Dessiner de grandes mains - un trait à la fois

1. Introduction du cours: Depuis l'aube de l'histoire, l' humanité a lutté avec des questions difficiles. D' où venons-nous ? Où allons-nous ? Que signifie vivre une bonne vie ? Mais une question plus que toute autre continue de nous affliger jusqu'à ce jour même. Comment le [inaudible] dois-je dessiner la main ? Eh bien, plus. Dans ce cours, je vais vous apprendre tout ce que vous devez savoir sur le dessin des mains. Nous allons voir comment les démonter, les simplifier, et comment leur ajouter un peu de vie et d'expression. Dans beaucoup de démonstrations étape par étape, je vais vous montrer exactement ce que vous devez faire pour prendre votre jeu de dessin à la main et le passer au niveau suivant. Donc si vous êtes prêt, plongons et commençons. m'appelle Shoot (phonétique), je suis professeur d'art et illustrateur, et j'enseigne l'art en ligne depuis quelques années maintenant. Le cours sur le point de suivre a été divisé en cinq sections différentes. Dans le chapitre 1, vous allez apprendre la structure d'une main. Nous allons le séparer afin de comprendre comment les mains se déplacent et ensuite nous allons simplifier ces formulaires en quelque chose que nous pouvons mettre dans des perspectives différentes. Dans la leçon 2, vous apprendrez à prendre ce croquis et à le transformer en un dessin à la main fini. Nous allons voir comment les lignes que nous utilisons affectent le résultat final du dessin et nous allons voir si nous pouvons l'utiliser à notre avantage. Dans le chapitre 3, vous apprendrez à prendre vos mains qui sont maintenant finies et corrigées et à y injecter une vie supplémentaire. Dans la leçon 4, nous allons détourner notre attention de la peinture, alors que nous examinons quels choix de couleurs sont impliqués dans la peinture des mains, ainsi que ce que vous devez savoir avant de les aborder. Dans la leçon 5, nous allons commencer une illustration qui intègre tout ce que nous avons appris jusqu'à présent. Je suis très excité de commencer là-dessus. Mais avant ça, il y a encore une chose à garder à l'esprit. Suivre les leçons est bien et bon, mais il est important que vous essayez d'appliquer ces idées. Donc, à la fin de chaque chapitre, il y aura une courte mission de devoirs. Vous pouvez regarder les vidéos à la vitesse que vous voulez, mais essayez de ne pas passer à la vidéo suivante avant d'avoir fait vos devoirs. Si tout ce que vous faites est d'accumuler de nouvelles connaissances en plus de connaissances que vous n'avez pas tout à fait fait fait la vôtre, les idées de ces leçons ne vont pas vraiment coller. Alors essayez de faire les exercices de devoirs avant de passer aux chapitres suivants. Cela dit, je pense que nous sommes prêts à commencer. Alors plongons dans la leçon 1, qui est tout sur la structure. 2. Leçon 1 : Structure: Vous êtes arrivé à la leçon 1. Dans celui-ci, nous allons parler de la structure d'une main. Nous allons d'abord le séparer et voir si nous pouvons comprendre ses différentes parties , puis nous allons voir si nous pouvons les simplifier et le rendre un peu plus accessible. Regardons d'abord les os. Sur ce tableau, vous pouvez voir les différents os de la main. Le groupe en bas fait partie de l'avant-bras. Ces deux-là sont appelés le rayon et le cubitus. Ensuite, nous avons le groupe carpus. Le groupe carpus à première vue peut sembler vraiment complexe. Il y a tous ces petits os qui se croisent de façon bizarre. Mais la bonne nouvelle, c'est qu'ils sont en grande partie invisibles. Tu n'as pas vraiment besoin de les connaître. Les voir principalement comme une partie de la base de la main. Pour nos besoins, c'est tout ce dont nous avons besoin. Ne laissez pas toutes ces petites formes vous submerger parce que nous n'y prêterons pas beaucoup d'attention. Cependant, c'est bien sûr, une partie importante de l'articulation du poignet. Ensuite, nous avons les métacarpes. Les métacarpiens sont le plus grand groupe dans la paume de la main. Vous pouvez voir qu'il y en a un qui mène à chaque doigt, y compris le pouce. Tous peuvent passer un petit peu l'un à l' autre, mais ils ne bougent pas beaucoup par eux-mêmes. Mais le métacarpien du pouce est un peu différent en raison de l'articulation à sa base. Le métacarpien du pouce est capable d'avoir une amplitude de mouvement beaucoup plus grande. Cela permet au pouce de voyager tout le chemin à travers la paume. Pour cette raison, le pouce est une partie vraiment importante de saisir les choses. Enfin, il y a les phalanges. Chaque doigt en a trois, sauf le pouce qui en a deux. Mais à cause de cette amplitude de mouvement accrue dont nous avons parlé dans la partie précédente, nous pensons souvent au métacarpien du pouce comme une troisième phalange. Les phalanges peuvent se déplacer d'un côté à l'autre, ouvrant et fermant les doigts. Mais bien sûr, leur amplitude de mouvement principale est de fléchir et d' étendre les doigts, ce qui permet à la main de saisir les choses. Si cette partie est allée un peu vite ou que c'est votre première rencontre avec l'anatomie de la main, ne vous inquiétez pas. Nous allons considérer tout cela comme des formes simplifiées. Au lieu d'apprendre chaque os individuel et tous ses petits détails, essayez de les regrouper dans ces ensembles simples. Il y a les os de l'avant-bras, la paume de la main qui se compose du carpe et les quatre métacarpiens à travers les doigts puis le métacarpien du pouce nous allons le traiter séparément parce qu'il peut bouger plus. Ensuite, nous avons les doigts divisés pour chaque phalange. Regarder l'anatomie de cette façon devrait le rendre un peu plus gérable. Ensuite sont les muscles dans la main. Les muscles sont également importants même si les os constituent la majorité de la structure des mains. Beaucoup de gens sont en fait surpris d' apprendre qu'il n'y a pas de muscles dans les doigts. La majorité des muscles qui bougent les doigts se trouvent dans l'avant-bras et si vous tenez le vôtre comme ça et bougez vos doigts, vous pouvez sentir qu'ils se déplacent. Pourtant, ça ne veut pas dire qu'on ne trouve pas de muscles dans les mains. Les formes les plus importantes causées par les muscles que vous trouverez sur les mains sont ces trois. Il y en a un à la base du pinky sur tout le côté de la paume. Il y en a un à la base du pouce. Celle-ci est la plus grande. Enfin, vous pouvez en trouver un entre les métacarpes du pouce et l'index largement visible à l'arrière des mains. Quand je serre mon pouce comme ça, vous pouvez clairement le voir gonfler. Le muscle à la base du pouce est le plus gros et c'est le plus important à connaître. Mais tous provoquent des formes, des rythmes et chevauchements dont nous allons parler dans d'autres épisodes. Pour l'instant, essayez de garder ces trois groupes musculaires à l'esprit. Nous n'allons pas entrer dans le minutieux de chaque petite partie des mains, mais avec les os et ces muscles combinés, vous serez déjà en mesure d'aller très loin. Nous aborderons beaucoup de détails dans la leçon 2. Mais pour l'instant, essayez de rester principalement avec ceux-ci. Maintenant, vous avez une bonne compréhension des parties les plus importantes des mains. Mais connaître l'anatomie est bien et bon, mais c'est seulement aussi utile que vous pouvez la mettre en pratique. Si vous regardez toutes les petites formes des os, c'est encore assez complexe. Il y a beaucoup de petits chevauchements et d'irrégularités et si nous devons esquisser ça chaque fois que nous voulons tirer la main, ça prendra des siècles. Ce n'est pas la solution la plus pratique. Ce que nous allons faire à la place, c'est d'apprendre à simplifier en quelque chose d'un peu plus gérable. Nous voulons éliminer toutes ces complexités et en faire un modèle que nous pouvons transformer dans l'espace et visualiser beaucoup plus facilement. Faisons ça. Dans la simplification, il n'y a pas nécessairement une bonne et une mauvaise réponse Ce qui est le plus logique pour vous est ce que vous devriez utiliser. Mais je vais partager avec vous la façon dont j'aime penser aux mains et si vous finissez par le changer à un moment donné, c'est parfaitement bien. Essayez juste de comprendre la logique des formes que je choisis pour simplifier la main, de sorte que vous pouvez prendre ces idées et les utiliser pour vous-même. Je vais essentiellement casser la main en trois parties différentes. La première partie est la paume principale de la main. La seconde est un petit attachement à cette paume pour couvrir le métacarpien du pouce et enfin, nous allons ajouter les phalanges pour le pouce et les doigts. Ce sont les simplifications que j'aime utiliser. Je vais les examiner un par un pour expliquer mes raisons de choisir les formulaires que