Dessin baroque réaliste - Volume 2 : la silhouette humaine

1. Cours de dessin baroque réaliste Vol 2 : le corps humain: Bienvenue dans le cours de dessin baroque réaliste. Il s'agit du deuxième niveau de la série Realistic Baroque Drawing. appuyant sur les bases du premier volume, nous passons maintenant à travailler directement à partir de la vie, en développant deux exercices complets de dessin de figures à partir de modèles de vie. Dans ce cours, nous adopterons une approche très différente. Nous n'allons pas étudier la figure humaine de manière analytique ou construite. Au lieu de cela, nous apprendrons à le dessiner directement tel que nous le voyons d'une manière plus intuitive et immédiate. L'objectif ici est de répondre à ce qui se trouve devant nous, en permettant au dessin de se développer naturellement par l' observation et le geste, plutôt que par le biais d'une structure rigide ou d'une proportion mesurée. Nous allons donc approfondir une manière très spéciale de construire un dessin, une approche intuitive, libre, artistique et organique de la représentation du corps humain, étroitement liée à la façon dont le vieux maître baroque travaillait. Tout au long de ce cours, nous effectuerons deux exercices de dessin complets. Et dans le premier exercice, nous dessinerons un modèle de vie féminin au crayon et au pastel sépia, en nous concentrant sur Yasser, l'observation et la construction de tunnels Dans le deuxième exercice, nous allons dessiner un module de vie masculin selon une approche entièrement colorée, en passant du crayon à la couleur, explorant une utilisation plus riche et plus expressive du ton et de la structure chromatique Je vais donc vous guider étape par étape à travers les deux exercices, depuis les toutes premières lignes jusqu' aux derniers détails qui donnent vie à chaque dessin. Nous travaillerons avec des modèles de vie, qui vous permettront d'observer le corps humain de manière plus directe, sensible et expressive. Ce cours est conçu pour ceux qui veulent apprendre à dessiner la figure humaine de manière plus libre et intuitive, en s'appuyant moins sur des formules rigides. Il est important de mentionner que pour profiter pleinement de ce niveau, je vous recommande vivement d'avoir déjà suivi le premier cours de dessin baroque réaliste. Nous nous appuyons directement sur cette base. Pour ce cours, vous n'aurez besoin que d'un crayon, d'une grande feuille de papier et d'un crayon sépia pour le premier exercice Pour le deuxième exercice, nous introduirons des matériaux de couleur, des pastels de couleur Dans le cadre d'un projet de cours, je vous inviterai à réaliser les deux dessins avec moi. À l'aide d'un crayon, de papier et du matériel de votre choix. Ce sera l'occasion non seulement d'observer le processus, mais aussi de vraiment en faire l'expérience vous-même, construisant chaque dessin étape par étape. Vous invite maintenant à entamer cette nouvelle étape du cours de dessin. Le dessin cesse d'être une formule pour devenir une expérience vivante d' accélération et de construction. Je te verrai à l'intérieur. 2. Le dessin féminin à l'origine : Ébauche d'une étude préliminaire ch: Nous sommes prêts à commencer à aborder le corps féminin. Mais avant tout, nous allons connaître le format et le papier dans lesquels nous allons travailler. Je vais choisir le document de fond, le plus grand. Il est particulièrement beau car il a une légère brillance qui permet au graphite de briller plus que d' habitude et d'adhérer plus facilement au papier Comme vous pouvez le voir, nous travaillons également avec d'autres papiers dans le portrait d'Atiller Observez la différence entre les couleurs et souvenez-vous que vous pouvez toujours utiliser la couleur du papier comme si elle faisait partie du dessin. Tout dépend du goût et du style du dessin que l'on souhaite réaliser. Dans le cas du papier que nous utilisons pour ce dessin, il nous permet également de créer des détails plus petits car son grain est beaucoup plus petit. Nous sommes prêts à nous attaquer au corps de la belle Dorothea, mais nous allons d'abord faire une étude de construction pour pouvoir comprendre, grâce à cette première méthode, comment construire la forme générale du corps de manière plus technique Dans ce cas, nous allons dessiner Tor Thea à partir de la projection tridimensionnelle du corps au sol C'est une façon intelligente de construire un corps lorsque vous êtes allongé sur une surface plane. Il faut comprendre que le corps humain est un objet. n'existe pas de théorie pour construire une table ou de théorie pour construire trois. Il devrait donc en être de même le corps humain car tous les corps ne sont pas identiques, malgré le fait que dans la partie théorique, nous avons vu plus ou moins comment aborder les parties du Cela ne fonctionne que comme une idée générale de la façon de visualiser le corps humain. Pour avoir des outils qui font de nous de meilleurs peintres. Mais la vérité est que pendant que nous dessinons, nous pouvons constamment enfreindre les règles. Nous allons essayer de voir le point de vue pour déterminer notre position. Nous pouvons d'abord voir que nos yeux sont à la hauteur de ses yeux, c'est un bon point de référence pour faire notre étude. Ensuite, nous pouvons commencer à représenter par un trait le point de référence de la tête de nos yeux. Disons qu'ils sont juste à cet endroit. Ensuite, à partir de là, il faut sentir et percevoir la forme bidimensionnelle de l'ensemble de la composition que nous voulons réaliser. En d'autres termes, trouvez quelle est la figure géométrique qui constitue la partie la plus générale du corps de Dorothea Ensuite, nous pouvons commencer à dessiner un triangle dont les angles me permettent de connaître plus exactement les proportions du corps, et le triangle me permet également de positionner la tête. Nous pouvons également découvrir la figure géométrique qui se forme dans la partie du meuble. Tout cela fait partie du dessin. Cette méthode me permet de savoir si la composition globale de mon dessin sera suffisamment grande pour le format. Une fois le feu général maîtrisé, nous devons apprendre à positionner les parties du corps sur le sol. Pourquoi ? Parce que lorsque les parties du corps s'éloignent de notre point de vue, elles deviennent une forme. Qu'est-ce que je veux dire ? Je veux dire que les objets qui se trouvent au niveau du torse ne sont pas du même point de vue que tout ce qui se trouve au niveau des jambes ou du masque Cette différence de perspective doit être correctement représentée, et il n'est pas nécessaire de créer une grille de dessin pour y parvenir. Connaissant la position générale de la tête, nous pouvons tracer une ligne qui atteint le bas pour connaître la taille du torse par rapport au sol Après avoir tracé cette ligne, nous devons mesurer le nombre de têtes correspondant à la distance entre la tête et les hanches. Cette mesure nous permettra de savoir exactement où se trouve le sol. À partir de là, nous pouvons tracer une ligne horizontale qui nous permet de sentir le sol et de marquer exactement son emplacement. Remarquez maintenant comment nous pouvons tracer des lignes pour découvrir la position des jambes par rapport à la tête. Cette position des jambes nous permet savoir où se trouve le sol et ainsi de suite, pour essayer de construire toute la surface où se trouve Dorothea Tout cela à partir de la construction du schéma général de Dorothea Nous pouvons continuer à faire des figures géométriques pour connaître la taille des hanches à travers les triangles. Petit à petit, nous allons construire corps entier de Dora Tail en un seul exercice de mise en relation des formes et des angles. Ne vous inquiétez pas pour la précision de cet exercice. Ce n'est qu'un exemple pour avoir une idée générale de la façon de construire le corps à partir d'une figure géométrique générale. Sachant cela, nous sommes prêts à passer à notre travail sur le papier allemand. Notre dessin final que nous commencerons à faire lors du prochain cours. 