Dessiner des personnages expressifs - N'importe quel style, n'importe quel niveau

1. Introduction au cours: Avez-vous déjà voulu dessiner des personnages qui se sentent vivants, personnages débordant de personnalité ? Apprendre à dessiner des expressions pourrait être le moyen de le faire. Je m'appelle Andreas Provost, et dans ce cours, je vais vous apprendre à faire exactement cela. Nous parcourrons ensemble un projet de dessin, où vous apprendrez à dessiner des personnages émotionnels et expressifs comme jamais auparavant. Vous apprendrez à utiliser ces compétences d'une manière libératrice et excitante, mais toujours très pratique et appliquée. En plus de cela, il y aura des exercices supplémentaires dans chaque leçon pour vous aider à continuer à apprendre si vous le souhaitez, tout ce dont vous avez besoin pour ce cours est de dessiner avec quoi dessiner et quelque chose à dessiner sur. Je travaillerai dans Clip Studio Paint, mais vous n' avez absolument pas besoin de l' obtenir si ce n'est pas ce que vous avez, tout ce que vous pouvez dessiner est très bien. Si vous voulez arrêter de dessiner des personnages statiques et sans vie, et que vous voulez commencer à leur donner l'impression d'être de vraies personnes, rejoignez le cours, c'est la classe qu' il vous faut. J'espère vous voir à l'intérieur. 2. L'histoire et l'idée: Bienvenue dans la classe. Naturellement, la première chose que nous devons faire, c'est que nous devons décider ce que nous allons réellement dessiner. Il y a une certaine façon que j' aimerais y aller, mais j' aimerais également vous expliquer pourquoi je choisis la façon dont je suis. Lorsque les gens parlent généralement de dessiner des émotions, ils parlaient de quelque chose appelé les émotions de base. Ce sera quelque chose comme la colère, la joie, le bonheur, la tristesse, l' envie et le dégoût. Parfois, il y en a six, parfois cinq, parfois sept ans. Mais le plus important est qu'ils essaient de prendre tout le spectre complexe des émotions et de les faire bouillir dans quelques boîtes sélectionnées. Maintenant, je n'aime pas vraiment ce système parce que je pense que les êtres humains sont beaucoup plus complexes que cela. Je pense qu'en tant qu'artistes, si nous réduisons toute la richesse de l'émotion jusqu'aux boîtes de sélection uniques, ou si nous commençons à les mélanger et à les associer. Nous perdons ce qui est le plus important ici, c'est l'histoire. Je pense aussi que cela vous permet de vous concentrer sur les mauvaises choses. Si vous essayez de mettre chaque sourcil en position et de vous assurer que les lèvres se courbent correctement. Mais vous ne réfléchissez pas que ressent réellement le personnage. Je pense que vous perdez l'intrigue et que vous accordez l'importance là où elle ne devrait pas aller. Si vous êtes en phase avec les émotions de votre personnage, cela s' affichera automatiquement à travers votre dessin. La façon dont je veux que vous commenciez à y penser est une idée que je vais appeler mille sourires. Imaginez comme mission, je vous ai dit de dessiner un sourire. Que dessineriez-vous ? Alors que vous pourriez dessiner quelque chose d' incroyablement simple, comme un vrai visage souriant. Ou vous pourriez simplement dessiner quelqu'un qui est généreusement heureux. Mais je crois qu' un sourire peut dire 1 000 choses différentes. Allons-y sous un angle différent et réfléchissons plutôt à l'histoire. Disons que nous avons un personnage appelé Alice. Alice s'entraîne depuis des années pour devenir championne d'échecs de son pays. Le jour des nationaux arrive enfin, et elle va beaucoup plus loin que ce que les gens s'y attendaient. Elle joue bien et elle gagne. Elle ne cesse de gagner jusqu'à ce que finalement, elle soit en finale après un match mordant des ongles plein de tension, étonnamment, elle gagne. À quoi ressemblerait Alice sourire ? Je parie que ça pourrait ressembler à ça. Un sourire exalté, un sourire joyeux, un sourire qui semble être un gros gain pour tous les ennuis qu'elle a rencontrés pour arriver ici. Ce jour-là, c'est le sourire d'Alice ? Mais nous pouvons également y aller sous un angle différent. Imaginez son adversaire, elle s'entraîne tout aussi fort. Maintenant que le jour est enfin venu, elle prend la deuxième place. Elle est dévastée. Parfois, être vraiment près de gagner peut sembler bien pire que de perdre tout droit. Elle sort donc du podium, retourne vers la famille qui est venue là pour la soutenir. Heureusement, son petit ami est là qui a toujours su la faire rire, malgré le fait qu'elle soit dévastée par sa perte, son petit ami craque une blague stupide et elle ne peut tout simplement pas s' empêcher sourire. Son sourire pourrait ressembler à ça. C'est un sourire d'émotions mitigées. Un sourire qui prend clairement soin des gens avec qui elle est, mais aussi un sourire qui est arrivé dans une période très difficile. Que diriez-vous de celui-ci ? Alice, surchargée de joie, retourne aussi vers sa famille. Seule sa mère est venue regarder, mais elle est intensément fière de sa fille. Son sourire pourrait ressembler à ça. C'est un sourire tendre, aimant et très fier. Ces trois sourires racontent une histoire radicalement différente, même s'ils se sont tous déroulés dans la même situation. J'espère que vous pouvez maintenant voir à quel point de comprendre l'histoire que vous allez raconter est vraiment important de comprendre l'histoire que vous