Créer une composition unique en art numérique : Le processus complet avec Krita a

1. Bienvenue !: D'accord. Bienvenue à tous dans mon nouveau cours d'art numérique, où nous allons créer cette peinture avec un logiciel entièrement gratuit Crea. Je suis Duplo. Je suis un artiste et designer expérimenté originaire d'Allemagne, et je serai votre professeur auprès duquel vous apprendrez toutes sortes de trucs et de stratégies pour l'art numérique. Mes styles préférés sont l'impressionnisme, l'art abstrait, les paysages, parfois une touche de réalisme J'ai également réalisé de nombreux travaux de conception, qu'il s' agisse de conception Web, de conception de logo ou de conception de niveaux pour des jeux. Et à mon avis, le meilleur logiciel, de loin, pour créer de l'art numérique et du graphisme est Creta Je veux dire, c'est totalement gratuit. Il contient tout ce dont vous avez besoin, et je l'utilise depuis de nombreuses années sans même penser à acheter quelque chose comme Photoshop. Maintenant, dans ce cours, je veux vous donner un processus de peinture réaliste et pratique que vous pouvez suivre pour comprendre comment créer vous-même de l'art numérique. Je veux donc vous permettre de transformer vos propres idées en peintures finies qui ont du sens et qui sont agréables à regarder. Parce que c'est là que réside le problème. La plupart des cours d'art numérique vous disent simplement que c'est une fonction intéressante, une fonction intéressante, et c'est ainsi que vous peignez cette seule chose. Mais comment un artiste trouve-t-il réellement ses sujets ? Que pensent-ils au cours du processus ? Comment s'assurent-ils que les couleurs sont belles ? Quels outils utilisent-ils réellement ? Et comment pouvez-vous combiner plusieurs références pour créer votre propre composition unique ? Ce sont les questions auxquelles je vais répondre en détail dans ce cours, en réalisant cette œuvre avec vous. Oui, tu peux le peindre. Je vais m'en assurer même si vous êtes un débutant en art. Maintenant, je dois dire que ce n'est pas un cours sur l'utilisation spécifique de Krita Je ne vais pas expliquer tous les outils et toutes les fonctions disponibles, principalement parce que nous n'en avons pas réellement besoin. Mais si vous êtes un passionné de logiciels, vous n' avez jamais utilisé Krita auparavant, et chaque fois que vous utilisez un nouveau programme, il vous faut du temps pour vous y habituer Je vous recommande de suivre d' abord mon autre cours Krita Quickstart Là, je vais en profondeur sur le programme et je vous donne quelques exercices pour le mettre en pratique. Alors jetez un coup d'œil sur mon profil si vous en avez besoin. Ici, c'est très basé sur un projet. Je vais juste vous donner un bref aperçu de Creta, des outils de base, puis nous allons passer directement à l'essentiel avec les illustrations Nous allons peindre ensemble, et je vais expliquer ce que je fais et ce que je pense. Et ne t'inquiète pas. Les leçons ne sont évidemment pas aussi rapides que dans cette introduction Nous allons recueillir des idées, les transformer en une composition, faire un croquis et remplir le tout de couleurs et de détails magnifiques. Ensuite, je vais vous donner quelques conseils personnalisés pour votre parcours artistique. Au final, vous en aurez un, un très beau tableau que vous pourrez utiliser comme papier peint ou autre, et deux avec la possibilité d'en créer beaucoup, beaucoup d'autres. Maintenant, ce que vous devriez avoir pour ce cours, c'est un ordinateur, évidemment capable de faire fonctionner Creta, et idéalement, une tablette à dessin avec ou sans écran, peu importe Assurez-vous que cela fonctionne pour vous, puis vous suivrez notre cours. Alors, quand vous serez prêt, rendez-vous dans la première leçon. 2. Pourquoi l'art numérique est formidable élever great: Avant de commencer le cours proprement dit, j'ai pensé que ce serait une bonne idée de faire une petite leçon sur les raisons pour lesquelles l'art numérique est si génial. Pourquoi est-ce utile ? Pourquoi est-ce amusant ? Pourquoi devrions-nous nous en soucier ? Maintenant, vous êtes peut-être déjà complètement convaincu par l'art numérique, et vous n'avez pas besoin que quelqu'un vous dise de le faire. Mais je pense toujours que c'est bon pour garder une vue d'ensemble à l'esprit. Il y a en fait de très bonnes raisons pour lesquelles nous devrions faire tout cela, et un peu de détermination vous donnera beaucoup plus de motivation lorsque nous entamerons le processus de création de nos œuvres d'art. Et c'est ce dont nous avons besoin. Commençons donc par la première et probablement l'une des plus importantes raisons. L'art numérique est un moyen de créer qui a un seuil très bas. Je ne pense pas que beaucoup de gens réalisent à quel point c'est énorme, mais l'art numérique est quelque chose que vous pouvez toujours faire, et vous n'avez pratiquement rien à préparer. D'accord, je sais que pour ce cours, j'ai dit que nous allions planifier l'œuvre trouver une référence planifier la composition et tout le reste, mais c'est parce que nous allons créer un vrai grand tableau. Mais bien sûr, vous n'êtes pas toujours obligé de le faire. Une fois que vous savez comment fonctionne le programme, vous pouvez toujours l'ouvrir, faire un petit croquis d'arbre ou une petite illustration abstraite ou un motif ou quelque chose comme ça quand vous en avez envie. C'est tellement bon. Tu peux toujours faire quelque chose si tu veux. Vous n'avez pas besoin de disposer la toile, de regarder quelles peintures vous avez en stock ou de nettoyer d'abord votre espace de travail. Non, tu peux juste ouvrir Krita, tout de suite, griffonner avec les pinceaux et voir si tu peux en faire quelque chose Bien entendu, je ne dis pas que l'art numérique est supérieur à l' art traditionnel pour cette raison. Vous savez, la préparation et le chaos font partie du processus, et de nombreux artistes aiment vraiment ça. Mais imaginez ce qui se passerait si créer était aussi pratique dans votre vie que de consommer. Pensez-y un instant. C'est ce que vous apporte essentiellement le fait de savoir créer de l'art numérique. Et je dois dire que, d'après mon expérience, lorsque j'ai commencé à créer de l'art numérique, je me suis retrouvée à faire de l'art beaucoup plus fréquemment qu'avant parce que c'est tellement pratique. Ensuite, la raison suivante est plus simple, mais bien sûr, l' art numérique est très peu coûteux. Vous n'avez pratiquement que les frais d'électricité de votre ordinateur ou peut-être achetez-vous un cours de temps en temps. Mais à part ça, vous n'avez vraiment besoin que d' une tablette à dessin pour 100 dollars ou quelque chose comme ça, et elle durera très longtemps. Je crois que j'ai acheté le mien, je ne sais pas, huit ans, et il fonctionne toujours dès le premier jour. Je pense que je vais l' utiliser encore huit ans. Cela dépend bien sûr du type de tablette que vous utilisez et de l'intensité avec laquelle vous l'utilisez Mais le fait est que vous n'avez pratiquement pas besoin de racheter quoi que ce soit En art numérique, la relation entre montant que vous devez investir et la quantité d'art avec laquelle vous pouvez créer est assez insensée si vous la comparez à autre chose Ce qui est également fou, c'est nombre d'options qui s' offrent à vous lorsque vous créez de l'art numérique, du dessin à la calligraphie, en passant par le pastel et la peinture Krita offre à peu près tout, et il existe 50 pinceaux pour chacune de ces méthodes de création Si vous commencez à combiner ces pinceaux et que vous ajoutez les autres outils et filtres à l'équation, vous vous retrouvez avec tellement de styles artistiques différents et de manières de représenter quelque chose. Pour être honnête, c'est peut-être même un peu trop, et au début, le nombre d' options qui s'offrent à vous à Krita peut être accablant Mais c'est pour ça que nous sommes là, non ? C'est pourquoi je vais vous montrer comment choisir pinceaux et comment planifier vos œuvres d'art et tout le reste. Et je vais vous donner un bon aperçu des différentes méthodes de création à travers notre projet. Donc, avec le temps, cela deviendra plus clair. Vous trouverez les pinceaux que vous préférez et le style artistique que vous aimez, qui est probablement différent ce que vous imaginez en ce moment. Parce que Krita vous donne toutes ces options, non ? Vous pouvez essayer tout et chaque outil, et tout à coup vous trouvez quelque chose que vous voulez utiliser dans 50 œuvres d'art. On ne sait jamais, et cela rend l'art numérique très intéressant. Vous pouvez simplement utiliser un ou deux pinceaux pour le reste de votre vie et peindre toutes sortes de sujets différents avec eux, ou vous pouvez essayer un style artistique totalement différent à chaque fois, et tout ce qui se trouve entre les deux est possible. Mais ce que j'aime aussi beaucoup, c'est que vous pouvez toujours tout modifier. Vous pouvez revenir à vos anciennes œuvres d'art et voir à quoi elles ressemblent avec une palette de couleurs différente ou avec un filtre différent. Si vous avez toujours les couches, vous pouvez même parfois déplacer des éléments et réorganiser vos compositions Et si vous ne savez pas quelle version vous préférez, vous pouvez simplement les enregistrer toutes les deux car vous pouvez reproduire l'art numérique à l'infini Ça ne vieillit pas et ça ne disparaît pas. Vous pouvez donc toujours revenir à une œuvre numérique que vous avez laissée par manque de motivation ou de compétence. Et cela élimine une grande partie de la pression que vous exercez sur l'art traditionnel. Vous n'avez pas à vous soucier du dessin à la peinture et vous devez terminer quelque chose maintenant, même si vous ne le sentez pas ou si vous gaspillez votre précieuse peinture. Encore une fois, je sais que cela fait partie du processus. Beaucoup de gens aiment ça, et l'art traditionnel vous permet certainement de bien planifier vos œuvres d'art à l' avance et de vous en tenir au plan actuel. Mais les arches numériques s'accompagnent de cette commodité qui augmente la probabilité que vous fassiez réellement de l'art et que vous le fassiez souvent, et c'est ce qui est si précieux. D'accord, alors à quoi sert réellement l'art numérique ? Quelles sont les implications pratiques de la création de fichiers image attrayants ? Ce n'est certainement pas une mauvaise question à poser si vous ne savez pas grand-chose à ce sujet, mais il y a probablement plus de choses que vous ne le pensez pour le moment. Tout d'abord, vous pouvez bien sûr toujours les imprimer et les traiter comme des œuvres d'art traditionnelles. Vous pouvez les accrocher dans votre cuisine et dire tous les visiteurs que vous les avez peints parce que c' est vrai. Il y a donc ça. Par exemple, il s'agit de la chienne de ma grand-mère Nellie, décédée il y a environ un an, et j'ai trouvé cette petite photo d'elle sur mon téléphone que j'avais prise d'elle et j'ai décidé de l'utiliser comme référence J'ai donc peint cette œuvre d'art à Krita et je l'ai imprimée dans l'atelier d'impression Elle est donc vraiment belle maintenant Puis je l'ai offert à ma grand-mère. Et vous pouvez le faire avec toutes vos peintures numériques à un moment donné. Tu sais, ils ne s'en vont pas, ils ne vieillissent pas. Vous pouvez simplement à un moment donné, lorsque vous en avez les moyens ou le temps, les imprimer tous, puis vous les aurez dans la vraie vie. Et ils seront vraiment beaux si la résolution est élevée et que vous utilisez une imprimante de qualité. Mais même si vous ne voulez pas ou n'avez pas besoin de ces œuvres d'art dans la vraie vie, elles sont tout de même très utiles car sur Internet, sur les sites Web et tout le reste sur Internet, sur les sites Web et tout , vous avez toujours besoin de visuels, et si vous savez comment les créer, vous pouvez collaborer avec nombreuses autres personnes et créer des choses géniales Vous pouvez créer des motifs d'arrière-plan pour des sites Web fonds d'écran, des bannières ou des photos de profil. Les gens en ont toujours besoin, et il n'est pas difficile de les impressionner si vous connaissez quelques notions de base de l'art et du design numériques. D'accord, alors la dernière raison, mais non la moindre , pour laquelle vous devriez créer de l'art numérique est une raison plus classique qui s'applique à n'importe quelle source d'art, et c'est simplement que production créative est satisfaisante et relaxante, n'est-ce pas Même si nous ignorons toutes les autres raisons, l'art numérique est simplement amusant. C'est tout simplement génial de créer quelque chose par vous-même, étape par étape, et vous le voyez lentement se transformer en quelque chose d'incroyable. Je pense que c'est un sentiment que nous recherchons tous, et nous allons certainement l'obtenir dans ce cours. Donc oui, vous devriez être tout à fait convaincu maintenant, alors je vais arrêter de parler et vous inviter à la prochaine leçon. Voyons donc comment créer de l'art numérique. 3. Aperçu de Krita: D'accord. Mesdames et messieurs, bienvenue à Krita Il s'agit d'un programme que nous allons utiliser dans ce cours. Dans cette leçon, je vais vous donner un bref aperçu de son fonctionnement. Donc, si vous connaissez déjà Krita et ses fonctions de base, vous pouvez passer à la leçon suivante Encore une fois, il ne s'agit pas d'un cours sur l' utilisation de tous les outils et fonctions de Krita J'ai un cours différent à ce sujet, donc je ne vais pas tout répéter, mais nous n'allons pas utiliser autant d'outils de toute façon Nous allons nous en tenir à l'essentiel et créer une œuvre d'art épurée. Voici donc tout ce que vous devez savoir si vous n'avez absolument aucune idée de la façon d' utiliser ce logiciel génial. Tout d'abord, vous pouvez le télécharger sur krita.org en fonction de votre système d'exploitation préféré Cela fonctionne sous Windows, Mac, Linux, peu importe. Le processus d'installation de Krita est très simple. Il vous permettra de le parcourir automatiquement. Vous n'avez rien à acheter et vous n'avez même pas besoin de créer un compte, ce qui est assez impressionnant pour un logiciel de cette envergure de nos jours. Vous pouvez simplement télécharger le logiciel, l'installer et l'ouvrir, puis vous verrez cet écran de démarrage. C'est ici que nous allons commencer à explorer Krita. Maintenant, tout d'abord, vous avez la possibilité de créer un nouveau fichier ou d'ouvrir n'importe quel fichier. Si vous cliquez sur Ouvrir une image, vous pouvez voir que Krita supporte peu près tous les fichiers image imaginables Vous pouvez donc extraire n'importe quelle image ici, modifier comme bon vous semble, puis enregistrer sous l'un de ces types de fichiers. Mais dans notre cas, il suffit de cliquer sur une nouvelle image pour obtenir cette petite fenêtre ici et là, nous pouvons modifier toutes sortes de paramètres concernant le canevas que nous allons créer. Mais la seule chose qui m' inquiète généralement ici, c'est la résolution, la taille de l'image, qui déterminent nombre de pixels de notre image. Réglons-le sur 2000 x 2000 pixels et cliquez sur Créer. Avala, c'est l'interface utilisateur de Krita avec notre canevas au milieu Donc, cette boîte blanche, toile, est l'endroit où nous pouvons dessiner peindre et faire toutes sortes de choses. Et le truc que le programme enregistrera sous forme d'image dès que nous aurons terminé. Très sympa. Vous pouvez zoomer ou dézoomer en faisant défiler la page avec votre souris et vous déplacer dans ce canevas en maintenant la molette de la souris enfoncée , puis en faisant glisser Vous pouvez également maintenir la barre d' espace de votre clavier enfoncée, puis cliquer sur ce canevas et le faire glisser. Vous pouvez également faire pivoter ce canevas en appuyant sur quatre pour le faire pivoter vers la gauche, six pour le faire pivoter vers la droite et cinq pour le neutraliser Vous pouvez également trouver ce petit cercle ici où vous pouvez également faire pivoter le canevas ou zoomer et dézoomer sur cette barre. C'est donc essentiellement ainsi que vous pouvez naviguer sur le canevas, ce que vous faites tout le temps lorsque vous créez de l'art numérique. Je vous recommande donc de le faire plusieurs fois et de vous familiariser avec le processus. Ensuite, ce qui se trouve sur le côté de notre toile, ce sont les dockers Nous avons la barre d'outils sur la gauche, toutes sortes d'outils sur lesquels vous pouvez cliquer et utiliser. Ensuite, sur le côté droit, nous avons le sélecteur de couleur dans lequel vous pouvez vous déplacer pour changer la teinte Et dans ce triangle, vous pouvez modifier la valeur et la saturation de vos couleurs. dessous, nous avons les couches qui sont également très importantes pour l'art numérique, et en dessous se trouvent les pinceaux de Krita, qui sont parmi les meilleurs que vous puissiez trouver dans tous les logiciels d'art numérique D'ailleurs, si cette interface vous semble très différente ou si vous souhaitez y apporter des modifications , ne vous inquiétez pas. Vous pouvez facilement le faire en déplaçant n'importe lequel de ces dockers, comme vous pouvez le constater, c'est très personnalisable Et vous pouvez également accéder aux paramètres, aux dockers, et vous y trouverez tous ces dockers que vous pouvez également afficher ou masquer Ce sont ceux que j'ai et que je recommande. Et bien sûr, vous pouvez modifier l'apparence de Krita en cliquant sur les thèmes . Vous aurez alors quelques options intéressantes Je veux dire, à peu près une bonne option, à mon avis, mais oui, vous pouvez simplement regarder autour de vous et voir ce que vous aimez. Donc oui, vous pouvez prendre votre temps ici et ajuster l'interface comme vous le souhaitez, puis il est temps de vérifier les outils et les fonctions dont nous disposons. Nous pouvons les trouver sur le côté gauche de la barre d'outils. D'ailleurs, vous pouvez bien sûr également ajuster cela et cliquer avec le bouton droit de la souris pour modifier la taille de ces icônes. Et chaque fois que vous cliquez sur l'une de ces icônes, l' outil correspondant est sélectionné. Tout d'abord, et surtout, nous avons obtenu le pinceau pour dessiner et peindre. C'est ce que nous allons utiliser plupart du temps dans ce cours. Chaque fois que vous avez sélectionné l'outil pinceau , vous pouvez d' ailleurs également le faire en appuyant sur B sur votre clavier, B comme pinceau, facile à mémoriser. Mais chaque fois que vous l' avez sélectionnée, vous pouvez appliquer de la peinture le canevas en cliquant et en faisant glisser Et vous créez de l'art numérique comme ça. Et bien sûr, vous pouvez ajuster toutes sortes de choses concernant vos coups de pinceau. Par exemple, leur forme en cliquant sur l'un de ces pinceaux ici ou leur taille en glissant ici, l'opacité, la densité des coups de pinceau ici, et aussi très important, la couleur en cliquant sur et aussi très important, la couleur en cliquant sur l'une de ces couleurs dans le sélecteur de couleur Vous pouvez également ouvrir une fenêtre d'accès rapide pour n'importe lequel de ces éléments en cliquant avec le bouton droit de la souris, en cliquant bouton droit de la souris. Vous pouvez sélectionner la couleur, le pinceau, effectuer quelques opérations avec le trait de pinceau puis cliquer à nouveau avec le bouton droit de la souris et le tour est joué. C'est une fonctionnalité très intéressante à propos de Krita. Maintenant, c'est vraiment très important, ce que je fais toujours dans l'art numérique, c'est-à-dire défaire et refaire Vous pouvez annuler n'importe quelle action en appuyant sur Ctrl C et rétablir l' action en appuyant sur Ctrl Shift C. Ces actions sont tellement importantes que je les ai associées aux boutons de ma tablette à dessin Vous pouvez le faire dans le logiciel de votre tablette à dessin. Mappez simplement ces touches de raccourci, Control C et Control Shift C à n'importe quel endroit où vous pouvez y accéder rapidement car vous en aurez besoin à tout moment ici. Faites-le dès maintenant, puis examinons ces autres outils. Nous avons l'outil linéaire avec lequel nous pouvons créer des lignes qui ont les propriétés exactes de notre coup de pinceau. Nous pouvons donc modifier l'opacité, la taille, sélectionner une couleur, sélectionner un pinceau, puis tracer une ligne qui ressemble à cela C'est très utile, notamment parce que vous pouvez également maintenir la touche Maj enfoncée tout en faisant glisser votre ligne pour sélectionner uniquement à partir de quelques angles donnés. Ainsi, vous pouvez créer une ligne parfaitement horizontale ou une ligne parfaitement verticale comme celle-ci Ensuite, nous avons obtenu quelques outils de forme supplémentaires, comme vous pouvez créer un rectangle avec celui-ci ou des cercles et des ellipses, et vous pouvez également créer vos propres formes avec cet outil Vous avez toujours quelques options pour ces outils si vous accédez aux options de l'outil, qui est d'ailleurs également un docker que vous pouvez activer sur les paramètres et les dockers Tu devrais toujours l'avoir, je pense. C'est une solution très utile, et vous pouvez, par exemple, remplir vos formes avec quelque chose ou modifier le contour. Et c'est particulièrement intéressant si vous voulez concevoir quelque chose. Dans notre cours, nous n' allons pas beaucoup utiliser ces outils. Il en va de même pour les quelques outils suivants, comme l' outil multi-pinceaux, c'est amusant. Vous pouvez le consulter ou consulter ces différents outils de courbe. Ils étaient, bien sûr, toujours là, mais je ne les utilise pratiquement jamais. Passons à celui-ci, l'outil de transformation. C'est là que cela devient intéressant, car maintenant vous pouvez voir que nous pouvons réellement manipuler différentes couches dans Creta Les couches sont des espaces de travail différents qui se chevauchent. Vous pouvez voir vos couches sur le côté droit ici. Vous pouvez toujours créer une nouvelle couche ou cliquer avec le bouton droit de la souris pour supprimer une couche. Vous pouvez double-cliquer pour nommer vos couches. Et avec cet outil de transformation, vous pouvez les déplacer et les ajuster comme bon vous semble. Et c'est quelque chose que nous utiliserons plus tard pour peaufiner notre composition et garder tout organisé et ajustable. C'est une astuce très importante dans l'art numérique qui consiste à toujours utiliser quelques couches. Vous pouvez également déplacer vos couches à l'aide cet outil ou de l'outil de recadrage Vous pouvez sélectionner une zone, puis appuyer sur Entrée pour obtenir votre nouvelle image. Mais oui, laisse-moi annuler ça. Et puis nous avons obtenu quelques outils supplémentaires comme l'outil de dégradé avec lequel vous pouvez effectuer une transition de couleur agréable avec une couleur que vous avez sélectionnée. Vous pouvez simplement tracer une ligne, puis le long de cette ligne, vous avez une transition de couleur. J'utilise souvent cet outil pour créer un ciel lisse pour l' arrière-plan ou quelque chose comme ça. D'accord, nous avons ensuite l'outil de sélection de couleurs, qui vous permet de choisir n'importe quelle couleur sur le canevas si vous souhaitez revenir à une couleur que vous avez utilisée auparavant Mais je pense que cet outil n'est pas nécessaire car chaque fois que vous peignez quelque chose avec le pinceau classique, vous pouvez toujours maintenir la touche Ctrl enfoncée et cliquer sur n'importe quelle couleur du canevas, puis vous la protégez. Vous pouvez également consulter l'historique de vos couleurs ici sur le côté droit du sélecteur de couleurs Vous voyez, il y a toutes les couleurs que nous avons utilisées dans l'ordre jusqu' à un certain point. Ensuite, il existe quelques autres outils aléatoires qui ne sont pas nécessaires pour ce cours, comme cet outil de remplissage de la zone entière ou cet outil de mesure de la distance entre deux points. Et puis voici les outils de sélection avec lesquels vous pouvez sélectionner une zone. Et chaque fois qu' une zone est sélectionnée, vous ne pouvez modifier que cette zone et rien en dehors de celle-ci. Donc, si je crée un rectangle ici, je ne peux que dessiner ou peindre à l'intérieur de ce rectangle. Je ne peux également créer que des formes ici. Et oui, en gros, c'est comme ça que ça marche. Bien sûr, nous pouvons créer une zone circulaire ou notre propre zone angulaire ou une zone à main libre. Vous pouvez toujours annuler une zone en appuyant sur Ctrl, Shift et A, puis la zone disparaît et vous pouvez tout modifier, ou vous pouvez accéder aux options de l' outil et modifier façon dont vos zones interagissent chaque fois que vous en créez une nouvelle. S'ils sont ajoutés ou s'ils doivent se remplacer, vous pouvez y jeter un œil. D'habitude, je l'ai chez le remplaçant. Chaque fois que je sélectionne une nouvelle zone, elle remplace l'ancienne. À moins que vous ne mainteniez la touche Maj enfoncée pendant que vous effectuez une nouvelle sélection, vous pouvez toujours en ajouter une autre sans remplacer l'ancienne. Donc, mesdames et messieurs, je pense que c'est tout, pour les outils et fonctions les plus importants de Krita J'espère ne rien avoir oublié d'important, mais oui, je pense que nous avons tout prévu. Vous devez savoir comment naviguer dans l'interface et comment l' ajuster à votre guise, comment naviguer sur le canevas, comment dessiner, peindre et faire toutes ces choses. Et vous devez avoir au moins une petite compréhension du fonctionnement des couches et des sélections. Si vous êtes encore un peu confus, n'hésitez pas à prendre votre temps et à expérimenter le logiciel. C'est toujours la meilleure façon de l'apprendre. Créez donc quelques documents aléatoires et modifiez simplement les éléments les concernant, créez des coups de pinceau, créez des formes, sélectionnez des zones sur différents calques et déplacez-les. Et oui, de cette façon, vous vous familiariserez très rapidement avec Krita 4. Comment obtenir des pinceaux hes: Maintenant, une dernière chose avant de passer à la partie pratique du cours concerne les pinceaux. Nous devons parler un peu des pinceaux parce qu'en Crète, comme vous pouvez le constater, nous avons beaucoup, beaucoup de beaux pinceaux, mais du moins, à mon avis, et de l'avis de nombreux autres artistes, ces pinceaux ne suffisent toujours pas Nous, les artistes, sommes des gens très gourmands. Nous voulons toujours des pinceaux plus nombreux et de meilleure qualité. Alors, que faisons-nous ? Nous téléchargeons des ensembles de pinceaux et les distribuons dans Krita. Les ensembles de pinceaux sont essentiellement packages ou des collections de pinceaux créés par d'autres personnes et que vous pouvez ajouter à votre liste de pinceaux Comme, par exemple, ces magnifiques pinceaux RGBA avec lesquels vous pouvez créer des coups de pinceau d' apparence très traditionnelle. C'est super amusant de peindre avec ça. D'ailleurs, vous pouvez toujours rechercher vos ensembles de pinceaux ou vos types de pinceaux sur ces balises ici, comme tous les pinceaux ou tous les pinceaux RGBA ou Alors, comment obtenez-vous un ensemble de pinceaux ? Eh bien, dans Krita, vous pouvez accéder aux paramètres, gérer les bibliothèques de ressources, et là, vous avez une vue d'ensemble de vos ensembles de pinceaux et vous pouvez les activer ou les désactiver Ce sont ceux que j'utilise, et je vais mettre un lien dans la description du cours ou de la leçon, où vous pourrez télécharger ces ensembles de pinceaux Nous sommes donc tous sur la même longueur d' onde dans ce cours. Alors téléchargez-les dès