j'ai faits. Je pense qu'une forme rectangulaire plate décrit le mieux la paume de la main. Je vais dessiner une simple boîte pour cette partie. Bien que couvrir l'ensemble de la perspective soit un peu en dehors du cadre de ce cours, il est utile de pouvoir dessiner des cases dans n'importe quel angle. De cette façon, vous savez que même si vous changez la caméra ou la pose des mains, vous serez en mesure de dessiner la paume de la main dans n'importe quelle perspective. Cependant, lorsque nous voyons des photos de mains, les choses ne sont généralement pas en parfait alignement. Quand on voit une main du haut, on voit qu'il y a un peu d'arc aux jointures et aux doigts. Lorsque nous voyons une main de l'avant ou du côté, nous pouvons souvent voir la même chose. après mon expérience, les mains ont tendance à être meilleures quand il y a juste un peu d'irrégularité, un peu de courbure et un peu d'un sentiment organique à elle. En fait, je vais choisir d'utiliser une boîte légèrement bendier. C' est à quoi ressemblerait une boîte si elle était parfaitement plate. C' est la boîte pliée que je vais utiliser à la place. Suivant pour le métacarpien du pouce, je vais utiliser ce qu'on appelle un prisme triangulaire. qui semble fantaisie, mais vraiment c'est juste un triangle que nous donnons ensuite un peu de profondeur pour lui donner forme. J' utilise un formulaire distinct pour le métacarpien du pouce raison de l'amplitude de mouvement dont nous avons parlé plus tôt. Si la main est plate, je pourrais décider de la dessiner en ligne avec le reste de la boîte. Mais quand les angles du pouce dans il est agréable d'avoir cette forme supplémentaire là, donc nous ne sommes pas coincés en utilisant une boîte rectangulaire quand vraiment la forme est un peu plus complexe. Parce que le pouce peut incliner jusqu'à présent, nous voulons avoir deux formes distinctes pour cela, donc il se sent un peu plus naturel. Quant aux doigts, j'ai essayé de prendre cet os de peau et de la graisse et toutes ces petites formes complexes et de les transformer en petits cylindres. Vous ne pouvez pas dessiner des cylindres sans dessiner des ellipses. Fondamentalement, une ellipse signifie que nous allons prendre cette face avant circulaire et tourner le cylindre loin de nous, ce qui signifie que, cette face va devenir de plus en plus mince. Cette forme de type ovale que nous connaissons représente un cercle dans l'espace 3D est appelée une ellipse. Maintenant, pour vous assurer que vos cylindres ont l'impression qu'ils sont assis dans l'espace 3D, il est important qu'ils atteignent quelques caractéristiques. Chacune de ces phalanges fait une erreur différente. Voyons si nous pouvons découvrir ce qu' est cette erreur et la corriger et voir quelle différence cela fait. Sur la première phalange, ce que nous voyons, c'est que ça ne ressemble pas à une ellipse. Les coins ici créent en fait des arêtes vives où nous voudrions vraiment qu'il coule directement dans la ligne suivante. Pour éviter cela, assurez-vous que vous dessinez à travers vos points de suspension, que vous fantommez le mouvement quelques fois avant de vous engager à le dessiner. La clé ici est de se concentrer sur les virages où le virage est le plus fort. Si vous ne faites pas attention à ce que ces coins lissent, cela va se sentir comme une forme bidimensionnelle au lieu d'une forme tridimensionnelle. Deuxièmement, vous voulez toujours essayer d'aligner les ellipses à chaque extrémité du cylindre avec son axe. Si vous deviez tracer une ligne passant directement par le milieu du cylindre le long de sa longueur, cette ligne devrait couper l'ellipse en deux et ces deux moitiés devraient être parfaitement symétriques. Cela signifie que si l'ellipse est inclinée une fois de plus, elle ne se sentira pas comme un cylindre. Essayez de vous assurer que si vous coupez votre cylindre en deux, cette ellipse est également coupée en deux et qu'elle est coupée en deux symétriquement. Enfin, lorsque l'ellipse se tourne vers nous, vous voulez vous assurer que vous êtes capable de contrôler le degré de l'ellipse. Le degré de l'ellipse signifie simplement la largeur ou l'étroitesse de l'ellipse. La plupart du temps, les gens n'annoncent pas assez leurs cylindres pour que lorsque nous poussons ces cylindres un peu plus loin pour s'assurer qu'il se sent correctement réduit l'illusion 3D entière fonctionne beaucoup mieux. Si vous avez du mal à faire en sorte que ces cylindres s'intègrent bien en perspective, essayez de regarder trois choses. Les coins, l'angle et le degré de l'ellipse. Si vous pouvez vérifier ces trois choses hors tout va se sentir super tangible et tridimensionnel. Si vous avez toujours du mal à obtenir que vos cylindres se sentent comme ils ont de la forme, une autre bonne chose à faire est d'envelopper les lignes. Vous pouvez ajouter des lignes à l'intérieur de vos cylindres en suivant la forme et en imitant les ellipses des faces avant et arrière. Plus le cylindre est tourné vers la caméra, arrondi et plus exagéré, ainsi que plus ces lignes seront proches ensemble. Si vous avez du mal à obtenir vos cylindres pour avoir l'impression qu'ils ont réellement une certaine forme pour eux, cela peut être un excellent moyen de visualiser et de vous aider à y arriver. Maintenant, quelques bonnes choses à garder à l'esprit est que d'abord, même lorsque vous construisez des mains, vous pouvez toujours utiliser des références. Je fais ça tout le temps et presque tous les artistes que je connais le font. L' idée ici est qu'il s'agit principalement de comprendre ces formes, sorte que vous pouvez faire plus de vos références et que vous n'êtes pas limité par ne pas avoir la bonne position exacte ou l'angle droit exact. Dans ce laps de temps rapide, vous pouvez voir comment je construis une main qui a la pose de l'un et l'angle de l'autre. C' est un exemple relativement simple mais il montre qu'en comprenant ces formulaires, je ne suis pas limité par la référence exacte que j'utilise. Même si les références que j'utilise me permettent encore de prendre des décisions plus éclairées sur ce que je fais et ce que je ne comprends pas. N' ayez pas peur d'utiliser des références, mais voyez simplement cela comme un moyen de les compléter. Enfin, ce n'est pas toujours la façon dont je travaille. Encore une fois, pour la plupart des artistes, ils ne construisent pas vraiment les mains à chaque fois. Mais la clé principale ici est que je veux que vous compreniez la structure et comment simplifier ces formes mentalement, afin que vous puissiez les mettre dans des perspectives différentes. Même si vous n'utilisez pas ce processus précis pour dessiner vos mains, la connaissance de ce raccourcissement ces cylindres et des formes simplifiées va encore vous aider beaucoup à visualiser ce que les mains sont censées ressemblent même si vous ajoutez beaucoup de style, beaucoup de couleur, tous ces détails et tout ce que vous pouvez imaginer. Si vous avez cette structure solide en roc, il sera beaucoup plus facile de convaincre votre spectateur que la main que vous avez dessinée est correcte. C'est juste. Essayons de résumer tout cela en étapes faciles à suivre. Même si nous allons construire, j'aime quand même commencer avec un contour très rugueux de la main. Ensuite, nous ajoutons notre forme de boîte pliée pour la paume et nous assurons de ne pas inclure le pouce tout de suite. J' ajoute également une indication rapide pour le poignet juste pour m'assurer que la boîte de la main n'est pas complètement isolée. Ensuite, nous ajoutons ce prisme triangulaire pour le pouce en veillant à ce qu'il ait exactement l'angle droit. Alors, au lieu de passer directement à la construction de phalanges individuelles pour les doigts, je fais quelques indications approximatives de ce à quoi je pense qu'ils vont ressembler. Enfin, je nettoie les cylindres réels pour les phalanges en veillant à faire attention à la perspective. Vos devoirs sont d'utiliser ce processus pour esquisser votre main non dessinée trois fois différentes. Essayez des poses différentes et des angles différents. Essayez de le regarder et observez simplement ses formes tridimensionnelles. Portez beaucoup d'attention à l'angle exact des doigts, la paume et du métacarpien du pouce. Essayez de le faire trois fois et sauvegardez vos dessins car nous allons les utiliser dans la prochaine leçon. Dans la leçon 2, nous allons prendre ces croquis et les transformer en dessins plus finis. Bonne chance avec ça. Je te verrai dans la leçon 2. 