanches près de la plaque, qui devraient être les zones les plus claires de votre dessin. Tenez compte de ces reflets lorsque vous travaillez sur le dégradé des feuilles les plus foncées. En représentant avec précision ces points lumineux dans leur contraste avec les zones plus sombres, vous créerez une pièce plus cohérente et visuellement plus convaincante Je vais maintenant me concentrer sur la finition du tissu sur le côté droit de la composition pour que le verre à vin ressorte bien en évidence Il est essentiel de faire attention à l'augmentation des plis dans le tissu, car ces détails amélioreront la profondeur et la texture du fond. En ombrageant soigneusement ces plis, nous pouvons créer une séparation plus nette entre l'arrière-plan et le verre, permettant ainsi au verre de vin de se fondre de façon éclatante au se fondre de façon éclatante Bien souvent, on oublie le contexte, mais il est tout aussi crucial que les principaux éléments d'une composition. Je veux dire, l'arrière-plan fournit du contexte et de la profondeur, façonnant la façon dont nous percevons les éléments de premier plan Je veux dire, un arrière-plan bien exécuté soutient non seulement le sujet principal, mais améliore également sa présence et son impact. Ainsi, en accordant toute l'attention voulue à l'arrière-plan, nous garantissons une composition équilibrée et harmonieuse qui donne vie à l' ensemble de la scène. Regardez comme notre dessin avance bien jusqu'à présent. Les progrès que nous avons réalisés sont impressionnants. Apprécions le travail que nous avons accompli jusqu'à présent. J'ai hâte de vous voir lors de la prochaine leçon. 14. Brillance et réflexion Nature morte en intérieur: Bonjour, tout le monde. Dans cette leçon, nous allons nous concentrer sur la brillance métallique de la plaque, en rapprochant notre travail de l'aspect final. Il est essentiel qu'en améliorant l'assiette, nous affinions également les éléments qui l'entourent, y compris le verre à vin. Prêter attention à ces détails fera ressortir toute la profondeur et le réalisme de la composition, préparant ainsi le terrain pour une pièce finale soignée et cohérente Je vais commencer par une partie complexe du reflet représentant la projection d'objets sur la plaque. Les fleurs et la pastèque, en particulier la pastèque, se reflètent dans l'assiette Et il est essentiel de capturer ces reflets avec précision. C'est un défi car cela implique les couleurs de pectine projetées sur le métal à l'aide C'est la raison pour laquelle le shak blanc sera si crucial plus tard Un ensemble permettra de mettre en valeur les points forts et de donner vie à ces reflets. L Pendant que je peaufine le tapis des orteils, portez une attention particulière à la façon dont l'ombre de la pastèque apparaît sur l'assiette Observez l'interaction entre les ombres et la façon dont elles interagissent au sein de la surface métallique La façon dont le reflet de la pastèque se déforme et se fond surface de l'assiette est essentielle pour ajouter de la profondeur et du réalisme Cette observation attentive aidera à créer une réflexion plus précise et plus convaincante. Cette texture de la tomate est cruciale car c'est le deuxième élément que l'on remarque en regardant l'assiette. Si la tomate n'est pas bien exécutée en termes de volume et de forme, l'assiette elle-même ne paraîtra pas aussi attrayante. Ainsi, le fait d'obtenir une texture et des détails précis dans la tomate renforce sa présence, ce qui rehausse l' attrait visuel général de l'ensemble de la composition Je vais faire une tomate pour ajouter de la profondeur et compléter l'assiette, donnant à l'ensemble une apparence plus cohérente et plus engageante Vous remarquerez peut-être aussi le reflet de la tomate sur l'assiette. Ce détail subtil ajoute une autre touche de réalisme à notre composition. Essayez de faire attention à la façon dont la forme et la texture de la tomate se reflètent sur la surface métallique, qui contribue à la profondeur et à la complexité générales de la scène capture précise de ce reflet améliorera l'intégration des éléments et rapprochera le dessin de son aspect poli final. Faites attention à l'apparence de l'assiette maintenant. C'est l'amélioration de tous les éléments environnants qui contribue à améliorer l'apparence de la plaque. Au fur et à mesure que j'affine les ombres les plus fortes sur la plaque, remarquez comment le réglage contribue à son réalisme général. Les détails soignés des objets environnants renforcent également la présence de l'assiette, créant ainsi une composition plus cohérente et visuellement attrayante Étant donné que certaines feuilles vertes se détachent sur le limbe, nous allons maintenant nous concentrer sur l'amélioration de leur couleur et de leur texture. En affinant ces sauts, nous différencierons leur ton du reste des éléments floraux Cela rendra non seulement les feuilles vertes plus distinctes, mais créera également un contraste plus dynamique avec la lame, ajoutant de la profondeur et de la clarté à la composition globale. Notez qu'en raison de la nature de la feuille principale, une moitié est plus exposée à la lumière tandis que l'autre moitié est plus ombragée. De plus, vous pouvez voir ces sortes de nervures qui transportent la chlorophylle dans toute la feuille Il est important de saisir tous ces détails. La représentation précise de la lumière et de l'ombre sur la feuille, ainsi que les motifs de veines complexes amélioreront le réalisme et la profondeur de votre dessin, donnant à la feuille un aspect plus réaliste et l' intégrant à la composition Tout comme nous avons prêté attention aux reflets sur l'assiette, il est maintenant temps de nous concentrer sur le verre. Nous allons donc porter notre attention sur l' ajout de tous les détails lumineux du verre. Observez attentivement et décrivez les reflets, reflets et la transparence qui donnent au verre un aspect réaliste Ces détails rehausseront la brillance du verre et lui donneront une plus grande netteté, contribuant ainsi au raffinement général de la raffinement général de Revenons à l'assiette pour continuer à améliorer ses zones les plus sombres. concentrant sur ces zones d'ombre, vous approfondirez le contraste global et améliorerez la qualité métallique de la plaque. Faites attention ici aux variations subtiles de l' obscurité et affinez ces zones pour ajouter plus de profondeur et de dimension. L'ombre circulaire le long du bord de la plaque est cruciale. Cette ombre ajoute de la profondeur et aide à définir la forme de la plaque, lui donnant un aspect plus tridimensionnel. Maintenant que nous avons progressé sur les principaux éléments, nous pouvons nous concentrer sur l'amélioration de l'apparence de tous les tissus sur la table et en arrière-plan. Faites attention aux textures, défauts, aux augmentations de chaque tissu. raffinement de ces détails ajoutera la richesse et du réalisme à la scène, en veillant à ce que les tissus complètent efficacement les principaux éléments. Pendant que je continue à ajouter du graphite à l'arrière-plan, portez une attention particulière au bord illuminé du vin à l'intérieur du verre. Ce détail est crucial pour représenter le contact entre le vent et le verre, ainsi que son reflet. capture précise de ce bord éclairé améliorera le réalisme du verre dans le liquide qu'il contient, créant ainsi un effet plus convaincant et dynamique. Notre dessin inclut maintenant presque tous les détails en graphite, et il est magnifique. Cependant, il reste encore une touche finale, ajouter le pastel blanc et les derniers détails. Cela permettra de mettre en valeur les points forts et de faire ressortir les touches finales qui permettront au dessin d'atteindre sa forme finale Mais nous aborderons cela dans la prochaine leçon. 15. Craie pastel et finition finale Nature morte en intérieur: Bonjour, tout le monde. Nous avons atteint la dernière leçon de ce dessin, où nous allons nous concentrer sur l'utilisation pastel blanc pour améliorer les reflets et les reflets. Nous l'appliquerons étape par étape sur l'ensemble du dessin en veillant à ce que chaque détail lumineux et réfléchissant prenne vie. N'oubliez pas qu'au fur et à mesure que nous appliquons le pastel, il se peut que nous devions également ajouter du qufied dans certaines zones pour affiner l'effet global Cette touche finale rehaussera le dessin et lui donnera sa forme complète Commençons par appliquer le pastel blanc sur la plaque en nous concentrant sur les zones les plus éclairées pour améliorer les reflets. Avec tous les éléments de la composition, la plaque aura besoin du pastel le plus blanc pour obtenir l'effet souhaité. Appliquez donc soigneusement le pastel pour mettre en valeur les points les plus brillants et affiner les reflets, ce qui contribuera à faire ressortir la qualité métallique de la plaque et à la faire ressortir dans la composition Remarquez que ce processus suggère que je dois assombrir l'ombre projetée par les fleurs au-dessus de la plaque Ces ajustements se produisent souvent au fur et à mesure que nous avançons dans un dessin, en particulier dans les étapes finales. Il est courant d'affiner les ombres et les reflets pour s'assurer que tous les éléments s'harmonisent parfaitement Ce perfectionnement continu permet d'obtenir un résultat final plus réaliste et plus cohérent Observez les nuances de l'assiette, où le reflet des fleurs et de la pastèque danse sur sa surface Bien que ces reflets ne reflètent pas exactement la forme des éléments d'origine, leur présence est indéniable par leur couleur et leur intensité La plaque devient une toile à utiliser pour ce miroir, où les fleurs et les pastèques laissent leurs empreintes référentes. Au fur et à mesure que nous appliquerons le paston blanc, nous améliorerons ces reflets en faisant ressortir le jeu délicat des ombres et des lumières Utilisez donc du graphite pour affiner et définir ces zones, en veillant à ce que les reflets soient visibles et non à une couche de profondeur. Lorsque nous utilisons le crayon pastel blanc, vous remarquerez qu'il se fond dans le graphite car le crayon pastel est plus dur. Cette interaction est très intéressante car elle crée différentes nuances de gris, ajoutant de la profondeur et de la texture à notre dessin. En revanche, si nous utilisions une barre pastel douce, le blanc aurait tendance à dominer le graphite, le recouvrant beaucoup plus complètement Ce mélange de pastel dur et de graphite permet donc d'obtenir une gamme de tons plus nuancée et un effet plus raffiné Observez comment j' utilise le pastel pour représenter les zones les plus claires de la pastèque Étant donné que sa couleur est très claire et que sa surface est bien éclairée, le pastel est parfait pour mettre en valeur ces points lumineux En appliquant soigneusement le pastel sur ces zones, nous améliorons les reflets lumineux et faisons ressortir les textures subtiles. Le secret de cette leçon au pastel blanc ne réside pas seulement dans son application, mais aussi dans l'opportunité qu'elle offre à la contemplation et au raffinement général de notre dessin. Au fur et à mesure que nous progressons, le processus passe du dessin actif à une observation et à un ajustement minutieux. Plus nous avançons, plus nous nous concentrons sur le raffinement détails et l'amélioration de la composition globale, passant moins de temps à dessiner et plus à nous assurer que chaque élément contribue à la réalisation complète et harmonieuse de la pièce finale. Lorsque vous appliquez le pastel sur la plaque, il est essentiel de suivre la forme circulaire des reflets, en alignant votre frappe sur la forme de la plaque Cette technique est nécessaire pour représenter avec précision le matériau. Je parle du matériau métallique et de ses propriétés réfléchissantes. En augmentant la courbure des plaques, vous augmenterez le réalisme des reflets. Au fur et à mesure que nous avancerons dans cette étape, nous appliquerons également le pastel blanc sur les feuilles, mais avec une approche différente. Comme sur la plaque où le pastel est largement utilisé, les petites feuilles de l'image de référence n'atteignent pas un niveau d'éclairage aussi élevé. Par conséquent, nous utiliserons le pastel blanc avec parcimonie sur les feuilles, en nous concentrant sur les points lumineux isolés La couleur primaire des feuilles restera le papier lui-même, le pastel ne mettant en valeur que les points les plus lumineux pour améliorer subtilement leur apparence Observez comment j'applique la barre pastel blanche pour couvrir plus de zones sur l'assiette. L'utilisation de la barre permet une application plus large du pastel, couvrant efficacement de plus grandes sections et augmentant l'intensité des reflets. Cette méthode est particulièrement utile pour obtenir une luminosité incohérente plus prononcée sur la plaque. Regardez à quel point le verre à vin est fantastique avec l'application de pastel blanc. Les reflets apparaissent désormais tout simplement magnifiques, capturant le jeu délicat de la lumière et du verre Je veux dire, le pastel fait ressortir la brillance et la clarté du verre, améliore sa transparence et fait vraiment ressortir les détails réfléchissants Lorsque nous appliquons le pastel aux principaux éléments, nous devons également tenir compte de l'arrière-plan pour assurer qu'il complète la composition globale. L'application du pastel blanc sur le fond aidera à créer un effet enveloppant qui se fond parfaitement dans le reste du dessin Concentrons-nous maintenant sur l' affinement de la branche et encore plus loin en améliorant les zones les plus sombres une attention particulière aux arêtes et aux coins où l'obscurité ajoute de la dimensionnalité à la branche Le renforcement de ces ombres donnera une meilleure impression de profondeur et de structure. De plus, nous appliquerons plus de bastel humide pour mettre en valeur les parties les plus claires, créant ainsi un contraste qui donnera à la branche et sauts une apparence plus différente et tridimensionnelle Faites attention à l'intérêt des hachures en arrière-plan. Comme il n'est pas complètement mélangé, il confère une texture et un caractère uniques à l' ensemble du dessin Cette technique crée un contraste saisissant entre esquisse et le dessin préliminaire dans une pièce finie plus détaillée, mélangeant des éléments des deux styles un effet visuel convaincant Ajoutons la touche finale à notre assiette qui est déjà magnifique. affinant soigneusement les détails et en mettant en valeur les points forts, nous rehausserons le réalisme et la brillance de la plaque Ce dernier ajustement perfectionnera les reflets et les ombres, faisant en sorte que la plaque ressorte magnifiquement en tant que point central de notre composition. Nous allons maintenant utiliser un outil spécial, le Pierre Renoir, pour donner une teinte particulièrement foncée au vin Ce crayon noir intense nous aidera à atteindre la profondeur et la richesse requises pour les zones les plus sombres du vin Nous devons appliquer le Pierre reni avec beaucoup de soin et d'attention, car cet outil produit un noir d'une profondeur exceptionnelle La couleur foncée de la Pierre Noire est due à la forte concentration de graphite et à la densité du matériau lui-même, ce qui lui permet de créer des tons intenses et riches. Cette profondeur de noir est essentielle pour capturer les ombres profondes et les nuances subtiles de notre dessin. Et nous voici au point culminant de notre voyage. Regardez à quel point la composition a pris vie avec beauté, chaque élément s'harmonisant avec les autres, formant une scène complète et captivante La pastèque, avec son intérieur soigneusement ombragé et sa texture tendance, se distingue par ses queues intercalées qui capturent sa forme sans Les tomates et les poix sont façonnés avec profondeur et précision. Les volumes s'éclaircissent grâce au jeu d'ombres et de lumières L'assiette est désormais raffinée avec de délicates touches de blanc pastel, étincelle d'une élégance métallique, reflétant les éléments environnants, les fleurs, la pastèque, la tomate, juste assez pour donner une impression de leur présence sans avoir besoin de teintes vives C'est bien plus qu'un dessin. C'est un témoignage de la beauté de l' observation et de la puissance silencieuse du noir et blanc Je te vois dans le prochain dessin. 16. Approche théorique Gustave Courbet Outdoor Still Lifemp4: Avant de commencer notre exercice, il est essentiel de discuter d'une référence importante qui peut améliorer notre pratique. Gustave Corvette et sa peinture nature morte aux pommes. Cette œuvre est non seulement un brillant exemple de jalisme, mais elle capture également l'essence des objets du quotidien d'une manière authentique et captivante Dans Nature morte aux pommes, Corbett organise les fruits de manière équilibrée, en faisant des pommes le point central de la pièce Cet aspect est crucial à prendre en compte lors de la planification de notre propre dessin. La hiérarchie visuelle établie par Corbett permet chaque élément de se compléter et de contribuer à la composition globale Les pommes, avec leurs textures détaillées et leur luminosité, attirent immédiatement l'attention du spectateur, tandis que d'autres éléments tels que la surface et l'arrière-plan sont plus subtils en comparaison Son souci du détail dans la représentation des fruits met en valeur leur fraîcheur et leur texture. Remarquez comment chaque pomme présente des variations de couleur et de ton qui reflètent la lumière et le naturel, contribuant ainsi à l'illusion de liberté dont il est fait mention. C'est un aspect que nous pouvons appliquer à notre dessin, en capturant la façon dont la lumière interagit avec les surfaces des fruits pour leur donner vie capacité de Kurbt à mettre l'accent sur les détails des pommes nous invite à observer attentivement et à reproduire la même observation dans notre travail Un autre aspect essentiel des peintures de Corbett est la relation entre les objets et leur environnement Dans son œuvre, les éléments d'arrière-plan, tels que les arbres et le sous-paysage s'adaptent au contexte du Zena Cependant, il est essentiel de noter que cet arrière-plan est rendu avec moins de détails que les objets principaux. Ce choix de composition attire l' attention sur les pommes Eh bien, le contexte devient un contexte favorable qui encadre et renforce l' importance des fruits. Tout comme Corvette, nous devons tenir compte de cette stratégie dans notre exercice, veillant à ce que l'arrière-plan serve de contexte qui n'entre pas concurrence avec les éléments centraux de notre nature morte La façon dont Corbett gère les sons est également cruciale. Il utilise la lumière naturelle pour mettre en valeur les différentes textures des pommes. Au fur et à mesure que nous progresserons dans notre dessin, il sera essentiel de faire attention à la façon dont la lumière tombe sur chaque fruit. Dans les natures mortes aux pommes, les tons et les variations lumière contribuent à donner vie aux objets, une approche que nous devons appliquer à notre représentation. Maintenant que nous avons établi l'importance du travail de Corbett, passons à notre exercice Nous allons créer Ale still live outdoor qui comprend trois fruits, un ananas au centre, bouquet de bananes à droite et une grosse tomate à gauche. Tous ces éléments reposeront sur l'herbe avec des arbres et des branches visibles en arrière-plan, créant un deuxième plan qui enrichira notre composition. Dans cet exercice, souvenons-nous d'appliquer principes dont nous avons discuté concernant le travail de Corbett, la concentration et la relation entre les fruits et leur environnement, l'effet de la lumière naturelle sur chaque objet lors de la capture Cet exercice ne nous permettra donc pas seulement de pratiquer l'observation. Mais favorisez également notre créativité lorsque nous interprétons le zine. Il est également essentiel que l' arrière-plan soit représenté de manière plus diffuse et moins détaillée pour souligner l' importance des fruits Avec cette préparation en tête, commençons notre exercice et appliquons tout ce que nous avons appris pour créer notre propre nature morte en plein air. 17. Nature morte en plein air: Commençons cette nature morte en plein air. Je commence par des mesures rapides et intuitives. Tout d'abord, concentrez-vous sur la hauteur de l'ananas en tant qu'élément le plus gros. Maintenant, alors que je continue à dessiner, j'imagine les angles et les proportions, en passant à la tomate à côté et à la main de bananes sur la droite. Cette composition apporte une plus grande complexité avec la nature en toile de fond, mêlant l'herbe verte luxuriante et les trois branches distantes à la scène L'équilibre des fruits, chacun ayant ses propres formes et textures uniques, crée une dynamique vive que nous affinerons au fur et à mesure. Faites attention à la manière dont vous fabriquez les fruits en vous basant uniquement sur la hauteur de l'ananas, que je n'ai même pas encore complètement dessiné. L'idée de cet exercice est d'encourager l'imagination pour visualiser les angles dans notre esprit, avant même de les dessiner. Nous l'avons déjà dessiné pour qu'il corresponde à celui de l'exercice précédent, nous avons donc une bonne idée de la façon de l'aborder. Maintenant, il est temps d'esquisser la forme approximative de ce bouquet de bananes. Ne vous inquiétez pas si nous commettons des erreurs. Nous continuerons à ajuster et