maintenant, recherchez le fichier contenant le ensembles de pinceaux Duplo ou quelque chose comme ça, puis vous pourrez les stocker dans un endroit votre ordinateur où vous pourrez les trouver, mais ils ne vous ennuieront pas Ensuite, vous pouvez accéder aux paramètres de Krita, gérer les bibliothèques de ressources Et si vous cliquez sur Importer, vous pouvez rechercher ces ensembles de pinceaux et les importer. Vous devrez peut-être ensuite cliquer dessus manuellement et les activer, mais ils devraient apparaître ici dans votre liste de pinceaux. S'ils ne sont pas là, ne paniquez pas. Parfois, il suffit de redémarrer Krita pour que les nouveaux pinceaux apparaissent. Mais oui, en gros, c'est ça. Vous pouvez bien sûr répéter cette opération avec d'autres ensembles de pinceaux que d'autres artistes utilisent sur Internet, mais nous allons nous en tenir à ceux que nous avons actuellement, en particulier ces pinceaux à empâtement Meo Permettez-moi de rechercher la technologie très rapidement. Nous les avons là. Je viens de découvrir ces pinceaux cette année, et je les ai déjà beaucoup utilisés. Ces pinceaux sont absolument incroyables. Peut-être même mes pinceaux préférés dans tous les domaines de l'art numérique. Je veux dire, allez, regardez ces coups de pinceau. C'est littéralement comme de l'art traditionnel. Vous pouvez très bien mélanger les peintures ici et créer ces textures uniques Assurez-vous d'avoir ces faisceaux de pinceaux pour que nous puissions les utiliser dans nos œuvres d'art Mais avant de commencer, nous devons bien entendu définir clairement ce que nous voulons créer en premier lieu. Dans la leçon suivante, rassemblons quelques idées et développons notre composition. On se voit là-bas. 5. Trouver l'idée: Toute bonne œuvre d'art commence par une bonne idée, et c'est le sujet de cette leçon. Bien entendu, trouver une idée pour une œuvre d'art peut se faire de différentes manières. Vous pouvez voir quelque chose dans la vraie vie et vous laisser inspirer. Peut-être que vous créez une photo et que vous l' utilisez comme référence, ou peut-être que vous trouvez une image ou une œuvre d'art sur Internet que vous souhaitez reproduire Ou, bien sûr, ce qui pourrait aussi arriver, c'est que vous avez une idée en tête. C'est juste, oh, d'accord, je veux peindre ça. Chacun a sa propre façon de trouver des idées, et il y a tellement de choses sur lesquelles on peut créer de l'art qu'il n'y a pas vraiment quelque chose que je puisse vous dire ici. L'idée est synonyme de créativité, et cela ne s' enseigne pas par définition. Donc, vous donner une feuille de route précise sur la façon dont vous devriez trouver telles idées est ce que vous devriez dessiner et peindre, ce serait un crime contre l'art lui-même. Ce que nous faisons dans cette leçon n' est qu'une façon de le faire. J'espère que c'est très clair pour vous. Mais je pense que c'est une méthode très intéressante vous apprendra beaucoup de choses sur l'art. Alors laisse-moi t'expliquer. Le moyen le plus simple de gérer la phase d'idée serait d'avoir une idée, trouver une référence et de simplement peindre cette référence. Très classique Il vous suffit d'ouvrir l'image, puis de lancer Creta, et vous pouvez immédiatement commencer à dessiner Mais le faire de cette façon, soyons honnêtes, serait un peu ennuyeux car il ne s'agirait la tactique de la peinture à partir de références, que nous aborderons bien sûr plus tard. Mais vous n'apprendrez rien sur la composition, ce qui est vraiment très important si vous commencez à faire de l'art. Donc, dans ce cours, commençons par la position suivante : « J'ai une idée, mais je ne sais pas vraiment quoi faire avec cette idée et comment en faire une composition ». Mon idée est donc de peindre un ara jacinthe, qui est ce J'espère l'avoir bien prononcé. Mais oui, j'ai récemment vu quelques images de cet ara jacinthe, et je me suis dit que ce serait vraiment cool Je suis une grande fan de ces plumes d'un bleu profond, certainement l'une de mes couleurs préférées. Mais peindre quelque chose comme un oiseau est également parfait pour ce cours, car on ne peut pas faire autant de bêtises que chez un humain, par exemple. Vous savez, si vous peignez un humain et ses yeux sont légèrement décalés, il a tout simplement l'air totalement différent, comme une autre personne immédiatement. Mais si le bec d'un oiseau est un peu trop petit ou trop grand, tant qu'humains, nous ne le remarquons pas vraiment On s'en fout, non ? Ça va toujours ressembler à un oiseau. Donc oui, pour les débutants, je pense que c'est parfait, mais je vais quand même avoir besoin d'une référence pour l'ara jacinthe car je n' ai pas parfaitement son anatomie Ouvrons donc un moteur de recherche de choix et saisissons jacinthe ara Maintenant, en tant qu'artiste, je préfère généralement me rendre un site d'images de stock spécifique tel que paxels.com, si j'ai besoin d'une référence, car les images sont généralement de meilleure qualité Ils ont été mis en ligne par des photographes et ne sont pas simplement extraits de sites Web aléatoires tels que les résultats de recherche Google. Ces images ont donc généralement très haute résolution et une composition propre. Cependant, dans mon cas, je recherche quelque chose de très spécifique, un ara jacinthe Malheureusement, ils n'en auront pas autant de photos sur un site Web de stock d'images. J'utilise donc un moteur de recherche standard pour trouver la référence. Mais si vous recherchez une référence de haute qualité pour quelque chose de plus générique, comme, je ne sais pas, une danseuse, un écureuil ou une rue italienne, vous en trouverez généralement une très bonne sélection sur un site comme pixels.com ou pixabay.com ou quelque chose comme ça pixabay.com C'est un petit conseil intéressant pour vous. Quoi qu'il en soit, je pense avoir trouvé ma référence pour l'ara jacinthe J'aime cette image pour plusieurs raisons particulières, et c'est là que le cerveau de l'artiste entre en jeu, alors faites attention. Tout d'abord, vous devez comprendre qu' une référence n'est pas une directive claire, mais juste un outil. Quand je dis que j'aime cette référence, cela ne veut pas dire que je veux recréer cette photo exacte En fait, je n' aime à peu près que l'ara jacinthe. Donc, lorsque je cherchais la référence, je n'ai fait attention qu'à l' apparence du perroquet bleu sur les images Et ici, c'est vraiment approprié. Tout le reste, le fond et ces feuilles, les couleurs, les textures. Ça ne m' intéresse pas vraiment. Je veux créer ma propre composition avec l'ara jacinthe, et cette image en particulier sert Le perroquet est net et propre. Il a de jolis détails, des couleurs super saturées. Il existe également deux types de contrastes qui attirent immédiatement mon attention en tant que connaisseur de l'art et de la théorie du design Nous avons, bien sûr, un grand contraste de couleur complémentaire avec ce jaune vif et ce bleu foncé saturé. C'est le cas pour tous les aras jacinthes, mais je veux dire, dans ce cas, je l'aime particulièrement parce que les couleurs sont si clairement Les couleurs complémentaires attirent toujours l'attention sur elles et elles sont naturellement harmonieuses. Un ara jacinthe est donc un sujet très évident et agréable Vous pourriez dire, mais Duplo n'est pas la couleur complémentaire du bleu-orange et la couleur complémentaire du jaune violet ? Parce que c'est ce que les gens apprennent généralement en premier lorsqu' ils abordent le mélange des couleurs et la théorie des couleurs. Et je dois dire, oui, vous avez techniquement raison, mais j'ai également raison parce que théorie des couleurs n'est pas une science si exacte qu'elle compte vraiment. Vous voyez, les couleurs complémentaires sont simplement couleurs si éloignées les unes des autres sur une roue chromatique qu'elles ont des effets psychologiques opposés et donc beaucoup de tension entre elles. Et comme il existe des roues chromatiques légèrement différentes, cela peut varier. Selon la roue chromatique que vous utilisez, la couleur complémentaire de ce bleu foncé saturé est soit un peu plus orange, bleu foncé saturé est soit un peu soit un peu plus jaune. Les deux sont possibles. En fait, si j'ouvre cette image dans Krita et que je sélectionne les couleurs, vous pouvez voir que ce jaune vif et ce bleu foncé se trouvent exactement à l'opposé de la roue chromatique, qui est une roue chromatique RGB dans ce cas Ainsi, si vous travaillez avec des couleurs complémentaires et que, par exemple, recherchez une référence à partir de celles-ci, vous n'avez pas besoin d'être très précis. Cela ouvre vraiment de nombreuses autres possibilités. Sur une roue chromatique, vous pouvez toujours légèrement décaler vers la gauche ou la droite par rapport à une couleur supposée exactement complémentaire, et ce sera toujours une couleur complémentaire à la vôtre. Rechercher une référence qui suit la théorie des couleurs cette manière est toujours une bonne façon de commencer. Je vous recommande donc vivement de vous familiariser avec les bases de la théorie des couleurs si vous voulez vraiment développer de belles compositions. Nous avons donc déjà certainement déjà des couleurs complémentaires sur notre sujet principal qui attireront automatiquement l'attention sur celui-ci, et c'est génial. Mais l'autre type de contraste que je vois ici est un peu plus difficile à repérer et plus avancé, et il s'agit du contraste de forme. J'aime beaucoup la façon dont ce perroquet est assis sur la branche car ils sont très opposés La branche est très robuste et naturelle. Il a comme ça, je ne sais comment dire, des aspérités. Et le perroquet est super propre avec des plus géométriques totalement différentes de celles de cette branche Si nous pénétrons dans ce bec, il est presque mathématiquement arrondi et les plumes de la queue Et c'est quelque chose qui me semble vraiment cool, car cela contraste fortement avec les formes rondes et robustes de la branche Je pense donc que ce serait une bonne idée de peindre cet ara jacinthe avec la branche sur laquelle il repose, et nous pouvons laisser de côté l' arrière-plan et y faire Parce que si j'y pense, non seulement cet arrière-plan n'apporte rien d'intéressant, mais il ne cadrerait pas non plus avec notre palette de couleurs complémentaires. Vous voyez, nous avons naturellement déjà ce joli contraste de jaune et de bleu. Donc, le fait d'avoir cette troisième couleur principale verte perturberait le schéma de couleurs. Ce ne serait plus une palette de couleurs officielle et cela détournerait beaucoup l' attention de ce perroquet Par exemple, si nous avions un arrière-plan plus neutre comme le noir, le blanc ou le gris , les couleurs de notre sujet principal, ce perroquet, seraient beaucoup plus intenses car les couleurs suivent un schéma de couleurs épuré, et je pense que ce serait super de l'avoir dans nos œuvres d'art Je prévois donc de laisser ce contexte côté et de le remplacer par quelque chose de plus neutre. D'accord. L' idée actuelle est donc de simplement peindre ce hi synthmcw assis sur la branche Et selon la taille du canevas, nous devrons probablement étendre un peu cette branche, qui fonctionnera probablement car ce n'est pas si difficile de le faire avec une branche. C'est une façon tout à fait réaliste et courante d'utiliser une référence dans le domaine de l'art. Ce serait un peu plus difficile si, par exemple, notre perroquet était couvert de certaines de ces feuilles vertes Donc, si nous voulions omettre ces feuilles parce qu'elles ne suivent pas notre schéma de couleurs, ce serait plus difficile car nous devrions remplir ces espaces vides sur le perroquet avec notre logique, ce qui conduirait probablement à de nombreuses erreurs Cette référence ici est donc parfaite. Nous n'avons rien qui couvre le sujet principal. Nous pouvons simplement le peindre et laisser de côté les choses que nous n'aimons pas. Je veux donc que vous téléchargiez cette référence directement. Maintenant, je vais mettre un lien vers le site Web dans la description ici. J'ai compris. Bravo. Nous avons maintenant une idée géniale pour une œuvre d'art. Ce n'est pas complètement terminé, bien sûr. Il nous reste encore quelques étapes à franchir avant de pouvoir commencer. Mais dans la leçon suivante, je voudrais esquisser les couleurs et voir à quoi elles ressemblent réellement en me basant sur l' idée que nous avons maintenant et s'il y a quelques autres éléments que nous pouvons ajouter. Mais oui, c'est essentiellement mon exemple de processus pour arriver à une bonne idée. Voici quelques-uns des critères que je recherche dans une référence, de bonnes couleurs, de bonnes formes, des contrastes, évidemment un sujet que j'aime peindre. Et je pense déjà aux modifications que je pourrais apporter à l'œuvre pour qu' elle soit plus belle que la référence. Par exemple, s'il suit plus précisément la théorie des couleurs parce qu'une référence est qu'un outil et non une ligne directrice. J'espère donc que vous n'êtes pas débordés parce que cette leçon a beaucoup porté sur la théorie, beaucoup de discussions, mais je veux que vous vous rendiez compte qu'en réalité, cela peut se produire beaucoup plus rapidement. Ces pensées sont très intuitives si vous vous intéressez un peu plus à l' art. Vous savez, vous parcourez Internet à la recherche d'une référence, et tout à coup, oh, de belles couleurs, belles formes, un sujet clairement visible. Cela ferait une excellente composition. Je peux peut-être omettre cet élément aléatoire pour que l'image suive une palette de couleurs, et boum, c'est déjà une idée. Donc, même si cela ressemble à une vidéo de dix minutes maintenant, en réalité, ce processus peut se produire en quelques secondes. J'espère donc que j'ai bien communiqué certains de ces concepts et certains de ces processus de réflexion, et que vous comprenez ma décision d'utiliser cette référence et l'idée générale de l'œuvre d'art. Donc, dans la leçon suivante, soyons un peu plus précis en parlant moins et transformons notre idée en un véritable plan. 6. Planifier l'œuvre: Planification de l'œuvre d'art. Maintenant, c'est un peu plus pratique. En fait, c'est la première leçon où je vais trouver Krita et créer quelque chose Vous devriez déjà connaître les bases de Krita grâce à notre leçon de présentation Vous pouvez donc participer ici si vous le souhaitez. Cependant, ce n' est pas nécessaire car cela ne fait pas encore partie de l'œuvre d'art proprement dite, mais je vais simplement planifier la composition avec précision en faisant un croquis en couleur ou un croquis de composition, comme j'aime l'appeler. Bien que je doive mentionner que si vous n'avez jamais travaillé avec Krita auparavant, c'est probablement une bonne façon de le pratiquer sans aucun risque Alors suivez-moi si vous en avez besoin. Nous allons créer une excellente composition basée sur nos références et un peu de théorie de l'art. Et je sais qu'à ce stade, vous vous demandez peut-être s'il est vraiment nécessaire de planifier autant avant de créer une œuvre d'art ? Je veux dire, nous avons déjà une leçon de dix minutes sur la recherche d'une idée. Alors pourquoi faisons-nous cela ? Je dirais que non, ce n'est pas nécessaire. Nous pourrions simplement peindre cette hyacinthmie à partir de références, et nous aurions un cours d' art numérique Mais j'insiste vraiment pour vous donner ces éléments de composition et vous enseigner des cadres qui vous permettront de penser l'art différemment, car c'est exactement ce qui distingue un beau petit tableau d'une œuvre d'art exceptionnelle qui distingue un beau petit tableau d'une d' Donc, si vous comprenez ces principes dès le début et que vous travaillez toujours de cette manière, vous aurez un bel avenir devant en tant qu'artiste. J'en suis tout à fait sûr. Donc, écoutez, pour l'instant, nous avons une idée, mais nous n'avons pas de composition. Alors, comment se rendre d'un point A à un point B ? Tout d'abord, nous devons savoir ce que nous créons , la composition adaptée au format. S'agira-t-il d'une carte-cadeau ? Sera-ce un fond de téléphone vertical ? Est-ce que ce sera une image carrée ? Ce sera évidemment un facteur important pour la manière dont nous devrions organiser nos sujets. Et je pense que pour nous, il est plus logique d'opter pour un papier peint haute résolution qui remplit parfaitement un écran d' ordinateur, afin que vous puissiez l'utiliser comme fond d'écran ou quelque chose comme ça. Pour cela, je vais créer une nouvelle image en Crète, la taille 3 840 x 2 160, donc standard pour K. Elle sera vraiment belle Voyons donc ce que nous pouvons faire ici. Je vais ouvrir ma référence sur mon deuxième moniteur, mais vous pouvez probablement la voir quelque part ici en raison du montage magique du futur Duplo D'ailleurs, lorsque vous utilisez une référence, le mieux est bien sûr de l' ouvrir sur un autre moniteur. Mais si vous n'en avez pas, pas de problème. Utilisez votre téléphone, une tablette ou imprimez-le. Il existe également une option. Vous devez juste être capable de regarder une image, donc vous devriez être capable de l' arranger d'une manière ou d'une autre. J'ai pleinement confiance en toi. Très bien, je vais bloquer les formes grossières de notre sujet principal avec les bonnes couleurs Encore une fois, il ne s'agit pas encore d'une esquisse pour l'illustration finale. Je veux juste voir à quoi ressemble notre composition jusqu'à présent et comment nous pouvons la compléter. Nous avons donc cet ara jacinthe, qui est bleu foncé Il est rond, un peu elliptique, et il a une queue droite juste ici OK, ça a l'air plutôt bien. Je viens de capturer les formes brutes de l'ara jacinthe. Mais nous avons aussi un bec noir ici. Et un peu de jaune vif ici et là. D'ailleurs, le pinceau que vous utilisez ici n'a pas d'importance , du moment que vous pouvez recréer grossièrement ces formes de base Maintenant, l'ara jacinthe est assis sur une branche, mais comme la branche se trouve derrière, mais comme la branche se trouve derrière, permettez-moi de créer une nouvelle couche en dessous de la couche en question en cliquant sur le signe plus ici et en la déplaçant sous la Maintenant que nous avons deux couches, nommons-les pour ne pas nous y perdre plus tard. Perroquet et branche. Bien, peignons grossièrement cette branche sur la couche de branches Du brun clair et désaturé comme celui-ci et de nombreuses courbes. OK, ça va ressembler à quelque chose comme ça. Donc je viens de le peindre quelque part. Mais à l'aide de l' outil de transformation, celui-ci, nous pouvons désormais déplacer notre sujet et voir où il convient le mieux. Mais comme l' ara jacinthe est assis sur la branche, nous devons les déplacer ensemble Ainsi, quelle que soit la couche sur laquelle vous vous trouvez, vous pouvez maintenir la touche Ctrl enfoncée et cliquer sur l'autre couche, puis les sélectionner toutes les deux , puis vous pouvez les transformer simultanément à l'aide d'un outil de transformation. C'est un petit truc de crea pro. N'oubliez donc pas cela, maintenez la touche Ctrl enfoncée et vous pouvez sélectionner trans pour plusieurs couches à la fois. Et grâce à cet outil de transformation, nous pouvons également ajuster la taille de notre sujet, ce qui est, bien entendu, également un élément clé de la composition. Maintenant, bien sûr, l'ara jacinthe sera Je veux donc le faire assez grand, mais pas trop grand, peut-être quelque chose comme ça. Ensuite, nous aurons un peu plus d'espace sur le côté droit pour ajouter autre chose. Maintenant, je peux ajuster la branche pour qu'elle sorte bien de l'extérieur de la toile et qu'elle s'arrête peut-être en bas avec quelques autres courbes comme celle-ci. Disons donc qu'il y aura du terrain sur lequel ces branches pourront s'étendre. OK, c'est donc essentiellement ainsi que vous progressez dans l'ensemble de votre croquis de couleur ou de composition. C'est ainsi que cela fonctionne. Il suffit esquisser grossièrement les sujets et leurs couleurs de cardage, les déplacer et d' ajuster leur taille Vous pouvez ajouter ou emporter des choses et optimiser les couleurs jusqu'à obtenir une composition qui vous plaise Juste ici, j'ai une idée. J'aime beaucoup la petite touche jaune car elle contraste énormément avec le bleu foncé et saturé. Et si nous faisions en sorte que l' arrière-plan soit très sombre ? Ce jaune peut donc encore plus ressortir ? Parce qu'à l'heure actuelle, avec ce fond blanc, ce n'est pas aussi visible. Le contraste n'est pas si grand. Mais comme je l'ai dit dans la dernière leçon, je souhaite un arrière-plan plus neutre pour conserver la palette de couleurs complémentaire. Je vais donc opter pour du gris très foncé ou du noir. Et oui, permettez-moi de créer une nouvelle couche en dessous des autres. Il suffit d'utiliser l' outil de remplissage du seau, gris très foncé, cliquer et oh, oui, ce jaune apparaît déjà beaucoup plus, et je pense que c'est une bonne base pour nos œuvres Ce fond sombre a l'air très cool et dramatique, et il transforme notre jaune en un accent super intense. Sympa. D'accord, mais nous allons peut-être agrandir encore un peu l'ara jacinthe Vous savez, c'est censé être le plus gros perroquet du monde, si je me souviens bien, et c'est notre sujet principal Donc oui, je pense que quelque chose comme ça devrait convenir. Voyons si cela fonctionne également pour la branche. Hmm, oui, peut-être comme ça. OK, maintenant je pense que c'est bon. Alors, que pouvons-nous faire d'autre ici ? Eh bien, pour le fond en arrière-plan, je veux quelque chose de très simple, rien de trop compliqué, afin que nous n'ayons pas à trop travailler là-dessus, et que nous puissions conserver notre beau fond sombre pour améliorer notre sujet. Je pense donc que la seule chose que je fais ici est d'ajouter une transition de couleur grisâtre pour le sol en bas de l'image Il y a donc d'autres éléments qui peuvent être placés dessus, et je vais le faire sur cette couche d'arrière-plan. En fait, j'incline un peu ma toile pour cela en appuyant sur quatre parce que je suis très douée peindre des lignes complètement horizontales, et je préfère les lignes diagonales Donc, comme ça, je ne fais que me faciliter la tâche. Ensuite, je rends mon gris un peu plus clair et le pinceau un peu plus grand, et je peins une transition de couleur douce au bas de l'image ici. bien, c'est que nous suivons toujours une palette de couleurs complémentaire car même si nous avons du marron clair et du gris clair, ces couleurs sont tellement désaturées que cela n'a pas vraiment Ils ne perturbent pas le bleu et le jaune car ils sont tellement désaturés et peu intenses Donc, si vous avez choisi une palette de couleurs et que vous travaillez sur une composition, tout ce que vous ajoutez doit suivre cette palette de couleurs. Il doit donc être très désaturé ou avoir les mêmes couleurs, qui seraient le jaune ou le bleu dans ce cas désaturé ou avoir les mêmes couleurs, qui seraient le jaune ou le bleu dans ce En fait, je pourrais ajouter des feuilles désaturées très sèches à cette branche Mais pour être honnête, je ne sais pas encore si c'est ce que je veux, donc je vais laisser cela ouvert pour l'œuvre d'art. Peut-être que nous ajouterons des feuilles, peut-être pas. Quoi qu'il en soit, nous devons absolument ajouter quelque chose du bon côté ici , il y a beaucoup d'espace vide Comme vous pouvez le constater, il y a beaucoup d'espace vide, ce qui n' est pas forcément mauvais, mais j'ai juste l'impression que, surtout dans la partie inférieure, il manque juste quelque chose qui attire attention et donne l' attention et donne un peu plus de vie à l'ensemble. Et j'ai l'impression que quelques fleurs rempliraient très bien cet espace . Mais je ne veux pas ajouter d'herbe verte là d'où elles poussent, car cela perturberait la palette de couleurs. Je pense donc que nous allons simplement les mettre dans des pots de fleurs. L'avantage des fleurs et des pots de fleurs, c'est qu' ils sont très flexibles. Vous pouvez donner à un pot de fleurs la couleur que vous voulez, et une fleur peut aussi avoir presque n'importe quelle couleur. Nous pouvons donc facilement nous en tenir à notre palette de couleurs gratuite si nous ajoutons les bonnes fleurs. Je pense donc savoir quel type de fleur je veux ajouter, mais je vais vous laisser deviner de laquelle il s'agit. Quelle fleur convient bien à un ara jacinthe. Bien sûr, Roses. Non, je plaisante. donc toutes mes excuses, mais oui, évidemment, il serait tout à fait approprié d'ajouter des jacinthes à Jacinthes jacinthe, c'est moi qui suis allemand, donc toutes mes excuses, mais oui, évidemment, il serait tout à fait approprié d'ajouter des jacinthes à cette œuvre d'art. Alors laisse-moi les chercher. Et oui, comme vous pouvez le voir, ils ont surtout ce très beau bleu foncé. Ils s'adapteraient donc parfaitement. Cependant, avant de pouvoir choisir un d'entre eux comme référence supplémentaire, si vous en avez déjà une, il est très important de surveiller l'éclairage. Par exemple, si la lumière de notre perroquet vient de la gauche et que nous ajoutons un pot de fleurs où la lumière vient de la droite, l'œuvre d'art ne sera pas très cohérente Vous pouvez bien sûr choisir une référence dont l'éclairage est différent, mais il vous suffit de la manipuler modifier la direction de la lumière et de pour modifier la direction de la lumière et de l'ombre en fonction de votre autre référence, mais c'est certainement toujours plus facile si vous choisissez une référence que vous pouvez simplement reproduire en termes d'ombre et de lumière Alors voyons voir. Dans notre première référence, l'éclairage semble assez neutre. Ce n'est pas très extrême. Si nous examinons les zones d'ombre et de lumière, la lumière semble venir un peu du dessus et de l'arrière de notre ara jacinthe, ce qui est une bonne chose car je pense que la plupart de ces références à la jacinthe Maintenant, en regardant ces références potentielles, vous vous demandez peut-être, mais ne devrions-nous pas perturber notre palette de couleurs avec les feuilles vertes de toutes ces jacinthes ? Et je dois dire que oui, nous devons absolument ajouter un peu de vert pour rendre ces fleurs réalistes. Mais nous avons deux options pour minimiser les dommages que cela pourrait causer à notre palette de couleurs. Tout d'abord, comme je l'ai déjà dit, nous pourrions fortement désaturer le vert, sorte qu'il ne soit pas très intense et qu'il ne perturbe donc qu'il ne perturbe Mais si l'on considère ces références, la plupart d'entre elles sont très saturées, il ne serait donc pas approprié de les désaturer. Mais l'autre option consiste à réduire la quantité de vert en termes de volume. Vous savez, la plupart des plantes qui poussent dans les pots de fleurs seront des fleurs bleues Et nous pourrions simplement avoir un tout petit bout de feuilles vertes entre les fleurs et le pot de fleurs, alors cela fonctionnerait également Parce que si vous avez une palette de couleurs et que vous ajoutez quelques autres couleurs dans les détails, et qu'elles ne se trouvent que dans les détails, elle fonctionnera toujours comme une palette de couleurs. Un schéma de couleurs ne doit s'appliquer qu' aux grandes parties importantes d'une image. Ce que vous faites aux petits détails en termes de couleur n'a pratiquement pas d'importance. C'est un autre petit secret de la théorie des couleurs qui vous donne beaucoup de liberté si vous l'appliquez bien. Et cela, bien sûr, fonctionne également avec d'autres combinaisons de couleurs comme Tetradic