3. Cours 2 : Dessiner en lignes: D' accord, vous êtes arrivé à la leçon 2, alors dans la précédente, nous avons parlé de la façon dont les os et les muscles sont deux des parties les plus importantes qui composent une main. Mais vous avez peut-être remarqué que les croquis que nous avons faits au cours de la dernière leçon ne couvrent pas vraiment les différences structurelles entre l'avant et l'arrière de la main. Si nous prenons ces deux dessins et mettons l'avant et le dos de la main l' un à côté de l'autre plus des différences structurelles deviennent apparents. Bien sûr, sur la paume de la main, nous pouvons voir un peu de rainage. Nous pouvons voir ces principaux groupes musculaires et nous pouvons voir les tendons quand ils passent à travers le poignet. Sur le dos de la main, les tendons ont tendance à être plus définis et visibles partout. Nous pouvons également voir rainage au niveau des articulations des phalanges. La sangle sur le dos de la main, les ongles. Parfois, nous pouvons voir une bosse pour l'os du cubitus et selon le type de main, nous pourrions également être en mesure de voir des rides ou des veines supplémentaires. Il y a beaucoup de différences structurelles entre l'avant et l'arrière de la main et parce que dans de nombreuses poses vous serez en mesure de voir des parties des deux, il est utile de décrire et de séparer ces deux parties. Une excellente façon de commencer à le faire est de contrôler les lignes et les formes que vous utilisez. Une excellente façon de commencer à penser à la conception de forme est de considérer ce graphique que beaucoup de gens utilisent comme leur introduction au langage de forme. Fondamentalement, nous voulons comparer les caractéristiques d'un carré, un cercle et d'un triangle. Commençons par un cercle. Le cercle est le seul de ces trois à avoir coins infinis ou pas de coins selon la façon dont vous le regardez. Cela provoque le cercle à se sentir assez doux et arrondi. En raison de cette rondeur et de cette gradation, les choses rondes ont tendance à se sentir moins menaçantes. Vous pouvez réellement rétroconcevoir ce processus et l'utiliser pour vous-même. Cela signifie qu'en introduisant des formes plus arrondies et circulaires dans vos designs, vous pouvez pousser cette sensation douce et accessible dans les designs que vous créez. Ici, vous pouvez me voir dessiner avec un langage de forme plus circulaire et ce faisant, je change le caractère réel de la main. Nous pouvons faire quelque chose de similaire avec la place. Le carré est même de tous les côtés, donc il se sent très stable et robuste. Certaines personnes l'ont dit fière ou fiable en introduisant ces formes rectangulaires volumineuses dans l'un de nos dessins à la main, nous pouvons le rendre robuste et robuste. Il ne se sentira pas aussi doux et fluide que l'autre, et en tant que tel, il aura un caractère légèrement différent. Enfin, il y a le triangle. triangles peuvent se sentir dynamiques comme en mouvement, ou ils peuvent se sentir imprévisibles ou dangereux et en introduisant davantage de cette triangulation dans l'une de nos mains, nous pouvons évoquer certains de ces sentiments dynamiques. Maintenant, remarquez que je ne tourne pas toute la main en triangles. J' essaie juste d'incorporer ce sentiment effilant du triangle pour m'assurer que tous les doigts se sentent dynamiques. Vous avez beaucoup de liberté avec la façon dont vous décidez d'utiliser ces formes. Vous pourriez construire une main juste à partir de triangles, et vous pouvez très bien le rendre fière allure, mais c'est une déclaration de conception très forte et je pense que pour ici je veux quelque chose qui est un peu plus progressif. Vous pouvez voir comment votre choix de ligne et de forme peut affecter le sentiment et le caractère d'une main Il est donc bon de se rendre compte que vous pouvez réellement utiliser plusieurs aspects de cela dans la même main. Vous pouvez le mélanger et le faire correspondre comme vous le souhaitez. Mais une excellente façon de commencer avec cela est de considérer les zones plus désossées par rapport aux zones plus charnelles des mains. Dans ce croquis rapide ici, vous pouvez voir comment je suis capable d'obtenir une sensation structurelle d' un côté et une sensation plus douce de l'autre simplement en utilisant plus de lignes errantes et définies d' un côté et en utilisant des lignes de curvier plus douces sur l'autre. Le contraste entre cette netteté et cette douceur va vraiment aider à soulever vos mains un autre niveau. Maintenant, pour prendre nos croquis des leçons précédentes et les transformer en dessins finis et la clé ici est que nous voulons nous concentrer sur l'obtention de ces formes moyennes. Dans la première leçon, ce que nous avons fait est que nous avons fait un bloc structurel très fort dans, mais il ignore beaucoup de masses musculaires et beaucoup de détails que vous trouverez sur les mains. Vous commencez à introduire un peu plus de subtilité dans vos esquisses initiales, il est vraiment bon d' essayer de considérer les chevauchements, donc un chevauchement signifie juste que le formulaire va être devant une autre forme. Si nous dessinons deux cercles qui se croisent, puis effacons cette partie. On dirait qu'un cercle est en face de l'autre. Surtout à cause de cette ligne ici, vous pouvez dire exactement lequel de ces cercles est censé être plus proche du spectateur. Mais les chevauchements ne se produisent pas seulement entre les différentes formes. Ils peuvent aussi se produire entre différentes parties de la même forme, comme des parties d'une main. Regardez cette photo ici. Tu vois comment il y a des chevauchements entre les articulations ? Sur celui-ci pouvez-vous voir comment les doigts se chevauchent avec des parties d'eux-mêmes ? Ici, sur cette photo de ces mains bouclées, on peut voir les groupes musculaires compressés se chevauchent avec d'autres parties de la main. C' est le processus que nous allons utiliser au fur et à mesure que nous développons nos croquis. D' abord, nous prenons cette construction initiale. Ensuite, nous commençons à ajouter ces formes moyennes comme les masses musculaires. Nous voulons d'abord travailler à partir de nos plus grands formulaires et aller en plus petits, donc une fois que ces formes moyennes sont là, nous allons accorder de plus en plus d'attention aux formulaires plus petits aussi. Nous allons accorder une attention particulière à ces chevauchements. Partout où nous pouvons voir des masses les unes devant les autres, c'est là que nous voulons faire attention. En substance, les petits plis et les rides ne sont que de très petits chevauchements. La sangle que nous avons mentionnée au début de cette vidéo en est un exemple important. Beaucoup de gens l'ignorent. Mais dans certaines poses, surtout si les doigts sont dans des angles très contrastés, la sangle peut être très, très visible. La sangle s'étend un peu plus loin sur le côté de la paume que sur le dos de la main, ce qui signifie qu'à l'arrière, nous pourrions parfois suggérer un peu de chevauchement entre la forme du doigt principal et la sangle. Alors que du côté de la paume, on n'aura pas vraiment ça. Selon la pose de la main réelle, la sangle peut parfois aussi tirer tendue et créer des chevauchements forts de sa propre main. Comme nous définissons ces formulaires plus loin, n'ayez pas peur d'apporter les modifications nécessaires si vous travaillez déjà sur les formulaires plus petits, mais vous remarquez un problème avec un formulaire plus grand parfois cela peut être utile de en fait redessiner le doigt, comme je le fais ici. Ensuite, il suffit de nettoyer le morceau, de se débarrasser des lignes que je ne veux pas là-dedans. Enfin, j'essaie de créer un peu de différence entre les zones osseuses et charnues en utilisant ce langage de forme dont nous venons de parler. Pour vos devoirs, essayez de prendre deux des croquis que vous avez faits dans la leçon précédente et transformez-les en dessins à la main finis. C' est bon s'ils sont encore un peu lâches ou croquis, mais essayez de vraiment leur faire des représentations d'une main réelle et pas seulement une abstraction schématique d'une. Quand vous aurez eu un coup, je vous verrai dans la leçon 3 où nous allons essayer d' injecter de l'énergie dans ces dessins. Je suis vraiment excité d'aller avec ça, donc bonne chance, et je te verrai dans la leçon 3. 