à affiner au fur et à mesure. Pour découvrir la forme exacte des bananes, commencez par observer la relation entre la tomate et l'ananas. Imaginez des lignes partant des deux fruits pour créer un guide visuel qui vous aidera à estimer l' espace occupé par les bananes. Vous pouvez également essayer de visualiser comment la courbe de chaque banane s'écoule par rapport à la rondeur de la tomate et aux angles de l'ananas Soyez patient, c'est un processus qui demande de l'observation et du raffinement, et il est tout à fait normal de faire des ajustements au fur et à mesure. Chaque trait vous permet de mieux comprendre la forme. R Maintenant que j' ai la structure générale des bananes et de la tomate, je vais me concentrer sur la découverte du corps de l'ananas en mesurant la hauteur totale de la composition. L'ananas est l'élément le plus important, il servira donc de point d'ancrage clé. En visualisant sa hauteur par rapport aux autres fruits, je peux commencer à façonner sa forme et à m'assurer que tout reste proportionné Cette étape est cruciale pour établir l'équilibre de la composition. Nous devons maintenant construire la structure générale de la partie supérieure du pommier. Les lèvres en pointe qui le coiffent. Nous n'avons pas à nous soucier de corriger tous les détails à ce stade. L'objectif est d'établir la forme générale et le flux. Imaginez comment les sauts se font sentir depuis le centre. Compte tenu de l'ananas, c'est une silhouette emblématique. Je vais maintenant dessiner la ligne d'horizon du paysage derrière les principaux éléments. Cela m'aidera à créer des points de référence supplémentaires, ce qui me permettra d'être plus précis à mesure que nous avancerons. L'horizon agit comme un élément de base, donnant une impression d'espace et de profondeur à la composition Il nous aide à visualiser la relation entre les fruits et l'arrière-plan, en orientant le placement des objets avec plus de précision au fur et à mesure que nous continuons à construire la scène. Les trois branches en arrière-plan sont également essentielles à notre composition. Nous n'avons pas besoin de les dessiner avec des détails précis pour le moment. Le plus important est de comprendre leur place dans la scène et l'espace qu'ils occupent sur le papier. Considérez-les comme des gestes doux qui encadrent les fruits, ajoutant de l'équilibre et de la profondeur à la composition globale sans dominer les éléments principaux Commençons par fabriquer les bananes, commençant par celle qui se trouve le plus près de la tomate. Celui qui est légèrement teinté. Cette première banane nous servira de guide nous aidera à ancrer le reste de la grappe. Portez une attention particulière à la façon dont sa courbe se forme. Il ne s'agit pas d'un arc parfait, mais plutôt d'une ligne organique qui se courbe subtilement À partir de ce moment, nous pouvons progressivement fabriquer le reste des bananes une par une, permettant à chacune d'entre elles de se connecter naturellement à la première. Remarquez comment leur position se chevauche légèrement, créant une cascade de formes qui s' enchaînent harmonieusement. Lorsque vous travaillez sur chaque banane, observez comment elles se rétrécissent aux deux extrémités et comment les courbes douces suivent un schéma similaire mais légèrement varié. Je pense que la clé est la patience. Prenez votre temps pour observer la direction et l'espacement entre chacune Certains se courberont de façon plus spectaculaire. D'autres peuvent sembler plus hétéros, mais ils devraient tous se sentir connectés en tant que membres d'un groupe cessif N'oubliez pas qu'à chaque nouvelle banane ajoutée, vous commencerez à voir la forme générale apparaître, et bientôt toute la main de bananes se formera naturellement dans le cadre de la composition. y a absolument aucun problème à faire des erreurs dans les étapes de rendement d'un dessin. C'est en fait là que les erreurs sont les bienvenues. En fait, cette phase est entièrement consacrée à l'exploration et à la correction. Aucune règle morale ou technique ne dicte combien de fois vous êtes autorisé à faire une erreur Chaque erreur est simplement une occasion supplémentaire d'affiner votre compréhension du formulaire, d'ajuster vos angles et de trouver les bonnes proportions . Je vais appliquer les hachures lumineuses autour des principaux éléments pour les isoler et mieux observer leurs formes. Cette technique permet de créer une subtile séparation, permettant à chaque forme de se démarquer sur le fond. À ce stade, il est important de procéder lentement et avec intention en observant comment les lignes mettent en valeur les formes. Prends ton temps. Ce rythme progressif nous permettra mieux contrôler les formulaires et d'établir un lien plus étroit avec les formulaires au fur et à mesure qu'ils évoluent sur le papier. Pour le moment, je vais cartographier les textures de la peau d'ananas, une esquisse générale du motif caractéristique en forme de losange à sa surface. Cette mise en page initiale n'a pas besoin d'être parfaite, mais elle est essentielle pour capturer le rythme et le flux de ces formes. Sur l'image de référence, remarquez comment les diamants créent une sensation de profondeur et de mouvement autour de la surface du fruit. Au fur et à mesure, nous affinerons les détails. Mais pour l'instant, concentrez-vous sur l' établissement des bases de la texture complexe qui définit l'extérieur de l'ananas aspect le plus important de cette étape est peut-être de représenter le même nombre de formes de losanges sur la peau des ananas, comme vous le voyez dans votre référence Eh bien, ce n'est pas strictement nécessaire. Je le recommande pour cet exercice. Ce faisant, vous pratiquerez l'observation et la précision, ce qui améliorera votre capacité à capturer des textures et des motifs complexes. Mais n'oubliez pas que cela fait toujours partie de la phase d' esquisse initiale Après avoir supprimé certaines lignes de construction, nous allons ajouter des ombres générales claires et renforcer quelques lignes pour indiquer les zones plus sombres. Ces zones sombres peuvent être dues aux ombres ou à la couleur naturelle de l'objet lui-même. L'objectif ici est de commencer à donner forme et dimension aux fruits et aux éléments environnants. En appliquant un léger ombrage, ils commencent à créer un jeu d'ombre et de lumière, ce qui donnera aux objets apparence plus ancrée et plus réaliste Je vais maintenant assombrir tout l'arrière-plan, concentrant sur l'herbe, la zone située derrière elle pour isoler les principaux éléments, les fruits, et commencer à les considérer comme le véritable centre de notre composition Cette étape est cruciale car elle permet au fruit de ressortir plus clairement, attirant ainsi notre attention sur l'objectif central. Au fur et à mesure que j'approfondis les ombres en arrière-plan, remarque que les fruits commencent à fusionner avec plus de contraste, ce qui nous donne une meilleure idée de leurs formes et de leur importance dans la composition globale. Et tu es là. Notre croquis général de la composition est prêt. Les principaux éléments sont construits et leur relation avec le paysage environnant est établie. Nous avons jeté les bases du dessin détaillé et dynamique. À partir de là, nous pouvons nous appuyer sur cette base solide pour affiner et améliorer nos illustrations plus tard, jusqu' à la prochaine leçon. 18. Premiers détails Nature morte en plein air: Bonjour, tout le monde. Dans cette leçon, nous aborderons la première série de détails pour tous les éléments de notre dessin, en mettant particulièrement l'accent sur les fruits Notre objectif sera d' ombrer légèrement les fruits pour faire ressortir leur dimensionnalité et leur Pour ce faire, nous utiliserons une technique de hachures croisées légères pour créer doucement les ombres, permettant aux fruits de sortir progressivement du papier Cette approche aidera à définir les variations subtiles de lumière et d'ombre, créant ainsi une impression de profondeur et de réalisme. Au fur et à mesure de notre progression, nous porterons une attention particulière à la façon dont ces ombres interagissent avec les surfaces sur lesquelles elles reposent, afin que chaque fruit soit rendu avec soin et précision. Les ombres initiales servent guide de base pour développer des détails plus approfondis ultérieurement Ces ombres préliminaires jettent les bases pour comprendre comment la lumière interagit avec chaque élément, ce qui nous permet de les exploiter avec des détails plus complexes au fur En définissant ces premières ombres, nous avons clairement défini la voie à suivre pour affiner les textures et améliorer le réalisme général de notre dessin au cours des étapes suivantes. Maintenant, en examinant de près l'image de référence, nous allons commencer à fabriquer la couronne de l'ananas Abordez cette étape lentement, en portant une attention méticuleuse à chaque feuille Malgré leur variété, les lèvres sont bien définies et il est essentiel de se rapprocher le plus possible de leur forme originale. Cette observation attentive nous permettra saisir la structure même de chaque feuille, contribuant ainsi à l'authenticité globale et aux détails de la couronne d' ananas Il y a un détail important à souligner dans cet exercice, et il s'agit d'un nom qui n'est pas souvent abordé dans les exercices de dessin Sur cette image, la source lumineuse vient de droite à gauche. Mais il le fait très subtilement. Bien que la direction de la lumière soit bien présente, elle est douce et douce dans sa projection sur les formes. Comme vous pouvez voir la couronne de l'ananas, vous remarquerez que la zone située près de la base de la couronne est plus foncée en raison du manque de lumière, tandis que le côté droit de la couronne est plus éclairé. Ce phénomène se produit régulièrement sur chaque feuille ou limbe de la couronne. Il est essentiel de représenter l'interaction subtile entre la lumière et l'ombre pour capturer les nuances délicates de la lumière et son effet sur la couronne du pommier de pin N'oubliez pas d'être patient et d'éviter d'utiliser des lignes fortes à LED. Si vous préférez utiliser crayons plus foncés pour les crayons les plus foncés, tout en évitant d'appuyer trop fort sur le papier, il est tout en évitant d'appuyer trop fort sur le papier, préférable de créer des Smtches plutôt que de laisser des empreintes sur le papier, en particulier sur du papier en particulier application douce et soigneuse aidera à conserver la texture du papier et à garantir un résultat plus raffiné. Faites attention à la façon dont je commence par les feuilles à la base et je forme progressivement la couronne au fur et à mesure que les feuilles se chevauchent. Cette superposition est cruciale car chaque feuille influence celle qui se trouve au-dessus d'elle De plus, j' utilise chaque feuille comme référence pour dessiner la suivante, afin de garantir la cohérence et la précision la structure globale de la couronne. Cette approche méthodique nous permet de saisir la progression naturelle en profondeur du feuillage de l'ananas Remarquez la courbe descendante de la selle au bout des feuilles C'est un trait caractéristique de la couronne d'ananas. Il est essentiel de capturer ces détails, car ils ajoutent de la texture et de la profondeur réalistes au feuillage En prêtant attention à ces petites mais importantes caractéristiques, vous apporterez plus d' authenticité à votre dessin. Les feuilles supérieures les plus grandes sont souvent les plus faciles à dessiner car elles sont plus proéminentes et de forme plus simple. Une fois que vous aurez établi la base, qui comprend les feuilles inférieures les plus complexes et qui se chevauchent, vous constaterez qu'il devient beaucoup plus facile de construire les feuilles les plus grandes et les plus simples Cette approche vous aidera à construire la structure des couronnes plus efficacement Si vous souhaitez expérimenter et essayer différentes formes, je vous recommande de le faire avec les feuilles supérieures. Ce sont les formes les plus superficielles et les plus larges, ce qui rend l'improvisation plus accessible et moins difficile. I Une fois que nous aurons établi les détails généraux de la couronne, nous passerons à la création de la colonne vertébrale de chaque diamant sur la peau du pommier de pin. Il n'est pas nécessaire d' ajouter trop de détails. Concentrez-vous sur le fait de placer soigneusement chaque colonne vertébrale dans sa forme de losange. Cette étape nécessite de la précision pour s'assurer que chaque épine est correctement positionnée, améliorant ainsi la texture de l'ananas Maintenant, affinons les bords de chaque forme de losange sur l'ananas. Faites bien attention à ce que les contours correspondent à la quantité de lumière et d'ombre présente dans chaque section. Cette étape améliorera la texture et apportera plus de profondeur à la surface de l'ananas, donnant à chaque diamant un aspect plus défini et plus réaliste. Remarquez l'épaisseur et l' irrégularité des bords et le fait que les diamants de gauche apparaissent désormais légèrement plus foncés que ceux de droite Cette subtile variation de l'obscurité contribue à créer un effet tridimensionnel plus naturel, améliorant ainsi le réalisme général de la texture des ananas Maintenant, je vais dessiner quelques brins d'herbe, en particulier ceux qui sont en contact avec les tomates et les bananes. Cette étape est cruciale pour la composition car elle permet d' intégrer les fruits dans leur décor et ajoute de la profondeur à l'ensemble de la scène. Maintenant, en utilisant une technique d' hachures croisées légères, je vais ombrer le côté gauche sur tout l'ananas pour l' aligner sur l' éclairage de l'espace Cela aidera à créer un look plus coercitif et à améliorer la tridimensionnalité de l'ananas Je vais maintenant ajouter quelques détails sur les bananes, concentrant particulièrement sur les zones où les bananes se rejoignent. Cela aidera à définir leur forme et à créer une représentation plus réaliste Maintenant, je vais progressivement ajouter des couches de graphite pour ombrager la tomate. Ian doit trouver la valeur idéale pour augmenter son volume. J'appliquerai la même technique au corps de l'ananas, travaillant lentement pour obtenir aspect bien défini et réaliste pour les deux fruits. Appliquons maintenant une technique d'hachurage croisé efficace pour assombrir toute la surface gazonnée, en veillant à ce que l'ombrage soit uniforme et ferme pour assombrir toute la surface gazonnée, en veillant à ce que l'ombrage soit uniforme Cette étape est cruciale car elle contribuera à créer un contraste saisissant entre l'herbe verte luxuriante et les fruits, soulignant leur importance dans la composition Lorsque nous travaillons sur cet ombrage, portez une attention particulière à l'âge des fruits En mettant en valeur les pays voisins, nous ferons en sorte que les fruits ressortent plus clairement sur le fond Ce contraste est essentiel pour attirer le regard du spectateur vers les points focaux de la composition, créant ainsi une impression de profondeur et de séparation. L'action transversale uniforme et foncée contribuera également à un aspect général plus cohérent et raffiné Lier les éléments du dessin et veiller à ce que chaque partie de la scène soit bien intégrée. Par exemple, remarquez à quel point les bananes s'améliorent lorsque je rehausse le bord qui les sépare de l'arrière-plan. En intensifiant le contraste le long du bord, les bananes gagnent en définition et en clarté dans la composition Essayez d'utiliser un crayon foncé pour cela. Faites attention à la façon dont les fruits commencent à se démarquer dans l'espace. Même si je n'ai pas encore commencé par les brins d'herbe, on sent déjà que les fruits sont immergés au milieu d'un jardin. Je vais ajouter un peu d' ombrage dans la partie supérieure pour indiquer où se trouvent les trois branches en arrière-plan Cela permettra d'intégrer les éléments et d'améliorer la profondeur de la scène. Au fur et à mesure que nous progressons, plongeons-nous dans la complexité de l'ombrage Je vais utiliser une technique raffinée de hachures croisées pour créer une base robuste et texturée Cette méthode, bien qu' apparemment simple, nous permet de créer une profondeur et une richesse profondes dans le graphite. Ainsi, en superposant les traits, nous pouvons créer une tapisserie éclatante qui capture l'impression de l' herbe luxuriante et de la présence sellée des Je pense donc que cet espace en forme de croix améliore non seulement le contraste entre les fruits et leur environnement, mais ouvre également la voie à des collines plus complexes au cours des Un jeu délicat de lumière et d' ombre devient une symphonie sur papier, élevant notre composition d'une esquisse de jument à une représentation éclatante de la beauté de la nature Hum, et tu es là. Les premiers détails de cette nature morte ont commencé à prendre forme. Notre composition commence à révéler sa véritable forme, mais il reste encore beaucoup à faire. Vous n'êtes qu'au début de ce voyage créatif. Je te vois dans la prochaine leçon. 19. Détails de la grass Nature morte en plein air: Bonjour, tout le monde. Dans cette leçon, nous allons nous concentrer sur la création de l'herbe autour des fruits. N'oubliez pas que les fruits sont le sujet principal de cette nature morte. J'ajouterai du graphite à l'herbe en arrière-plan pendant que j'expliquerai ce que nous allons faire. Guidés par l'image de référence, nous créerons une interprétation de ce que nous voyons en utilisant deux approches pour les brins d'herbe. La première méthode consiste à tirer les lames directement avec du graphite. Alors que la deuxième méthode consiste à éliminer graphite pour créer un autre type de lame. Cela nous permettra de créer deux effets distincts lames plus foncées où les ombres dominent, et des lames plus claires lorsque la lumière touche. Tout d'abord, je vais commencer par tracer les brins d'herbe les plus foncés. Il ne s'agit pas d'une copie exacte de l'image de référence. Ce que je fais n'est qu' une interprétation basée sur ce que j'observe. Il est important de comprendre que les lames se chevauchent et se croisent et qu'elles sont disponibles en différentes inclinaisons et tailles, tout en réfléchissant différents degrés de lumière. En gardant cela à l'esprit, nous donnerons à notre dessin une impression de hasard naturel, capturant la complexité de l'herbe et la façon dont elle interagit avec la lumière et Une façon intelligente de créer les brins d' herbe les plus éclairés consiste à les tracer d'abord avec du graphite sur les hachures, puis retirer délicatement le graphite de l'intérieur à l'aide du crayon à effacer Cette technique nous permet de conserver les reflets latéraux sans trop travailler le papier En utilisant cette méthode, nous créons un doux contraste qui reflète la délicate lame de lumière sur l'herbe. Faites attention à la façon dont je retire le graphite, non seulement pour créer des brins d'herbe, mais aussi pour créer des sauts éparpillés au hasard Cette approche donne une impression de hasard naturel et de texture à la scène Ce processus de création de lames illuminées peut également fonctionner en sens inverse. Dans ce cas, vous pouvez utiliser le crayon rasoir comme un crayon ordinaire Dessinez d'abord le brin d' herbe avec le rasoir puis utilisez le crayon graphite pour affiner le contour de chacun Le résultat est un équilibre délicat entre ombre et lumière où chaque lame émerge de l'arrière-plan avec un aspect doux, presque brillant Les éléments de construction tels que l'herbe, les feuilles d'arbres ou la texture d' une pierre de crique sur un mur demandent beaucoup de patience. Souvent, les gens apprécient la patience nécessaire pour saisir véritablement les détails complexes qui donnent vie à ces éléments sur le papier Je pense qu'il existe une idée fausse répandue selon laquelle création de ces textures prendra trop de temps amené de nombreuses personnes à accélérer le processus, produisant des résultats qui ne reflètent pas le réalisme escompté. Mais la vérité est que cela prend généralement moins de temps que prévu. Mais la clé, c'est la persévérance. Je veux dire que dessiner un seul brin d'herbe, une feuille à la fois, ou tailler chaque pierre du mur avec soin est un processus continu C'est grâce à cette accumulation constante de petits détails soigneusement conçus que la profondeur et la complexité véritables de ces textures émergent Essayez donc d'adopter le rythme lent et délibéré de la construction d'un élément après l'autre. Lorsque vous créez ces brins d'herbe, il est tout aussi important de respecter la perspective, car chaque brin peut avoir sa propre taille et sa propre forme. En général, leurs tailles doivent être cohérentes avec l'espace qu'ils occupent dans la composition. Les lames les plus éloignées devraient donc paraître plus petites pour conserver la sensation de profondeur. N'oubliez pas qu'il s'agit d'un aspect subtil mais crucial qui permet à votre lancer de lancer de se sentir ancré dans la réalité. Faites attention à la beauté avec laquelle l'herbe commence à prendre forme ici. Le fait que des brins d'herbe traversent et recouvrent partiellement les fruits est tout simplement merveilleux. Il crée un sentiment d'harmonie entre l'environnement naturel et les objets au premier plan, en les mélangeant parfaitement. Ce chevauchement des détails donne plus de