Transcription
1. Bienvenue: Vous avez toujours rêvé de dessiner
ou de peindre un visage, mais vous ne saviez pas dans quelle direction
aller avec votre style. Personnages, portraits,
dessins animés, réalisme. Ils sont tous amusants, mais
dans quelle direction devriez-vous prendre ? Je suis Gabrielle Brickey, et voici ce que j'ai
appris au fil des années en
créant à la fois un style de personnage et un
style de portrait Il n'est pas nécessaire de choisir une voie, mais il est utile de comprendre les différentes approches, car ces décisions prises tôt
façonneront le résultat final. Vos choix de pinceaux,
vos choix de références et même votre état d'esprit peuvent naturellement influencer votre travail d'
une manière ou d'une autre. Une fois que vous aurez pris conscience
des différences, vous pourrez faire des choix plus
intentionnels et orienter votre art comme vous
le souhaitez. Dans ce cours, nous explorerons
les principales différences que j'ai remarquées entre mon style
d'art de personnage et mon style de portrait. J'espère que cela vous
aidera à voir votre propre art et vos plus clairement
votre propre art et vos préférences en matière de
style. Ensuite, je vais partager un
processus qui vous aidera à découvrir ce
qui vous inspire et comment vous pouvez développer ou affiner votre propre style unique à l'
avenir. Ensuite, je vais vous montrer les 10
premières minutes de la façon dont je commence
personnellement à dessiner un personnage et à peindre
un portrait. J'espère que ce cours
vous donnera une idée claire de
ce que vous aimez dans l'art et vous donnera la confiance nécessaire pour façonner votre style ou vos styles à l'
avenir. Rejoignez-moi dans la prochaine vidéo,
et c'est parti.
2. Les différences que j'ai remarquées ed: Permettez-moi de vous ramener
à l'époque où j'ai
commencé à dessiner
des visages quand j'étais adolescent. Pendant des années, j'ai été complètement obsédée par le fait de dessiner
des portraits réalistes au crayon. Mon objectif était de toujours dessiner la manière la plus réaliste
possible Donc, plus ça
ressemblait à une photo, mieux c'est. Je n'ai jamais vraiment
atteint l'hyperréalisme, mais en tant qu'équipe, cela
a toujours été un rêve En vieillissant un peu, j'ai commencé à explorer
d'autres types d'art et je me suis retrouvée attirée par quelque chose d'un
peu différent. Il ne s'agissait pas vraiment de dessins animés, mais plutôt d'un look de personnage stylisé. J'ai été inspirée par tous
ces artistes incroyables en ligne que j'ai admirés, et ils avaient tous leur
propre style, et je voulais vraiment
trouver le mien. C'est à ce moment-là que j'ai commencé
à expérimenter l'art
des personnages, ce qui m'a ouvert une toute
nouvelle voie créative peu près à la même époque, j'
expérimentais des
tonnes de médiums, le fusain, puis je suis passé aux
pastels, puis j'ai commencé à
explorer la peinture à l'huile,
puis j'ai commencé à peindre
numériquement et à procréer puis j'ai commencé à
explorer la peinture à l'huile,
puis j'ai commencé à peindre numériquement et à C'est là que mon style de portrait
actuel a
vraiment commencé à prendre forme. Aujourd'hui, je ne
vise plus le réalisme extrême,
comme je l'étais pour mes portraits
au crayon. Mes portraits s'orientent davantage vers un
réalisme pictural, je pense Aujourd'hui, je alterne donc
entre deux styles principaux, mon art de personnage stylisé et mes portraits picturaux plus réalistes J'adore les deux approches, alors je fais des allers-retours en
fonction de ce qui m'inspire ce jour-là. Avec tout cela à l'esprit,
je ne peux donc parler que de
ma propre expérience. Aujourd'hui, j'aimerais
partager certaines des principales différences que j'ai remarquées entre les
deux styles dans lesquels je travaille. Donc, entre le style d'art du
personnage
et le style de
peinture de portrait réaliste. Comme je n'ai pas l'habitude de créer des personnages de
super dessins animés ou des portraits
hyper réalistes, je ne montrerai pas ces
extrémités de l'échelle Je vais plutôt
vous expliquer ce que j'ai appris en passant de l'art de mon personnage à
l'art du portrait. Ils sont suffisamment différents pour
que je pense
que vous puissiez clairement voir
ce qui les distingue, même s'ils tournent
tous les deux autour du même sujet, à
savoir le visage J'espère qu'en expliquant
comment je navigue entre
ces deux styles, vous commencerez à remarquer vos
propres préférences et à vous sentir un peu plus confiante quant à
la direction que vous souhaitez prendre avec votre art. Et comme je
travaille principalement chez Procreate, je vais vous montrer les
différences sous cet angle gardant tout cela à l'esprit, examinons les principales
différences que j'ai remarquées entre art de personnage
stylisé et les portraits
plus réalistes OK, donc d'abord, les différences entre les
pinceaux. Lorsque je dessine un
personnage, je prends un pinceau
procréatif qui ressemble à un véritable matériau de