Analoous, Split Complementary, peu importe . Donc, plus vous en savez, plus vous avez d'options. Maintenant, permettez-moi d'ajouter quelques-uns de ces pots de fleurs avec des jacinthes Bien sûr, sur une nouvelle couche, afin que nous puissions les déplacer. En fait, je ne pense pas avoir besoin d' une référence précise pour les jacinthes En regardant leur texture, j'ai essentiellement intériorisé ce à quoi ils sont censés ressembler, et je pense que je peux très bien les reproduire. Les pots de fleurs seront donc très désaturés, un peu brun clair comme la branche Ensuite, il y aura un tout petit peu de vert pour les feuilles. Et puis les jacinthes, qui sont censées être un peu plus claires sur le dessus, mais peu importe ici pour le Nous devons juste nous en souvenir pour l'œuvre d'art elle-même. Nous y avons donc un éclairage constant. , dernière chose à propos la théorie des couleurs, car je veux un peu de variation dans ces jacinthes car seul le bleu serait un peu ennuyeux ici, Bien sûr, nous pourrions en rendre certains jaunes, car cela fait partie de notre palette de couleurs. Allons y jeter un œil. Une jacinthe peut-elle être OK, on dirait. Ajoutons donc un pot de fleurs contenant jacinthes jaune vif Bien sûr, peu importe que ces fleurs jaunes existent dans la vraie vie. Tu es une artiste. Tu peux faire ce que tu veux ici. Mais je voulais juste savoir s'ils existaient. Mais nous pouvons également ajouter un peu de variété à ces fleurs bleues et en rendre certaines un peu plus violettes, car d'une part, je pense que cela les un peu plus violettes, car d'une part, rend plus intéressantes et deuxièmement, correspondent toujours à notre palette de couleurs. voyez, tant que vous ne modifiez la teinte que d'un côté d'une palette de couleurs complémentaire, elle compte toujours comme une palette de couleurs complémentaire. Donc, si nous nous en tenons à ce seul type de jaune et que nous ne nous rapprochons pas de l'orange ou du vert sur notre photo, nous pouvons en fait ajouter une petite variation à la teinte de nous pouvons en fait ajouter une petite variation à la teinte de l'autre côté. Et par exemple, ajoutez des fleurs un peu plus violettes ou, vous savez, détails à l'ara jacinthe qu'un peu plus sur le côté bleu clair, ce que nous devrions faire de toute façon, ce que nous devrions faire de toute façon, si nous Cela fonctionnerait également dans l'autre sens. Si nous avons fait une photo qui a toutes sortes de couleurs chaudes allant de l'orange au vert clair dans cette gamme, et que nous y ajoutons celle-ci en complément, qui serait le bleu foncé, elle sera également considérée comme une palette de couleurs complémentaire, condition que nous n'ayons celle-ci en bleu foncé ici et aucune autre variation. Ainsi, dans une palette de couleurs complémentaire, vous pouvez toujours ajouter une petite gamme de teintes, mais uniquement sur un côté. Et maintenant, nous en avons enfin terminé avec la théorie des couleurs. Je te le promets J'y pense juste beaucoup lorsque je planifie mes compositions. Maintenant, quelques derniers mots sur la disposition de nos éléments. Comme vous pouvez le constater, j'ai ajouté ici quelques pots de fleurs sur différentes couches, afin de pouvoir les déplacer individuellement. Je vais donc le faire maintenant. Comme vous pouvez le constater, je peux modifier la taille et le positionnement de ces pots de fleurs, mais je peux également les reproduire en copiant et en collant ces couches Nous avons donc encore quelques pots, mais nous n'avons pas besoin de peindre. Voyons donc quelle serait la meilleure option ici. Évidemment, plus tard dans l'œuvre d'art, vous ne pouvez pas simplement copier et coller des éléments tels ces pots de fleurs, car les spectateurs le remarqueront que ces pots de fleurs, car les spectateurs le remarqueront inconsciemment ou consciemment, et cela dégradera considérablement la qualité de votre œuvre d' Vous ne devez donc jamais copier-coller des éléments si vous n'avez pas une très bonne raison de le faire. Mais ici, dans le croquis de composition, nous pouvons le faire sans modifications, car certains de ces pots de fleurs auront un aspect très similaire. Eh bien, nous voulons juste tester la composition et voir combien de pots de fleurs seraient appropriés Honnêtement, je n'ai pas de bonne règle de composition pour cela, donc je ne fais que tester différentes positions et différents nombres, et je les évalue en fonction de ce qu'ils ressentent pour moi. Pour cela, vous pouvez me voir effectuer un zoom arrière de temps en temps, et en général, je travaille avec un canevas assez petit, car je peux ainsi suivre l'ensemble de l'image et voir comment les couleurs fonctionnent un peu mieux que si je zoomais trop C'est une tactique courante, même dans l'art traditionnel. Les gens jurent donc de s'éloigner un peu de la toile afin de mieux évaluer la composition. De plus, je pense que nous devrions ajouter deux pots de fleurs jaunes au maximum car ce jaune est vraiment intense avec un fond sombre. Et si nous en ajoutons trop, ils risquent de détourner un peu l'attention de l'ara jacinthe Mais comme ça, si c'est peut-être un ou deux, alors ils constituent un bon équilibre. D'ailleurs, je ne veux pas non plus mettre de pots de fleurs sous le perroquet parce qu'il y a une branche, et je veux la garder relativement libre Un sujet principal censé se démarquer devrait presque toujours être entouré d'un petit espace vide. Donc, je pense que c'est plutôt bien avec juste ce pot de fleurs sur le côté gauche et l' autre bondé sur la droite. De plus, certains de ces pots de fleurs devraient certainement se chevaucher, comme ici Cela semble donc un peu plus tridimensionnel. C'est bon. C'est une composition cool et basique. Mais pour pimenter un peu le tout, ajoutons quelques jacinthes tombées par terre C'est quelque chose qui pourrait certainement se produire ici quand il y a autant de jacinthes autour de vous Je pense que je suis mieux à même de le prononcer. Mais oui, j'ajoute juste quelques jacinthes jaunes, bleues et violettes au sol juste pour donner un peu plus de détails et voir à quoi ça ressemble Oui, ça a très bien marché. Enfin et surtout, simulons certaines de ces ombres que nous aurons évidemment ici. La lumière vient d'en haut, alors peignons un peu d' ombre foncée et désaturée sous chacun de ces éléments Et boum, nous y voilà. Je pense que c'est une composition avec laquelle nous pouvons travailler. Ce n'est pas trop compliqué, mais il possède de très belles couleurs avec une palette de couleurs complémentaire, mais aussi quelques contrastes de valeur avec ce jaune très vif et le fond foncé. Et nos sujets principaux sont clairement visibles, nous pouvons donc y ajouter beaucoup de détails, et ils seront vraiment géniaux. Par exemple, dans l'œuvre d'art, nous pourrions ajouter des textures ou des motifs subtils à ces pots de fleurs. Nous verrons à ce sujet. Mais oui, pour le moment, je pense que nous avons un très bon plan. Ainsi, dans nos œuvres d'art, nous pouvons nous concentrer entièrement sur la peinture, sans avoir à prendre de décisions ennuyeuses concernant la composition et à tout réévaluer. Ce travail est terminé, et il ne faut pas le sous-estimer, même si nous n'avons même pas encore commencé par les œuvres d'art. Cette composition nous permettra d'économiser beaucoup de temps et d'énergie mentale par la suite. Je vais enregistrer cette composition sous forme d'image que je pourrai regarder pendant le processus de création, mais je vais probablement la mettre dans la description ici afin que vous puissiez la télécharger au cas où vous ne l'auriez pas créée vous-même. Donc, que vous y ayez participé ou non, j'espère que vous avez compris ce processus de prise de décision et les raisons pour lesquelles je fais quelque chose comme ça. Si vous voulez une œuvre d'art exceptionnelle, il est souvent judicieux de la planifier à l'avance. Vous voulez voir comment tout s'intègre, vous assurer que les couleurs et les contrastes sont bons, qu'il y a de l'espace vide pour encadrer les choses et attirer l'attention des spectateurs, etc. Et vous pouvez modéliser cela avec une simple esquisse de composition comme celle-ci. Donc, si vous pensez avoir compris les idées fondamentales de la planification d'une œuvre d'art, vous pouvez passer à la leçon suivante. 7. Choisir les pinceaux: OK, les gars, une toute dernière leçon de préparation avant de commencer le dessin car nous devons choisir nos pinceaux. Je ne le fais pas toujours, mais c'est vraiment amusant et utile si vous n'avez pas déjà beaucoup d' expérience avec les pinceaux Krita et que vous ne savez pas lesquels sont bons Vous pouvez donc avoir un petit aperçu de ce à quoi je pense lors de la sélection des pinceaux, et peut-être trouverez-vous vos nouveaux pinceaux préférés ici. Qui sait ? Bien, comme pour les couleurs et les formes, j'aime esquisser grossièrement les textures avant de commencer une peinture Je choisis donc les pinceaux au préalable et je les ajoute à une étiquette de pinceau. Cela nous permet d'accéder facilement à nos pinceaux ultérieurement en cliquant avec le bouton droit de la souris, sans avoir à les rechercher. Vous pouvez voir que si vous cliquez avec le bouton droit de la souris avec un pinceau sur le canevas, vous pouvez accéder rapidement à tous ces différents ensembles de pinceaux ici, comme les gommes numériques, etc. Alors allons-y directement. Le premier pinceau que j'ai envie d'utiliser est peu près toujours celui-ci, ce pinceau à croquis, un crayon pour le soft C'est mon préféré. Je sais que cela fonctionne pour ce dont j'en ai besoin, donc je n'ai pas besoin de faire d'expérimentation. Je vais juste utiliser ce pinceau. Je le sais déjà. Vous voyez, c'est un pinceau très lisse. permet de tracer des lignes fines et précises, ce dont nous avons absolument besoin pour notre croquis. Je vais donc cliquer avec le bouton droit sur le pinceau dans la liste des pinceaux, attribué à la balise. Et puis, ici en bas, vous pouvez créer une nouvelle étiquette en saisissant un nom, disons, jacinthe, puis vous pouvez cliquer sur ce plus pour obtenir une Sympa. Passons donc à la suivante. Il faut maintenant choisir les pinceaux. Vous savez, ceux que les spectateurs de l'œuvre d'art verront réellement à la fin. Donc oui, ils sont vraiment importants. Le choix de vos pinceaux dépend évidemment fortement du style dans lequel vous souhaitez dessiner ou peindre. Krita vous propose de nombreux styles différents. Mais je pense que j'opte pour un style quelque peu impressionniste et réaliste. Il y a donc quelque chose entre les deux. Je veux donc des pinceaux où l'on peut parfaitement voir les poils et les textures, mais je veux tout de même pouvoir créer des formes épurées avec eux Je passe donc immédiatement à cette section où nous trouvons les pinceaux RGBA, RGBA wet et Parce que d'après mon expérience, ces pinceaux fonctionnent très bien pour cela, et j'en connais déjà beaucoup très bien. Cherchons un pinceau avec lequel nous pourrions peindre l'ara jacinthe En regardant la référence à l'ara jacinthe, je constate qu'il présente de nombreuses transitions de couleurs subtiles du Il serait donc judicieux d'utiliser un pinceau en treillis qui mélange automatiquement la peinture et crée également des transitions douces Cela limite donc notre recherche aux pinceaux à empâtement RGBA Wet et M Lo Ces pinceaux RGBA sont également intéressants en termes de texture, mais comme vous pouvez le constater, si je griffonne des couleurs différentes ici, ils ne mélangent pas automatiquement la peinture, ils la superposent simplement Mais avec le pinceau RGBA, par exemple, avec celui-ci, vous pouvez voir qu'il crée automatiquement une transition, et je pense que c'est exactement ce dont nous avons besoin C'est également le cas pour ces pinceaux à empâtement Mimi Leo qui simulent une peinture très épaisse Choisissons donc du bleu jacinthe foncé et imaginons ce que nous pourrions peindre ici Celui-ci a donc une très belle texture, mais bon, c'est un peu trop chaotique et il est difficile d'être précis avec ce pinceau. Cela ne fonctionne donc probablement pas pour ce perroquet. Et celui-ci. Oh, en fait, j'aime vraiment ce pinceau. Nous pouvons créer des transitions, taille varie un peu, afin de pouvoir créer des coups de pinceau précis. Simulons ici une petite texture de plume. Et oui, cela fonctionne très bien. Je pense que je vais ajouter celui-ci à l'étiquette en forme de jacinthe. Cliquez avec le bouton droit sur le tag jacinthe. Allons-y. Et maintenant, si je clique avec le bouton droit de la souris et que je sélectionne cette étiquette en forme de jacinthe, vous pouvez déjà voir que nous avons les deux pinceaux choisis De plus, je pense que ce pinceau est si précis qu'il pourrait également fonctionner pour les pots de fleurs, peut-être, et aussi pour les feuilles de jacinthe Mais les jacinthes elles-mêmes, je ne crois pas. Nous aurons besoin d'autre chose pour cela. Alors griffonnons un peu avec différents pinceaux et simulons quelques jacinthes Pour cela, j'ai déjà inclus quelques couleurs différentes, car nous aurons évidemment des reflets et des ombres Il ne s'agira donc pas d'une seule couleur pour la jacinthe, mais je cherche également à savoir comment ces pinceaux mélangent la peinture et à quoi ressemblent les textures avec quelques couleurs différentes, comme les plus claires et Je pense donc que j'aime beaucoup celui-ci, ce violet, très approprié. Mais oui, je vais l'attribuer à notre étiquette en forme de jacinthe. Ensuite, laisse-moi chercher quelque chose pour les pots de fleurs. Bien entendu, vous pouvez également utiliser plusieurs pinceaux dans une même texture. Par exemple, vous maquillez les plumes de l'ara jacinthe à l'aide de trois pinceaux différents, mais c'est un peu plus sophistiqué et plus difficile à faire fonctionner que si vous vous tenez à un seul pinceau, car la texture sera plus définie, et cela peut sembler un peu trop chaotique au final si vous ne savez pas ce que vous faites et que vous utilisez et Donc, maintenons le chiffre bas ici. Au final, on peut toujours gribouiller un peu dessus avec d'autres pinceaux et voir si ça nous plaît Et si nous ne parvenons pas à l'annuler. Pour la texture de base des pots de fleurs, je pense que je vais utiliser ce pinceau humide RGBA Comme il est vertical, vous pouvez créer ces très jolis cylindres, et c'est ce dont nous avons besoin pour un pot de fleurs. Et pour le fond et le sol, je veux juste une texture très lisse et subtile, et je connais déjà deux pinceaux qui fonctionnent très bien pour cela en permanence. Et voici ces deux pinceaux à empâter Mm Leo. Permettez-moi donc de les ajouter également au tag. Et oui, je pense que nous avons maintenant une bonne sélection. Il n'est pas toujours nécessaire de réinventer la roue et de tester chaque crème de brossage. Parfois, vous pouvez aussi reposer auprès de ceux que vous connaissez. J'espère donc que vous me faites confiance, ces pinceaux sont vraiment jolis. Et en fait, nous sommes maintenant prêts à commencer par l'œuvre d'art. Assurez-vous donc d' avoir également cette étiquette de pinceau avec ces pinceaux, puis vous pourrez passer à la leçon suivante. Je. 8. Esquisser le sujet: Bien, maintenant nous avons une bonne idée. Nous avons trouvé un bon arrangement pour la composition et nous avons choisi des pinceaux adaptés. Rien ne s'y oppose donc, et nous pouvons commencer à créer l'œuvre d'art proprement dite. Créons un nouveau document au format 3 840 x 2160, papier peint standard de quatre carats, comme nous l'avons prévu Je vais le rendre aussi réaliste et non filtré que possible sans le rendre ennuyeux Je ne vais pas tout supprimer, pour que le processus soit artificiellement parfait, du genre « Oh, l'art numérique est tellement facile et amusant et tout fonctionne du premier coup ». Non, nous allons expérimenter, ajuster et probablement corriger de nombreuses erreurs, comme c'est toujours le cas pour tous les artistes à tous les niveaux. Parce que l'art numérique ne consiste pas seulement à suivre un plan, mais aussi à résoudre des problèmes de manière flexible. Je vais donc vous montrer comment procéder. Et la première chose à faire si vous voulez créer quelque chose d' un peu complexe est de dessiner Cela signifie simplement utiliser un crayon clair pour esquisser les contours et les formes approximatifs. Ainsi, vous saurez plus tard où doivent aller tous les coups de pinceau . C'est tout aussi utile dans l'art numérique que dans l'art traditionnel. Bien entendu, il n'est pas toujours nécessaire de faire un croquis. Par exemple, si vous voulez simplement vous détendre et créer quelque chose de simple, ou si vous voulez voir la composition se dérouler au fur et à mesure, comme un art abstrait, par exemple, vous savez, c'est aussi une façon de le faire Toutes les grandes œuvres d'art de l'histoire ne sont pas basées sur un croquis. Il serait donc faux dire qu'il faut toujours en fabriquer un Cependant, le dessin est toujours quelque chose que je recommande vivement , car cela rend l'ensemble du processus beaucoup plus facile De plus, si vous avez d'abord cette esquisse vous avez plus de chances de terminer votre peinture, du moins d'après mon expérience, car en faisant votre croquis, vous visualisez naturellement déjà la composition finale et façon dont tout s'intègre. Ainsi, en commençant par un croquis, il devient plus facile de rester concentré par la suite, car vous savez toujours sur quoi vous travaillez et comment cela s'intègre dans le tableau d'ensemble. Littéralement, alors oui, sans plus attendre, faisons le croquis. En fait, comme nous allons avoir un arrière-plan noir dans notre illustration finale, remplissons déjà la première couche de noir, puis nous pouvons esquisser en blanc. Je trouve ça vraiment cool parce ça crée déjà l'ambiance, et c'est vraiment rafraîchissant de dessiner blanc sur du noir de temps en temps, à mon avis. Pour cela, j'utilise simplement l'outil Fill Bucket, celui-ci, en sélectionnant le noir comme couleur principale, puis en cliquant simplement. Nous avons donc notre couche d'arrière-plan propre et sombre, puis nous pouvons accéder à l'outil pinceau, cliquer avec le bouton droit de la souris, sélectionner notre pinceau d'esquisse, puis le blanc Mais avant de dessiner quoi que ce soit, créons un nouveau calque en cliquant sur cette icône en forme de plus, puis en double-cliquant dessus et en l'appelant sketch. Il est très important de s'en souvenir. Placez toujours votre esquisse sur une couche séparée où vous n'avez rien d'autre. Sinon, il ne serait pas possible de le supprimer ultérieurement sans endommager l'œuvre d'art. D'accord. Nous pouvons maintenant dessiner en blanc sur noir, tout voir clairement et toujours déplacer des éléments ou les supprimer s'ils ne nous plaisent pas. De nombreux artistes ne se rendent pas compte que vous pouvez le faire souvent parce qu'ils sont issus de l'art traditionnel, et c'est très difficile de travailler comme ça dans ce domaine. Tu sais, tu aurais besoin d' un papier noir et, genre, de la craie ou quelque chose comme ça, mais ce n'est tout simplement pas aussi précis Mais dans l'art numérique, vous pouvez faire ce que vous voulez, non ? Alors pourquoi ne pas essayer quelque chose de différent ? Je vais commencer par l'ara jacinthe parce que c'est probablement la partie la plus difficile, puis nous nous en sommes débarrassés J'ouvre donc ma référence avec le perroquet. Je vais le montrer quelque part ici avec le logiciel de montage. Et allons-y. Au fait, je pense que c'est mieux si vous regardez toujours un peu à l'avance et que vous écoutiez mon explication d'une étape, puis que vous la fassiez après moi. Alors, tu es prêt ? La première chose que je pense à propos de Inner Sketch, ce sont toujours les grandes formes. Je regarde la référence et je me demande comment pourrais-je la décomposer en grandes formes géométriques simples. Vous savez, des choses comme des lignes droites, des ellipses, des cercles ou des triangles et des rectangles Ici, notre ara jacinthe est principalement une grosse ellipse est principalement une grosse ellipse J'espère que vous pouvez tous le voir. Permettez-moi donc de dessiner cela très légèrement, une ellipse grossière qui ressemble un peu au torse de notre ara jacinthe Ensuite, appliquons un peu plus de pression pour le définir un peu plus clairement. Donc un peu plus étroit sur le côté gauche comme ça. Et puis si nous faisons un zoom arrière, je pense que c'est plutôt bien. Permettez-moi donc d'utiliser l'outil de transformation et de le déplacer à l'endroit où nous voulons l'ara jacinthe L' outil de transformation, à mon avis, est absolument essentiel lorsque vous dessinez, car vous pouvez modifier précisément les angles, l'échelle et donc toutes les proportions de ce que vous souhaitez peindre ultérieurement Et il est très important que vous les obteniez correctement lorsque vous dessinez. C'est aussi pourquoi j'utilise beaucoup l' annulation et le rétablissement, comme vous pouvez le voir ici Plus tard, pendant que nous peignions, je vais revenir un peu en arrière parce que je pense qu' défaire ou en refaire trop peut rendre fou Mais dans ce sketch, je veux vraiment que toutes les proportions soient très bonnes. Je fais donc très attention ici. Essentiellement, dessiner signifie estimer les distances et inscrire votre meilleure estimation sur le papier Vous regardez simplement les grandes formes et vous vous demandez quelle doit être la taille de ce cercle par rapport à cette ellipse, et quels sont la distance et l' angle qu'elles ont l'une par rapport à l'autre Et quelle est la longueur de cette ligne par rapport à cette ligne ? Et quels sont les angles ? Vous devez l'estimer grossièrement , puis le reproduire pour toutes les parties importantes de votre sujet Et jusqu'à présent, la taille du sujet ou sa position sur le canevas n'ont pas vraiment d'importance . Comme vous pouvez le constater, pour le moment, ce n'est pas du tout comme dans notre esquisse de composition, mais nous pouvons changer tout cela ultérieurement avec un outil de transformation. Pour le moment, nous voulons nous concentrer uniquement sur le positionnement relatif des éléments que nous avons, le bec et sa taille par rapport à la tête, à la tête, à sa taille par rapport au torse, à la distance qu'il a par rapport à celui-ci et à tout ça Et nous faisons tout cela avec des lignes très légères et griffonnées, afin de savoir où tout va nous mener plus tard Et naturellement, lorsque vous estimez angles et des distances et que vous mettez de très nombreuses suppositions sur le papier, vous aurez de très nombreuses lignes Donc, de temps en temps, j'aime activer mode gomme appuyant sur E ou en cliquant sur l'icône de cette gomme, et j'efface toutes les lignes dont je n'ai plus besoin parce que j'en ai une meilleure C'est un bon moyen de garder une vue d'ensemble, car vous ne voulez pas que votre esquisse soit trop encombrée avec trop de lignes. Sinon, lorsque nous ajoutons trop de lignes à notre esquisse, il sera difficile de la parcourir pendant le processus de peinture, car nous voulons placer la peinture sous l'esquisse. Vous ne voulez donc pratiquement que des contours précis et d' autres formes importantes. Par exemple, ici même, j'ai toujours cette courbure de l'ellipse, qui indique le point de départ de l' aile, car nous pouvons également clairement voir cette courbe dans notre référence. Je veux donc la conserver Lorsque vous dessinez, maintenez zoom arrière relatif ou au moins un zoom arrière assez souvent, car c'est le meilleur moyen de suivre toutes les proportions Ici, je pense que la distance entre la tête et le torse n'est pas très bonne J'utilise donc simplement cet outil de sélection du lasso pour sélectionner la zone du cou et de la Comme ça, Control C, delete et Control V pour le copier, le supprimer et le coller sur un nouveau calque, puis je peux l' ajuster légèrement avec l'outil de transformation. C'est une petite astuce très utile pour dessiner. Donc, comme vous pouvez le voir, je suis juste en train de corriger un peu l' angle. Ensuite, je fusionne mes deux couches en appuyant sur Ctrl E, pour qu'elles se retrouvent à nouveau sur une couche. Ensuite, je répare simplement la connexion des lignes. C'est maintenant l'heure des plumes de la queue, les dernières grandes formes présentes ici. Mais je voulais d'abord ajouter un peu plus de détails aux autres formes. Je sais donc exactement où vont ces plumes de la queue. Je fais des coups de pinceau très rapides pour que ces lignes soient aussi droites que possible. Bien entendu, vous pouvez également utiliser l'outil de ligne pour cela si vous souhaitez que ces lignes soient parfaitement droites et précises. Mais je pense que cela ne serait pas nécessaire, car c'est en fait très amusant de tracer ces lignes. Il est donc temps de donner un peu plus de détails sur la partie inférieure de notre perroquet Comme les pieds, qui devraient aller quelque part ici. Et oui, comme vous pouvez le voir, c'est redevenu très chaotique, alors je passe à nouveau en mode gomme et j'efface quelques lignes inutiles De plus, l'angle des plumes dans le dos nécessite un peu de fixation. Sympa. Maintenant, en ce qui concerne l'œil, l'œil est très important, que vous peigniez un animal ou un humain, car si l'œil est légèrement décalé, votre sujet sera totalement différent. Il vous faudra donc probablement quelques essais pour positionner correctement l'œil ici. OK, c'est sympa. Je vais maintenant apporter quelques corrections finales, peut-être effacer quelques lignes inutiles et indiquer quelques autres de ces plumes. Et en fait, je pense que c'est ça. C'est certainement quelque chose qui a les proportions d' un ara jacinthe Permettez-moi de le redimensionner et de le transformer un peu pour qu'il ressemble un peu plus à notre croquis de composition. Ensuite, je vais dessiner la branche en dessous. De plus, les lignes sont très légères, très griffonnées, mais l'avantage de cette branche c' est qu'il s'agit d'une branche, et nous pouvons donc jouer avec elle et ajuster à notre guise sans la faire paraître étrange qui concerne l'ara jacinthe, je suis certainement en train de reproduire les formes de la branche dans la référence parce qu'elles sont vraiment géniales à mon avis, mais je fais en sorte que la branche vienne de l'extérieur de l' image sur le côté gauche, et que notre composition ait un fond, contrairement à notre composition ait un fond, Nous devons donc improviser certains embouts de branches qui tombent par terre. N'oubliez pas de sauvegarder votre maquette de temps en temps une fois que vous aurez effectué quelques étapes. Krita crée des fichiers de sauvegarde automatiques. Ainsi, en cas de panne de votre ordinateur ou autre, vous ne perdrez pas tous vos progrès Mais bien sûr, pas à chaque seconde. Alors enregistrez-le manuellement en tant que document Krita, afin de ne pas perdre vos couches, donnez-lui un nom pour pouvoir le retrouver, puis vous pourrez continuer quand vous le souhaitez. Et tu sais quoi ? Je pense que c'est un croquis très utilisable. Assurez-vous donc que le vôtre ressemble à ceci. Et comme cette leçon est assez longue, allons esquisser le reste de notre composition dans la leçon suivante, car même si nous avons terminé la partie la plus difficile de l'esquisse, il y a encore quelques points très importants 9. Esquisser la composition: OK, nous avons compris le sujet principal. Nous devons maintenant esquisser