allez raconter pour décider à quoi devrait ressembler la présentation émotionnelle de ces personnages. Pour vous aider à réfléchir à l'histoire, vous pouvez utiliser les questions suivantes. Que vient de se passer ? Que se passe-t-il actuellement ? Que va-t-il se passer ? Essayez de vous mettre à la place de votre personnage et réfléchissez à ce qui vient de se passer autour d'eux. Si vous n'avez pas encore une idée d'histoire que vous voulez dessiner, il peut être utile de regarder un générateur de mots aléatoires. en parcourant ces mots aléatoires et en pensant quelques secondes sur chacun, voyant si des idées viennent à l'esprit. Parfois, vous pouvez déclencher des histoires où auparavant vous n'aviez aucune inspiration. Maintenant, la principale chose que nous avons examinée jusqu'ici est la situation, qu'advient-il du personnage ? Mais bien sûr, la personnalité réelle de notre personnage est également très importante. Même si nous prenons la position d' Alice de gagner le championnat. Il y a différentes personnes qui ont pu répondre très différemment dans cette même situation. Alice était joyeuse et ravie, mais peut-être qu'un personnage très arrogant et confiant n'aurait même jamais douté du résultat. Peut-être que vous avez un personnage si méchant aux échecs qu' ennuie complètement parce qu'il n'y a plus de montagnes à conquérir. Leur victoire est un peu creuse. Peut-être que tout ce que fait votre personnage, c'est simplement respirer un soupir de soulagement sachant que tout le stress est terminé maintenant. Pour pratiquer ce genre de réflexion, je voulais vous donner un exercice optionnel appelé trois sourires. Et il s'agit essentiellement faire ce que nous avons fait dans la démo. Choisissez une émotion et pensez une histoire de moment qui pourrait impliquer cette émotion basant sur les différentes perspectives et différentes personnalités des personnages de cette histoire. Voyez si vous pouvez dessiner cette émotion trois fois différentes, mais vous présentez d'une manière différente à chaque fois. Comme dans cet exemple, nous avons eu le sourire d'un gagnant. Nous avions un sourire fier et nous avions un sourire triste, larmoyant et remontant le moral. Vous pouvez faire la même chose avec n'importe laquelle de ces autres émotions, colère, tristesse, peur, et quand il s'agit de dessiner réellement ces émotions, le plus gros conseil que je puisse vous donner est de simplement agir. Si vous agissez en colère, qu' arrive-t-il à votre visage ? Qu'advient-il de vos épaules, de vos mains ? Regardez-vous dans un miroir et voyez votre langage corporel et votre expression faciale. Il peut également aider à Google l'émotion et à obtenir les références appropriées. Voyez ce qui se passe dans les visages des gens et combien peu de modifications peuvent donner des impressions très différentes. Mais comme je l'ai dit, agir vous-même est l'une des meilleures façons de le faire. Cela dit, faites l'exercice si vous le souhaitez. Mais en attendant, nous allons commencer la première partie de notre projet. Très bien, donc la vignette est la première . Pour celui-là, je vais juste prendre un peu de pinceau grattant, utiliser une texture de papier simple parce que je n'aime pas avoir une toile blanche pure et je vais juste me tenir debout, c'est ce que j'ai Je veux que tu le fasses aussi. Je ne veux pas que vous passiez trop de temps à réfléchir à la perspective exacte des choses. Je ne veux pas que vous construisiez une figure réaliste. Je veux juste que vous commenciez à mettre quelques idées sur le journal. Encore une fois, essayez de considérer l'histoire en réfléchissant à la situation et en réfléchissant à la façon dont le personnage que vous dessinez réagirait à cette situation ? Quelle expression auraient-ils ? À quoi ressemble leur langage corporel ? Ne vous en tenez pas à une seule chose, mais explorez différentes options. Inclinez la tête dans un sens ou dans l'autre, leurs mains touchent-elles leur visage ou peut-être pas ? C'est votre terrain de jeu. C'est ici que vous pouvez simplement explorer et essayer ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas. N'ayez pas peur d'être désordonné et soyez prêt à jeter tout travail que vous faites ici. Vous ne voulez pas être précieux sur ce que vous dessinez, mais vous voulez simplement explorer tout ce qui vous aide à vous sentir plus libre d'essayer ce que vous voulez, c'est quelque chose que vous pouvez utiliser. Il n'y a aucune règle ici. L'histoire avec laquelle je vais, c'est une employée de centre d'appels qui en a trop dans son assiette. J'imaginais qu'elle était en appel avec un client particulièrement frustrant ayant déjà été sur cet appel depuis des lustres et qu'elle voulait juste sortir de cette situation. Je voulais capturer ce mélange de frustration et de stress et je voulais que son langage corporel ressent la même chose. Encore une fois, je ne m' inquiète pas du tout de la proportion, mais j'explore simplement à quoi pourrait ressembler l'image finale. Tout ce que nous dessinons ici, nous allons tout simplement redessiner complètement de toute façon. Vous n'avez pas à vous soucier de garder tout propre ou précis. C'est un processus d'itération. Sur un croquis, il se peut que vous ayez un aspect que vous aimez, et un autre aspect que vous n'avez pas. Peut-être, par exemple, l'angle de la caméra est bon, mais la pose ne fonctionne pas tout à fait. Ou vous avez une bonne