profondeur à la composition, donnant aux fruits l'impression d'être véritablement immergés dans la scène. Mm. Lorsque vous travaillez sur les brins d' herbe les plus proches des fruits, il est important de profiter de l'occasion pour nettoyer le contour des fruits. Essayez d'utiliser des hachures pour combler ces petits espaces, en assombrissant les petits coins aux endroits où les fruits touchent le sol ou aux endroits où les lames se connectent à la Cela permet non seulement d'affiner les limites entre le fruit et l'herbe, mais également d'améliorer la profondeur de la composition Sur le côté droit de la composition, nous pouvons améliorer l'effet de la lumière frappant le gazon de manière plus visible, car la lumière vient de droite à gauche Cet effet devrait être doux, annoncé principalement en ajoutant plus de brins d'herbe illuminés. En utilisant le crayon rasoir pour créer ces lames plus légères, nous pouvons facilement suggérer la présence de lumière sans dominer De ce côté, l' herbe semble présenter des détails plus complexes de près, ce qui nous permet d' en saisir la richesse Essayez donc d'observer attentivement les subtiles variations de textures et de densité ici. Certaines lames peuvent se plier vers la lumière capter sa lueur, tandis que d'autres restent dans l'ombre, créant ainsi une interaction délicate La combinaison de lames plus claires et plus foncées est essentielle pour évoquer la complexité et la différence du cadre naturel N'oubliez pas que ces petites différences contribuent à créer une atmosphère plus réaliste. Remarquez comment je crée les brins d'herbe les plus proches de l'arrière-plan. s'agit simplement de coups consécutifs, car ces lames sont censées paraître très petites au loin. En utilisant ces lignes fines minimales, nous obtenons une impression de profondeur et de distance. Cette technique permet de maintenir l'illusion d'une tâche vaste coûteuse qui consiste à faire en sorte que les éléments de premier plan, comme les fruits, restent le point central de la composition En prime, je vais améliorer l'ombrage de la couronne d' ananas en approfondissant les ombres dans les zones qui reçoivent moins de lumière, fois sur la couronne et sur le corps de l'ananas Ainsi, en assombrissant ces parties moins éclairées, nous créerons un contraste plus riche et une sensation de profondeur plus prononcée Son raffinement subtil ajoute non seulement de la dimension, mais met également en valeur la texture et les détails complexes de l'ananas Regardez à quel point les fruits commencent à se mélanger magnifiquement maintenant. Les bananes sont délicieuses. Ils ont acquis une tridimensionnalité significative grâce à l'effet de l'herbe Je trouve également que l'ananas est très beau. Tout progresse bien jusqu'à présent, mais nous allons continuer à avancer dans la prochaine leçon 20. Détails de l'arrière-plan Nature morte en plein air: Bonjour, tout le monde. Dans cette leçon, nous allons nous concentrer sur la construction des éléments de l'arrière-plan, en particulier les arbres éloignés. Tout en peaufinant les ombres et les détails de l'ananas, je vais expliquer le processus plus en détail. Nous mettrons en pratique des techniques similaires à celles que nous avons utilisées dans l'exercice sur les arbres. Cela implique de créer de petites feuilles et branches pour façonner les arbres en arrière-plan. est essentiel d'établir un arrière-plan clair pour donner une impression de tridimensionnalité au dessin Cet arbre éloigné joue un rôle important dans ce processus, contribuant à améliorer la profondeur et le contexte de notre composition. Si vous observez des arbres éloignés sur l'image de référence, vous remarquerez qu'ils apparaissent flous. Ces effets imitent ce que fait naturellement l'œil humain, et la peinture et le dessin peuvent capturer ce phénomène visuel L'impressionnisme est un excellent exemple de la façon dont cet effet est représenté dans la peinture Mais dans le contexte de ce dessin et de cette leçon particulière, notre objectif est de représenter les branches les plus importantes avec un motif de feuilles qui nous permet de remplir efficacement l' espace Alors, n'hésitez pas à adopter cette approche. Nous allons capturer l'impression de l'arrière-plan sans trop de détails, en créant une impression de profondeur et distance qui enrichit la composition globale D'autre part, vous remarquerez peut-être qu'en raison la texture complexe de l'ananas, je consacre beaucoup de temps à ses détails dans chaque leçon Un autre aspect crucial à souligner est l'importance de progresser lentement dans les détails relatifs aux ananas Au fur et à mesure que nous progressons dans les autres éléments du dessin, nous recueillons de meilleures informations et établissons davantage de points de référence essentiels pour saisir la complexité de l' ananas Ce que je veux dire, c'est que le travail méthodique nous permet d'affiner notre compréhension de sa texture et de sa forme, ce qui améliore la précision et la profondeur de notre représentation concentrant d'abord sur les atomes environnants, nous créons une toile de fond plus complète et actuelle, fournissant un contexte plus clair pour l'ananas Cette approche progressive garantit que lorsque nous revenons à l'ananas, nous avons une base plus solide et une meilleure idée de la façon dont ses queues complexes s' intègrent dans la composition globale Nous allons maintenant passer directement à l'arrière-plan. commençant par les zones où se trouvent les branches des arbres, nous allons commencer par appliquer une couche de hachures pour remplir ces zones de graphite Cette couche initiale est cruciale car elle jette les bases des valeurs des tunnels qui amélioreront notre capacité à travailler ultérieurement sur des détails plus fins Ainsi, en recouvrant ces zones de hachures, nous créons une base cohérente qui permet de visualiser la structure globale et la profondeur des éléments d' arrière-plan De plus, cette approche nous permet de fabriquer des feuilles et des branches à la fois, en ajoutant des détails avec du graphite et en retirant le graphite avec un crayon effaçable Maintenant, dessinons doucement les contours des différentes grappes de feuilles. Cette étape nécessite un point doux pour s'assurer que les limites entre les différents groupes de feuillage sont définies de manière subtile Il est important d'être subtil dans ce processus afin de maintenir le flux et la texture naturels des feuilles. Nous allons maintenant utiliser des hachures pour ombrer les zones que nous avons définies Cet ombrage aidera à créer une toile de fond plus cohérente et plus réaliste Vous pouvez utiliser autant de couches d' éclosion que vous le souhaitez Une fois que nous avons ajouté les éclosions, nous pouvons commencer à introduire sauts avec de petites branches éparpillées Nous devons nous concentrer principalement sur les sauts situés le long des bords extérieurs du comptoir, car cela contribuera à créer l'illusion qu'ils appartiennent à un arbre plus grand Nous avons la liberté de dessiner autant de feuilles que nous le souhaitons, étendant même les branches et sautant sur toute la zone ombragée. Cependant, comme je l'ai mentionné, il n'est pas nécessaire de remplir tout l'espace. Il suffit de se concentrer sur les bords, car l'ombrage foncé représente une grappe dense de feuilles Mm. Cette section de l' arbre et des branches située directement derrière l' ananas est cruciale car elle permet de séparer les principaux éléments de la composition de l'arrière-plan. Cette distinction ajoute de la profondeur à la scène, en mettant en valeur les sujets principaux tout en insérant subtilement l'arrière-plan dans la deuxième couche Puisque nous touchons la couronne des ananas, nous pouvons en profiter pour ajouter plus de détails aux feuilles d'avril, en particulier celles qui entrent en contact avec le fond Cela aidera à mélanger le subtil CRM avec l'environnement tout en conservant son importance dans la composition Répétons le processus de ce côté de l'arrière-plan. Nous allons commencer par ajouter une couche d'ombrage à l'aide de hachures, et une fois cette base établie, nous pourrons commencer à intégrer Comme cette partie de l'arrière-plan est en contact avec le gazon, nous pouvons également en profiter pour ajouter détails supplémentaires au gazon si nécessaire. Essayez d'être patient et ne vous retrouvez pas coincé à essayer de faire pencher la balance en arrière-plan. N'oubliez pas que l'arrière-plan se trouve dans la deuxième couche et que l' attention et les détails doivent être concentrés sur les fruits au premier plan Faites attention à la façon dont la couronne de l'ananas semble plus tridimensionnelle le côté gauche étant plus ombragé que le côté droit. Nous avons progressivement développé cet effet mesure que nous progressons dans les autres zones du dessin. Cette approche étape par étape nous permet d'étendre le processus d'observation , essentiel pour obtenir un fort impact visuel. Nous pouvons ajouter des couches d'ombrage dispersées en arrière-plan simplement pour créer une texture qui complète la composition Même si ces ombres ne représentent rien de spécifique, l'œil humain les associera à d'éventuels éléments du paysage, comme une colline lointaine ou un groupe d'arbres. Et c'est tout. Notre historique est maintenant complet. Portez une attention particulière à toutes les petites feuilles de l'arbre. Même de loin, ils sont magnifiques. Les détails de la selle que nous avons ajoutés contribuent vraiment à la composition générale, mais nous continuerons à avancer dans la prochaine leçon 21. Détails Fine Nature morte en plein air: Dans cette leçon, nous allons nous concentrer sur les détails du dessin, en particulier sur les principaux éléments, les fruits. Comme nous l'avons déjà mentionné, le rythme des progrès devrait ralentir à ce stade car les détails sont plus petits, plus délicats et nécessitent beaucoup plus d'observation avant chaque coup. Nous allons commencer par une tomate. Lui donner des détails, c'est aussi faire attention à l' herbe qui l'entoure. De nombreux brins d'herbe se sont croisés devant la tomate. Il est donc important d' affiner ces détails pour créer un effet réaliste et de haute qualité. N'oubliez pas également que vous pouvez retoucher tous les éléments de la composition au fur et à mesure que vous avancez dans un élément spécifique Si vous regardez attentivement le centre de De tomato, vous remarquerez une grappe d'ombres irrégulières. À première vue, les dessiner peut sembler absurde, presque abstrait, mais il est essentiel de les suivre fidèlement. Même si elles peuvent sembler aléatoires, c'est en reproduisant soigneusement ces formes que nous commençons à découvrir la profondeur et la texture qui donnent à la tomate sa forme réaliste. Faites confiance au processus et laissez-vous guider par ces ombres chaotiques spéciales vers le résultat que nous visons Tout en dessinant, nous devons essayer d'être patients. la Renaissance, la création d'une peinture réaliste prenait souvent des mois, voire des années. Des artistes tels que Léonard de Vinci, Michel-Ange et Raphaël travaillaient sur chaque détail couche par couche, en ajustant les ombres, les textures et les couleurs avec une extrême Le processus de création de profondeur et réalisme a nécessité d'innombrables heures d'observation, affinant chaque élément jusqu'à ce qu'il reflète la vie elle-même. Ce dévouement à la queue, leur patience et leur maîtrise de leur art étaient essentiels pour obtenir la qualité réaliste qui nous fascine encore aujourd'hui. Lorsque nous travaillons ou dessinons, nous devons adopter un état d'esprit similaire, nous donnant le temps d' observer et de peaufiner chaque trait. Hum, pour mieux améliorer la texture de Detomto, nous devons nous concentrer sur les variations subtiles d'ombrage. Commencez par observer la façon dont la lumière interagit avec la surface Notez que la peau de Detomo présente transitions douces entre les zones les plus sombres et les zones plus claires Nous travaillons en douceur avec les hachures, puis en appliquant différents niveaux de pression pour créer ces dégradés Lorsque vous travaillez sur la texture des bananes, l' un des aspects les plus importants à prendre en compte n' est pas seulement leur teinte naturellement claire, mais également la présence de taches et de marques sur la peau Ces imperfections ajoutent du caractère au fruit, mais elles peuvent facilement être confondues avec ombres si elles ne sont pas manipulées avec soin. L'essentiel ici est de créer un fort contraste entre les ombres naturelles sur la surface incurvée des bananes et les points distincts qui font partie de la texture unique des bananes. Pour y parvenir, commencez donc par définir l'endroit où les ombres tombent naturellement sur la banane. Généralement le long des courbes, là où le fruit se détourne de la source lumineuse. Nous utiliserons des hachures douces et subtiles pour mettre en valeur ces zones, afin qu'elles paraissent douces et se fondent naturellement dans les parties les plus claires de la peau Une fois les ombres établies, nous pouvons nous concentrer sur l' ajout des points. Portez une attention particulière à ce détail important. Au fur et à mesure que j'affine les zones où les bananes touchent la tomate et interagissent avec les brins d'herbe, tous ces éléments créent une ombre foncée profonde dans cette zone, ce qui améliore considérablement la profondeur globale de la composition. Remarquez comment la première banane gagne en volume et tridimensionnalité en accentuant les ombres plus foncées juste au point où elle touche le sol cette attention particulière portée aux ombres et à la façon dont elles interagissent avec est cette attention particulière portée aux ombres et à la façon dont elles interagissent avec le sujet environnant qui donne vraiment vie à la scène, en faisant ressortir chaque élément de la composition de manière plus visible Ces taches sombres ne se trouvent pas seulement là où la banane rencontre le sol, mais également là où la tomate entre en contact avec elle. L'ombre sous la tomate est essentielle pour créer une impression de poids et de réalisme. Les zones de contact entre le fruit et le sol sont tout aussi importantes que les bords entre les fruits et le fond. Ces variations de selle, ces transitions de selle, que ce soit entre les objets ou leur environnement, créent une séparation visuelle qui donne de la profondeur à la composition Hum, il y a un détail important à garder à l'esprit en ce qui concerne les bananes. Ce ne sont pas de simples cylindres. Leur forme semble plus polygonale, ce qui signifie qu'ils ont défini des surfaces légèrement plates où la lumière se projette différemment de chaque côté Cette structure en selle confère aux bananes une texture unique, car chaque phase du polygone réfléchit la lumière sous un angle différent, créant ainsi une variation Lorsque vous les ombragez, il est essentiel de capturer ces formes dans les ombres et les lumières, afin d'améliorer le réalisme et de faire ressortir la forme caractéristique des bananes de votre composition Continuons à affiner la texture des pommes de pin en forme de losange. Si vous portez une attention particulière aux diamants, vous remarquerez des ombres et des textures subtiles à l'intérieur de chacun d'eux. Il existe un modèle que nous devons reconnaître et reproduire pour les décrire avec précision. Observez comment chaque diamant possède sa teinte unique, certaines zones étant plus foncées et d'autres plus claires, reflétant la façon dont la lumière interagit avec la surface du pommier de pin Essayez donc d'identifier et d'imiter ces petites variations. Concentrons-nous maintenant sur l'amélioration du contraste de la couronne d' ananas Nous devons renforcer le bord gauche des feuilles pour indiquer efficacement que la lumière vient du côté droit. Cela aidera à souligner la tridimensionnalité des feuilles et à rendre la source lumineuse plus apparente dans le dessin Prêtez attention à la façon dont je travaille feuille par feuille, ajustant soigneusement la valeur de la ligne et en portant une attention particulière à chaque feuille, aussi petite soit-elle , en particulier à celles du bas en contact avec le corps de l'ananas, car ces détails sont essentiels pour améliorer la représentation réaliste de la couronne Euh , regardez comme les bananes tonifient bien maintenant Les sites polygonaux sont beaucoup plus visibles. Chaque côté a une tonalité différente, ce qui ajoute de la profondeur et de la dimension au fruit. Ce détail donne aux bananes un aspect plus réaliste et visuellement plus attrayant, car les différentes tonalités mettent en valeur la forme et la texture de chaque segment. Observez à quel point il est amusant d'utiliser un crayon à effacer illuminer les côtés les plus éclairés des bananes, les rendant ainsi plus tridimensionnelles et plus réalistes Et tu es là. Nos fruits désormais beaucoup plus de texture et de volume. Nous passons à l'étape finale, où nous ajouterons du pastel blanc pour faire passer le dessin au niveau supérieur Rendez-vous dans la prochaine leçon. 22. Pastel blanc et finition finale nature morte en extérieur: Il est maintenant temps d'ajouter le pastel blanc. Nous utiliserons le bruit blanc pour mettre en valeur les zones les plus éclairées de la composition Le fond, en particulier, se démarque grâce à chaque diapositive. Nous allons commencer par appliquer le bruit blanc sur cette zone, en observant attentivement l'image de référence pour guider notre application Il est important de souligner que la technique que nous appliquons ici a également une finalité artistique. C'est ce que recherchent de nombreuses personnes qui suivent ce cours. Il ne s'agit pas simplement de créer une réplique photographique de l'image de référence. Les caméras peuvent le faire. Notre objectif est d'offrir quelque chose de plus pour fournir un point de vue personnel sur ce que nous voyons, tout en créant une représentation d'une nature morte. Il s'agit d'insuffler à l'œuvre d'art votre vision et votre touche uniques, en élevant l'œuvre au-delà d'une simple reproduction Commençons par ajouter de la lumière aux fruits, commençant par la couronne de l'ananas. Nous devons identifier les reflets les plus marquants et appliquer correctement le pastel blanc. Il est essentiel de le faire doucement et sans exagérer pour obtenir un volume convaincant Remarquez comment la lumière met même en valeur les diamants de l'ananas, donnant de la profondeur et de la dimension à chacun d'eux. Cette étape apportera une luminosité raffinée à notre dessin, accentuant les textures et les contours sur lesquels nous avons travaillé avec tant Faites attention à ce détail dans les ananas et diamants. Les épines de chaque diamant sont mises en valeur. Il s'agit d'un détail important à représenter. Il est important de mentionner que non seulement les épines sont mises en évidence, mais que certaines zones de chaque diamant sont également plus illuminées que les autres Commençons maintenant à appliquer le pastel blanc sur les brins d' herbe les plus saillants de l'ensemble de l'herbe. Nous devons tenir compte de la direction de la lumière ainsi que de l' épaisseur de chaque lame. Ce détail est magnifique. Une fois que nous aurons fini de l'ajouter, vous remarquerez une augmentation significative de la tridimensionnalité de l'espace Après tout, l'herbe est la surface sur laquelle repose la composition, et en la mettant en valeur correctement, nous améliorerons la profondeur et le réalisme du drone en la faisant passer au niveau supérieur. Un conseil important pour appliquer le pastel blanc le gazon est de l'utiliser sur différentes zones d'une même lame. Par exemple, vous pouvez l'appliquer à la base d'une lame ou sur un pli. Cette technique représente la façon dont la lumière se projette partiellement sur cette lame spécifique en fonction de sa position et de son angle. Remarquez à quel point le dessin commence à paraître intéressant avec ces détails. un excellent exemple de peintre impressionniste qui a magnifiquement capturé la texture et Claude Monet est un excellent exemple de peintre impressionniste qui a magnifiquement capturé la texture et le dynamisme de l'herbe Dans ses zones de peinture, telles que la pile de céréales et la falaise, marchent à portée de main. Monette a habilement reproduit les jeux d'ombre et de lumière sur le gazon, créant un portrait vivant et réaliste tout en conservant un portrait vivant et réaliste tout en conservant pinceau souple et une palette de couleurs éclatantes Même s'il ne s'agit pas d'exemples en noir et blanc, observation de la façon dont Monette utilise couleur et les coups de pinceau pour représenter le gazon peut inspirer dans la façon dont vous appliquez vos techniques d'ombrage et de texturation aux dessins en noir Maintenant , , regardez à quel point le pastel blanc est incroyable sur les bananes. Je l'applique aux sites polygonaux où la lumière frappe le Cet ajout améliore considérablement la tridimensionnalité des bananes, leur donnant un aspect plus réaliste et plus Le pastel blanc accentue les reflets et fait ressortir les contours subtils des bananes Je pense que ce détail met non seulement en valeur la tridimensionnalité du fruit, mais qu'il est également particulièrement remarquable car le pastel blanc crée un contraste subtil mais efficace avec le jaune des bananes La couleur jaune correspond étroitement à celle du papier, accentuant encore la lumière et le volume du dessin. Parmi tous les détails de ce dessin, la touche de pastel blanc sur les bananes est ma préférée. M Maintenant, monsieur, c'est amusant d'utiliser une barre blanche pastel pour égayer cette zone, surtout pour créer un contraste entre la couronne de l' ananas et le fond Comme il s'agit d'un stick pastel souple, son pigment adhère plus facilement au papier, ce qui me permet d'obtenir un éclairage plus intense et plus précis Et maintenant, je vais utiliser le merveilleux Pierre Noi pour renforcer les zones les plus sombres de l'ensemble du dessin Cela implique de se concentrer sur des points isolés et spécifiques, tels que la zone de contact entre la banane et le sol, la couronne de l'ananas et certains endroits sélectionnés du grain. Le Pierni adaptera l'intensité à ces zones sombres, améliorant ainsi le contraste général et apportant un effet plus spectaculaire Et c'est tout. Notre dessin est terminé. Cela ressemble presque à une représentation impressionniste de la réalité, où il ne s'agit pas de reproduire exactement la réalité, mais de créer un point de vue artistique qui nous plonge plus profondément dans notre imagination. À la prochaine. 