Créer à petite échelle : des mini chefs-d'œuvre à l'impact majeur

1. Introduction: Salut. Je suis Jen Dixon et bienvenue à Creating Small : Mini Chefs-d'œuvre avec Big Impact. J' ai ce cours en tête depuis plus d'un an, et je suis tellement excité de le partager avec vous maintenant. J' ai fait ce cours pour tout le monde, débutant ou artiste expérimenté. Nous allons construire sur les principes de plusieurs de mes autres cours, mais vous pouvez aussi plonger directement même si c'est votre premier cours avec moi. Travailler petit est une façon fantastique de penser à des idées qui autrement, semblent difficiles et peuvent être un excellent moyen de sortir d'une ornière créative. Vous pouvez créer beaucoup d'art avec un minimum de fournitures et un budget serré ou même utiliser un mini chef-d'œuvre pour planifier une œuvre beaucoup plus grande destinée à la toile. Ils ne prennent généralement pas beaucoup de temps à faire, sont faciles à ranger et peuvent être très amusants à échanger avec d'autres artistes ou à donner à des amis. Dans ce cours, je vous guiderai à travers des exercices spécifiques sur les techniques de pinceau, réflexion sur les compositions, la compatibilité des matériaux mixtes, conseils de couleur, la préservation de votre art, et plus encore. Ce que vous apprendrez dans cette classe vous donnera les compétences et la confiance nécessaires pour peindre de petites, grandes et n'importe où entre les deux. Que votre sujet préféré soit figuratif ou abstrait, vous allez faire couler vos jus créatifs et tomber amoureux de la réalisation de mini-chefs-d'œuvre. J' ai hâte de voir vos projets. Nous avons beaucoup à couvrir, alors nous allons directement dans la liste des matériaux, et commençons. 2. Matériel recommandé: Vous n'avez pas besoin d'avoir beaucoup de fournitures d'art coûteuses pour commencer vos mini chefs-d'œuvre. Je vais utiliser une variété de papier lourd comme Strathmore Bristol Artist Trading Cards en finition vélin pour ma démonstration, mais tant que vous avez du papier lourd ou des cartes coupées à 2,5 x 3,5 pouces, vous avez ce dont vous avez besoin. Vous pouvez également utiliser du papier aquarelle pressé à chaud. Si vous utilisez du papier aquarelle pressé à froid, vous pouvez trouver la texture trop distrayant visuellement à petite échelle, mais donnez-lui un coup d'œil si c'est ce que vous avez sous la main. En ce qui concerne la fabrication de marques, je recommande des stylos, des crayons, du charbon de bois, des pastels doux, aquarelles, de la gouache et des acryliques essentiellement quels que soient les fournitures sèches et à base d'eau que vous avez sous la main. Vous découvrirez instinctivement ce que vous trouvez le plus polyvalent et agréable au fur et à mesure que vous créez. Vous pouvez bien sûr utiliser d'autres matériaux tels que les huiles et les pastels à l'huile, mais nous allons nous concentrer sur l'eau et le sec dans cette classe. D' autres choses dont vous aurez besoin sont du ruban adhésif de masquage, une cartouche lourde de base ou du papier à croquis pour les exercices, une variété de pinceaux de grandes et petites et idéalement pulvériser vernis ou fixateur pour préserver votre art. À la fin de ce cours, je parlerai brièvement des façons de présenter et d'encadrer vos mini chefs-d'œuvre. J' ai inclus une liste de matériaux dans les téléchargeables. Maintenant, allez chercher des provisions et commençons. 