Créez une illustration de livre de contes : Composition et ambiance à l'aquarelle, à l'encre et dans Procreate ate

1. Intro: Avez-vous déjà ressenti une étincelle de joie soudaine en feuilletant un livre magnifiquement illustré ? C'est la magie de l'illustration de livres, et c'est ce que nous allons apprendre aujourd'hui. Je suis une artiste, illustratrice et auteure primée à plusieurs reprises basée à Berlin. J'avais beaucoup de projets de rêve, mais l'illustration de livres est ma véritable passion et a rendu possible ma carrière professionnelle. Permettez-moi de vous raconter comment j'ai décroché ma première commande de livre. Un éditeur local organisait un concours pour un nouveau livre pour enfants dont le délai était serré. J'ai accepté tout le travail indépendant que je pouvais à l'époque, alors j'ai participé. Il y avait cinq candidats. Deux d'entre eux n'ont pas respecté la date limite. Le travail de l'un d'eux n'était pas vraiment agréable. Un autre artiste, il suffit de copier le travail de quelqu'un d'autre, et il ne reste plus que moi. Je ne savais pas très bien dessiner à l'époque, mais j'avais un sens aigu de la composition, ce qui était crucial quel que soit votre style ou votre niveau de compétence. Dans ce cours, nous explorerons cinq éléments clés de la composition et les appliquerons à illustrations de contes de fées classiques comme La Belle et la Bête et Cendrillon Nous discuterons également de la manière d'aborder les éditeurs et les éditeurs de travailler avec des manuscrits et numériser vos œuvres d'art en haute qualité. Tout d'abord, nous utiliserons de l'encre et des aquarelles. Ensuite, nous travaillerons numériquement sur iPad à l'aide de l'application Procreate. Je vais vous montrer comment appliquer des dégradés et des textures, et j'ai préparé quelques téléchargements utiles pour vous N'hésitez pas à utiliser toutes les fournitures artistiques dont vous disposez. Les compétences apprendront de manière universelle. À la fin de ce cours, vous serez en mesure de les appliquer dans divers domaines créatifs, du design à la mode en passant par des projets personnels. Commençons et créons de la magie ensemble. L'aventure commence maintenant. 2. Inspiration dans les livres de contes de fées: Bienvenue dans la partie très spéciale du cours Book Inspiration. Nous allons plonger dans le monde des contes préférés illustrés. Dans ma bibliothèque personnelle, j'ai de nombreuses éditions enchanteresses. Et pour être honnête, je peux me procurer quelques exemplaires du même livre parce que l'édition est tellement belle, parce que j'aime l'artiste ou parce que c'est une édition anniversaire. Je suis sûr que tu vois ce que je veux dire. Je voudrais vous montrer quelques artistes dont j'admire le travail. Leurs illustrations de contes préférés sont si équilibrées et uniques qu'elles capturent l'essence magique des Regardons-y de plus près. Le premier trésor est donc le livre complet des fées aux fleurs de Cicely Mary C'est un merveilleux recueil de saisons, de fées et de poèmes Nous pouvons découvrir les magnifiques aquarelles, encre et la merveilleuse composition de chaque œuvre d'art Nous pouvons voir la magie du monde des fées, les merveilles des fleurs, des portraits et des saisons rassemblés dans un seul livre. J'adore les couleurs et le charme de ce livre, Illustrations. Je pense que l'automne est ma saison préférée ici, mais honnêtement, j'adore tout ce qui se trouve dans ce livre. Il existe différentes éditions, et je voulais juste avoir toutes les fées dans un seul livre Pour être honnête, j'en ai même un petit, juste pour l'automne. On peut découvrir de nombreux détails, et j'adore la technique. Donc évidemment, l'aquarelle fonctionne très bien avec les encres. football. Le suivant est le très, très célèbre conte de fées GrimsFairy J'ai cette jolie édition illustrée du légendaire Arthur Echam Il s'agit d'une collection de certains des contes les plus appréciés avec des illustrations ponctuelles et des illustrations en pleine page. n'y a pas beaucoup d'œuvres d'art, mais tout de même plus que dans l'édition Grimes habituelle J'adore la technique, et je suis sûr que vous avez déjà vu les œuvres d'art. Reckon a été l'une des figures marquantes de l'âge d'or de l'illustration de livres plume et l'encre, le toucher dramatique et les lignes, tout est tellement inspirant. Son travail est connu pour la plume et dessins qu'il a combinés avec des aquarelles, comme dans le livre précédent, mais c'est un style complètement différent Et c'est ce que nous allons faire aujourd'hui. Nous travaillerons également avec de l'encre , puis ajouterons de l'aquarelle par-dessus Vous pouvez parcourir les contes. Cet artiste a une grande influence. Ce livre est vraiment magique. Le prochain artiste que je trouve super inspirant est Walter Crane. Je voulais donc vous montrer ces deux éditions que j'ai avec ses illustrations, les contes de Brother Grims et le recueil de contes de fées J'adore donc vraiment le format de ce livre. Je pense que c'est utiliser le style de Walter Craig. Il existe une variété de contes, et le design général de l' édition soutient le style. Il faisait partie du mouvement Arts and Crafts Son style est donc très détaillé et narratif. Bien sûr, c'est une illustration de livre, mais, vous savez, de la nourriture et des bottes. Ce livre est en russe. C'est ma langue maternelle. Il n'y a donc aucune surprise ici. Cendrillon. J'adore le style graphique et le contraste audacieux des formes. C'est simple mais très, très inspirant et saisissant. Beaux détails, palette de couleurs limitée, beaucoup de motifs. J'adore le contexte de celui-ci. Il inclut toujours des histoires supplémentaires en arrière-plan. Il existe de nombreuses éditions, et je suis sûr que vous pouvez trouver différents livres illustrés par Walter Crane, comme celui-ci. Ce sont les contes préférés de Grim illustrés par différents artistes, Et j'adore vraiment le style. Celui-ci est magnifique. Comme vous pouvez le deviner, c'est une illustration de Cendrillon. Donc celui que nous allons faire aujourd'hui. Et je pense que Frog prints est illustré par Walter Crane ici. Oui, les détails, le style très reconnaissable. Imprimés de grenouilles. Exactement. Les différents contes ont des traductions différentes, vous pouvez donc les trouver avec d'autres titres. De belles œuvres d'art. Des livres magnifiques. Et maintenant, je veux vous montrer quelques trésors modernes. J'adorerais vous montrer des livres illustrés contemporains pour tous les âges, ce qui est mon genre préféré. Commençons par un court conte de fées hivernal. The Wood at Midwinter de Susannah Clark. C'est une édition entièrement illustrée, et j'adore tout ce que Susannah Clark crée C'est une auteure brillante, et j'ai hâte de lire ses nouveaux livres. Tous ses livres. C'est une édition spéciale. Très beau Voici un cygne sauvage et d'autres contes de Michael Cunningham, illustrés par Michael Cunningham, illustrés par Si vous aimez les encres, vous avez entendu parler d'elle et elle donne également des cours sur Skillshare Superbes illustrations à l'encre et en noir et blanc. Comme vous pouvez le deviner, ces contes de fées sont un peu sombres. style noir et blanc s'intègre donc parfaitement, et gardez à l'esprit qu' il s'agit en effet d'un style très gothique. Et voici la Belle et la Bête, illustrée par Benjamin Lacombe Ici, nous pouvons voir la rose emblématique, que nous peignons également aujourd'hui. Celui-ci. C'est une très belle édition. J'aime tout, le style, la profondeur des œuvres, les couleurs, bien sûr, l'atmosphère. Des pages complètes d'œuvres d'art et d'illustrations ponctuelles. Certains d'entre eux sont créés à l'encre. Certains d'entre eux, je crois, sont au fusain avec de l'aquarelle sur le dessus Très belle interprétation contemporaine du conte de fées classique , que nous allons faire aujourd'hui. J'espère donc que vous avez apprécié l'inspiration envoûtante de ce livre. C'est toujours la partie préférée de toute la classe, et je vous verrai dans la prochaine vidéo. Passons donc à autre chose, et je vous y verrai. 3. L'inspiration autour de vous You: Bon retour. J'espère que vous avez apprécié l'inspiration du livre et que vous pensez peut-être même à visiter une librairie locale En parlant de promenade, le monde qui nous entoure est la meilleure source d'inspiration. Vous vivez dans un lieu unique. simple fait de visiter votre jardin ou flâner dans les rues peut donner tant d'idées, que ce soit dans les champs au coucher du soleil, dans les parcs naturels ou dans les librairies d'antiquités, Même les façades du bâtiment racontent parfois des histoires de contes de fées. Par exemple, voici la maison sur le chemin de mon café préféré. C'est exact. Les scènes sont tout droit inspirées des contes de fées classiques. Essayez de trouver des joyaux cachés là où vous vivez, et j'adorerais en savoir plus sur vos découvertes dans le cadre de votre projet de classe. 4. Fournitures: Bon retour. Pour notre voyage passionnant, nous aurons besoin de matériel artistique. En fait, toutes les fournitures artistiques que vous avez. Puisque nous nous concentrerons sur la composition, vous pouvez utiliser des matériaux que vous aimez et avec lesquels vous vous sentez à l'aise. J'utiliserai ma combinaison préférée d'encres et d' aquarelles pour l'illustration de La Belle et la Bête Pour créer l'œuvre de Cendrillon, je travaillerai sur iPad à l'aide de l'application Procreate Regardons de plus près ce que je vais utiliser. Voici donc le matériel. Tu n'as pas besoin de tout avoir. Je vais juste vous montrer ce que j'utilise, et peut-être que vous le trouverez inspirant. Donc, pour les feuilles de travail, j'utiliserai des encres et des marqueurs C'est un stylo à encre. L'important est qu'il soit résistant à l'eau, vous pouvez donc le recouvrir lorsqu'il est sec. J'adorerai utiliser ce stylo parce qu'il est assez petit et étanche C'est juste le stylo mécanique habituel, donc très fin. Celui que j'utilise toujours pour toutes les œuvres d'art. Ensuite, j'utilise des marqueurs à double pinceau. J'utiliserai trois couleurs pour les tons clairs, moyens et foncés. Maintenant, des encres. J'utiliserai de l'encre colorée à base de Bingment, afin qu'elles ne se décolorent pas avec Je vais utiliser le rouge pour les pétales et le rouge pour les feuilles. Nous en parlerons dans les prochaines vidéos, et j'utiliserai cette palette de couleurs. Il est très confortable d'utiliser le petit modèle. Maintenant, les pinceaux. Je vais l'utiliser pour les encres. J'aime garder des pinceaux séparés pour l'encre. Ce sont également des pinceaux synthétiques de la taille d'un pinceau. Ainsi, j'ai toujours des pinceaux séparés et je n'ai pas à me soucier de tout garder propre. Maintenant, d'autres pinceaux. Ce sont également des pinceaux ronds synthétiques de différentes tailles, généralement des tailles deux, trois, six et dix. C'est ce que j'utilise pour la plupart de mes œuvres d'art. Et maintenant, les pinceaux à balai ou les pinceaux français. Ils retiennent beaucoup d'eau, donc parfaits pour les lavages. Je les utilise également tout le temps. Ensuite, parlons de peinture. J'ai ici de la gouache blanche et mon magnifique set d'aquarelle Il existe même des couleurs chatoyantes, mais je vais juste utiliser quelques couleurs comme le rose, le jaune, le bleu, que je vous montrerai dans les prochaines vidéos Et, bien sûr, le journal. Je travaillerai dans Cotton Sketchbook. Il est assez grand pour toutes les œuvres d'art et j'adore la qualité du papier, il est 100 % coton. Et les feuilles de travail que j'ai imprimées sur le papier de mise en page sont super fines et super lisses Cela ressemble au papier d'une imprimante ordinaire. Et j'ai également préparé la version appropriée des feuilles de travail au cas où N'oubliez donc pas de le télécharger si vous le souhaitez. OK, donc je pense que nous sommes prêts, et je vous retrouverai dans la prochaine vidéo. Passons à autre chose. 5. Qu'est-ce que l'illustration de livre: Parlons maintenant de l'illustration de livres. De tous les genres artistiques, celui-ci est mon préféré. Tu n'as même pas besoin de me demander pourquoi. Je vais quand même te le dire. L'illustration de livres est un mélange unique d'arts visuels, narration et de votre propre expérience privée Lorsque vous regardez ces images et ces textes ensemble, vous avez une perception de l' histoire qui vous est propre. L'histoire de cet art remonte au début de la gravure sur bois européenne au XVe siècle, et elle n'a cessé d' évoluer depuis Les illustrateurs ne se contentent pas de créer une interprétation visuelle du texte, ils donnent vie à l'histoire La littérature en général et, bien sûr, fictions imaginatives comme les contes de fées sont une source incroyable d' inspiration artistique Les illustrateurs peuvent communiquer avec l' auteur et le lecteur d'une infinité de manières peuvent communiquer avec l' auteur et le lecteur d'une infinité de tant qu'artistes, nous pouvons réellement contrôler quelle partie de l'illustration est la plus importante et définir l' ambiance de la scène. En utilisant la composition, en arrangeant les objets et en utilisant les zones claires et sombres, nous orientons le regard du spectateur et créons encore plus d'intérêt et de sens. Et c'est ce que nous allons faire au cours de notre voyage. Mais avant de nous lancer dans des exercices créatifs, parlons de quelques pratiques utiles. Dans la vidéo suivante, nous parlerons collaboration avec un éditeur et un éditeur, ce qui est très utile si vous souhaitez vous faire publier ou réaliser vos propres projets. 