expression faciale, mais le langage corporel ne correspond pas tout à fait à lui. Dans ces cas, il vous suffit de passer en revue et de voir quelles sont les options dont vous disposez. N'oubliez pas que si vous ne savez pas comment capturer ces émotions, l' une des meilleures choses que vous puissiez faire est d'agir vous-même. Que fait naturellement votre corps lorsque vous essayez de canaliser ces émotions ? Si vous mettez cela dans vos personnages, ils commenceront naturellement un peu plus expressif. Essayez de vous forcer à essayer quelques idées, même si au début vous avez l'impression qu'elles ne fonctionneront probablement pas de toute façon. Vous pouvez me voir essayer des angles de caméra différents, des perspectives différentes et dans le fond de mon esprit, je pense que je ne vais probablement pas les utiliser, mais en essayant de les appliquer quand même, parfois, vous obtenez des idées incroyables que vous n'auriez pas eu autrement. J'essaie un angle plus rapproché. J'essaie des poses différentes pour les bras. Et j'en essaie même un qui est plus au-dessus de l'épaule, avoir une vision inverse complète de la situation. Puis, à la fin, j'ai rassemblé tous les croquis en une seule page, juste pour voir ceux qui fonctionnent le mieux à mon avis. Et encore une fois, c'est bien de mélanger et de faire correspondre ici. Si vous avez des pièces qui fonctionnent et des pièces qui ne voient pas si vous pouvez les combiner pour créer quelque chose de meilleur que l' une ou l'autre option. En fin de compte, ce sont ces deux miniatures qui fonctionnent le mieux. Je vais travailler avec une combinaison des deux. Allez-y vous-même. Créez une page de vignettes, essayez différentes options, essayez différents angles et poses et voyez simplement celles qui vous conviennent le mieux. Ne restez pas coincé dans les détails techniques et explorez simplement librement. Ensuite, lorsque vous aurez fait cela, je vous verrai dans la prochaine leçon où nous allons voir comment affiner cela. 3. Développer votre dessin: Il est maintenant temps de prendre ce croquis grossier et de le transformer en quelque chose qui ressemble à un dessin fini. Nous allons examiner comment affiner votre esquisse et comment appliquer une certaine structure à vos méthodes. Ce que je dirai cependant, c'est que je n'ai pas l'intention de vous enseigner la méthode Loomis ou la méthode Asaro ou n'importe quel type de méthode de construction de tête. Je pense que ces méthodes ont leur place et peuvent être très utiles, mais je pense également que pour ce que nous recherchons, elles sont juste un peu trop restrictives. Je veux vous encourager à explorer et à pousser les choses un peu plus loin que vous ne le pensez. L'utilisation de ces méthodes de construction vous décourage parfois simplement d'explorer. n'y a pas de règles réelles ici. Vous pouvez travailler dans le style et la proportion que vous voulez. Vous n'avez pas besoin de copier mon style ou celui de quelqu'un d'autre, mais il y a quelques effets dont il est utile d'être conscient. Par exemple, quel que soit le style dans lequel vous décidez de travailler, vous pouvez toujours pousser votre caractérisé conçu pour pousser certaines caractéristiques. Un exemple courant ici est celui de l'âge. Pour faire la différence entre un jeune et une personne âgée dans vos dessins, il peut être utile de prendre conscience d' idées telles que les proportions relatives. Les proportions relatives du visage nous en disent long sur l'âge des différents personnages. Les personnes âgées ont généralement un nez relativement plus grand, oreilles plus grandes et des yeux plus petits. Le front peut parfois sembler plus grand à mesure que la racine des cheveux recule, et il y aura généralement plus de détails de surface lorsque la peau vieillie commence à se froisser. Une façon de renforcer votre capacité à dessiner différents types de personnages consiste à apprendre à identifier les caractéristiques et à insuffler ces caractéristiques à vos dessins. L'idée de montrer l'âge à travers des proportions relatives en est un bon exemple. S'il y a un portrait que nous avons dessiné et que nous voulons nous sentir plus jeunes, nous pouvons trouver comment le faire en regardant le type d'humain le plus jeune. Bébés, une fois que nous avons obtenu notre croquis initial, nous pouvons voir ce qui rend les bébés différents des autres humains, différents des autres humains, et il ne nous reste plus qu' à infuser certaines de ces caractéristiques à notre personnage. Nous pouvons modifier les formes pour les adoucir et les arrondir. Nous pouvons agrandir les yeux pour modifier les proportions du visage. Au fur et à mesure que nous introduisons ces caractéristiques dans notre personnage, notre personnage commencera à assumer certaines des qualités de la chose que nous faisons référence. Cela n'a même pas besoin de se limiter aux gens. Bien que les gens soient souvent un bon point de départ, surtout si vous dessinez des personnages humanoïdes, vous pouvez trouver l'inspiration pour cela dans toutes sortes d'endroits. Je dessine ici un portrait d' un homme plus âgé que je voulais me sentir plus robuste. Alors que j'ai trouvé des références d'un homme plus âgé et d'un homme qui regardait de plus près ce que je voulais, j'ai également inclus une référence pour un arbre et des références pour un peu de foin. Je voulais voir si je pouvais donner un peu plus de