dessin Et lorsque je peins un
portrait, j'utilise
un pinceau procréatif qui ressemble davantage à un
travail avec de la peinture Et pour info, je vais partager ces pinceaux exacts
avec vous gratuitement, mais j'ai deux ensembles de pinceaux principaux, et je considère ceux-ci comme mes
meilleurs pinceaux Si je dois faire
un croquis de personnage, je prends mon pinceau épuré au
charbon de bois de saule Ce pinceau est lisse
et rythmé, mais il a un
peu de grain pour éviter que mes dessins ne
paraissent trop numériques On a l'impression de travailler avec un crayon sur un support
traditionnel. Mais lorsque j'ai créé
ce pinceau personnalisé, je l'ai fait en pensant à la douceur du charbon de saule doux J'adore ce pinceau
et il est essentiel pour moi lorsque je fais les croquis de
mes personnages. Parfois, lorsque je réalise
mes portraits, je prends le même pinceau, mais le plus souvent, je prends ce crayon 60 Il s'agit d'un pinceau
Procreate par défaut modifié auquel j'ai apporté quelques ajustements, et je suis
obsédé par ce Je l'adore pour sa qualité
picturale. Et au lieu de
ressembler à un crayon à dessin, celui-ci
ressemble plus un pinceau pour moi quand
on le place sur le côté Ce pinceau est essentiel pour moi et m'aide à obtenir
de grandes formes de valeur sur ma toile lorsque je commence à peindre un
portrait. Donc, dès le départ,
même les ensembles de pinceaux que
je cherche commencent à donner le
ton à la direction que je prends. D'accord, la prochaine grande
différence que j'ai remarquée entre personnage et l'art du portrait
concerne les différences de référence Donc, l'image que je regarde pendant que
je crée mon œuvre. Si je dessine un
personnage, la première chose que je vais
faire est de parcourir ma base de données de référence contenant des photos que
j'ai prises de
poupées à rotule Et je sais que cela semble
un peu étrange, mais les poupées à rotule
fonctionnent à merveille comme référence,
car elles
possèdent déjà ces caractéristiques stylisées Ce sont donc pour moi des
références parfaites pour
dessiner des personnages. En revanche, lorsqu'il s'agit de
peindre des portraits, j'aime utiliser de belles
références à de vrais humains, en particulier des photos avec un éclairage
puissant et inspirant. excellents endroits pour trouver des photos de
référence pour les portraits Unsplash.com, pixabay.com et shutterstock.com
sont Une autre grande différence que
j'ai remarquée entre l'art de
mon personnage et
l'art du portrait réside dans le processus et dans l'état d'esprit que j'
apporte à chaque processus. Lorsque je crée une esquisse de
personnage, j'adopte une mentalité de
dessinateur. Pour ce qui est des personnages, je
commence toujours par une esquisse vague. Je pense en termes de ligne et de capture de rythmes
fluides. C'est vraiment un état d'esprit
dessinateur. Mais quand je crée un portrait, je pense plutôt
comme un peintre. En ce qui concerne les portraits, je
commence par bloquer grandes formes de valeur à l'
aide de traits épais, et je pense en termes de
lumière et d'ombre, et non en termes de lignes. C'est plutôt un état d'esprit pictural. Donc, pour l'art du personnage, mon processus
s'oriente davantage vers le dessin, et pour l'art du portrait, mon processus s'
oriente davantage vers la peinture. Voici un autre exemple de l'endroit où
vous pouvez le voir en action. Mon processus artistique de personnage
repose donc sur le dessin au
trait, tandis que mes portraits ont
généralement tendance à intégrer de
grandes formes de valeur Encore une fois, je tiens à
préciser que ce
n'est que mon point de vue, et qu'un autre artiste
peut s'intéresser davantage à la
peinture de
personnages ou au dessin de portraits, tout en réalisant des œuvres d'art fantastiques
et magnifiques. C'est la beauté de l'art, non ? Il s'agit d'explorer, d'
expérimenter et de trouver ce qui
vous convient le mieux OK, la
différence suivante que je veux souligner est une différence
proportionnelle. Mes personnages ont souvent des proportions
exagérées. J'agrandis donc généralement
les yeux. Je rétrécis un peu le nez. J'élargis la bouche et j'
amincis un peu le cou, ce genre de choses. Pour les portraits, je
privilégie un espacement
et une mise en forme des objets plus fidèles à la réalité Je recherche des points de repère, distances
précises et des proportions humaines
crédibles La prochaine
différence clé dont je veux parler concerne
mon orientation vers le design. Mon art de personnage a tendance à se limiter à deux D en mettant l'
accent sur le design des formes. Et avec mon art du portrait, mon objectif principal est
de créer trois formes en D. Bien que les deux approches
fonctionnent avec la forme, vous pouvez voir comment, dans
l'image à gauche du personnage, les formes apparaissent plates. Par exemple, vous pouvez voir la forme
du cercle derrière elle, la forme simple
de ses boucles d'oreilles, puis les ombres sous
son nez et sous son cou C'est très simple.