6. Travailler avec un éditeur isher: Bon retour. Maintenant que nous avons exploré la magie de l'illustration de livres, parlons des parties pratiques. Le processus d'illustration de livres est une collaboration. Travailler avec un éditeur peut faire connaître vos œuvres à public plus large et atteindre un tout autre niveau. Dans le marché actuel, il existe de nombreuses façons de réaliser votre projet. Vous pouvez contacter un éditeur ou publier vous-même votre livre et en faire la promotion vous-même. La clé est de trouver le partenaire idéal pour vous et votre public potentiel. C'est la partie la plus difficile. Mais comment trouver un éditeur ? La meilleure première étape est d'aller à la librairie et de trouver les livres que vous aimez Et puis découvrez qui les a publiés. Vous avez probablement déjà une idée du segment qui vous convient. Vous devez avoir un portfolio solide avec un style et une vision définis que vous pouvez soumettre à l'éditeur par e-mail. Lorsque vous travaillez sur un projet de livre, votre contact le plus proche sera l'éditeur. La communication est la clé de la réussite d'un projet. Soyez ouvert aux commentaires. Et comprenez que l'éditeur a peut-être un autre point de vue sur l'avenir du livre. Il ne s'agit donc pas uniquement de vos œuvres d'art. Un partenariat avec un éditeur et un éditeur peut apporter beaucoup à votre carrière créative et à votre croissance artistique. Assurez-vous de bien comprendre le contrat. Vous pouvez toujours demander des modifications si quelque chose ne semble pas correct. Alors que les grandes maisons d'édition ont des contrats assez stricts. Ils peuvent toujours apporter des modifications. Conseils professionnels et prix, je recommande le manuel de culpabilité du graphiste. Tout est très individuel, mais ce livre a été une ressource indispensable pour moi. Dans la prochaine vidéo, nous aborderons travail avec des manuscrits. Je t'y verrai. 7. Travailler avec un manuscrit t: Nous allons maintenant parler de l'une de mes parties préférées du processus. En train de lire. Lorsque vous travaillez sur l'illustration du livre, vous avez l' excuse parfaite pour lire des textes fascinants et plonger dans des mondes fantastiques. Un manuscrit est un texte écrit que l'illustrateur utilise comme référence pour créer une représentation visuelle. Il peut même s'agir d'un brouillon ou d'une copie modifiée. Selon la longueur et la date limite du livre, vous pouvez lire le manuscrit plusieurs fois et prendre quelques notes mentales. Il est essentiel de comprendre l'idée principale et l' ambiance du récit. Je pense généralement au rythme du livre et je le divise mentalement en segments Même si j'ai hâte d' illustrer certaines scènes, elles sont peut-être trop proches les unes des autres dans la narration. J'ai donc besoin de cette mise en page à l'avance. Je me demande quelle technique conviendrait le mieux à ce livre. Ensuite, je crée quelques croquis d' ongles, les petites idées de base de composition et de style, puis je choisis les dernières à montrer sous forme de brouillon à l'éditeur. L'utilisation de cette stratégie laisse suffisamment de place la créativité tout en m'assurant avancer dans la bonne direction. Enfin, dans la vidéo suivante, nous parlerons de la composition et de la manière de l'appliquer à votre travail. 8. Qu'est-ce que la composition ?: Alors, qu'est-ce que la composition ? La composition est l'art d'agencer des formes et d'autres éléments dans une image afin d' exprimer efficacement les idées des artistes. Quel que soit le niveau de compétence, illustration bien composée crée une sensation satisfaisante d'équilibre et de beauté. Nous pouvons contrôler quelle partie de l' œuvre d'art est la plus importante. Nous pouvons l'agrandir ou le placer au milieu de l'image. Nous pouvons guider l' œil du spectateur vers le point d' intérêt principal en le rendant plus foncé ou plus clair. Il y a tellement d' éléments de composition. Dans ce cours, nous nous concentrerons sur cinq principes de base. Ligne, profondeur, valeur et rythme. Dans les prochaines vidéos, nous allons pratiquer des exercices créatifs pour explorer ces techniques essentielles. Passons à autre chose. 9. Techniques d'échauffement de la composition: Comme nous en avons discuté, essayons quelques exercices créatifs pour explorer les éléments de base de la composition. Vous pouvez charger les feuilles d' échauffement à partir des ressources de la classe ou simplement utiliser du papier blanc. Je préfère pratiquer ces échauffements en rond, afin que vous puissiez vous créer quelques modèles. Bien sûr, vous pouvez utiliser toutes les formes, toutes les fournitures artistiques que vous aimez. C'est une préférence personnelle. Commençons. Nous allons commencer par l'espace. 10. Élément de composition : espace: Commençons. J'ai imprimé les feuilles de travail sur ce document, comme nous en avons discuté, papier de mise en page Et j'ai également préparé une version adaptée. Juste au cas où vous voudriez dessiner numériquement, il vous suffit de choisir n'importe quel pinceau et de dessiner à l'intérieur des cercles J'ai créé deux couches, et c'est très facile de entraîner un peu sans réfléchir. Eh bien, avec un peu de réflexion. OK, nous commençons donc par un espace. Elle est également appelée zone d'image. Il s'agit de la zone de l'œuvre d'art située à l'intérieur de vos frontières. Cercle carré ou forme de votre choix. Je préfère simplement travailler en rond pour ces exercices. Vous décidez de la taille des éléments et de l' endroit où vous les placez. Donc, pour la première image, je vais dessiner ce petit bateau comme une petite partie de la zone de l'image. J'utilise le pinceau à encre noire pour accélérer un peu le processus. Mon idée est donc de dessiner un petit objet juste ici et l'ombre. C'est ça. La zone autour de l'objet est donc très importante pour montrer l'espace. C'est un moyen simple de créer un effet dramatique et une composition percutante. Nous pouvons maintenant ajouter des ombres. Oups, c'est un peu taché. J'ai dû attendre un peu. Maintenant, voici quelque chose comme ça sur l'eau. Maintenant, nous pouvons contrôler quelle partie de l'œuvre d'art est la plus importante. Nous pouvons l'agrandir ou placer au milieu de l'image. Et nous pouvons également utiliser la règle des tiers, laquelle vous placez votre objet central près d'un tiers du cadre pour créer l'équilibre. Dessinons un arbre. Et planifiez qu'il soit à environ un tiers du cadre. Vous verrez le solde tout de suite. De nombreux artistes travaillent de manière intuitive et créent simplement des œuvres équilibrées Mais il est bon de s'entraîner et de savoir ce que l'on fait parfois. Désormais, l'œuvre d'art peut également remplir tout le cadre de l'image. Dessinons une énorme fleur. De cette façon, l'effet sera très différent de celui des deux exemples précédents. Bien sûr, tu peux dessiner n'importe quoi. Ce ne sont que les exemples que j'ai décidé de vous montrer. Les pétales. C'est comme une photo en gros plan sur votre téléphone, mais une illustration n'en est pas une, heureusement, et il est très important de la conserver ainsi. Et Beto laisse ici une dizaine de pétales qui vivent ici, et j'ai planté. J'utilise donc cet ensemble de marqueurs et l'encre noire pour simplifier le processus, mais en même temps, j'aime avoir une touche picturale même avec C'est pourquoi j'utilise trois teintes le ton clair, le ton moyen et le plus foncé. L'encre est donc sèche. Et comme je vous l'ai dit, juste un peu de maculage, si j'attends un peu, il n'y en aura pas, mais nous avons beaucoup de choses à faire mais nous avons beaucoup de choses C'est un gris plus foncé. Mettons un peu de contraste sur les feuilles. Et ici et au milieu, le simple fait de dessiner avec des marqueurs est très relaxant Au moins à ce stade, nous pouvons penser à l'impression générale du croquis et rien de plus. Ajoutons un arrière-plan. Nous aurons donc une belle feuille de travail. C'est ça. Peut-être un peu de gris clair sur le dessus. J'adore le côté sommaire de ces exercices. Nous avons donc maintenant trois manières d' utiliser une zone d'image. Ils sont très différents, mais ils ont la même idée. Et dans la prochaine vidéo, nous travaillerons sur la ligne. OK, alors passons à autre chose. 11. Élément de composition : ligne: Voici la limite. C'est mon élément préféré. Même une simple ligne peut être si puissante. Même une seule ligne ressemble à celle-ci, mais nous en ajouterons d'autres. La ligne n'est pas simplement un contour entourant la forme. La ligne peut diriger le regard du spectateur vers le point d'intérêt. Il crée une ambiance, une direction et un rythme. Et ce que j'aime, c'est qu'il fonctionne parfaitement, même pour un seul objet. Essayez donc de tracer des lignes différentes et voyez ce que vous ressentez. C'est un exercice très simple. Juste la forme créée par la ligne. Maintenant, je vais peindre ou dessiner une petite scène et commencer par une route de village. Cette route conduira l'œil du spectateur directement à la maison. Tu vas voir. Je dessine une route avec une bordure souple faite d'herbe. Et tout de suite, vous regardez le bout de la route et vous êtes curieux. Eh bien, vous êtes peut-être curieux de voir ce qu'il y aura. Mais je t'ai déjà dit que ce serait une maison. Alors peignons-le. Avec notre pinceau à encre, le toit. Rien de trop détaillé. Mais il faut quand même montrer toute la maison. Sinon, ça ne sera pas très beau. Donc, une forme de porte du toit, plus de détails. L'idée est très claire, mais j'adorerais tout de même avoir trois feuilles de travail complètes C'est pourquoi j'ajoute tous ces petits détails tout autour. Et ici et un peu plus encore ici. Super. Nous avons maintenant l' illustration avec une direction. Et maintenant je vais essayer de dessiner des fleurs dans un petit fichier de design graphique Si, par exemple, vous êtes un concepteur de motifs de surface, vous connaissez ce sentiment. Je simplifie la fleur et j'essaie d'utiliser des traits gras juste pour indiquer la direction. J'aime coudre et coudre avec une belle sensation graphique et un sujet simplifié. Voici la même ligne que celle que j'ai utilisée dans le premier exemple. Outil très puissant. Comme la vente et quelques éléments. Donc, comme je vous l'ai dit, c'est comme dans le premier exemple. J'utilise les mêmes lignes, le même principe. Je les combine simplement différemment. Nous avons donc ici un contraste entre la forme plus grande de la fleur et la fine ligne avec une direction. Magnifique. Maintenant, ajoutons quelques ombres en fonction de l'intérêt juste pour que la scène reste vivante. Lorsque je dessine, je n' aime pas utiliser beaucoup de couleurs juste pour me faire une idée, et c'est très agréable de dessiner sur le papier avec quelques nuances Ajoutons encore plus d'ombres à la scène et aux fleurs, bien sûr. Il manquait quelque chose, et maintenant j'adore le design que nous avons créé. Nous avons donc maintenant trois exemples, et nous allons maintenant explorer la profondeur. 12. Élément de composition : profondeur: Bon retour, et nous commençons à dessiner tout de suite. La profondeur crée l'illusion d'un espace tridimensionnel. J'adore donc ces exercices où les lignes s' entrelacent les unes derrière les Je trace donc quelques lignes et je les cache derrière la première. Cet exercice est très simple, mais demande tout de même beaucoup d'attention. Je ne veux utiliser aucune couleur pour me distraire à ce stade C'est l'idée de base de la profondeur. Mais nous avons quand même une approche très graphique. Donc pas d'ombres, rien de plus que des formes. Comme vous pouvez le constater, les lignes sont partout, et nous les utilisons dans tous les éléments les plus importants de la composition. C'est un exercice très relaxant. Et maintenant, je voudrais ajouter l'élément le plus important. On dirait un ruban. Maintenant, la ligne du bas et la ligne médiane, je vais juste dessiner quelques points noirs pour montrer un meilleur contraste. suite, nous avons cette illusion d' espace tridimensionnel comme celui-ci et comme celui-ci derrière ces lignes, ici et ici, une impression sommaire, mais l' idée est très claire Esquissons-en plus ici, comme So et Vinyl Element. Et ici. Mmm, hum. Et nous sommes prêts. Pour créer une impression convaincante de profondeur réelle, nous utilisons le premier plan, le plan intermédiaire et l'arrière-plan Je vais donc dessiner un arbre. Et ce sera le premier plan. Ensuite, je dessinerai quelque chose derrière, et nos yeux suivront la composition d'une manière intéressante. Juste un arbre fleuri juste en face de nous, juste pour nous intéresser, puis derrière cette célèbre maison. Peut-être un autre avec des plantes ou des arbres, quelque chose de petit. Plus près du bord de notre silhouette. Maintenant, je pense que nous devons le connecter d'une manière ou d'une autre, et nous avons déjà cette idée en tête. Utilisons la route magique qui nous mène dans un endroit agréable, espérons-le. Maintenant, quelques détails pour que la scène reste vivante. Maman, hum. Comme vous le savez déjà, nous réduisons les formes lorsqu' elles s'éloignent. C'est pourquoi la maison est petite et l'arbre beaucoup plus grand. Donc une petite scène où l'on peut voyager et avoir le chemin à suivre pour l'œil. L'un des meilleurs moyens de montrer la profondeur est donc d' utiliser le chevauchement Comme nous le voyons dans notre vie, une partie des objets est partiellement cachée. Les choses qui se rapprochent le plus recouvrent les choses qui se trouvent derrière elles. Nous pouvons donc l'utiliser pour faire un bel arrangement. Par exemple, je vais dessiner cet objet juste devant nous, et je vais dessiner quelque chose derrière, qui est partiellement caché. Et cela suscitera immédiatement de l' intérêt. Cela ressemble presque à un élément de nature morte. Les ombres mettent tout en valeur avec un stylo à encre. C'est juste un indice. Et maintenant, derrière, je vais dessiner un livre, bien sûr, livre ouvert avec des pages et des lignes et un script secret. D'accord, nous avons donc deux objets dans un arrangement très intéressant. Ajoutons maintenant quelques ombres. Juste un petit peu. Nous aurons donc toutes nos études dans le même style. Pourquoi ? Tout simplement parce que c'est possible, ça a l'air sympa et c'est une sensation agréable de dessiner avec quelques couleurs. Et nous avons le blanc du papier. J'adore donc vraiment le résultat. Comme précédemment, nous avons trois exemples de profondeur, et nous pouvons maintenant passer à la valeur. Passons à autre chose. 