caractère à son visage en convertissant les lignes simples plus lisses et plus rondes en quelque chose un peu plus comme les courbes noueuses que l'on trouve sur un vieil arbre. De même, je voulais ajouter un peu de Bristol à sa barbe en imitant les formes que l'on trouve dans le foin sec. Pour ce type de caractérisation, n'hésitez pas à référencer ce que vous voulez. Par exemple, vous pouvez peut-être penser à la tenue que porte votre personnage. À quoi ressembleraient leurs dents ? Est-ce qu'ils se soucient beaucoup de leur apparence ou non ? Si vous ne savez pas encore quel genre de choses changer pour repousser ces caractéristiques, cela peut vous aider à regarder autour de vous dans le monde réel. Regardez des acteurs qui peuvent ressembler au personnage que vous avez vu dans votre tête, ou peut-être que vous pouvez regarder des photos de personnes que vous connaissez dans la vraie vie. Bien sûr, vous pouvez également référencer dessins de personnages existants et d'autres œuvres d'artistes pour voir ce qu'ils ont fait pour pousser leurs personnages à ressembler d'une certaine manière. Vous pouvez appliquer toutes ces idées en essayant de dessiner deux portraits de personnages différents avec la même pose, le même angle, mais voyez si vous pouvez pousser les proportions relatives et leurs caractéristiques physiques qu'ils se sentent encore très différents. Mais même si je ne vais pas parler de méthodes spécifiques de dessin de tête, je veux quand même vous donner quelques conseils pour régler votre structure. À moins que vous ne travailliez dans une matière très stylisée, il est toujours utile de pouvoir dessiner votre personnage sous tous les angles. Alors, même si je n'utilise pas la méthode de la tête Loomis complète, j'utilise toujours des lignes croisées pour m'aider à atteindre l'angle que je veux. Si nous dessinons deux lignes sur une sphère qui va tout autour et qui sont perpendiculaires l'une à l'autre, la croix que nous voyons sur la face avant nous donne une très bonne idée de l'angle que nous voyons. cette sphère. Cela fonctionne pour presque toutes les formes de tête, ajoute un nez à cela, et vous saurez toujours dans quelle direction les formes sont confrontées. C'est donc ce que je vais vous recommander de faire aussi. Utilisez cette méthode des lignes de croisement pour déterminer exactement où vous voulez que votre tête pointe, puis lorsque vous placez le nez là où il doit aller [BRUIT], vous aurez précisé exactement quel angle vous voulez. L'angle compte beaucoup. Même si nous conservons le même design d'un personnage, mais que nous les voyons sous deux angles différents, il peut tout de même raconter deux histoires différentes. Cela dit, je vais vous montrer maintenant comment j'emmène ma vignette vers un croquis plus raffiné que vous puissiez faire la même chose. La prochaine étape est venue de peaufiner notre esquisse. Je pense que l'une des meilleures façons commencer à le faire est avant de commencer à dessiner les détails, en fait, prendre un certain temps pour trouver des références pertinentes. Il existe un programme étonnant appelé PureRef que vous pouvez télécharger gratuitement et qui vous permettra de rassembler et d'organiser des références magnifiquement. J'utilise ce programme sur presque tous les projets que je réalise. En ouvrant une fenêtre PureRef, en la plaçant sur le côté et en parcourant simplement une photothèque de stock, je suis en mesure de trouver de nombreuses références pertinentes pour presque toutes les parties de l'image. Quel genre de choses pouvez-vous faire référence ? Eh bien, vous pouvez commencer par l'émotion que vous voulez dépeindre. Peut-être voulez-vous faire référence à certaines personnes qui ressemblent au personnage que vous essayez de dessiner. Ou peut-être qu'il y a des objets ou des détails techniques dans la scène où avoir une référence peut simplement vous aider à comprendre exactement à quoi ressemblent ces choses. En général, si nous essayons tirer toutes ces choses de notre tête, nous laissons de côté beaucoup de petites choses qui aident à rendre la chose réelle. Pour éviter cela, il est vraiment important d'avoir des références pertinentes. Lorsque vous avez les références que vous souhaitez, vous pouvez simplement sélectionner les images, cliquer avec le bouton droit de la souris et aller à la disposition, puis optimiser pour obtenir instantanément une belle répartition de toutes les références qui que vous avez collecté. Nous avons maintenant nos références et il est temps de dessiner. Ce que j'ai ici, c'est une toile simple, encore une fois avec cette texture de papier, et je vais commencer à faire des marques grossières. La différence est que contrairement à la vignette, je commence à penser à l'angle exact sous lequel nous voyons les choses. Cependant, pour que les choses restent spontanées, je ne suis pas trop inquiet de bien faire tout d'abord. Personnellement, je trouve qu'il est souvent plus facile d'obtenir un dessin correct en mettant simplement des choses sur la page et en voyant si vous pouvez corriger plutôt que d' essayer simplement d'évoquer quelque chose qui est déjà parfait en dehors de l'air. Je fais juste un gâchis pour que mon cerveau ait quelque chose à saisir, à quoi s'accrocher. Vous me verrez enlever des pièces, effacer et les redessiner. Ce faisant, j'essaie d'obtenir la meilleure option pour chaque partie de l'image. Je veux que tout