4. Cours 3 : Exagération: Vous êtes arrivé à la leçon 3. Dans celui-ci, nous allons parler de geste et d'exagération. C' est toujours un sujet dont je trouve vraiment intéressant de parler parce que c'est l'une des choses avec lesquelles je vois souvent les gens se battre. Une fois qu'ils ont les mains qui se sentent structurellement correctes, ils ont toujours l'impression qu'il y a quelque chose qui les rend un peu raides ou un peu mortes et je pense que généralement le geste est le moyen de corriger cela. Gesture est toujours un concept un peu nébuleux. Les enseignants vous diront souvent de simplement le sentir et de le dessiner, mais beaucoup de gens ne comprennent pas vraiment ce qu'est le geste. Pour cette leçon, ma définition du geste va être le sentiment que le flux d'énergie à travers quelque chose évoque. Lorsque les gens parlent de dessins gestuels, ils le font souvent dans le contexte de figures humaines complètes. Vous avez peut-être vu des croquis gestuels avant et ils auraient pu avoir l'air d'un petit quelque chose comme ça ; des croquis fluides du corps humain sans beaucoup de détails en eux. Mais le geste n'est pas tout et vous pouvez faire ces types d'esquisses pour les parties du corps et même les objets inanimés. Tout le visuel peut avoir un geste. Si j'ajoute des flèches à ce graphique, vous pouvez voir comment le flux du travail de ligne fait que l'œil se déplace autour d'elle. Les flèches gestuelles ignorent largement les détails et se concentrent principalement sur ces formes plus grandes. Ces différentes forces qui coulent, c'est ce à quoi je parle quand je parle de geste. Un exemple commun que j'utilise pour décrire comment vous pouvez utiliser différents gestes est une illustration comparant deux types d'ondes différents. Est une idée similaire aux formes que nous avons utilisées dans la conférence de dessin de ligne. Cette première vague est calme. Le second se sent chaotique et dynamique. Vous pourriez même reconnaître certains de ces effilements pointus que nous avons utilisés lors la deuxième conférence quand nous parlions de formes plus triangulaires. Dans la première vague, le rythme est doux, est progressif, c'est calme. Le second, c'est beaucoup plus irrégulier, c'est plus net, c'est imprévisible. Même dans une illustration aussi simple, nous pouvons utiliser ce flux du travail de ligne pour donner à ces deux vagues différentes des caractères très différents. Mais avoir une compréhension lâche du geste peut souvent ne pas suffire à vraiment comprendre l'exagération. Lorsque je parle spécifiquement des mains, ce que je recommande est d'essayer de comparer une main détendue à une main dans une pose et de voir comment les deux diffèrent. Ici, nous avons une photo d'une main détendue. Vous pouvez voir que la main est juste au repos et pendante du poignet et que les doigts ont un peu d'une courbure naturelle pour eux. Ici, nous avons une main dans une pose plus distincte. Pensez à l'émotion qu'elle vous fait ressentir. Si nous copions ça, alors nous aurons un coup de main qui ressent la même chose, n'est-ce pas ? Eh bien, pas tout à fait. L' art a souvent besoin de travailler un peu plus dur que la photographie. Si on trace ces mains, ça va se sentir un peu boiteux. Comment exagérer nos mains ? Eh bien, une grande première étape peut être de simplement agir. Si vous essayez de canaliser une certaine émotion dans une main que vous dessinez, essayez d'agir sur cette émotion et de voir ce qui arrive à vos mains. Ils sont tendus ? Ils sont détendus ? Est-ce que le poignet fléchit ou se prolonge ? Une main tendue et frustrée a beaucoup de détails très visibles. Les lignes que vous choisissez d'utiliser peuvent être beaucoup plus angulaires et nettes. Une main un peu plus mince et plus douce a des formes plus arrondies. Le poignet est suspendu et détendu, et les doigts eux-mêmes n'ont pas beaucoup de force appliquée sur eux. Ici, utiliser des lignes courbes plus douces pourrait être plus naturel. Quelqu' un pointant avec détermination peut ressembler à nouveau. Le poignet peut se verrouiller pour être aussi droit que possible et le doigt aussi. Commencez sans agir, agissez l'émotion et remarquez ce qui arrive à vos mains. La chose principale que je veux que vous fassiez attention, c'est cette idée d'écraser et d'étirer. Lorsque vous agissez ces émotions ou que vous regardez une référence, essayez d'observer la courge et l'étirement. Qu' est-ce que je veux dire exactement par là ? Jetez un oeil à ce sac de bande dessinée. Ici, c'est juste assis sur le sol. Maintenant, imaginez que j'ai ce coin supérieur droit et j'ai commencé à le tirer vers le haut et vers la gauche. Vous pouvez voir comment un côté s'allonge et pour compenser l'autre côté doit compresser. Un côté s'écrase, et un côté s'étire. Les lignes que vous finissez par utiliser pour décrire ces deux côtés semblent radicalement différentes. Du côté écrasant, nous avons beaucoup plus de ces petits chevauchements et plis minuscules. l'autre côté, nous voulons utiliser longues lignes minces pour montrer que ce côté est étiré. Essayons d'appliquer la courge et étirer les trucs à une nouvelle main. En utilisant ces flèches vertes, je vais indiquer certaines zones où je vois s'étirer. Par exemple, ici. Ici, vous pouvez voir les doigts s'étendre et en tant que tel, la paume de la main est tirée tendue. Ici cependant, l'inverse se produit. Au fur et à mesure que les doigts s' enroulent, l'intérieur se comprime et l'extérieur s'étire à la place. Pour trouver les zones qui courgent, tout ce que vous devez faire est de regarder l'opposé des zones qui s'étirent. Si l'intérieur s'étire, l'extérieur s'écrase. Si l'extérieur s'étire, l'intérieur s'écrase. Maintenant, ce qu'il faut faire, c'est prendre cette courge et s'étirer et simplement l'exagérer. Là où nous voyons l'étirement, nous voulons l'étirer encore plus loin. Nous pouvons repousser ce mouvement pour que le doigt s'étire encore plus et nous pouvons ensuite utiliser nos lignes pour décrire ce sentiment encore plus fortement. Un doigt qui était pour la plupart droit, nous pouvons le rendre complètement droit et nous pourrions choisir d'ignorer certains détails de ce côté pour vraiment pousser cette idée de longues lignes minces. Le contraire est également vrai. Si quelque chose est écrasé, nous pouvons le compresser davantage et vraiment mettre l'accent sur ces chevauchements. Essayons de dessiner cette photo de la main à nouveau, mais cette fois en faisant attention à la courge et à l'étirer et en l'exagérant là où nous la voyons. Tout ce que je fais, c'est de prendre ce que je vois sur la photo et de la pousser un peu plus loin. Le dernier changement que je fais est le poignet dans la référence originale. Il n'y a pas beaucoup de squash et d'étirement, mais parce que je veux que ça se sente aussi dynamique que possible, je vais juste les présenter moi-même. Maintenant, en voyant ces deux côte à côte, j'espère que vous serez d'accord que l'un d'eux se sent beaucoup plus vivant que l'autre. Même si le geste n'a pas de sens pour vous, vous pouvez simplement utiliser ce principe de squash et d'étirement pour ajouter un peu de vie et d'émotion à vos mains. La meilleure façon de pratiquer cela est juste de le faire beaucoup. Essayez de faire des croquis plus rapides à la main. Ne vous concentrez pas trop sur la construction 3D, et faites plutôt attention aux formes et aux courbes globales. Utilisez de longues lignes fluides et essayez de garder les choses assez lâches et ludiques. Si vous avez du mal à obtenir vos mains pour se sentir spontanées et vivantes, une autre bonne chose à regarder est les rythmes. Comme nous l'avons mentionné dans la leçon 2, ajouter un peu de courbure à vos mains peut les rendre plus organiques et naturelles. C' est parce que les choses organiques sont souvent imparfaites. Ils sont espacés de façon inégale et ils ont un peu de flexion vers eux. Lorsque vous commencez à organiser des lignes pour s'écouler les unes dans les autres et à travailler ensemble, vous pouvez commencer à former ce qu'on appelle un rythme. Les rythmes sont souvent utilisés comme contrepartie de la répétition. Ces deux choses se réfèrent à des éléments répétés, mais alors que le rythme a un champ naturel à lui, la répétition ressemble plus à une machine. Fondamentalement dans une répétition, vous utilisez juste le même espacement encore et encore, alors que dans les rythmes, il y a un flux naturel vers l'ensemble de la chose. Vous voulez en introduire un peu dans vos croquis à la main. Y a-t-il un peu d'irrégularités ? Si les doigts sont parfaitement espacés, peut-être que vous pouvez les modifier un peu pour les rendre plus intéressants. Si tous les doigts sont inclinés exactement de la même manière, vous pourriez peut-être y ajouter un peu de variété pour le rendre plus naturel. Essayez de rester libre et amusez-vous avec ceux-ci. Ne vous inquiétez pas trop de la construction 3D. Il est plus important que vous compreniez ces idées que de travailler exactement le même processus. Essayez de vous concentrer sur des lignes et des formes ludiques et imaginez et soyez conscient de la façon dont exactement ces formes se transforment dans l'espace. De cette façon, ils vous aideront à prendre vos décisions, mais vous n'êtes pas enchaîné à eux. Enfin, quand vous faites ces croquis, j'ai encore trois conseils pour vous. Le premier est