3. Schéma de construction général: Nous sommes prêts à commencer dans notre journal allemand de luxe. C'est un très beau papier, comme je vous l'ai dit, raison de sa brillance et de son petit grain. Quelle est la première chose que nous allons faire aujourd'hui ? Nous devons observer l'image que nous allons présenter Qu'il s'agisse d'une image esthétique ou d'un modèle vivant, nous devons voir l' image pour apprendre à occuper tout l'espace comme nous l'avons fait dans le dernier exercice. Et d'autre part, savoir si notre composition ou notre image a le bon équilibre ou non. Dans le cas de cette image, l' équilibre est déjà correct car c'est ainsi que je vous l'ai préparée. Mais je vais expliquer pourquoi. Si nous dessinons une ligne verticale qui divise l'image en deux moitiés complètement égales, nous pouvons voir que le visage de Dorothea n' est pas juste au milieu C'est dans la moitié droite ou légèrement vers la droite. Cela est dû au fait que la vision humaine est noculaire. C'est-à-dire que deux yeux sont vus en même temps. Par conséquent, notre esprit n'utilise qu'un œil pour concentrer son attention et l'autre œil en guise de compliment. L'esprit trouve beaucoup plus confortable de contempler une image qui facilite ce phénomène Si nous divisons l'image en neuf carrés égaux, nous pouvons trouver ces quatre points de rencontre où nous pourrions placer l'élément principal de la composition afin qu'il ait le bon équilibre. Si vous regardez attentivement, visage de Dorothy est proche de la pointe 5 et vers la droite Nous allons ensuite appliquer ce que nous avons fait dans la dernière étude du croquis, en construisant une figure géométrique générale qui représente la composition et remplit toute la toile. N'oubliez pas de diviser cette ligne dans la mesure de la tête pour savoir combien de têtes correspondent à la position des hanches. Cette mesure permettra non seulement de savoir où se trouve le sol, mais également de le relier aux autres éléments de la composition. C'est un outil utile dans le processus de construction. À partir de ce point, vous pouvez essayer de créer différentes figures géométriques qui se forment entre les différents objets de la composition. Nous pouvons faire autant de chiffres que possible pour trouver la distance entre les objets et la bonne proportion. Nous pouvons également tracer d'autres lignes verticales pour continuer à découvrir où se situent les différentes parties du corps. Nous pouvons continuer à dessiner le corps entier de Dota de cette façon, mais nous pouvons également nous aider nous-mêmes en construisant la figure géométrique tridimensionnelle qui constitue tout l'espace où Dorothea C'est un pipero parallèle. Ce n'est pas parfait, peut-être seulement le bon côté, mais c'est juste pour vous montrer que cela peut aussi être un outil de construction, car ainsi, nous pouvons mieux ressentir le sens de la perspective de l'image. Nous pouvons voir à quel point les jambes de Dorothea devraient paraître plus grandes que son torse lorsqu'on dessine Nous continuerons de nous appuyer sur ce schéma initial dans le prochain cours. 4. Construction du corps et de la main gauche: Nous allons continuer à construire le corps à partir de cette technique. Notez que je n'ai pas besoin de créer une peau générale pour chaque partie du corps, comme nous l'avons vu dans le cours théorique Continuez simplement à relier les angles. Il est important de noter les lignes de construction. Il faut essayer de ne pas avoir peur de tracer plusieurs lignes de construction car le cerveau choisira automatiquement celle qui ressemble le plus au modèle à la fin de la construction. Nous devons évidemment entraîner notre esprit à acquérir cette sensibilité, mais c'est la fonction de l'esquisse. C'est la fonction de tracer plusieurs lignes lorsque nous essayons de découvrir la forme d'une partie du corps. La perspective doit être ressentie avant tout dans les extrémités Voir, par exemple, la forme générale de la main par rapport à la tête. Il doit être gros car la main est plus proche de nous que la tête, évidemment. Nous devons dessiner la figure géométrique générale qui constitue la main de la même manière que nous l'avons fait pour le corps au début, reliant toujours les angles pour atteindre la précision. Il en sera de même pour les pieds. La partie avant du pied doit paraître plus grande que le talon pour les pieds de la perspective. Cela est dû au fait le contour en perspective a été correctement défini au début du dessin. En revanche, si nous savons que les orteils sont en contact avec le sol, nous avons déjà un autre point de référence pour continuer à décrire la surface sur laquelle Dorothea est allongée Dessiner en travers les angles est non seulement important pour construire les parties du corps, mais aussi pour évaluer correctement les ombres Si nous examinons attentivement l'ombre générée par la béquille, cette ombre est la même que celle générée, par exemple, dans les cheveux, et c' est un excellent point de référence pour savoir si la relation entre l' obscurité et la lumière est correcte dans le dessin ou Nous allons continuer à avancer dans la construction de notre carrosserie et du mobilier adjacent. Regardez-moi continuer à tracer des lignes pour découvrir une inclinaison et son lien avec les autres éléments situés près de Dor Thea Je vais donc construire correctement un masque, le meuble et le tissu qui recouvre ce meuble. Pour calculer les dimensions de l'armoire, il suffit de mesurer l'angle entre le coin supérieur gauche et le coin inférieur droit Tant que nous détectons bien l'inclinaison, nous pouvons corriger ce type de boîte. Pour découvrir la forme arrondie correcte des muscles, nous pouvons tracer de petites lignes avec de petits angles d'inclinaison. Il est ainsi plus facile de détecter la bonne forme. Nous devons essayer de sentir le lien entre les os, la clavicule et l'épaule D'autre part, nous devons commencer à représenter le dégradé d'ombre à travers la ligne. C'est-à-dire que la quantité d' ombre et de lumière doit être représentée sur la ligne, en ajoutant plus ou moins de graphite. Essayons de représenter le muscle de l'abdomen de Dot. Nous pouvons dessiner ses abdos en capturant la forme exacte du bord du corps. Remarquez comment les bords exacts nous permettent capturer le muscle des bras avec précision. Il faut être très précis pour obtenir le bon effet. Voyez comment les os de l'épaule se connectent aux os de la clavicule Cela doit être ressenti et représenté. De la même manière, tous ces os se connectent au cou. Nous pouvons utiliser l'inclinaison de ces os pour avoir points de référence afin d'ajouter de précision à la structure de la partie supérieure du torse Avec la béquille, nous pouvons commencer à dessiner les ombres pour renforcer la sensation arrondie de la jambe et la forme spécifique de ses muscles Ce serait une petite approximation du gradient. Cette zone de la jambe est très utile car si vous regardez bien, elle contient presque toute la gamme de nuances qui apparaissent sur le corps. Nous allons maintenant essayer de souvenir de tout ce que nous avons vu dans les cours théoriques, non seulement dans ce volume, mais également dans le précédent. Nous allons construire une main à partir d'une structure générale. À partir de cette structure générale, nous développerons les petites structures des doigts pour sentir la forme générale de la main. À partir de ces points de référence, nous allons construire les courbes qui forment chaque doigt lui-même. Dans Devaroq, le coût d'un portrait augmentait si vous deviez inclure les mains dans le Nous l'avons déjà fabriqué à la main. Cependant, nous continuerons à l' améliorer au fur et à mesure que le dessin avance car la forme finale ne sera prête qu'une fois les ombres appliquées. Il est important que la largeur de la main soit visible sur la peau de la jambe. Toutes ces sensations feront passer un dessin à un niveau supérieur. Nous continuerons à travailler dans le prochain cours. 5. Tête et main droite: Continuons avec la main droite. Je pense que la meilleure façon de comprendre la construction d'un élément est de passer du plus grand au plus petit. Dans le cas de cette main, créez une forme générale puis découvrez les formes spécifiques de chacun des doigts. Nous pourrions appliquer cela non seulement à cette main, mais aussi à la même durée de vie en acier que celle des meubles. Essayons de remplir le dessin en général, vos formes, vos reliefs Nous allons passer au dessin des pieds. N'oubliez pas qu'il est plus important que de renforcer les orteils, c'est que la sensation au loin soit attrayante. Sur notre image, les pieds sont partiellement ombrés, les détails ne sont donc pas si importants. intéressant à propos ce volume deux, c'est que nous allons maintenant rafraîchir nos connaissances sur le premier volume de Bay Attie, le portrait Nous allons essayer d'appliquer la même relation d'angles pour construire cette phase. Nous devons essayer de tracer les différentes surfaces qui constituent le volume de la phase. Si nous marquons chacune des ombres comme une figure umétrique, nous construirons une tridimensionnalité de la phase faut être très patient car dans ce cas, l'espace est restreint et la marge d'erreur est également assez faible. Nous pouvons également nous aider en traçant éventuellement des lignes verticales qui nous aident à découvrir si la position des différents éléments de la phase est correcte. Prêtez attention à ce détail. Si vous regardez attentivement le septum du nez, la ligne gauche du septum nasal n' existe pratiquement pas Elle n'existe pas parce que c'est le fait de la lumière du point de vue que nous la voyons. Si nous devions tracer la ligne, cela signifierait que le nez est différent ou que la lumière a une intensité différente. Il s'agit d'une approximation du résultat final de la phase. De nombreux détails sont manquants, mais nous continuerons à les aborder dans les cours suivants. 