fonctionne ensemble. Je veux que les mains aient l' impression d'avoir une certaine tension, je veux que le visage soit expressif, je veux que le langage corporel fonctionne, et je veux m' assurer que nous voyons sous un angle cela a du sens et rehausse encore l'ambiance. Certains artistes utilisent beaucoup plus de construction que moi. La raison pour laquelle je ne fais pas cela en ce moment, c'est parce que je veux que le dessin soit spontané. Mais si ce type d'esquisse libre ne vous vient pas naturellement, vous pouvez soit utiliser une approche plus élaborée, soit simplement essayer de voir ce que vous pouvez en apprendre. Restez ouvert à la possibilité que cela puisse souvent vous aider à vous détendre un peu, et le relâchement est la clé pour obtenir une bonne lecture émotionnelle et expressive. Ici, vous pouvez vraiment me voir effacer et redessiner le visage sous un angle complètement différent. C'est parce que j' aime vraiment le sentiment dynamique que l'inclinaison de la tête vers le haut de l' une des vignettes nous donnait. Bien que vous ne puissiez pas les voir, mes vignettes sont ouvertes sur l'autre écran et je les regarde régulièrement pour m'assurer que notre esquisse conserve toujours la même énergie. Idéalement, à la fin de cette étape, vous souhaitez que votre dessin se sente mieux que l' esquisse grossière que vous avez faite. La façon dont je vais nettoyer la perspective consiste à passer au calque, appuyant sur « Règle/cadre », puis en cliquant sur « Créer une règle de perspective ». Il s'agit d'une fonctionnalité CSP étonnante qui guide essentiellement toutes les lignes que vous tracez vers les points de fuite que vous avez créés. Cela facilite vraiment la création de perspectives. Une fois que j'aurai eu ma passe difficile, je vais passer par-dessus tout en essayant de l' affiner et de la faire ressembler un peu plus à une image finie. La vignette est notre première idée. Ensuite, l'esquisse grossière nous rapproche un peu de ce à quoi devrait ressembler cette idée, et cette version raffinée est essentiellement notre première tentative de créer l'œuvre finale. Maintenant, je pense que notre esquisse commence à ressembler beaucoup plus à une illustration finie. Mais vous remarquerez peut-être la même chose que moi. Notre esquisse en ce moment a perdu beaucoup de son énergie. C'est un problème que je vois des gens vivre tout le temps, il est incroyablement difficile de maintenir cette énergie alors que vous transformez votre pièce en quelque chose de plus fini. Mais ne vous inquiétez pas, car dans la prochaine leçon nous allons examiner exactement ce que vous devez faire pour récupérer tout cela. Je vous y verrai. 4. Exagération : Faire en sorte que votre personnage soit vivant: Bienvenue de retour. Comme je l'ai dit dans la dernière démo, j'ai l'impression que nous avons perdu une partie de l'énergie de la partie structure. C'est quelque chose que je vois arriver tout le temps. Je pense que les gens perdent généralement de vue ce que l'intention des pièces lorsque tout ce sur quoi ils se concentrent est la perspective et la forme. Je veux voir si nous pouvons le récupérer. Je pense que la clé ici est l'exagération. L'exagération n'est pas la même chose que la distorsion. L'important ici, c'est votre intention. Par exemple, si nous voulons rendre ce personnage plus robuste et robuste, le simple fait de déplacer les parties du visage au hasard ne va pas vraiment nous aider. Ce que nous voulons plutôt faire, c'est identifier les caractéristiques qui rendent quelque chose d' enflammé et rapprocher les différentes parties de notre portrait vers cela. Certaines choses auxquelles je pensais, par exemple, étaient un cou épais, une mâchoire carrée et une ligne sourcilière très forte. Revenons à la leçon précédente où nous parlions d'extraire des caractéristiques de différents types d'images. Ce que nous faisions ici est essentiellement une forme de conception exagérante. Dans cette vidéo, je veux voir comment exagérer le mouvement et l'émotion. Mais lorsque nous réfléchissons spécifiquement parties que nous voulons exagérer pour un certain effet, nous pouvons réellement faire en sorte que le dessin soit juste. C'est maintenant une idée importante. La plupart du temps, les dessins devraient être corrects et toutes les pièces sont en place, mais nous ne ressentons pas vraiment l'impact que nous avions prévu. Je pense que c'est parce qu' en dessinant, faute de réalisme, nous devons souvent pousser les choses un peu plus loin. Si nous voulons dessiner deux personnages qui se frappent l'un l'autre, simple traçage au-dessus de le simple traçage au-dessus de la photo ne se sentira souvent pas bien, même si les formes sont exactement les mêmes que dans la vraie vie. Lorsque nous dessinons quelque chose, nous devons généralement le concevoir et nous devons pousser choses un peu plus loin pour qu'elles ressentent la même chose. Pas seulement pour avoir l'air juste, mais pour se sentir bien. Mais comment savoir quelles parties exagérer ? Eh bien, regardons les expressions faciales. Cela peut aider à commencer en sachant quelles parties du visage peuvent réellement bouger le plus. Si je devais simplifier considérablement l'anatomie d'un visage, ce serait juste un crâne avec un tas de choses dessus et un tas de choses à l'intérieur. Si nous regardons où les traits du visage iraient ici, le globe oculaire serait à l'intérieur, les lèvres