23. Approche théorique Couloir Valparadis Château de Valparadis: Bonjour, tout le monde. Avant de nous lancer dans l'exercice de représenter l'intérieur à mi-chemin du château de Val Paradise, il est essentiel de s' inspirer des œuvres de Giovanni Paolo Panini Panini, peintre et graveur italien du XVIIIe siècle réputé pour ses scènes architecturales détaillées qui mêlent souvent réalité Ses œuvres sont une mine d' informations sur la capture de l' espace et de la lumière, ce qui en fait des références idéales pour notre projet La maîtrise de la perspective de Panini est évidente dans ses compositions, où il crée efficacement de la profondeur et de l'espace Par exemple, dans son tableau, L'intérieur de Saint-Pierre, utilisation de lignes convergentes amène le regard du spectateur vers le point de fuite, donnant une impression de grandeur Lorsque vous abordez votre dessin du château de Valpards, concentrez-vous sur l'établissement d' une perspective forte Essayez d'identifier vos points de fuite et utilisez des lignes orthogonales pour guider le spectateur dans le couloir Cette technique donnera non seulement une impression de profondeur, mais améliorera également la tridimensionnalité de votre dessin La capacité de Panini à capter les effets de la lumière est particulièrement remarquable Il a souvent représenté des pièces où la lumière traverse des arches ou des ouvertures, éclairant des zones spécifiques tout projetant d'autres dans l'ombre Cette interaction crée une atmosphère dynamique qui attire le spectateur Lorsque vous dessinez le couloir, réfléchissez à l'emplacement de votre source de lumière, surtout à partir des arches sur la droite. Utilisez des techniques d'ombrage telles que les hachures et les hachures croisées pour modéliser la forme des murs dans les détails architecturaux Imiter la façon dont la lumière interagit avec les surfaces. La variété de la qualité des lignes dessins de Panini est un autre aspect qui mérite d'être imité Il a habilement utilisé à la fois des lignes fines et délicates pour les détails complexes et des traits plus audacieux ou des éléments plus prononcés Cette variation permet de transmettre les textures et la profondeur, par exemple la douceur des colonnes en marbre poli, contrastant avec les textures rugueuses des murs en pierre Votre dessin, expérimentez différentes tresses ou techniques au crayon Utilisez un crayon plus doux pour les lignes plus foncées et plus épaisses, et un crayon plus dur pour les détails les plus fins Cette approche ajoutera de la richesse à votre illustration et permettra de distinguer les différents matériaux. une attention particulière aux détails architecturaux qui définissent l'œuvre de Benin. Il a fréquemment inclus ou fabriqué des colonnes, des moulures élaborées et des éléments décoratifs qui mettent en valeur la grandeur des espaces Dans notre représentation du château de Valparts, réfléchissez à la manière dont vous pouvez intégrer des fonctionnalités similaires Recherchez des motifs architecturaux uniques dans le château, tels que des presses décoratives, des arches ou même des pontons sur le sol. inclusion de ces détails enrichira votre dessin et établira un lien avec le contexte historique du château. Panini était également habile à arranger les éléments la composition afin de guider le regard du spectateur et de créer un équilibre Observez comment il a placé des personnages dans des éléments architecturaux pour créer une scène harmonieuse. Dans votre dessin, pensez à l'emplacement des portes, fenêtres ou de tout autre élément décoratif. Assurez-vous que ces éléments fonctionnent ensemble pour guider le regard du spectateur dans le couloir, créant ainsi un flux qui améliore la composition globale. En résumé, alors que nous nous préparons à illustrer le couloir intérieur du château d'Albatz, nous pouvons tirer de précieuses leçons de l'œuvre de Giovanni Paolo Panini En comprenant et en pratiquant ses techniques telles que la perspective, ombre et la lumière, la qualité des lignes , les détails architecturaux et la composition, nous pouvons créer un dessin qui est non seulement visuellement attrayant, mais également riche en contexte. N'oubliez pas que l'objectif n'est pas de reproduire le style de Panini, mais de tirer des leçons de son approche et d'appliquer ces principes à notre représentation unique de ce magnifique château Cette pratique vous aidera à apprécier la beauté complexe du Castilo de Val Paradis et vous permettra de transmettre sa grandeur et son importance historique à transmettre sa grandeur et son travers Cet exercice sera donc l' occasion de mettre en pratique tout ce que nous avons appris jusqu'ici. Commençons alors. 24. Corridor du château: Dans ce dessin, alors que nous abordons la représentation de ce couloir du château, nous travaillons avec un exemple de perspective classique Commençons par tracer ces angles ici. s'agit pas exactement d'un point de fuite, mais d'une sorte d'esquisse de l'axe central de ce couloir, qui guidera le placement des éléments architecturaux tels que les colonnes, les arches et les fenêtres Faites attention au triangle formé lorsque vous décomposez le couloir en une forme bidimensionnelle. Comme la figure bidimensionnelle est un triangle, nous pouvons identifier ses angles, et notre perception est très sensible à ces angles. En étendant les angles de l'extrémité du couloir vers le plafond, nous pouvons déterminer la hauteur du plafond sur l'ensemble du couloir. Puisque nous connaissons déjà l' emplacement de cette arche, il suffit de tracer les angles correspondants pour les lignes qui disparaissent de l'arche vers le reste du couloir Ces lignes nous guideront dans la construction de la profondeur et de la perspective de ce couloir, créant ainsi une impression de réalisme lorsqu' elles convergeront vers le point de fuite Il y a un détail important à noter. Vous pouvez observer une légère inclinaison de la ligne inférieure de notre dessin vers le côté gauche. La raison en est que, de notre point de vue, nous sommes placés plus près du mur que du côté des arches. Cela provoque un comportement déformé de la perspective . Même si cela peut sembler un parfait exemple de perspective complètement régulière, ce n'est pas le cas. La distorsion subtile ajoute de la complexité et du réalisme, nous rappelant que la perspective n'est pas toujours parfaitement symétrique Notez que j'ai tracé une ligne au centre du couloir sur toute sa longueur. Cette ligne m'aide à déterminer la position des lumières projetées sur le sol. Ces lumières sont cruciales pour le dessin, non seulement pour leur qualité visuelle, mais aussi parce que leur forme nous aidera à construire de nombreux autres éléments de la composition. Remarquez maintenant qu'en construisant des lignes qui forment des angles, j'essaie de découvrir la forme de la première zone de lumière projetée. Maintenant, je suis en train de construire la première partie du mur. Regardez attentivement comment je trace l'angle formé à la jonction pour déterminer la hauteur de la base du mur. Tout dépend de ces angles. Ils nous aident non seulement à définir la structure, mais également à maintenir proportions précises en perspective tout au long du dessin. Il y a un point important à comprendre ici. Du point de vue du couloir, les fenêtres semblent plus hautes et plus allongées qu' elles ne le sont réellement C'est le résultat de la perspective, qui en déforme les véritables proportions Il est essentiel de reconnaître cet effet afin que, lorsque nous les dessinons, nous puissions capturer avec précision leur apparence de notre point de vue, même si les dimensions réelles peuvent différer. Il est important d' apprendre à nous guider, notamment en observant et en reliant les fenêtres à tous les éléments qui les entourent. La base du mur, l' arche au-dessus, le plafond devraient tous servir de points de référence pour découvrir la forme des fenêtres. De ce côté du couloir, il y a cinq arches qui forment cinq fenêtres ou sources de lumière. En raison de la perspective, seules deux de ces fenêtres occupent plus d'espace de ce côté du mur que les trois autres. Il s'agit là d'une observation fondamentale. Près des deux tiers de la moitié du terrain sont occupés par les deux premières fenêtres du point de vue que nous les observons. est donc essentiel de comprendre cette relation pour décrire avec précision la profondeur et structure du couloir et du dessin Essayez d'observer le processus à chaque trait plus d'une fois. La phase de construction est l'épine dorsale de notre dessin. Je veux dire, c'est au cours de cette phase que nous établissons le cadre essentiel, préparant le terrain pour tout le reste qui suivra. Lorsque nous avons confiance en une pièce, nous avons une pièce prête à l'emploi. Nous pouvons commencer à ajouter des détails. Par exemple, ici, je travaille sur la partie intérieure des fenêtres. La raison en est que je crois que les fenêtres étaient plus belles que les premières lignes représentant les lumières du sol. Cela me permet de revenir en arrière et d'ajuster ces lignes sur le sol afin qu'elles s'alignent parfaitement avec les fenêtres, car elles constituent désormais un point de référence solide. Je vais maintenant travailler à la construction des colonnes qui soutiennent les arches. Il est important de comprendre que ces colonnes sont cylindriques. Pour les dessiner, nous créons d'abord une sorte de pipette parallèle verticale dans laquelle se trouve le cylindre Cette étape nous aidera à mieux déterminer la position et les proportions précises de la colonne. Ce sont des colonnes corinthiennes, typiques de l'époque médiévale, notamment celles d'un château du XIVe siècle Le design de ces colonnes est inspiré de la Grèce antique , comme en témoignent les chapiteaux des colonnes. Maintenant que nous avons construit les arches et les fenêtres, nous pouvons terminer tout ce qui se trouve à côté. Je parle de cette partie du dessin, comme l'arrière-plan de l'autre couloir du château. Ce que je veux dire, c'est que les colonnes contiennent suffisamment d'informations pour créer l'arrière-plan avec précision. Par exemple, nous avons la position exacte où le couloir d'arrière-plan touche la colonne, ce qui est une information précieuse. Cet alignement précis permet garantir que les éléments d'arrière-plan sont placés avec précision par rapport aux colonnes et aux arches. N'oubliez pas qu'en général, les dessins et croquis n'ont pas besoin d' être complètement précis. De nos jours, il existe une sorte de tendance écocentrique dans le dessin réaliste à imiter exactement les Cette approche n'a pas toujours de sens. Je suis basé à Barcelone. Je vis actuellement entre Barcelone et Paris, et dans aucun des deux endroits, les galeries ne valorisent ces œuvres. Les consommateurs d'œuvres d'art de grande qualité s'intéressent davantage à l' essence et à la créativité qui sous-tendent la façon dont un objet est représenté qu'à la reproduction fatidique d'une photographie Cela ne signifie pas que nous ne devons pas saisir la réalité telle qu'elle est. Mais le processus de copie exacte d'une photographie est plus scientifique qu'artistique. Nous pouvons également utiliser des lignes pour indiquer la quantité de lumière et d' ombre présente dans l'espace. Par exemple, dans les parties intérieures des arches, nous pouvons assombrir ces lignes pour suggérer qu'un ombrage devrait y être appliqué ultérieurement Cela permettra de guider le processus d'ombrage et de garantir que la lumière et les ombres sont représentées avec précision sur l'ensemble du dessin Maintenant, nous devons procéder à la création d' une projection de lumière sur le sol. Nous devons suivre la forme des ombres comme s'il s'agissait d'objets eux-mêmes. Bien entendu, nous devons respecter les lignes des fenêtres, qui indiqueront d'où provient chaque ombre Si vous prêtez attention au sol lors de la projection de lumière, il est plus facile de compter le nombre de fenêtres et d'observer comment elles changent de taille le long du couloir en raison de la perspective. Vous pouvez voir les cinq fenêtres. Notez qu'en raison de l' angle que nous observons, la projection lumineuse correspondant à la dernière fenêtre apparaît partiellement. Nous pouvons remplir tout l'espace extérieur projection de lumière avec du graphite à l'aide de hachures. Cela nous aidera à orienter l'ombrage du dessin et à obtenir un aspect plus cohérent. Il est maintenant temps de faire le rendu du plafond. Nous le construirons en utilisant les poutres qui soutiennent le toit comme référence. Pour créer ces poutres, nous devons observer leur origine, en particulier près des fenêtres. Ce point clé nous aidera à tracer la ligne complète qui soutient le plafond. Notez qu'il existe un schéma à suivre lorsque vous continuez la séquence de faisceaux. Une poutre commence juste au-dessus de la fenêtre tandis qu'une autre est positionnée entre les fenêtres. Nous devons suivre ce schéma jusqu' au bout du couloir. Maintenant, pour compléter la structure du couloir, nous devons également construire ce coin ici dans la colonne principale. Tout comme nous avons créé une ligne inclinée à partir de la base pour construire la base où reposent les fenêtres, nous avons maintenant le point initial pour créer ce coin ici. En réalité, tout ce processus est plus simple qu'il n'y paraît. Nous ne dessinons pas avec nos mains. Nous dessinons avec nos yeux. Tous les défis du dessin sont liés à la façon dont nous percevons les choses. Notre esprit peut nous aider à voir les objets en trois dimensions. Nous devons donc comprendre que nous capturons un espace tridimensionnel dans un langage bidimensionnel tel que le papier. Et c'est tout. Nous avons maintenant le dessin de ce magnifique couloir depuis le château de Val Paradis. Essayez de mettre en pratique tout ce processus de construction, et je vous verrai dans la prochaine leçon. 25. Premiers détails Couloir du château: Dans cette leçon, nous allons commencer à ajouter les premiers détails au corridor. Commençons par positionner cette porte d'automne sur le mur de gauche, pendant que j'explique. Cette leçon portera principalement sur la construction du plafond et sur l'ajout de détails de texture au mur avec les fenêtres et les arches. Commençons par le plafond. Si vous regardez l'image de référence, le plafond comporte plusieurs couches de détails. La première couche est constituée des poutres horizontales principales, et nous devons les rendre exactement telles qu'elles apparaissent car elles constituent l'élément le plus distinctif du plafond. Cependant, au-dessus de ces poutres, il y a un long ensemble de planches de bois qui constituent la structure du plafond Bien qu'il y ait un certain nombre de planches entre chaque poutre, il n'est pas nécessaire de suivre le nombre exact Tant qu'il y aura suffisamment de planches pour exprimer l'essence du plafond, cela suffira à le représenter Le plus important est reconnaître le schéma à suivre et, bien sûr, de bien dessiner les principaux éléments, qui sont dans ce cas les plus gros faisceaux. La première chose que vous allez faire est de créer une ligne parallèle. À côté de chaque ligne, nous avons déjà dessiné les poutres. Ce faisant, nous donnons immédiatement aux poutres une impression d'épaisseur et de profondeur. Nous allons répéter ce processus pour chaque faisceau jusqu'à ce que nous atteignions le dernier. N'oubliez pas qu'au fur et à mesure que les faisceaux s' éloignent, leur épaisseur devrait progressivement diminuer En fait, vous pouvez vous guider par la distance entre les poutres et les arches des fenêtres. Cet espace doit rester proportionnel sur toutes les fenêtres. Faites attention au détail : au fur et à mesure que les poutres s'éloignent, les lattes de bois du plafond disparaissent progressivement de la vue Et cela est dû à l'angle de vision. Ce genre de détails peut sembler évident, mais il est essentiel d'en être vraiment conscient , de dessiner avec précision. L'ombrage des poutres est crucial. Nous les aborderons dès maintenant en raison de leur importance. Notez que le dessous des faisceaux est plus éclairé Nous pouvons donc appliquer des hachures sur les côtés pour créer l'effet visible visible sur l'image de référence Cela contribuera à accentuer le contraste entre la lumière et l'ombre, donnant ainsi de la profondeur à la structure du plafond et faisant ressortir les poutres Faites attention au fait que j'ajoute graphite sur le bord des poutres. Nous devons donc essayer de compléter également ce coin ici, et nous allons passer à l'arche. Vous pouvez remarquer que l'arc lui-même est constitué de pierres. Nous devons donc essayer de les dessiner en faisant attention aux lignes qui représentent les points communs entre chaque pierre. Une fois que nous aurons terminé ces arches, nous pourrons revenir aux poutres. Pendant que nous dessinons, il est important de tout faire progresser simultanément. Nous pouvons nous concentrer sur une partie à la fois, mais si nous pouvons faire avancer d'autres domaines, il est crucial de le faire. Cela nous permet d'améliorer progressivement l' ensemble du dessin. Ainsi, en travaillant de cette façon, nous observons les domaines sur lesquels nous travaillons actuellement imposés pour voir comment tout fonctionne. Ce que je veux dire, c'est que l'équilibre entre plusieurs sections nous permet d' affiner les détails et de les synchroniser, permet à la composition globale d' évoluer de manière plus naturelle et plus cohérente Mais maintenant, passons aux planches supérieures du plafond Je vais commencer par dessiner celui qui est le plus proche du mur de droite, car cela servira de guide pour continuer à ajouter les autres. Comme je l'ai déjà mentionné, il n'est pas crucial de compter exactement le nombre de planches , tant que le dessin semble réaliste et convaincant, c'est largement suffisant En réalité, le nombre de planches peut varier. un point de vue architectural, il pourrait y avoir plus ou moins de planches. Mais ici, il s'agit de suivre la séquence progressive, s'assurer que la perspective reste précise et maintenir une distance constante entre chaque planche Fais attention ici. Je vais économiser une distance pour dessiner le suivant. Toutes ces planches de bois peuvent en effet varier. Je veux dire, même si sur le mur, cela peut sembler être une longue planche continue qui s'étend en travers Ils sont en fait composés de nombreuses sections plus petites réunies. Vous pouvez le remarquer car si vous regardez attentivement l'image de référence, la position d'une planche ne correspond pas parfaitement à celle de la section suivante Cette variation de diapositive est essentielle à capturer car elle ajoute de l'authenticité à la texture et à la construction du plafond. D'autre part, il reflète également la nature des anciennes conceptions architecturales où matériaux étaient assemblés plutôt que d'être un élément solide Je vous recommande vivement de prendre votre temps avec le plafond. Cela demande un peu de patience, mais je vous assure que ce sera l'un des éléments les plus captivants de tout le dessin Concentrez-vous sur chaque section au fur et à mesure et laissez le processus être aussi important que le résultat final. Ce genre de détail, bien que chronophage, est ce qui donne vie à un dessin. Maintenant que je travaille à ajouter quelques détails à cette colonne dans le coin, prenez un moment pour prendre du recul et observer les progrès réalisés au plafond. Comme je l'ai mentionné, il est crucial de développer plusieurs sections du dessin simultanément. Cette approche vous permet de prendre du recul et d'évaluer la composition globale avec clarté tranquillité d'esprit, ce qui vous donne une meilleure la façon dont tous les éléments s'assemblent. De loin, il est donc clair que les planches de bois doivent être plus foncées pour mieux ressortir Alors allons-y et je vais les assombrir. Je vais m'assurer d'appliquer un ombrage uniforme sur toute la surface Je vais maintenant ombrer les lignes du couloir pour mieux mettre en évidence la profondeur et les dimensions du mur alors que la ville s'éloigne au loin Ainsi, en renforçant ces lignes, nous pouvons guider le regard du spectateur dans le couloir et améliorer l'effet de perspective. Maintenant, concentrons-nous sur ce mur. Nous allons commencer par dessiner les gros blocs de pierre qui le composent. C'est en fait plus facile qu'il n'y paraît car ces blocs sont des pierres massives. Mais attention, ce ne sont pas de petites pierres pavées, mais plutôt de gros blocs de forme irrégulière Cela nous donne l'occasion d' expérimenter différentes tailles et formes, ce qui nous permet de créer un effet visuellement convaincant. Pour ce faire, concentrez-vous sur la capture de la variation des pierres. Certains peuvent être longs et rectangulaires, tandis que d'autres peuvent être plus courts et plus carrés. C' est cette irrégularité qui donnera au monde son atmosphère historique authentique Et lorsque nous passons d' un glock à l'autre, gardez à l'esprit les légères variations de texture et les petites imperfections qui accompagnent l'âge Et fais bien attention à ce que je fais. Je ne fais pas ce que je vois sur l'image de référence. Je fais une sorte d'interprétation de ce que je vois dans l'image de référence. Il s'agit d'une distinction importante dans l'art du dessin, saisir l'essence d' une structure plutôt que de se préoccuper trop de la précision parfaite. Au fur et à mesure que vous progressez vers le bas du couloir, la tâche devient plus facile car vous aurez plus de liberté pour expérimenter. Vous n'aurez pas besoin de suivre l'image de référence d'aussi près. Passons maintenant à l'autre mur, et je vais faire le premier pas dans la construction la maçonnerie que nous aborderons en détail dans la prochaine leçon Je veux dire le pavé. Ce que nous allons faire, c'est créer des bandes en perspective depuis le bout du couloir jusqu' à la section la plus proche de nous. Ces bandes n'ont pas besoin d'être parfaitement uniformes, ce qui signifie qu'elles ne doivent pas conserver exactement la même épaisseur entre elles. Et pourquoi ? Parce que les murs en pierre sont composés de nombreuses pierres de forme irrégulière Bien qu'ils suivent les règles de la perspective, ne suivent pas un schéma parfaitement cohérent. Notre objectif ici est donc d'établir une structure de base qui laisse entrevoir l'irrégularité de la maçonnerie Les pierres respecteront donc toujours la profondeur et la direction générales de la perspective. Mais les variations de selle ajouteront à l'authenticité et au caractère du mur Je vais maintenant faire ce petit détail. Je vais me concentrer sur la représentation de la texture du mur au bout du couloir. Je vais ajouter d'autres détails ici dans cette boutique d'automne. Et tu es là. Nous avons réalisé des progrès significatifs dans le cadre de cette importante leçon. Vous pouvez toujours revenir en arrière et revoir le contenu, en particulier la section du plafond, car cela demande de la patience et une attention particulière aux détails. Prenez votre temps et ne précipitez pas le processus. Je te vois dans la prochaine leçon. 