de commencer rugueux, commencer rugueux et de vous permettre d'explorer. Essayez de toujours utiliser des lignes plus longues, mais n'hésitez pas à utiliser des lignes légèrement plus légères que vous pouvez effacer ou qui n'apparaîtront pas autant dans le dessin final. Mais vous devez vous laisser la liberté de faire des erreurs et de pousser les choses d' une façon ou d'une autre, alors que vous découvrirez de plus en plus de façons d'exagérer les mains. Deuxièmement, si beaucoup de doigts sont regroupés ensemble dans la pose que vous essayez de dessiner, parfois dessiner une grande forme pour l'ensemble et seulement alors diviser cette forme en petits morceaux peut être plus facile que de dessiner chaque doigt séparément. Travailler de cette façon vous aide à garder vos proportions sous contrôle. Enfin, si vous avez le problème inverse et que tous les doigts sont étalés, parfois cela peut aider à indiquer rapidement l'extrémité du doigt d'abord, puis à le relier à la paume. Vous n'avez pas toujours besoin de commencer par la paume et ensuite de construire votre chemin de sortie. Vous pouvez commencer à la pointe et revenir à l'intérieur. Dans une pose plus extrême et fortement réduite comme celle-ci, commencer par le bout des doigts est souvent un moyen plus facile de commencer. Pour vos devoirs, je veux que vous dessiniez trois mains différentes, chacune exagérée pour avoir un peu de personnalité pour eux. Essayez de garder vos lignes longues et fluides et utilisez ces principes de squash et d'étirement, ainsi que des rythmes pour lui faire sentir naturel. Vous pouvez utiliser autant de construction que nécessaire, mais vous n'avez pas besoin de travailler exactement le même processus que nous avons fait dans les leçons 1 et 2. Essayez de vous amuser avec elle et essayez de rester lâche, parce que moins vous avez de tension dans vos bras, plus il sera facile d'obtenir ces belles lignes fluides. Allez avec ça et je vous verrai dans la leçon 4 où nous allons parler de couleur. Bonne chance. 5. Cours 4 : Couleur: On est sur la leçon de couleur. Pour cette leçon, j'ai préparé quelques démonstrations. Je vais juste vous guider à travers le processus quelques fois tout en couvrant quelques aspects différents à réfléchir et la logique derrière le processus étape par étape. J' espère qu'à la fin de cette leçon, vous aurez une compréhension claire de ce à quoi peut ressembler une main, ainsi que de bonnes choses à surveiller par vous-même. Sans plus tarder, commençons. Allons dans la démo. Je suis ici dans Clip Studio et je vais commencer par un croquis de ligne lâche. Vous allez me voir me concentrer sur les plus grands arcs et sur la façon dont les choses se connectent. Parce que nous avons une si bonne référence, je regarde principalement les formes bidimensionnelles plutôt que les formes 3D. Vous me verrez commencer par quelques grandes lignes générales d'établissement, puis au fur et à mesure que le dessin progresse, je vais continuer à les couper pour les définir de plus en plus. Les lignes initiales sont juste longues, grandes courbes C, très générales et ensuite lentement mais sûrement nous allons y ajouter plus de définition. Finalement, vous me verrez aussi ajouter des lignes plus minces et plus sombres et même un peu d'indication de l'ombrage. L' idée ici est que je veux vraiment obtenir une structure clairement définie avant d'ajouter n'importe quelle couleur. Parce que tout comme ajouter des détails, ajouter de la couleur ne va pas non plus enregistrer votre dessin. Vos lignes sont comme si vous étiez un échafaudage pour le reste de l'image, donc vous voulez essayer d'obtenir ces lignes, ces formes et ces proportions exactement correctes. C' est comme ça que je vais commencer, en établissant d'abord les plus grandes formes, puis en les découpant pour travailler de plus en plus petits. J' ajoute aussi une indication rapide de l'endroit où les patchs allaient être et je m'assure que même si le croquis est encore lâche et ludique, j'essaie d'obtenir les subtilités des formes dedans. Ensuite, quand je suis satisfait de ce que j'ai établi, il est temps de passer à la phase 2 où nous commençons à appliquer la couleur. Vous me verrez commencer non pas avec le teint de la peau, mais avec le fond à la place. La raison pour laquelle je commence avec l'arrière-plan et non le teint de la peau, c'est que la couleur est toujours vu dans son contexte. Regarde ces deux patchs. Au milieu des deux, j'ajoute le même gris. Mais dans la tache noire, vous pouvez voir comment ce gris semble beaucoup plus léger que dans le blanc. De même, si nous avons un patch orange et un patch bleu et nous y ajoutons encore une fois ce même gris. Nous pouvons voir que dans le gris orange, le gris est un peu bleuté, tandis que dans le bleu, le gris est orange. C' est ce que cela signifie de voir la couleur en contexte, les couleurs sont façonnées et ajustées en fonction de la couleur qui les entoure, sorte que vous ne voulez jamais travailler isolément. Si vous faites une étude de couleur comme celle-ci, essayez de toujours travailler en établissant ce contexte dès que possible. Alors faites juste votre première devine là-bas. Obtenez une couleur d'arrière-plan là-dedans. Ne travaillez pas sur une toile photo blanche, car il est si difficile de juger exactement à quel point tout doit être sombre et brillant. Ensuite, plus vous ajoutez de couleurs, plus vous aurez de contexte. Les couleurs commencent à parler les unes aux autres d'une manière et chaque supposition que vous faites vous rapproche un peu de la vraie couleur. La couleur de fond et les couleurs de peau que je choisis ne sont que mes meilleures suppositions quant aux moyennes de ces couleurs. J' essaie essentiellement d'obtenir la couleur là-dedans qui nécessite le moins de changements pour le faire fonctionner. Je ne cherche pas la couleur la plus sombre ou la plus claire parmi toutes les couleurs de la main, au lieu de cela, j'essaie juste d'obtenir un ton moyen agréable qui n'a pas besoin de beaucoup de travail pour commencer à regarder réaliste. Ensuite, j'ajoute une certaine variation de couleur. Je peux voir par exemple, que les couleurs dans la main se déplacent vers le rouge lorsque nous approchons du bout des doigts et à la base de la main je vois en fait un tas de vert. J' y ajoute ces couleurs assez grossièrement, puis je les tire quand j'en ai besoin. A partir de là, j'applique la même logique de faire ces grands changements d'abord et les plus petits changements plus tard. J' essaie de limiter mes coups de pinceau et j'essaie d'utiliser le plus gros pinceau que je peux. Ensuite, je jette quelques indications rapides pour les ombres principales que je vois sur les mains. Avant de commencer à peindre, j'utilise un petit truc que j'aime faire. En ce moment, les lignes que j'ai utilisées sont à peu près 100 pour cent des choses noires et organiques qui peuvent parfois avoir tendance à désaturer la couleur et à la rendre moins vivante. Ce que je veux faire, c'est juste donner rapidement à ces lignes un peu de couleur. Dans Clip Studio Paint, je peux le faire en ajoutant un calque au-dessus de l'image au trait, en cliquant sur ce calque pour le découper sur le calque ci-dessous et maintenant tout ce que je peins à l'intérieur de ce calque ne s'affiche que dans les pixels qui ont été remplis dans la fenêtre couche précédente ce qui signifie que tout ce que je peins va apparaître uniquement dans mon art au trait. Dans Photoshop, vous pouvez faire la même chose en créant un autre calque, maintenant « Alt » et en cliquant sur la ligne entre les deux calques. Ensuite, je combine le calque d'art linéaire avec un calque de couleur pour les transformer en un seul trou. Je vais juste continuer à développer les formulaires en utilisant des pinceaux plus petits, je suis capable d'obtenir plus de détails et lentement, mais sûrement je vais travailler de plus en plus petits. Une autre astuce utile à utiliser ici, est d'utiliser le verrou de transparence pour m'assurer que tout comme l'écrêtage, je ne peux peindre qu'à l'intérieur des pixels qui ont déjà été remplis. Si je l'utilise sur ma couche de main, tous mes coups de pinceau seront limités exclusivement à la main réelle que je peins. Je suis à la recherche de beaucoup de subtilités ici, comme comment les faits saillants sur la main ont tendance à se pencher un peu vers le bleu et lentement je commence aussi à regarder plus petites formes globales. Essayez de ne pas passer de scène à scène trop rapidement. Tout comme la façon dont le dessin est l'échafaudage qui tient tout ensemble, ces grands traits de peinture font en sorte que lorsque vous ajoutez vos détails, tout est proportionnel au reste. Si jamais vous ne savez pas si vous êtes prêt à passer