6. Nuances et finitions : hachures et premiers tons: Nous allons aborder la construction des ombres de ce tissu. Pour générer un effet visuel correct, il faut observer que le point le plus clair du tissu est beaucoup moins lumineux que le point le plus clair de la peau. Qu'est-ce que cela signifie ? Nous devons remplir tout le tissu de graphite afin que la gamme de nuances du tissu soit moins étendue que celle de la peau. Cette gamme de tons est la principale caractéristique de ce type de tissu, le velours. N'oubliez pas qu'il est plus important que d'être exact. Il est plus important qu'il ressemble velours que les plis du tissu soient exacts. De la même manière, cela se produit avec le masque. La brillance et la texture du masque sont plus importantes que la recherche de sa forme exacte. Après avoir réalisé des visages, des parties du corps, ce sera à l'enfant de réaliser cette nature morte car les fruits sont composés de figures géométriques plus régulières. Essayons toujours de prendre plaisir à créer des natures mortes. Parfait. Avant d' aborder les ombres du corps de Doro Thea, il est préférable de les relier les unes aux autres Observez bien chaque ombre du corps et comprenez ce que j'ai déjà dit, si l'ombre qui se trouve sur la jambe correspond celle de la tête ou à celle d'une partie du bras, nous devons appliquer la même quantité de graphite à cet endroit afin d'obtenir un ton général plus professionnel. Nous allons maintenant ajouter un matériau supplémentaire pour obtenir une finition plus intéressante. Je vais utiliser une craie pastel douce pour ajouter un ton sépia à la peau Vous pouvez choisir la tonne de sépia que vous souhaitez. Dans ce cas, je vais appliquer le ton ocre avec un peu de crème, et je vais aussi le mélanger avec du blanc Une fois mélangés, il faut écarter les doigts avec le choc et l' appliquer sur la peau, en particulier dans les zones de tons intermédiaires. Vous pouvez appliquer autant d' enduit que vous le souhaitez, mais attention à ne pas détruire les ombres créées avec le graphite Il est important de savoir qu'il ne s'agit pas d'un effet de couleur. Les couleurs fonctionnent complètement différemment, et nous le verrons dans le prochain dessin bien plus tard. Le choc que nous ajoutons fonctionnera dans le cadre de cet exercice, qui dans ce cas ne comporte que deux couleurs. Vous pouvez expérimenter pour obtenir une finition plus classique de votre dessin. Nous avons déjà distribué tous nos chocs. Ce n'est pas la finition finale. Il est simplement appliqué pour pouvoir jouer avec lui plus tard. Désormais, nous pourrons utiliser le crayon à effacer pour créer des lumières sur la peau, en utilisant la couleur et la luminosité du papier lui-même dans le cadre du dessin Mais nous verrons tout cela dans le prochain cours. 7. Tons profonds les plus: Nous allons commencer par mieux travailler sur la couleur de peau de Dortea Pour y parvenir, il faut essayer de faire disparaître les lignes du corps ou du moins faire le fort pour les faire disparaître. Cela ne signifie pas que nous allons complètement faire disparaître les hachures, mais nous essayons de les flouter autant que possible pour que le dessin reste plus lisse La ligne elle-même ne devrait pas exister. Les lignes doivent être le résultat de la différence entre un objet et autre ou entre une ombre et une autre. Il y a un détail très important lors de la création de ces ombres, elles sont presque imperceptibles En fonction de la surface, de l' endroit où se trouve l'ombre et même de la forme de l'objet sur lequel nous appliquons les ombres, nous devons essayer de le dessiner dans la direction de l'objet, essayant de faire une hachure qui simule la forme et la surface que nous dessinons Cela aidera à obtenir un rendu correct de l'effet de surface. Observez l'évolution du dessin. Vous pouvez déjà remarquer un aspect beaucoup plus tridimensionnel. Nous pouvons même continuer à ajouter un peu plus de craie dans les zones intermédiaires pour continuer à améliorer le volume du corps Nous allons améliorer la qualité des ombres de l'ensemble du dessin, améliorant les ombres des jambes et des pieds, et en particulier la zone du tissu et du mobilier pour lui donner une très belle apparence. Regarde à quoi ressemble le velours. Sa gamme de tons est beaucoup plus foncée que la peau. Et même si vous pouvez voir le détail du reflet du masque sur la jambe, c'est parce que cette relation de texture est bien faite. Nous allons maintenant passer à la construction du masque, mais nous le ferons dans le prochain cours. 8. : Dernières touches au portrait: Pour atténuer l' effet chatoyant de ce masque, il est important de comprendre que les reflets produisent des sons presque moyens. Il s'agit d'un ensemble de contrastes élevés très bien définis qui génèrent un effet de reflets. Nous allons faire attention à cette partie car non seulement ici nous verrons un objet brillant. Si vous voulez également lire le troisième volume du B Allen in Baroque drawing, nous y verrons également un objet brillant dans une composition. H Remarquez quel point le brillant du masque est beau en ce moment. Nous pouvons continuer à l'améliorer, mais c'est plutôt bon pour l'instant. Si vous vous en rendez compte, essayez de voir le point le plus éclairé du masque et essayez de trouver n'importe où dans le dessin, la peau ou le tissu un point qui semble plus illuminé que cela. C'est le secret des paillettes métalliques. Nous allons maintenant commencer à travailler sur le visage, en ajoutant des détails pour que les ombres révèlent le visage de Dorea Parfait. Regardez ce que nous ressentons déjà Dorothea sur le papier. Il manque encore de nombreux détails comme ceux de la durée de vie du joint, mais nous étions suffisamment avancés pour bien comprendre le dessin du modèle. Il est très important d'être patient et d'essayer de créer votre propre style d'éclosion. Le hachurage est l'empreinte digitale de l' artiste. Ne l'éliminez pas complètement car les émotions du peintre s'y transmettent. Nous continuerons à travailler sur notre dessin dans le prochain cours. 9. Construire l'arrière-plan et les finitions: Avant de passer à la nature morte et aux derniers détails, nous avons quelque chose de très important à faire : l'arrière-plan. C'est l'arrière-plan qui nous permettra de mieux percevoir le volume du corps du bot et de donner des émotions au portrait corporel grâce à l'éclairage. Un bon portrait corporel n'est rien sans un arrière-plan pointu pour le faire ressortir. Nous pouvons nous laisser guider par les lignes de la pièce pour terminer la construction de la surface laquelle Dorothea est assise et sentir les dimensions de l' N'oubliez pas que dans notre image, la lumière frappe davantage Dorothea L'arrière-plan doit donc être plus sombre, ce qui donnera l'impression que la partie où se trouve Dorothea est plus illuminée Vous pouvez même vous souvenir de la pipette parallèle que nous avons construite au début comme point de référence À l' heure actuelle, tout est utile pour créer un arrière-plan. Par contre, ne vous inquiétez pas pour les petits détails. La chose la plus importante dans ce dessin est Dorothea. Le cadre situé en arrière-plan fait partie de l'environnement. simple fait de le représenter de manière créative sera donc largement suffisant Regardez comment la sensation d'espace autour de Dorothea est déjà perceptible C'est incroyable à quel point c'est important. Sentir la profondeur qui se cache derrière Dorothea semble nous aider à ressentir encore mieux le volume de son corps Nous allons essayer d' améliorer les frontières. Ce sont ces frontières entre le corps de Dor Thea et l'arrière-plan Nous améliorerons les détails des mains et des pieds, ainsi que les détails et les ombres de la vie des phoques. Maintenant, notre dessin est pratiquement prêt. Nous finissons de peaufiner les derniers détails, comme ce collier délicat. Dans le