13. Élément de composition : valeur: Allons-y. Ally montre à quel point éléments de notre image sont clairs ou foncés. Alors voilà, je vais prendre le marqueur lumineux et dessiner un arbre. Rien qu'avec ce feutre-pinceau, la luminosité de la couleur définira l' ambiance générale de la scène. La valeur crée l' ambiance générale de l'image dans son ensemble. Est-ce sombre, dramatique ou clair et subtil ? Vous pouvez choisir, et la valeur crée également une atmosphère qui doit être cohérente. C'est donc une bonne idée de planifier les choses à avance ou d'utiliser un seul marqueur, comme je le fais actuellement. La scène est donc subtile. Aucun drame n'est impliqué, aucun contraste. Juste une sensation très, très subtile de la couleur gris neutre. Comme ça, je devrais peut-être juste ajouter un peu d'herbe ou quelque chose comme ça ici. Juste un indice superficiel, comme ça. Et c'est tout. L' atmosphère est très claire. Je vais ajouter une autre couleur qui est également très claire sur le dessus. La scène aura donc un aspect organique. Pas d'éléments noirs, pas de tons plus foncés. OK. Alors maintenant, je vais dessiner quelques fleurs, et je vais essayer d'ajouter du contraste tout de suite. Feuilles de couleur plus foncée. Et une autre. Je vais donc utiliser ici un principe clé. Le contraste le plus fort entre la lumière et l'obscurité doit se situer sur le point d' intérêt de votre image. Dans mon cas, ce sera le milieu de la fleur. Les pièces moins importantes devraient présenter moins de contraste. Ce principe clé fonctionne pour toutes les œuvres d'art, pour la conception de motifs de surface, pour l'illustration de livres, même pour les éléments de conception graphique uniquement. OK, j'ai donc les fleurs, et maintenant je veux ajouter le contraste. Alors naturellement, j'utiliserai le noir le plus foncé que j'ai. Regardez, quelques coups et l'image prend vie. Cela nous intéresse tout de suite. La sensation graphique. Cela peut être une illustration ponctuelle tout de suite. Juste au-dessus du gris clair, j'ai les éléments. Et comme ça, comme ça, je ferai de la publicité pour attirer l'attention. Super. Cela corrige un peu certains éléments. Et des points aussi pour les intérêts. La ligne est donc presque la même dans l'ensemble du croquis, et elle donne l'harmonie. OK, alors créons une scène dramatique. Je vais peindre des arbres dans la nuit noire, et j'utiliserai le blanc du papier pour la neige. Ce sera la valeur sombre, sombre et dramatique. Les arbres sont également sombres, mais le fond le sera encore plus. Ajoutons donc une autre couleur pour le sol au cas où, puis j'utiliserai une couleur très, très spectaculaire pour l'arrière-plan. Je laisse les lieux intacts pour la neige. C'est un croquis très vague. Je ne pense donc pas beaucoup aux détails. Je veux juste vous montrer l'idée générale. Je laisse donc le blanc de la page comme de la neige. Et je voulais juste vous montrer le contraste que vous pouvez obtenir immédiatement avec seulement trois couleurs et, bien sûr, le blanc du papier. Quelque chose comme ça. Vous pouvez voir la différence entre ces trois scènes. Ils sont tous très différents en termes de valeur et d'impact. Donc des détails avec une couleur plus foncée comme ceux que nous avons ici. OK, passons à la partie rythmique. 14. Élément de composition : le rythme: Tu t'en sors très bien. Je suis sûr que vous avez déjà eu quelques idées qui sont apparues en travaillant sur ces exercices. Cela se passe comme ça. Maintenant, explorons le dernier et mon élément de composition préféré. Rythme. Allons-y. Cet élément de composition est très puissant. Le rythme utilise la répétition sous toutes ses formes pour créer un flux et guider le regard du spectateur. Voici un exemple simple. Vous pouvez dessiner des gouttes et voir le motif immédiatement. Un simple petit dessin vous montre l'idée ou le rythme. Étudiez la direction des lignes dans votre esquisse et répétez certaines parties des éléments pour créer le flux. Vous pouvez simplement utiliser de petites formes, des pinceau ou même des motifs. Nous pouvons donc ajouter ici de petits traits, et nous avons déjà un motif intéressant avec une variété de formes et de marques comme celui-ci. Essayons maintenant autre chose. Je vais dessiner une énorme fleur avec des éléments répétitifs. J'utilise la répétition des lignes et aussi la répétition des formes. Elles sont presque identiques mais orientées dans une direction différente. Et ici je vais dessiner les feuilles, et elles sont également les mêmes. La forme est très proche. Et nous avons cette répétition ici, ici et ici. Maintenant, ajoutons un peu d'ombrage. Vous pouvez modifier la taille de vos éléments. Il n'est pas nécessaire qu'ils soient exactement les mêmes. Mais ils doivent être suffisamment reconnaissables pour créer ce motif organique. Je pense que je vais ajouter quelques traits supplémentaires ici, ici, ici. Ces éléments se ressemblent donc. Et bien sûr, comme nous l'avons fait dans les vidéos précédentes, contraste est au centre de l'attention, et encore une fois, les coups de pinceau. Il en va de même pour l'ensemble de l'image. Nous pouvons donc reconnaître la répétition et sentir le rythme, même dans cette petite esquisse. Quelque chose comme ça. Maintenant, ajoutons encore plus de valeur. Ensuite, j'utiliserai la répétition. Je vais utiliser la répétition des lignes pour dessiner un arbre et ajouter un peu d'ombrage C'est notre ami de ligne que nous connaissons déjà grâce aux vidéos précédentes. Et j'utilise les mêmes lignes, change de direction pour dessiner un arbre. Et les branches se ressembleront très, très similaires. Quelque chose comme ceci, ceci, ceci et cela. Nous suivons donc la direction des lignes, et nous reconnaissons la répétition de leurs formes. D'accord. Ajoutons maintenant de l'ombrage. Comme ça ou comme ça, et peut-être quelque chose entre les deux, juste pour garder les choses en vie. D'accord. Et je pense que nous sommes prêts. C'est ça. Nous avons beaucoup appris et retrouvez-moi dans la prochaine vidéo. 15. Appliquer les principes ples ples: Bon retour. Maintenant que nous avons exploré les cinq principes de base de la composition, appliquons-les à nos illustrations de contes de fées. Avant d'aller de l'avant, je voulais expliquer comment j'utilise ces principes dans mes propres œuvres, par exemple dans mon propre livre, Brilliant Inks, et dans d'autres œuvres d'art, comme la couverture du roman Secret Garden ou la peinture inspirée du roman The Life and Epinions of the Tom Cat Regardons-y de plus près. Voici mon livre, et ouvrons un peu de papier. Je vais choisir celui que j' aime le plus. Celui-ci. Ici, vous pouvez voir un rythme plus clair utilisé pour attirer l'attention du spectateur. Il s'agit de petits coups de pinceau, mais la direction est très claire. Maintenant, essayons autre chose. Chaque spread utilise les principes dont nous avons discuté. Grenade. Ici, le personnage principal de la grenade est entouré d'un cadre de feuilles qui crée un point d'intérêt central Qu'est-ce que j'ai ? Ici. Beaucoup de choses intéressantes. Et dans cette illustration, la ligne joue évidemment le rôle le plus important. Presque toutes les œuvres d'art. Utilise plus ou moins ce principe. OK. Maintenant, je vais vous montrer un autre tableau. Cette peinture a été créée pour la couverture du roman Secret Garden. J'ai défini une valeur et une profondeur légèrement plus sombres, sorte que nous sommes attirés par le centre de l'image. Le personnage principal est entouré de fleurs. Et laissez-moi vous montrer les croquis miniatures que j'ai réalisés. Je n'avais qu'une feuille de papier pour carnet de croquis avec moi au café, mais c'est largement suffisant pour essayer quelques idées J'ai donc essayé trois ou cinq croquis différents, et j'ai commencé par le sens de la ligne. J'avais trois lignes ici. Et d'autres croquis sont basés sur des lettres. Vous pouvez en apprendre davantage à ce sujet dans mes autres cours. Par exemple, sur une illustration de livre, en utilisant la technique de linogravure C'est un cours formidable. J'ai donc eu ces idées, et j'ai également réalisé quelques études sur les couleurs. En fait, nous ferons de même dans les prochaines vidéos, trois couleurs, mais elles sont très similaires au résultat final. Le personnage, le fond et la position des fleurs. Ce petit set était donc suffisant pour avancer. Et maintenant, je vais vous montrer le tableau dans le style qui m'est propre. C'est un Tomcat Moore pour l'exposition en galerie, et vous pouvez voir la variété de sa valeur Il y a beaucoup d'ombres tout autour du personnage principal, et les papillons sont très lumineux sur le fond plus sombre. Il y a également un contraste sur les bords de l'image et, bien sûr, la ligne est très importante. Comme je vous l'ai dit, c'est l'un de mes éléments de composition préférés. Je l'utilise donc tout le temps sur les feuilles et partout sur le personnage. Ici, j'ai utilisé tous les éléments de composition pour créer une œuvre d'art équilibrée et dramatique. Vous pouvez donc tout utiliser en un seul morceau. Bien, passons à autre chose et mettons en pratique nos compétences. 16. Démo : illustration de la Bête et de la Bête: Bon retour. Je suis très inspiré par cette partie. Nous allons appliquer ce que nous avons appris et créer une illustration de livre inspirée du conte de fées classique La Belle et la Bête. Nous allons commencer par quelques croquis d'ongles. 17. Rose de démonstration : miniatures d'esquisse: Alors, on y va. Je commence par quelques croquis d'ongles pour explorer les idées et la composition. Pour notre illustration ponctuelle de la rose, je prévois d'explorer trois opérans. Je vais faire quelques croquis au crayon puis préparer la palette de couleurs. Je commence donc par une phrase, comme toujours. Et je prévois, par exemple, une fleur ici et une autre peut-être un autre élément ou même une autre fleur ici. Je ne fais qu'explorer des idées. n'est pas nécessaire que ce soient des lignes autonomes, et vous pouvez ajouter ce que vous voulez C'est ton interprétation. Je travaille avec des traits très lâches, donc rien ne me distrait trop OK. Je pense que cette idée est claire. Essayons-en un autre. Celui-ci sera au centre, et la ligne dirigera l'œil du spectateur comme ça. Maintenant, nous devons croiser les intérêts. Les feuilles devraient donc être quelque part de l'autre côté. Nous les recouvrons et nous les lisons. Mmm, hum. Esquisse très lâche, pour ne pas perdre beaucoup de temps. Parfois, je reçois trop de détails. OK. La prochaine sera juste une fleur regardant plus près du bord à droite, puis des éléments supplémentaires comme celui-ci. Je crois que j'aime le plus celui du milieu, celui-ci. Alors maintenant, je dois planifier une palette de couleurs. Voici toutes les montres de mon set d'aquarelle que je vais utiliser Il est beaucoup plus facile de regarder les vraies montres aux couleurs réelles, et je peux planifier immédiatement la palette de couleurs. Je prends donc de l'encre à base de pâte pigmentée pour les pétales. Vérifie la couleur sur du papier aquarelle. Encre et aquarelle toutes les deux, elles changent de couleur lorsqu'elles sèchent C'est donc toujours une bonne idée. Pour tout tester d'abord. Donc, celui-ci est pour les pétales et le vert, le tilleul est pour le fond. Je prévois donc de peindre d'abord le contour avec des encres. Ces encres fonctionnent un peu comme aquarelles, donc je peux tracer des lignes très fines, et en même temps, je peux travailler comme avec des aquarelles L'encre étant imperméable