le reste de la composition et déterminer où tout va. Bien entendu, nous avons déjà une esquisse de composition, nous savons donc assez bien ce que nous devons faire. Mais maintenant, il est très important de trouver la disposition finale de tous les éléments et de les esquisser en conséquence. Parce qu'une fois que nous aurons commencé à peindre, il ne sera plus possible de transformer tous les éléments comme nous le souhaitons. Si nous le faisions, ils perdraient un peu de qualité. Laisse-moi te montrer. Vous pouvez voir si je peins cette transition de couleur précise de cette façon, si je regarde, puis si j'utilise l'outil de transformation pour la redimensionner et la déplacer légèrement. vois, ce n'est plus très net, et il y a un peu de flou, et nous ne voulons certainement pas que cela apparaisse dans notre œuvre finale. Maintenant, ne t'inquiète pas. Vous pouvez toujours vous déplacer sur les éléments peints. Mais si vous le faites beaucoup, ils perdront presque toujours un peu de qualité et vous devrez peut-être les recouvrir de peinture. C'est la raison pour laquelle je trouve très utile de planifier la composition à l'avance, puis de faire un croquis. Comme l'esquisse ne sera pas visible dans l'illustration finale, peu importe si ces lignes deviennent un peu floues, nous pouvons donc l'ajuster librement Ici, l' esquisse est à peu près la dernière étape du processus où vous pouvez déterminer librement la composition si vous souhaitez obtenir une qualité optimale du résultat final Il est très important que vous en soyez conscient lorsque vous créez de l'art numérique. Alors allons-y. Je vais commencer par dessiner le sol, que je vais indiquer par une simple ligne d'horizon Mais je veux le faire sur une nouvelle couche, c' ce que j'appelle le terrain. La ligne du sol ou de l'horizon est toujours quelque chose que j'esquisse à peu près au début parce que c'est facile, et une fois que vous l'avez, c'est une très bonne référence pour placer les autres éléments. Mais en général, il n'y a pas de véritable règle pour ce que vous esquissez en premier. J'aime généralement commencer par la ligne d'horizon ou par le sujet principal, comme ici. Fais ta ligne d'horizon très fine et place-la juste ici. Si vous maintenez la touche Maj enfoncée tout en utilisant l'outil linéaire, ce que vous devez absolument faire ici, vous pouvez rendre cette ligne parfaitement horizontale. Sympa. Au final, nous pouvons fusionner toutes ces couches d' esquisse en une seule couche d'esquisse, puis peindre le reste en dessous. Mais pour l'instant, il faut trouver la composition parfaite et pouvoir tout ajuster pour cela. Ainsi, chaque nouvel élément que vous ajoutez à l'esquisse doit se trouver sur une couche séparée. D'ailleurs, maintenant que nous avons esquissé le sujet principal, nous n'avons techniquement plus besoin de notre référence avant le tableau Je vais donc le remplacer par un croquis de composition et y jeter un œil pour le reste du croquis ici Nous pourrions rechercher une référence pour les jacinthes, mais je suis sûr que nous serons en mesure de les gérer nous-mêmes Nous devrons juste réfléchir un peu et répondre à quelques critères. Lumière venant du haut, quelques variations dans les teintes, peu d'ombre en dessous et très peu de vert. Mais la plupart de ces critères ne sont importants que lors de la peinture. Ajoutons donc simplement quelques pots de fleurs simples, bien sûr, sur différentes couches, afin de pouvoir les déplacer. Afin de garder une vue d'ensemble, je vais renommer toutes ces couches d'esquisse pour qu'elles contiennent le mot sketch, afin que nous sachions exactement lesquelles fusionner à la fin Je vais ajouter une autre couche entre le sol et l'esquisse, appelée pot sketch one, car je sais déjà qu' il y en aura plusieurs. Nous pouvons donc passer à notre pinceau et ajouter un petit pot. Des lignes dynamiques et à peu près symétriques. Et peu importe où ils sont placés maintenant, car nous pouvons déplacer ces pots, bien sûr. Mais oui, ça devrait ressembler à ça avec ces petites courbes en bas et en haut. Ces courbes se courbent vers le bas parce que nous regardons ces pots d'en haut en tant que spectateurs de cette œuvre d'art Très bien, c'est l'heure de passer à l'outil de transformation. Je vais déplacer le pot ici, puis je vais le copier-coller sur un nouveau calque et l' appeler pot sketch, aussi, parce que je ne veux pas dessiner ce pot à plusieurs reprises avec ces belles lignes précises. Je trouve que celui-ci est plutôt beau, donc je vais juste le reproduire autant de fois que nécessaire D'ailleurs, je passe rapidement à la couche d'esquisse du sol et je réduis l'opacité car cette ligne est assez intense et ça m'agace un peu Bien, revenons aux pots. Comme vous pouvez le constater, je copie et colle simplement le pot de fleurs d'origine sur de nouvelles couches, puis je les déplace et je modifie leur taille à l'aide de l'outil de transformation L'arrangement ressemble donc un peu à celui que nous avons dans notre croquis de composition. Je pense que c'est vraiment une bonne idée donner à ces pots de fleurs des tailles un peu différentes, sinon cela va paraître trop monotone C'est également le cas si vous peignez des pierres ou des arbres, par exemple, donnez-leur toujours des tailles légèrement différentes sauf si vous avez une très bonne raison de le faire. Par exemple, vos arbres se trouvent dans une allée ou vous peignez des humains dont la taille est évidemment très similaire ou quelque chose comme ça. Mais en général, si vous créez une composition censée être agréable, donnez à vos éléments des tailles différentes, car cela crée une courbe naturelle qui guide en quelque sorte l'œil du spectateur. Comme vous pouvez le voir ici, ces pots sur la droite ont une sorte de courbe descendante si vous regardez leurs bords supérieurs. Et c'est la plupart du temps plus satisfaisant à regarder que si tous les éléments alignent comme par magie, car cela peut sembler très étrange et tout simplement anormal Bien, maintenant les pots sont bien alignés, je vais donc griffonner quelques jacinthes sur chaque couche, juste comme ça je vais donc griffonner quelques jacinthes sur chaque couche, juste comme ça. C'est très simple. Je ne suis même pas en train de dessiner les feuilles ici car il y en aura très peu. Et techniquement, nous n'avons pas nécessairement besoin de dessiner ces jacinthes, car gousses nous permettront de savoir où elles vont Mais je veux voir comment ce détail et cette densité fournis par ces jacinthes s'intègrent dans Assurez-vous d' ajouter un peu de variation à ces jacinthes et de leur donner des angles et des tailles légèrement différents afin qu'elles ne poussent pas toutes en ligne droite Je veux dire, bien sûr, que les jacinthes auraient pu être arrangées comme ça par des gens, mais je pense que ce serait moins intéressant pour Je veux un peu de densité et de chaos ici. Et je pense que cette densité convient très bien ici. Certaines de ces fleurs me semblent cependant un peu trop petites par rapport au perroquet J'ajuste donc une fois plus certaines de ces couches aide d'un outil de transformation. Mais je trouve aussi que notre jacinthmac est un peu trop gros si l'on regarde Je suis donc également en train de l'ajuster ici. Elle doit être quelque chose comme ça, pas trop grande, donc c'est réaliste par rapport à ces fleurs, mais pas trop petite car c'est notre sujet principal. Je pense donc que cela pourrait fonctionner ici, les plumes de la queue s'arrêtant à peine devant cet endroit sur le côté gauche. OK, réorganisons un peu plus ces pots de fleurs un peu plus ces pots Je suis même en train de copier-coller l'un d' entre eux parce que je veux juste un peu plus de détails ici De plus, j'ai l'impression que si nous voulons ajouter deux pots de fleurs avec des fleurs jaunes, ils ne devraient pas en constituer plus d'un tiers. Je veux donc au moins sept pots de fleurs au total, car ce jaune est censé être quelque chose de spécial. Je pense donc aussi à des choses comme ça, comme la façon dont les couleurs pourraient être arrangées plus tard. Mais ne t'inquiète pas. C'est très précis et c'est exactement ce que je pense. Ainsi, vos pots de fleurs pourraient également être disposés un peu différemment. Je pense juste que ce serait très bien s' ils montaient en hauteur en moyenne, plus vous vous dirigez vers la droite Nous avons donc cette ligne descendante au sommet qui dirige les yeux des spectateurs vers le centre. Donc quelque chose comme ça. OK, maintenant que nous avons transformé la couche d'objet, nous pouvons voir que la branche ne s'étend plus jusqu'au bord. Corrigons donc cela sur notre couche d'esquisse du sujet. N'oubliez pas que les branches deviennent plus petites au fur et à mesure qu'elles poussent, nous devons donc rendre celle-ci un peu plus épaisse car elle vient de l'extérieur. Je trouve que cette courbe descendante est plutôt agréable car elle reflète un peu ces branches courbes sur le sol. Et pendant que j'y suis, j' expérimente en ajoutant une petite branche qui pousse d'abord vers le bas, puis vers le haut Il pousse donc au-dessus de notre ara jacinthe et l'encadre en quelque sorte Mais juste un petit peu, il nous reste donc encore de l'espace vide. Il suffit donc de quelques petites branches ici, et faisons-les pousser à nouveau en dehors de la toile. Et en fait, je crois que j'aime bien ça. Nous pourrions donc également étendre cette branche et ajouter quelques feuilles dans notre tableau. Bien sûr, pas de feuilles vertes, car elles seraient trop vertes et perturberaient notre palette de couleurs, mais peut-être des feuilles desséchées et désaturées ou pas de feuilles et juste des branches Nous verrons à ce sujet. Permettez-moi donc d'ajouter quelques petites branches en bas pour que le style de cet arbre reste cohérent. Et en fait, je pense que c' est exactement la composition avec laquelle j'ai envie de travailler. Nous avons de belles lignes qui guident les yeux des spectateurs. Nous avons des espaces vides pour encadrer notre sujet principal et autres éléments intéressants comme ces branches et pots de fleurs qui se chevauchent Nous avons beaucoup parlé de composition et nous nous sommes retrouvés avec une esquisse relativement simple. Mais j'espère que vous en avez encore beaucoup appris. Certaines personnes aiment dessiner davantage, d' autres aiment dessiner moins. Tout dépend de vous et de ce avec quoi vous pouvez le mieux travailler. Cela se verra au fil du temps grâce à l'expérimentation. Personnellement, je pense que c'est ici un juste milieu entre le fait d'être très grossier et très détaillé. Je pense que nous obtenons certains éléments des deux puits. Quoi qu'il en soit, nous pouvons certainement l'utiliser pour ajouter de la peinture belle et colorée maintenant Sauvegardons donc ceci et faisons-le dans la leçon suivante. 10. Peindre le perroquet: Très bien, mesdames et messieurs, nous sommes arrivés. Nous allons ajouter de la peinture sur l'ara jacinthe. Puisque c'est notre sujet principal, ce sera probablement la leçon la plus importante de ce cours. Je veux dire, d'accord, cela dépend évidemment de la raison pour laquelle vous êtes ici. Pour vous, la leçon la plus importante pourrait être l'aperçu du créateur ou la planification de la composition. C'est également très important, à mon avis. Mais d'un point de vue pratique, c' est ici que réside la vraie affaire. C'est là que nous allons marquer tous les points de notre œuvre d'art. Le sujet principal qui attire l'attention et qui semble réaliste, je l'espère. Et oui, commençons. J'espère que vous avez tous votre étiquette de brosse à jacinthe avec ces pinceaux, et bien sûr, nous aurons besoin de Je vais faire de mon mieux montrer quelque part à l'écran, mais si c'est trop petit pour vous, vous pouvez bien sûr le regarder d'une autre manière, par exemple en l'imprimant. Pour commencer à peindre, nous devons évidemment créer une nouvelle couche de peinture, afin de ne pas la confondre avec l'esquisse Mais si nous examinons le docker des couches, nous pouvons voir que nous avons déjà toutes ces différentes couches d' esquisse, et si nous ajoutons également de nombreuses couches de peinture, cela va être assez confus Je vais donc mettre un peu d' ordre en cliquant sur la petite flèche à côté du signe plus et en ajoutant un groupe de couches au-dessus de toutes les autres couches. Ensuite, nous pouvons marquer toutes les couches d'esquisse en cliquant sur la première, enfoncée, puis en cliquant sur la dernière, non sur la couche de peinture d'arrière-plan. Ensuite, nous pouvons faire glisser toutes ces couches dans le groupe de couches. Ce groupe de couches est donc notre nouveau calque d'esquisse où se trouvent toutes les différentes esquisses Mais nous n'avons pas besoin de les regarder tous en même temps, mais nous pouvons simplement cliquer sur cette flèche pour les afficher ou les masquer. Vous pouvez donc toujours modifier toutes vos couches individuellement, mais vous pouvez également les transformer toutes en une seule fois. Par exemple, en diminuant l'opacité de l' ensemble du groupe ici, ce que je vais faire pour voir plus clairement la peinture en dessous Réglez donc l'opacité de votre groupe de couches à environ 50 ou 60 %, juste pour que vous puissiez toujours voir ces lignes, mais qu'elles soient moins intenses qu'auparavant Donc oui, je pense que maintenant c'est plutôt bien. Je vais créer une nouvelle couche au-dessus de la couche d'arrière-plan et en dessous de la couche d'esquisse et l'appeler jacinthe ara Nous sommes maintenant prêts à cliquer avec le bouton droit de la souris avec un pinceau, à accéder à notre étiquette en forme de jacinthe, que vous avez tous, espérons-le, et à sélectionner ce pinceau bleu que nous avons choisi pour Nous pouvons maintenant commencer par bloquer la couleur de base, qui est bien sûr ce bleu jacinthe très foncé, saturé, légèrement violacé Bon sang, c'était une longue description, mais vous pouvez bien sûr aussi regarder mon sélecteur de couleurs Mais en général, pour sélectionner vos couleurs, vous devez maintenant regarder la référence, car tout ce sélectionner vos couleurs, vous devez maintenant regarder la référence, car tout nous allons faire dans cette leçon est d'essayer recréer le synthmc supérieur que nous voyons dans Vous devriez donc regarder la référence plus que moi en train de peindre. Bien sûr, faites toujours attention et écoutez ces petits conseils et explications que je vais vous donner, mais gardez à l'esprit l'objectif principal qui est de recréer ce que vous voyez dans la référence et non ce que je peins Ceci est juste mon exemple de processus pour le faire. Très bien, premier principe important ici. Travaillez toujours des formes les plus grandes aux plus petites. Donc, dans cette première étape, vous pouvez voir que je bloque littéralement dans le même bleu partout où l'ara jacinthe est Il suffit donc de remplir en bleu les arêtes que vous avez définies avec votre esquisse Le ton précis du bleu n'est pas non plus très important car nous allons ajouter beaucoup de détails en plus de cela. Comme vous pouvez le constater, j'ai également changé de couleur à mi-chemin, mais cela devrait représenter la couleur moyenne que vous voyez dans la référence Astuce utile, bien sûr, pour remplir quelque chose avec une couleur. Réduisez la taille du pinceau sur les bords pour être plus précis et celle du milieu plus large pour être plus efficace. Comme le croquis est plutôt bon dans ce cas, je suis simplement exactement ces grandes lignes ici. Mais vous devez parfois désactiver la couche d'esquisse en cliquant sur cette icône en forme d'œil pour comparer votre forme générale à celle que vous voyez dans la référence si elle correspond toujours Je pense que c'est plutôt bien. Permettez-moi de réactiver la couche d'esquisse et d'ajouter un peu plus bleu là où commencent les pieds car je peux le voir dans la référence. C'est la première étape que vous devez effectuer maintenant. Il suffit de mettre du bleu partout où cet ara jacinthe est bleu et de s'assurer que la forme générale Une fois cela fait, passons à autre chose et ajoutons un peu plus de détails, car c'est ainsi que vous procédez toujours lorsque vous peignez à partir de références. Vous ajoutez de plus en plus de détails au sujet sur lequel vous travaillez. Laissez-moi vous expliquer cela. La première couche de détail que je vois ici que l' ara jacinthe est bleu, alors j'ajoute du bleu alors j' Et la deuxième couche de détail serait qu' il y a un bleu un peu plus foncé en bas et un bleu plus clair en haut. J'essaie donc de trouver ce bleu foncé moyen en regardant la référence puis le sélecteur de couleur Ça pourrait être comme ici, encore saturé, bien sûr, peut-être un peu plus violet. Et puis je bloque cette deuxième couche de détails, toujours avec de gros coups de cuivre. Vous pouvez donc voir que je griffonne ici à peu près dans le sens des plumes, ce bleu plus foncé Et ensuite, rendons-le encore plus sombre. Le pinceau est un peu plus petit pour être plus précis. Et puis continuons en tête. Là, je peux voir en ce moment qu'il y a une obscurité un peu plus définie. Donc je bloque ça en ce moment. Ensuite, je reviens au torse et je mets ce bleu foncé partout où je pense qu'il doit C'est donc aussi un peu sur les plumes de la queue ici. Et un peu en bas, là où commencent les pieds. Et peut-être comme ça au milieu. Vous pouvez voir qu'il y a probablement déjà trop de bleu foncé, mais nous pourrons corriger cela plus tard. Pas de problème Nous essayons encore à peu près de nous faire une idée de la façon de recréer les formes et d'utiliser le pinceau. C'est toujours bon. Si vous commencez une œuvre d'art sans trop réfléchir, il suffit de commencer, bloquer les premières couches de détails, qui ne sont pas très détaillées, bien sûr, et d'essayer de vous habituer à ce pinceau s' il s'agit d'un nouveau pinceau pour vous. Donc, une fois que vous l'aurez compris, je pense que nous pouvons passer au bec et, bien sûr, d' abord le remplir avec la couleur moyenne que nous voyons, qui est peut-être le gris foncé ici Même si nous ne peignons pas encore beaucoup de détails, nous voulons maintenant obtenir les contours des formes générales très précisément, car cela nous aidera beaucoup plus tard lorsque nous voudrons savoir où placer tous ces détails. Je fabrique donc mon pinceau très petit et je remplis le bec avec ce pinceau gris, courts et précis pour d'abord définir les bords, puis compléter le reste avec la couleur Ensuite, la partie inférieure du bec, je suppose que c'est la mâchoire du perroquet, est un peu plus foncée, donc je vais rendre le gris un peu plus foncé, puis mets cette couleur là. Même chose. OK, et pendant qu'on y est, peut-être aussi un peu de chaos et de détails sur l' autre partie du bec Laissez-moi désactiver le sketch pour y jeter un œil, et d'accord, ça va déjà quelque part Vous devez toujours désactiver votre couche d'esquisse de temps en temps pour simplement regarder l'image et évaluer les proportions telles qu'elles sont, car cette esquisse peut évidemment toujours vous embrouiller un peu parce que ces lignes recouvrent votre peinture Ici, je suis déjà en train de peaufiner le bord du bec sans même activer la couche d'esquisse , car elle couvrirait ces contours, et je ne serais pas en mesure de dire où se termine le bec et où commence l'arrière-plan, si vous voyez ce que je veux La couche d'esquisse est importante, mais elle devient de moins en moins importante au fur et à mesure que vous avancez dans votre peinture. Pour ajouter plus de détails au bec, par exemple, je n'ai pas du tout besoin de la couche d'esquisse, car celle-ci n'est utile que pour déterminer où se trouve le bec et quelle est sa forme Mais ce qui se passe à l'intérieur du bec, les petits détails, les reflets et les ombres C'est quelque chose que nous devons découvrir maintenant en regardant la référence, et la couche d'esquisse ne nous fournit aucune information à ce sujet. Cela ne ferait que nous embrouiller. Vous pouvez donc également rompre avec la tradition à travailler sur plusieurs niveaux de détail si qui consiste à travailler sur plusieurs niveaux de détail si vous avez un élément très distinct des autres et que vous pensez mesure de le terminer maintenant, comme ce bec, par exemple, qui, selon moi, est terminé à ce stade Si je fais un zoom arrière, je trouve que cela ressemble beaucoup à celui de la référence. Revenons donc aux plumes et continuons en rendant l' ara jacinthe un peu plus brillant sur le dessus, car c'est l'une des plus grandes différences que je vois actuellement entre la référence et notre C'est une question très utile que vous pouvez vous poser si vous ne savez pas où continuer. Quelle est la plus grande différence entre la référence et ma peinture en ce moment ? Et c'est précisément pourquoi il ne s'agit que d'un exemple de processus de peinture à partir de références, car la plus grande différence que vous voyez en ce moment pourrait être quelque chose de totalement différent, vous savez ? Vous pouvez maintenant peindre les plumes foncées du bas ou les plumes des yeux ou de la queue. Il n'y a pas de règle précise sur ce que vous devez peindre en premier. La meilleure chose que je puisse vous dire ici c'est de travailler avec ces couches de détails. Mais vous pouvez bien sûr aussi rompre avec cela si vous vous sentez très confiant pour un élément distinct, comme le bec dans ce cas Plus je peins ici, plus je comprends ce pinceau. C'est vraiment chouette , je dois dire. Par conséquent, ma confiance dans son utilisation pour créer des détails augmente également. Donc, ici et là, j'ajoute déjà quelques plumes plus petites, là où je les vois dans la référence. Il vous suffit de commencer par griffonner avec des couleurs à peu près correctes dans ces premières couches de détails, puis vous vous sentirez naturellement plus à l' aise avec le pinceau, et vous serez prêt à ajouter un peu plus de détails, généralement en réduisant la taille du pinceau Et c'est essentiellement ainsi que nous allons procéder tout au long de ce processus de peinture à partir de références. Ici, alors que j'active à nouveau la couche d'esquisse, je remarque que je vais devoir définir un peu plus la courbe de l'aile Vous voyez, pour ce genre de choses, la couche d'esquisse est toujours utile de temps en temps. Et oui, actuellement, je ne suis pas très contente de la teinte bleue de cette aile, alors je peins dessus avec un bleu légèrement différent. D'ailleurs, pour sélectionner vos couleurs, ne sélectionnez jamais les couleurs à partir de la référence. Je sais qu'il existe aujourd'hui des outils sophistiqués dans ces logiciels d'art numérique, vous permettent de sélectionner des couleurs provenant d'autres endroits de l'écran, mais ne le faites jamais Estimez toujours vous-même les couleurs et faites votre meilleure estimation sur la toile jusqu'à ce qu'elle vous convienne. Parce que si vous sélectionnez simplement couleurs avec le sélecteur de couleurs, par exemple, tout d' abord, vous n' apprenez rien sur les couleurs et vous n'arrivez pas à mieux réfléchir à la couleur, mais vous risquez également de choisir la mauvaise couleur car les écrans et les images sont faits de pixels, et ceux-ci peuvent avoir un aspect très différent même s'ils sont juste car les écrans et les images sont faits de pixels, et ceux-ci peuvent avoir un aspect très à côté l'un de l'autre Je ne vais pas entrer dans les détails techniques à ce sujet. N'oubliez pas de toujours choisir les couleurs vous-même. C'est vraiment important. Au fait, j'espère que je ne fais pas trop pivoter la toile pour vous embrouiller . J'aime vraiment faire ça. Je me sens plus à l'aise. Une fois encore, vous pouvez incliner votre toile vers la gauche en appuyant sur quatre, incliner vers la droite en appuyant sur six, et la neutraliser en appuyant sur cinq Vous n'êtes pas obligé de le faire, mais vous découvrirez peut-être à un moment donné que vous trouvez également cela plus confortable. Alors peut-être essayez-le pour quelques angles de peinture. Très bien, à ce stade, les contours de l'oiseau dans son ensemble sont très précis et en fait très précis, je pense Nous avons même obtenu des points forts plus détaillés sur le dessus et sur l'aile. Maintenant, permettez-moi de réactiver la couche d' esquisse et de m' occuper à nouveau des pieds avec le gris. Je bloque d'abord ce gris moyen que je vois dans la référence pour créer les formes de base. Ensuite, j'ajoute un peu plus de détails. Dans ce cas, il n'y a pas beaucoup de détails sur ces pieds, juste quelques gris légèrement différents Je me concentre donc vraiment sur les bonnes formes de base, puis je mets simplement des gris légèrement différents dessus pour donner un aspect un peu plus varié Et je m'occupe également de la zone de transition entre la zone de transition entre les pieds et le torse Comme vous pouvez le constater, il fait un peu plus clair sur le côté droit. Et si je désactive le sketch, ça a l'air plutôt bien. Alors maintenant, ajoutons quelques plumes plus détaillées. Et comme ce pinceau convient parfaitement à cela, je pense que je vais l'agrandir un peu et peindre les plumes avec des coups de pinceau individuels. Donc à peu près comme ça, un bleu un peu plus clair, un peu moins saturé. Ensuite, j'ajoute ces plumes avec une pression relativement faible sur ma tablette à dessin directement aide de ces coups de pinceau individuels Je pense que cela fonctionne très bien ici car ce pinceau varie sa taille et son opacité à la fois si vous modifiez la pression sur votre tablette de dessin Tous les pinceaux ne peuvent pas faire cela, donc je suis très heureuse que nous ayons choisi celui-ci. Comme vous pouvez le constater, c'est vraiment polyvalent ici. Et allez, regardez ça. C'est déjà très sympa. Je dois avouer que j'ai eu beaucoup chance ici avec cette couche de détails, mais peut-être que ce pinceau est aussi génial. Alors peut-être que cela fonctionne aussi bien pour vous. Quoi qu'il en soit, cela devrait ressembler à ceci avant de passer à quelques petits détails Comme vous pouvez le constater, nous avons déjà une texture de plume relativement uniforme en griffonnant littéralement avec les bonnes couleurs dans le sens où poussent ces plumes, Je suis donc en train de regarder la référence. Quelle est la grande différence ? À part l'œil et la partie jaune ? Je n'ai pas encore vraiment envie de peindre ça. Mais oui, pour moi, il y a quelques parties plus sombres qui ressortent vraiment de ces très petites lignes presque noires. Je fais donc en sorte que mon pinceau soit très petit et j'essaie de le placer là où je le vois. Et puis je pense que le bord doit se fondre un peu dans le noir, vous savez, sur cette plume de queue ici Ensuite, j'essaie d'ajouter quelques lignes plus précises sur cet ara jacinthe Comme vous pouvez probablement le constater, en termes de niveaux de détail, nous sommes déjà arrivés à des choses assez détaillées. J'ajoute donc de plus en plus pinceau directionnels à ces plumes, et je fais toujours un zoom arrière pour les évaluer. OK, c'est l'heure ce sur quoi nous avons le moins travaillé jusqu'à présent, à savoir ces longues plumes de queue. Et pour ceux-là, vous pouvez le constater, je travaille avec des coups de pinceau très rapides et dynamiques Je pense que ça va vraiment bien paraître au final. OK, peut-être un petit détail gris en bas, comme nous l' indique la référence. Et oui, en haut, il y a ces deux plumes rondes