baroque, l'éclairage était la chose la plus importante. Vous pouvez l'essayer vous-même, essayant d'attirer des personnes que vous aimez, des personnes importantes pour vous. Tout cela se reflétera dans les éclosions et dans les sensations déchaînées par votre esprit 10. Sketch entre intermède: Cette fois, nous allons faire un dessin en utilisant notre imagination, en utilisant la technique des angles, utilisant ce que nous avons appris dans le portrait de Dortea Et cette référence au schéma structurel, ce que nous avons dans le coin supérieur droit. Je dois avouer que j'ai eu l'idée de faire cet exercice avant Dortea, mais je pense que c'est mieux maintenant Nous avons déjà abordé le portrait féminin à partir d'un modèle, et nous allons maintenant en faire un imaginaire. Je crois avoir parlé cet exercice pendant le portrait de Dorothea Je ne me souviens pas exactement, mais le fait est qu'il vaut mieux voir cet exercice en ce moment. Nous allons construire un corps de femme couché sur un lit. Nous allons créer non seulement le corps, mais aussi un espace rempli de tissus comme ceux que nous avons vus lors de l'exercice de Dorothea Voici les dimensions de notre toile. C'est assez petit, mais peu importe, contrairement à l'exercice de Dorothea, nous n' allons pas le construire à partir d'un chiffre général N'oubliez pas qu'il existe deux manières de faire un dessin. La première est une figure générale dont l'intérieur a la forme spécifique de l'objet, qu'il s'agisse d'un corps humain ou autre. Et la deuxième méthode est ce que nous allons faire maintenant. Construisez le corps entier à partir d'une zone spécifique du corps. Dans ce cas, ce seront les hanches d'où grandira notre dessin. À partir de la technique des angles, je vais construire l'espace des hanches. Essayez de remarquer que je dessine une figure similaire à celle l'image ci-dessus et à droite Dans ce dessin, nous allons nous concentrer uniquement sur le corps, pas sur les détails des mains, des pieds ou du visage, mais uniquement sur la structure du corps, les dégradés et le tissu L'idée de faire cet exercice est comprendre que lorsque nous construisons des dessins à partir de notre imagination, nous travaillerons toujours avec un schéma dont nous nous souvenons déjà. Dans ce cas, c'est le schéma que nous voyons dans le coin. Par conséquent, notre dessin ressemblera à ce skim, et ce skim ou un dessin similaire pourrait être utilisé par une autre Par conséquent, notre dessin ne sera pas aussi original. Cependant, si nous avons dessiné de nombreux types de femmes que nous sélectionnons nous-mêmes et que nous nous en souvenons très bien, lorsque nous allons créer un corps imagé, celles-ci souvenons très bien, lorsque nous allons créer un corps imagé, constitueront une référence et donneront une touche originale à notre travail Si vous voyez l'image ci-dessus, il y a une zone de vallée bien définie. C'est mon point de référence de base à partir duquel tout grandit. Au niveau de la poitrine, nous pourrions être un peu créatifs. Il existe de nombreux types de pain, et même entre eux, ils ont des tailles différentes. Nous pouvons avoir comme référence le travail que nous avons fait avec Dortea pour expérimenter ici Je pense qu'un aspect fondamental est que, quel que soit le point de vue où nous les voyons, le poids doit toujours être ressenti lors de la chute du sein. Ne pas regarder doit également être ressenti. Un autre élément extrêmement important est de définir la direction de la lumière avant même de réaliser le dessin. Dans ce cas, la lumière vient de gauche à droite et légèrement de haut en bas, comme cela devrait être fait dans la plupart des cas, comme nous l'avons appris dans le premier volume. N'oubliez pas que vous pouvez utiliser la lumière différemment pour générer d'autres émotions. Mais c'est une façon classique de l' appliquer pour donner à votre dessin le meilleur aspect possible. Remarquez que la zone droite du sein doit être plus foncée pour nous donner l'impression que le bras bloque la lumière. Tous ces détails parlent de la direction de la lumière. Parfois, il n'est pas nécessaire d' indiquer explicitement la direction de la lumière dans tout le corps. Certains détails importants parlent de l'environnement dans lequel se trouve l'objet, qui dans ce cas peut être une pièce avec un apport de lumière. Dans le cas du tissu, nous pouvons simplement nous souvenir des plis et des plis du tissu, en essayant de les créer librement car nous n' avons pas de référence. Je fais cet exemple pour vous montrer comment nous fabriquons les tissus à partir d'un exercice imaginaire. Notez à quel point il est important de croiser les hachures pour générer différents dégradés spécifiques Les possibilités sont nombreuses , car en plus de cette méthode, cette méthode, nous pouvons utiliser les doigts ou le mixeur pour lisser les éclosions Pour améliorer les lumières et les gradations, nous pouvons utiliser le mixeur comme dans ce cas, et retirer le graphite pour ajouter de la lumière au dessin DT Le plus intéressant est qu'en fonction de l' intensité que nous appliquons, nous pouvons éliminer plus ou moins de graphite selon nos critères. Et voici notre dessin rapide. Remarquez le dégradé. Remarquez la forme du corps et comment, avec les différentes nuances de gravite, nous pouvons lui donner l' impression qu'il s'agit d'un tissu ou de la peau elle-même. L'éclosion est importante car elle n'est pas complètement floue Et même au loin, cela a réussi à avoir un effet assez attractif. Cette hachure a commencé à être utilisée au baroque, mais elle a ensuite transcendé les temps et atteint les Une fois l' appareil photo inventé, il ne sera plus nécessaire représenter la réalité comme le faisait l'appareil photo, mais à travers les taches pour obtenir cet effet réel. Au prochain cours. Moi 11. Début du dragon masculin : Créer les pattes et le manteau: Parfait. Nous allons maintenant travailler sur cet autoportrait en taille réelle. Voici notre toile, un papier à dessin d'épaisseur moyenne qui nous permettra de dessiner facilement et en douceur. Le format est assez large, ce qui nous permettra d' inclure tous les éléments qui nous aident à raconter des choses sur ce personnage. C'est le plus important. La particularité de cet autoportrait est donc que nous allons le faire d'un point de vue créatif. Nous allons nous inspirer du Caravage. Les grands maîtres, en particulier dans cette œuvre, puisque nous n'allons pas nous limiter à dépeindre uniquement le corps, mais aussi les éléments entourent qui nous en disent long sur ce personnage Je vais laisser ces éléments pour la fin, car nous voulons nous concentrer pour le moment sur la construction du corps. Un autre aspect intéressant de cet autoportrait est que nous allons transférer le langage du graphite au langage du pastel sec, peu comme le processus par lequel un peintre commence à créer un chef-d'œuvre. Examinons donc attentivement le modèle pour imaginer comment il devrait être représenté sur le papier. Parfait. Cette fois, nous n'allons pas faire un aperçu général du corps. Commençons par les hanches, la forme des hanches. À partir de là, notre dessin grandira. Nous allons relier les formes, la taille des hanches, la taille du tissu et les jambes afin d'avoir un point de référence de qualité et de pouvoir appliquer correctement la technique des angles. Commençons par les hanches car cette zone contient le manteau et les jambes. Tous ces éléments seront de petits points de référence pour construire correctement les formulaires. Si nous pouvons faire cette partie correctement, nous économiserons beaucoup de travail pour plus tard. N'oubliez pas que vous pouvez faire des erreurs. C'est le moment de le faire. Si vous voulez mettre cette expérience en pratique, vous devez être prêt à faire des erreurs et à essayer encore et encore. C'est le véritable processus par lequel peintres qui travaillent à l'huile ont commencé à réaliser leurs peintures. abord, un tamponnage est fait avec du graphite ou du charbon de bois, puis les couches d'huile sont appliquées Et observez comment j' applique la technique des angles dans son expression la plus élémentaire, la première chose que nous avons vue dans le premier volume, mise en pratique pour réaliser un travail beaucoup plus sophistiqué et raffiné. Cette fois, je vais éviter le tabouret. Nous allons dessiner le corps. C'est la seule chose qui compte pour ce travail. N'oubliez pas que vous pouvez tracer de nombreuses lignes. Notre esprit choisira les dernières lignes au fur et à mesure que nous avancerons dans la noyade Il est important de tracer de nombreuses lignes pour que