à l'eau, je prévois de la peindre à l' aquarelle par la suite Si vous avez vu mes autres cours, vous connaissez déjà la technique. Maintenant, l'encre turquoise pour les feuilles. Essayons-le. Petit lavage, et je dois vraiment vérifier les ridules. Un simple pinceau rond synthétique est idéal pour le test et pour la version plus diluée. OK. Ça a l'air vraiment sympa. Et j'ai l' intention de dessiner le contour des feuilles avec cette encre turquoise Il ne se décolorera pas avec le temps. Et cette couleur est pour les combats. La forme est très discutable, mais vous avez quand même compris l'idée. OK, maintenant je dois planifier les aquarelles. Je dois préparer la palette, je la vaporise donc avec l'eau pour que tout soit prêt immédiatement. Et je vais choisir une couleur de fond maintenant. Je veux créer un beau dégradé. Je pense donc que le cobalt et le jaune devraient fonctionner. Je prends du bleu cobalt. Et du jaune titane. Voyons comment cela se mélange. Magnifique. Couplé bleu et jaune. Et celui-ci est couplé en jaune. Je prévois de peindre d'abord les feuilles avec du jaune couplé, puis n'est qu'ensuite que nous les recouvrirons de vert. Je vais utiliser du vert halo, celui-ci. Donc, cette technique de superposition, permettez-moi de vérifier comment elles se mélangent. Belle combinaison. Cette technique me permettra donc de créer un effet riche et profond avec un minimum de couches. Celui-ci est pour les pétales. C'est du rose quinacridon. Et pour les ombres, j'utiliserai du rouge rubis. Le rose quincordon est une belle couleur. Il peut être super, super brillant et en même temps, vous pouvez adoucir les bords. Je vais donc l'utiliser sur de l'encre pigmentée, comme vous pouvez déjà le deviner C'est ma technique. Et c'est rouge rubis. Je vais l'utiliser pour les ombres sur les pétales. Sa teinte est légèrement différente de celle du rose quinacridon, mais suffisamment proche pour permettre une J'utiliserai de la gouache blanche, bien sûr, sur la couche supérieure, et j'utiliserai la palette de couleurs pour les encres, pour ne pas perdre trop de place Maintenant, testons notre palette de couleurs directement sur les études. J'aime vraiment la sensation de travailler sur les petits éléments. J'utilise le plus gros pinceau synthétique. Je pense que c'est le numéro six. Et je vais essayer d'ajouter un peu de chaque couleur que nous avons choisie juste pour avoir une impression générale. Les études aident vraiment à se concentrer et à garder à l'esprit l' image générale de l'œuvre d'art. Même si vous changez tout, vous aurez le point d'ancrage de ce que vous faites. Cela m'aide vraiment à travailler de manière intuitive par la suite. Les esquisses miniatures sont presque prêtes. Nous en avons l'impression générale. Ajoutons du jaune plus vif sur le dessus pour ajouter la belle superposition d'aquarelle Lorsque la peinture est sèche, elle paraîtra un peu plus claire, alors gardez cela à l'esprit. Je préfère cette version, et nous pouvons passer à autre chose. 18. Rose de démonstration : encrer le contour: Alors, on y va. Mon croquis est prêt. Vous pouvez le télécharger dans les ressources pédagogiques. Et la première étape consiste toujours à l'alléger. J'utilise le rasoir, et c'est mieux pour le papier aquarelle Je vais maintenant préparer l'encre. J'ai cette belle palette de porcelaine, et je vais mettre quelques gouttes d'encre rouge pour les pétales. J'utiliserai donc également la taille d'un pinceau synthétique , comme nous en avons discuté. Tout se passe donc comme prévu, et je vais peindre les pétales. Mon croquis est très détaillé. Je peins donc soigneusement le contour du crayon, en accordant une attention particulière à la forme du pétale et à la ligne Les encres resteront même après avoir peint avec des aquarelles sur le dessus La ligne doit donc être suffisamment belle et soutenir l' impression générale de l'œuvre d'art. J'adore utiliser des croquis détaillés. Ainsi, j'ai le plan de travail pour l'avenir. Maintenant, un autre pétale et je dessine chaque ligne avec l'encre Bien entendu, vous pouvez utiliser de l'eau, et vous pouvez colorer les pétales avec de l'encre. Ils sont résistants à l'eau. Ainsi, lorsque vous peignez dessus, rien ne se passe. C'est un effet magnifique, mais je pense quand même que je travaillerai à l' aquarelle la plupart du temps Mais bien sûr, vous pouvez expérimenter, vous pouvez peindre avec des encres. J'en parle beaucoup dans mon livre sur les encres de couleur, et j'utilise beaucoup de coups de pinceau pour indiquer la direction du pétale et pour soutenir la forme du pétale Et bien sûr, chaque petit détail est très important ici. Dans le domaine de l'illustration de livres, c'est presque comme peindre avec des mots pour moi. Et je souhaite ajouter de nombreuses informations. C'est la façon dont j' aime travailler et, bien sûr, vous pouvez expérimenter et avoir votre propre style. Je voulais juste partager ma préférence pour travailler sur de tels projets. Mon plan est donc de travailler de la même manière sur toute la surface de la fleur en utilisant de l'encre pigmentée rouge Ensuite, je continuerai à travailler sur d'autres parties. Mais pour l'instant, je vais dessiner chaque pétale en utilisant de nombreux traits frais Nos pétales sont donc prêts et nous pouvons travailler sur les feuilles. Mon plan est donc d'utiliser de l'encre pigmentée en acier, comme nous en avons discuté, et je vais préparer dans ma palette de couleurs Je ne dilue pas les encres avec de l'eau. J'utilise juste l'encre directement du flacon, comme ça. Je vais donc peindre de la même manière que je l'ai fait avec des pétales. J'ai mis une feuille de papier aquarelle sous ma main, pour ne pas tout maculer. Ces encres sèchent très rapidement et c'est toujours une bonne habitude mettre quelque chose sous votre bras de dessin. Je dessine donc le contour des feuilles et même à l'intérieur des feuilles. De cette façon, nous aurons une variété de couleurs, une variété de lignes, et cela ajoutera beaucoup d'intérêt même après avoir peint à l'aquarelle sur le dessus J'ai donc déjà tout au crayon et je dessine dessus avec de l'encre. J'ai beaucoup de formes ici, donc mon plan est de peindre soigneusement tous les détails. Je travaille de haut en haut, il sera donc plus facile pour ma main de suivre cette direction. Mais encore une fois, c'est une préférence personnelle. Je connais l'artiste qui utilise une autre technique. Les bords des feuilles. Celui-ci est très proche du bord du carnet de croquis, mais cela n'a pas beaucoup d'importance Je prévois de scanner cette œuvre par la suite. Maintenant, détaillez l'intérieur et il restera en place comme sur les autres feuilles. D'accord, je vais donc continuer la même manière et dessiner toutes les feuilles dans notre illustration ponctuelle. Nous avons une belle silhouette. C'est presque prêt. Ce contour transparaîtra un peu, apportera de la profondeur à notre illustration, et il est beaucoup plus facile de le retoucher avec peinture pour que l' illustration du livre reste vivante. Les encres sèchent très vite, et nous allons maintenant peindre le fond. 19. Rose de démonstration : peindre l'arrière-plan d: Nos encres sont complètement sèches, ce qui nous permet d'effacer les traces de crayon. J'efface tout avec une sorte de gomme. Cela fonctionne mieux pour le papier aquarelle. Je pense que c'est pour n'importe quel article, et maintenant nous allons peindre un arrière-plan. Nous choisissons déjà les couleurs, nous savons donc quoi faire. Nous choisissons les couleurs bleu pavé et jaune titane. Maintenant, je vais mettre de l'eau claire autour de notre rose. Les encres sont résistantes à l'eau, nous n'avons donc pas à nous soucier des taches Au début, cela fait un peu peur de mettre l'eau claire juste au-dessus de vos contours, mais l'encre sèche très vite et vous ne pourrez rien maculer J'ai donc mis un peu d'eau autour des feuilles, autour des pétales, autour de la fleur. Je veux conserver la forme expressive de l'arrière-plan et ne pas colorer la mauvaise page. Je pense donc que je vais utiliser le plus gros pinceau. Pinceau synthétique taille 6 et bleu pavé juste au-dessus. Quel beau contraste tout de suite. J'apprécie à chaque fois les premiers coups de pinceau sur le fond. J'enfonce la peinture. L'eau est encore humide, comme vous pouvez le constater. J'ai donc une transition douce avec des bords souples. Donc, à certains endroits, l'eau est presque sèche, il va donc falloir rajouter un peu d'eau. Je travaille avec soin sur les bords parce que je veux conserver les détails. Et j'ajoute aussi soigneusement de plus en plus de bleu sur le côté. Je veux conserver la forme expressive de l'arrière-plan. Ce n'est donc pas un carré parfait ou quoi que ce soit d'autre. Je n'utilise pas de ruban adhésif pour le contrôler. Juste une peinture à main levée avec un pinceau très pointu. Vous pouvez toujours augmenter la couleur. Le bleu cobalt de mon set est assez intense. C'est presque comme si c'était le cas. Et je sais que lorsqu'il sera sec, il sera plus léger et que cela le filtrera. OK, un peu de bleu dans cette forme. Il est important que tout le fond autour des pétales soit coloré en bleu. De cette façon, vous aurez un beau contraste. Derrière les feuilles, intensifions certaines parties de l'arrière-plan. Plus tard, j'ajouterais du jaune plus près du bas de la page pour créer un beau dégradé. C'est mon objectif, c'est mon plan. Nous avons tout planifié ensemble. Alors maintenant je ne fais que remplir l'arrière-plan. OK, maintenant adoucissons les bords. Adoucissons un peu les bords. J'utilise un balai ou un pinceau français et de l'eau claire. L'essuie-tout est un excellent outil si vous avez besoin de faire en sorte que votre pinceau ne soit pas trop mouillé maintenant sur le dessus, mais plus de pigment de ce côté. Et puis je pense que je devrai adoucir les extrémités comme ça. J'essaie de considérer la forme de l'arrière-plan comme une forme distincte. Il doit donc être expressif, tout en soutenant la composition globale de notre illustration ponctuelle. Maintenant, le jaune. Je veux ajouter du jaune au bas de l'arrière-plan, et cela créera un beau dégradé. Il est important de tester d'abord les couleurs, en particulier le bleu et le jaune. Parfois, ils créent un vert qui n'est pas le meilleur choix pour l'arrière-plan, c'est pourquoi j'ai tout testé auparavant. Je travaille sur la maquette finale. Maintenant, j'ai envie de tout mélanger et d'avoir cette douce belle transition entre les couleurs. Ensuite, je mettrai plus de bleu sur dessus pour intensifier l' impression, bien sûr. Notre arrière-plan est presque prêt. Comme vous pouvez le constater, nous avons les grandes lignes. Notre arrière-plan est presque prêt, et il ne nous reste plus qu' à ajouter de la couleur avec des aquarelles sur le dessus Nous avons déjà les belles transitions ici. Ajoutons un peu d'eau et du jaune sur le bleu. C'est une belle combinaison. Pas de vert inhabituel, un peu de vert, mais je vais adoucir les bords et la transition. Tout aura donc l'air équilibré. J'adoucis donc les bords. Et là, j' ai un point étrange. Recouvrons-le de plume. Et ce que je vais faire ensuite, c'est intensifier la couleur bleue particulièrement près du point focal principal de notre illustration ponctuelle. Nous voulons avoir un beau contraste tout en restant très organique. Rien de trop brillant ou de trop prévisible. Sur le dessus. Vous pouvez ajouter encore plus de couches ou n'en utiliser qu'une seule. C'est aussi une préférence personnelle. Plus de bleu sur le fond et derrière les feuilles pour soutenir la forme. Je peux presque imaginer comment je vois cela en noir et blanc ou sans aucune couleur. J'adoucis donc les bords à l'aide de mon pinceau à franges ou de mon balai, et le processus est long Accélérer le processus est donc une bonne idée, et notre expérience est presque prête. Quand il sera prêt, j' attendrai qu'il soit sec. Je n'aime pas utiliser un sèche-cheveux dans un carnet de croquis parce que cela rend les pages nettes Je vais donc le laisser tel quel. La peinture et l'encre sèchent très rapidement. Nous pouvons donc passer à notre partie peinture. C'est très excitant. 