Tout cela est très simple. Ainsi, lorsque je dessine des personnages, lorsque je l'amène à une pièce
complètement finie, je dessine avec des formes. Pour ce qui est de
la peinture de portrait, pour moi, c'est plutôt une question d'observation des formes. Ainsi, le doux tour d'une joue, les petites formes se forment sur le nez Je ne
pense donc plus uniquement à la forme
plate des objets. J'essaie de les rendre
plus tridimensionnels, alors j'envisage des formes. Donc des sphères, des cubes, des cylindres, des cônes, ce genre de choses. Regardons un autre
exemple ici. Vous pouvez donc voir ici que j'ai capturé les petits
ovales de ses lunettes, et j'ai fait en sorte que les choses soient très simples Ses cheveux sont conçus avec des formes
super simples. Ses colliers ont juste une forme
très simple. Il n'y a pas beaucoup de
détails ou de complexité ici. Alors qu'avec cet exemple, j'apprécie cette
douce rondeur qui apparaît sur
son front et la forme que vous pouvez y voir J'apprécie tous les
petits changements de forme qui se produisent sur son nez
et autour de ses joues Il s'agit simplement d'une
appréciation
différente des différents éléments du design dans ces deux styles d'art. Et puis la dernière
différence que je veux souligner concerne
les différences de rendu. C'est donc similaire à ce dont
nous venons de parler, mais allons encore plus loin. Donc, pas toujours, mais
généralement pour moi, cela ressemble à un rendu plat en
deux dimensions pour les personnages et à un rendu détaillé en trois
D pour des portraits plus réalistes. Alors laissez-moi vous expliquer ce que je veux dire. Découvrez comment cette petite partie de la
joue de ce personnage est à
peu près représentée par
une seule couleur plate Bien sûr, vous voyez cette
texture de papier que j'ai mise dessus, mais elle est d'une seule couleur pour représenter toute la zone de ses
joues Alors que sur ma peinture de portrait, vous pouvez voir une grande variété de couleurs et de
changements de valeur se produire. Cette joue n'est pas parfaitement reproduite sur
ce portrait. Je vous montre les formes
de la zone des joues en vous
donnant plus d'
informations et de détails Donc, en ce qui concerne les caractères, je
simplifie le rendu. Alors que pour mes portraits, je les détaille plus en détail et je vous donne plus d'informations. Une autre
différence de rendu que je remarque entre mes pièces
réside dans les bordures. Les bords de mon dessin de personnage ont tendance à être plus durs
et moins variés, et les bords de mes portraits peuvent
être durs, fermes, souples ou perdus. Il y a juste une tonne
plus de variété là-bas. Zoomons donc sur cette partie de la tête pour mieux comprendre
ce que je veux dire. Ici, sur le personnage,
vous pouvez voir comment le trait fonctionne pour
créer une qualité de bordure dure. Bien sûr, il y a une petite variation
là-haut, mais il s'
agit surtout d'un bord dur sépare
clairement sa
tête de l'arrière-plan Maintenant, en regardant
le portrait,
je veux dire, regardez toute
la variété qui s'y trouve. Il y a cette touche
douce et texturée là-haut. Ici, nous avons un bord plus dur, et ici nous avons un bord irrégulier, peu plus doux Il y a juste beaucoup plus de variété dans la qualité avant-gardiste de mes portraits. Encore une fois, permettez-moi de répéter qu'aucune des deux approches n'
est meilleure que l'autre. La meilleure façon de dessiner ou de peindre est celle qui
vous fait du bien, où vous appréciez le processus
et aimez les résultats. Pour moi, il se trouve que c'
est à la fois de l'art du personnage
et de l'art du portrait. J'aime créer les deux styles, alors je continue à faire les deux. Mais en fin de compte, c'est
à vous d'explorer et de décider ce que vous aimez
faire en tant qu'artiste. Parlons donc plus en détail de la façon dont vous pouvez découvrir
exactement ce que vous aimez. Il peut être utile
que vous envisagiez le style pour dessiner des visages
sous la forme d'une échelle mobile. Vous n'êtes pas obligé d'en choisir un et
d'y rester pour toujours. Vous pouvez vivre n'importe où sur
cette échelle et sauter partout. Tu es l'artiste.
C'est à vous de décider. Donc, pour moi, je me concentre sur le personnage
stylisé, et je dirais plutôt sur le
réalisme pour mes portraits De plus, il s'agit simplement
d'une échelle que j'
ai établie afin que vous puissiez utiliser vos propres mots pour décrire ces choses. Mais tu peux totalement passer d'une chose
à l'autre. Bien évidemment, je le fais moi-même. C'est donc le
style artistique de mon personnage que je suis en train de décrire. Je considère que ce sont des
personnages stylisés. Et voici mon portrait
que je viens de décrire. Je dirais probablement que c'
est réaliste, mais c'est aussi une œuvre picturale Ensuite, j'ai aussi quelque chose
comme celui-ci où je me suis davantage
penché sur le
style des personnages de manière proportionnelle, mais j'ai joué avec
le rendu de l'éclairage pour donner aux
choses un aspect
plus
triennal , peut-être Je n'en suis pas vraiment sûr. Mais
c'est ce qu'il y a de drôle dans tout ça. Nous pouvons jouer,
expérimenter et être des artistes.