nous puissions appliquer correctement la technique et. Il est important de tenir compte du fait que comme nous allons travailler avec des pastols secs plus tard, nous ne pouvons pas ajouter trop de graphite à la vapeur Le graphite lui-même empêche le choc passé de s' accumuler sur le papier Par conséquent, nous devons créer des lignes lisses et une grande échelle illuminée pour éviter des problèmes ultérieurs. Dans ce cas, l'huile est très différente car c'est un liquide qui recouvre les particules de graphite. Pour ce qui est de la forme du manteau, il faut apprendre à interpréter le tissu. n'est pas nécessaire que la forme du tissu soit exactement celle que nous voyons, suffit qu'elle soit approximative et qu'elle ait l'air suffisamment vraie. Ni les gens ni nous ne concentrerons notre attention sur le fait que c'est la même chose que le tissu du modèle, c'est très différent de représenter un visage Dans ce cas, nous allons nous rapprocher de la forme que l'on voit, tout gardant un point de vue créatif sur l'effet visuel final. Rappelez-vous toujours de relier la taille des éléments du corps pour trouver les proportions appropriées Par exemple, combien de bras peuvent être placés entre les bras et les jambes ? Combien de bras s'adapteront à la largeur du tissu. Aujourd'hui, nous serons non seulement en mesure de créer un bon dessin, mais aussi de profiter du processus de construction. N'oubliez pas que de temps en temps, nous pouvons nous arrêter et observer le dessin. Il est important de bien observer ce que nous faisons. Par exemple, vous pouvez voir ici que la largeur des hanches n'est pas complètement similaire à celle du modèle. Nous pouvons donc le corriger au dos pour obtenir une taille approximative réelle. La courbure du tissu au dos doit générer la perspective et la profondeur du dessin. Vous devez faire attention à ces lignes pour obtenir le bon effet. Parfait. Nous avons déjà le contour et la forme générale du manteau et du torse Ils sont au centre du dessin, je crois que nous pouvons continuer à corriger leur forme au fur et à mesure que nous progressons, mais c'est un excellent point de référence pour construire le reste du dessin N'oubliez pas que nous appliquons les connaissances que nous avons déjà vues jusqu'à présent dans l'autre volume. Mais même si c'est la première fois, faites très attention à la relation entre la forme des parties du corps. À partir de maintenant, nous allons passer au cours suivant où nous allons construire le reste des parties du corps. 12. Construction du visage et des mains.: Et nous allons maintenant passer à la construction de la phase. Et qu'est-ce qui est le plus important ? Plus important que de capturer la forme originale du modèle lui-même à l'époque baroque, il était encore plus important capturer la propagation du Parce qu'il fallait raconter une histoire. Si vous pouvez remarquer le visage du mannequin, il y a une certaine expression de protection, comme si vous voyiez quelque chose qui pourrait constituer une menace, alors c'est notre personnage, le protecteur. Imaginons quelqu'un qui a remarqué qu' un grand danger approche et qui le voit au loin. Examinons attentivement le visage de notre modèle pendant quelques secondes, réfléchissons à ses formes et à ses lignes. Nous allons utiliser la poitrine pour obtenir la bonne forme de tête. Si nous avons déjà la partie supérieure de la poitrine, correcte ou construite, ce point de référence est de grande qualité. Par conséquent, cela nous aidera à connaître la position exacte du menton et du cou. Regardez le triangle qui se forme dans la partie visible de la poitrine Plus nous verrons de triangles, plus nous aurons d'outils pour construire le dessin. Si nous dessinons des lignes qui touchent différentes parties du visage, nous pouvons voir non seulement l' inclinaison du visage, mais aussi les caractéristiques du visage lui-même par rapport à cette ligne. C'est également un excellent outil pour établir des liens entre les distances. Mm. Lignes générales, les yeux doivent être placés sur la même ligne. Cependant, il est évident qu'en raison l'angle sous lequel nous regardons le visage, cette ligne deviendra une courbe car elle doit s'adapter à la forme sphérique de la tête. Voyons cet exemple. Ici, nous avons ces yeux, et ils devraient être alignés sur une ligne générale qui les relie, par exemple. Cela peut arriver, et en fait, nous l'avons vu dans le volume des portraits, mais ce n'est pas une constante. Cette ligne ne passera pas toujours parfaitement entre les deux yeux. Parfois, en fonction de la forme individuelle des yeux du mannequin, cela peut changer, en fait, car les yeux peuvent être en forme d'amande vers le haut, parfois descendant légèrement vers le bas comme dans le cas des personnes, par exemple Cela dépendra non seulement des caractéristiques individuelles de la personne, mais de l'expression elle-même. En revanche, cela se produit exactement de la même manière avec la position de la bouche. De nombreux théoriciens vous diront que la ligne de la bouche est exactement la même que celle des yeux C'est parfois totalement faux, car la plupart d'entre nous ont un côté de la bouche légèrement orienté vers le haut ou vers le bas. La raison pour laquelle ces théories existent est qu'à l'époque de la Renaissance, le processus d'industrialisation commençait et qu'il était nécessaire trouver une théorie qui aiderait peintres à construire rapidement des visages, à les reproduire rapidement. C'est la raison pour laquelle la plupart des visages des anges et des personnages de la Renaissance se ressemblent. Dans le baroque, cela commence à changer car visages plus réels ont commencé à être représentés avec de vrais défauts et expressions. Ici, vous pouvez voir beaucoup mieux la ligne sphérique dans laquelle les yeux sont positionnés. Les cheveux peuvent également nous aider beaucoup à comprendre la forme de la tête, en particulier les zones où les cheveux entrent en contact avec le visage. est l'un des éléments du visage qui nous aident à exprimer front est l'un des éléments du visage qui nous aident à exprimer l'émotion d'inquiétude ou de vigilance Le front froncé est essentiel pour exprimer cette émotion. Apprendre à le reconnaître nous permettra de le dessiner correctement entre les yeux. Même jouer avec elle pour exagérer l'expression est une grande compétence que nous pouvons acquérir en dessinant un dessin après l'autre Cela doit être pris en compte lorsque nous allons appliquer le pastel shock. Sur le front, certains muscles ressortent lorsque nous exprimons cette inquiétude, et il est également évident que chaque expression est différente dans chaque modèle. Le Caravage a dessiné des centaines de modèles et de personnes au cours de sa vie, ce qui lui a permis d'avoir une sauvegarde d' informations en tête à utiliser dans son travail créatif N'oubliez pas qu'il s'agit d'un croquis. La forme finale sera réalisée avec du pastel shock. Nous continuerons de voir notre modèle pour nous rapprocher de la forme finale. Puisque nous avons une idée du visage, comment être sûr que la tête est de la bonne taille ? Nous pouvons voir combien de têtes se situent entre la distance entre la tête et les hanches, par exemple. Nous allons maintenant passer à la forme de la main, mais nous allons nous concentrer sur la forme générale, pas sur les ombres, juste sur la forme générale pour obtenir la bonne taille par rapport au bras. Examinons la main pendant quelques secondes pour saisir sa forme. L'autre main est également très importante. Nous pouvons utiliser la figure géométrique générale qui décrit la main pour déterminer sa forme réelle. N'oubliez pas que la perspective doit être ressentie, c' est-à-dire que le doigt le plus éloigné doit être perçu comme étant plus petit que le doigt le plus proche. Pour déterminer la taille du pied, nous pouvons utiliser comme référence la distance entre le manteau et le talon En observant bien cette distance, nous pouvons établir les proportions correctement. Rappelez-vous que dans le cas des pieds, la taille générale et la sensation que nous voyons au loin sont plus importantes que se concentrer sur les détails des petits orteils. Nous irons au prochain cours pour continuer à donner des détails. 