20. Rose démo : peindre des pétales et des feuilles: Bon retour. Notre peinture est complètement sèche, nous pouvons donc passer à autre chose et peindre les pétales. J'utiliserai le rose Quinacridon, et je vais peindre, comme nous en avons discuté à propos de l'encre à l'aquarelle J'utiliserai un pinceau synthétique taille 6 pour la couleur intense, puis je le mélangerai avec des pinceaux français. De cette façon, nous aurons une belle transition de couleur, presque comme un dégradé. J'ai besoin de plus d'eau. Comme ça. Parfois, j'utilise juste deux pinceaux français en même temps pour accélérer le processus. Comme vous le savez, ils retiennent beaucoup d'eau et beaucoup de peinture. Je peux donc couvrir les plus grandes surfaces en une seule prise, je pars du haut. De cette façon, je ne maculerai rien. J'oublie parfois de mettre une feuille de papier sous ma main de travail. Une couleur si intense plus près des bords, puis je la mélange plus près du haut. Je sais déjà où se trouvent les ombres parce que nous avons ces traits d'encre. Et puis je le mélange, pour que nous ayons une belle variété de valeurs sur le même pétale De cette façon, nous obtiendrons cette sensation et cette profondeur riches et intéressantes. Je pense que je vais utiliser un pinceau français, comme je vous l'ai dit. Pour les pinceaux français, ils fonctionneront probablement mieux. Laisse-moi ajouter de l'eau. Je vais donc peindre avec un petit pinceau français plus près des bords avec couleur plus intense, puis mélanger avec de l'eau pure, comme ça. De cette façon, nous pouvons obtenir rapidement un effet magnifique, avoir à nous soucier des encres. Tout est super sec. Tout est étanche. Ma technique est donc très pratique dans ce sens. Je travaille autour du centre de la fleur. La première couche est très importante. Vous pouvez planifier les couches futures à ce stade pendant que vous travaillez sur celle-ci. Je sais donc que nous aurons ici des ombres plus sombres, des couleurs plus intenses. Je regarde les coups de pinceau et je vais continuer de la même manière. Maintenant c'est l'heure des feuilles. J'utiliserai le jaune cobelt comme première couche. Comme nous en avons discuté, nous avions un plan et nous le suivrons. Le jaune cobalt est donc couleur chaude et aura un beau contraste. Surmontez tout de suite l'encre. Je recouvre donc toute la feuille de jaune. J'utilise un gros pinceau synthétique de taille 6. Eh bien, pour moi, c'est un gros pinceau, mais je connais des artistes qui aiment travailler avec 12 ou 10. C'est donc une préférence personnelle. Ajoutons de la luminosité. Le beau contraste. J'adore vraiment la couleur. C'est tellement ensoleillé et joyeux. Et nous avons cette encre révélatrice en dessous. Nous avons donc déjà un beau contraste et une sensation picturale même avec la deuxième couche avec une seule couche de plus Mon plan est donc de peindre sur toutes les feuilles. Ensuite, à l'étape suivante, j'ajouterai du vert sur le dessus. Mais d'abord, je dois faire jaunir toutes les feuilles et je vais continuer de la même manière. C'est un processus très fascinant. Maintenant, nous sommes presque prêts. J'ajouterai quelques traits pour couvrir l'espace blanc, et la première couche sera prête pour l'étape suivante. Il me reste quelques places pendant le processus, je vais donc les combler et nous pourrons passer à l'étape suivante. Et celui-ci. OK. 21. Rose de démonstration : Ajouter une deuxième couche: Bon retour, et nous continuons. Je vais ajouter du sable coloré au milieu. nous reste de la peinture, et c'est une bonne idée de le faire maintenant. Il se mariera un peu avec notre rose quinacridon et créera une OK. Donc ça a déjà l'air magnifique. Et maintenant, je veux ajouter des ombres à nos pétales en utilisant le rouge rubis. La première couche de quinacridon rose est prête, et dans un premier temps, je veux augmenter l'intensité à ce Essayons donc ce rouge rubis comme nous en avons discuté. Comme je viens de le faire, il serait beaucoup plus difficile d'ajouter des ombres avec le rose. J'ai donc choisi une autre couleur très, très proche, mais toujours avec une teinte différente. Comme ça. C'est plutôt intense. Il va donc falloir que je le mélange un peu plus. Donc, comme nous avons déjà un plan avec des encres dès la première couche, il est beaucoup plus facile de suivre l'itinéraire. Le pinceau français me convient mieux à ce stade. J'utilise deux pinceaux français comme nous le faisions auparavant. Je le mélange donc avec de l'eau. La couleur est très intense, mais elle peut être différente selon la marque que vous utilisez. J'utilise des couleurs très, très pigmentées. Ce sont des aquarelles professionnelles, certaines sont très intenses ou ressemblent un peu à de la gouache C'est donc toujours une bonne idée de tout tester d'abord. Mélangez-le avec de l'eau. Et ici, sous la boucle du pétale. J'ai l'impression de sculpter un peu. Tout le monde a une manière différente de peindre ou de dessiner, vous pouvez donc faire ce que vous voulez pour changer l'ordre des choses que vous comptez faire. Par exemple, vous pouvez commencer par des aquarelles, puis dessiner avec des encres sur le dessus C'est une imagination différente dans les œuvres. Ton plus foncé. J'utilise donc des tons plus foncés plus près des bords pour conserver la valeur et avoir cet effet tridimensionnel, l'illusion que l'on pourra augmenter par la suite. Je commence donc par les ombres. Et lorsque toute la zone est couverte d'ombres et contient de la couleur, je travaillerai ensuite avec de la gouache blanche sur le dessus pour rendre les reflets encore plus lumineux Et pour l'instant, je vais continuer à peindre la même manière et je vais peindre toutes les ombres et tous les pétales notre belle rose. C'est mon plan. Ici, nous avons une profondeur magnifique. Et maintenant, l'étape suivante consiste à peindre les feuilles. Une fois que les pétales sont prêts, nous pouvons passer à l'étape suivante. Je suis contente du résultat et j'adore l'apparence et les formes des pétales. Tout est mélangé et une belle profondeur est omniprésente. Donc, comme nous en avons discuté, j'ai testé les couleurs des feuilles, et j'utiliserai du vert ptalo au-dessus du jaune Cela créera immédiatement un dégradé riche. Je prévois de prendre beaucoup de peinture, puis de la mélanger à de l'eau en utilisant, oui, vous l'avez bien deviné, un pinceau à balai Le processus est donc presque le même à chaque fois, mais avec des couleurs différentes, des supports différents et des pensées différentes J'ai donc mis beaucoup de couleur sur le dessus. J'évite les coups de pinceau à encre, mais juste au cas où, pour que je puisse les considérer comme un guide. Ensuite, je mélangerai le tout avec de l'eau. Notre première couche est sèche. Donc, quand je mets de l'eau dessus, ça mélange un peu, mais pas trop, vous pouvez contrôler la quantité d'eau que vous utilisez. Quel effet. Je travaille avec des coups de pinceau très légers et subtils. Magnifique. Vous pouvez voir l' effet que nous visons. Transition subtile de la couleur. Nous avons toujours les lignes des encres. De cette façon, nous n' avons pas besoin d'être très précis. Nous ferons en sorte que la belle technique et l'effet fonctionnent pour nous. Maintenant, essayez d'utiliser différentes quantités d'eau, et vous verrez comment cela fonctionne, notamment avec votre peinture. Chaque peinture à l'aquarelle se comporte différemment et possède son propre caractère. Il est donc préférable de savoir comment les choses fonctionnent. Et j'aime aussi planifier les choses à l'avance. Maintenant, je vais essayer une autre feuille. Je pense que j'ai besoin de plus de peinture. Tout dépend de la surface, pinceau, du papier, de la peinture, de tant de situations inattendues et de mélanges De l'eau et un subtil mélange pour un effet magnifique. Et je continuerai à travailler de la même manière sur toutes les feuilles de notre belle illustration. Nous avons une belle rose, et ajoutons encore plus de profondeur. Ensuite, je pense que je dois ajouter la deuxième couche de vert, plus près des bords, les ombres pour intensifier la couleur et la valeur globale de cette partie de l'illustration de notre livre. Donc plus près des bords, j'ai mis beaucoup de vert mais pas trop près du haut de la feuille pour avoir ce beau contraste. Nous avons déjà un mélange de jaune et de vert et tout le reste. Ce mélange inattendu va donc se produire. La beauté des œuvres d'art traditionnelles. Toujours quelque chose de nouveau et de surprenant. Maintenant, je pense que j'ai besoin de soutien. OK, vert très foncé, couleur très intense. Il fonctionne comme une ombre s'il est peint près du rouge. Nous avons donc tout de suite un beau contraste. Avec le pinceau à balai, je mélange l'ombre pour qu'elle soit lisse et conserve l'aspect organique et pictural de l' ensemble de l'œuvre d'art Quelques traits ici, quelques traits ici, juste un tout petit peu, de petites touches. Lorsque l'ensemble du tableau est presque prêt, vous pouvez sentir ce que vous devez ajouter pour maintenir l'équilibre et unifier l'ensemble de l'œuvre Et ça a déjà l'air magnifique. Vous pouvez voir comment quelques couches suffisent à créer cet effet riche et profond. Juste quelques couches. Ce n'est pas tant que ça pour la peinture, et nous avons la profondeur et l'intérêt réels et tout sur une seule page. Passons donc à la dernière partie. 22. Rose de démonstration : Ajouter des éclaircissements et des détails: Bon retour. Et nous commençons à ajouter de la magie avec de la gouache blanche Je vais mélanger un peu de blanc avec du rose, nous aurons donc une couleur rose subtile. Vous pouvez modifier la quantité de blanc, la quantité de rose pour obtenir la teinte parfaite. Et j'adore le faire pendant le processus, alors je les mets les uns à côté des autres et je mélange le tout de manière très libre. Quelque chose comme ça, une belle couleur pastel, et je vais m'en servir pour les reflets. Comme d'habitude, j'utiliserai d'abord la couleur intense, puis je la mélangerai à de l'eau. Avec la gouache, c' est un peu différent. La peinture est plus opaque et assez intense. Je pense donc que j'aurai besoin d' un autre pinceau comme celui-ci. gouache devient plus mate lorsqu'elle est sèche, vous devez donc en tenir compte Et bien sûr, il se mélangera à nos couches initiales pour créer une belle transition. Mais parfois, l'effet disparaît un peu. C'est pourquoi vous pouvez ajouter quelques couches si vous pensez qu'une seule couche ne suffit pas. Donc ce blanc sur le dessus. Je ne colore pas le pétale en entier, mais certaines parties pour garder l'intérêt Je soutiens la forme du pétale et je le mélange plus près des bords des autres pétales Quelle belle montée au sommet. Et je pense qu'ici, nous avons déjà une ombre noire en dessous. Ainsi, le blanc sur le dessus créera immédiatement un contraste magnifique et saisissant. Nous peignons donc la forme sur le dessus. Très bel effet, mais il faut que je le mélange davantage. C'est super intense. Il ne sera pas aussi brillant quand il sera sec, et comme je le sais, je peux le laisser tranquille pendant un moment. Mais bien sûr, je vais y réfléchir parce que je pense toujours trop à tout. OK, donc plus de mélange plus près du bas du pétale. Et près des bords des autres pétales. Ces transitions sont très importantes car elles permettent de conserver l'impression générale de l'œuvre d'art. OK, j'ai planifié toute la zone que nous venons de peindre, et c'est le principe je vais utiliser pour le reste de la fleur. J'utiliserai donc le mélange de blanc et de rose dans différentes proportions pour mettre en valeur notre belle rose. Et gardez le tout en équilibre , car ces autres pinceaux sont parfaits pour mélanger Vous n'êtes pas obligé d'utiliser trop d'eau avec eux. Quelque chose comme ça. OK, je continue de travailler de la même manière. OK. Nous avons un résultat magnifique. Et maintenant, notre rose a un éclat subtil et en même temps touche artistique et profonde. Alors, qu'allons-nous faire ensuite ? Je veux ajouter de l' endurance au milieu. Je vais prendre du jaune titane. Vous vous en souvenez grâce à notre arrière-plan et à nos traits très subtils , des points ici, en plein milieu. J'utilise aussi le petit pinceau. C'est autour d'un pinceau synthétique et il suffit disperser quelques points au milieu de la farine Ce jaune ressemble presque à du blanc. Vous pouvez donc simplement mélanger n'importe quel jaune avec du blanc et obtenir cette couleur intense et intense. J'ai juste du jaune titane dans mon set d'aquarelle. Mais vous pouvez mélanger les vôtres, bien sûr. Quelques points épars. Très bel effet. OK, maintenant la sauce secrète, je vais utiliser la fleur pavée. Tu l'as déjà vu. Et je veux ajouter de la profondeur et esthétique avec un énorme subtil sur le dessus. Je vais donc prendre un peu de fleurs pavées et les ajouter par-dessus l'illustration Je peux le mélanger avec du blanc pour une sensation plus subtile. Il couvrira donc le vert épais sur le dessus. Comme ça. Juste quelques coups. Cela fera une énorme différence. Les petits détails jouent toujours un rôle important. Je le mélange donc un peu avec du blanc pour obtenir une consistance plus intense. La texture est plus opaque. Genre, juste sur les feuilles. Nous avons un beau contraste à côté de la fleur, et nous avons un fond bleu. De cette façon, nous unifions l'œuvre d'art. Par exemple, si vous travaillez numériquement, vous pouvez simplement placer la couche de texture par-dessus, comme nous le ferons également dans la deuxième partie du cours Mais ici, c'est plus compliqué. Nous devons donc être inventifs et très courageux. OK, quelques coups ici, ici et ici. Chaque œuvre d' art contenait donc une petite quantité de cobalt. Super. J'adore vraiment son apparence, mais j'ai besoin de le mélanger un peu. Nous n'avons pas besoin de quelque chose de trop pointu à ce stade, car le centre de l'œuvre reste la fleur elle-même. Et lorsque vous travaillez avec l'illustration de livres en tête, vous pensez à l'impression et vous ne voulez pas trop de détails. Nous avons donc l' objectif principal, la partie principale, et les feuilles ne font que soutenir la composition et l'impression générale sur la fleur. Je mélange donc le tout avec un balai. Nous avons déjà quelques couches, donc tout