3. Exercice de style: Vous vous sentez un peu confuse ou bouleversée par tout cela. Ne t'inquiète pas J'ai
un exercice pour t'aider. Cela vous aidera à découvrir ce qui
vous attire naturellement, ce qui vous inspire
et comment vous pouvez commencer à développer votre propre
style unique à l'avenir. s'agit donc d'un processus en quatre étapes, Il s'agit donc d'un processus en quatre étapes,
qui consiste à trouver
l'art que vous admirez, analyser et à
étudier cet art, faire une copie originale, puis à
réfléchir à votre expérience. Très bien, alors
décomposons-le étape par étape. Première étape, les beaux-arts que vous admirez. Par Instagram,
via Pentrist. Si vous avez un musée
dans votre région, regardez-le, regardez des livres d'art, vous savez où trouver
ce qui vous inspire. Mais vous voulez trouver un art
qui vous fasse penser
: « Waouh, j'aurais aimé le créer ». Ce serait un rêve de
dessiner ou de peindre comme ça. Je dirais de trouver trois pièces qui
vous font ressentir cela. Maintenant, étape numéro
deux, il est temps d' analyser chacune de ces pièces et d'
enquêter un peu. Demandez-vous, qu'est-ce que j'aime particulièrement dans cette pièce ? Est-ce que ce sont les couleurs ? Est-ce la
façon dont l'artiste conçoit les formes ? Est-ce les proportions
qu'ils ont utilisées pour le visage ? Essayez d'être très
précis ici et notez trois à cinq
choses que vous aimez par pièce. Vous pouvez même vous demander : où est-ce que je pense que cela se
situe par rapport à l'échelle dont
nous avons parlé plus tôt ?
Est-ce un dessin animé ? S'agit-il d'un personnage stylisé ? Est-ce du semi-réalisme ? Est-ce que vous appelleriez cela du réalisme
ou peut-être de l'hyperréalisme ? Fais juste de ton mieux pour le
catégoriser un peu. Tout cela vous aide à passer de l'admiration
à la compréhension. Exprimer en termes réels ce
que vous pensez de l'œuvre est une excellente étape pour comprendre ce que
vous
regardez et ce que vous aimez dans cette œuvre. Donc, au lieu de simplement
dire que j'adore cette pièce parce qu'
elle est belle, essayez d'être plus précise. Dites quelque chose comme :
« J'adore cette pièce cause de la façon dont les artistes superposent ces teintes roses
et violettes. La façon dont ils sont assis
l'un au-dessus de l'autre, c'est un peu comme
s'ils chantaient. Par exemple, tu veux être
aussi précis que ça. Donc, plus vous êtes précis, plus vous pouvez commencer à comprendre
exactement pourquoi vous aimez une pièce. Ensuite, il est temps de
choisir l'une de ces pièces, peut-être celle que vous aimez le plus et d'en faire une copie originale. Je crois sincèrement que la création
d'une copie originale est
l'une des meilleures choses que vous puissiez faire pour améliorer vos compétences
en tant qu'artiste. J'ai l'impression d'avoir fait
les plus grands progrès de
mon niveau de compétence après
avoir créé des copies maîtresses Si vous vous demandez comment
créer une copie originale, il s'agit simplement
de copier une œuvre d' art que vous considérez comme
un chef-d'œuvre. Des mots clés que vous considérez comme
un chef-d'œuvre. Il s'agit d'étudier une œuvre
d'art qui est comme un objectif pour vous et d'essayer de la reproduire
le plus fidèlement possible Vous serez étonné de voir à
quel point vous apprenez simplement en
copiant , du pinceau aux choix de
couleurs, en passant par la composition C'est l'une des meilleures
méthodes d'apprentissage Il y a juste une chose
importante à noter. Si l'artiste est toujours vivant, il est préférable de
garder votre copie privée. Par exemple, ne le publiez pas en ligne. Et si l'artiste est
décédé, partage est généralement
plus acceptable, mais vous devez vous renseigner sur les règles
spécifiques en matière de droits d'auteur et
toujours attribuer le mérite approprié. La dernière étape consiste
à prendre un moment pour réfléchir après avoir créé
votre copie originale. Posez-vous la question suivante : qu'est-ce que j'ai
appris de cette expérience ? Quelles techniques ou quels
choix
aimerais-je intégrer à mon
propre travail à l'avenir ? Et si vous avez créé
plus d'une copie originale, demandez-vous quel processus m'
a semblé le plus agréable
ou le plus naturel. D'accord ? Réfléchissez donc à l'expérience de création de
votre copie principale. Trouvez donc des œuvres d'art que vous admirez, déterminez ce que vous aimez,
faites-en une copie originale et
réfléchissez à ce que vous avez appris. C'est un excellent exercice, mais ce n'est qu'un exercice parmi tant d'autres. Vous comparez ce type
d'étude à toutes les autres
méthodes d'apprentissage. Donc, dessinez à partir de la vie, entraînez-vous à partir de photos et dessinez à partir de
votre imagination. Ce processus n'est qu'une
autre façon de pratiquer. Cela vous aidera à perfectionner
vos compétences et façonner votre
style unique à l'avenir OK, nous avons donc
abordé beaucoup de choses aujourd'hui, et je sais que c'
est beaucoup de choses à assimiler. Maintenant, je veux ralentir
les choses et sur une seule différence essentielle entre l'art du personnage
et l'art du portrait, savoir le processus. Et plus précisément, comment
je commence chaque pièce. Le début de la
pièce est très important. Cela donne en quelque sorte le ton pour
tout ce qui va suivre. Je vais donc maintenant vous
donner un
aperçu des deux flux de travail en vous
montrant comment j'aborde
les 10 premières minutes de chacun Donc, un croquis de personnage
et une peinture de portrait. Alors, lançons Procreate et
je vais vous expliquer comment procéder.