13. Schéma d'ombrage, détails et début de couleur.: OK, commençons à marquer les ombres. Nous devons essayer de ne pas atteindre le maximum d'obscurité dans les ombres les plus fortes. Comme je vous l'ai déjà dit, nous allons travailler avec pastel Shalklota et cela peut nous poser des Cependant, cela ne signifie pas que nous ne pouvons pas avoir un bon dégradé de gris. Souvenez-vous de l'éclosion du drone. Lorsque vous maîtrisez suffisamment la technique, vous pouvez faire l'éclosion dans différentes directions Cependant, selon vos goûts, vous pouvez continuer à le faire dans un seul sens. Notez la quantité de superbes tons que je donne sur le visage. Nous devons utiliser ces tonalités comme guide pour travailler plus tard. Il faut apporter le plus de détails possible pour fixer avant tout l'expression du visage. Il faut être sûr dans le dessin de ce que sera l' expression finale d'un personnage. Même si cela semble appuyer fort sur le crayon, ce n'est pas le cas. C'est le grand effet qui provoque cette sensation. Parfait. Nous sommes alors prêts à commencer à appliquer la couleur. Que devons-nous faire alors ? Nous allons examiner attentivement notre modèle et bien comprendre l'éclairage des zones éclairées elles-mêmes. D'où vient la lumière ? Nous pouvons remarquer que la lumière vient de gauche à droite, éclairant la zone des épaules, les jambes, le dos du manteau C'est plus important que vous ne le pensez car cela nous permettra de répartir correctement le pastel sur la toile. Ensuite, il faut choisir une couleur de base car la craie pastel fonctionne un peu comme la peinture à l'huile. Qu'est-ce que je veux dire ? La peinture à l'huile fonctionne en couches. Il existe une couche de base qui est ensuite mélangée d'autres couches afin d'obtenir la couleur spécifique dont nous avons besoin. Le pastel fonctionne de la même manière. Ses très petits pigments vous permettent de mélanger les couleurs manière très similaire à la différence qu'il ne s'agit pas d'un liquide. Mais pourquoi travailler avec du pastel ? La particularité du pastel est qu'il est difficile de réaliser très petits détails en raison des caractéristiques des barres et des crayons Par conséquent, notre dessin et nos décisions doivent être exacts et précis pour obtenir d'excellents résultats. Alors, qu'allons-nous faire ? Tout d'abord, choisissez une couleur pour les parties éclairées. Nous allons appliquer cette couleur uniquement dans les parties éclairées sans toucher les parties ombrées du dessin. Vous pouvez l'appliquer dans la partie ombrée, mais de manière très, très douce. Mais je ne le recommande pas car contrairement au graphite ou au dessin en noir et blanc, les différentes nuances de lumière et d'ombre la couleur du dessin ont des couleurs différentes. C'est-à-dire que la couleur des ombres n'est pas la version la plus sombre des zones claires C'est la différence avec le précédent exercice de portrait de Dortea Ici, on est vraiment dans la couleur. Par conséquent, les ombres générées sur le visage ont une couleur complètement différente. Après avoir appliqué la couleur des zones éclairées, nous en appliquerons une autre pour les ombres. Remarquez ici comment se produit ce que j'ai mentionné précédemment. Je choisis différentes couleurs pour différents types d' ombres sur le front. Cette gamme peut même être créative. Bien sûr, il faut avoir un sens esthétique, un bon mélange de couleurs dans une certaine logique, mais vous pouvez utiliser la créativité et générer une sensation tout à fait réelle. Dans le cas de Carvaggio, il n'a pas toujours utilisé de couleur claire pour la peau Parfois, l'éclairage générait une projection de plusieurs couleurs sur la peau, dont les pieds ne pouvaient être représentés qu' avec des couleurs différentes. Nous devons surtout tenir compte fait que nous pouvons choisir le point le plus éclairé de tous sur la peau où la lumière frappe directement. Nous pouvons utiliser cette couleur du papier pour représenter cette intensité de lumière. Mais je recommande qu' à moins qu'il n'y ait aucun objet plus illuminé que la peau dans la composition, nous n'arrivions jamais à la couleur du papier. Réservons la couleur du papier aux zones les plus claires de l'ensemble du dessin Fais attention à ta main. Ne posez pas votre main sur le papier car vous pourriez gâcher le dessin avec votre mauvaise main Contrairement au graphite, Shalk n'adhère pas aussi fortement au papier Toucher le papier peut donc détruire votre travail. Essayez d'utiliser quelque chose pour soutenir le bras. Dans le baroque, ils utilisent un outil appelé tanto pour soutenir le bras lorsqu'ils peignent Oh, remarquez comment j' applique la couleur sans ajouter de détails, identifiant simplement chaque ombre avec couleur spécifique dans une version plus bleue du dessin en général Au fur et à mesure que nous ajouterons de nouvelles définitions, cela changera et les détails apparaîtront. Nous devons avoir une vision générale de la gamme de couleurs pour comprendre le langage des franes que nous sommes en train N'oubliez pas que nous créons une gamme exclusive d'œuvres pour les couleurs spécifiques que nous avons choisies. Par exemple, comprenez que la couleur que je vois ici est plus ou moins similaire à celle que nous trouvons dans cet autre endroit. Une fois que nous avons déjà une zone de plages définies, nous pouvons commencer à appliquer les détails. Pour réduire cela, nous pouvons utiliser la couleur blanche, la couleur blanche pour créer une meilleure sensation et mélanger chacune de ces couleurs. Non seulement la couleur blanche, mais la gomme elle-même peuvent être un excellent outil pour atteindre cet objectif La gomme peut nous aider à éliminer les excès et même à clarifier n'importe quelle partie La gomme peut également augmenter le choc. Cependant, selon le papier, nous devons utiliser une gomme souple au cas où nous voudrions effacer sans endommager le papier Mélangez également les couleurs avec le mixeur pour que les transitions soient professionnelles et réelles. Il est probable que ce soit le premier. Nous pensons que ce sont des sports ou des taches. Mais une fois que nous aurons généré les transitions correctes, nous pourrons voir la peau. Observez comment la texture et la surface de la peau du dos sont générées. Nous continuerons à travailler là-dessus plus tard, mais nous pouvons maintenant passer au cours suivant où nous appliquerons de la couleur sur le visage et les cheveux. 14. Couleur : visage, jambes et cheveux hair: Nous allons continuer à mélanger les couleurs que nous appliquons au visage lors du dernier cours Il faut être très patient dans ce processus. C'est beaucoup plus lent que de travailler avec du graphite. N'oubliez pas que vous devez appliquer une couleur spécifique pour chaque ton. C'est le seul moyen de générer l'effet visuel des différents tons de peau. Remarquez comment j'utilise comme référence la façon d'appliquer le choc sur le bras pour donner de la couleur au visage. Voyons les détails. Les zones les plus sombres sont une sorte de rouge, les plus claires, la couleur crème, et le ton intermédiaire est une sorte de gris ou de bleu Ce mélange de couleurs n'a de sens que parce qu'il est appliqué correctement et crée un effet visuel pour nous. Cela se produit parce que nous devons avoir la sensibilité nécessaire pour capturer les différentes couleurs au sein d'une même couleur afin de les identifier et de les représenter correctement. Plus tard, nous ajouterons une autre couche de couleur pour ajouter de la profondeur. Je regarde à quoi ressemble déjà notre peau. Remarquez que ce sont apparemment des couleurs différentes de celles du modèle, mais c'est la relation entre les couleurs qui les rend similaires, mais d'un point de vue plus intéressant. C'est la magie de la couleur. Les points de référence sont une manière de créer de l'art. De la même manière, nous les utilisons pour créer des formes. Nous pouvons les utiliser pour créer de la couleur. C'est le secret du langage visuel. La première chose que nous allons faire pour trouver la couleur des cheveux est de choisir dans le dessin un point de lumière de référence, une couleur qui puisse correspondre aux nuances et aux tons des cheveux. Par exemple, nous pouvons voir les couleurs que nous avons utilisées pour créer la couleur claire du dos, la partie éclairée du dos. L'idée est que la gamme que nous utilisons tout au long du dessin a une relation logique et qu'elle nous permet de créer une atmosphère esthétique dans le dessin. D'une certaine manière, c'est la même procédure pour construire le reste du corps. Mais dans les cheveux, nous allons ajouter une couleur de base qui peut être cette couleur claire, puis ajouter le reste des ombres au fur et à mesure que nous progressons dans le dessin. Un conseil très important lorsque vous utilisez pastels durs et mous est que pour remplir de grands espaces, il est préférable d'utiliser des pastels souples pour deux raisons principales Tout d'abord, ce sera beaucoup plus rapide, et