iraient en haut ici. Les sourcils allaient en haut, et le nez est en fait cuit dans le visage. Cette partie est en fait le début du nez et, à partir de maintenant, c'est surtout du cartilage. Si nous cherchons des choses qui ont sens à exagérer, nous voulons examiner les parties qui se déplacent le plus facilement dans la vraie vie. Cela signifie que nous pouvons obtenir beaucoup d'exagération des yeux et nous pouvons obtenir beaucoup d'exagération de la bouche. Bien sûr, le nez peut également changer, mais il est principalement affecté par le muscle qui l'entoure. Le nez lui-même ne cause pas autant de cette action. Gardez à l'esprit qu'il n'y a toujours pas de règles réelles ici. Beaucoup de styles cassent ce genre de choses tout le temps. Si vous voulez que toutes les caractéristiques du visage dérivent d'un côté pour un effet comique, vous pouvez totalement le faire. Selon la stylisation que vous dessinez, vous aurez peut-être plus ou moins d'espace pour les détails. Mais peu importe la quantité de détails que vous décidez d'utiliser, il peut quand même être conscient de la formation des rides sur le visage. Surtout pendant les émotions très intenses, l'apparition de ces rides augmente aide vraiment à conduire le point à la maison. plis et les rides sont causés par la poussée de la peau. Au fur et à mesure que les muscles du visage se contractent, différentes parties de la peau se rapprochent. Mais bien sûr, toute cette peau doit encore aller quelque part pour qu'elle se plie et se gonfle. Un moyen facile de simplifier la formation des rides sur le visage est de penser à pousser un morceau de tissu. Ici, vous pouvez me voir appliquer une certaine pression sur une chemise qui est maintenue par un poids lourd. Vous pouvez voir que lorsque j'exerce une pression dans une direction, ces formes ondulées commencent à suivre mon doigt. La même chose se produit sur le visage lorsque les coins de la bouche se déplacent vers un sourire, on voit la même chose qui se passe là-bas. De même, lorsque les sourcils se déplacent dans un froncement des sourcils, la même chose se produit au centre du visage. L'exercice que je vais vous recommander de pratiquer cela s' appelle pousser, pousser, casser. Commencez par dessiner une face neutre. Il peut s'agir de n'importe quel style avec lequel vous êtes à l'aise et de n'importe quel type de personnage. Choisissez maintenant l'émotion que vous voulez que ce personnage transmette. Ce serait probablement aussi bon moment pour obtenir des références. Essayez simplement de dessiner le même personnage en exprimant cette émotion. Il suffit d'attirer cette émotion au mieux de vos capacités, mais n'y réfléchissez pas trop. Lorsque vous avez terminé le dessin, comparez les deux dessins et voyez si vous pouvez analyser les différences. Qu'est-ce qui fait que le deuxième dessin se sent d'une certaine manière où le premier dessin est tout simplement très neutre. Si vous voulez simplement écrire quelques notes, cela peut vraiment vous aider à observer. Maintenant que vous savez quels changements provoquent une certaine sensation de ce portrait, je veux que vous exagérez ces différences. Si les sourcils se déplacent vers le haut, déplacez-les plus loin. Si les coins de la bouche se déplacent, déplacez-les plus loin. Voyez si, en exagérant ces différences, vous pouvez créer une version plus intense de cette émotion, puis une fois que vous avez terminé cette esquisse, recommencez et allez un peu plus loin. Cet exercice est terminé lorsque vous avez atteint le point de rupture. Le point où vous sentez le dessin ne fonctionne plus vraiment lorsque vous êtes allé trop loin. C'est pourquoi c'est ce qu'on appelle «  push », « push break ». Je veux que vous examiniez les limites de la mesure dans laquelle vous pouvez pousser ces choses. N'ayez pas peur de ruiner ce dessin final et de le pousser beaucoup plus loin que vous ne le pensez. De cette façon, il vous aidera à explorer vos limites. Jusqu'où voulez-vous prendre votre exagération ? Si vous le souhaitez, faites un exercice et entre-temps, nous continuerons notre projet de classe. Comme nous venons de le dire, c'est dans les yeux et la bouche que nous pouvons voir beaucoup d'expression. C'est en fait le domaine où je vais regarder en premier. J'analyse ce que font ses yeux et sa bouche et je vais juste pousser ça un peu plus loin. Ses yeux plissent, alors je vais les faire plisser davantage. Son front fronçait les sourcils donc je vais rendre ce front plus fort. Pour la bouche, je vais souligner la grimace en déplaçant les coins de la bouche plus loin et je vais aussi souligner les rides qui se forment autour de son nez. Nous pouvons également exagérer les choses par d'autres moyens. Chaque partie de votre personnage est essentiellement une occasion d'exagération. Par exemple, si je veux qu'elle se sente éblouie et frustrée, je peux le faire en rendant ses cheveux plus salissés. Même s'il ne s'agit pas d'une partie typique de l'expression, cela aide quand même à la vendre. Une autre partie vraiment expressive du corps sont les mains. Je veux m'assurer que les mains ont vraiment impression d' avoir une certaine tension. Je vais souligner les lignes pour les tendons sur le dos de sa main juste pour donner l'impression que ses doigts ont plus d' attention à eux. Je vais essayer d'utiliser des formes pointues et angulaires pour le faire pour la même raison. Avec cette même pensée, je