4. Projet de classe: Plutôt que de vous laisser submerger par la création d'une pièce finale
pour votre projet de classe, partagez simplement votre point de départ Profitez de ce moment pour
essayer les processus que je suis sur le point de partager ou pour partager vos
méthodes uniques de démarrage. Voici un plan simple à suivre si vous souhaitez créer
un projet de classe. Choisissez d'abord une référence. J'ai ajouté une petite collection d'images de portraits et de
personnages dans l'onglet Projets
et ressources. Choisissez celui qui
vous inspire ou trouvez le vôtre. Ensuite, commencez votre pièce. Travaillez avec moi pendant que
je vous montre comment vous pouvez aborder le
dessin de personnage ou la peinture de portrait. Et pendant que vous travaillez,
remarquez ce qui vous semble amusant, naturel et facile. Et remarquez également ce qui vous semble
difficile ou moins agréable. Ces petites observations sont importantes car elles vous indiqueront quel style vous
aimez réellement et que vous
souhaiterez peut-être poursuivre. Prenez une capture d'écran de
votre travail à dix ou 15 minutes
et téléchargez-la la section des projets et
des ressources du cours ici sur Skillshare Le véritable objectif de votre projet
de classe est simple. Faites bouger la main et faites attention à ce qui vous intéresse. Il est utile de suivre un cours, mais c'est en combinant apprentissage et
pratique que se produit le
véritable développement. Ce projet ne vise pas à
terminer un chef-d'œuvre. Il s'agit de découvrir
ce qui vous plaît. Plus vous expérimentez, plus vos
préférences artistiques se préciseront. Commençons donc par le dessin des
personnages.
5. Début de dessin de personnage: Voici donc comment je commence presque tous les dessins de personnages que je fais. Et pour info, je travaille sur un
Canvas de 5 000 x 3 500 pixels à 300 Je commence donc par
appuyer sur la clé à molette, qui est actions, ad, puis j'insère cette
photo ici Je pense que je vais faire référence à
celui-ci ici. Je vais donc simplement saisir la flèche de transformation
pour la dimensionner. Et je m'assure que l'uniforme est porté pour que rien ne
s'étire bizarrement Maintenant, je ne fais que recadrer
les bords de l'image, et vous pouvez le faire comme ça Je le retire du bord du canevas et j'appuie sur
la flèche de transformation, qui supprimera
tout ce dont je n'ai pas besoin. C'est bon. Maintenant, je vais juste mettre cette référence ici. Je vais ajouter une nouvelle couche
pour pouvoir commencer à dessiner. Bien, comme nous en
avons parlé, essentiel pour moi est d'utiliser ce pinceau épuré en charbon de saule de mon set de
pinceaux pour
personnages Je vais donc m'en
emparer. Et je vais finir par
penser à la
forme circulaire de sa tête, et quand je serai prête,
je vais toucher le sol et dessiner quelques lignes
d'emballage. Et maintenant, la
ligne médiane du visage. Ensuite, je vais attacher le cou
et faire allusion aux épaules. Mets cette oreille dessus.
Juste une forme simple. Maintenant, je
pense juste à la forme générale de ces orbites
et je les place comme petits
repères pour le moment. Et j'aime simplifier
le bas du nez en faire un simple triangle
renversé. Et puis les lèvres peuvent aussi avoir une forme simple pour
commencer. J'aime garder les choses très simples lorsque je
commence à créer mes personnages, et j'évite d'ajouter des
détails au début. Cela permet
d'éviter que les choses ne deviennent trop précieuses, car nous y avons consacré
beaucoup de temps. exemple, si je
commençais à détailler l'œil et que tout tournait mal, je serais contrariée parce que
j'y ai passé tellement de temps J'aime donc garder les choses très
souples lorsque je planifie mon croquis. OK, laisse-moi prendre
cette gomme
parce que je veux déplacer
le nez un peu vers le haut Je fais juste
allusion aux iris
maintenant, aux cils et aux sourcils. Permettez-moi de mettre un petit marqueur pour l'encoche jugulaire,
les clavicules, le cou. Peut-être qu'elle aura une sorte de manche à froufrous.