26. Le couloir du château mural: Bonjour, tout le monde. Dans cette leçon, nous allons nous concentrer sur la création de la maçonnerie sur le mur Tout comme nous l'avons fait pour les blocs de l'autre mur, nous allons cette fois interpréter ce mur, en comprenant que même si les pierres sont de forme irrégulière, elles suivent toujours une perspective, comme vous pouvez le voir sur l'image de référence. Cela prendra donc un certain temps car chaque pierre doit être dessinée. Mais les directives que nous avons créées dans la leçon précédente nous aideront à placer correctement les pierres sur le mur. Vous pouvez donc remarquer à quel point les pierres diffèrent en taille et en forme, tout en respectant la structure globale de la perspective. Si vous observez attentivement l'image de référence, vous pouvez même remarquer des pierres allongées. Quelle que soit la forme de la pierre, nous allons nous concentrer sur le tracé de ses contours La texture de la pierre n'est pas importante à ce stade. Notre priorité est le tracé de la disposition des pierres sur le mur. Chaque pierre a sa propre forme et en nous concentrant uniquement sur le contour, nous veillons à ce que la structure globale du mur reste intacte. M Vous remarquerez peut-être que je dessine généralement les pierres plus grandes que celles de l'image de référence. Il y a deux raisons principales à cela. Tout d'abord, pour terminer le processus plus rapidement. Ensuite, parce que l'effet que cela créera sur la perspective sera meilleur. Plus les pierres du premier plan sont grosses et plus elles deviennent petites vers l'arrière-plan, plus la sensation de profondeur sera prononcée dans le couloir pierre a une riche histoire remonte aux civilisations anciennes, où elle était vénérée non seulement pour sa durabilité, mais aussi pour sa Pensez aux pyramides d'Égypte, aux temples de Grèce ou forteresses de l'Europe médiévale, chacune construite pierre par pierre, chaque bloc contenant des siècles d'histoires entre ses mailles À l'époque médiévale, la pierre est devenue le matériau de prédilection du château de Saint-Cathédrales, non seulement pour sa résistance au temps et aux envahisseurs, mais aussi parce que sa solidité était synonyme de puissance et mais aussi parce que sa solidité La maçonnerie a quelque chose de poétique. Il s'agit d'un processus qui consiste à assembler des fragments de la nature en faire des arches, des bains, presque comme s'il s'agissait du temps dans la nature elle-même. Bien que le travail ait été laborieux, le résultat en valait toujours la peine , témoignant de la créativité et de l' endurance des constructeurs Alors que vous dessinez chaque pierre, imaginez-vous comme l'un de ces anciens artisans, façonnant pierre par pierre un héritage intemporel. La maçonnerie a toujours joué un rôle important dans la construction des forteresses et des châteaux, apportant force, résilience et Le château de Val Paradise, que nous donnons vie à travers notre dessin d'aujourd'hui , est un bel exemple de cet art. Situé à Terraza, en Catalogne. Cette forteresse médiévale date du XIIe siècle. Bien que ses origines remontent plus loin dans l'histoire de la brume. Construit à l'origine comme un grand manoir, il est devenu un château au XIVe siècle lorsqu'il a été fortifié pour résister au climat politique tumultueux de l'époque Bulpur, ces murs de pierre ont connu des siècles de changement, passant d'une résidence noble à agarthusien Chaque pierre contient une source de chevaliers, de moines et de dirigeants qui sont passés par ses trous. Je pense donc qu'en dessinant ses arches et ses pierres, vous ne vous contentez pas de créer un bâtiment. Vous canalisez des siècles d'histoire catalane, remplis de moments de triomphe, de foi et de transformation Portez une attention particulière à cette partie ici. Vous pouvez vraiment voir comment je suis les lignes pour fabriquer des pierres irrégulières C'est la beauté du dessin sur pierre. Son réalisme ne s'estompe pas à cause de l'imperfection. En fait, les irrégularités donnent vie à la bête. Chaque pierre semble unique, comme si elle avait sa propre histoire. Vous pouvez remarquer quelque chose de caractéristique de ce type de mur de pierre. Si vous observez attentivement, les pierres situées près du plafond sont plus chaudes et plus allongées que celles du bas Il y a deux raisons principales à cela. Tout d'abord, bon nombre de ces pierres smo soutiennent celles situées au-dessus d'elles. Et deuxièmement, il est tout simplement plus difficile de transporter de grosses pierres jusqu'à des niveaux supérieurs. Le travail consistait souvent à faire des grillades et ce type de maçonnerie était pratiquement effectué à la main La fatigue des ouvriers se reflète subtilement dans la construction elle-même. Comme ils optent naturellement pour des pierres plus petites lorsqu'elles atteignent les parties les plus hautes du mur, ce détail ajoute une touche humaine tacite à l'art de la maçonnerie Maintenant que les pierres de notre mur sont en place, concentrons-nous sur l'ombrage du sol avec le ton approprié Nous utiliserons des hachures croisées pour remplir régulièrement le sol de graphite, afin que l' ombre s' intègre parfaitement au reste de la composition Cette technique permettra créer une véritable impression de lumière. Même si l'ombrage couvre tout le sol, il faut respecter le détail selon lequel l'ombre la plus proche du mur droit, où se trouvent les fenêtres est plus foncée que le reste de l'ombre Cela est dû au fait que le mur bloque beaucoup plus de lumière dans cette zone du sol. fait de refléter avec précision cette variation d'ombrage contribuera à améliorer le réalisme de notre dessin et à transmettre clairement la véritable plaque d'ombre et de lumière dans l'espace Maintenant, affinons certains détails et ajoutons plus d'ombrage à la partie supérieure du mur sur lequel nous travaillions Cet ombrage supplémentaire nous aidera à nous rapprocher de l'image de référence Et surtout, cela nous permet de mieux organiser les ombres tout au long du dessin. Je vais également ombrer ce fond ici, et ce sera le dernier détail de cette leçon. Et tu es là. Ou le dessin commence à prendre vie. Nous avons ajouté de nombreux détails et obtenu une très bonne approximation de l'ombrage général Continuez à observer et à pratiquer ces techniques, et vous verrez encore plus de progrès dans votre travail. Rendez-vous dans la prochaine leçon. 27. Ajuster les ombres Couloir du château: Cette leçon vise à affiner l'ombrage de tous les éléments du dessin et à ajouter des détails plus approfondis Nous allons commencer par améliorer l'ombrage du plafond ainsi que la texture et les tons des poutres Il est essentiel que certaines zones soient cohérentes, ce qui signifie que les zones réellement sombres doivent recevoir suffisamment de graphite pour refléter réellement leur obscurité. Parfois, nous pouvons laisser des espaces découverts révélant la couleur du papier. Cela peut modifier le ton et la texture de la surface que nous créons, modifiant ainsi sa nature. Nous devons donc veiller à éviter cela et assurer que chaque détail est représenté avec précision. De la même manière, nous améliorerons l'ombrage et les lignes du sol Par exemple, les lignes situées au loin, en particulier à l' extrémité du couloir, doivent être plus précises pour vraiment exprimer le point de vue approprié. Lorsque nous assombrissons des éléments tels que le plafond, nous devons être conscients que le ton général du dessin change Cela signifie que nous devrons probablement assombrir d'autres zones du dessin pour qu'elles correspondent au ton plus foncé du plafond sur notre image de référence Cela garantit un langage visuel harmonieux et cohérent tout au long de la pièce. Par exemple, à la fin du couloir, la ligne devient très importante. En appliquant un dégradé le long de cette ligne, nous pouvons créer efficacement une ombre cruciale pour l'arrière-plan. Notez que le ton du plafond est similaire à celui du bord inférieur du mur droit. Ce type de cohérence de l'ombrage permet d'unifier les éléments d'un dessin Bien que nous ne soyons pas encore en mesure de nettoyer le pavé détaillé du sol, il est important d'obtenir la bonne gamme de gris et d'ombres à ce stade Cette étape est cruciale à ce stade, car dans la dernière leçon, nous ajouterons les détails du pavé à l' aide de basilic blanc Il est donc essentiel de s'assurer que les tons les plus sombres sont correctement définis dès maintenant. Passons maintenant à l' ombrage du mur de droite. Si vous regardez l'image de référence, vous remarquerez que chaque tonalité est plus foncée car la lumière est projetée plus directement sur le mur de gauche. Nous devrions ajouter de l'ombrage en utilisant des hachures très légères pour éviter d'en faire trop Appliquez-le de manière subtile et progressive. Prenez toujours du recul pour voir l'effet global et apportez les modifications nécessaires. De plus, nous pouvons affiner et améliorer les détails du mur, notamment les bords et les coins polygonaux dotés de tons d'ombrage spécifiques Ces détails, par exemple, sont importants. Ici, vous pouvez voir comment mettre en évidence la structure tridimensionnelle du mur. Le mur présente des détails polygonaux qui doivent être soulignés Maintenant, ajoutons un autre détail. Nous devons créer un effet selon lequel les blocs de ce mur ont leurs propres tons distincts. Nous pouvons y parvenir en faisant varier l'ombrage de manière aléatoire. Même si cela n'apparaît pas sur l'image de référence, nous allons également assombrir les arches et les rochers qui les composent pour donner plus de tridimensionnalité au monde Je vais maintenant mélanger tout le graphite qui recouvre le sol pour créer un ton plus doux. Cela permettra d'obtenir une apparence plus uniforme et raffinée, en veillant à ce que l'ombrage du sol s' intègre parfaitement au reste de la composition Continuons à améliorer le plafond. Notez que chaque fois que j' ajuste une ombre dans une zone, cela nous fournit des informations pour affiner davantage le plafond. Ce détail suivant est crucial. Je vais ombrer les colonnes pour indiquer que la source de lumière vient du côté droit. Par conséquent, les colonnes doivent être légèrement plus foncées sur le côté gauche. Nous pouvons utiliser le dessin au trait comme outil pour créer cet effet, modifiant subtilement l'ombrage pour améliorer l' apparence tridimensionnelle des colonnes Revenons maintenant au plafond et au bout du couloir, en affinant les deux à plusieurs reprises jusqu'à ce que nous obtenions le ton souhaité. C'est ainsi que nous perfectionnons le dessin en améliorant continuellement tous les aspects simultanément, en particulier aux stades avancés de l'œuvre d'art. La capacité de détecter une large gamme de grâce lorsqu' il s'agit de dessiner est cruciale pour obtenir un bon résultat. C'est quelque chose que mes professeurs de dessin mentionnaient toujours. Tant que nous détectons un grand nombre de tons dans une teinte, nous serons en mesure de créer un dessin plus sophistiqué. Notez que sur le mur intérieur, il existe également des variantes de tons qui permettent de passer de la zone la plus proche du plafond à l'extrémité du couloir. Cela rend le mur plus réaliste. Prêtez attention à la façon dont je m'occupe méticuleusement des contours des poutres, en particulier là où elles rencontrent le mur Chaque ligne et chaque espace entre les pierres sont dessinés avec soin, jusqu'à former une carasse délicate sur une surface partagée Cette attention aux détails ne se limite pas à la précision. C'est une danse d' ombres et de textures, une douce étreinte de forme et de lumière. En affinant ces contours et ces textures, nous introduisons une narration en profondeur et en dimension dans le dessin, comme retracer l'essence même de la structure. Ce processus méticuleux transforme donc le dessin d'une simple représentation en une entité vivante respirante où chaque ligne et ombre contribuent à une symphonie de poésie visuelle Je vais maintenant apporter la touche finale au plafond. Alors que nous nous préparons à aller de l'avant, soyez fiers des progrès réalisés dans les compétences perfectionnées. Que cette leçon nous rappelle le pouvoir de la patience et de la précision. Gardez votre vision étendue et votre esprit résilient. La vraie beauté de votre art ne réside pas seulement dans la pièce finie, mais aussi dans le parcours de création lui-même. Je te vois dans la prochaine leçon. 28. Détails finaux et couloir du château de craie: Dans cette dernière leçon, nous appliquerons le pastel blanc au dessin. L'objectif ici est de capter la lumière de manière à ce que la couleur naturelle du papier représente la couleur des pierres du château. Cet effet est vraiment magnifique, car il conserve la brillance subtile de l'œuvre d'art qui transforme l' ensemble de la composition Nous allons commencer par renseigner les zones les plus éclairées de notre image de référence. Dans ce cas, nous nous concentrerons sur la projection de lumière sur le sol du couloir. Regardez le pastel blanc donner vie délicatement à cette partie du dessin, créant un contraste saisissant entre ombre et lumière Remarquez comment j'utilise le bâton pastel pour remplir l'intérieur de la zone éclairée, l' étalant uniformément sur la surface pour améliorer la luminosité. Je passe ensuite au crayon pastel pour les contours, en veillant à ce que les bords soient nets et précis. Cette combinaison de techniques nous permet de créer une distinction claire entre ombre et lumière. N'oubliez pas que vous devez étaler le pastel uniformément sur la surface, afin que le pigment adhère vraiment au papier. Vous pouvez utiliser vos doigts pour le mélanger doucement, en vous assurant que la texture est lisse et uniforme. Regardez à quel point les projections de lumière commencent à prendre forme magnifiquement . Maintenant, en utilisant également le pastel blanc, sentons les zones du mur droit où la lumière frappe directement. Nous pouvons également remplir le ciel visible à travers les fenêtres à l' arrière avec du pastel blanc, car ce sont des zones très éclairées, ce qui renforcera la sensation de profondeur et d'espace ouvert, créant un fort contraste entre les ombres intérieures et la douce lumière rougeoyante provenant de l' De plus, nous pouvons également utiliser le crayon pastel blanc pour donner du volume à certains éléments. Remarquez comment j'ajoute du pastel blanc sur le bord du mur de gauche pour le faire ressortir davantage. Il en va de même pour la fausse porte. Essayez de voir la différence que cela fait. Cet ajout subtil de lumière apporte plus de profondeur et de réalisme. Et, bien sûr, il ne faut pas oublier le plafond, qui a aussi ses propres points positifs. Nous pouvons également jouer avec le crayon pastel blanc pour mettre en valeur les zones illuminées. Nous passons maintenant à l'élément le plus important de cette leçon, la création de la pierre pavée sur le sol en utilisant du pastel blanc Tout d'abord, nous essaierons de tracer des lignes croisées pour représenter les pierres posées sur le sol. Heureusement, ces pierres sont irrégulières, mais elles ont tendance à suivre un motif rectangulaire. Nous devrions donc essayer de suivre cette structure. Si vous observez l'image de référence, vous remarquerez que dans certaines zones, les divisions entre les pierres ont un ton plus foncé, tandis que dans d'autres, elles apparaissent plus claires. Il s'agit d'un effet de lumière sur le matériau lui-même. Quelque chose que nous pouvons essayer de capturer en utilisant la fois du pastel blanc et du graphite. Lorsqu'il s'agit de fabriquer ce type de pavés, il est important de tenir compte du fait que, dans certains cas, le blanc des lignes provient du matériau de la pierre elle-même Dans d'autres cas, c'est le résultat de l' interaction de la lumière avec la surface. Remarquez comment je crée les rectangles en laissant le graphite dont nous avons besoin exposé, ce qui permet à l'effet des lignes de démarcation entre les pierres d'apparaître naturellement L'essentiel est de laisser les lignes sombres qui les séparent exprimer la division et l' irrégularité qui rendent le travail de la pierre si fascinant Mm. De plus, nous n'avons pas besoin de créer tous les calculs de glucides sur l'ensemble du sol Il suffit de se concentrer sur la section la plus proche de chez nous. Comme l'arrière-plan est trop éloigné pour remarquer les détails complexes des pierres, il n'est pas nécessaire de les y représenter. Cela permet non seulement de gagner du temps, mais aussi d'accroître le réalisme car les détails s'estompent naturellement dans les zones éloignées de la composition. Personnellement, je trouve que le rendu du sol de cette manière est profondément artistique, digne d'une peinture impressionniste Remarquez comment même la couleur blanche capture les particules de pierre des murs éparpillés sur le sol. Ce détail visible sur l' image de référence renforce le réalisme de notre dessin. Mais je dois dire que ce qui est vraiment remarquable, c'est la façon dont la lumière imprègne désormais la scène, créant une sensation vive de forte illumination dans l'espace Prêtez une attention particulière à quelque chose d'important. Observez comment j'ajoute texture aux pierres dans la zone de cobal Mais surtout, observez le rythme auquel les détails ou les modifications sont ajoutés. Découvrez la lenteur de ces ajustements. Il est essentiel de développer l'habileté d'apporter des modifications subtiles immédiatement visibles et affiner la lentille entre les pierres, la texture des pierres elles-mêmes et leurs bords d'une manière si délicate qu'il faut observer pendant plusieurs secondes pour vraiment percevoir la transformation. Par exemple, remarquez ici même avec le pastel blanc, je façonne les pierres, y compris celles de la zone éclairée. Le pastel apporte non seulement de la lumière dans la composition, mais il me permet également de définir la texture et la forme des pierres dans les sections claires. Maintenant, je vais appliquer du pastel blanc sur le reste des zones autour de la fenêtre qui en ont besoin. Par exemple, ici, dans la partie intérieure des arches et le long du bord droit des colonnes, là où la lumière touche directement. Travaillons maintenant sur la texture du mur de pierre. Qu'est-ce que cela signifie ? Nous allons ajouter du basal blanc à certaines pierres, suivant deux grands principes