continue de contourner l'image. Je suis juste à la recherche de petites choses que je peux faire pour améliorer davantage l'émotion. J'ai pensé qu'ajouter quelques gouttes de sueur sur son visage serait un bon ajout. Mais ce sentiment d' expression ne se limite pas au personnage lui-même. Jusqu'à présent, nous avons regardé l'expression en exagérant l'expression faciale, exagérant les mains et nous avons aussi regardé ce que nous pouvions faire à ses cheveux pour souligner davantage ce sentiment. Mais nous pouvons également utiliser l'environnement pour renforcer ce sentiment de stress et de submersion. Je pensais qu'on pourrait ajouter des piles de papier dans l'administration pour vraiment donner l' impression qu'il y a beaucoup à faire. Nous faisons lire son émotion plus fortement non pas en changeant son émotion, mais en changeant la situation dans laquelle elle l'exprime. C'est en fait un joli teaser pour la prochaine leçon. Essayez de faire passer votre propre projet à ce stade, puis nous discuterons de la façon d' obtenir une belle finition. Je vous y verrai. 5. Tout est important: À vrai dire, je ne savais pas exactement où mettre cette leçon, mais je voulais quand même brièvement en parler. Comme vous l'avez vu dans la dernière démonstration, nous avons parlé de la façon dont l'ajout certains éléments environnementaux a vraiment fait ressortir l'idée de l'image. C'est vrai pour tout. Le principal point à retenir que je veux que vous obteniez, c'est qu'exagérer et évoquer un certain sentiment ne se contente pas d'exagérer le langage du visage ou du corps. Nous pouvons le faire de toutes sortes de façons. C'est la composition, l'angle de la caméra, l'éclairage, la couleur. Il y a tellement d'autres aspects qui entrent en jeu qui peuvent vous aider à augmenter encore une certaine sensation. Le fait est que si vous voulez considérer toutes ces choses, vous devez les considérer dès le début de la pièce. Mais parce que nous étions tellement concentrés sur le dessin de personnages, je ne pensais pas qu'il soit juste d'y placer cette leçon. Gardez simplement à l'esprit que chaque choix que vous faites dans votre dessin peut avoir un certain effet et que chaque choix peut donc être conçu pour soutenir votre idée principale. Si vous pensez à la cinématographie, ces cinéastes s' efforcent vraiment de vous convaincre que leur histoire est réellement émotionnelle ou que leur chose effrayante est effrayante. Ils le font en utilisant tous les outils de leur arsenal. Parfois, ils vont très près de l'appareil photo, alors que d'autres fois, elle sera plus éloignée. L'éclairage peut être très vif pour donner une sensation de mal à l'aise ou dramatique, ou il peut sembler très doux et doux si les choses ont besoin d'être romantiques et tendres. y a vraiment aucune limite aux facteurs que vous pouvez prendre en compte. Quel est le temps dans la scène ? La caméra est-elle pointue droite ou est-elle inclinée ? Combien de personnes y a-t-il dans la scène ? Dans quel environnement cette scène se déroule-t-elle ? Toutes ces choses peuvent vous aider et vous pouvez les utiliser pour façonner votre histoire. y a vraiment aucun élément qui soit plus ou moins important que les autres. Ils se réunissent tous pour fabriquer un produit fini. Sachez simplement que chaque fois que vous vous sentez coincé et chaque fois que vous voulez pousser votre histoire et la souligner un peu plus, sachez que vous avez le choix. En fait, vous avez beaucoup de choix : l'environnement, la météo, l'éclairage, la composition, la caméra de votre dessin, la pose du personnage, la conception du personnage, votre travail au trait, votre travail réel marquage, le pinceau que vous décidez d'utiliser. Toutes ces choses peuvent mettre l'accent sur ce que vous voulez souligner. J'espère que cela ne vous effraie pas ou ne vous accablera pas parce qu' il y a beaucoup de choix à faire, car cela signifie qu'il y a tellement de possibilités à explorer et qu'il y a tellement de choses incroyablement étonnantes que vous pouvez faire en utilisant l'art. J'espère que vous prendrez ça avec vous. Il y a tellement d'histoires que vous pouvez raconter de nombreuses façons différentes de raconter ces histoires. Je suis vraiment excité de voir où vous les emmenez. Cela dit, essayons d' appliquer cette pensée à notre travail et de voir si nous pouvons bien le terminer. La principale chose que je voulais faire dans cette dernière vidéo, c'est de réfléchir à façon dont nous pouvons utiliser la couleur et la lumière pour vraiment finir les choses bien. Je voulais réfléchir à la façon dont nous pouvons amener le spectateur à regarder exactement où nous le voulons et à la façon dont nous pouvons faire ressortir le personnage dans son environnement. Je voulais aussi réfléchir à la façon dont nous pouvons utiliser des éléments comme la couleur et la lumière pour mieux vendre son histoire. La chose que je voulais faire, c'est que je voulais contraster sa frustration avec l'assombrissement et l'accablée de son travail. J'ai pensé que ce serait peut-être bien de le faire en gardant son teint et sa couleur de cheveux assez chauds tout en gardant son environnement dans un gris assez sourd et frais. En lui donnant une couleur plus chaude et intense, elle se démarquait bien et la chaleur de sa frustration contrasterait bien avec l'environnement, rendrait facile pour le spectateur de savoir à quoi ils devraient prêter