Je n'en suis pas encore vraiment sûre. Et peut-être que ses
cheveux
tomberont un peu raides comme ça. Je ne suis pas
sûr d'aimer ça. C'est juste pour jouer. Tout
peut encore être changé. Lorsque je travaille à partir des références
aux poupées, elles ne sont généralement qu'un guide vague. J'utilise donc
un peu mon imagination pour cela aussi. Parfois, lorsque vous
dessinez, il est utile retourner votre toile
horizontalement, juste pour vous donner un œil neuf. Peut-être que ses cheveux
tombent raides comme ça. Il suffit de le repositionner un peu pour avoir
plus de place Cette première passe sur
un sketch
m' autorise à jouer et à expérimenter
différentes idées. Elle peut devenir n'importe quel
personnage, tu sais ? Elle n'a pas besoin d'être enfermée dans un seul personnage simplement
parce que c'est ce que j'ai dessiné. Vous pouvez toujours changer les choses, surtout dans
cette phase initiale. Donc, lorsque je
transmets un personnage pour la première fois, je joue beaucoup
avec
la coiffure, le décolleté,
la façon dont il est conçu,
et, vous savez, les accessoires que
j'ajoute et ce genre de choses Et en fait, mes
portraits et mes personnages ont tendance à être simplement des bus, alors je les coupe
au-delà des épaules. Par exemple, ce ne sont
que des épaules et c'est ce que j'aime
peindre et dessiner. Je vais assombrir ces lèvres. Une autre chose avec laquelle
vous pouvez jouer à ce stade, c'est
l'émotion subtile que vous pouvez ajouter à vos personnages. L'émotion peut vraiment raconter
l'histoire de votre personnage, et j'ai découvert que ce surtout les sourcils et les coins de la bouche
qui font toute la différence. Et les changements de
direction les plus subtils liés à ces deux éléments peuvent complètement
changer l'émotion. Peut-être que je vais essayer quelques
cœurs ici, ça ne
fonctionne pas vraiment avec son attitude, donc peut-être pas. Je vais peut-être lui donner un collier. Je crois que je
préfère cette direction. Et je trouve ces
cheveux courts plutôt cool. Elle a peut-être une frange. Non. Mais nous pouvons essayer. Donc oui, il s'
agit d'expérimenter et de jouer avec des
idées à ce stade Et j'utilise simplement vaguement
la référence à ce stade. Cela me fait donc du bien pour
une première fois de ce sketch. Une fois que j'ai un croquis de base où l'
idée générale est tracée, je réduis l'opacité, puis j'ajoute une deuxième couche pour
travailler sur une autre passe Je n'ai pas le temps de
vous montrer l'ensemble du processus, mais au deuxième passage, je peaufine
mieux le design et j'ajoute un
peu plus de détails. Ensuite, je répète le
processus à nouveau lors d'une troisième passe pour finaliser
le dessin Comme vous pouvez le constater, lorsque je commence à dessiner
mon personnage, je m'inspire de cet état d'esprit
dessinateur, en travaillant principalement avec des lignes pour faire ressortir mon personnage
sur la toile.
6. Commencer la peinture de portrait Start: Maintenant, je veux vous montrer
comment je
commence habituellement mes
portraits plus réalistes. Vous pouvez donc voir que j'
ai déjà une référence placée sur un Canvas de
5 000 x 3 500 pixels à 300 DPI Et la première chose que
je vais faire c'
est dupliquer
ma référence. Maintenant, je vais
appuyer sur le claquement et m'
assurer que le magnétisme et le
cliquetis sont activés Maintenant, je vais simplement faire glisser cette référence dupliquée Ce que nous allons
faire maintenant, c'est colorier
le deuxième doublon
avec une seule couleur. Cela fera en sorte que ma référence et ma
peinture soient parfaitement côte à
côte et aient
exactement la même taille. Je trouve que cela facilite grandement la recherche de la précision
proportionnelle , car nous allons comparer
les choses une à une. Il n'y a donc pas de
taille étrange à la hausse ou à la baisse. J'aime me faciliter la vie, pas la compliquer, alors j'aime vraiment
cette approche individuelle. Donc, pour le remplir parfaitement, nous allons d'
abord devoir verrouiller la couche en alpha. Il suffit donc d'appuyer sur la deuxième
couche et d'appuyer sur Alphao. Cela vous permettra de ne
peindre que sur les pixels
déjà présents. Donc, en gros, nous
ne
pourrons peindre que
sur ce rectangle. Et vous pourrez voir qu'il
est verrouillé en alpha parce que vous verrez cet arrière-plan
à carreaux ici Passons maintenant à mes pinceaux, je vais prendre
un gros pinceau doux pour pouvoir le colorier rapidement et
facilement. Et j'aime choisir un
ton moyen pour ma couleur de fond, donc rien de trop clair
ni de trop foncé. Et comme je
verrouille le calque en alpha, je ne pourrai
peindre que dans ce rectangle. Et comme je l'ai dit,
j' adore travailler en tête-à-tête
comme ça, car cela permet trouver
une précision proportionnelle en un clin d'œil. D'accord, comme je l'ai dit,