La première est que la lumière frappe beaucoup plus le mur dans la partie inférieure. Les rochers y sont donc plus illuminés. Le deuxième facteur est que la pierre a des surfaces différentes. Leur texture est donc aléatoire, ce qui fait que la lumière se reflète différemment sur chacune d'elles. Le détail suivant sera une touche personnelle pour créer une sensation améliorée diffusion de la lumière à travers la fenêtre. Nous allons faire correspondre délicatement la zone située entre le bord de la fenêtre et le bord de la projection de lumière sur le sol à le bord de la projection de lumière sur l'aide d'une fine couche de base blanche, comme si un fil délicat reliait les deux éléments Il doit être tonifié subtilement. Pour créer cet effet, nous voyons parfois dans l'air particules de poussière créer des faisceaux lumineux visibles dans la scène. Cela ajoutera une atmosphère magique, presque éthérée, au dessin, comme si la lumière elle-même était vivante dans l'espace Et tu es là. Nous avons terminé notre magnifique dessin de ce couloir amélioré depuis le Bulbur dans ce château Observez comment le dialogue entre le pastel et graphite a fait cet endroit un endroit magnifique du château La sensation de lumière est vraiment magnifique, touche chaque recoin du couloir et nous donne l'impression de pouvoir y entrer directement. J'espère que ce voyage à travers les ombres, les textures et la lumière vous permettra de mieux apprécier l'art du dessin jusqu'à la prochaine fois. 29. Créer l'arbre: Parfait. Nous sommes prêts à commencer à dessiner cet arbre fascinant. Tout d'abord, nous allons identifier une figure géométrique bidimensionnelle qui nous aidera à décomposer la structure plus générale de l'arbre. Dans ce cas, un triangle est idéal. Le triangle est composé d' angles facilement détectables à l'œil nu, ce qui nous permet de relier les points les plus éloignés des branches du tronc Il est important de souligner que ce n'est pas la seule façon d' aborder le dessin d'un arbre ou quoi que ce soit d'autre. Ce que je veux dire, c'est qu'il ne sera pas toujours nécessaire de décomposer la forme en figures géométriques Tout au long du cours, nous verrons d'autres techniques et approches, mais c'est une excellente façon de commencer. Comme vous pouvez le constater, il s'agit d'un triangle scalène avec tous ses côtés J'ai également fait une sorte de croix qui détermine la hauteur à laquelle se les branches les plus saillantes trouvent les branches les plus saillantes ainsi que le milieu du papier Concentrons-nous maintenant sur la façon dont ce triangle et les lignes d' intersection de notre croix servent boussole pour déterminer l'emplacement du tronc principal Faites attention à la façon dont je commence à construire le tronc en connaissant sa position par rapport au centre de la toile. Cette étape fondamentale est cruciale. Il ne s'agit pas pour l'instant de trouver la forme parfaite de l'arbre, mais plutôt de le placer dans la bonne position. Les lignes directrices, le triangle et la croix nous servent de boussole, garantissant que notre arbre est haut et fier dans le bon contexte. Je vais maintenant passer à la branche de droite. En utilisant la ligne horizontale de la croix comme référence, je peux déterminer la partie de la branche s'étend au-dessus et en dessous de cette ligne. Cela m'aide à positionner la branche avec précision, en m'assurant qu'elle complète la structure globale de l'arbre. Mais n'oubliez pas qu'il ne s' agit pas d'atteindre la perfection à ce stade. Répétons donc le même processus avec la branche gauche. Comme vous pouvez le constater dans ce type de position, il n'y a pas de perspective prononcée dans cet arbre. Nous n'en sommes qu'au début. Cependant, nous devons tout de même essayer de représenter les éléments avec une certaine perspective. Notez qu'au fur et à mesure que les branches s'étendent vers l'arrière-plan, elles deviennent plus petites. Il s'agit d'un détail important à observer et à décrire dans cet exemple C'est un excellent entraînement visuel vous aide à développer un sens aigu de l'échelle et de la profondeur. Maintenant, je dessine actuellement l'extension de cette même branche qui mène à l'arrière-plan, devenant plus petite au fur et à mesure qu'elle s'éloigne. Ce changement progressif de taille est essentiel pour donner une impression de profondeur à votre dessin. Essayez donc de ne pas vous enliser dans les détails, essayez de suivre les lignes et n'hésitez pas à créer votre propre version de cet arbre. Ce que je veux dire, c'est que vous n'avez pas besoin de dessiner exactement ce que vous voyez dans l'image de référence, car la forme de l'arbre est un peu irrégulière. Néanmoins, vous devez suivre le modèle qui existe dans l' image de référence, lié au fait les branches qui vont à l' arrière-plan sont plus petites et celles qui sont au premier plan sont plus grandes Si vous suivez simplement cela, l'arbre sera beau. Un autre détail important à aborder à ce stade est le fait que certaines chansons de l'arbre sur le tronc de l'arbre sont plus ombrées que d'autres. Vous êtes donc censé suivre ce schéma en créant des lignes plus sombres. Si vous le faites, vous commencerez à représenter les lumières et les ombres à travers la ligne. Et c'est une étape très importante souligner l'importance de la valeur de la ligne. Maintenant que nous avons la structure du tronc et des branches, pratiquons l'éclosion. À l'aide de cette technique, nous remplirons les zones où se trouvent les feuilles de l'arbre comme si le graphite lui-même représentait les feuilles. Prêtez attention aux zones les plus sombres. Cela recevra plus de graphite tandis que les zones les plus claires en nécessiteront moins. N'hésitez pas à expérimenter différents modèles de hachures, qu'il s'agisse de hachures croisées ou de traits unidirectionnels L'essentiel ici est de représenter efficacement le contraste entre les zones les plus sombres et les plus claires. Laissons libre cours à notre créativité. Comme je l'ai mentionné, ce dessin vise à nous frayer un chemin dans l'art de l'esquisse et du dessin La précision n'est pas notre objectif ici. Nous voulons plutôt nous détendre et laisser nos mains couler librement Remplissez la pelle avec Wrapit en suivant les zones sombres et claires sans trop Laissez-vous guider par votre instinct et profitez du processus de donner vie à cet arbre avec votre style unique. Un conseil utile pour représenter les zones les plus sombres du feuillage de cet arbre est de se rappeler que les parties les plus sombres ont tendance à se situer plus en arrière Cette compréhension vous aidera à superposer efficacement votre graphite Gardez cela à l'esprit lorsque vous travaillez. Le but de cet exercice est de commencer à entraîner notre perspective bidimensionnelle. Je veux dire, nous sommes habitués à percevoir le monde en trois dimensions Il est donc essentiel d'apprendre à comprendre les distances bidimensionnelles les distances bidimensionnelles entre les objets. Dans ce cas, même si le feuillage de l'arbre apparaît près du tronc principal, les feuilles sombres en arrière-plan se trouvent en fait à plusieurs mètres. Par exemple, remarquez que la branche de droite semble se trouver juste à côté du tronc. Alors qu'en réalité, c'est au moins deux ou trois mètres plus loin. Cette distinction vous aidera à saisir la profondeur et les relations entre les éléments de vos dessins. Maintenant que les éclosions recouvrent le feuillage, passons aux détails du tronc Nous allons commencer par un détail caractéristique en bas. Il n'est pas nécessaire que ce soit parfait. Une simple approximation suffira. Ensuite, nous travaillerons sur l'ombrage général du tronc et des branches À l'aide de hachures douces, nous commencerons à représenter les ombres qui donnent au tronc sa tridimensionnalité Cela implique généralement d'assombrir un côté du tronc pour créer l'effet souhaité. Il s'agit de la première approche des détails de la selle. C'est là notre tâche : trouver et placer avec soin ces lignes d'ombre délicates qui donnent de la profondeur et de la forme à l'arbre. Cet ombrage initial est essentiel pour donner au tronc et aux branches une apparence plus naturelle et plus ancrée Maintenant, nous allons commencer à faire exactement la même chose, mais ici, sur cette partie de l'arbre, juste ici, essayez de sentir qu'il y a une ouverture dans l' écorce de l'arbre. Peu importe donc si vous ne parvenez pas à obtenir exactement la même forme, mais essayez de créer l'effet visuel qu'il y a une ouverture. Essayons également de renforcer les contours du tronc avec du graphite. Si vous regardez attentivement l'image de référence, verrez une subtile ligne foncée le long des bords. Cela donne au tronc plus de définition et de solidité. H Continuons à dégrossir les bords nécessaires de certaines branches et à ajouter l' ombrage pour créer du volume L'une des choses les plus importantes à propos cette leçon, et en particulier de ce dessin, est qu'elle vous aidera à entraîner l' éclosion pour d' autres dessins Je veux dire, des dessins plus compliqués. Je veux dire, puisque vous ne donnez pas une perspective prononcée sur la distance, vous allez vous familiariser avec l'ombrage à l'aide de hachures Prêtez attention, par exemple, à cet endroit. J'utilise une hachure pour assombrir cette zone. Prêtez attention à ces lignes ici. Ce sont des lignes qui suivent la courbure de l'arbre, le volume arrondi de l'arbre. C'est aussi une éclosion, car au loin, elle ne sera perçue que comme l'ombre naturelle du tronc Vous devez faire attention au rythme du dessin. C'est comme une danse. Au fur et à mesure que nous aborderons les détails, le rythme sera plus lent. Les détails ne sont pas censés être rapides. Et faites attention à façon dont j'applique les hachures pour remplir cette partie de graphite, mais de manière plus légère car les feuilles de cette section sont plus proches, plus exposées au soleil et donc plus illuminées Le ton de base doit donc être plus clair. Même lorsqu'il s'agit d'une éclosion épaisse, il fait moins noir. Maintenant, regardez comment j' utilise le crayon effaçable pour retirer le graphite et créer ces branches Je dessine littéralement avec la gomme. C'est un outil très utile lorsqu'il s'agit de créer des détails sur des espaces remplis de graphite. Après avoir utilisé le crayon rasoir, il est important de souligner les bords avec du graphite pour préserver la structure que nous créons N'oubliez pas que même si le graphite adhère assez bien au papier, il est possible qu' il tombe sur bords, ce qui les rend imprécis. Nous devons donc renforcer ces détails. N'oubliez pas que cet exercice sur les arbres vise à renforcer la confiance et le contrôle des mouvements de votre main. Au fur et à mesure que nous avançons, vous remarquerez que ces compétences deviennent seconde nature et contribuent à donner vie à chaque dessin. Alors continuez à pratiquer, restez patient et appréciez le processus. Je te vois dans la prochaine leçon. 30. Premiers détails L'arbre: Dans cette leçon, nous nous intéressons à quelque chose d'assez simple, mais le résultat est vraiment magnifique. Nous allons créer la texture de l'écorce de l'arbre. C'est en fait très simple. Vous allez lancer de minuscules formes en U, presque comme si vous écriviez la lettre U à plusieurs reprises. L'un juste à côté de l'autre se chevauche légèrement. L'essentiel est que, puisque vous avez déjà ombragé le tronc et les branches, il vous suffit d'appuyer plus fort sur votre crayon dans les zones les plus sombres, assombrir les formes en U, là où les ombres tombent. Suivez toujours la direction de l'arbre lorsque vous dessinez l'objet. Cette technique est vraiment efficace car elle imite les motifs naturels et texture rugueuse des vrais arbres Et le plus important à propos de cette technique est qu'elle est également flexible et indulgente, ce fait un excellent moyen d'introduire texture sans trop compliquer votre dessin Des artistes tels que Gustave Klemt et Caspar David Friedrich sont connus pour leur capacité à représenter des arbres avec des détails complexes et une présence puissante dans leurs paysages Caspar David Friedrich sont connus pour leur capacité à représenter des arbres avec des détails complexes et une présence puissante dans leurs paysages. Clemt, en particulier, a souvent utilisé des motifs répétitifs, similaires à cette technique, pour représenter des éléments naturels dans cette œuvre Étudiant, leur approche peut fournir une source d'inspiration supplémentaire pour dessiner des arbres à la fois texturés et profonds sur le plan émotionnel. Vous devez faire preuve de patience avec cette partie, car vous allez créer de nombreuses petites formes. Essayez de profiter de cette musique et atmosphère et suivez la direction du tronc et des branches, exactement comme je le fais dans l'exemple. Ce processus est censé être méditatif, vous permettant de vous connecter au rythme de votre lancer L'essentiel est de rester concentré, mais aussi de laisser votre main bouger naturellement en suivant les courbes et les lignes de l'arbre. Il est important de souligner que même s'il s' agit de formes, je les rends irrégulières pour créer une impression de texture plus réaliste. D'autre part, j'ajoute également de petites lignes dans certaines zones pour créer un effet plus aléatoire et naturel. Pour le moment, essaie de suivre ce que je fais. Ces irrégularités confèrent à la vark son caractère unique et empêchent la texture de paraître trop mécanique. N'oubliez pas que la clé est d'être intuitif, en ajoutant des variations si nécessaire pour capturer la complexité naturelle de la surface de l'arbre. Regardez cet exemple, comment la direction des formes en U suit le contour de la branche. Lorsque la branche se trouve vers la droite, l'utilisateur se déplace également dans la même direction. Il est essentiel de maintenir cette cohérence directionnelle pour représenter avec précision la forme naturelle de la branche. Gardez cela à l'esprit lorsque vous continuez à ajouter votre utilisation. Il est important de ne pas utiliser de crayon graphite très foncé pour cette technique, car il sera plus difficile de créer des formes en U plus claires. Un crayon plus foncé pourrait également endommager le travail que nous avons effectué avec les hachures précédentes Je pense qu'il est fortement recommandé d'utiliser un crayon HB , car il offre un bon équilibre entre douceur et maîtrise, vous permettant d'ajouter de la texture sans surcharger votre teinte précédente D Maintenant que nous avons fait des progrès significatifs en matière de texture, nous pouvons saisir l'occasion de terminer l'ombrage des branches funéraires En gardant à l'esprit les tons que nous avons établis pour le tronc et les grosses branches. Nous pouvons assombrir ces petites branches en conséquence. Cela créera un aspect cohérent mettra en valeur la profondeur de l'arbre et améliorera l'effet tridimensionnel global Au fur et à mesure que les branches se rétrécissent, nous pouvons mélanger les formes en U avec les techniques d'éclosion Cette combinaison permettra de créer une transition plus fluide entre les ombres et un dégradé plus raffiné pour la texture de l'arbre En fait, c'est le langage visuel que nous appliquons à cet aviron Lorsque les branches sont profondément ancrées en arrière-plan, il suffit de les assombrir complètement. Cela permet de les repousser plus loin dans la composition, accentuant la profondeur sans se soucier des textures de ces zones. C'est un excellent moyen de créer un sentiment de distance. N'oubliez pas que tous les détails n'ont pas besoin d'être complexes. Parfois, la simplicité est la clé d'une composition efficace. toutes les zones sombres que nous remplissons de hachures peuvent Techniquement, toutes les zones sombres que nous remplissons de hachures peuvent être coupées avec vos doigts pour étaler le graphite sur le papier Cependant, le but de cet exercice est d' entraîner votre main à créer des ombres par hachures, en utilisant des lignes pour créer de la profondeur et de l'obscurité Il s'agit donc de développer contrôle et de comprendre comment manipuler la pression et la direction pour donner vie à l'ombre sans se laisser bercer par des taches Laissons donc ces lignes faire le travail. I am Here est un autre exemple de la façon dont les branches situées plus loin en arrière-plan peuvent être représentées simplement en les assombrissant Il est important de savoir que vous n'avez pas à vous soucier trop d'ajouter de la texture à ces branches éloignées. Veillez à ce que le plus important soit de capturer leur forme générale et de s'assurer qu'ils se fondent de manière convaincante dans l' arrière-plan Voici un autre exemple intéressant, faites attention. J'ajoute des hachures à une branche que j'avais déjà dessinée. Cela crée un amas cohérent de graphite avec une texture. Et pour ces détails, j'aurai la possibilité d'ajouter du graphite avec mon crayon ou d' en retirer un peu avec la gomme C'est donc le moyen idéal pour le faire. À ce stade, je dirais que le dessin ressemble déjà à un solide croquis d'arbre. Remarquez que même sans les feuilles détaillées, les hachures donnent l'impression d'un feuillage vu de loin C'est parce que nous avons soigneusement développé la distribution de la lumière et de l'ombre dans le couvert forestier grâce à notre technique d'éclosion Mais nous continuerons à élaborer ce dessin lors de la prochaine leçon 31. Détails complexes L'arbre: Bonjour, tout le monde. Dans cette leçon, nous allons nous concentrer sur les détails les plus fins du feuillage, concentrant sur les bords des zones que nous avons créées avec les haies Au lieu de dessiner des feuilles individuelles, nous allons créer une texture subtile qui suggère leur présence La base est essentielle à cet égard. Tout comme nous avons pris le temps de développer les détails du coffre. Ce processus nécessitera également une approche prudente. Il est essentiel de se détendre et de se lancer dans le voyage de la création. De mon point de vue, de nombreux défis en matière de dessin découlent de l'impatience et de l'idée fausse selon laquelle les résultats devraient être immédiats Prenons donc notre temps et laissons l'œuvre d'art se déployer naturellement Ly Regardez les bords. J'ajoute des sauts presque imperceptibles sur les bords. Lorsqu'ils sont vus de loin, ces détails se combinent pour créer un ensemble cohérent Cela nous rappelle que parfois, moins c'est plus. De petites touches peuvent donner une riche impression de feuillage sans surcharger la composition I Au fur et à mesure que nous explorons les âges, nous pouvons également ajouter des détails subtils au feuillage. Tout comme nous l'avons fait pour les bordures, nous incorporerons quelques lignes légèrement croisées pour suggérer branches qui se chevauchent et même quelques lacets. N'oubliez pas que ces détails n' ont pas besoin d'être trop complexes. Quelques irrégularités dans la langue peuvent faire des merveilles et suggérer la présence de lèvres. Il s'agit de capturer l'essence du feuillage plutôt que de se perdre dans les détails. I Vous pouvez également créer l'effet d'un anneau et des densités de sauts au sein d'une même branche Ainsi, en ajoutant plus de graphite dans certaines zones, vous pouvez effectivement suggérer que certaines parties sont pâles et plus couvertes de feuilles que d'autres D C'est un parfait exemple branches qui se chevauchent dans le feuillage Je veux dire, je fais des lignes croisées pour laisser transparaître la couleur du papier. Et plus tard, j'ajouterai pastel blanc sur ces espaces. Maintenant, faites attention à la façon dont j' utilise le crayon effaçable pour créer les groupes de feuillets éclairés par la lumière du soleil En supprimant certaines hachures, je laisse la couleur du papier jouer un rôle important dans le dessin Les lèvres illuminées prennent la teinte du papier, leur donnant un éclat naturel. Remarquez comment j'efface en effectuant des mouvements circulaires, ce qui contribue à créer une transition plus douce et à donner au feuillage un aspect plus organique. Portons maintenant notre attention sur l'amélioration de l'âge des grappes de feuilles situées à l'intérieur du feuillage. Il est essentiel de faire la différence entre les feuilles exposées au soleil et celles qui s'enfoncent plus profondément dans l'ombre Je veux dire, dans ce cas, vous devez créer des bordures précises car vous pouvez transmettre efficacement ce contraste, permettant au spectateur de percevoir les couches et les dimensions du feuillage. et Au fur et à mesure que nous affinons ces éléments, n' oubliez pas de prendre en compte le flou organique du feuillage Je veux dire, la nature n'est pas parfaite du tout, chaotique, et capturer ses bizarreries ajoutera un charme délicieux à votre travail Laissez votre crayon danser sur le papier, en suivant le rythme des feuilles et des branches, et essayez quand même de profiter du processus. Je veux dire, lorsque vous comprenez sa structure et sa logique, vous ne pouvez pas imaginer des détails qui mettent en valeur le dessin Par exemple, si vous travaillez sur un groupe de sauts, ces sauts doivent être liés de manière convaincante aux branches pour donner à la composition une impression de volume et de réalisme Dans le cas contraire, cela pourrait sembler abstrait. C'est là qu'intervient l'utilisation appropriée de la lumière et de l'ombre. Remarquez donc comment, dans ce dessin, les branches sont liées de manière convaincante, créant ainsi une structure cohérente et crédible Ici, il y a un autre endroit avec des branches croisées. Un autre exemple à suivre de près. Regardez les lignes et voyez à quel point traits sont aléatoires et spontanés. ces irrégularités et imperfections que le lancer reste dans son champ biologique naturel. Ces lignes aléatoires sont la clé pour créer un feuillage crédible Un aspect important pour bien dessiner les branches est qu'elles donnent du mouvement et de la direction à l'arbre, les branches se plient dans la direction du vent. Ainsi, l'ensemble de la structure nous indique comment le vent interagit avec l'arbre et comment l'arbre se déplace en réponse C'est pourquoi il est crucial de comprendre et de décrire les branches avec précision. Il ne s'agit pas seulement de Chevrolet, mais aussi de capter les forces naturelles qui agissent sur elles. Ainsi, lorsqu'il est bien fait, l' arbre devient un élément plus dynamique et plus vivant de votre dessin. Et tu es là. Le feuillage est prêt. Observez l'effet visuel que cela crée à distance. Personnellement, j'adore cette technique, mais vous ne pouvez pas imaginer à quel point elle sera incroyable une fois que nous aurons appliqué le pastel blanc lors de la prochaine leçon. 