qui m'agacent vraiment, et je dois mettre beaucoup de détails pour les faire fonctionner. Regarde ça. Maintenant, je me sens prête à ajouter le gros contraste, la partie jaune et l'œil. Nous aurions pu l'ajouter un peu plus tôt, par exemple, en travaillant sur ce bec, nous aurions pu directement créer ce coup de pinceau jaune ici Mais honnêtement, j'étais vraiment bien placée pour peindre ces plumes, donc je ne voulais pas les casser. Maintenant, cependant, je suis plutôt content des plumes et je ne saurais pas directement comment les continuer. C'est donc le moment idéal pour passer à autre chose, ce jaune. Jaune donc très brillant et complètement saturé. C'est donc le plus grand contraste possible. Puis, avec quelques petits coups de pinceau précis, je place cette mèche jaune, mais elle n'a tout de suite pas fonctionné Je l'annule pour réessayer Pour cette partie jaune située à côté du bec, je fais beaucoup de zoom et j'ajoute de nombreuses couches jusqu'à ce qu' elle ressemble vraiment à celle de la référence, car je sais en tant qu'artiste et designer que ce jaune se démarquera beaucoup Et s'il a la mauvaise forme ou la mauvaise couleur, cela sera très visible dans le résultat final. jaune vif comme celui-ci est non seulement une couleur complémentaire forte au bleu foncé, mais c'est également la teinte la plus brillante de la roue chromatique Donc, avec notre fond noir, ça va encore plus ressortir. contraste de teinte et de valeur fera ressortir tous les points jaunes de cette œuvre d'art. Ils doivent donc être sur le point. Et je passe beaucoup de temps ici, même si ce point jaune n' est en fait qu'une courbe. OK, alors c'est l'heure du I. Mais tu sais quoi ? Je ne suis pas très sûr de pouvoir le placer correctement. Je vais donc créer une nouvelle couche appelée I. Chaque fois que vous ajoutez un élément dans Je vais donc créer une nouvelle couche appelée I. lequel vous savez déjà que vous devrez probablement le déplacer et apporter des modifications, placez-le simplement sur un nouveau calque pour des raisons de sécurité. Donc, ici, je bloque d'abord ce jaune pour le contour. Ensuite, j'essaie d'ajouter du noir pour les yeux. De plus, nous avons un tout petit reflet dans cet œil, que j'ajoute avec du blanc. Petit pinceau et très basse pression. Il est maintenant temps que l'outil de transformation place cet œil au bon endroit. C'est pourquoi je l'ai placé sur une couche séparée. Effectuez toujours un zoom arrière pour mieux évaluer. Et je pense que c'est parfait. Permettez-moi donc d'ajouter un peu plus de réflexions ici. Cela va donner à notre oiseau un aspect beaucoup plus vivant. Bien entendu, ces reflets doivent se situer dans la partie supérieure de l'œil, car la lumière vient d'en haut. Maintenant, je fais quelques ajustements supplémentaires à la pointe jaune située à côté du bec J'ai remarqué qu'il devrait y avoir un peu plus de courbe en haut. Ajustez donc l'œil et la partie jaune jusqu'à ce qu'ils soient parfaitement ajustés. Maintenant, je suis assez sûr que cela ressemble à la référence. Je vais donc revenir à l' ara jacinthe et La référence m'indique qu'il reste quelques parties sombres visibles, alors je les ajoute. Ensuite, afin de mettre en valeur la courbure de la tête, j'utilise quelques astuces. Tout d'abord, je bloque la transparence du calque afin de ne pas pouvoir peindre par-dessus le bord en cliquant sur ce motif en damier sur le calque ici Maintenant, je peux ajouter ces petits traits de laiton brillant, et je ne peux pas peindre par-dessus le bord. C'est très utile si vous souhaitez simplement ajouter des reflets ou des ombres à quelque chose. Mais maintenant, comme vous pouvez le constater, la courbe n' est plus aussi lisse, alors j'active le mode gomme pour le lisser Je ne sais pas si c'est même un mot, mais j'espère que vous comprenez ce que je veux dire. Sympa. Maintenant, regardez ça. C'est déjà un ara jacinthe plutôt décent, si vous Je vais maintenant ajouter quelques plumes plus détaillées sur le dessus avec ce bleu profond très saturé. Je trouve que ça a l'air très cool. Nous faisons toujours la même chose. Examinez la référence, demandez-vous quelle est la plus grande différence, puis implémentez-la et créez une cohérence visuelle en allant plus en plus loin comme ça. Parfois, si vous effectuez un zoom arrière, ce que vous devez absolument faire de temps en temps, vous remarquerez qu'une modification que vous avez apportée peut ne pas sembler bonne. Comme ici, toutes ces plumes d'un bleu profond, je trouve qu'elles sont un peu trop saturées. Je suis donc en train d'annuler de nombreux coups de pinceau ici. N'oubliez pas que vous ne pouvez pas annuler autant de coups de pinceau que vous le souhaitez À un moment donné, Krita ne les stocke plus. Il est donc toujours préférable de travailler étapes relativement petites et ne pas ajouter trop de choses à fois sans les évaluer un instant C'est un conseil spécifique important que je peux vous donner ici. Sinon, cette phase de détail est très subjective. Vous pouvez travailler dans un ordre complètement différent du mien ici. Il vous suffit de toujours regarder la référence, de rechercher la différence que vous devez implémenter, puis de l'implémenter. Tout d'abord, en ce qui concerne les plus grandes formes , puis les plus petites. Il vous suffit de continuer comme ça et de rester patient pour chaque niveau de détail jusqu'à ce que vous arriviez au niveau de détail que vous aimez. Et ici, j'ajoute juste quelques lignes fines supplémentaires pour mettre en valeur certains de ces contours des plumes, juste pour les faire ressortir un peu plus. Et puis c'est à peu près tout pour le texteur en plumes. Je trouve que ça a l'air vraiment cool. Je suis donc très content de mon ara jacinthe à Mais je pense juste qu'il devrait y avoir un peu plus de luminosité sur le dessus, mais je ne veux pas gâcher les détails que j'ai là en peignant dessus. J'utilise donc une autre astuce que j' aime beaucoup dans l'art numérique. Tout d'abord, débloquez la transparence de la couche d'ara jacinthe Ensuite, je fais défiler l'écran vers le haut pour sélectionner cet Ensuite, un peu de bleu très vif comme celui-ci rend l'aérographe un peu plus petit car il est assez massif Ensuite, je peux simplement ajouter ces reflets doux sur le dessus avec une très basse pression, un peu. Et oui, c'est déjà trop. Laisse-moi annuler ça au milieu. Je devrais probablement rendre ce pinceau encore plus petit, juste comme ça. Sympa. Permettez-moi ensuite d'ajouter quelques ombres également avec ce pinceau en passant au noir, puis je pourrai peindre un peu en dessous pour augmenter la valeur de contraste. Je vous recommande vivement de vous souvenir de ce pinceau au cas où vous auriez besoin de reflets et d' ombres lisses pour peaufiner quelque chose. C'est très utile et je l'utilise beaucoup. Maintenant, je pense que c'est l'ara jacinthe, n'est-ce pas ? Cela ressemble à peu près à l'oiseau de notre référence. Nous pourrions faire quelques ajustements supplémentaires, bien sûr, en ajoutant quelques plumes supplémentaires ou en fixant certains bords. Mais honnêtement, vous n'êtes pas obligé de tout faire en même temps. Pour l'instant, je pense que j'en ai complètement fini avec cet ara jacinthe Je l'ai beaucoup regardé, et j'en suis très content maintenant. Je vais donc passer à un autre élément de notre peinture, puis au final, peut-être que je reviendrai et réparerai autre chose ici. C'est ce qu'il y a de bien avec l'art numérique, non ? Vous n'êtes pas obligé de suivre un plan très précis et terminer complètement un sujet avant de passer au suivant. Non, vous pouvez être très flexible et faire techniquement ce que vous voulez. Mais je suis très heureuse que nous soyons allés si loin avec l'ara jacinthe, car avons terminé avec le plus dur et nous pourrons nous détendre un peu lors Vous savez, les autres sujets sont un peu plus décontractés et nous devons être moins précis pour qu' ils soient magnifiques. Donc, sérieusement, si votre ara jacinthe ressemble à ça et que vous avez suivi mes instructions, Honnêtement, tu peux être très fier du tien. Je sais que c'était une tâche assez difficile pour la première étape de notre peinture, mais, vous savez, nous l'avons réglée maintenant, donc il n'y a aucune raison de ne pas la terminer. Alors, les gars, prenez votre temps ici, faites en sorte que le McCall soit beau, puis à la prochaine leçon 11. Peindre la branche et le sol: Voilà, nous avons peint l'ara jacinthe, et nous sommes prêts à peindre Vous devriez donc tous avoir votre perroquet bleu, et il devrait ressembler à ceci J'espère que vous en êtes satisfait, car je le suis et je ne ferai que très petits ajustements au final. Mais en général, ce sujet doit être considéré comme terminé. Maintenant, l'élément suivant que je veux peindre est celui qui se trouve le plus près de notre ara jacinthe, c'est-à-dire la branche sur laquelle il repose Regardons la couche d' esquisse, et oui, cela devrait être assez simple, car nous avons jolis contours que nous pouvons tout d'abord de jolis contours que nous pouvons remplir de couleur. Cependant, je vais d'abord fusionner l'œil avec la couche d'ara jacinthe en cliquant sur la couche oculaire et en appuyant sur Ctrl E, car maintenant, bien sûr, l'œil est bien positionné et je n'ai plus besoin de le déplacer Alors fais-le aussi. Si vous avez séparé ces couches, nous voulons que tout soit bien organisé ici. D'accord. Maintenant, je n'ai pas vraiment choisi pinceau pour la branche en particulier, mais je dois être honnête, cela a tellement bien fonctionné avec ce pinceau bleu que je pense que je vais également l'utiliser pour la branche. Choisissons donc une couleur de branche, un brun foncé et désaturé. Et bien, regardons d'abord la référence. C'est toujours une bonne idée. Maintenant, comme vous pouvez le voir dans notre référence, cette branche a beaucoup de mousse verte sur le dessus. Vous voyez ces points vert clair ici. Et souvenez-vous de ce que nous avons dit à propos du vert dans nos œuvres d'art. Nous voulons le minimiser autant que possible afin de rester aussi proches que possible de notre palette de couleurs gratuite. Les jacinthes auront besoin d'un peu de vert pour être réalistes Mais dans ce cas, je pense que tout ira bien si nous laissions cette mousse verte de côté et si nous en faisons une branche entièrement brune. Nous ne regarderons la référence que pour déterminer où la branche est la plus foncée ? Où est-ce que c'est plus lumineux ? Et nous faisons tout cela uniquement avec du brun et nous créons notre propre petite texture ici. Cela ne devrait pas être trop difficile. C'est bon. Alors, tout d'abord, posons la branche sur une nouvelle couche sous l'ara jacinthe. Juste une branche. Et puis, comme pour le perroquet, nous allons d'abord bloquer la couleur de base et obtenir tous les bons contours Variez donc la taille de votre pinceau et remplissez simplement cette branche de brun très désaturé. Je vais d'abord commencer par ces parties plus épaisses, lesquelles je peux travailler avec un pinceau plus gros. Mais maintenant que j'ai peint sous l'ara jacinthe, et que je le compare à la référence, je peux constater que l' ara jacinthe manque clairement d'ombre ici. Nous n'avons tout simplement pas pu le voir parce qu' avant, l'ara jacinthe avait juste Mais maintenant, avec la branche, nous devons en fait apporter quelques corrections. Je vais donc revenir à la couche jacinthe et désactiver la couche d' esquisse pendant un moment Et je vais juste ajouter quelques-unes de ces plumes très foncées. Je vais essayer de le faire disparaître un peu, juste comme ça. Et comme nous avons ajouté quelques parties lumineuses pour le contraste, nous pouvons mieux voir ces pieds, et ils ont également besoin d'un peu de réparation. Maintenant, je peux dire que le pied gauche devrait être plus foncé et peut-être un peu plus précis comme ça. Et oui, c'est souvent le cas si vous modifiez quelque chose à propos de l'arrière-plan. Vous remarquerez peut-être aussi maintenant que vous devrez ajuster légèrement les pieds au fur et à mesure que vous aurez ajouté la branche. Alors réparez-les s'il le faut. N'oubliez pas que ce ne sont que de très petits détails et que dans l'illustration finale, ces pieds ne seront pas très visibles. Assurez-vous donc que la forme générale et les couleurs sont correctes, et ne soyez pas obsédé par elles. Vous n'avez pas besoin d'ajouter de texture sophistiquée et de zoomer très près la référence pour déterminer où se situent exactement les reflets et les ombres sur ces points, je ne sais pas, orteils ou je ne sais pas comment appeler cela un oiseau. Mais oui, tu comprends ce que je veux dire, j'espère. Ne soyez simplement pas obsédé par ces petits détails. Bien, activons à nouveau la couche d'esquisse et revenons au remplissage de la branche avec la couleur principale, que j'ai toujours dans l'historique des couleurs, il est également utile de s'en souvenir Nous pouvons donc continuer exactement là où nous sommes partis. D'ailleurs, je souhaite également travailler sur plusieurs niveaux de détail ici. Donc, je ne me préoccupe même pas des petites branches détaillées pour le moment, mais je dois d'abord remplir tout ce qui est un peu plus épais C'est exactement comme ça que je préfère travailler, car je peux ainsi mieux garder la composition à l'esprit, trop zoomer sur une petite partie pour oublier la vue d'ensemble. Juste de grosses branches d'abord, de petites branches plus tard. Cela devrait donc ressembler à ceci avant de passer aux petites branches. Cependant, avant de les ajouter, laissez-moi d'abord créer le sol car nous avons dit que ces petites branches reposent sur le sol Je pense donc qu'il serait très utile de voir où se trouve ce sol et de quelle couleur il a. Alors laissez-moi passer à ce pinceau, je pense. Il est très doux avec une belle texture de base. Ensuite, laissez-moi passer à la couche de peinture de fond et ajouter le sol. Je ne pense pas que le motif doive être séparé du contexte dans ce cas. Créez le sol en gris foncé comme ceci, comme nous l'avons déterminé dans notre croquis de composition. Pour cela, j'incline encore une fois légèrement la toile car je me sens bien plus à l'aise de peindre des lignes droites sous cet angle que complètement horizontalement Et je tiens à vous encourager à essayer au moins cela également. Ce pourrait être une belle découverte si cela fonctionne pour vous aussi. Je veux dire, je l'utilise dans presque toutes les œuvres d'art où je dois, vous savez, tracer des lignes horizontales avec une ligne d'horizon ou quelque chose comme ça. Donc oui, remplissons ce sol jusqu'à la ligne d'horizon, puis faisons en sorte qu'il disparaisse doucement dans le noir en abaissant la pression. Donc, si nous désactivons la couche d'esquisse, elle devrait ressembler à ceci. Très lisse. Vous devrez peut-être y remédier un peu en peignant dessus en noir si vous êtes allé un peu trop loin, comme je l'ai fait ici. Mais en général, cela devrait être un processus assez rapide et facile. Comme je l'ai dit, nous ne voulons rien de trop complexe ou détaillé en arrière-plan, car nous aurons beaucoup de contraste et des sujets intéressants au premier plan, et ils doivent se démarquer S'il y a une texture supplémentaire ou quelque chose en arrière-plan, c'est peut-être un peu trop et nos sujets ne sont plus encadrés. Donc, juste ce noir avec une légère transition du gris au noir est parfait, je pense. Bien, retournons à la succursale. Et maintenant, je pense que nous n'avons plus besoin de la couche d'esquisse. Je vais donc le désactiver. Revenons ensuite à notre brosse à branches, vérifions-nous qu'elle est très petite et revenons au brun. Vous devriez toujours pouvoir le trouver dans votre historique des couleurs. Mais sinon, sélectionnez simplement ce brun que vous pouvez voir sur mon sélecteur de couleur C'est tellement désaturé. Désaturé, bien sûr, car saturé interférerait un peu trop avec notre palette de couleurs Ajoutons donc simplement quelques petites branches détaillées. Comme la référence ne nous fournit aucune de ces informations, nous devrons décider nous-mêmes de ce que nous voulons en faire. Voici donc ce que je pense. La composition générale de notre esquisse de composition était plutôt bonne, donc je ne veux pas que ces branches fassent quelque chose complètement fou ou qu'elles soient très longues et qu'elles étendent trop cette branche. Je veux juste qu'ils apportent une petite touche finale un peu plus détaillée. Si les branches sont trop longues et qu'elles vont ailleurs, cela changera à nouveau la composition. Je ne veux donc prendre aucun risque ici. Souvenez-vous alors de ce que j'ai dit à propos du contraste de forme entre l' ara jacinthe et la branche, que j'ai beaucoup apprécié dans notre référence, vous savez, formes géométriques épurées du perroquet et les formes sauvages et désorganisées Parce que j'ai trouvé cela très cool, j'ai envie de continuer comme ça avec les petites branches pour accentuer encore plus ce contraste. Donnons-leur donc également de nombreuses petites courbes et rendons-les assez chaotiques. Sympa. C'est donc ainsi que cet arbre et en particulier les petites branches devraient désormais se comporter en termes de composition. Mais aussi, pour paraître réalistes, ils doivent suivre les principes de base des arbres. Si vous avez suivi mon master class sur les arbres, vous voyez de quoi je parle. Mais bref aperçu, les branches deviennent de plus en plus fines au fur et à mesure qu'elles poussent, de sorte qu'elles ne s'épaississent pas soudainement rend votre brosse de plus en plus petite, puis les branches se fendent de plus en plus au fur et à mesure qu'elles poussent, et le style de la structure doit être cohérent. Vous ne voulez donc pas de branches atypiques. Elles doivent toutes être du même style avec ces petites courbes et ces petites extrémités. Donc, oui, c'est à peu près ça. De plus, vous pouvez voir que je fais pousser ces petites branches vers le haut à peu près tout le temps, parce que cette partie de la branche repose sur le sol, et si elle est restée sur le sol pendant un certain temps, les branches ne peuvent pratiquement pousser que vers le haut. Mon Dieu, voyez-vous à quel point cela devient soudainement complexe et combien de décisions vous devez prendre dès que vous arrêtez de travailler avec une référence ? Mais oui, c'est aussi une partie importante de la peinture. Seule la référence serait assez simple, mais aussi un peu ennuyeuse, non ? Mais oui, c'était en quelque sorte mon intention de couvrir différents aspects de la peinture, quelques styles différents avec cette œuvre d'art. Et jusqu'à présent, cela a plutôt bien fonctionné, et vous devriez toujours être en mesure de suivre cela. Très bien, en ce qui concerne les branches en haut, donnez-leur simplement quelque chose comme ça Et surtout, ne les approchez pas trop l'ara jacinthe, car c'est Nous voulons qu'il soit encadré, nous avons donc besoin d'un petit espace vide autour de ce sujet principal. Bien, une fois que vous pensez que votre branche a bonnes formes générales et que vous vous sentez prêt à ajouter une texture, vérifiez d'abord rapidement si elle devient vraiment de plus en plus fine partout, car c'est l'une des erreurs les plus courantes lorsque vous peignez des branches. Ici, je dois réparer certaines pièces en ajoutant une courbe supplémentaire juste pour assurer que la branche est suffisamment épaisse. C'est bon. Une fois que vous l'avez obtenu, il est temps d'ajouter quelques ombres de base. Pour cela, nous pouvons revoir la référence juste pour être sûrs d'où vient la lumière. Pour ajouter des ombres, nous devons évidemment rendre notre brun plus foncé et encore moins saturé, car c'est ce qui se passe dans les ombres. Et je vais bloquer la transparence de notre couche de branches afin que nous ne puissions pas peindre par-dessus le bord. C'est très utile pour ajouter de telles textures. Donc oui, la lumière vient du haut et un peu de l'arrière. Je ne fais donc que griffonner les parties inférieures de ces plus grosses branches ici Et aussi un peu au hasard au-dessus de ces petites branches au sol. Là, nous aurons beaucoup de complexité car ces branches individuelles sont de nombreuses formes individuelles avec leurs propres reflets et ombres. Mais dans ce cas, je ne veux pas trop réfléchir et trop calculer. Je ne fais donc que griffonner dessus pour ajouter cette couche de complexité de Oui, c'est autorisé. Vous pouvez gagner beaucoup de temps comme ça, mais uniquement si les choses sont très petites et chaotiques, comme des branches, des feuilles ou toute autre plante complexe, en gros. Bien entendu, dès qu'elle s'agrandit un peu , comme cette branche incurvée, vous devez placer les ombres là où elles doivent être, par mesure de sécurité. Mais dans les parties les plus détaillées, comme dans les petites branches situées en haut, les spectateurs de l'œuvre d'art ne savent pas du tout comment cela fonctionne N'hésitez donc pas à être complètement aléatoire ici. Et je vais également travailler comme ça pour les reflets, que j'ajouterai d' abord avec un pinceau plus gros sur les plus grosses branches. Et vous pouvez voir que je ne fais que griffonner ici, ce qui fonctionne souvent bien pour la texture de l'écorce Et oui, pour les plus grandes parties, il suffit de regarder la référence pour savoir où la branche est la plus brillante et d'y griffonner le plus Et pour les toutes petites branches, vous pouvez une fois de plus tromper les spectateurs et créer l'illusion du détail en griffonnant de manière totalement aléatoire Ensuite, je continue comme ça et j'ajoute quelques couches supplémentaires d'ombres ou de reflets plus intenses , selon ce que je pense être approprié. Un tout dernier principe important à suivre ici, assurez-vous que votre texture est uniforme sur l'ensemble de la branche. Peu importe que ce soit très détaillé ou qu'il s'agisse simplement de gribouillis, comme ici, il faut que ce soit cohérent Si vous ajoutez des ombres très sombres quelque part, elles devraient se trouver partout où cette branche comporte des ombres. Et si vous créez une texture très détaillée et très dense dans une partie, vous devez également la rendre très détaillée et dense dans les autres parties. Donc, même si cela semble être une tâche très, très simple, vous devez tout de même tenir compte de quelques principes de base pour vous assurer que cette branche est belle. Bien, au final, je vais apporter quelques ajustements supplémentaires à la partie située juste je vais apporter quelques ajustements supplémentaires en dessous de l'ara jacinthe, car ces griffes ou ces pieds, quel que soit le nom que vous voulez leur donner, ont également un peu d'ombre ont également un peu d' Et peut-être juste quelques autres points forts de base en plus. D'accord. Maintenant, regardez ça. C'est définitivement une succursale. OK, peut-être juste quelques points forts supplémentaires ici parce que cette partie est au-dessus et que la lumière vient d'en haut. Mais oui, je pense que c' est du bon travail maintenant. Assurez-vous que votre succursale ressemble également à ceci. La texture des barres est donc très simple, mais corrigez les reflets et les ombres aux endroits pertinents pour les spectateurs. Au final, nous allons ajouter quelques ombres que cette branche projette sur le sol parce qu'elles sont absentes pour le moment, mais ce sera pour une autre leçon. La branche elle-même, le sujet est terminé, et c'est exactement comme nous l'avions prévu. Dans la leçon suivante, passons aux pots de fleurs. 