se mélange, et nous pouvons en ajouter une autre. En plus du mélange, c'est toujours une bonne idée. Pas partout, mais à certains endroits où vous vous sentirez bien. Comme ici, ici. Et peut-être ici. Mmm, hum. C'est un très beau processus. Tout est presque prêt, et tu es juste en train de peaufiner les choses. J'adore cette partie du processus. Pas trop de pression pour créer quoi que ce soit, juste pour maintenir l'équilibre et créer encore plus l'atmosphère. Encore quelques coups. À ce stade, je regarde simplement l'illustration en général et je réfléchis à ce que je peux ajouter. Je pense donc que la deuxième couche de bleu cuivré est une excellente idée. Donc, ce que je vais faire, c'est ajouter un peu plus de bleu sur le dessus. Et puis, bien sûr, je vais le mélanger. Sinon, ce serait trop graphique et trop équilibré par rapport au style général de l'œuvre d'art. Je mélange donc le bord avec soin. Maintenant, il a l'air très humide. Mais lorsque la couleur est sèche, elle aura l'air plus mate. Maintenant, ici. Donc, en gros, je travaille sur les bords des pétales. Ils sont maintenant entièrement peints et une couche est ajoutée sur le dessus. Soutient encore mieux la forme et la couleur. Ainsi, nous créons l'arrière-plan au-dessus de notre première couche. Et ici, vous pouvez toujours le maculer, le mélanger ou soulever la peinture si vous trouvez que c'est trop Je travaille sur le bord du gouffre. C'est une grosse brosse à balai, et cette arête est également importante Un peu de peinture par ici. C'est un bleu cobalt pur sans aucun blanc. Mais comme je l'ai dit, mes peintures sont très, très intenses. Le vôtre n'est donc peut-être pas si épais que ça. Maintenant, je réfléchis un peu, puis nous devons passer au bas de l'échelle. Le penchant commence donc tout de suite. Nous avons presque terminé notre peinture, quelques touches finales. Et nous avons des illustrations de roses enchanteresses, coups de pinceau, des couches, tout est unifié en harmonie. Je vais donc le numériser en haute résolution afin pouvoir l'imprimer dans n'importe quelle taille ou l'envoyer à l'éditeur. Et dans la vidéo suivante, je vais vous montrer comment je scanne mes œuvres d'art. Et maintenant, nous avons notre belle illustration de rose enchanteresse prête directement dans notre carnet de croquis Passons à la partie suivante. 23. Comment numériser vos œuvres d'art: Nous y voilà. Je recommande vivement scanner l'œuvre d'art et de ne pas la photographier Ainsi, vous conserverez toutes les nuances et les coups de pinceau de la beauté que nous avons créée dans notre carnet de croquis Je m'assure donc que l' œuvre est complètement sèche. Nous n'avons pas besoin de nous presser à ce stade. Il vaut mieux attendre et vérifier. Avant de numériser. Ensuite, je vais le placer dans le scanner. Comme ça. Assurez-vous que votre illustration est plate et alignée avec les bords. Ainsi, vous ne perdrez aucun détail important. Je l'ai donc soigneusement mis dans le scanner. Ensuite, j'ouvre la fenêtre de prévisualisation. Pour la numérisation, je commence généralement par une analyse d'ensemble. Ici, je peux recadrer et ajuster pour m'assurer que seule l' illustration est sélectionnée. Cela a l'air génial, et je choisis le mode couleur et la résolution dans ces champs. Habituellement, je numérise à 600 DPI, mais la pratique courante est de 300 DPI, ce qui fonctionne bien pour l'impression et le numérique. Mais si votre ordinateur peut le gérer, 1 200 DPI peuvent vous donner un résultat encore plus détaillé. Je vais donc scanner mes œuvres d'art. Cela prend quelques instants, et notre magnifique œuvre d'art est prête. Nous en voyons toute la richesse. On voit tous les détails, les coups de pinceau. Nous pouvons le recadrer. Et je le garderai pour une future post-production. Et c'est tout. 24. Illustration de livre numérique: Bienvenue dans la deuxième partie du cours. Nous utiliserons la magie des outils numériques pour donner vie à notre illustration. J'ai remarqué que je couche plus souvent avec moi que le carnet de croquis Ral Eh bien, ce qui est parfaitement bien. n'ai pas accès à l'art traditionnel, et je crois que nous pouvons combiner le meilleur des deux mondes et grandir en tant qu'artistes Vous pouvez même expérimenter et combiner les deux techniques. Par exemple, en faisant des croquis numériques pour tester les idées et apporter des modifications rapidement, puis en complétant l' illustration finale de manière traditionnelle, ou en utilisant l'approche qui vous convient le mieux. Nous explorerons les techniques numériques Procreate, telles que les modes de fusion, les dégradés et les textures pour ajouter touche et un charme traditionnels à Vous pouvez télécharger du matériel personnalisé que j'ai préparé pour vous dans les ressources pédagogiques. Si vous voulez du matériel supplémentaire, j'ai des ensembles vraiment géniaux à votre disposition. Il suffit de consulter ma page Skillshare. Dans la courte vidéo suivante, je vais montrer certains des paramètres de procréation. Donc, si vous utilisez un autre logiciel, ne vous inquiétez pas, vous pouvez simplement l'ignorer. 25. La configuration de Procreate: Nous y voilà. Permettez-moi de vous montrer certains des paramètres que j'aime utiliser. Je vais aller dans les paramètres, les applications, trouver Procreate, et je vais m' assurer que la version simplifiée d' Andus De cette façon, j'ai un meilleur contrôle sur les étapes du processus. Ensuite, je vais sur l'Apple Pencil et je désactive le double tap. Je ne l'utilise pas, c'est juste une préférence personnelle. J'utilise plutôt une option de compression prise en charge par mon crayon, et je l'utilise pour afficher la palette de couleurs, mais il existe d'autres options. Vous pouvez essayer de trouver ce que vous préférez. Ensuite, nous passons à Procreate. Nous créons un nouveau canevas en appuyant sur ce petit dossier avec un plus. La taille de la toile. Je préfère celui-ci. Et si vous prévoyez d' imprimer vos illustrations, assurez-vous de définir une résolution DPI à 300 ou à 600. Il peut même être de 72 DPI si c'est uniquement pour le Web, mais je ne le recommande pas. Ensuite, je passe à l'icône de plage, qui correspond aux actions, aux préférences. Les voici, et je passe à deux commandes. Voici toutes les options. Je désactive le dessin assisté. J'aime conserver mes coups de pinceau originaux. C'est aussi ma préférence personnelle. Il y a encore une chose, la courbe de pression du crayon. Dans Procreate, vous pouvez modifier la pression du stylo. Nous allons sur l'icône de la clé à molette et appuyons sur la pression et le lissage. Vous pouvez modifier la pression du stylo et tirer l'arc vers le haut. C'est mon réglage habituel, mais vous pouvez toujours le réinitialiser. Essayez donc de trouver ce qui convient le mieux à votre style. Vous pouvez revenir au réglage habituel, et je travaille avec celui-ci. Cela peut également être fait pour des pinceaux séparés. Il y a une autre chose que je voulais vous montrer : un mode de référence. Nous accédons à la gamme Canvas et à la référence sur une petite fenêtre, vous pouvez voir un canevas ici ou une référence, ce qui est très utile. Vous pouvez le préciser ou même créer des échantillons. Laisse-moi te montrer. Je suppose que vous devez regarder la couleur de cette belle texture d' aquarelle , que vous pouvez trouver dans les ressources pédagogiques, d'ailleurs Comme ça. Vous le verrez dans la vidéo suivante, nous allons parler de la façon d'appliquer des textures. 26. Comment appliquer des textures: Bienvenue dans le détail de notre travail. Nous appliquerons des textures. Si vous n'avez jamais utilisé de textures auparavant, ne vous inquiétez pas. Permettez-moi de vous montrer quelques idées rapides. Cette approche est universelle. Vous pouvez utiliser la même logique dans Photoshop ou dans d'autres logiciels. Vous pouvez trouver mes textures personnalisées dans les ressources de classe. Allons-y. J'adore ajouter de vraies textures à mes œuvres numériques. J'ai donc créé des expériences d'aquarelle et je les ai scannées de manière professionnelle. Vous pouvez voir que c'est du papier aquarelle très épais. Vous trouverez ces textures dans les ressources pédagogiques, et j'espère qu'elles vous inspireront également. J'utilise des fournitures artistiques professionnelles et du papier aquarelle de haute qualité Ils sont très détaillés. Tu vas voir. Donc, en gros, il existe deux manières principales d' ajouter des textures dans Procreate Tout d'abord, en utilisant directement les images de texture numérisées ou en les utilisant comme pinceaux personnalisés. Commençons par le premier. J'ouvre mon illustration et je passe à ED, j'insère une photo. La texture apparaît sous forme de couche supérieure. Vous pouvez modifier la taille, et bien sûr, vous pouvez la déplacer au-dessus ou en dessous de l'illustration, et vous pouvez également modifier l' opacité et le mode de fusion J'utilise généralement la multiplication ou la superposition ici. Vous pouvez constater l' effet immédiatement. J'adore la façon dont il ajoute de la subtilité et du grain de façon inattendue La texture est peinte à la main, vous avez donc toujours cette sensation organique. Vous pouvez modifier différentes préférences et essayer de voir à quoi cela ressemblerait sur vos œuvres d'art Vous pouvez donc voir la différence. La deuxième façon d'utiliser la texture est de l'utiliser comme pinceau. Allons y jeter un œil. Cela vous donne plus de flexibilité car vous pouvez appliquer la texture exactement où vous le souhaitez. Il vous suffit donc de choisir n'importe quel pinceau texturé et de l'appliquer sur la zone. Ajoutez la texture, et vous pouvez également changer le mode de mélange par la suite, comme suit Nous pouvons créer la texture complète comme je l'ai fait sur la photo ou vous pouvez simplement peindre sur un petit élément de votre œuvre d'art. Ici, je peux ajouter de la texture aux cheveux et aux fleurs, donner une touche granuleuse, changer le mode de mélange pour trouver l'effet qui me plaît, et je peux modifier Donc, si je veux juste un peu de texture, je peux le faire. Faisons la texture complète. C'est mon pinceau personnalisé, pinceau à papier mixte. Vous pouvez également le télécharger en tant que bonus dans les ressources de classe, afin que nous puissions essayer une autre texture et simplement expérimenter. Nous avons donc compris l'idée. Les deux méthodes fonctionnent très bien. C'est juste une préférence personnelle, presque comme dans tout ce qui concerne l'art. Mais si vous voulez obtenir des détails, il est préférable d'utiliser des pinceaux, et si vous souhaitez obtenir une sensation texturée globale, il est préférable d'utiliser plutôt une texture numérisée Il existe de nombreux pinceaux et textures. Vous pouvez comparer les résultats et voir ce qui se passe. Et dans la vidéo suivante, nous allons apprendre à appliquer des dégradés. Je vais vous montrer ma façon préférée de le faire. Passons donc au mode de fusion, et passons à autre chose. 27. Comment appliquer des dégradés: Bon retour. Il existe plusieurs façons de créer des dégradés dans Procreate , et je vais vous montrer Je vais vous montrer comment utiliser le flou gaussien et l'outil Smudge. C'est le principe que je vais utiliser dans mon illustration de Cendrillon Je veux donc être prête et vous montrer comment je peins habituellement. Je vais donc peindre de la farine ou, je dirais, du bourgeon, puis avec cette forme simple, je vais vous montrer la technique. Donc quelques petites feuilles ici et peut-être ici. La couleur est donc juste le vert neuronal. Je vais le remplir de couleur, puis j'ajouterai une deuxième couche de couleur sur le dessus, ou vous pouvez le faire juste à côté de la première couleur. Choisissons la couleur de base oui, elle doit être sous le contour. Je vais donc rapidement colorier cette petite illustration en vert. Ensuite, je choisirai une autre couleur, plus claire juste au-dessus. Ou vous pouvez le placer à côté de la première couleur. Cela n'a pas beaucoup d'importance. Vous verrez le directeur tout de suite, comme ça. Ensuite, je peindrai encore plus. Je pense, comme ça. Oui Ensuite, je vais cliquer sur Alpha Log pour que tout reste dans une seule couche. Ensuite, je passe aux réglages du flou gaussien, et je fais glisser mon crayon sur l'écran pour contrôler le Comme ça. Plus je glisse, plus le dégradé est doux. Si vous avez déjà utilisé Photoshop, vous connaissez déjà ce principe. C'est donc un moyen vraiment rapide et génial d'obtenir un mélange fluide C'est la première option. Et laissez-moi vous montrer une autre option plus proche de mon style SmudgTol C'est plus pictural que de travailler avec de vrais pinceaux Donc, en gros, je mélange simplement les couleurs. Si vous regardez mes autres cours sur Procreate, vous connaissez déjà ce principe, car je l' utilise tout le temps dans mes œuvres d'art On a l'impression de travailler à la gouache ou à l'aquarelle. Comme ça. J'adore le toucher organique. Les coups de pinceau, super. Donc quelque chose comme ça. J'aime aussi fusionner les couches, puis utiliser l'outil Much pour mélanger encore plus les bords. En général, c'est la dernière étape de mon processus d'illustration. Lorsque je travaille en numérique, laissez-moi vous montrer comment cela fonctionne Oups. Je fusionne les couches, puis j'utilise l'outil Much mélanger encore plus les bords. Donc, lorsque tout est presque prêt, je fusionne généralement toutes les couches , je corrige certaines petites parties et je mélange le tout. Super. Vous connaissez maintenant les techniques que nous allons utiliser, et dans les prochaines vidéos, nous travaillerons sur notre magnifique illustration de conte de fées comme ceci et ceci. OK, passons à autre chose. 