pour mes portraits, j'ai tendance à m'orienter vers une approche
picturale Je pense à faire de gros traits de peinture plutôt qu'à
travailler avec des lignes. Je prends donc un pinceau qui m'
aidera à le faire. J'ai donc tendance à me tourner vers
ce crayon 6 B. Mais avant de commencer à
peindre, j'ai encore une chose
à faire qui m'aidera beaucoup. Donc, de retour dans mes calques, je
vais simplement dupliquer à nouveau la photo de
référence. Ensuite, sur cette image de
référence dupliquée, je passe aux réglages, au flou
gaussien Ensuite, à partir de là, j'utilise simplement mon doigt pour le
faire glisser un peu vers la droite. Cela va augmenter un peu le
flou. Ce que je fais ici, c'est
éliminer les détails. Je trouve que les détails peuvent être intimidants mais
aussi distrayants au début d'
un article Je m'efforce donc d'éliminer les
distractions dès le départ, et le flou m'aide à voir l'élément le plus
important de la peinture,
à les grandes
formes de valeur Donc les grandes formes de lumière et d'obscurité qui
composent cette composition. Si je ne comprends pas les
grandes formes,
les détails n'ont rien de
solide sur lequel s'appuyer. Je dois donc d'abord identifier les modèles à grande
valeur ajoutée, puis ajouter des détails en plus de cela sur une base
solide. Jette un œil à ça. Je vais appuyer trois fois dessus pour que vous puissiez
le voir en échelle de gris. Lorsque je crée un
portrait, commence par
capturer l'éclairage ou ces
grandes formes de valeur. Et vous pouvez
même les imaginer comme de simples blobs. Donc pas de cheveux, pas de
visage, pas de chemise. Donc cette étrange tache noire ici, ce groupe
de taches plus claires Cette étrange tache noire ici. Voici cette grande
forme de lumière triangulaire. Cette première partie
du processus de peinture de portrait consiste pour moi à éliminer l'intimidation afin que je puisse commencer et commencer à
travailler sur une œuvre. Et le flou y
contribue vraiment. Très bien,
permettez-moi de revenir à la couleur ici et
nous allons commencer. Donc, comme je l'ai dit, j'opte pour ce crayon 6 B parce qu'il est plus
incliné sur le côté, il me rappelle le fait de travailler avec un pinceau et
de peindre d'un trait épais Très bien, je vais donc prendre cette couleur sur la
peau et sur la lumière Mais en fait, je suis
sur la mauvaise couche, donc c'est une bonne chose à savoir. Assurez-vous toujours que vous êtes
sur votre couche de peinture. Alors laisse-moi y retourner. Maintenant, je vais
détecter cette couleur sur la peau
à la lumière, et j'aime choisir une couleur
moyenne pour une zone, et je vais juste commencer
à mettre ces taches de couleur Je laisse de côté
l'intimidation. Nous ne faisons que peindre de
grandes formes de valeur. Alors je vais juste bloquer
cette grande forme sombre ici. Et je sais que j'ai dit que
pour mes personnages, lorsqu'il s'agit de design, je me concentre davantage sur les formes. Cependant, au début de mon processus de peinture de portrait, j'ai également tendance à
travailler avec des formes. Travailler avec des formes abstraites de valeur juste pour faire
apparaître quelque chose sur le canevas. Ensuite, une fois que j'ai quelque chose sur le canevas que je
peux commencer à modifier un peu, je commence à me concentrer davantage sur les formes dont
nous avons parlé. l'ensemble, cependant, lorsque je
considère l'ensemble du processus et pas seulement ces 10
premières minutes isolées, je considère que l'art du
personnage davantage axé sur la forme
et que l'art
du portrait davantage axé sur la forme. Donc oui, il suffit de
créer de grandes formes de valeur. Je ne suis pas trop soucieux
d'être parfaitement précis. Je peux toujours
me renseigner plus tard et replacer les choses dans
un endroit plus précis. Pour le moment, mon objectif est simplement de
mettre quelque chose sur la toile. Vous pouvez cependant voir à
quel point
c'est différent dès le début du
personnage. Je ne travaille pas avec des lignes. Je ne fais pas un dessin au trait précis
ou détaillé. Au lieu de cela, je travaille
avec de grandes formes, en les massant dans de grandes taches de couleur Pour moi, dans cette
première partie d'un portrait, comme je l'ai mentionné,
je
pense simplement à de grandes
formes abstraites de valeur. Je regarde donc à la fois l'espace
positif et négatif pour tout mettre
en place sur la toile. Je
regarde donc ici l'espace positif de sa chemise, mais
en même temps,
je le compare
à l'espace négatif, ce petit éclat
brun que on peut voir sur
le fond Je fais toujours des allers-retours entre les espaces positifs
et négatifs. Et le flou le rend également
beaucoup plus facile à voir. Maintenant, je vois juste certains de ces changements de valeur
en arrière-plan. Je place donc un marqueur très général pour