12. Peindre les pots de fleurs: accord, d'accord. Sujet suivant de la liste, nous avons les pots de fleurs. Maintenant, si nous regardons le croquis de composition, ce que nous avons prévu, ces pots de fleurs devraient être très simples. Nous n'avons quasiment que brun désaturé en forme de pot de fleurs Cependant, pour les peindre maintenant, je vais mettre en évidence une autre technique pour progresser dans votre peinture, qui consiste à improviser certains détails à la volée Des sujets très simples comme des pots de fleurs qui peuvent être flexibles en termes de texture, c'est un choix parfait. Nous n'avons aucune référence pour ces pots, alors essayons simplement de les bloquer dans des couleurs appropriées, puis nous verrons si nous pouvons ajouter une texture sur le dessus. Alors allons-y. Nous devons absolument activer cette couche d'esquisse pour cela car nous avons déjà trouvé de très bons arrangements pour ces pots de fleurs. Alors maintenant, il ne nous reste plus qu'à les remplir d'une couleur. Pour cela, je pense qu'il serait préférable d' ajouter une couche individuelle pour chaque pot de fleurs. Nous restons donc flexibles et nous serons en mesure de faire des ajustements au final. Et nous devrions tous les mettre dans un groupe afin qu'ils ne submergent pas toutes les autres couches si nous revenons à eux. Je vais donc ajouter une nouvelle couche de groupe. Et comme nous en avons deux maintenant, nommons-les. Nous avons le groupe de croquis et, je suppose, le groupe de pots. Ça a l'air génial. Donc, si nous sélectionnons ce groupe de couches et que nous cliquons sur créer une nouvelle couche, cette couche doit être ajoutée au groupe. Parfait. Appelons ça le pot 1. C'est bon. Ensuite, nous pouvons cliquer avec le bouton droit de la souris et passer à ce pinceau que nous avons choisi pour les pots. Ensuite, choisissons une couleur appropriée. Peut-être comme ça, très gris, mais peut-être un peu coloré. Et puis commençons par celui-ci. Il suffit de le remplir tel que vous le voyez dans le croquis avec ces coups de pinceau. Je suis un grand fan de ce pinceau, d'ailleurs, pour créer un look plus pictural, je l'utilise assez souvent Si je veux être précis sur quelque chose, dans un tableau impressionniste Bien, lorsque tout sera rempli et qu'il n'y aura plus de lacunes, créons à nouveau une nouvelle couche dans ce groupe appelons-la pot deux et remplissons également celle-ci Et oui, tu comprends. C'est ainsi que nous allons procéder avec tous ces pots. C'est très simple. De plus, l' ordre dans lequel vous les ajoutez n'a pas vraiment d'importance. N'ajoutez simplement pas deux de ces pots de fleurs sur la même couche. Ils devraient tous avoir le leur. Pour remplir ces pots, vous pouvez voir que je commence généralement par les bords sur les côtés car ce pinceau est très fin lorsque nous peignons verticalement avec lui, donc c'est bien pour cela. Ensuite, je remplis le milieu avec ces traits de soutien-gorge horizontaux légèrement incurvés vers le bas. Courbez vers le bas, comme vous pouvez le constater, nous obtenons automatiquement une jolie petite texture avec ces traits de soutien-gorge. Et par conséquent, il va simuler la forme ronde de ces pots de fleurs. N'oubliez pas qu'il s'agit de cylindres tridimensionnels, et nous les observons légèrement au-dessus en tant que spectateurs de cette œuvre d'art. C'est donc la tâche que nous devons tous accomplir à présent. Il suffit de remplir ces pots de fleurs avec précision avec cette couleur. Assurez-vous d' appliquer la légère courbe descendante dans votre texture, les placer toutes sur des couches individuelles et de vous assurer que les bords sont très précis. se peut donc que vous deviez parfois activer mode gomme et effacer quelque chose lorsque vous le peignez par-dessus le bord Et peut-être aussi implémenter une légère variation de couleur. Vous savez, certains de ces pots sont un peu plus foncés, d'autres un peu plus lumineux, mais en général, veuillez rester dans ce territoire beige très désaturé C'est bon. Maintenant, je pense que c'est le bon moment pour parler un peu l'ordre dans lequel nous peignons tous ces éléments, car c'est en fait un sujet important. Et y a-t-il quelque chose que vous pouvez en tirer ? En tant qu'artiste, devriez-vous toujours commencer par le sujet principal et le terminer , puis ajouter le suivant et le terminer, puis le suivant et le terminer ? Est-ce là la voie à suivre ? Si je devais donner une réponse générale, ce serait : Non, il existe de nombreuses façons de créer de l'art, et vous pouvez procéder à votre processus de peinture de toutes sortes de manières. Ici, la façon dont nous procédons n'est qu'un exemple. Techniquement, nous aurions pu abord peindre le sol, puis les pots de fleurs, puis les jacinthes, puis la branche et le perroquet, ou nous aurions pu commencer par une branche et placer le perroquet dessus, puis les jacinthes, puis le Il n'y a pas de règle générale à ce sujet. Cependant, j'ai toujours mes raisons personnelles pour lesquelles je l'ai fait ainsi dans cette œuvre d'art en particulier, et j'aimerais les partager avec vous. En général, je suis un fervent partisan des couches de détails appliquées à l'ensemble de l'œuvre d'art, ce qui signifie qu'il faut d'abord terminer l'arrière-plan, car c'est généralement la partie la moins détaillée Ensuite, vous bloquez les formes de base du premier plan à tout ce qui se trouve au premier plan, puis vous ajoutez lentement de plus en plus de couches de détails à l'ensemble C'est généralement ainsi que les artistes traditionnels travaillent. Et j'aime beaucoup cela aussi pour les paysages et les peintures impressionnistes en général Vous savez, des peintures où tout est plus interconnecté et se chevauche et où les formes ne sont pas aussi clairement définies qu'ici Il est donc logique de travailler par couches de détails là-bas couches de détails sur l'ensemble de la toile sont également avantageuses lorsqu'il s'agit composition, car bloquer la ou les deux premières couches de détails signifie simplement développer l'ensemble de la composition. Vous savez, la première couche de détail d' une peinture que vous créez cette façon ressemblerait à peu près à notre croquis de composition ici. Ce serait donc quelque chose que je recommande vivement. d'abord la première couche de détails à l'ensemble, développez votre composition, puis vous obtenez un peu plus de détails à chaque couche que vous ajoutez au canevas. Cependant, dans ce cas, vous pouvez constater que nous avons travaillé très différemment. Nous avons commencé par le perroquet et nous l'avons terminé, puis par la branche et nous l'avons terminée, et maintenant nous en sommes aux pots Mais cela fonctionne vraiment pour cette peinture parce que tout d'abord, je pense qu'il vaut mieux structurer les leçons de ce cours de cette façon, vous savez, sujet par sujet. C'est juste plus facile à suivre, je pense. Mais aussi, nous avons déjà le croquis de composition. Nous l'avons développé et nous savons à quoi ressemblera la composition au final. Et les différents éléments de la composition sont très distincts. Tu sais, tous ces pots le sol, la branche et le perroquet, c'est un truc à part entière Ils ne se rejoignent pas ou quelque chose comme ça. Dans ce cas, il est donc logique de travailler sujet par sujet et de terminer une chose avant de passer à une autre. Je vous dis tout cela parce que je dois être honnête à propos du processus. Je ne travaille pas toujours comme ça. Vous pouvez être très flexible en ce qui concerne votre processus de peinture. Cela dépend toujours de la peinture, tu sais ? Ici, je suis très heureuse, cependant, que nous ayons commencé par le sujet principal, et que nous l'ayons pratiquement terminé, parce que c' est juste motivant, vous savez, nous avons directement terminé la partie la plus difficile du processus, l' élément le plus complexe Et maintenant, nous sommes littéralement en train d' ajouter quelques éléments pour, vous savez, compléter la composition et la faire ressortir davantage. C'est essentiellement tout ce que nous faisons. C'est donc un petit avantage de terminer la partie la plus difficile, qui est généralement le sujet principal. Tout d'abord, il est beaucoup plus facile de terminer la peinture. Tu sais, je ne voudrais pas que ce perroquet reste assis en l'air Je dois juste ajouter quelques éléments autour et terminer ce tableau. Vous pouvez probablement imaginer que dans l'autre sens, il y aurait beaucoup plus de résistance si nous avions tout ce qu'il faut d'abord. Et puis au final, nous devons également ajouter le perroquet super détaillé Je ne sais pas si je pourrais terminer cette étape aussi rapidement. Allons-y. C'est en gros tout ce que je voulais dire. Le processus dépend toujours de la peinture spécifique, vous pouvez donc être très flexible. C'est exactement ce à quoi je pensais dans cette œuvre d'art. Peut-être que cela peut être utile. Alors regarde ça. Tout est rempli. Maintenant, nous pouvons dire que ce sont les pots de fleurs que nous voulons. C'est le niveau de détail dont nous nous contentons, et nous pourrions passer à la jacinthe Mais je pense que je vais expérimenter un peu avec plus de texture. Vous savez, l' ara jacinthe est très détaillé et possède toutes ces belles plumes, donc il ne rentrerait pas vraiment si on le laissait comme Le niveau de détail de nos œuvres d'art doit être relativement constant. Il n'est pas toujours nécessaire que ce soit totalement cohérent. C'est également une idée fausse, mais au moins ces éléments de premier plan devraient appartenir à la même catégorie de détails plus large Permettez-moi de garantir la transparence de toutes ces couches de pot, afin que nous puissions y déposer une belle texture sans nous soucier de peindre sur les bords. Ensuite, sélectionnons ce pinceau, plutôt génial pour les textures picturales Faites-le assez grand et beige vif. Peut-être comme ça. Et parlons simplement de très basse pression ici. Cela crée automatiquement cette texture , que je trouve vraiment agréable. Je vais donc l'ajouter à chaque couche de pot correspondante avec quelques couleurs différentes qui se chevauchent, donc des tons de beige différents En raison de la transparence verrouillée, vous ne pouvez également peindre que sur le bon pot. Faisons donc en sorte que cela soit cohérent partout. Bien entendu, cela fonctionnerait également avec n'importe quel autre pinceau ayant une belle texture. Je suis juste un grand fan de celui-ci. En général, ces pinceaux à empâtement Mileo sont ici. Ils sont tellement bons. OK, je pense que c'est une assez bonne base. Maintenant, permettez-moi d'ajouter un peu de beige plus foncé sur la partie inférieure de chaque pot car la lumière vient d'en haut, il y aura donc un peu d'ombre à cet endroit. Maintenant que nous obtenons plus de détails, nous devons réfléchir à des choses comme ça. Mais oui, il suffit de gribouiller un peu avec ce beige brun foncé et désaturé ou quel que soit D'accord, je pense que nous pouvons maintenant pimenter un peu ces ombres avec une teinte Alors laissez-moi passer au violet foncé et désaturé comme celui-ci Mais très désaturé. Et je suis juste en train de griffonner d'autres ombres comme ça. Je sais que le violet peut sembler un choix très étrange ici. Je veux dire, ne devrions-nous pas simplement assombrir le beige ? Mais il s'agit en fait d'une astuce artistique avancée car les couleurs, et en particulier les teintes, évoluent toujours légèrement vers le bleu et le violet dans les ombres et vers le rouge et l'orange dans les reflets. La lumière et les ombres ne font pas que rendre les choses plus sombres et plus lumineuses, elles modifient également légèrement les couleurs. Et vous pouvez exagérer cet effet dans vos peintures pour les pimenter un peu sans les rendre irréalistes. Les impressionnistes et les expressionnistes, par exemple, exagèrent fortement ces effets, et ils se contentent de rendre toutes les ombres complètement bleues ou violettes ou quelque chose comme ça, et les reflets brillants et oranges Donc, ici, j'en veux aussi un peu, pas trop extrême, mais vous pouvez voir que ce violet donne à ces pots de fleurs un aspect un peu plus enrichi et intéressant, et ça n'a même pas l'air mal. C'est une technique artistique un peu avancée que vous pouvez presque toujours appliquer dans une certaine mesure, même aux œuvres d'art basées sur le réalisme. D'accord, c'est une texture solide. Mais j'ai juste l'impression que ces pots de fleurs ont air un peu trop bidimensionnels. Alors, que pouvons-nous faire à ce sujet ? Eh bien, nous pourrions mettre l'accent sur leur forme cylindrique en ajoutant quelques courbes plus définies. Essayons donc ça. Je vais revenir à ce pinceau bleu car je me souviens qu'il est très bon pour peindre des lignes précises. Ensuite, rendons-le gris très foncé, mais vous pouvez également choisir une autre couleur ici, et réglons l' opacité à environ 50 %, afin que nous puissions toujours voir la texture à travers ces courbes Ensuite, j'essaie d' ajouter quelques-unes de ces courbes qui suivent la forme des pots de fleurs. Vous savez, une texture très classique pour un pot de fleurs avec ces lignes horizontales qui ressemblent évidemment à des courbes dans un environnement en trois D. Essayez donc de les rendre relativement parallèles sur chaque pot de fleurs et faites également varier l'épaisseur. Tracez des lignes très épaisses et des lignes très fines, car un peu de variété ne peut pas être une mauvaise chose ici. Vous pouvez voir que je ne suis pas vraiment expert pour peindre ces courbes parallèles, mais cela ne pose aucun problème. Cela prend juste un peu plus de temps, mais je peux simplement annuler et refaire jusqu'à ce que les courbes soient un peu agréables De plus, ils n'ont pas besoin d'être précis à 100 % ou quelque chose comme ça. Les jacinthes seront au centre de l'attention car elles seront bleues et jaunes, très saturées et très saturées Les spectateurs ne regarderont donc probablement pas ces pots de fleurs de très près. Gardez toujours à l'esprit où se trouve le plus de contraste dans vos peintures. Quelles sont les choses qui se démarquent vraiment et consacrez le plus d'efforts à ces choses ? Ce que nous sommes en train de faire en ce moment n'est qu'un petit bonus qui donne à l'œuvre un aspect plus complet, mais pas un point focal qui se démarque par le contraste. Je pense donc que la plupart de ces courbes sont maintenant appropriées. Rien d'étonnant mais certainement pas mal pour un petit détail comme celui-ci. Maintenant, je vais passer à chaque couche de pot avec cet aérographe et j'intensifie un peu plus ce contraste violet foncé parce que je trouve que cela fonctionne très bien ici, tout en utilisant une pression relativement faible et juste au fond de ces pots de fleurs D'accord, ces pots de fleurs sont très bons pour le moment, mais je vais juste faire quelques ajustements supplémentaires C'est très souvent le cas. Si vous peignez quelque chose sans référence, il y a tellement de réglages que vous souhaitez apporter à la fin. Donc, une chose que je remarque, c'est que certains de ces pots de fleurs à l'arrière devraient être un peu plus foncés en général. Mais pour éviter d' avoir à les recouvrir de peinture, je vais utiliser l'une de mes fonctions préférées dans Krita, la fenêtre de réglage des couleurs Appuyez, contrôlez et vous pouvez ajuster les teintes la saturation et les valeurs de la couche sur laquelle vous vous trouvez actuellement. Je vais donc simplement baisser la luminosité de ce pot ici, pot 5 et du pot 72. Si vous avez un peu trop de violet, vous pouvez également diminuer la saturation ici. Mais en général, je pense que ces pots de fleurs sont en fait très bons. Je n'apporte donc que de très légers ajustements aux valeurs ici. Donc, quelque chose comme ça. Et dernier réglage, revenons à cet aérographe et ajoutons encore quelques ombres violettes très foncées au fond de ces pots de fleurs Nous allons maintenant rendre ces ombres très petites et très intenses, juste pour indiquer cette courbure supplémentaire au fond que présentent souvent les pots de fleurs. Comme la lumière vient d'en haut, elles seront évidemment bien plus sombres que les autres. Mais aussi sur ces pots de fleurs situés à l'arrière, je vais ajouter un peu plus d'ombre car ils sont recouverts et entourés d'autres pots de fleurs, et il y a moins de lumière qui y parvient en général. Réfléchissez toujours un peu à ce genre de choses et mettez-les en œuvre, mais ne soyez pas obsédé par cela si vous ne travaillez pas sur le sujet principal C'est le conseil général que je peux vous donner ici. Je dirais donc que si vos pots de fleurs ressemblent à ça, c'est ce dont nous avons besoin. Vous avez donc une petite démonstration qui permet de créer des textures et des détails au fur et à mesure, ce que vous devez faire parfois en tant qu'artiste. Bien sûr, nous aurions pu utiliser des références pour ces pots de fleurs, mais j'étais trop paresseux pour les rechercher. Pour des éléments simples comme celui-ci qui ne sont que des formes géométriques, vous pouvez souvent les créer vous-même si vous suivez quelques principes de base tels qu' un éclairage correct, texture uniforme, tout ce que nous avons fait ici. J'espère donc que vous avez compris le processus général de création de quelque chose comme ça et que vous devriez maintenant avoir de jolis et simples pots de fleurs. Si c'est le cas, nous pouvons les remplir de fleurs lors de la prochaine leçon. 13. Peindre les fleurs: Bienvenue à la leçon de peinture des fleurs. C'est la dernière tâche importante que je vois dans notre œuvre d'art en ce moment, vous savez, à part ajouter des ombres ou ajuster certains éléments au final. Et heureusement, je pense que ce sera la partie la plus relaxante de l'œuvre d'art, en fait. Si nous savons ce que nous faisons et que nous prenons quelques bonnes décisions, je pense que ce processus sera plutôt froid, car les jacinthes ou les fleurs en général ne sont pas vraiment un sujet si complexe Il suffit de beaucoup griffonner avec des couleurs géniales, et c'est à peu près tout Tout d'abord, jetons un dernier coup d'œil à la jacinthe réelle avant de commencer, juste pour être sûr, Ces jacinthes peuvent donc avoir des couleurs légèrement différentes, principalement du bleu et du violet, comme Certains d'entre eux sont un peu pointus en haut, mais la plupart du temps ils sont assez ronds Alors, en fait, je vais chercher ce mot en allemand, Huertsnton, juste pour obtenir quelques résultats différents maintenant C'est parfois une petite astuce pour obtenir des résultats plus intéressants. Vous savez, il suffit de regarder le mot dans une autre langue pour obtenir quelque chose de différent. Donc, oui, je pense que j' ai une assez bonne idée ce que je veux peindre maintenant. Je ne vais donc pas choisir une référence précise ici. D'ailleurs, j' apprécie vraiment le fait que les feuilles vertes ces jacinthes soient très simples en général, juste, vous savez, plates, vertes, longues et C'est exactement ce que je veux. Donc oui, je pense que je vais commencer par les feuilles. Mettons tous ces groupes de jacinthes sur des couches individuelles afin de pouvoir les ajuster séparément des pots. Donc, au-dessus du premier pot, je vais créer une nouvelle couche appelée jacinthes Et puis pour ces feuilles simples, je pense, encore une fois, que ce pinceau sera le meilleur choix. Ensuite, un peu de vert foncé semi-saturé comme celui-ci, comme je l'ai vu dans ces références, rend le pinceau un peu plus petit, bien sûr. Mais maintenant, en fait, je pense qu'il serait préférable déplacer d'une couche sous le pot. Nous pouvons donc donner l' impression que ces feuilles et jacinthes sortent du pot, Oh, oui, ça a déjà l'air très bien. Faisons donc quelques petits coups de pinceau incurvés et relâchons la pression à la fin pour que les feuilles deviennent un peu pointues. Quel pinceau génial, d'ailleurs. Maintenant, rendons le vert un peu plus clair et ajoutons simplement quelques coups de pinceau supplémentaires sur le dessus, ce qui devrait alors être suffisamment détaillé pour ces feuilles. Vous savez, juste quelques parties sombres, quelques parties claires. Ça va être sympa. Très bien, c'est l'heure du numéro deux Encore une fois, créons une nouvelle couche appelée jacinthe deux sous le pot deux. Et puis, oh, ce n'est pas le bon pot. Laisse-moi annuler ça. Et oui, allons-y. Encore une fois, c'est la même chose. Essayez de donner quelques courbes à vos feuilles et de les faire aller dans des directions différentes. Et nous allons simplement continuer comme ça pour chaque pot. suffit de passer d'un vert à l'autre dans l'historique de vos couleurs vous suffit de passer d'un vert à l'autre dans l'historique de vos couleurs pour que tout soit beau et uniforme. C'est ce qu'il y a de mieux. Nous avons fait tellement de planification et croquis que nous pouvons maintenant nous détendre Nous savons où tout va, ce que nous devons faire. Nous ne faisons donc que mettre quelques jolis coups de pinceau sur la toile. Au fait, si vous me connaissez grâce à mon cours de théorie des couleurs, vous savez que je suis généralement un fervent partisan de la création d'une palette de couleurs Alors pourquoi n'avons-nous pas créé une palette de couleurs spécifique pour ce tableau ? Donc, une collection de couleurs que nous allons utiliser ? Eh bien, en fait, nous avons une palette de couleurs. C'est juste le croquis de composition. Mais nous avons planifié nos couleurs, les avons modélisées, nous leur donné l' apparence les unes à côté autres avec notre croquis de composition. C'est ça. Une esquisse de composition, comme celle que nous avons réalisée, remplace une palette de couleurs, car il s'agit en fait d'une palette de couleurs plus avancée, n' est-ce pas ? C'est donc juste pour ceux d'entre vous qui ont suivi mon cours de théorie des couleurs et qui se sont embrouillés. Oui, créez une palette de couleurs, modélisez vos couleurs et voyez quoi elles ressemblent les unes à côté des autres. Ou si vous voulez faire encore plus de planification, outre les couleurs, faites un croquis de composition. C'est pareil. Il a le même objectif. C'est juste un peu plus détaillé. D'accord. Au final, vos feuilles devraient ressembler à ceci avec une couche de jacinthe sous chaque couche de pot correspondante . Une fois que vous l'avez obtenu, nous pouvons passer à autre chose et ajouter la jacinthe N'oubliez pas que nous voulons le faire avec ce pinceau. Et encore une fois, commençons par celui des jacinthes, celui-ci. Zoomons et sélectionnons notre couleur de base de jacinthe. Ce pot de fleurs ici doit être bleu foncé ou violet. Je vais donc commencer par cette couleur. Très bien, alors faisons en sorte que le pinceau soit très petit, peut-être 30 pixels. Ensuite, je vais commencer comme ça. Petits mouvements circulaires rapides avec le pinceau. Oh, oui, ça marche. Regarde cette jacinthe. Juste une forme rugueuse comme celle-ci qui devient un peu plus fine en haut et plus épaisse en bas. C'est ça. Et répétons-le pour le suivant, ces petits points avec la couleur de base qui forment une telle forme. Honnêtement, je trouve ça très amusant. Faites pousser les jacinthes vers le haut comme ceci et faites tomber celles qui se trouvent sur les côtés de ces pots un peu, peut-être légèrement en biais Cela va paraître plus naturel. Donnez-leur également des hauteurs légèrement différentes comme celle-ci. Cela leur donne également un aspect plus naturel. Donc oui, je vais encore une fois travailler sur les détails. Je vais donc d'abord bloquer la couleur de base pour chaque groupe de jacinthes ici, puis nous allons ajouter des reflets et des ombres partout reflets et des ombres Maintenant que celles-ci sont terminées, nous allons passer à Jacinthe 2 Je pense que je veux les rendre un peu plus violets. N'oubliez pas que nous pouvons implémenter une petite gamme de couleurs ici dans ce territoire bleu et violet. Utilisons-en donc. Juste les petits gribouillis sur le dessus des feuilles. Je vais commencer par les bleus et les violets, et les jaunes à la fin. Donc pour l'instant, je laisse de côté les pots où je veux des fleurs jaunes. C'est juste un choix personnel. Vous pouvez ajouter vos fleurs dans l' ordre de votre choix. Assurez-vous simplement que toutes les fleurs ont une cohérence visuelle, sorte que les jacinthes doivent être dans la même plage de hauteur et dans la même plage Très bien, maintenant tu sais quoi faire ici. Je vais donc expliquer quelque chose théorique parce que vous pouvez probablement voir quelque chose ici. Nous sommes passés d'un style plus réaliste à un style plus impressionniste. Maintenant, les coups de pinceau sont beaucoup plus lâches et chaotiques. Le mélange est bon. Vous savez, si les styles s' assemblent pour former une composition cohérente, seul le réalisme est inutile, seul l'impressionnisme, peut-être pas très intéressant Mais avec une petite combinaison comme celle-ci, nous pouvons certainement le faire. C'est un sujet avancé en art numérique, nombre de pinceaux et de styles différents que vous devez combiner dans une peinture, car il existe de nombreuses options et cela dépend toujours. Cela dépend des types de pinceaux. Vous savez, certains pinceaux se complètent et d'autres se mordent. Cela dépend du nombre de sujets que vous avez, ampleur de vos coups de pinceau invisibles et de bien d'autres choses encore Parfois, je fais un tableau entier avec un seul pinceau si le pinceau est vraiment bon. Ici, il se peut que cela ait fonctionné avec le premier car il est tellement polyvalent et nous avons peint beaucoup de choses avec. La plupart du temps, j'utilise trois à cinq pinceaux différents, comme ici. Et il y a des artistes qui parviennent d'une manière ou d'une autre à utiliser 20 pinceaux différents. Pour être honnête, je ne sais pas comment ils s'y prennent. Ce que je peux dire en toute confiance c'est que si vous êtes débutant, limitez définitivement votre utilisation des pinceaux. Un meilleur pinceau ne fait pas de vous un meilleur artiste. C'est juste un autre outil d'expression. Et les pinceaux doivent également être appris. Donc, si vous utilisez toujours un pinceau que vous n'avez jamais utilisé auparavant pour chaque peinture, il vous faudra un certain temps avant de vraiment en comprendre un et d'apprendre à l'utiliser dans différentes situations. Mais vous devriez bien sûr essayer différents pinceaux et styles, essayer différents pinceaux et sinon vous ne trouverez pas ceux qui vous permettront de créer votre art comme vous le souhaitez. Donc, une bonne solution intermédiaire que j'ai retenue est d' utiliser un pinceau pour un sujet, un pinceau pour les jacinthes, un pinceau pour le sol, un pinceau pour le perroquet, un pinceau pour les un pinceau Parfois, je les combine. Cela peut être vraiment beau, comme sur ces pots ici, mais il est beaucoup plus difficile de faire en sorte que cela paraisse cohérent et pas trop chaotique. Essayez d'apprendre les pinceaux et ne passez pas à autre chose trop vite. Ne vous confondez pas avec trop de styles différents. Puis, avec le temps, tu trouveras ta propre façon d'utiliser pinceaux dans Krita. C'est tout ce que je peux dire ici. D'accord, j'ai bloqué les formes de toutes ces fleurs bleues et violettes Il est maintenant temps de passer aux jaunes. Ça va être là, des jacinthes cinq dans mon cas. Et puis pour la couleur, allons-y avec ce jaune vif. Peut-être un peu plus sur le côté orange, comme ici, parce que nous voulons d'abord bloquer les parties les plus sombres. Oh, oui. Et vous pouvez immédiatement voir ces fleurs jaunes ressortir beaucoup plus sur le fond sombre. D'ailleurs, je pense que c'est mieux si nous nous en tenons à une pression relativement basse ici. Nous avons donc ici toutes ces petites lacunes qui donnent aux fleurs un aspect plus détaillé. Et puis le dernier pot de fleurs, Jacinthe 3, c'est encore la même chose Et oui, maintenant nous avons déjà une assez bonne idée de ce à quoi ressemblera le tableau final. Toutes les choses principales sont bloquées. OK, laisse-moi peut-être passer à Hyacinth Five et en faire un un peu plus haut, juste comme OK, c'est l'heure de passer à la deuxième couche de détails. Revenons à ce bleu-violet et rendons-le plus lumineux et plus saturé, car nous allons maintenant peindre quelques parties plus surlignées, recommençant sur celle des jacinthes N'oubliez pas que la lumière vient d'en haut, donc par-dessus ces jacinthes, en particulier, nous allons laisser tomber tous ces Juste une faible pression et petits mouvements circulaires avec votre brosse. Et vous pouvez voir qu'elles commencent déjà à ressembler à des jacinthes détaillées, juste Ajoutons ensuite quelques points aléatoires pour créer plus de détails et de chaos. Ensuite, je vais passer à la suivante, pour laquelle je vais rendre le bleu un peu plus violacé, car il s'agit d'un groupe de jacinthes plus violets Mais oui, en gros, c'est exactement la même chose. Je fais juste varier un peu la teinte, mais même luminosité et même saturation. Juste ces petits points partout pour créer un peu plus de détails. Il vous faudra peut-être un certain temps pour vous habituer à ce processus, mais je vous assure que c'est en fait très relaxant une fois que vous vous y êtes habitué. Soyez patient et prenez soin de chaque jacinthe pour lui donner les bons reflets Et si vous le faites, prenez soin de la jacinthe suivante une par une Ça va être très fluide et simple. Encore une fois, je fais d'abord tous les bleus et violets, mais peu importe. Assurez-vous simplement que lorsque vous créez jaunes, comme je le fais actuellement, vous déplacez encore plus la teinte de l'orange vers le jaune comme ça et que le jaune soit plus clair, bien sûr. Et puis c'est encore la même chose. Sympa. Maintenant, nous continuons comme ça avec plus de détails. Pour ces fleurs jaunes, je pense qu'elles devraient être complètement blanches dans les reflets, vous savez, des reflets provenant de la source lumineuse. Cela va leur donner beaucoup de contraste par rapport à l'arrière-plan, ce qui aura l'air vraiment cool au final, je pense. Je ne peins donc que très peu reflets très vifs sur le dessus de ces jacinthes jaunes Et sur les autres jaunes aussi. Ensuite, sur les bleus de gauche, je veux aussi leur donner des reflets plus clairs, mais pas complètement blancs. Ce serait trop pour ces jacinthes bleues. Et aussi juste en haut ici. Et vous l'avez deviné, nous allons faire de même pour les autres. N'oubliez pas de toujours sélectionner la bonne couche. C'est à peu près le seul danger ici. Sinon, je ne peux vraiment rien vous dire d'autre ici. Il suffit de regarder ce que je fais et de le faire aussi. C'est un processus assez répétitif, mais aussi relaxant. Restez donc patients et travaillez une par une sur ces jacinthes Je vais bien, c'est vrai. Regarde ça. Tout va très bien maintenant. Mais je dois être honnête, c'est peut-être un peu trop clair, alors j'ajoute également une couche de coups de pinceau très foncés. Encore une fois, d'abord sur tous les bleus et violets. À ce stade, vous n'êtes pas obligée de me suivre, mais vous pouvez simplement vous arrêter lorsque vous pensez que vos jacinthes sont belles Je tiens à ce que cela soit très clair. Nous en sommes à ce stade de la peinture où nous ajoutons simplement des couches de détails supplémentaires