à l'étape suivante ou non, essayez de vous pencher un peu plus pour passer un peu plus de temps sur ces premières étapes. Parce que ce sont vraiment ces premières étapes qui font la plus grande différence. Plus vous faites ici, plus il vous sera facile d'ajouter tous ces détails et choses plus petites et que tout fonctionne ensemble. plus grands coups d'abord, puis ces moyennes forment des coups établissant. Alors seulement à la fin ici, vous pouvez voir que je commence à couper un peu dans les petites choses un peu. J' utilise des brosses plus dures avec des bords plus nets pour donner à la main un peu plus de structure. Je continue à travailler de cette façon, recherche de petits morceaux que je peux ajouter, jusqu'à ce que j'aie obtenu l'effet désiré. Je ne veux pas que ça soit trop rendu, alors je vais le laisser ici pendant que c'est encore un peu pictural. C' est vraiment le processus principal que je suivis pour ces études. Mais il y a d'autres cas où vous pourriez avoir besoin de considérer différentes choses. Sur cette photo, nous avons deux mains qui interagissent les unes avec les autres ainsi qu'un objet, les fleurs. Les proportions sont toujours une chose relative. Même si une main peut sembler correcte par elle-même, cela ne signifie pas nécessairement qu'elle semble correcte dans son contexte. Je commence par un croquis très lâche parce que j'essaie juste de jauger ce que la zone globale est que les deux mains occupent au moins. Encore une fois, je ne m'inquiète pas trop à propos de l'utilisation de ce processus exact de construction 3D. Au lieu de cela, il suffit de se concentrer sur l'obtention des formes à la bonne taille. Le pinky, par exemple, sur cette photo, est tellement caché et réduit que je suis effectivement capable de le capturer en utilisant simplement un cercle. Maintenant, je crois que je passe un peu trop vite à partir du croquis. Ce n'est pas nécessairement que cela semble complètement faux, mais cela semble encore un peu indéfini. Si je regardais un étudiant faire ça, je leur dirais probablement de passer un peu plus de temps sur le dessin réel. Mais vous pouvez encore voir que le processus est largement le même. Je commence par ces déclarations très rugueuses, lâches et générales, puis en utilisant des lignes plus sombres et plus définies pour y graver un peu. Ensuite, tout comme dans le précédent, je commence par bloquer dans un contexte donné. Mais sur cette photo, la majorité du contexte que nous avons vient des fleurs, mais aussi de la couleur de la peau parce que nous voyons le teint sur le même teint de peau, je sais ici nous devons accorder une attention particulière à obtenir ces ombres exactement à droite. Après avoir établi les contextes initiaux, je commence à graver dans ces tons généraux avec des marques fortes, minces et plus sombres. Fondamentalement, j'essaie d'obtenir des bords d'ombre nets qui m' aident vraiment à être plus conscient de l'endroit où les avions changent. J' ajoute aussi beaucoup plus de variation de couleur locale sur les ongles et les paumes de la main. Chez beaucoup de gens avec des tons de peau plus foncés, vous pouvez souvent voir un changement de couleur allant de l'arrière de la main à la paume de la main, et ici, sur ce chiffre aussi, vous pouvez voir comment parfois ce changement de couleur fonctionne tout le chemin à travers et apparaît en fait à la pointe des ongles ainsi. Les couleurs ne sont pas encore tout à fait correctes, mais j'essaie juste d'obtenir encore une fois ces déclarations moyennes. Parce qu'une fois de plus, je veux créer autant de contexte que possible je puis aussi bloquer dans un peu de vert pour les tiges de fleurs. Vous pouvez voir comment dans le monde des mains il y a beaucoup de différentes variations de couleur que vous pouvez obtenir. Dans cette référence, par exemple, vous pouvez voir que la lumière neutre plus froide finit par causer beaucoup de notes pour les faits saillants qui sont très importants pour capturer la sensation de la main de cette personne. Tout comme avec les changements de couleur locaux, je les bloque d'abord très sensiblement, puis je les retirerai un peu plus tard. Encore une fois, le processus est, commencer par un dessin, commencer à introduire un contexte, puis affiner et affiner. Si vous remarquez quelque chose qui pourrait être mieux si vos couleurs globales ne fonctionnent pas tout à fait, même si vous travaillez déjà dans les détails, ou peut-être qu'une partie de celui-ci ne semble pas tout à fait correct. Quel que soit le cas, vous ne devriez pas avoir peur de le refaire. Il y a quelques zones dans cette main où j'ai jugé couleur de la peau était un peu plus claire qu'elle ne l'était, ou un peu moins ou plus saturée, et quel que soit le cas, même si j'ai déjà commencé à mettre des détails là-dedans, le meilleure voie d'action est toujours de simplement le redessiner. C' est de la pratique libre. Vous apprenez de vos erreurs dans le même tableau. N' ayez pas peur de refaire les choses, c'est une partie naturelle du processus. Lorsque vous appliquez de la peinture sur la toile, vous allez perdre certaines parties et vous allez devoir les récupérer. Si vous essayez de préserver tout ce que vous avez fait, votre peinture va se sentir très serrée et trop contrôlée. Enfin, vous pouvez voir ici que je passe pas mal de temps à parcourir toutes les petites crêtes et le bout des doigts et juste tous ces bords où vous pouvez trouver ce dernier morceau de subtilité. J' ai toujours l'impression que beaucoup de ce sentiment de tourner la forme dépend du bord même de la forme. J' aime aller sur les bords et juste vraiment là en accordant une attention supplémentaire à la subtilité. Ajouter juste ce petit peu d' ombre supplémentaire pour donner l'impression que tout se détourne. Enfin, je voulais vous montrer un dessin de quelques vieilles mains. Les principaux changements se produisent lorsqu'il s'agit d'articuler les lignes et de bloquer les formes initiales. Je suis un peu moins préoccupé de garder les lignes lisses et de les faire couler les unes dans les autres, et je suis aussi moins préoccupé quand je bloque en fait dans la couleur en gardant toutes les transitions propres, il est correct de ont un peu plus de grilles et un peu plus de contraste lorsque vous dessinez des mains âgées, la texture supplémentaire et les formes de surface plus définies vous permettent de vous éloigner avec beaucoup plus de contraste. Vous pouvez voir plus de contraste de couleur entre la peau et la peau qui a des veines directement en dessous. Les rides jettent des ombres plus profondes et toutes les textures et formes plus petites sont beaucoup plus visibles. Dans ceux-ci, je suis beaucoup plus prêt à juste jeter un tas de contraste là-bas et de voir ce qui se passe, mais je veux vraiment souligner en particulier sur ces mains, comment vous ne devriez pas trop vous inquiéter des rides, dès le début. Les rides ne font pas vraiment partie intégrante de la structure de la main, mais ce sont plutôt les détails de surface finaux. Vous ne voulez pas les bloquer trop tôt parce qu'ils vont sembler beaucoup trop importants. Essayez d'imaginer la main comme si les rides n'étaient pas là, peignez-la de cette façon d'abord et ensuite seulement lorsque vous ajoutez ces étapes finales vous mettez réellement dans les rides. Vous serez en mesure de voir dans le time-lapse aussi, je ne les ajoute que très tard. Alors que vous travaillez dans ces formes, essayez de penser aux matériaux qui composent vos mains. Cela semble un peu bizarre, mais gardez à l'esprit que les matériaux ont des propriétés très différentes. Sur cette main, en particulier, parce que la main porte des bijoux et aussi les ongles sont peints, nous avons soudainement des matériaux beaucoup plus réfléchissants où auparavant tout ce que nous avions était la peau. Les matériaux réfléchissants présentent souvent un contraste plus important, reflètent plus clairement ce qui se trouve réellement dans leur environnement et ont également tendance à avoir des reflets beaucoup plus définis. Les mains et les ongles sont affectés par la même lumière, mais parce que les ongles sont tellement plus lisses et réfléchissants, vous pouvez voir que leurs reflets sont beaucoup plus nets et définis. Les mains ont tendance à avoir une réflexion plus diffuse. Cela signifie que même si les couleurs changent, vous ne pouvez pas voir un reflet clair de l'environnement dans la main elle-même. Chaque fois que vous peignez les mains essayer de penser aux caractéristiques des matériaux impliqués, ongles en général vont être un peu plus réfléchissants que la peau, mais bien sûr, le vernis à ongles va rendre ces ongles encore plus réfléchissants. part cela, les considérations sont essentiellement les