32. Pastel blanc et détails finaux L'arbre: Bonjour, tout le monde. Nous sommes de nouveau ici. Dans cette leçon, nous allons créer l'effet des feuilles. Vous devez faire très attention à la façon dont je dessine les feuilles, car cette technique sera cruciale pour le prochain dessin de la façade du château. Ainsi, les compétences que vous développerez ici vous aideront à perfectionner les détails qui s'appliqueront à ce futur dessin. Commençons par appliquer le crayon pastel blanc. Nous allons nettoyer tous les bords de ces branches car peu de temps après, nous allons appliquer la barre pastel. Vous devez essayer de l' appliquer très soigneusement. Essayez de ne pas tacher le graphite. Et puis c'est ce que tu es censé faire. Vous allez remplir tout cet espace avec une barre pastel. En fait, vous pouvez remplir cet arrière-plan avec la barre pastel blanche, puis vous pouvez affiner ces bords sur les branches des arbres. Maintenant, vous allez mélanger tout le pigment blanc à l' aide d'un mouchoir. Je vous recommande vivement ces méthodes car sinon, vous devrez constamment acheter différents tampons à mélanger, ce qui n'aurait pas beaucoup de sens, vous savez ? Vous pouvez également utiliser vos doigts. Vos doigts vous permettront d'enfoncer le pigment plus fermement dans le papier. Bien entendu, vous devrez ensuite vous laver les mains pour éviter de tacher les autres zones de Honnêtement, en ce qui concerne les techniques du graphite et du basilic, je peux dire que le meilleur outil de mélange est votre doigt Car la richesse de vos empreintes digitales agit comme une petite éponge. Il existe des éponges spécialement conçues pour le mélange. Mais encore une fois qu'ils sont tachés, vous ne pouvez pas les utiliser sur une autre couleur. Avec vos doigts, vous pouvez toujours les laver et repartir à zéro. Concentrons-nous sur ce détail. Je fais une sorte de trou entre les branches, entre les feuilles pour montrer que la lumière passe entre les branches. C'est un détail assez original, mais cela va faire passer vos branches au niveau supérieur Avez-vous remarqué comment le papier lui-même est maintenant transformé dans le dessin ? La couleur du papier devient presque la couleur des lèvres de l'arbre car nous avons ajouté du blanc sur le fond. C'est l'un des phénomènes visuels les plus incroyables du dessin et de la peinture. La couleur du papier prend un tout nouveau sens et devient un élément essentiel de la composition. Il est fascinant de voir comment quelque chose d'aussi simple peut évoquer une texture et une profondeur aussi riches, donnant à l'arbre une sensation de vie et de réalité Maintenant, je vais continuer à créer des espaces dans le feuillage des arbres pour améliorer l'effet de la lumière qui passe à travers les branches. Il est important de noter que je ne fais pas vraiment de sauts individuels L'effet du volage des arbres est créé par la façon dont je façonne les bords, ce qui donne l'apparence de lèvres sans les dessiner directement. C'est crucial car même si j' ajouterai quelques lèvres isolées, c'est la construction de ces bords qui suggère visuellement la présence de lacets dans le couvert forestier. Cette technique est particulièrement importante lorsque vous dessinez des arbres qui ne sont pas l'objectif principal de la composition ou lorsque vous travaillez avec une contrainte de temps. Ainsi, au lieu de détailler méticuleusement chaque feuille, nous simplifions ou résumons forme de l'arbre à l'aide de ces repères visuels Maintenant, ajoutons quelques points forts au coffre. Je veux dire, dans les zones où la lumière atteint plus directement l'écorce, on peut appliquer le basilic blanc. Cela améliore non seulement l'effet d'éclairage, mais contribue également à faire ressortir la texture de l'écorce. L'ajout de ces points lumineux créera plus de contraste et de profondeur. Lorsque vous appliquez ces détails clairs, en particulier sur des zones telles que l'écorce du tronc, il est essentiel de prendre du recul et de voir le dessin à distance. Cette perspective vous permet de mieux comprendre comment les surlignages interagissent avec la composition globale. Parfois, lorsque nous regardons un dessin de près, nous pouvons perdre de vue le message global véhiculé par le graphite et le pasto En fin de compte, ce ne sont que des lignes et des marques représentant quelque chose dans un langage visuel. recul nous permet d'apprécier comment ces éléments se combinent pour créer de la profondeur, de la texture et de la lumière, transformant ainsi les traits de miroir en une image cohérente qui raconte quelque chose Et de la même manière, observez comment cette grappe de sauts est entièrement formée par la couleur du papier L'idée ici est que ce qui filtrera les sauts sera fond plus sombre créé par les zones inaccessibles à la lumière Nous représenterons à la fois les démangeaisons du feuillage avec du graphite dans les zones ombragées, améliorant ainsi la profondeur globale et la richesse de l'apparence de l' arbre Et tu es là. Notre dessin d'arbre est terminé. Je pense que cela ressemble un peu à une illustration japonaise, car ce n'est pas vraiment le cas d'un point de vue fort. Faites attention à l' aspect fascinant de la texture de l'écorce et à la façon dont la lumière interagit avec le tronc et les branches C'est un beau dialogue entre le graphite et la vapeur. En fait, je pense que ce dessin trouve un équilibre entre une pièce finie et une esquisse. Essayez de faire à nouveau attention aux bords des branches. Remarquez comment les lignes suggèrent des sauts sans être une représentation exacte Vous allez gagner beaucoup de temps en procédant ainsi. Eh bien, pour l'instant tout va bien, vous pouvez revoir ces leçons si vous avez le moindre doute, et je vous verrai dans la prochaine leçon. 33. Approche théorique Façade Château de Valparadis: Bonjour, tout le monde. commencer l'exercice de représentation du château de Valparadis Valparadis, le plus beau château de Barcelone datant du XIIe siècle, datant du XIIe siècle, je voudrais prendre un moment pour analyser certaines références clés, en particulier les dessins et croquis d' Hopper est réputé pour cette maîtrise de l'espace et de la représentation de la lumière Et son approche du dessin nous offre de précieuses leçons pour saisir l'essence d'Aisin Les dessins de Hopper sont essentiels pour comprendre son processus de création. Dans ces croquis, nous pouvons voir comment il expose ses idées initiales, capturant l'atmosphère et émotion avant de passer à la peinture. Les croquis révèlent souvent qu'il met l'accent sur la composition et la lumière, donnant un aperçu de la façon dont il interprète le monde qui l'entoure. Hopper utilise une variété de lignes dans ses dessins qui transmettent différentes sensations Les lignes droites et fermes qu'il utilise pour délimiter les bâtiments et les structures confèrent un sentiment de stabilité et d'ordre En revanche, les lignes courbes douces qu'il utilise souvent pour représenter la végétation et les éléments naturels ajoutent une sensation de fluidité et Il est important de noter comment Hopper utilise ces lignes pour créer un contraste dans la composition, équilibrant la rigidité de l'architecture avec la nature organique de l'environnement La direction des traits dans les drones Hopper est également fondamentale Il utilise souvent des traits horizontaux et verticaux pour souligner la structure des bâtiments, tandis que les traits diagonaux peuvent suggérer un mouvement ou une transition. En observant ces croquis, nous constatons que la direction des traits peut affecter considérablement la perception de l'espace. Par exemple, lorsque vous dessinez un pont dans une rue, traits diagonaux peuvent créer une impression de profondeur et de perspective, guidant les yeux du spectateur vers le point focal. L'une des techniques les plus efficaces utilisées par Hopper dans ses dessins est la hachure croisée Cette méthode permet de créer différentes intensités d' ombres et de textures Hopper utilise souvent des hachures croisées pour définir les zones plus sombres, donnant ainsi une impression de volume et de tridimensionnalité Remarquez comment il superpose des lignes dans différentes directions pour créer de l'obscurité dans un coin ou pour mettre en valeur la forme d'un objet. En appliquant cette technique à notre représentation du château de Val Paradise, nous pouvons enrichir notre travail en ajoutant des ombres et des textures à la fois dans la pierre et dans la végétation environnante Alors que nous nous préparons à commencer notre exercice, rappelons-nous que nous pouvons prendre Hopper comme référence pour comprendre comment aborder le travail Cette utilisation délibérée de lignes, de directions de trait et de hachures croisées sont des outils que nous pouvons adapter à nos noms La façade du château de Valparadis comprend des éléments de végétation qui encadrent et complètent la structure La façon dont nous dessinons ces arbres et ces plantes doit donc refléter la nature organique et dynamisme de Hooper dans son travail De plus, la perspective joue un rôle crucial dans notre composition. Il est essentiel que nous saisissions avec précision la profondeur et la relation entre le château et son environnement. Enfin, en appliquant les techniques de texturation que nous avons apprises jusqu'à présent, nous pouvons intégrer à nos œuvres d'art des détails qui leur donnent vie et leur apportent du réalisme Cet exercice servira non seulement de pratique technique, mais également d'occasion de combiner tous les éléments que nous avons étudiés jusqu'à présent. Immergeons-nous dans la création d'une interprétation ludique du château de Val Paradise, inspirant des techniques d' Edward Hopper. Commençons alors. 34. Façade de château: Contrairement à ce que beaucoup de gens pensent, essayer de décomposer les éléments d'une composition en quelques formes simples est plus difficile qu'il n'y paraît. Au moins, tu étais un dessinateur expérimenté, ce ne sera pas une Ce que nous allons faire maintenant, c'est faire grandir cette composition à partir de ces angles simples. Pour l'instant, concentrons-nous sur cette ligne verticale, juste à l'endroit où le pont se développe. Essayez de faire attention à ce que je fais afin que vous puissiez répéter le processus. Juste à partir de cette ligne verticale, j'essaie de tracer le bord du pont. Vous pouvez faire cette ligne inclinée de manière intuitive, essayant de la faire légèrement glisser vers le bas Essayons maintenant de trouver un angle qui augmente à partir du point le plus bas de la première ligne verticale jusqu'à ce que nous trouvions la largeur initiale possible du pont. Trouver le bon angle pour ce petit élément est plus facile que vous ne le pensez. Nous allons maintenant tracer une ligne parallèle au pont, essayant de la séparer de l'autre ligne lorsqu'elle traverse le papier. Un indice certain pour savoir si nous le faisons correctement est d'essayer d' imaginer une ligne horizontale invisible au-dessus de ces lignes. Les lignes du pont doivent toujours être inclinées bas par rapport à cette ligne horizontale invisible Remarquez maintenant comment je dessine ces angles pour trouver la hauteur des fenêtres, ainsi que la hauteur de la tour. La face intérieure de la tour est très importante dans cette composition Prêtez attention à la façon dont je trace cet angle jusqu' au sommet de la tour pour trouver la hauteur totale du château. Ne vous inquiétez pas si vous ne correspondez pas exactement à la forme finale. Nous avons juste besoin d'une bonne approximation. Nous allons maintenant répéter le même processus dans cette partie. Nous dessinons un angle pour trouver les dimensions de la tour la plus proche de nous. OK. Maintenant que nous connaissons l' emplacement des deux tours, nous pouvons déterminer où se termine le pont, afin de tracer l'arc ci-dessous. Même si une partie de l'arche est recouverte de branches, essayez de la dessiner complètement. Nous pouvons tracer cette deuxième ligne sur l'arche comme détail et même sur le bord du pont pour trouver la largeur des arêtes. Plus on avance dans le dessin, plus le reste des éléments sera facile. Nous allons maintenant dessiner la porte du château, qui doit nous guider par des lignes que nous avons déjà tracées. Et nous allons passer à cette fenêtre. Nous disposons déjà de suffisamment d'informations pour savoir où se trouve cette fenêtre. Comme nous avons déjà la hauteur de cette fenêtre, nous pouvons essayer de dessiner une autre fenêtre de l'autre côté. Waouh. Essayez de suivre la ligne inférieure du château pour construire la partie intérieure du pont. Vous pouvez déjà sentir le point de vue, il est donc plus facile de suivre le processus maintenant. Nous allons maintenant décrire toute la végétation environnante. Nous avons juste besoin de localiser approximativement la position des arbres. Comme je l'ai déjà mentionné, ne vous inquiétez pas trop si toutes les parties du château ne sont pas parfaites. Nous les corrigerons au fur et à mesure. N'oubliez pas que dans les premières étapes d'un drone, la ligne elle-même doit contenir la valeur de l'ombre Nous pouvons donc déjà indiquer à certains points les parties sombres de la ligne. Maintenant, nous pouvons commencer à utiliser des hachures sur le dessin pour indiquer les ombres générales du château Toutes ces hachures servent de guide pour développer des ombres par la suite Essayez de le faire de manière harmonieuse. Il ne faut pas nécessairement que ce soit toujours dans le même sens, mais d'une manière qui ressemble à une langue. Il y a un détail important à prendre en compte. Vous pouvez voir que la tour la plus proche de nous semble correspondre au toit du château au sommet, mais ce n'est pas le cas. La tour est donc plus haute, mais elle est cachée par les arbres. Pour l'instant, il n'y a que des lignes de construction au sommet. Nous allons continuer à donner tons plus sombres aux lignes les plus importantes. Essayez de voir l'image de référence de loin pour remarquer les parties les plus importantes Il est important de temps à autre de nous détacher du travail que nous sommes en train de faire pour y réfléchir Ce n'est qu'alors que nous pourrons savoir si nous allons dans la bonne direction. Jusqu'ici tout va bien, nous avons pour première étape de ce dessin un croquis guide pour développer cette œuvre. Rendez-vous dans la prochaine leçon. 35. Façade générale de château et d'ombrage: Bonjour encore une fois. Maintenant, dans cette leçon, nous allons appliquer des hachures sur l'ensemble du lancer, alors faites attention En observant l' image de référence à distance, nous allons créer une carte à partir de toutes les ombres définies sur l'image. Vous pouvez faire des éclosions dans une seule direction, mais je préfère utiliser une sorte de mélange d'éclosions en utilisant des lignes croisées et en essayant de suivre la nature des surfaces N'oubliez pas que plus tard, toutes les hachures du dessin ne seront pas visibles Je veux dire, vous allez en mélanger et en diffuser pas mal. Sans oublier que nous allons faire une sorte de pavé sur les murs du château L'éclosion va donc être cachée à cause de cela. Quoi qu'il en soit, nous devons essayer de faire éclore de manière esthétique et créative Alors fais bien attention au mouvement de mes mains. Cette technique ne repose pas sur les doigts, mais sur le mouvement d'un bras projeté sur la main. Ici, vous pouvez remarquer un parfait exemple d'éclosion croisée J'applique différents registres de hachures pour ajouter de la cohérence à cette zone Même si nous pouvons faire les hachures croisées, même en mélangeant différentes lignes dans différentes directions, vous feriez mieux de choisir ces directions fonction de la forme que vous allez représenter Par exemple, cette hachure verticale est ici en perspective. Mais nous sommes capables de combiner ces lignes. Par exemple, ces lignes inclinées. Après tout, les lignes verticales et inclinées seront visibles. Un autre indice important serait que plus l'ombre est foncée ou uniforme, plus nous pourrions appliquer les hachures croisées Comme je vous le dis toujours, il est important d' avoir un ensemble complet de crayons pour cela Non seulement parce que vous allez bientôt user votre crayon, mais aussi parce que si vous essayez de remplir une zone foncée avec un crayon qui n'est pas assez foncé, vous endommagerez encore plus le papier. N'oubliez pas que lorsqu'il s'agit de crayons graphite, le graphite est toujours le même C'est de la même couleur. La différence réside dans la capacité de ce graphite à se détacher et à rester sur le papier. Plus le graphite est dur, moins il restera de pigment sur le papier. Par conséquent, la ligne que nous traçons sera plus claire. Cela ne signifie pas que nous ne pouvons pas obtenir un ton sombre avec ce crayon. Mais pour y parvenir, nous devrons appuyer plus fort sur le papier en y laissant des rainures. Mais de cette façon, si vous tracez une ligne très foncée avec un crayon clair, tout le graphite sera incrusté dans le papier. C'est donc plus difficile à enlever. Et si vous travaillez avec un papier sophistiqué comme celui-ci, vous remarquerez réellement les pièces endommagées. Prêtez attention à l' image de référence pendant un moment. Et remarquez que la zone du pont est plus sombre que le reste du château. Je veux dire, la zone mène à la porte. J'essaie de représenter cela avec des hachures. Et dans ces grandes zones sombres, il est important d'utiliser beaucoup de graphite avec un crayon doux. Je veux dire, des tons foncés, pour que nous puissions les mélanger doucement plus tard et surtout, ajouter détails à cette zone en enlevant simplement le graphite avec un crayon à effacer, comme si nous dessinions Regardez comment l'ensemble du château commence à avoir un meilleur volume à cause de l'ombrage Je vais vous donner une approche intéressante l'utilisation des hachures dans vos œuvres d'art Pensez à l'éclosion comme un moyen de guider l'œil du spectateur. Au lieu de simplement ombrer, utilisez-le pour créer une sensation de mouvement et de rythme dans la composition Je veux dire qu'en variant la direction, densité et l'épaisseur des lignes, vous pouvez transmettre de l'énergie, de la tension ou même des galans dans différentes zones de votre pièce C'est un peu comme si vous écriviez avec votre crayon, où chaque trait ajoute une couche de narration au dessin, donnant au sujet une sensation de vie et de dynamique Une autre façon créative d'appliquer les hachures est de les considérer texture plutôt que comme un simple ombrage Par exemple, lorsque vous dessinez quelque chose organique, comme un arbre ou un animal, essayez de courber vos hachures pour imiter les formes naturelles, labourant avec l' écorce d'un arbre ou suivant le contour des pattes d'un Cela ajoute non seulement de la profondeur, mais également une qualité tactile à votre dessin, invitant les spectateurs à remplir la surface. L'interaction de la lumière et de l' ombre par le biais de hachures peut transformer des surfaces planes en une texture rigide, tridimensionnelles Pour améliorer l'ombrage, commencez toujours par identifier la direction et l'intensité de votre source lumineuse Cela vous indiquera où placer les ombres et les reflets , pour que votre dessin soit cohérent et réaliste Concentrez-vous toujours sur la création d'une gamme complète de valeurs des plus sombres aux plus claires, pour donner de la profondeur et de la dimension à votre sujet Utilisez des traits plus doux pour des transitions fluides entre les tons foncés et les tons clairs différentes pressions pour contrôler l'intensité de votre ombrage N'oubliez pas que l'ombrage ne consiste pas uniquement à ressentir des sensations dans certaines zones. Il s'agit de sculpter la forme avec la lumière et l'ombre. Attention maintenant qu'après avoir ajouté la première couche de graphite, j'adapte les hachures aux ombres générées par les différentes branches de l'arbre Comme vous pouvez le constater, le crayon que j' utilise est un crayon en graphite pur. C'est la teinte la plus foncée du