jusqu'à ce que cela nous plaise. n'y a donc pas de point clair où ces jacinthes sont officiellement fabriquées Ils sont prêts quand vous les aimez. Cependant, je pense que c'est certainement une bonne idée d' ajouter au moins une ou deux couches supplémentaires ici, comme je le fais avec ces ombres, car la plupart de ces couleurs légèrement différentes qui se chevauchent donnent plus de profondeur aux jacinthes et les rendent simplement plus intéressantes À un moment donné, cependant, cela va paraître trop chaotique et trop étrange si vous ajoutez trop de couches. Il y a donc un point d'équilibre. Mais c'est quelque chose de très subjectif. Au fait, puis-je souligner à quel point il est facile de peindre des fleurs comme ça ? Je veux dire, ne vous méprenez pas. Je ne veux pas être offensant si ça ne fonctionne pas encore pour toi. Je peux tout à fait le comprendre. Mais une fois que vous avez compris, ce n'est vraiment pas si compliqué parce que vous faites la même chose encore et encore . Et c'est ce qu'il y a de mieux. Vous pouvez ensuite toujours ajouter ces fleurs si vous le souhaitez. C'est bien de les avoir dans votre répertoire pour mortes, des paysages ou littéralement n'importe quoi d'autre. Ces objets, comme les fleurs, les arbres, les rochers, les objets que vous pouvez mettre dans presque tous les tableaux, sont tellement utiles. Vous pouvez les ajuster de nombreuses manières différentes pour qu'elles s'adaptent toujours à votre composition. Il est donc vraiment logique de prendre le temps de les apprendre et de les comprendre. Si vous comprenez vraiment les arbres, vous pouvez toujours en ajouter un qui correspond parfaitement à votre composition et aux branches encadrent le sujet ou autre. Et si vous comprenez les jacinthes et que vous êtes à l'aise pour les peindre, vous avez toujours quelque chose d'intéressant à ajouter à vos œuvres d'art, et vous pouvez techniquement leur donner n'importe quelle couleur pour qu'elles correspondent à la palette de couleurs spécifique que N'est-ce pas génial ? C'est juste un petit avantage que je voulais souligner. Vous savez, ces jacinthes ne sont pas uniquement destinées à cette peinture, mais en peignant plusieurs d'entre elles, nous les pratiquons et nous nous sentons à l'aise Vous avez donc quelque chose de beau et de très flexible dans votre boîte à outils en tant qu' artiste. Ne l'oubliez pas. D'accord. Pour ces fleurs jaunes, je vais juste ajouter une couche supplémentaire avec de l'orange sur le dessus. Techniquement, ce sont censées être les parties sombres, mais si je les rendais plus foncées, comme le jaune foncé, ce serait plutôt moche, en fait. Ce n'est pas une belle couleur. Donc, si vous devez ajouter des ombres à quelque chose de jaune, faites en sorte qu' elles soient oranges. C'est un petit truc de pro. Voilà à quoi je veux que ma jacinthe ressemble. Assurez-vous donc que le vôtre ressemble également à ceci. Ensuite, ajoutons un peu plus de ces feuilles, car nous les avons couvertes presque universellement ici, et je veux juste que certaines d'entre elles soient visibles. Cependant, pour cela, je vais utiliser les couches de pots et non les couches de jacinthe car maintenant je veux que ces feuilles poussent réellement au-dessus de ces pots. Donc ça ressemble à ça. Juste ces petites courbes ici. Cela les rend bien plus intéressants. N'oubliez pas que le vert ne fait toujours pas partie de notre palette et que vous souhaitez le garder très minimal. Juste quelques feuilles qui poussent dans ces pots et sur la jacinthe avec quelques tons de vert différents OK, c'est ça. Regardons le croquis de composition. Si c'est la composition que nous voulons, je veux dire, elle est jolie, mais oui, dans le croquis de la composition, nous avons en fait des fleurs posées sur le sol, donc je pense que nous devrions les ajouter également maintenant. Je pense que c'était une très bonne idée parce qu'en ce moment, si je regarde ce tableau, ces couleurs sont un peu trop concentrées. Vous savez, je serais bien si nous avions aussi un peu plus de jaune et de violet sur le sol. Tout est donc un peu plus complet et équilibré. Créons donc une nouvelle couche sur ce groupe de pots appelé flower floor. Ensuite, je vais juste commencer par les feuilles vertes. Mettons-en quelques-uns partout de manière cohérente sur ce terrain. Évidemment, ces fleurs et donc les feuilles doivent être horizontales car elles ne poussent pas sur le sol, mais reposent sur le sol. Distinction très importante. Donc oui, nous allons simplement répéter ce processus une fois de plus avec des jacinthes horizontales, en bloquant la couleur de base, puis avec quelques couches de reflets et d'ombres sur le dessus, et c'est tout bloquant la couleur de base, puis avec quelques couches de reflets et d'ombres sur le dessus, et c'est Oh, encore une chose. Cette fleur est ici derrière la branche, mais cela aurait du sens. Je vais donc le sélectionner, puis le copier et le coller sur une nouvelle couche et déplacer cette couche au-dessus de la couche de branche. Nous avons donc une couche frontale fleurie sur laquelle nous pouvons placer les jacinthes qui se trouvent devant la branche C'est très bien, bien sûr, pour créer un peu plus de profondeur et de tridimensionnalité. Je ne sais pas si c'est un mot, désolée, mais, vous savez, ces jacinthes ne devraient pas être toutes alignées devant la branche ou toutes derrière la branche Nous voulons de la variété. D'ailleurs, pour rendre les choses plus logiques, ajoutez des jacinthes jaunes sur le sol, uniquement sur le côté droit, là où poussent réellement, car, vous savez, elles ne tomberaient pas deux ou trois mètres du Je ne fais donc que les ajouter ici. Ensuite, après avoir ajouté quelques points forts, je vais ajouter un peu de piquant en ajoutant quelques fleurs individuelles sur le sol Vous savez, juste de petites taches, petites parties qui ont été séparées des grandes fleurs en bleu, violet et jaune Et la dernière étape consiste simplement à faire les fleurs au sol soient cohérentes avec celles des pots. Donnez-leur donc à peu près le même niveau de détail et la même intensité de reflets et d'ombres. Pour cela, vous pouvez utiliser votre historique des couleurs sur le côté droit ici. Et c'est tout. Regarde ça. C'est à peu près l'œuvre d'art. Ce n'est pas encore très réaliste car nous devrons ajouter des ombres au sol, et nous pourrons peut-être corriger et ajuster certaines choses. Mais nous pouvons le faire dans la prochaine leçon. En ce qui concerne les sujets principaux, c'est du bon travail. 14. Affiner et finir: OK, tout le monde, c'est la dernière leçon pratique de ce cours, la partie affinage et finition. Comme c'est souvent le cas, pour cette dernière étape de création d'une œuvre d'art, ce sera plutôt du freestyle y aura donc pas de structure comme, d'abord, vous devez réparer ceci, puis vous devez réparer cela, puis c'est terminé. Non, cette partie consiste simplement à regarder votre œuvre d'art et à réfléchir comment pourrais-je l'améliorer un peu ? Et c'est, bien sûr, toujours quelque chose de différent, selon le type d'œuvre d'art que vous créez. Donc, ici, je vais juste vous faire mes réflexions et de mes dernières actions ici. Voyez donc ceci comme un exemple. Maintenant, la première chose que nous devrions corriger ici, je l'ai déjà mentionnée à quelques reprises, ce sont les ombres. Nous avons une source de lumière qui vient haut et un peu en arrière des sujets Nous devons donc ajouter quelques ombres simples au sol. Pour cela, je pense que je vais choisir ce pinceau, ce pinceau plat et lisse parce que je le connais très bien, et oui, il est tout simplement bon. Passons ensuite à la couche d'arrière-plan, que je n'ai même pas nommée uniquement cette couche de peinture , puis sélectionnons du violet très foncé et désaturé N'oubliez pas que nous pouvons utiliser le bleu ou le violet pour les ombres, comme nous l'avons fait pour les pots. Cela va les faire paraître un peu plus riches. Donc, oui, commençons. Je vais réduire un peu le pinceau, incliner la toile pour pouvoir peindre de meilleures lignes horizontales. Ensuite, je vais griffonner sous ces objets individuels Juste un petit peu. L'ombre et la lumière constituent un vaste sujet artistique qui mériterait un cours à part entière. Et je dois être honnête, ce n'est pas mon domaine d'expertise. Je me fie généralement à une référence si j' ai quelque chose avec des reflets et des ombres complexes, ou je fais une peinture très impressionniste ou expressionniste où je peux simplement griffonner les ombres et les exagérer ombres et les exagérer Un peu comme ici. Vous pouvez voir que ce n'est pas quelque chose qui demande beaucoup de réflexion et de planification. Je suis juste en train de griffonner sous ces objets qui projettent une ombre pour assombrir les parties situées en dessous d'eux. Et pour ce tableau, c'est vraiment bien. Nous avons des reflets et des ombres simples qui ne sont pas très extrêmes, et le sol n'est évidemment pas un point focal. Ce que nous faisons là-bas n'est donc pas très important. Donc, cela devrait être votre état d'esprit lorsque vous peignez ces ombres. Pimentons un peu les choses. Parfois, lorsque vous avez accidentellement ajouté trop d'ombre, vous pouvez soit l'annuler, soit sélectionner votre couleur d'arrière-plan et peindre dessus , puis revenir à la couleur de votre ombre. Assurez-vous donc que vos ombres sont cohérentes. Ainsi, partout où se trouve un objet proche du sol, ajoutez une ombre en dessous. Cela devrait donc ressembler à ceci au final. Sympa. Que pouvons-nous faire d'autre ici ? Eh bien, si je regarde le tout, il y a en fait un petit problème que je voudrais régler car les fleurs sont en fait un peu plus intenses et saturées que le perroquet, même si c'est censé être le sujet principal Permettez-moi donc de sélectionner la couche d' ara jacinthe et d' ouvrir la fenêtre de réglage des couleurs en appuyant sur Ctrl U. Augmentons donc légèrement la saturation du perroquet, peut-être dix Et voyons à quoi ça ressemble. Et oui, si je regarde la comparaison avant ou après, je préfère définitivement que le perroquet soit un peu plus saturé, afin qu'il s'adapte mieux aux fleurs Notez qu'il n'est pas nécessairement nécessaire que vous deviez également effectuer cet ajustement. Vous ne voulez pas non plus sursaturer quoi que ce soit. Mais cette fenêtre de réglage des couleurs pour les couches individuelles est un outil incroyablement utile si vous avez des déséquilibres ou si vous souhaitez simplement modifier des éléments généraux concernant les Je l'utilise donc très souvent dans la phase finale d' une œuvre d'art pour tout peaufiner un peu. Bien, alors faisons une petite expérience. Peut-être vous souvenez-vous quand j'ai dit que nous pourrions ajouter des feuilles à ces branches, juste pour voir à quoi elles ressemblent et si cela ajoute quelque chose à l'œuvre d'art ? Au moins je m'en souviens, alors je vais l'essayer. Permettez-moi de créer une nouvelle couche à partir de la couche de branches appelée Leaves Question point, car je ne sais pas encore si je les veux vraiment. Et laissez-moi essayer de peindre quelques feuilles désaturées avec ce pinceau Tu sais, juste quelques feuilles d'automne sèches. Et oui, ce n'est peut-être pas le meilleur pinceau pour peindre les feuilles. Permettez-moi d'essayer celui-ci et griffonner un peu sur ces petites branches Eh bien, ce n'est pas non plus ce que je veux. Peut-être que tu peux peindre des feuilles comme ça, mais je vais continuer à chercher. Et ce pinceau humide RGBA, s'il est très petit, air plutôt cool en fait, et il correspond au niveau de détail que nous avons dans le reste de l'œuvre d'art Donc, griffonnons un peu régulièrement sur chaque petite branche. Également ici en bas. N'oubliez pas que nous y avons également des succursales. D'accord, alors ajoutons peut-être quelques feuilles plus saturées juste pour pimenter un peu le Mais bien sûr, pas trop saturé parce que vous le savez. Cela perturberait notre palette de couleurs gratuite. J'aime beaucoup ce pinceau pour peindre les feuilles, également dans d'autres œuvres d'art. Maintenant, je pense que ces feuilles sont devenues un peu trop envahissantes pour l'œuvre d'art, alors je veux rendre certaines d'entre elles un peu plus foncées. Et pour cela, afin d'apporter des ajustements à quelque chose, je vais utiliser une petite astuce que vous devriez également connaître maintenant. Je vais bloquer la transparence de la couche sur les feuilles ici, ce motif en damier Ensuite, je peins certaines de ces parties avec un brun plus foncé. Je veux que ces feuilles soient principalement en arrière-plan, juste un petit détail. Les spectateurs continueront donc à regarder principalement les pots de fleurs et l'ara jacinthe OK, à ce stade, vous pouvez décider si vous voulez conserver ces feuilles ou non. Peut-être que tu as mieux réussi que moi. Mais je vais être honnête. En fait, je pense que si je désactive et active cette couche, l'œuvre d'art sera un peu plus belle sans les feuilles Je vais donc garder cette couche désactivée. Je ne veux pas qu'il se passe trop de choses ici. C'est déjà plutôt sympa. Mais, tu sais, c'est ce qu'il y a de cool entre l'art et la Crète. Vous pouvez simplement décider ce que vous préférez. Si vous parvenez à peindre de très belles feuilles, vous pouvez également les conserver. Personnellement, je le préfère sans les feuilles. C'est une caractéristique déterminante de la partie finale d'une œuvre d'art. C'est très subjectif et cela dépend de vos préférences personnelles, mais je vous recommande vivement de toujours expérimenter un peu si vous pensez en avoir terminé avec une peinture, qu' il s'agisse d'ajuster les couleurs ou ajouter quelque chose sur un nouveau calque vous ne savez pas si vous voulez le conserver ou non ou de vérifier si vous pouvez améliorer les qualités d' ombre et de lumière de votre image. Ou ici, je suis en train de griffonner un peu la texture de la branche, voir si je pourrais l'améliorer Il suffit d'ajouter un peu plus de brun saturé pour le pimenter. Vous savez, cette texture est très simpliste, donc il n'y a pratiquement rien qui puisse mal tourner ici Vous ne voulez pas manquer des solutions simples qui pourraient améliorer considérablement vos œuvres d'art. Prenez donc toujours un peu de temps à la fin, regardez les œuvres d'art et demandez-vous vraiment quelles sont les choses simples que vous pourriez changer dès maintenant pour les améliorer un peu. Et c'est toujours quelque chose de différent. C'est donc très excitant, en fait. Donc oui, cette branche est vraiment bizarre, et je griffonne plusieurs fois ici avec quelques couleurs différentes juste pour rendre aussi intéressante que possible Et je pense toujours aux reflets et aux ombres, bien sûr. Ici, dans ces branches en haut, ce sera une situation très complexe avec des reflets et ombres, car il y a tellement d'objets différents qui se chevauchent Et c'est une bonne chose car je peux peu près ajouter ces reflets et ombres de manière aléatoire et définir quelles sont les zones de surbrillance et d'ombre. Cependant, comme je le sais grâce à la référence, cette grosse branche comme je le sais grâce à la référence, devrait certainement être assez brillante dans ses parties supérieures. Donc partout ici. Ensuite, laissez-moi fixer quelques ombres en bas, encore une fois avec ce violet très foncé et désaturé et le même pinceau que les autres ombres, bien sûr Mais oui, il n'y a pas grand-chose à faire, en fait. J'essaie juste de rendre les ombres un peu plus cohérentes. Mais en général, ils ne sont pas si importants. Cependant, il y a une autre chose que j' ai oubliée lorsque nous parlons de reflets et d'ombres, que la lumière vient du haut et que ces jacinthes poussent au-dessus Il devrait donc y avoir un peu d'ombre provenant des jacinthes sur ces pots, si j'y pense Donc, avec ce même violet ombré, je vais appliquer chaque couche de pot et griffonner quelques-unes de ces Et je vais utiliser ce pinceau pour cela car il est très chaotique et représente bien les formes de ces jacinthes Vous voyez, nous pouvons simplement griffonner un peu à gauche et à droite, et nous obtenons déjà beaucoup de complexité, c'est exactement ce que je veux, parce que je ne veux pas faire trop d'efforts dans ces ombres et les rendre super réalistes, mais, vous savez, juste quelque chose pour rendre les choses plus logiques Continuons donc sur chaque pot de fleurs. La cohérence reste un facteur important. Si vous ajoutez des ombres à l'un de ces pots de fleurs, vous devez également le faire sur les autres. Sinon, rien n'a de sens. Soyons donc patients et griffonnons. Ça ne devrait pas être si compliqué. Tu veux juste que ça ressemble à ça. Très bien, allons-y. Cela semble un peu plus réaliste. Même si je ne suis pas un grand fan de ces ombres, je pense qu'elles ont vraiment leur place ici. Mais c'est comme ça que ça se passe, tu sais ? Si vous recherchez des tons clairs et foncés parfaits, utilisez une référence ou étudiez les tons clairs et foncés de manière intensive et calculez le tout Ce sont les deux seules options. Ou vous vous contentez de quelque chose qui n'est peut-être pas optimal, mais qui fait le travail comme ici. D'accord, mais maintenant je vais passer à quelque chose que je ne peux absolument pas accepter si ce n'est pas optimal. Et c'est l'ara jacinthe, qui est, oui, l'œuvre dont je suis le plus fier Je veux donc voir si je peux l' améliorer un tout petit peu, car voici le problème. Maintenant, nous avons ajouté ces fleurs, et elles ont une large gamme de valeurs, ce qui signifie beaucoup de contraste. Vous voyez, il y a des parties très sombres et très claires dans ces fleurs, et cela va attirer beaucoup d'attention sur elles. Et l'ara jacinthe, en tant que sujet principal, devrait suivre le rythme Je pense donc que je vais ajouter quelques plumes violettes claires supplémentaires sur le dessus, bien sûr, avec ce pinceau. Et pourtant, ce violet semble extrême, mais il fonctionne plutôt bien si j'applique une très faible pression. Le pinceau mélange donc ces peintures. C'est également un bon indicateur pour vous assurer que vous êtes sur la bonne couche. Vous savez, si vous utilisez l'un de ces pinceaux à peinture à l'huile ou à aquarelle qui mélangent la peinture et qu'ils ne se mélangent soudainement plus avec ce que vous peignez dessus, vous êtes probablement sur la mauvaise couche Très bien, regardez ça. Je pense que c'est vraiment mieux maintenant Mais je pourrais aussi comprendre si vous ne voulez plus prendre le risque de peindre quoi que ce soit sur le dessus de votre ara jacinthe, si vous en êtes vraiment content C'est juste une chose subtile que je pense pouvoir améliorer ici, alors je le fais. Peut-être aussi un peu de violet sur les plumes de la queue pour pimenter un peu le tout. Et puis quelques petits détails sur la tête, vous savez, juste de très légers gribouillis Nous avons donc cette plage de valeurs plus large, qui nous donne plus de contraste et aussi un peu plus de détails, ce qui, je pense, ne sera pas trop mal ici. Je ne regarde même pas la référence ici. J'améliore juste un peu la texture qui existe déjà. Je trouve que c'est très bien maintenant avec ces longues plumes peintes avec assurance et petits détails qui contrastent les uns avec les autres Il s'agit de ma version finale de l'ara jacinthe, à moins, bien sûr, que je ne découvre autre chose au cours de cette phase finale, mais je ne le pense vraiment pas OK, et puis une autre petite chose au hasard, je pense que je vais ajouter un peu plus de vert à ces pots de fleurs, donc quelques feuilles de plus. Je vais donc passer par chaque couche de pot et juste griffonner quelques lignes vertes supplémentaires sur le dessus Ensuite, je fais à nouveau une vérification rapide de la lumière et des ombres. Et pour être honnête, je pense que ce pot de fleurs, le pot 6, devrait être un peu plus foncé car il est entouré de nombreux autres éléments, et il y a de nombreuses jacines qui poussent sur le dessus Il est donc probable que peu de lumière y parviendra. Permettez-moi donc de verrouiller la transparence de cette couche juste pour être sûr. Utilisez ensuite ce pinceau avec lequel nous avons peint les autres ombres et revenez à ce violet désaturé très foncé Je vais donc simplement glisser vers la gauche et la droite vers le haut avec de gros coups de pinceau pour le rendre un peu plus sombre. Ce faisant, nous nous débarrassons de certains détails ici. Vous voyez ces individus griffonner des ombres de jacinthe. Ils ne seront plus visibles sur place une fois que nous aurons terminé. Mais c'est en fait une bonne chose, et je le veux comme ça parce que dans l'ombre, on voit toujours moins de détails et les couleurs se mélangent mieux. Maintenant que nous avons défini que ce pot est très sombre, très ombragé, tout comme cet autre pot, le pot 7, il est en fait plus réaliste s'il y a moins de détails Alors allons-y. C'est un autre petit conseil. OK, alors permettez-moi de revenir à la couche de branches et de peindre un peu plus sur cette texture. Bien sûr, avec ce pinceau classique et brun. En faisant cela, je remarque un petit problème avec une composition un peu avancée, mais c'est certainement quelque chose que je veux corriger Il y a beaucoup d'espace vide en dessous endroit où cette branche se divise et nulle part ailleurs sur le sol Vous pouvez voir qu'il n'y a rien sur le terrain dans cette partie, et dans toutes les autres parties, nous avons des détails, donc des ombres, des fleurs, des branches et ainsi de suite Je veux donc que cette petite zone se fond davantage dans le reste afin qu'elle ne ressorte pas inutilement Je pense qu'une bonne façon de le faire serait de peindre une autre petite branche qui s'y trouve et remplit l'espace. Permettez-moi donc de débloquer la transparence de cette couche afin que je puisse l'essayer. Peut-être comme ça, toujours dans le même style que les autres branches, bien sûr. Sinon, cela semblerait incohérent. Nous en avons donc besoin de quelques petits qui pointent vers le haut. Et une texture homogène. Je suis donc en train de le griffonner avec quelques tons de brun différents OK, c'est peut-être un peu trop en termes de petites succursales. Alors permettez-moi d'activer les effacements et de m'en débarrasser. Faisons en sorte que ce soit beau et lisse. Juste comme ça. Bien sûr, maintenant, nous devons ajouter des ombres sous cette petite branche pour qu' elle s'adapte au repos. Je vais donc revenir à la couche d'arrière-plan, à la première couche de peinture, puis à ce pinceau d' ombre au sol, et je sélectionne à nouveau ce violet foncé. Plongez-vous un peu sur la toile parce que je préfère, puis griffonnez certaines de ces ombres Tu vois, c'est encore une fois la même chose. Au final, vous pouvez modifier ce que vous voulez, mais cela doit toujours être cohérent avec les autres éléments, et tout doit être cohérent. Enfin, je vais apporter quelques petits ajustements à la texture des branches. C'est certainement la partie la plus étrange de cette œuvre, car nous n'avions pas vraiment de plan pour cela, et la référence était très simple Mais maintenant, en griffonnant simplement quelques bruns différents, nous l'avons rendu très intéressant Mais oui, je pense qu'à ce stade, je vais arrêter. Voici l'œuvre d'art terminée, et ce sont les petits ajustements que j'ai eu envie de faire. OK, je vais faire encore une chose que je ne fais pas toujours, mais c'est plutôt amusant, est d'ajouter une signature tant que couche supérieure ici. Je vais utiliser l'un de ces pinceaux à encre pour cela et sélectionner le blanc parce que tout reste ne serait pas vraiment visible ici, ou il ne conviendrait pas, vous savez, si nous utilisions du rouge vif ou quelque chose comme ça. Cela aurait l'air très mauvais. Donc oui, pour les signatures, je choisis toujours le noir ou le blanc selon que j'ai une œuvre d'art foncée ou claire. Donc oui, mettez votre signature où vous voulez. Le coin inférieur gauche ou inférieur droit de l'œuvre est généralement le meilleur choix. Donc pour moi, c'est juste Duplo avec une ligne. Mais oui, évidemment, ne me suivez pas ici. Mettez-y votre propre signature et pas seulement Duplo. Merci. Assurez-vous que votre signature est très petite et qu'elle n'est pas trop envahissante. S'il est trop grand et qu'il est blanc, vous savez, il y aura beaucoup de contraste, ce qui pourrait détourner l'attention du reste de l'œuvre d'art Je réduis donc cette couche encore plus petite à l'aide d'un outil de transformation. Vous vous demandez peut-être s'il est vraiment nécessaire de signer une œuvre numérique ? Je veux dire, vous n'allez probablement pas le vendre ou quelque chose comme ça, mais je pense que vous avez certainement le droit de le faire parce que vous avez fait toutes ces brokes vous-même C'est votre œuvre d'art, alors pourquoi ne pas y inscrire votre nom ? Je ne signe pas toujours mes œuvres d'art, mais cela peut être amusant. Et c'est tout. Voici le tableau. Nous l'avons fait. Et oui, félicitations si vous avez également réussi. C'était une question assez importante, mais j'espère que je l'ai bien décomposée et que vous avez pu suivre. Nous avons maintenant un tableau complet avec de nombreuses qualités. Nous avons un beau sujet assez réaliste qui a été encadré avec des espaces vides. Nous avons beaucoup de contrastes de valeur avec les parties sombres et claires. Nous avons évidemment un contraste de teinte avec les parties bleues, violettes et jaunes. Nous avons un contraste de détails avec un arrière-plan complètement vide et beaucoup de choses se passent au premier plan beaucoup de choses se passent au Ensuite, nous avons des lignes qui guident les yeux des spectateurs grâce ces branches et aux différentes hauteurs des pots de fleurs, et nous avons tout sur des couches individuelles, également une qualité sous-estimée Vous pouvez donc tout ajuster si cela ne vous plaît pas. Regardez ce processus. Nous sommes partis d'une idée et d'une référence. Nous en avons fait un croquis de composition en utilisant les principes de l'art et du design. Ensuite, nous avons fait un croquis précis, renseigné les couleurs et les détails, et maintenant nous l'avons. Enregistrez-le en tant qu'œuvre d'art en jacinthe ou quel que soit le nom que vous voulez lui donner Vous pouvez peut-être lui donner un nom plus créatif, mais ma créativité est épuisée maintenant, donc je m'en fous. Enregistrez-le simplement en tant que format de fichier image préféré, et c'est tout. 15. Documents Krita: Attendez une petite leçon supplémentaire car il y a quelque chose que j'ai presque oublié de dire. Conservez toujours vos documents Krita. Alors voici, enregistrez-le au format PNG à points ou comme vous le souhaitez, mais conservez également le document Krita et enregistrez-le Vous devez garder la possibilité de modifier vos œuvres d'art, même si vous pensez avoir terminé, car cela m' arrivait souvent par le passé. J'en ai fini avec une œuvre d'art. Je suis content de ne plus avoir à y regarder pour la journée. J'ai le fichier image. Mais le lendemain, je l'ouvre et je remarque immédiatement quelque chose que je veux changer. Et s'il ne reste qu'un fichier PNG ou JPEG, cela va être très difficile dans de nombreux cas. J'y suis déjà allé. Il y a quelque chose de très simple que je voudrais changer, mais je n'ai tout simplement pas les couches nécessaires, et il faudrait que je change tellement de choses dans l'œuvre d'art que la résistance est tout simplement trop élevée, et je ne fais rien. Et le pire, c'est que vous allez être coincé pour toujours avec cette erreur ennuyeuse. C'est nul parce que c'est vraiment très difficile de ne pas voir quelque chose que vous n'aimez pas dans votre art. En tant qu'artiste, vous verrez toujours d'abord les points négatifs de votre art. Les spectateurs, en fait, non. C'est donc dans votre intérêt personnel que vous sauvegardez vos documents Krita afin d' éviter d'être déclenché chaque fois que vous regardez l'une de vos œuvres d' Croyez-moi, ce n'est pas ce que vous voulez. Une exception serait peut-être si vous êtes vraiment satisfait d'une œuvre d'art, si un certain temps s'est écoulé et que vous n'avez jamais pensé à changer quoi que ce soit, alors vous n'avez plus nécessairement besoin du document. Mais tant que vous n'avez pas à économiser de l'espace sur votre PC ou autre, il n'y a aucune raison réelle de ne pas conserver vos documents Krita au cas où je le disais Par exemple, vous pouvez créer un dossier appelé documents Krita distinct de votre dossier artistique ou autre, dans lequel vous les mettez tous pour qu'ils ne vous ennuient pas Je l'ai, et c'est un très bon moyen de tout organiser. Et si je veux changer quelque chose, je peux aller dans ce dossier et j'ai tout sous la main. Donc, oui, gardez cela à l'esprit. Il est utile de sauvegarder vos documents Krita. 