les orbites ici. Mais voyez-vous en quoi cette approche penche davantage vers la peinture ? Je ne me concentre pas du tout sur
les grandes lignes ou le travail au trait. Tout est une question de gros coups de
peinture. Tout était axé sur la capture de la
lumière et sur l'établissement d'une base solide sur laquelle
construire des formes. Il y a un peu de couleur chaude ou orange
que j'ai envie de mettre en valeur. Et quand je peins comme ça,
je m'inscris dans le courant. Je sais que certains artistes n'
aiment vraiment pas que les gens utilisent
le sélecteur de couleurs Pour moi, ça ne me dérange tout simplement pas. Je le considère simplement comme un autre
outil de ma boîte à outils numérique. Je vous encourage à faire ce qui vous convient le
mieux en tant qu'artiste, mais je pense qu'il est important comprendre et d'étudier la couleur. Je l'utilise juste comme un petit raccourci pour l'art
numérique. Mais lorsque je choisis des couleurs, j'essaie de choisir la couleur
moyenne d'une zone. Donc rien de trop clair
et rien de trop foncé, mais la couleur moyenne
pour décrire une zone. Comme vous pouvez le constater, cette
peinture n'a pas l'air géniale. Mais tant que vous continuez à
persévérer et à
faire confiance au processus, il fonctionnera la phase d'apparence étrange et
aboutira un magnifique
portrait. Maintenant, je vais juste mettre quelques petits marqueurs
pour les fonctionnalités, et ce ne sont que de
simples coups de pinceau Je terminerai
cette démonstration sous peu, mais c'est l'approche
générale que je continue à suivre dans mon processus de peinture de
portrait. Après m'être concentrée sur de
grandes formes de valeur, je passe progressivement à des formes moyennes
puis à des formes plus petites, tout en me concentrant sur le
développement des formes
à travers la lumière et les ombres. Donc même artiste, même application, même sujet général, un visage. Mais en modifiant simplement
l'approche de départ, vous ouvrez la porte à des résultats
complètement différents.
7. Étapes suivantes: J'espère que ces
deux démarrages vous mieux comprendre
votre propre processus de création et vous inciteront peut-être même à essayer ces deux approches et à voir ce qui
vous convient le mieux ou à explorer le dessin animé, le
semi-réalisme, l'hyperréalisme, tout ce qui
vous attire Récapitulons rapidement
ce que nous avons abordé aujourd'hui. Nous avons parlé des différences entre un dessin de
personnage stylisé et un portrait
plus réaliste et portrait
plus réaliste domaines spécifiques dans lesquels j'ai remarqué des
différences dans mon propre travail,
tels que le choix des pinceaux, les choix de
références, les
proportions, le processus de
conception et le Nous avons également expliqué qu'il n'existe pas de bonne
façon unique de dessiner un visage. Le style existe sur une échelle, et vous pouvez changer le long de cette
échelle où vous le souhaitez. Ensuite, nous avons exploré certaines
des façons dont vous pouvez commencer à
découvrir votre propre style. Nous avons parlé du
processus qui permet de trouver des œuvres d'art, admirer, de les analyser, créer des copies maîtresses et réfléchir à ce que
vous avez appris. Ensuite, j'ai donné un aperçu mon propre processus en
vous montrant comment je commence un croquis de personnage et un portrait en regardant les
10 premières minutes de chaque vous aider à
explorer et à expérimenter, j'adorerais vous offrir gratuitement deux de mes ensembles de pinceaux
Procreate préférés L'un est conçu
pour l'art des personnages, et l'autre pour
la peinture de
portrait, exactement ceux que j'ai montrés
lors de la séance d'aujourd'hui. Le jeu de pinceaux pour personnages est donc une petite section conçue
pour le dessin stylisé. Il inclut mon pinceau à
croquis préféré et quelques accessoires amusants pour donner vie à
vos personnages Et puis, mon
set de portraits comprend des pinceaux
Pantallly
conçus pour créer de la forme, se fondre en douceur et ajouter la texture et de la profondeur à
vos portraits. Et vous pouvez accéder à ces deux
ensembles
ici , dans la section projets et
ressources du cours. Une fois inscrit, vous
aurez également accès à des ressources supplémentaires pour vous
aider à suivre le chemin créatif que
vous souhaitez suivre à partir de là. Essayez les pinceaux pour personnages,
essayez les pinceaux pour portraits, essayez les deux, explorez, expérimentez et voyez ce qui vous convient le mieux. Merci beaucoup d'avoir
passé ce temps avec moi. J'espère que cette session vous donnera un peu plus de confiance et peut-être la permission d'explorer
ce que vous aimez créer. Je suis tellement contente que nous
nous soyons croisés aujourd'hui. Merci
encore beaucoup d'avoir regardé. Et à la prochaine,
bonne peinture.
Gabrielle Brickey, Portrait Artist - ArtworkbyGabrielle.com