mêmes. De l'esquisse lâche, nous passons au grand bloc puis aux coups de pinceau de forme moyenne et nous terminons avec les détails plus petits et plus petits. Vous pouvez voir que je m'arrête avant d'inclure toutes les rides sur la photo. J' aime faire cela parce qu'il garde mon style un peu simplifié et un peu pictural. Si je n'ai pas l'impression que le détail va ajouter à la pièce, alors je préfère généralement l'oublier. Mais voilà, c'est notre démo de troisième main. Vos devoirs sont de prendre le processus que je viens de vous montrer et de faire étape par étape une étude de couleur de votre propre. Il suffit de trouver une belle photo de main que vous aimez et de faire de votre mieux pour la reproduire. Faites attention à ses changements de couleur subtils, ainsi qu'à la façon dont la couleur de l'éclairage et l'environnement l'affectent. Faites attention au teint de la peau et à la façon dont ce teint peut varier à travers la main. Si vous voulez garder les choses simples, cherchez un éclairage plus doux et plus neutre. Si vous voulez vous défier, essayez de chercher des poses avec beaucoup de raccourcissement ou différentes sources d'éclairage de couleur dynamique. Essayez d'évaluer le niveau de défi approprié pour vous dès maintenant, et essayez simplement de passer par ce processus. Si vous l'avez fait, je vous verrai dans la leçon 5 où nous allons prendre toutes ces connaissances et les combiner en une seule illustration. Bonne chance avec ça. Je te verrai dans la dernière leçon. 6. Cours 5 : mettre en place tout en place: Salut tout le monde. Vous êtes arrivé à la leçon 5. Bien joué. Dans cette leçon, nous allons discuter de la façon de prendre toutes les idées que vous avez et de les transformer en illustrations finies. Ces étapes sont générales et applicables à tout. Je veux vous donner une feuille de route très pratique que vous pouvez suivre pour prendre n'importe quelle idée d'illustration que vous avez et la faire du début à l'arrivée. Je vais montrer le processus complet de faire une illustration numérique, expliquant chaque étape au fur et à mesure. À la fin de la démonstration, vous obtiendrez une feuille étape par étape que vous pouvez imprimer et utiliser pour créer vos propres projets. Je suis très excité de passer par là, j'espère que vous l'êtes aussi. Commençons. Tout d'abord, la miniature. Je pense que lorsque beaucoup de gens commencent ces tutoriels, la première étape qu'ils incluront généralement est le croquis. Vous commencez par un brouillon brut et vous l'affinez jusqu'à ce que vous ayez quelque chose terminé. Mais il y a souvent une petite section que je fais toujours séparément avant tout autre chose. Il s'agit d'un croquis miniature. Fondamentalement, dans le croquis de vignettes, j'essaie d'obtenir une référence visuelle de ce à quoi ressemblera mon ID. Fondamentalement, chaque fois que j'ai du mal à commencer avec un dessin, ça a tendance à être parce que je n'ai plus d'idées ou que j'ai des idées, mais je les ignore. Je les démarre, mais je les abandonne très vite parce que j'ai l'impression qu'ils ne vont pas marcher. Parfois, j'ai une idée de ce que je veux dessiner, mais la perspective et toutes les choses que j'ai besoin de travailler, ça bouche un peu mon cerveau et je finis par ne jamais le finir. Entrez la vignette. La vignette est idéale pour obtenir votre première idée. L' idée ici est de créer plus d'une référence visuelle pour développer votre idée sans trop se soucier la perspective et obtenir la composition juste. Vous voulez juste sortir la première idée de votre tête et sur la page. Voici ma miniature pour l'illustration que nous allons faire. Comme vous pouvez le voir, ce n'est pas particulièrement impressionnant. Ça n'a pas besoin de l'être. La vignette est juste pour vous. Tant que vous comprenez ce que vous essayez d'obtenir, alors la vignette a fait son travail. Vous n'avez pas besoin de vous soucier trop de l'éclairage. Vous n'avez pas trop à vous soucier de la composition exacte, l'anatomie, de la structure, de tous ces détails. Donnez juste votre idée initiale et voyez si ça marche. Si vous le souhaitez, la vignette est également la meilleure arête à expérimenter. Voyez si vous pouvez changer l'angle de la caméra, voyez si vous pouvez changer la pose des caractères. En commençant par une miniature comme celle-ci où vous n'avez pas besoin de vous soucier du dessin correct ou de toutes ces petites considérations techniques, c'est une façon si agréable de commencer. Chaque fois que vous voulez aborder un projet d'illustration plus long, je vous recommande de commencer avec quelque chose de vraiment désagréable comme celui-ci. Ne vous inquiétez pas de la qualité de votre ligne ou de sa qualité, ou si c'est quelque chose que vous devriez faire, demandez-vous, est-ce quelque chose que je veux dessiner ? Si c'est le cas, passons à l'esquisse. Lorsque vous esquissez une petite scène comme celle-ci, cela aide à comprendre à quoi ressemblent les personnages, qui sont-ils et quelle est leur relation les uns avec les autres ? Comment sont leurs traits de caractère et leurs humeurs actuelles ? Comment vont-ils affecter leurs expressions faciales et leurs poses ? Commencez par des block-outs rugueux. Ne vous inquiétez pas pour les lignes épurées ou les détails ou quoi que ce soit comme ça. Essayez de simplement obtenir les choses dans la bonne position sur la page. Faites juste les grands changements que vous voulez faire maintenant. Bougez, faites des croquis, et soyez prêt à redessiner les choses. Dès que vous commencez à vous sentir heureux avec la composition, le placement général des choses, il est temps de commencer à considérer la structure des choses un peu plus. Vous pouvez commencer à penser à la réduction ou à tous les éléments anatomiques que vous voyez. Quand il s'agit de choses comme les mains et les visages, vous voulez commencer à les exceller un peu plus. Vous voulez commencer à considérer la perspective, la structure tridimensionnelle des éléments sur votre page, ce genre de choses. J' ai eu beaucoup de mal à peaufiner le sourire du personnage féminin. J' ai fini par le redessiner et parfois c'est ce qu'il faut. Vous voulez continuer à dessiner et à redessiner jusqu'à ce que vous arriviez à un point où vous vous sentez décemment satisfait de l'esquisse, puis vous êtes à un carrefour. Selon le style que vous allez chercher, vous pourriez décider d'affiner le croquis beaucoup plus, concentrant sur l'art au trait et en gardant tout vraiment, vraiment net et propre. Si tu veux plus d'un style pictural comme moi, tu pourrais aller un peu plus vite. Vous allez peindre sur les lignes tellement de fois de toute façon que juste obtenir l'indication générale de tout sera assez bon. Si vous n'êtes pas tout à fait sûr si vous voulez le garder plus défini ou plus sommaire, je dirais que vous penchez vers passer un peu plus de temps sur votre dessin parce que je suis assez impatient et que l'habitude est revenue pour me mordre beaucoup de fois. Dès que vous vous sentez satisfait de votre blocage de ligne, vous pouvez commencer à introduire un peu de couleur rugueuse. Personnellement, je ne sépare pas vraiment les choses en différentes couches parce que cela m'aide à garder les choses connectées et unifiées. Garder les choses dans des couches séparées vous donne plus de contrôle, mais cela peut aussi parfois rendre les choses un peu déconnectées d'une autre. Comme au lieu d'une peinture pleine de personnages, vous avez créé un collage où tout se sent un peu hors de propos. En utilisant moins de couches, vous finissez par chevaucher des morceaux et des morceaux qui relient simplement la pièce ensemble. Lorsque vous allez bloquer dans la couleur rugueuse, vous n'avez pas toujours besoin de considérer vos ombres, mais cela aide à avoir une idée de ce que sera l'éclairage parce que les sources de lumière plus douces et plus grandes sont va jeter des ombres plus douces et parce que la principale source de lumière de ce tableau va être la lampe autour du bord du miroir, les ombres vont être relativement douces. Je vais choisir de ne pas bloquer dans une couleur d'ombre séparée ici. Une autre raison pour laquelle vous pouvez considérer les sources de lumière est que si votre source de lumière est colorée, elle va lancer cette couleur dans la scène. Les couleurs que vous faites finissent par ramasser seront radicalement différentes que si votre source lumineuse est plus blanche, plus neutre. Ensuite, je fais glisser dans une texture de tuile rapide, ce que je fais principalement pour un travail très répétitif ou de texture lourd. Si quelque chose a déjà besoin d'être très parfait et en perspective, eh bien, je pourrais prendre beaucoup de temps pour le dessiner à la main, mais parfois