deuxièmement, nous endommagerons beaucoup moins le papier. Le pastel dur projeté dans les crayons égratigne beaucoup plus le papier crée des rainures Une autre raison importante est qu'il est très ennuyeux de devoir aiguiser le crayon tout le temps. La pointe se brise facilement et s' use également beaucoup plus rapidement. Essayons d'utiliser les crayons pastel pour les petits détails Une chose importante à garder à l'esprit en ce qui concerne les cheveux est que vous devez sentir votre lecture du mouvement et de la forme des cheveux. En fait, au loin, il est difficile de percevoir la forme précise des cheveux. Mais si nous nous rapprochons du modèle, nous pouvons voir en détail comment les cheveux bougent, et ce mouvement et cette forme, nous pouvons les représenter plus facilement Les cheveux fonctionnent un peu comme le tissu. Il n'est pas nécessaire que ce soit exactement pareil. En décrivant correctement le type de cheveux et la coiffure, nous obtiendrons un bon résultat N'oubliez pas que vous devez faire chaque mèche de cheveux une par une. Dans le cas des crayons pastels, il faut avoir beaucoup de patients et aiguiser soigneusement le bout des crayons afin de préserver la netteté de la pointe le plus longtemps possible. Le crayon effaçable est également très utile dans ces cas car il nous permet d'éliminer le choc la même manière que s' il fonctionnait ou se Remarquez à quel point la sensation est incroyable dans les cheveux. C'est comme si tu pouvais passer ta main dans les cheveux. Bien que nous ajoutions de petits détails aux cheveux, seront beaucoup plus beaux. Les mèches de cheveux ne doivent pas seulement être dans les parties claires, mais également dans les parties sombres. Il est essentiel de le faire pour obtenir le bon effet visuel. Nous allons continuer à y ajouter détails au fur et à mesure que nous progresserons dans le dessin. Pour l'instant, nous allons passer au cours suivant où nous aborderons les couleurs et les nuances du manteau Oui 15. Couleur : le manteau: Nous allons travailler sur le manteau de la même manière que nous l'avons fait pour la peau Nous allons choisir une tonne pour les parties claires et une autre pour les parties sombres. Nous allons aborder le contraste élevé. Juste ces deux parties sans trop prêter attention aux détails pour le moment. Dans le cas des tissus, il est beaucoup plus facile de travailler avec eux que la peau, car le tissu est composé de lignes. Ces lignes marquent la différence entre une tonne et une autre dans la plupart des cas. Cela ne se produit pas sur la peau. Le dégradé est beaucoup plus compliqué. D'autre part, les tissus jouent un rôle très important dans le baroque, car les peintres ont profité de leur incroyable apparence en peinture pour donner une valeur supplémentaire à leur travail et le porter à un niveau supérieur. Découvrez comment, simplement en ajoutant les tons, sans même ajouter les détails, nous pouvons avoir une très bonne idée du manteau Même après le baroque, de nombreux peintres ont apprécié cet effet de création de taches qui forment des peintures entières au loin. Cela fait partie de la magie du dessin et de la peinture. Prêtez attention à ce détail qui est extrêmement important. L'ombre générée par le manteau sur la jambe a une couleur spécifique qui provient de la couleur du manteau lui-même De même, la couleur de la peau se reflète dans la partie du manteau la plus proche de la jambe C'est le secret de la lumière. C'est là que nous comprenons qu'il y a des milliers de couleurs dans objets qui, selon nous, n'en ont qu'une. Ici, nous pouvons voir l' image de près pour constater cet effet du reflet de la peau sur le tissu. Nous allons donner plus de détails au manteau et créer l' effet tridimensionnel que nous voulons Notez l'utilité de cette couleur bleue que j'ajoute ici. Les zones éclairées du tissu ne peuvent pas être les mêmes que les zones éclairées de la peau. faut donc utiliser des couleurs différentes, interpréter différemment les lumières du tissu du manteau. De toute évidence, le manteau est d' une autre couleur et d'une autre texture. Si nous voyons la couleur grise du manteau, qui est en fait une couleur entre le gris et le vert, nous pouvons comprendre pourquoi le bleu est approprié, convient dans ce cas Le ton bleu se situe dans les tons gris. C'est gris avec du vert. Par conséquent, représenter la lumière avec cette couleur est plus que pratique. Remarquez maintenant comment vous pouvez même détecter quel type de tissu il s'agit d'un velours. Il n'y a pas de tibia fort à la surface du tissu. Le contour des couleurs est approprié, convient et a des effets très réels sur le dessin. Cela devrait être beaucoup pratiqué avec de nombreux types de tissus pour s'habituer à chaque style de matière. La perspective est également très importante sur le manteau. Remplir les profondeurs des forts, remplir chaque véritable rainure fait partie de la stratégie qui rend le motif vraiment beau. Nous passerons au prochain cours pour passer en revue plus de détails. 16. Couleur : préparer l'arrière-plan et les détails a: Nous avons déjà avancé dans le dessin, le corps, le teint partiel de la peau, le manteau, le visage J'ai ajouté pour vous d'autres éléments créatifs auxquels nous allons également ajouter de la couleur. La raison d'être de ces éléments est de raconter une histoire à travers ce personnage. N'oubliez pas que cette œuvre est inspirée du caravaco. Vous pouvez voir que j'ai transformé ce personnage en ange, et qu'il y a un enfant en lévitation dans les airs Comme un ange sacré, nous allons finir de fabriquer les ailes. Remarquez les détails de chaque plume et des ailes dans leur ensemble, ainsi que chacun des détails d' arrière-plan Merci Un élément important à prendre en compte pour créer un fond sombre est de faire attention à la quantité de basilic que nous appliquons. Il ne suffit pas d'ajouter une seule couche de choc. Il est nécessaire d'ajouter plusieurs couches pour recouvrir toutes les rainures du papier lors du choc lorsqu'il entre en contact avec le papier. Il est très important que l'arrière-plan soit uniforme dans une seule couleur. Bien entendu, selon le style du dessin, les hachures peuvent être plus ou moins perceptibles Mais en général, il faut mélanger et ajouter autant de couches que nécessaire pour réduire le prix de la couleur mate. De la même manière, si nous utilisons plusieurs couleurs, nous pouvons ajouter les couleurs les plus foncées, puis adapter cette couleur au ton de la couleur que nous ajouterons plus tard Nous allons maintenant travailler ce tissu en mouvement. Remarquez désormais que, contrairement aux tissus que nous fabriquions auparavant, les transitions de couleurs sont allongées avec longues lignes pour indiquer que ce tissu tourne ou flotte dans l'air. Remarquez comment nous évoluons dans notre tissu. Remarquez que je fais la même chose que dans le mental. abord, ajouter les tonalités générales, puis je passerai aux détails plus tard. Notez que la perspective est également visible dans la partie du tissu qui passe derrière notre personnage. Le plus important, c'est que nous pouvons déjà sentir le dessin vivant, une histoire qui commence à être racontée dans le dessin. Et c'est plus important que de décrire la réalité elle-même. C'est ce que j'ai appris toute ma vie auprès du maître du baroque et c'est ce qui me motive à vous les enseigner en ce moment En ce qui concerne le fond, c'est que la couleur Es n'est pas uniforme. C'est-à-dire qu'il n'est pas complètement noir. Différents tons jouent avec les tons sombres afin de mettre en valeur les éléments de la composition. Notez que la direction de la lumière est également indiquée en arrière-plan. Le côté gauche semble plus clair que le côté droit. De plus, dans différentes zones, il fait plus sombre et plus clair pour mettre en valeur certaines parties et pour générer un effet visuel de profondeur dans la composition. Vous pouvez même ressentir beaucoup plus la tridimensionnalité de tous les éléments simplement en ajoutant correctement l' arrière-plan. Observez, dans ce cas, le détail du tissu qui se déplace vers l'arrière-plan. La seule façon d'obtenir cet effet est de faire en sorte que le reste de l'arrière-plan du dessin ne soit pas si sombre. Cela donne l'impression que la plus grande obscurité se trouve dans cet endroit profond où le tissu est caché. L'arrière-plan nous permet également de savoir si les ombres que nous avons appliquées sur le corps sont correctes. Remarquez l'ombre de la jambe arrière. Cette couleur représente l' ombre générée à cet endroit. Par conséquent, si nous montons un peu plus haut sur le torse