28. Démo : illustration de chaussons Cendrillon: Commençons. Nous allons créer une illustration inspirée du légendaire conte préféré Cendrillon Il existe de nombreuses versions de cette histoire. Nous allons représenter le symbole emblématique, la pantoufle de verre Il est curieux que dans la version allemande de l'histoire, la pantoufle soit dorée Nous commencerons par une composition saisissante à l'encre jusque dans les détails et utiliserons des dégradés et des textures pour donner vie à notre illustration Et puis ajoutez-y une touche de magie. 29. Démo Cendrillon : Encrage du contour line: Bon retour. J'ai déjà mon croquis de la pantoufle en verre Cendrillon ornée Et voici une palette de couleurs. Vous pouvez tout trouver dans les ressources pédagogiques. J'adore trouver l'inspiration partout. Je viens donc de voir ces magnifiques chaussures dans le calendrier du musée des souvenirs, et j'ai été émerveillée par les détails. J'ai donc pris quelques éléments comme source d'inspiration et, bien sûr, les fleurs. Bien sûr, vous pouvez utiliser cette esquisse, mais si vous souhaitez ajouter vos propres traits, vous pouvez utiliser n'importe quel pinceau d'encre sur la couche supérieure et dessiner votre contour comme ceci Laissez-moi vous montrer que vous pouvez modifier l'opacité de la couche. Créez-en un nouveau et, à l'aide de n'importe quel pinceau, travaillez simplement avec vos cerceaux Nous avons besoin d'une nouvelle couche, comme je l'ai dit. Et avec tes coups de pinceau, tu crées une esquisse comme ça. Vous trouverez tous les téléchargements dans les ressources pédagogiques. Nous avons donc un croquis. Nous avons une palette de couleurs et nous sommes prêts à partir. Ce dont nous avons besoin, c'est de la texture. Donc, ce que je vais faire, c'est ajouter une texture dès cette première étape pour que l'esquisse soit la couche supérieure, et je mettrai la texture en dessous comme nous l'avons fait auparavant. J'ai préparé une texture de papier vintage, nous aurons donc cette belle garniture tout de suite, comme celle-ci. J'adore la combinaison de couleurs et la texture est très subtile. Je pense donc que cela correspond parfaitement à l' atmosphère de l'œuvre d'art. Je duplique donc l'esquisse, et c'est mon habitude avec Photoshop. Au cas où quelque chose arriverait, j'ai toujours le dessin initial, puis je vais créer un masque de découpage sur le nouveau calque De cette façon, je pourrai colorer les lignes, et cela n'affectera aucune autre zone. C'est ainsi que je travaille habituellement en numérique. Je choisis donc la couleur. Je choisis n'importe quel pinceau qui fonctionne bien dans cette taille, et je colore les lignes en fonction de l'œuvre d'art. Alors je peins les fleurs. Tout comme dans la peinture traditionnelle, je peignais avec du rouge , puis je peignais quelques couleurs par-dessus. Le masque de découpage nous permet de travailler sur zone spécifique sans rien gâcher Tout reste dans les lignes, donc je peux changer de couleur. J'ai l'intention de peindre des papillons en jaune, nous aurons donc ces beaux accents. Permettez-moi de vous montrer un peu comment jouer ici, ici et ici. Nous aurons ce triangle de couleur jaune, qui apportera beaucoup d' intérêt à l'illustration. OK, pour le moment, ma couleur suivante est le vert, alors je colore les lignes des feuilles et tout ce qui entoure la fleur rouge. Ainsi, vous pouvez modifier l'opacité de la couleur. Tu peux changer la pression, tout. Et je préfère utiliser beaucoup de couleurs au début, et cela suscite beaucoup d' intérêt par la suite. La chaussure est donc en verre. Donc évidemment, nous aurons besoin d'un collier bleu et les papillons sont jaunes. Comme ça, comme ça. Et nous sommes presque prêts à passer à l'étape. Je pense que le jaune, le rouge, le bleu et le rose subtil sont de toute façon plus proches des pantoufles, au centre de notre illustration Nous devons donc avoir un peu d'espace libre, pour ainsi dire autour de nous. Je veux assombrir les pétales pour les futures aquarelles numériques, et la pantoufle devrait être un peu plus claire, bien sûr . C'est du verre transparent. OK, ça a l'air super, et nous sommes prêts pour la prochaine étape. 30. Démo Cendrillon : Pétales et feuilles aves: Bon retour, et il est temps d'appliquer les techniques que nous avons apprises. Utilisons un mode de référence. Nous savons déjà comment nous y prendre. Et ce que je vais faire. Je peux donc voir le croquis complet ici. J'utiliserai l'outil de sélection, puis je travaillerai avec chaque élément séparément. Créons une nouvelle couche. Ensuite, je passe à la sélection, et je commence par les pétales. Vous allez voir le processus. Je pense que je vais travailler sous le croquis. Je sélectionne l'élément à main levée, donc je peux dessiner n'importe quelle forme à l'aide de cet outil de sélection. Ensuite, je le remplirai de couleur. N'importe quoi dans la palette de couleurs ou vous pouvez simplement choisir n'importe quoi dans votre référence, comme ça. Ensuite, je vais appuyer sur Alpha ok pour que tout reste dans cette couche, et j'ajouterai un autre contraste. Couleur, dans ce cas, plus proche du bas de la fleur. Et une couleur plus foncée sur le dessus. Peu importe la couleur que j' utilise en ce moment. Le plus important est cette transition subtile que je vais créer par la suite. Je peins donc la forme du pétale comme ça, et ensuite vous savez ce que je vais faire ensuite Cosan floue et je fais glisser le crayon sur l'écran. Un flou très subtil. Maintenant, la couche suivante et je vais faire de même avec d' autres parties de la farine. Vous pouvez sélectionner des zones aussi grandes ou aussi petites que vous le souhaitez, selon votre style. Le principe restera le même. J'aime beaucoup les détails, alors je travaille sur cette partie séparément. À la fin du processus, je vais tout fusionner car j'aime travailler de manière traditionnelle. Je traiterais donc cette illustration comme celle peinte sur du papier aquarelle Ensuite, j'ajoute plus de couleurs, et je peux simplement modifier la couleur du contour d' Apalok et Et ensuite. Je vais donc sélectionner quelques éléments supplémentaires et continuer à travailler la même manière sur les pétales situés sur le dessus de la pantoufle en verre et sur le côté N'oubliez donc pas d' appuyer sur Alpha Lock à ce stade, bien sûr. Plus tard, nous n'en aurons plus besoin. C'est l'heure des éléments verts. J'ai l'intention de ne pas utiliser autant de détails, et c'est difficile parce que j'adore les détails. Je les colore donc simplement en vert uni. Ensuite, j'ajouterai des ombres et des reflets par-dessus. Alors maintenant, je fais juste une impression générale du contexte. Ensuite, j'utiliserai des ombres vertes plus foncées derrière les pétales et, bien sûr, derrière la pantoufle en verre Faisons donc en sorte que tout fonctionne. Et je commence à ajouter vert plus foncé sur la même couche que nous. Comme ça. Juste un aperçu du formulaire. Éléments sombres sur le côté et derrière les pétales. J'utilise des coups de pinceau subtils et quelques traits ici et là, et bien sûr, l'ombre derrière la pantoufle et je parie sur une fleur et, bien sûr, sur l'ombre principale pour créer une sensation tridimensionnelle Ensuite, je vais ajouter des reflets avec un vert plus clair. Et je vais même ajouter du jaune sur le dessus. Mais pour l'instant, j'ai besoin de points forts comme celui-ci, comme celui-ci. Et comme nous connaissons déjà les papillons, je peux utiliser le jaune pour m'intéresser. Choisissons la couleur et ajoutons quelques éléments lumineux avec du jaune ici et ici. Super. Nous avons des scènes magiques, nous pouvons donc utiliser ce que nous voulons. Maintenant, vérifions le verrouillage Alpha et utilisons le gaz et le bleu comme nous le faisions auparavant. Je fais glisser le crayon, mélange les couleurs et je fusionne le tout. Maintenant, les papillons et autres éléments jaunes. Je vais donc tout regrouper. Encore une fois, j'essaie de ne pas me laisser emporter par trop de détails. C'est pourquoi la sélection de quelques éléments peut être une excellente option. Ensuite, j'utiliserai du jaune et un peu d' ombres. Pour avoir cette impression chaude d'un jaune éclatant sur les bords comme ça. Ça a l'air magnifique. Et je vais ajouter quelques ombres un peu, comme je l'ai fait avant, légèrement plus foncées. Jaune. Vous pouvez utiliser n'importe quel pinceau. Impression générale de la forme. Rien de trop détaillé. Le plan est suffisamment détaillé. Quelques coups ici sur les ailes et sur la fleur. J'ai hâte de peindre notre dormeur magique dans la prochaine vidéo Je termine donc rapidement ces parties. Voyons ce que nous pouvons ajouter des plus sombres ici et des zones plus sombres ici. Plus près des feuilles. Voyons à quoi ça ressemble. Ça va brouiller un peu. Super et on fusionne tout. OK, nous avons presque terminé, et dans la prochaine vidéo, nous allons continuer avec notre magique palmes en verre. Celui-ci. 31. Démo Cendrillon : Rendu de la chaussure en verre: Bon retour. Tout est en place, et il est maintenant temps de donner vie à notre pantoufle en verre Je vais commencer par sélectionner la forme complète de la pantoufle, puis je la remplirai d'une couleur de base douce N'oubliez pas Alpha Lock, vous savez, pour que nous puissions rester dans les files en choisissant à main levée, je dessine autour de la pantoufle, le talon ici Je vais donc avoir la forme complète. Il n'est pas nécessaire que ce soit parfait. Dans mon style pictural, ce n'est pas si important Maintenant, choisissons la couleur. Je dirais que ce bleu doux fonctionne très bien, comme ça. Nous avons donc sélectionné Alpha log, ce qui signifie que les bords seront propres. Maintenant, je vais ajouter des reflets et des ombres. J'ajouterai des tons plus clairs pour suggérer des reflets. Vous pouvez commencer par les ombres ou les reflets. Cela n'a pas beaucoup d'importance. Mais pour le verre, je pense qu'il est plus facile de travailler avec des reflets. Je prévois donc les parties blanches presque d'un blanc presque pur. Ensuite, j'ajouterai des ombres plus foncées avec des bleus plus foncés et je masquerai tout comme nous le faisions auparavant Donc des reflets blancs, des reflets transparents. Je vais tout mélanger avec le flou gaussien comme nous le faisions auparavant Donc, je n'ai pas peur d'être très précis. L'ombre située sous l' arc, plus près des bords. J'ai toujours le contour, donc ça peut paraître un peu pictural pour le moment, mais ça sera magnifique à la fin Ajoutons quelques traits ici. Des dômes plus sombres, ici et ici. Ce sont des formes un peu aléatoires. Oups. Nous n'en avons pas besoin ici. Pour appuyer sur Annuler, puis rapprochez cette partie du bord. Et plus près des pétales. Bien sûr, il devrait être plus prononcé. Et encore une fois, maintenant je pense que je peux ajouter une couleur encore plus vive, peut-être même un bleu plus vif. Nous aurons donc l'ensemble de l' œuvre en harmonie. J'adore la façon dont le bleu vif agit près des pétales. Comme vous pouvez le deviner, notre objectif est de créer la transition délicate telle que nous la voyons dans le verre. Je vais donc utiliser le flou gaussien comme nous le faisions auparavant pour flouter les couleurs J'ajoute quelques coups de pinceau autour de la pantoufle. D'accord. Je pense qu'encore plus de points forts fonctionneraient très bien. Ensuite, je vais le brouiller avec du gaz et du flou, comme ça, d'accord, juste un petit peu, et vous pourrez voir le C'est très, très subtil. Et, bien sûr, je devrai corriger les formes par la suite. Je vais le faire en utilisant l'outil Smudge. Je vais tout fusionner. Et avant de travailler sur le chausson, je voudrais ajouter quelques coups de pinceau sur les pétales À l'heure actuelle, je peux voir qu' il y a des lacunes de couleur. Maintenant que nous avons la composition complète, presque prête, je peux sentir ce que je dois ajouter pour obtenir l'harmonie. C'est la partie la plus importante de toute œuvre d'art. Les choses fonctionnent donc en équilibre. La forme de ce pétale est très importante car il est très proche de la pantoufle Et je porterai une attention particulière à cette partie, surtout lorsque je fusionnerai le plan par la suite. Ici, ajoutons un peu de contraste à la floraison. C'est génial Nous avons ajouté un bleu plus clair. Le rouge presque rose est assez vif, nous en aurons donc une belle impression. Maintenant, ce que nous allons faire ensuite, je duplique toujours le calque au cas où c'est mon habitude avec Photoshop, comme je vous l'ai dit, et maintenant je comme je vous l'ai dit, et maintenant je fusionne le tout, comme ça. L'ensemble de l'œuvre d'art est donc une couche. Cela signifie que nous sommes également prêts