attention, et cela la séparerait aussi joliment du monde qui l'entoure. Je pense que la chaleur d'utiliser des rouges forts aiderait vraiment sa frustration à sonner à travers. La façon dont je commence généralement à colorer ces pièces est de bloquer rapidement une certaine couleur pour chacun des différents tons que je vois. J'en utiliserai un pour la peau, un pour son haut, un pour ses cheveux, un pour la chaise, etc. J'estime juste ce que je pense que ces couleurs vont être. Je deviens un peu plus sombre que je ne m'y attendais, car généralement lorsque vous travaillez sur un fond clair comme ce papier, il est vraiment facile de sous-estimer à quel point tout pourrait vraiment aller dans l'obscurité. Parce que vous travaillez sur un fond si clair, tout semble vraiment sombre par rapport à cela. La première couleur est que vous posez va probablement paraître beaucoup trop sombre, même si dans la dernière pièce, elles pourraient finir par être très bien. J'ajoute aussi quelques gouttes rapides de blanc pour faire ressortir ses gouttes de sueur et aussi bien la contraster sur le fond. Je pensais que le blanc ressemblait à l'éclairage de bureau que vous obtenez dans de nombreux endroits. Je pense que ça va très bien à la scène. Pour éviter que tout n'ait exactement la même couleur, j'ai ajouté quelques types de papier rapidement différents dans les piles en utilisant la règle de perspective pour dessiner rapidement quelques lignes. J'ai finalement décidé que je ne voulais pas utiliser uniquement des tons purs et plats. À l'aide de pinceaux doux, j'ai ajouté un peu d' ombrage au personnage. Je voulais le garder assez minime et appliquer l'ombrage principalement juste à elle pour qu'il soit encore très clair qu'elle est le point focal. Les journaux et tout le reste doivent être là pour s'habiller, mais je ne veux pas nécessairement que le spectateur ne fasse attention qu'à cela. J'ai aussi utilisé un pinceau doux pour ajouter encore un peu de ton rouge à son visage, soulignant ce sentiment de frustration. N'oubliez pas que quel que soit le stade auquel vous êtes, il n'est jamais trop tard pour corriger une erreur de dessin. Belle coloration sur une ligne très médiocre travail n'a généralement pas l' air très bien. Quelle que soit la distance que vous êtes dans votre pièce, si vous remarquez une erreur de dessin, cela vaut probablement la peine de la corriger. L'une des dernières choses que vous pouvez vraiment me voir faire dans cette démo est transformer le visage juste pour s' assurer qu'il s'adapte au reste du corps. Après avoir reçu des commentaires utiles de la part d'amis, j'ai décidé que, oui, je préférais que le visage soit légèrement plus grand sur la tête. Je l'ai rapidement transformé , puis je l'ai repeint pour qu'il s'intègre parfaitement. Il n'est jamais trop tard pour apporter de tels changements. En général, j'essaie de ne jamais finir et de laisser une pièce dans la même séance. La plupart du temps, de simples erreurs ou petits changements qui rendent la pièce beaucoup meilleure, ne se retrouvent que lorsque vous faites une pause. Même s'il s'agit d'un dessin assez rapide et grossier, je l'ai quand même laissé un peu pour voir plus tard s' il y avait quelque chose que je voulais changer. Quand je suis revenu, j'ai eu l' impression que la pièce pouvait utiliser des éléments d'arrière-plan très légers et peut-être juste un peu d'ombrage supplémentaire pour aider le tout à s'intégrer. Une fois de plus, à l'aide de la règle de perspective, j'ai rapidement bloqué certaines formes plus sombres en arrière-plan, puis réduit l'opacité du calque pour qu'ils n' attirent pas trop l'attention. Enfin, à l'aide de quelques pinceaux doux, j'ai ajouté un peu de lueur à la lumière de la jante sur notre personnage, et j'ai également ajouté un peu de lumière douce venant d'en haut et une ombre douce venant de ci-dessous. Je pense que beaucoup de temps, les gens débattent entre ombrage cellulaire pur en utilisant seulement deux tons ou une peinture complète. Mais je pense que vous pouvez aller très loin avec ces réglages très généraux de la lumière avec une grosse brosse douce et rapide en faisant quelques coups sur le dessus. là que tu l'as. C'est notre croquis de personnage expressif réalisé. Maintenant, il est temps pour vous d'y aller. Terminez votre dessin en utilisant ces idées. Pensez à l' éclairage et à la couleur, et s'il y a quelque chose que vous pouvez faire pour souligner les sentiments que vous souhaitez avoir sur votre photo. Ensuite, entrez et terminez-le au mieux de vos capacités. Bonne chance et merci de partager votre travail avec nous. J'aimerais bien le voir. 6. Plus gros: C'est la fin du cours. J'espère que ça vous a plu. J'espère que vous avez appris beaucoup de choses. Si vous voulez suivre ce que je fais, je passe par @andreasprovoost sur mes réseaux sociaux. Avant de partir, j'ai quelques demandes. Si vous avez fait l'un des exercices ou réalisé le projet de classe, partagez-le avec nous ici sur Skillshare ou taquez-moi sur les réseaux sociaux parce que j' adore voir ce que vous avez tous fait et ça fait ma journée. Si vous avez des commentaires ou des suggestions ou peut-être des choses lesquelles vous souhaitez simplement en savoir plus, vous pouvez me le faire savoir en envoyant un e-mail à l'adresse e-mail affichée à l'écran dès maintenant. Cela dit, j' espère que ça vous a plu et je vous verrai la prochaine fois.