et que nous voyons l'abdomen, nous nous rendons compte qu'il faut plus d' obscurité à cet endroit pour obtenir l'ombre correcte Il en va de même pour les mains et le bras. C'est la raison pour laquelle, au fur et à mesure que nous progressons dans l'ensemble de notre travail, nous pouvons modifier et améliorer les couleurs but de les rendre mieux intégrées Il en va de même pour le visage. Le côté droit du visage doit également être plus foncé pour correspondre à l' éclairage de l'endroit. Lorsque nous aurons déjà amélioré tous ces détails, nous pourrons aborder la couleur du bébé avec beaucoup plus de précision et un point de référence incroyable car nous saurons déjà quel est le bon éclairage pour l'endroit où l' enfant flotte. Mon oui. Ce jaune que j' ajoute à la peau me permet de créer un meilleur effet tridimensionnel. Si l'éclairage du lieu n'est pas si clair, la peau elle-même n'a pas besoin d'être aussi claire. Même la peau du modèle lui-même n'est pas si légère, ce qui nous aide à le représenter avec une plus grande tridimensionnalité. Si nous utilisons le crayon effaçable, nous pouvons générer des zones couleur plus blanche et ainsi représenter nous pouvons générer des zones de couleur plus blanche et ainsi représenter la luminosité totale produite par la réflexion de la lumière directe Oh, regardez à quoi ressemble déjà l'éclairage dans le corps. Remarquez à quel point la main est incroyable sous le tissu. L'effet au loin est assez bon car la couleur bleue reflétée par le tissu est projetée sur la main elle-même. Je pense qu'il est temps de construire ce garçon mystérieux pour qu'il connaisse le secret de notre histoire. Je te verrai au prochain cours. 17. Ombrer le bébé: S Si nous observons près le corps de l'enfant, nous pouvons constater qu'il ressemble beaucoup à celui d'un adulte la seule différence étant que la quantité de graisse corporelle est plus évidente. Si on oublie au moins la taille de la tête par rapport au corps, c'est comme s'il s'agissait d'un adulte en surpoids. Quels sont les endroits où les graisses s'accumulent ? Eh bien, on peut le voir sous les jambes, par exemple, dans l'abdomen et surtout dans le bas du dos, sous les bras, et c'est ce qui se passe chez l'enfant. Regardez tout ce qui se passe dans ses extrémités et dans son dos Dans le dos, il n'y a pas d'arc, et dans la partie des jambes et des fesses, il y a aussi évidemment plus de graisse Cet exercice est très important car c'est le même exercice pour le corps adulte. De toute évidence, la taille de la tête est beaucoup plus grande. En général, la taille du corps de l'enfant est de quatre à cinq têtes. Cependant, n'oubliez pas que chaque organisme a une particularité. Parfois, dans le baroque, les peintres ont créé des enfants avec des corps plus adultes, mais en gardant les visages angéliques pour transmettre un message précis En général, les têtes des bébés sont beaucoup plus sphériques que celles des adultes. Il est évident que c'est aussi dû à la graisse. Mais dans tous les cas, il est important de connaître ces détails pour représenter l'enfant avec plus de précision ou, comme dans le cas de cette œuvre, pour le construire à partir de l'imagination Je vais essayer de sentir la forme du corps pour tracer les éventuelles ombres qui apparaissent sur les jambes. Pour construire une main, nous pouvons utiliser notre propre main comme référence. Nous voyons la position dans laquelle se trouve l'enfant et nous essayons de la représenter en ajoutant un peu plus de graisse. Nous avons déjà un premier aperçu des ombres de l'enfant. Ce contour est le résultat de la structure légère générale de l'ensemble du dessin. C'est très important. C'est une erreur courante tant chez les peintres que chez les dessinateurs. Dans de nombreux cas, les peintres ajoutent des personnages à la même peinture, et ces personnages ont un éclairage différent. Cela n'a aucun sens car c'est la même lumière qui doit être projetée sur tous les personnages présents dans l'œuvre. Dans ce tableau, la lumière vient de gauche à droite. Par conséquent, l'enfant doit également avoir la même lumière et non seulement cela, mais la lumière doit frapper le personnage principal plus fortement que l'enfant car ce personnage principal est plus proche de la lumière que l'enfant. Maintenant, regardez comment nous pouvons voir le gradient de graphite chez l'enfant. C'est un bon exemple pour remarquer à quel point le dessin est clair avant une peinture. Notez que les parties sombres du dessin ne sont pas trop sombres précisément pour que nous puissions ensuite remplir le dessin à la craie C'est une excellente référence pour choisir les couleurs possibles qui représenteront les ombres sur le corps de l'enfant. Nous continuerons à travailler sur cet enfant lors du prochain cours. 18. Couleur : le bébé: Nous allons habiller de la couleur de la peau de l'enfant. Il faut partir du fait que sa couleur sera un peu plus claire que celle de l' autre personnage. Cependant, nous pouvons utiliser le même personnage adulte pour avoir un point de référence sur la façon dont cela pourrait être la peau de l'enfant. Par exemple, si nous nous concentrons sur les zones les plus claires de notre angle adulte, nous pourrions avoir plus ou moins une idée de ce à quoi pourrait ressembler une peau plus claire. Il existe plusieurs zones éclairées que nous pouvons utiliser comme référence. Nous avons très bien cartographié les ombres de l'enfant. C'est exactement ce que vous devez faire avant de créer une peinture à l'huile, en particulier dans les grands formats. Faisons attention aux zones éclairées par la couleur blanche du papier. Ce seront les zones où le teint sera le plus clair. Remarquez qu'après avoir appliqué cette couleur jaune, je commence à changer le ton de la peau avec d'autres couleurs comme le brun foncé et le blanc. Cet exercice de fixation des couleurs à l'aide d' choc au basilic est une approche extraordinaire de la peinture à l'huile. Je dois vous avouer que très jeune, même si j'adorais peindre, je détestais la sensation de l'huile sur mes mains et son odeur Surtout après de longues heures de travail à la ferme. Une fois que j'ai essayé les amortisseurs au basilic, j'ai perdu ma peur et tout, et j'ai fini par tomber amoureuse de la peinture pour toujours. Je ne sais pas si vous avez remarqué que j'utilise une rallonge pour crayons Je vous ai déjà dit qu'il faut jours à un coursier pour arriver ici à cheval J'ai besoin de cette rallonge pour prolonger la durée de vie de mes crayons le plus longtemps possible J'ai commandé celui-ci à une grande entreprise nordique appartenant à l'honorable Sir Amazon. Remarquez que la lumière projetée sur le tissu est également projetée sur le dos de l'enfant. C'est important pour donner un sens organique au dessin. lumière contient toujours de la couleur car ce qui frappe généralement les objets est le reflet du vol, qui provient de l'objet. Par contre, il manque à cet enfant un détail, un détail qui nous apprendra quelque chose à son sujet. Le véritable ange déchu est cet enfant, et nous devons ajouter un élément distinctif qui l'identifie comme tel. N'oubliez pas que le plus important est de raconter quelque chose en dessinant. Si cet autre ange sauve ce démon nouveau-né, c'est parce que l'enfant n'est pas coupable d'être né ainsi. L'enfant était le résultat d' une relation impie entre un ange et une belle femme démon Peut-être que cet ange adulte est le père de l'enfant. Nous ne le saurons jamais. La seule chose que nous savons, c'est que des gardiens du ciel ont jeté l'enfant du ciel et que ce bébé est en train de tomber en enfer, et que cet ange protecteur essaie de le sauver. Nous allons maintenant utiliser comme référence tout le travail que nous avons effectué sur le corps pour appliquer la couleur sur le visage. Nous avons déjà le ton des zones claires et des zones sombres également avec l'éclairage du tissu. Nous ne devons pas échouer. Si je commence toujours par le corps, c'est parce que nous devons être précis dans la construction des visages des personnages. La couleur elle-même n'est rien sans la lumière du studio. Il faut expérimenter et maîtriser le dégradé noir et blanc. Un bon dessin au crayon est le résultat de cette capacité à capturer les différentes couleurs qui nous entourent. Et voilà. Nous pourrions continuer à travailler sur la qualité de l'aile supérieure et du tissu du dessus afin qu'ils ressemblent à leurs homologues du dessous. Mais peu importe. Notre travail corporel est suffisamment bon pour comprendre notre étude du corps et des tissus. Cette œuvre est l'ange déchu, et j'espère qu'elle vous a beaucoup plu.