utiliser une texture est un peu plus rapide. Aussi parce que je sais déjà que je veux garder les personnages principaux en focus mais brouiller le reste, je suis d'accord avec une texture parce que tout détail qui est juste trop, qui est trop réaliste, va pas vraiment se pointer parce que je vais tout brouiller. Ensuite, je vais commencer lentement à indiquer un peu de lumière. Rappelez-vous de la leçon de couleur que tout est contexte, donc vous voulez faire attention à rester zoom arrière et garder le tout dans le cadre. Lorsque vous zoomez trop, vous pouvez rendre un visage qui est beau, mais simplement rendre l'ensemble trop contrasté, trop clair ou trop sombre. Ma supposition initiale est que je n'ai aucune idée de s'ils vont fonctionner, mais en introduisant un peu de couleur là-dedans, lentement mais sûrement, je me donne plus d'informations pour travailler avec. Toutes ces couleurs se parlent les unes aux autres et puis je peux juste les ajuster comme j'en ai besoin. Je continue de travailler là-dedans. Je continue avec ce grand à petit principal, commençant d'abord par les ajustements globaux les plus importants , puis en travaillant lentement plus en détail. Parfois, je jette juste une couleur qui, je pense, ne va pas fonctionner, mais alors je mélange juste et le floue au point où il s'intègre assez bien. Cette idée d'introduire quelque chose de très lourdement puis de le retirer m'amène à un principe auquel je pense toujours quand je peins. Essentiellement pour toute cette partie médiane de la peinture, nous ne faisons pas les derniers détails, mais nous ne faisons pas vraiment cet établissement initial, j'aime penser à une roue. D' un côté de cette roue est la structure et de l'autre côté de la roue est subtilité. Je me demande toujours, est-ce que cela a besoin de plus de structure ou a-t-il besoin de plus de subtilité ? Je continue d'aller entre ces deux-là. Ce que je veux dire par structure, ce sont des formes pointues, des bords durs, des lignes audacieuses, tout ce qui contribue à donner à votre pièce un peu plus de solidité. La plupart du temps quand on entre dans la peinture, et surtout quand on entre dans les détails, les choses commencent à se sentir un peu trop mous, un peu pâteux. Chaque fois que je remarque une zone dans ma peinture qui a cela se passe, j'essaie de réintroduire une structure. Je me concentre sur le travail avec des pinceaux plus durs, des coups plus audacieux, en appuyant un peu plus fort sur la tablette, juste pour que je mélange moins et juste en introduisant plus de définition. l'autre côté, si les choses se sentent trop nettes et que les transitions sont trop nettes, il y a peut-être des choses qui sont censées se sentir douces ou organiques, mais plutôt elles se sentent très rigides ou aiguës. Dans ce cas, je veux introduire un peu plus de subtilité. mots que je pense là sont le mélange, les bords doux et la couleur subtile. Fondamentalement, je vais utiliser des pinceaux plus gros, des pinceaux plus doux, et introduire des couleurs subtiles pour essayer lisser tout ce qui se sent un peu trop soudain, un peu trop pointu. De cette façon, je suis capable de trouver un équilibre entre les choses ne se sentant pas pâteux, sans forme et faible, mais aussi ne se sentant pas comme une machine, rigide et non naturel. Ensuite, il y a un ajout à la roue, qui est les ajustements de plus grande échelle. Alors que je vais entre la subtilité et la structure et que je pense à ces deux et de les garder en équilibre, parfois je dois à nouveau, tirer en arrière et juste faire quelques ajustements généraux de tonalité. La plupart du temps, je serai heureux de la façon dont la peinture se développe, mais je me rends compte que l'ensemble a besoin de plus de contraste. Si c'est le cas, je pourrais aller dans mes paramètres et juste sauter un peu les niveaux, ou augmenter la saturation. Peut-être que je veux introduire un peu de vignette dans les coins de la peinture. Pendant toute la partie centrale de la peinture, c'est le processus que je suis en train de suivre. Je me déplace entre la structure et la subtilité constamment et occasionnellement arrière pour regarder l'image globale pour voir s' il y a des ajustements plus importants que je dois faire. Ensuite, quand l'ensemble sera établi, je vais commencer à rester à des endroits simples un peu plus longtemps, en passant un peu plus de temps sur chaque élément individuel, comme une main ou un visage et en le poussant plus loin. Ça commence à approcher du point d'être fini. Je vais faire un passage sur le tableau où un par un, je prends ces éléments et je les rend dans une forme plus finie. Je veux essentiellement que la peinture arrive au point où elle n'a pas nécessairement l'air fini, mais je peux exactement dire à quoi elle ressemblera quand elle sera terminée. Maintenant que vous sentez que vous avez une idée claire de l'endroit où va votre pièce, la clé est d'essayer de la finir. Beaucoup de gens s'arrêtent juste avant cette fin et ne finissent jamais par faire quelque chose qui est entièrement fait. Tout ce qu'ils font, c'est des croquis ou des illustrations qui se sentent toujours un peu démesurés parce qu'ils n'ont jamais été pris jusqu'au bout. Ce que j'aimerais faire, c'est que la prochaine fois que vous serez dans cette situation, faites une liste des éléments individuels de votre pièce et essayez de les classer par ordre de priorité. Ensuite, en commençant par la partie la plus importante, essayez d'y travailler. Essentiellement, dès que vous avez terminé cette zone et que vous décidez que c'est fait, vous n'êtes plus autorisé à la toucher. En travaillant de cette façon, il n'a pas l'impression que l'étape d'arrivée continue et continue pour toujours. C' est l'une des principales choses qui empêche les gens de terminer leur travail régulièrement. Il y a toujours plus à faire. Essayez d'utiliser cette liste de contrôle pour vous montrer ce qu'il vous reste à faire, ce que vous avez déjà fait et quelles parties vous n'êtes pas autorisé à toucher à nouveau. La dernière chose que vous voulez faire est juste de laisser le morceau un peu. Il suffit de partir et peut-être passé quelques jours à ne pas le regarder. Ensuite, la prochaine fois que vous l'ouvrirez, essayez d'identifier s'il y a quelque chose qui saute hors de vous qui doit être réparé. L' idée ici est qu'en rafraîchissant votre perception de la pièce en ne la regardant tout simplement pas pendant un petit moment, vous êtes en mesure d' identifier plus clairement les choses qui fonctionnent et celles qui ne le sont pas. La plupart des fois où je l'ai fait dans le passé, j'ai pu juste prendre cinq minutes ou environ juste pour réparer quelques petites choses quand la pièce globale fonctionnait définitivement, mais fondamentalement, cela m'a juste empêché d'être frustré en voyant cette pièce en ligne et en remarquant toujours cette petite chose qui serait si facile à changer, mais maintenant c'est déjà là. Essayez de faire une petite pause pour qu'avec une nouvelle perception, vous puissiez vous assurer d'avoir abordé tous les problèmes majeurs qui pourraient être là. plupart du temps, vous pouvez rendre la pièce juste ce petit peu mieux avec seulement une minute de travail supplémentaire. Vos devoirs pour cette leçon sont de commencer une illustration mettant en vedette au moins une personne. Essayez de garder la structure solide et crédible et essayez de réfléchir à ce que vous avez appris pendant les leçons Gesture et Couleur pour ajouter un peu de vie et d'éclat à l'ensemble de la chose. Vous n'avez pas besoin de le terminer aujourd'hui, mais bien sûr, le processus de vignettes est parfait pour juste commencer. Pour ce faire, vous pouvez utiliser le document que j'ai fourni dans les notes de classe. Si jamais vous n'êtes pas sûr de la marche à suivre, essayez simplement de suivre les étapes indiquées sur le document. Si vous faites ces pas un par un, cela peut vous emmener tout le chemin du début à l'arrivée. Là, vous l'avez, votre dernière mission de devoirs. Bonne chance. 7. Outro: D' accord. Vous êtes arrivé jusqu'à la fin du cours. Donnez-vous un coup sur le dos, j'espère que vous avez passé un bon moment à le prendre, j'ai passé un bon moment à le faire. S' il y a des commentaires que vous avez, des questions, des commentaires ou des choses sur lesquelles vous souhaitez en savoir plus, vous pouvez les envoyer à l'e-mail à l'écran dès maintenant. J' adore entendre parler de vous tous et j'adore voir ce que vous avez fait. Sur cette note, vous pouvez partager tout ce que vous avez fait dans les projets de cours pour ce cours. Mais d'une façon ou d'une autre, merci beaucoup d'avoir suivi ce cours et j'espère que je vous verrai dans le prochain cours. Pour l'instant, joyeux dessin.