graphite. L'un des principaux avantages de l'utilisation de crayons en graphite pur est leur polyvalence. Ils permettent d'obtenir une large gamme de tons allant gris clairs délicats aux noirs riches et profonds, tout en fonction de la pression appliquée Elles sont donc idéales pour les détails fins et les nuances audacieuses et expressives. crayons en graphite pur glissent également doucement sur la vapeur, ce qui est idéal pour créer des textures douces ou obtenir un aspect poli De plus, comme ils n'avaient pas le boîtier en bois des crayons traditionnels, graphite pur offre une plus grande surface de dessin Permet des traits larges ainsi que des lignes précises. Je vais faire quelques détails ici sur cette fenêtre et au sommet du château. Tu te rends compte à quel point tout commence à être beau. Vous avez vu que la tour de gauche est complètement derrière l'arbre. Autre détail important, les hachures peuvent également être utilisées pour créer des effets optiques tels que les dégradés et En augmentant et en diminuant progressivement la densité de vos lignes, vous pouvez passer en douceur du foncé au clair sans avoir à les mélanger. Cela peut être particulièrement efficace lorsque vous cherchez à créer des formes subtiles dans le ton ou à simuler une perspective atmosphérique, où les objets s' estompent au loin. Cette méthode de hachurage peut donner à vos dessins une qualité plus dynamique et plus dimensionnelle Je vais appliquer la même stratégie ici. Je vais remplir tout l'espace avec graphite pour le retirer plus tard, en jetant des détails. Pour dessiner un château tel qu'il est, il peut être particulièrement important d' apprendre à dessiner, car il offre une variété d' éléments architecturaux et de textures à pratiquer. Les châteaux présentent des structures complexes telles que des tours, des créneaux et des murs, qui vous aident à développer vos compétences en perspective, en proportion et en détail De plus, les différentes surfaces d'un château, telles que les murs de pierre, les tourelles et les fenêtres, offrent d'excellentes occasions de pratiquer des techniques et des textures différentes Nous allons les découvrir dans chacune des leçons. Et tu es là. Nous avons maintenant toutes les hachures sur l'ensemble du dessin Bien entendu, notre dessin comportera beaucoup plus de détails, non seulement en ce qui concerne les hachures, mais c'est aussi une base très riche sur laquelle travailler jusqu'à la prochaine leçon 36. Détails des murs Façade de château: Commençons par fabriquer toutes les pierres pour le mur. Je vous préviens qu' il faut beaucoup de patience pour y parvenir, mais ce n'est pas difficile. Il existe deux principes de base. La première est que dans ce cas, les pierres sont irrégulières. Je veux dire, ils n' ont pas besoin d'être tous de la même taille. Le respect de la perspective et de la progression des pierres n'est donc pas si strict. L'autre principe concerne les lignes. Les lignes qui séparent une pierre d'une autre. Cette ligne doit suivre le ton de la chaîne à chapeaux appliquée ci-dessous. Si nous fabriquons des pierres dans une zone ombragée, les lignes doivent être plus sombres. Dans les zones éclairées, on peut utiliser des zones plus claires en général, mais aussi des zones sombres. Il est important de noter que le ton de chaque pierre est également irrégulier. Essayez de dessiner légèrement les pierres individuelles, variant leurs tailles et leurs formes pour créer un motif naturel et irrégulier. Une fois les pierres en place, commencez à ombrager pour donner de la texture et de la profondeur au mur Essayez d'utiliser une combinaison de hachures et de pointillés pour ajouter des ombres et mettre en valeur les contours des pierres Faites attention à la source de lumière et appliquez un ombrage plus foncé dans les zones où les pierres se chevauchent ou projettent des ombres OK. Je vais vous dire quelque chose d'important. Pour y parvenir, il est important de recourir à de bonnes références. Plusieurs peintres ont représenté des châteaux et leurs œuvres, fournissant de précieuses références pour comprendre la représentation des murs de Colville Stones dans les détails architecturaux Par exemple, Caspar David Friedrich, ses paysages romantiques présentent souvent des châteaux et des ruines illustrant l'interaction entre ombre et lumière Le travail de Friedrich peut vous aider à comprendre comment créer une ambiance et une atmosphère avec des éléments architecturaux Set Mallo William Turner est un autre peintre important. Il est connu pour ses paysages spectaculaires et atmosphériques. représentations de châteaux de Turner incluent souvent des détails, textures et un éclairage dynamique, et ses peintures peuvent donner aperçu de la façon de capturer le zeste des murs de pierre et leurs interactions avec la lumière naturelle Faites attention au détail  : dans l'arche de la porte, il y a aussi des pierres, et c'est quelque chose que nous avions pratiqué dans l'autre dessin de ce cours. Le choix du papier est très important lorsqu'il s'agit de dessiner. Je ne recommande généralement jamais d'utiliser du papier blanc. Vous pouvez en fait réaliser des dessins amassants sur du papier entièrement blanc Mais si nous allons utiliser craie blanche, comme dans ce cas, cela n'a aucun sens car l'idée est d'utiliser le ton du papier pour générer de la texture Et à la fin de ce dessin, vous remarquerez à quel point la couleur du papier fera partie des textures des pierres, comme dans les autres dessins de ce cours. Regardez comme le monde entier commence déjà à paraître intéressant . Tous les détails irréguliers sont un beau motif qui décrit le mur du château. Je voudrais faire une remarque à ce sujet. L'intégration d' éléments détaillés tels que des pavés ou des murs dans vos dessins peut améliorer considérablement la relaxation des patients Le processus méticuleux de rendu de chaque pierre et perfectionnement de la texture exige de la concentration et de l'attention aux détails, ce qui favorise un état d'esprit méditatif fur et à mesure que vous créez des motifs et des ombres complexes, la nature répétitive et délibérée de cette œuvre constitue un rituel apaisant qui vous permet de vous détendre et d' échapper au stress quotidien S'engager profondément dans une tâche aussi détaillée aide à cultiver la patience et la persévérance alors que vous apprenez à apprécier les progrès graduels et la satisfaction qui découlent de la réalisation d'éléments complexes et gratifiants votre œuvre d'art. Faites attention à certaines zones où je ne crée pas de vieilles pierres, mais d'autres au hasard pour montrer qu'il existe un groupe de pierres plus léger. Plus tard, avec la craie pastille, nous améliorerons cet effet Maintenant, pour créer une meilleure texture, je vais tracer quelques lignes claires pour suggérer que certaines pierres placées au même niveau malgré leur forme irrégulière. Prêtez attention à cette intersection de la tour. Cette partie est un parfait exemple de la façon dont les zones les plus sombres doivent assombrir les pierres afin qu'elles représentent mieux l'ombre Je suppose que si vous avez fait tous les exercices, je veux dire, tous les drones jusqu'à présent, vous êtes prêt, bien entraîné. Nous avons tout pratiqué sur les textures, la perspective, et en réalité, dans cet exemple de château, je voulais vous offrir quelque chose plus relaxant, amusant et didactique Bien sûr, en appliquant tout ce que nous avons appris jusqu'à présent. Nous avons déjà toutes les pierres couplées centrales prêtes, et également dans la tour droite du château. Voir l' image de référence et le dessin. Je trouve que ça a l'air très bien. Passons à la tour suivante, celle de gauche. Vous allez appliquer le même processus. Désolée. Maintenant, nous allons faire la même chose sur le pont. Ici, nous allons commencer par les balustrades en pierre. Sur le bord, ce n'est pas très compliqué. Il suffit de rendre les pierres irrégulières. Et au fur et à mesure que nous nous rapprochons du côté droit, c'est-à-dire du sac du pont le plus proche de nous, nous devons progressivement augmenter la taille des pierres. Nous devons le faire progressivement même lorsque les pierres sont irrégulières. Donc, ici, vous pouvez déjà remarquer que les pierres sont devenues plus grosses et que celles situées juste sur le bord sont plus sombres. Faites attention à la façon dont j' ajuste la bande foncée au bord de la balustrade. Ces pierres sont nettement plus foncées et devraient être représentées de cette façon. Je vais maintenant fabriquer les pierres dans les zones les plus sombres du pont. Regardez comme ils sont beaux le long du pont. Regardez ici, à l'extérieur du pont, j'ai créé des lignes parallèles qui s'ouvrent légèrement en perspective pour indiquer la taille progressive de celles-ci, qui doit augmenter au fur et à mesure que je me déplace vers la droite. Vous pouvez également voir que je m' adapte à l'image de référence. Juste à cet endroit, il y a une sorte de lumière dans les pierres. Les pierres devraient donc y être plus légères. Maintenant, je vais ajouter quelques derniers détails à la montée en flèche pour compléter l'ensemble du pavé À Voila, notre château commence déjà à prendre une forme très attrayante, et il reste encore beaucoup à faire Pour l'instant, aiguisez le bout de vos crayons car nous allons continuer dans la 37. Façade de château d'arbres et de branches: Parfait. Dans cette leçon, vous allez aborder ces éléments de la nature, les arbres, les branches. L'essentiel est d'essayer de répéter ici ce que nous avons fait avec l'exercice sur les arbres Mais pas seulement cela, mais aussi avec l'exercice de nature morte en plein air. Commençons par nous concentrer sur les arêtes des arbres. Comme vous pouvez le constater, c'est sur les bords que l'on peut vraiment détecter la nature d'un arbre. Cela est dû au fait que l'image est légèrement rétroéclairée, mais aussi parce que la couleur des arbres est presque toujours vert foncé ou brun foncé Ainsi, cette grande accumulation de feuilles et de branches se mêle former un gros corps dont la forme est principalement visible sur Dans la plupart des dessins et croquis, les arbres ne sont pas l'élément principal. Ils font généralement partie de l'environnement qui entoure les principaux éléments, le sujet principal. Il doit donc y avoir des stratégies qui nous permettent de créer cet environnement manière appropriée et rapide. Les méthodes que j'ai appliquées pour rendre les arbres pointent donc dans cette direction. Comme vous pouvez le voir à l'écran, j'essaie de faire une sorte d' interprétation pour afficher ces branches. Je veux dire, je ne suis pas capable détecter toutes les feuilles de l'arbre, mais dans une certaine mesure, je dois les détecter. Donc, pour le faire, je dois utiliser mon imagination. Mais ce que je peux faire avec l'image de référence, c'est détecter le design général de l'arbre. Je veux dire, je peux détecter où se trouvent les branches principales. Donc, en utilisant cette technique pour créer des feuilles, je peux me rapprocher de la forme réelle de l'arbre. Comme nous l'avons déjà vu dans les autres leçons sur les branches, nous devons comprendre que chaque groupe de lacets accroché au contour des arbres est maintenu par un petit tronc mince Bien que cela ne soit pas toujours visible dans l'image de référence . Je vous recommande vivement de le faire puis de créer les lèvres dessus. De cette façon, vous aurez l'effet visuel approprié. Mais attention, une fois les branches dessinées, il ne me reste plus qu' une fois les branches dessinées, il ne me reste plus qu' à assombrir le reste de l'espace, mais ne vous méprenez pas Je ne veux pas dire que nous ne pouvons pas décrire l'arbre avec beaucoup plus de détails Mais c'est une technique pour le faire rapidement. C'est une sorte de technique de dessin. Il est important de comprendre que même si toute la zone est sombre, il doit y avoir des parties plus claires et plus foncées pour créer du volume, car certaines branches sont plus proches de nous que d'autres. Certaines branches sont également plus exposées à la lumière que d'autres. J'essaie toujours de faire remarquer les arbres ont une structure organique et irrégulière, utiliser des traits plus courts et plus rapides pour délimiter les branches principales et de commencer à suggérer le feuillage avec de petites marques de neitle Cela aidera les arbres à paraître plus naturels et moins rigides. Passons de l'autre côté. Ici, nous sommes censés répéter le processus. Mais à la différence que ce côté est plus rétroéclairé que l'autre, la lumière vient surtout de ce côté Comme nous l'avons fait pour l'arbre précédent, commencez par dessiner les formes de base des arbres à l'aide de légers traits au crayon graphite Concentrez-vous sur la structure globale. C'est très important, le tronc et le feuillage. Et rappelez-vous toujours que même lorsque les troncs ne sont pas clairement visibles sur l'image de référence, ils sont là et devraient être là Je pense que tu peux remarquer quelque chose d'important. Si vous prêtez attention à l'image de référence, vous remarquerez que l'apparence de cet arbre est affectée par le vent constant. C'est comme s'il avait passé beaucoup de temps être frappé par le vent du même côté. De ce point de vue, de gauche à droite, c'est un détail que nous pouvons rendre dans cet arbre. C'est pourquoi j'utilise une sorte de hachure qui va dans cette direction d'une certaine manière Je vais commencer à créer ces branches et fleurs ci-dessous en même temps. Notez qu'il y a une couche sombre sur laquelle je crée ces branches. Et essayez de vous rappeler que lorsque vous travaillez sur le feuillage, ne visez pas une précision extrême. Utilisez des mouvements rapides et lâches avec les crayons en graphite pour capturer l'irrégularité des Les arbres ont alors des formes clairement définies, alors concentrez-vous sur la capture de l'essence globale plutôt que sur le dessin d'une feuille rouge. Vous remarquerez peut-être que je ne crée pas exactement ces branches. Je crée une sorte d'interprétation. Mes quelques-unes de ces succursales. Il existe trois façons de fabriquer des feuilles dans cette section. La première consiste à dessiner directement la branche avec les feuilles avec du graphite. La seconde consiste à créer le contour d'une branche ou d'une feuille, et la branche aura la couleur du papier. Et c'est quelque chose que vous pourriez également faire en appliquant d'abord beaucoup de graphite, puis en dessinant la branche ou la feuille avec le crayon à effacer Et la troisième méthode consiste à dessiner la branche ou la feuille avec une craie blanche au basilic Nous verrons ce dernier point dans la dernière leçon de ce dessin. Il est important de ne pas perdre patience lorsque vous fabriquez des branches et des feuilles. Tu dois en faire le plus possible. Cela prend du temps, mais le résultat est excellent. Vous pouvez voir que les détails que j' ajoute ne figurent pas réellement dans l'image de référence, mais c'est quelque chose de plausible. Donc ça a l'air super. N'ayons donc pas peur d'ajouter des éléments précieux à notre composition, même s'ils ne figurent pas dans l'image de référence. Retournons à l' arbre. Sur la droite Je continue à créer des branches et des mini-troncs et à donner de la densité au feuillage de l'arbre Comme je vous le dis toujours, ce processus prend du temps. Essaie de te détendre et de suivre mon crayon. Le mouvement doit être effectué petit à petit pour que le graphite soit constant et ait les plages exactes dont vous avez besoin. D'autre part, n'oubliez pas que vous devez laisser des espaces plus clairs pour représenter le passage de la lumière. Détendez-vous et suivez-moi. Mmm. Faites attention à sa beauté. La consistance de l'arbre est atteinte. Nous allons maintenant passer aux détails des feuilles. Maintenant, regardez comment je retire le graphite avec le crayon effaçable pour créer des feuilles. Ça a l'air super. Regardez à quoi ressemble le groupe de branches maintenant. Il a maintenant un excellent bowling et une bonne latence. Et nous pouvons appliquer la même stratégie à cet arbre. Jusqu'ici, tout va bien. Le dessin est superbe. Passons à la prochaine leçon de ce travail. 38. Détails finaux et façade de château en craie pastel: Bonjour, tout le monde. sommes à la dernière leçon d'aviron, et je vais commencer par ajouter ce pastel shock ici Je vais appliquer le pastel blanc directement sur les bords pour couvrir ces espaces importants. Par exemple, ici, souvenez-vous que la lumière traverse les arbres. Maintenant, je vais appliquer du graphite ici pour créer une sorte de dégradé entre ce ton foncé et le pastel. Vous pouvez utiliser le crayon pastel pour combler ces lacunes. L'idée est de créer la source lumineuse principale. Maintenant que nous avons déjà cette source de lumière, nous pouvons commencer à ajouter la projection de cette lumière sur les objets. Par exemple, ici au-dessus des balustrades du pont. Regardez le volume qui apparaît sur le pont en ajoutant simplement ce détail. Mais comme nous voulons créer du volume toute la surface du château, nous devons appliquer le pastel blanc sur l'ensemble des pierres du coval afin d'atteindre cet objectif Attention, il ne s' agit pas de colorer le château en blanc, mais de le faire avec soin, en ajoutant des détails précis à chacune des pierres. Ce que nous voulons, c'est créer une texture. J'essaie maintenant de diffuser ce pastel blanc pour créer un dégradé. Si vous prêtez attention à l'image de référence, vous remarquerez que certaines briques et pierres sont plus claires. Nous pouvons suivre ce schéma lors de l'application du pastel blanc. Il est également important d' identifier les zones les plus éclairées. Maintenant, faites attention au fait qu' en mettant encore plus cette couleur blanche au bord du ciel, le château prend plus de volume. Elle semble vraiment se détacher du ciel. Regarde maintenant comment je crée ces feuilles blanches sur cet arbre. Ils ne figurent pas sur l'image de référence, mais ils sont superbes. Nous pouvons continuer à affiner les détails avec le graphite. Ici, je mélange le graphite dans ces ombres, et j'utilise un moignon mixte Le château a déjà assez de pastel blanc. Maintenant, regardez ce que je vais faire. Je crée des espaces où la lumière passe entre les arbres J'ajoute juste du pastel blanc là où la lumière passe. Regardez les détails du pont, faites attention aux différentes nuances de blanc sur les pierres. C'est très important. À ce stade du dessin, vous pouvez continuer à ajouter autant de graphite que vous le souhaitez. Il est important que la craie n'ait pas air forcée sur la surface des murs, mais qu'elle ressemble plutôt à une texture Ensuite, si vous avez besoin de plus de graphite pour créer cet effet visuel, vous devez l'ajouter. Je pense que l'utilisation de chocs blancs en association avec graphite dans un dessin peut améliorer de manière significative la profondeur, contraste et l' impact global de l'œuvre d'art. En attendant, le graphite excelle dans la création d'une large gamme de nuances allant du clair au foncé Il n'a pas la luminosité pure nécessaire pour ressentir les reflets capturés ou l'intensité de la lumière en un clin d'œil. La craie blanche, quant à elle, constitue l'outil complémentaire idéal, permettant aux artistes de mettre en valeur les zones les plus lumineuses, qu'il s'agisse du reflet de la lumière sur une surface ou du scintillement de reflets lointains Le mélange de ces deux médiums améliore non seulement la plage dynamique de la pièce, mais apporte également une nouvelle dimension à la texture et au réalisme mélangeant soigneusement le choc au graphite, les artistes peuvent obtenir des transitions plus fluides entre les ombres et les lumières, donnant au dessin une qualité plus réaliste De plus, le contraste entre finition douce du gravite et la qualité brillante et presque lumineuse de la craie blanche ajoute une couche supplémentaire d'intérêt visuel, rendant le dessin plus attrayant pour le spectateur Cette combinaison encourage les artistes à réfléchir de manière critique à la manière dont la lumière interagit avec la forme, les aidant à mieux comprendre l'ombrage et la valeur, éléments essentiels à la création d'une œuvre d'art convaincante et équilibrée Je vais mettre la touche finale ******* dans la rue. Je vais faire autant de tours que possible. Ce que j'aime le plus dans cet arbre est qu'il ressemble à un saule pleureur, un arbre royal typique Ce n'est pas celui de l'image de référence, mais c'est très pratique car c'est un château. Mon point de vue sur le dessin est que l'apprentissage du dessin ne se limite pas à la maîtrise des techniques Il s'agit de découvrir une nouvelle façon de voir le monde. Chaque trait que vous faites, chaque teinte que vous mélangez vous rapproche de l'expression de votre vision et de votre créativité uniques. Je veux dire, le dessin enseigne la patience, la persévérance et la joie du progrès, aussi petit soit-il. Chaque fois que vous prenez un crayon, vous vous améliorez, que vous le remarquiez ou non. Alors, profitez du progrès, appréciez le voyage et souvenez-vous que chaque artiste a commencé là où vous êtes aujourd'hui. Avec du dévouement et de la pratique, vous serez étonné de voir jusqu'où vous pouvez aller. Continuez à aller de l'avant et laissez-vous guider par votre passion pour le dessin.