pour la partie magique. Mais avant cela, j'ai envie de travailler un peu plus sur les pétales. J'essaie toujours de réfléchir à ce que je peux faire pour rendre l'œuvre encore plus belle à ce stade avant les touches finales. Je prévois donc d'améliorer les bords des pétales. Ici, nous avons une belle forme, et je veux la rendre plus prononcée. Maintenant que j'ai tout en une seule couche, je peux maculer à l'aide d' à papier vintage ou de tout autre pinceau Les bords subtils sont là. L'outil de maculage repousse la peinture et effectue cette magnifique transition picturale L'outil Smudge fonctionne pour chaque partie de l'œuvre d'art. J'adore l'utiliser pour les améliorations finales. C'est très pictural, presque comme si vous travailliez avec des pinceaux traditionnels J'apprécie donc beaucoup cette partie. Je macule avec un pinceau en papier vintage et je retouche les couleurs. J'ajoute donc de la profondeur et je forme quelques points forts. J'essaie de penser à l'ambiance générale de l'œuvre d'art et non à chaque petit détail, et j'adore les détails. Donc, de temps en temps, je dois me rappeler que l'impression générale est très importante. Je place donc la peinture plus près des bords, et je la pousse aussi ici et là, le contour fait ressortir le flou du pinceau traditionnel plus près du bord de la pantoufle Nous créons une belle transition de couleur. J'ajoute donc de la profondeur, puis je dois ajouter encore plus de reflets, je pense pour augmenter le contraste. Je peins donc un peu les formes. Bien sûr, plus près de la pantoufle, je dois faire plus attention Les reflets sont plus clairs au milieu. Et puis les combats s'assombrissent. Ici, je dois ajouter un peu plus de couleur. J'ai encore une fois du mal. Ici et là, je change la taille du pinceau ou je peux changer le pinceau pour un autre simplement pour obtenir la bonne structure et la bonne texture. Choisissons la couleur la plus claire. Dans ce cas, je pense que je devrais mieux travailler. Peu importe le pinceau que vous utilisez, plus les choix que vous faites en cours de route sont importants . Je veux donc avoir une ligne détaillée pour attirer l'attention du spectateur comme nous l'avions fait dans nos feuilles de travail, en quelques traits Voilà, maintenant, tout semble presque terminé. J'apprécie beaucoup cette partie du processus, il est donc très difficile de l'arrêter. Voyons ce que nous pouvons faire d'autre. Ces parties de l'œuvre ne sont pas très importantes, alors j'essaie de ne pas y prêter trop attention. Comme vous pouvez le constater, je couvre tout avec de larges coups de pinceau Et je m'en fous d'être très précis ou de rester dans les limites. Je veux juste garder l'impression générale de ce ruban floral magique Cette partie doit également être très, très floue, mais les pétales doivent bien sûr être visibles Je travaille donc sur les pétales de la fleur supérieure et j'ajoute des ombres en dessous. Et encore quelques coups frais. Je détache donc la couleur directement sur les pétales, et je l'ajoute ici et là pour garder une belle impression Et, bien sûr, je porte une attention particulière aux bords. C'est une partie très importante de toute illustration de livre. papillon, puis les feuilles je saute certaines parties des lignes pour avoir cette sensation organique. Et je précise même certaines parties à ce stade. Par exemple, ici, je pense que le contraste derrière le chausson est très, très important Cela fait ressortir les chaussons et le vert de plus en plus foncé contraste parfaitement avec la couleur des pétales. Donc, derrière la pantoufle, il y a encore plus de taches, bien sûr, un arrière-plan subtil, presque Et peut-être que je voudrais ajouter un peu plus d'ombres ici. Alors j'ajoute, je macule, et je répand la peinture. Nous sommes presque prêts à ce stade. Les pétales. Ainsi, en combinant le flou et le maculage la pantoufle obtient ce Il a l'air très pictural et organique. Et dans la prochaine partie, nous y ajouterons une touche finale étincelante . Et vous verrez le résultat magnifique. 32. Démo Cendrillon : Derniers détails et lumières: Bon retour. Dans cette dernière partie, je vais me concentrer sur le peaufinage des détails. Je constate que je dois affiner les ombres et les reflets de la pantoufle Vous pouvez choisir n'importe quel pinceau. Il peut être tranchant ou très doux. Cela n'a pas beaucoup d'importance. Mon plan est donc d' approfondir les ombres et d'essayer de rendre les reflets plus nets. Je travaille sur les parties qui doivent être plus précises. Nous avons déjà beaucoup de reflets et d'ombres, ce qui ajoutera une couche de profondeur supplémentaire à notre illustration. Choisissons la bonne couleur. Et, bien sûr, je le maculerai par la suite. Ainsi, je vais créer une belle transition avec des ombres plus nettes au plus près du bout de la pantoufle J'imagine qu'il y a beaucoup de reflets. J'ai donc mis quelques traits aléatoires sur la surface. Le bord de l'arc doit être très précis, comme nous en avons déjà discuté. Ensuite, j'ajoute simplement plus de reflets et d'ombres. Je pense à la forme, à la matière, la texture du verre. Même en y pensant, ma main dessine différemment. Je peux donc ajouter des coups de pinceau aléatoires pour les reflets. Et puis, bien sûr, je devrai ajouter quelques essences de couleurs Par exemple, un peu de rouge sur le chausson. C'est une pantoufle transparente, magique. Il doit donc refléter tout ce qui l'entoure. Maintenant, la forme est meilleure. Comme ça, comme ça. Et je continue de la même manière. Et maintenant, je voudrais ajouter quelques réflexions. Je veux ajouter du bleu sur les feuilles. Il renforcera l'illusion de notre pantoufle de verre magique Je vais peindre des reflets et des étincelles tout autour. Ces coups de pinceau bleus unifieront l'ensemble de l'œuvre. Et j'aime beaucoup le contraste de toutes les couleurs. Donc, des traits subtils, si vous coloriez des parfums ici et sur les feuilles, je pense que c'est une bonne idée Donc, tout ce qui se trouve autour de la pantoufle et même sur les pétales, mais pas trop, nous voulons tout de même avoir une touche organique Cela ne devrait pas être trop. Près du dormeur, derrière le dormeur en arrière-plan. Vous pouvez modifier la transparence du pinceau si vous pensez qu'il est trop clair, quelque chose comme ça, puis qu'il est jaune. Nous avons ce contraste jaune partout. Augmentons-le donc un peu. J'ai donc appliqué quelques coups de pinceau sur les feuilles, mais pas trop. Nous n'avons pas besoin de trop de couleurs. Je travaille sur les bords, l'essentiel. Ensuite, je vais ajouter un peu de rouge directement sur le chausson À l'intérieur du verre, bien sûr. Comme ça. Un peu de rouge à l'intérieur du verre rendra l' effet transparent et chatoyant encore plus éclatant Comme ça. Juste un petit peu ici et ici. Et puis, bien sûr, je dois le maculer. Tout semble donc en équilibre. Comme ça. Si je constate que le contour est trop net, je le détruis encore et encore, et je peux toujours ajouter des reflets ou des ombres sur le dessus pour rendre les choses plus nettes, puis les écraser Donc, si vous utilisez beaucoup de couches, pas des couches techniques, mais des couches de peinture, cela transparaît toujours C'est une excellente technique pour obtenir la sensation picturale de l'art traditionnel Alors maintenant, je veux rendre la pantoufle encore plus lumineuse. Ce que je vais faire, c'est utiliser des courbes. Mais avant, je veux sélectionner la forme complète de la pantoufle Je ne travaillerai donc que sur cette partie. Je veux le rendre plus lumineux, mais juste une pantoufle Je vais d'abord faire la sélection. Ensuite, je vais passer aux courbes, et j' ajusterai soigneusement les tonalités. Juste un petit peu comme ça. Je vais le rendre un peu plus lumineux, comme ça. De cette façon, vous aurez un aspect plus brillant et poli. Super. L'effet chatoyant et magique est encore plus beau en ce moment Maintenant, je peux voir que je dois augmenter les ombres, les rendre plus dramatiques. Après chaque filtre ou ajustement, je reviens toujours à l'image générale et je vérifie si je dois ajouter quelque chose, changer quelque chose pour que nous puissions maintenir l'équilibre. Beaucoup de petites décisions plus proches du bord de l'arc. Par exemple, il s'agit petits ajustements, qui sont très importants. Ensuite, je vais ajouter une texture sur le dessus. Nous avons presque terminé. Il ne me reste plus qu'à ajouter une texture et quelques paillettes. Les formes sont donc prêtes, et je vais dupliquer notre texture que nous avons déjà, mettre par-dessus en tant que couche supérieure et changer le mode de fusion Et opacité. La superposition est un excellent choix, mais vous pouvez essayer d'autres modes Vous pouvez voir la différence. J'adore l'effet, son apparence, et je continuerai à affiner les éléments, à augmenter les ombres et à rendre les reflets plus lumineux. Nous avons presque terminé, et il est temps d'ajouter de la magie. Je vais ajouter des paillettes avec un pinceau. Je sélectionne donc le chausson, j' aurai donc la forme complète, et il sera beaucoup plus facile de travailler avec un pinceau à effets spéciaux J'ajouterai quelques reflets qui suggèrent un verre scintillant Il s'agit d'un pinceau flare standard. Vous l'aurez donc dans un choix de procréation standard. Et il existe différents types de pinceaux à effets spéciaux. Tu peux essayer ce que tu préfères. J'ajoute donc quelques points forts à la pantoufle. La lumière ressemble à un véritable conte de fées. Si vous modifiez la taille du pinceau, vous aurez un effet différent. Toutes ces touches finales réunissent le tout. L'œuvre d'art brille, tout en conservant cette sensation organique et picturale, ce qui est très important J'ajoute donc quelques points saillants. Je les regroupe, pour ne pas avoir un schéma très graphique par ordinateur. Donc, si vous êtes ici et ici, je change la taille du pinceau, puis je vais l' écraser un peu De cette façon, cela ressemblera davantage à de l'art traditionnel. Je vais donc les ajouter partout. Ensuite, j'utiliserai un outil de maculage pour travailler sur certains d'entre eux. Mais toutes les étincelles ne seront pas tachées. Ensuite, j'essaie de me demander où le mettre trop. Il est très difficile de trouver un équilibre pour ne pas tout surcharger, surtout avec ces étincelles enchanteresses Je veux juste les mettre partout, mais je sais que je dois faire très attention à l'endroit où utiliser les petits éléments de la magie. Je les adoucis donc un peu pour avoir ce beau reflet chatoyant sur notre pantoufle en Tout brille. Ici. Je pense que je dois ajouter un autre avantage. Je corrige donc les petits détails à ce stade. Les textures sont là, tout est prêt. L'éclat et la brillance de notre illustration sont magnifiques Nous n'avons donc pas besoin d'arêtes vives ici. Nous avons donc créé une illustration magique, chatoyante et magnifique Et je vais le sauvegarder. Bien entendu, vous pouvez le faire dans ce menu. C'est ça. Et je vous verrai dans la prochaine vidéo. 33. Votre projet: Je suis tellement contente de voir que tu es arrivée jusqu'ici. On dirait que vous admirez les livres et les histoires autant que moi. Et je suis très curieuse de voir quels projets vous créez. Votre mission pour ce cours est de créer votre propre illustration de livre et de planifier toutes les techniques que nous avons apprises. Il peut s'agir d'une petite illustration en noir et blanc ou de tout autre élément qui raconte une histoire et attire l'attention du spectateur. N'hésitez pas à suivre l'une de mes démos pour La Belle et la Bête ou Cendrillon J'ai mis en ligne un plan utile pour vous faire gagner du temps. Ensuite, je vous encourage à partager vos œuvres dans la galerie de projets. Il peut s'agir simplement d'une idée, une référence au texte du conte de fées ou de n'importe quoi d'autre Il peut être traditionnel ou numérique, ou les deux. Vous pouvez également le partager sur Instagram. J'attendrai et nous nous reverrons dans la prochaine vidéo. 34. Réflexions finales: Eh bien, nous y voilà, merci beaucoup de m'avoir rejoint ce voyage magique d'illustration et de composition de livres. En tant qu'artistes, nous avons le pouvoir incroyable d' exprimer nos idées d'une manière unique et significative. Et j'espère que vous avez acquis des connaissances précieuses à utiliser dans votre propre pratique créative. Si vous cherchez plus d'inspiration, consultez mes autres cours et ressources. J'ai également un livre très spécial sur les choses en couleur appelé Brilliant Things that you might find Health. Suivez-moi ici sur Skillshare pour rester au courant des actualités, nouveaux cours et des cadeaux Le bouton se trouve quelque part au-dessus. Vous pouvez également me retrouver sur Instagram et même rejoindre ma liste d'envoi. Mais surtout, vous devriez continuer à pratiquer votre art, et peut-être vous rendre dans la librairie locale pour vous inspirer ou vous offrir une nouvelle édition cadeau d' un conte de fées classique. Juste une note. J' attendrai tes œuvres d'art. Ce cours est une édition anniversaire. Merci pour votre confiance, votre soutien et pour avoir partagé votre parcours créatif avec moi. Je te verrai la prochaine fois, et croyons en Little Magic.