16. Styles de peinture et exercices exercises: Très bien, mesdames et messieurs, c'est fait. Nous avons fait un tableau, et il n'est pas mal, si vous me demandez. Dans cette leçon, je voudrais conclure quelques points et vous apporter des éclaircissements. À part le fait d'avoir l'œuvre d'art maintenant, qu'avez-vous appris ? Et comment pouvez-vous l'utiliser dans votre parcours artistique ? Asseyez-vous et regardez-moi peindre. Je te promets que ça va être intéressant. Bien, même si nous avions un gros projet dans ce cours, il s'agissait en quelque sorte d'une collection de différents exercices de peinture. Vous l'avez peut-être remarqué. Rien que dans la partie pratique, nous avons une peinture qui fait référence, le réalisme. Nous avons des empreintes et des coups de pinceau lâches sans référence. Nous nous sommes inspirés des références, mais elles ont créé notre propre style. Ce sont plusieurs méthodes différentes, en fait. Ainsi, même si ce n'est peut-être pas style ou votre sujet de peinture préféré, cela vous a, espérons-le, tout de même donné de nombreuses informations sur la peinture. Peut-être avez-vous vraiment apprécié la partie où nous avons peint le perroquet de façon réaliste à partir de références, et vous voulez continuer à faire de l'art comme celui-ci Ou vous aimez créer des pots et des fleurs plus abstraits, et vous vous sentez inspiré pour créer davantage d'art à partir de votre imagination. J'ai essayé de mettre en évidence différents aspects de la peinture, donc c'est à vous de décider. Et tu sais quoi ? Peindre ces natures mortes avec des animaux et des plantes est l'un des meilleurs exercices, peu importe ce que vous voulez faire en tant qu'artiste. Je veux dire, je les aime aussi en tant que peintures finies. Sinon, nous n' aurions pas fait cela. Mais même si vous ne le faites pas, vous pouvez probablement voir à quel point vous devez réfléchir lorsque vous les organisez. Vous pratiquez la théorie des couleurs en combinant des plantes ou des fleurs de couleurs différentes avec des animaux ou d'autres objets. Vous devez utiliser l' espace vide pour encadrer les choses. Vous exercez votre vision du contraste et des formes. Vous créez des lignes qui orientent le regard des spectateurs. Il faut même penser à un éclairage simple. Tout cela simplement parce que nous avons créé quelque chose de nouveau qui n'existait pas avant cette composition. Peindre un paysage à partir de références ou un humain à partir de références, c'est beau et précieux, mais cela ne vous donne tout simplement pas la même liberté parce que vous n'avez pas à trop réfléchir. Ici, nous avons beaucoup réfléchi et nous avons dû prendre de très nombreuses décisions. Et une fois que vous êtes vraiment à l'aise avec ce processus de prise de décision, vous pouvez créer vos propres compositions avec des sujets plus complexes. C'est le but ultime de pouvoir créer ce que vous voulez, n'importe quelle scène et de lui donner un aspect impressionnant. Et vous ne pouvez pas y arriver si vous peignez simplement meilleurs visages ou de meilleurs paysages de chambre à coucher. Jamais, vous n'avez à arranger vos propres compositions comme nous l'avons fait dans ce projet et à gérer toutes les tâches qui en découlent. Pensez à la couleur, à la forme, au contraste , à l' espace, au sujet, à l' éclairage, etc. Vous devez créer votre propre nouveauté si vous voulez vraiment vous démarquer en tant qu'artiste. Et comme j'espère l'avoir démontré dans ce cours, ce n'est même pas si difficile. Je veux dire, il y a encore beaucoup de choses à faire et vous devez investir du temps. Mais si vous le décomposez en étapes simples, ce n'est pas si compliqué si vous prenez bonnes décisions en matière de composition. C'est donc le concept de base que je voulais mettre en évidence. Contrairement à ce que pensent la plupart des artistes, je crois que les débutants devraient absolument apprendre à peindre quelque chose avec précision, mais aussi en réfléchissant à un tableau mais aussi en réfléchissant à un tableau et à la façon dont il interagit avec C'est la base de l'art, selon moi. Je pense également que créer ses propres compositions est tout simplement plus motivant et épanouissant, en fin de compte Vous savez, nous avons déjà des photographes et des cinéastes pour capturer les belles choses qui existent déjà Nous n'avons donc pas à les suivre en tant qu'artistes et à essayer de rendre les choses de plus en plus réalistes. Ce n'est pas une bataille que nous allons gagner. Je veux dire, c'est bien de simplement recréer une scène que vous aimez avec un tableau Je n'ai rien contre cela, et en fait, je le fais la plupart du temps en tant qu'artiste, mais je crois qu'en tant qu' artistes, nous pouvons faire bien plus si nous le voulons. Et c'est ce qu'il y a de mieux dans tout ça. Je voulais donc vous donner une stratégie qui vous permette de le faire dès le début. N'hésitez pas à créer vos propres nouvelles scènes. C'est comme ça que tu le fais. Bien, avant que vous ne laissiez cette leçon trop confuse, laissez-moi vous montrer quelques exercices pratiques qui vous permettront d'améliorer votre composition, que vous pourrez facilement pratiquer à composition, que vous pourrez tout moment après ce cours Parce que même si vous pouvez appliquer ce processus que nous avons mis désormais appliquer ce processus que nous avons mis en œuvre ici à toutes vos œuvres d'art, c'est quand même beaucoup. Vous n'allez probablement pas créer une œuvre d'art comme celle-ci tous les jours. Du moins, je ne le sais pas. Je veux dire, j'aimerais bien, mais j'ai d'autres choses à faire aussi. Donc, afin que vous puissiez assimiler ce processus et ces principes, j'ai pensé que ce serait une bonne idée vous donner ces exercices car ils ne prennent qu'une fraction du temps qu'il a fallu pour créer cette œuvre d'art OK. Premièrement, vous pouvez pratiquer la composition à travers des sujets simples et de l'art abstrait. Faites exactement ce que nous avons fait ici, mais peut-être avec moins de détails ou des sujets encore plus simples. Le processus est toujours le même, et il faut quand même réfléchir à tous ces principes. Vous avez une idée, trouvez une référence, faites une esquisse de composition, puis une esquisse de dessin, et vous faites tout cela. Cela peut être très rapide si vous omettez simplement tous les détails complexes, mais il peut toujours s'agir d'une véritable œuvre d'art. Parce que voilà le truc. Si vous appliquez une bonne théorie des couleurs et que vous développez une composition impressionnante, elle aura toujours un aspect incroyable. ces choses sont bien plus mon avis, ces choses sont bien plus importantes que les détails. Je veux dire, pensez à un gog, à Monet, à Picasso. Ils ne peignaient pas beaucoup de détails, mais ils comprenaient vraiment la composition et ils avaient de bonnes idées, je suppose. Considérez donc comme un exercice important de simplement créer des compositions avec différents niveaux de densité, avec des combinaisons de couleurs, avec des espaces vides, de faire ce que nous avons fait ici, mais avec des sujets simplifiés ou complètement abstraits, si vous voulez simplement vous entraîner à la composition et rien d'autre C'est également une option. Ensuite, si vous vous sentez prêt, vous pouvez combiner votre pratique de la composition avec des sujets plus détaillés, comme nous l'avons fait dans ce cours, et c' est là que votre art devient vraiment incroyable Mais n'oubliez pas que vous pouvez pratiquer la composition seul en simplifiant les choses. Cela va même améliorer votre capacité à trouver des références. Si vous connaissez la composition et vous comprenez certains principes de base, vous les trouverez dans d'autres œuvres d'art, dans des photos ou même dans la vie réelle. Cela m'arrive tout le temps. C'est donc une bonne idée. Ou si c'est encore trop pour vous puissiez le faire régulièrement, vous pouvez faire l'exercice numéro deux, qui consiste simplement à faire des croquis de composition. Si vous ne le souhaitez pas, vous n'êtes pas obligé de créer une œuvre d'art tout le temps. Cela peut être une bonne pratique de simplement penser aux compositions et de prendre l'habitude de les planifier. La bonne chose est que vous pouvez également créer l' illustration correspondante plus tard. Les compositions ne disparaissent pas, il suffit de les créer, capturer vos idées comme ça et de créer vos propres nouvelles scènes comme celle-ci. C'est un exercice génial. Ensuite, troisièmement, examinez compositions que d'autres ont réalisées et évaluez-les, idéalement en fonction des principes artistiques que vous connaissez. Si vous aimez une œuvre d'art, demandez-vous : qu'est-ce que j' aime dans cette œuvre ? Et qu'est-ce que les artistes font bien ici ? Et en faisant cela, essayez d'aller au-delà du sujet. J'aime bien cette œuvre d'art parce que le chat est mignon. Bien sûr, ça l'est. Mais y a-t-il autre chose qui rend le chat particulièrement beau ? Y a-t-il un espace vide derrière ? Le contraste est-il élevé ? Y a-t-il des couleurs ou des formes intéressantes ? Si vous connaissez un peu la théorie des couleurs, regardez si vous pouvez trouver une palette de couleurs. Si vous connaissez la théorie des contrastes, vous trouverez souvent de nombreux contrastes. Et si vous connaissez les règles de composition, vous trouverez souvent des espaces vides et des courbes bien positionnés. Par exemple, vous verrez que ces principes sont omniprésents. En les remarquant consciemment, vous comprendrez progressivement de mieux en mieux ce qui fait une bonne Et cela vous donnera confiance en votre propre art, ce qui rendra l'ensemble du processus plus amusant. D'ailleurs, vous pouvez également le faire avec une bonne photo. Regardez une photo que vous aimez et demandez-vous ce qui la rend géniale. n'y a aucune différence entre une photo et un tableau dans ce qui fait une bonne composition. Les mêmes principes s'appliquent. Cherchez-les donc et vous les trouverez, et vous comprendrez progressivement comment utiliser ces principes dans votre propre art. Et l'exercice numéro quatre. Si tout cela ne fonctionne pas pour vous, vous devez probablement en apprendre davantage sur la théorie de l'art et du design. Cela peut vous aider beaucoup à mieux comprendre sur quoi vous travaillez. Il existe de nombreuses ressources que vous pouvez utiliser, et de nombreux secrets que vous ne saviez même pas pouvoir apprendre. Par exemple, dans mes cours, si je suis autorisé à le dire. Mais le but de la théorie de l'art et du design est justement de vous permettre de créer vos propres nouvelles scènes et de vous assurer qu'elles sont belles. Si vous dessinez ou peignez simplement à partir de références, vous n'avez rien à comprendre à la théorie des couleurs ou à la théorie des formes. Vous recréez simplement ce qui existe déjà et vous n'avez pas à trop réfléchir Mais si vous vous familiarisez de plus en plus avec les principes de l'art et du design, cela vous permettra de faire preuve de plus de créativité et de créer vos propres œuvres, car vous aurez de nombreuses options pour les appliquer. C'est une idée fausse très répandue, en fait. La théorie de l'art et du design n'est pas contraignante mais libératrice. C'est vrai à 100 %. Il ne s'agit pas de faire en sorte que tous vos tableaux répondent à un ensemble de règles précis. Mais en connaissant ces règles, vous vous rendrez compte de l' énorme quantité d' opportunités de les appliquer ou de les combiner. Et cela vous permet de créer ce que vous voulez d'une manière logique. C'est le but. Recréer une photo à chaque fois que vous faites de l'art est ennuyeux. Utilisez des références, mais faites-en vos propres affaires, au moins de temps en temps. Merci Alors, mesdames et messieurs, c'est tout pour cette leçon. J'espère que cela a été au moins un peu utile, très théorique, mais je crois vraiment qu'il est important de le savoir. 17. Progresser en tant qu'artiste artist: Enfin, je voudrais vous donner quelques conseils pour votre voyage artistique. Nous sommes déjà là, donc je vais juste le faire. Écoutez attentivement et prenez peut-être quelques notes pendant que vous me regardez peindre cette œuvre d'art. Je souhaite partager avec vous mon cadre général pour progresser en tant qu'artiste. C'est très simple, mais cela a beaucoup de sens, du moins pour moi. Je veux dire, je suis très loin de pouvoir faire tout ce que je veux en tant qu'artiste. Il me reste encore tant de choses à apprendre. Mais ce cadre m'a aidé à garder une idée claire de ma situation et de ce qui se passe. Je vais donc simplement le partager avec vous en espérant que cela vous aidera à comprendre quelque chose. Donc, en gros, il y a quatre étapes principales que vous traversez lorsque vous apprenez l'art. Vous pouvez passer de l'un à l' autre, mais en général, cela se passe toujours comme ça. Le premier est d'apprendre et comprendre le médium avec lequel vous travaillez. Si vous vous lancez dans l'aquarelle, vous devez d'abord apprendre à mélanger les couleurs, à utiliser un pinceau et à vous assurer que tout sèche correctement. Si vous vous lancez dans l'art numérique, vous devez d'abord apprendre le logiciel, comment créer et enregistrer des documents, comment utiliser les couches, ce que signifient tous ces outils et raccourcis, etc. Parce que c'est la base. Si vous ne savez pas comment utiliser votre média, vous allez commettre de nombreuses erreurs, être très inefficace et vous embrouiller Ou tu n'es même pas capable de faire de l'art. Vous savez, si vous ne savez pas comment gérer les documents et l'art numérique, ou si vous oubliez que la peinture à l'huile doit sécher avant de toucher le tableau, vous devez toujours comprendre quelques notions de base sur le sujet sur lequel vous travaillez vous devez toujours comprendre quelques notions de base sur le sujet sur lequel vous travaillez avant de commencer à créer de l'art, car sinon, il sera difficile de passer à l'étape numéro deux, qui consiste à apprendre différemment méthodes de création. Cela devrait presque toujours être la deuxième étape. Par exemple, vous apprendrez ce qu' est le hachage, comment utiliser outils de forme et les sélections comment intégrer les aquarelles les unes dans les autres, ou même comment utiliser un pinceau spécifique dans Toutes ces options intégrées à votre support qui vous permettent de créer de l'art de différentes manières, selon différentes méthodes de création. La raison pour laquelle vous devriez vous familiariser avec ceux-ci juste après avoir appris à utiliser le médium est qu'ils définissent à peu près votre style artistique. Quelle est votre méthode de création préférée ? Combien en utilisez-vous et à quelle fréquence passez-vous de l'un à l'autre ? Pour moi, il s'agit principalement de ces pinceaux à empâtement et à l'huile, nombreux coups de pinceau de différentes couleurs et souvent de ces pièces de peinture épaisses Cela fonctionne très bien pour moi maintenant, mais uniquement parce que j'ai pris le temps de comprendre et de pratiquer cette méthode de création. Avant cela, je faisais souvent de l'art en bloquant les couleurs, puis en utilisant un pinceau pour créer une texture fine et détaillée sur le dessus. C'est également une autre chose. Il existe une infinité de méthodes de création, et vous ne pourrez jamais toutes les apprendre si vous travaillez avec un médium complexe tel que l'art numérique. Peut-être pouvez-vous découvrir les méthodes de création du dessin au fusain plus rapidement, mais on ne sait jamais. Les gens découvrent toujours quelque chose de nouveau. Le fait est juste que vous devriez toujours regarder un peu autour de vous pour trouver ces méthodes de création. trouver au moins un qui vous convient et très important d'en trouver au moins un qui vous convient et qui vous permette de réaliser votre art. Si vous pensez que tout art numérique consiste à remplir des lignes colorées pour créer des illustrations de manga, et que vous ne voulez donc pas vous lancer dedans, vous vous trompez et vous manquez beaucoup de temps. Et si vous pensez que tous les peintres à l'huile utilisent pinceau fins et précis pour réaliser des peintures réalistes, vous vous trompez également Il existe différentes méthodes de création sur pratiquement tous les supports. Il vous sera difficile de dessiner autre chose que de simple si vous ne savez pas que vous pouvez incliner un crayon et l'utiliser pour mélanger Quel que soit le support que vous apprenez, découvrez les différentes méthodes de création dès que possible. C'est votre base pour pouvoir décider où vous voulez aller. Très bien, puis étape numéro trois. C'est celui auquel je passe le plus de temps, je pense, parce qu'il s'agit d'acquérir des compétences artistiques spécifiques. C'est là qu'entrent en jeu tous les éléments avancés qui améliorent la perspective de vos œuvres, théorie des couleurs, la compréhension de la lumière et de l'ombre, ou encore des éléments tels que l'anatomie des humains ou la structure des arbres, etc., tous ces sujets spécifiques que vous pouvez approfondir si vous en avez besoin. La plupart d'entre elles ne sont pas très essentielles car il existe toujours un style artistique qui ignore complètement l'une de ces compétences Par exemple, dans la peinture de paysage, il n'est pas nécessaire de comprendre l'anatomie des chiens, ou dans le cas de l'encrage, il n'est pas nécessaire comprendre comment les couleurs réagissent à la lumière Donc, en général, vous pouvez choisir les compétences que vous souhaitez acquérir et l'ordre dans lequel vous souhaitez les acquérir. Il n'existe pas de feuille de route précise pour cela. Cela dépend simplement de votre style artistique. Il existe une infinité de compétences spécifiques, mais il existe également des compétences de base, et je pense que vous devriez généralement d'abord acquérir les compétences de base. Les compétences de base sont celles dont vous avez le plus souvent besoin , comme la compréhension des couleurs et des formes. L'anatomie humaine est également très utile et je devrais certainement rattraper mon retard et prendre du recul. Ce sont des choses dans lesquelles je vous recommande vraiment de vous plonger pendant un certain temps. Les compétences supplémentaires sont alors plus spécifiques, comme dessiner et peindre des chats, si vous les aimez vraiment, comprendre comment exagérer la lumière dans les couleurs, si vous aimez vraiment l' impressionnisme, Le troisième est, par exemple, également ce que je vous ai enseigné dans la dernière leçon : comprendre et pratiquer, créer vos propres compositions. C'est une compétence artistique spécifique qui a vraiment un impact, et je pense également que c'est l'une des rares compétences dont vous avez besoin à peu près partout dans presque tous les styles artistiques L'avantage de ces compétences artistiques spécifiques est que bon nombre d'entre elles sont indépendantes du médium. Vous allez donc les conserver même si vous changez de support. Si vous connaissez l'anatomie des chiens et des chats et que vous apprenez à les peindre, vous ne partirez pas de zéro si vous passez de l'aquarelle à la peinture à l'huile ou autre, ou de l'art traditionnel à l'art numérique Vous pouvez donc emporter la plupart de ces compétences artistiques spécifiques avec vous, où que vous alliez. Certaines compétences artistiques, cependant, sont spécifiques au médium, c'est pourquoi je les ai abordées à la troisième étape. Vous ne pouvez mettre en pratique aucune de ces compétences artistiques si vous n' avez pas de méthode de création. C'est une étape où vous allez passer beaucoup de temps, car il y a tellement de compétences que vous pourriez acquérir. Et si tu arrêtes de faire ça, l'art deviendra ennuyeux à un moment donné, du moins pour moi. Vous savez, de temps en temps, je un nouveau sujet qui penche sur un nouveau sujet qui m' intéresse et qui pourrait améliorer mon art Même si je connais mon médium et que j'ai mes méthodes de création pour le moment, je vais m'y tenir pendant un certain temps, mais il y a toujours des compétences artistiques plus spécifiques que j'aime ajouter à cela. C'est donc l'étape numéro trois. Et il ne vous restera plus qu' à analyser et améliorer votre propre travail. Quatrième étape, la phase d' autoréflexion, comme ils l'appellent. Vous savez, à un moment donné, vous pourriez être complètement satisfait de la façon dont vous créez votre art, et aucune compétence spécifique ne l'aiderait plus vraiment. Il ne vous reste plus qu'à regarder votre propre art. Réalise-t-il les bonnes choses ? Ça fait du bien de le faire ? Cela pourrait-il évoquer autre chose ? C'est là que vous pensez à l'art lui-même. Tous ces artistes légendaires dont vous connaissez, à un moment donné, la plupart d'entre eux ne se souciaient plus des compétences artistiques, mais ils ont simplement pensé à leur propre art et à la manière dont ils pourraient l'améliorer. C'est, par définition, quelque chose qui ne peut pas être enseigné parce que c'est trop individuel. Mais avant de pouvoir le faire, bien sûr, vous devez d'abord avoir quelques compétences artistiques de base, et vous devez réellement créer de l'art avec votre médium et les différentes méthodes de création. Vous devez d'abord créer quelque chose avant de pouvoir y réfléchir, et il n'est pas encore nécessaire d' être obsédé par le but de votre art si vous n'avez aucune compétence ou aucun moyen de vous exprimer Il s'agit donc toujours de la dernière étape, quelque chose que la plupart d'entre nous abordons de temps à autre, mais ce n'est pas notre principale préoccupation en tant qu'artistes en apprentissage. Bien, voici le but de tout ça. Si vous vous lancez dans quelque chose de nouveau, soyez toujours au courant de ce cadre. Si votre art est nul après passage du traditionnel au numérique, ce n'est pas nécessairement parce que vous êtes un mauvais artiste ou que vous n'avez pas de compétences artistiques spécifiques, mais peut-être que vous n'avez tout simplement pas complètement terminé les étapes 1 et 2, que vous ne comprenez pas le médium ou que vous n'avez pas découvert de méthode de création qui vous convient C'est souvent le cas, alors ne l'oubliez pas. Ne vous découragez pas si vos compétences font défaut ou si votre art semble dénué Si vous êtes bloqué dans votre parcours artistique, explorez peut-être une autre méthode de création. Essayez le dessin ou le pinceau à l' aquarelle, ou créez simplement une œuvre d'art avec tous les outils de forme ou toutes les sélections Cela peut être une façon très amusante de créer une ambiance. Ou si vous êtes totalement bloqué, essayez un nouveau média ou passez d'un support à l'autre. Il n'est pas nécessaire que ce soit entièrement numérique ou entièrement au fusain ou quoi que ce soit d'autre. Mais oui, je pense que l'art numérique est définitivement un médium qui offre de nombreuses opportunités. Vous pouvez essayer de nombreuses méthodes de création assez instantanément. Et par conséquent, vous pourrez passer à la pratique des compétences très bientôt. C'est quelque chose d'unique dans l'art numérique, et je l'apprécie vraiment. J'espère donc que tu vas continuer. J'espère que vous pourrez appliquer bon nombre des enseignements de ce cours, et je vous souhaite bonne chance dans votre parcours artistique. Ce sera individuel pour chacun d'entre nous. À quel stade nous passons le plus de temps, auquel nous restons peut-être bloqués. Soyez donc conscient de ces étapes. Cela peut vous éviter de vous décourager complètement par l'art. Ce serait vraiment nul parce que c'est très utile que nous le fassions Gardez toujours la tête haute, il est difficile de faire quelque chose de nouveau, vous allez vous en sortir. Et dans l'art numérique, en particulier, vous avez tellement d'options que vous trouverez toujours un moyen de vous exprimer. J'en suis très sûr. OK, je pense que c'est ça. À ce stade, je ne fais que divaguer. Vous avez obtenu votre œuvre d'art, vous avez reçu vos petits conseils, donc je vais conclure. 18. Outro: Mesdames et messieurs, merci beaucoup pour votre participation et félicitations pour avoir terminé le cours. J'espère que cela vous a plu. Je suis très reconnaissante d'avoir eu l'opportunité de partager avec vous ma passion pour la réalisation de peintures numériques uniques. Et j'espère que vous aurez envie d'en faire beaucoup, beaucoup d'autres parce que c'est ce dont nous avons besoin, les gars. Plus d'authenticité, d'art plus beau, plus de création. C'était un moment amusant, non ? Vous vous êtes amélioré en art numérique. Je prononce mieux le mot jacinthes. Je pense que ça en valait la peine. heure actuelle, vous devriez avoir votre fichier image terminé, et vous pouvez l'utiliser pour de nombreuses choses, qu'il s'agisse d'un fond d'écran, d'une impression, d'une carte postale ou simplement pour votre plaisir personnel. C'est aussi une chose, non ? N'oubliez pas de regarder vos peintures de temps en temps et d'être fière d'avoir fait ressembler tous ces coups de pinceau à quelque chose Peu de personnes peuvent le faire. Ainsi, même si vous n'êtes pas satisfait à 100 % de votre œuvre d'art, la tentative à elle seule est une énorme victoire. Souvenez-vous toujours de cela. N'ayez pas peur de télécharger et partager votre projet ici sur ce site Web. Je suis très heureuse de voir comment cela a fonctionné pour vous, et j'aime toujours vous donner des conseils personnalisés sur votre projet, vous dire ce qui est bon et peut-être ce que vous pourriez améliorer également. Alors fais-le maintenant, et ce serait génial si tu pouvais me donner un bref aperçu et me dire si tu aimes ce cours ou non. C'est très utile pour moi de savoir ce que je pourrais améliorer, qu'il s'agisse du style d'enseignement, du projet ou de la qualité vidéo. S'il vous plaît, dites-moi votre opinion honnête et merci d'avance. D'accord. Enfin, n' oubliez pas que je donne également d'autres cours. Alors consultez mon profil et voyez s'il y a un sujet qui vous intéresse. Peut-être que je trouve que l'un d' entre eux est vraiment bon. Alors oui, passez une bonne journée et continuez à créer.