3. Exercice : Échauffement et contrôle: J' ai couvert les techniques de pinceau dans quelques-uns de mes autres cours, mais dans cette vidéo, nous allons créer une poignée de marques très spécifiques en trois tailles pour vous faire prendre un bon départ. Pratiquez-les et vous serez prêt pour presque n'importe quoi. Préparez une couleur préférée dans une teinte assez profonde. Mélangez beaucoup, vous pouvez toujours utiliser les restes pour plus de perceuses la prochaine fois que vous peignez. J' ai mélangé deux couleurs que j'aime par les Nuits Blanches de Saint-Pétersbourg, indigo et turquoise. J' aime les peintures de la Nuit Blanche parce qu'elles offrent casseroles d'agrandissement de bonne qualité à un prix raisonnable. J' utiliserai un pinceau rond par proart en taille 8. En utilisant du papier cartouche lourd ou une page dans votre carnet de croquis, nous commencerons par notre travail de patch pratique en utilisant des marques de hachures courtes. Votre premier bloc sera mince, le second un peu plus gros, puis beaucoup plus lourd pour le troisième patch. Commençons. Essayez de rester assez uniforme avec la quantité d'espace blanc entre vos marques et aussi la longueur et la taille de vos marques elles-mêmes. Être désordonné est facile, mais le contrôle de l'apprentissage prend de la pratique. Je peux dire que je ne me suis pas encore réchauffé parce que mes marques sont un peu erratiques, mais ça a l'air assez bien. Donc, tout était sur une seule charge de pinceau de peinture. Donc, maintenant, nous allons aller pour la marque de taille moyenne. Donc un peu différent pression, mais aussi essayer de rester cohérent dans la taille et l'espacement. Enfin, les marques les plus grosses. Donc, ce que vous faites en faisant des exercices comme celui-ci, c'est apprendre le contrôle et être capable de créer des repères reproductibles quand ils sont nécessaires. n'y a pas de raccourci pour ce genre de renforcement des compétences. Super. Nous avons donc de petites , moyennes et grandes trappes. Ensuite, nous allons travailler sur nos verticales. Encore une fois, je repose ma main sur mon papier pendant que je vais, et je tire vers moi, ce qui est beaucoup plus facile que de repousser. Donc encore une fois, soyez conscient de l'espace blanc entre vos marques, et essayez de rester gentil et droit. temps pour la marque moyenne, donc un peu plus gros. Donc, je viens de presser mon pinceau un peu plus. Donc, c'est plus que la pointe, fournissant le marquage maintenant. Joli et même. Il y a quelque chose de presque méditatif à faire ce genre d'exercices. Maintenant, enfin, je vais pousser un peu plus fort avec ma brosse. Donc, je vais obtenir plus d'encre du ventre des poils. J' ai dit de l'encre, mais on travaille avec de l'aquarelle. C'est bon. On y va, de belles marques de graisse cohérentes. Ensuite, horizontales. Encore une fois, en commençant par le mince. Je trouve toujours les horizontales plus difficiles que les verticales. On y va, c'est plutôt bon. Passons à nos notes moyennes, j'ai semblé les avoir portées assez loin. Donc, mes notes moyennes pourraient être un peu plus courtes. Je ne peux pas insister assez sur l'importance qu'il est juste d' apprendre le contrôle en utilisant des exercices comme celui-ci. Enfin, je vais essayer. J' ai un peu plus de brosse sèche de cette façon , je vais vraiment appuyer sur le ventre des poils. Là, nous y allons, besoin de plus de peinture. Donc c'est notre première fiche d'entraînement. Donc, nous avons fait une trappes, verticales et horizontales. Ensuite, nous allons faire un peu de travail de forme. Donc pour cette partie, nous utilisons juste une autre feuille de cartouche lourde et nous allons faire des haricots, Vs, et des légumineuses. Donc, les haricots sont vraiment juste de petits ovales et vous pouvez varier la direction d'eux juste pour faire le mélange les uns avec les autres. Mais encore une fois, nous allons commencer par des lignes minces, et essayer de contrôler toute la forme avec une ligne mince ayant une belle fermée. Haricot. Parfois, mon pinceau attrape juste un peu la dent du papier, et je dois soulever et finir d'une manière légèrement différente. On y va. Mais c'est bon si tu fais ça. J' adorerais si vous pouviez vous entraîner à obtenir une ligne continue. Alors, commencez à finir en un seul coup. Mais parfois, les choses ne se passent pas comme nous le voulons. Donc, vous devrez peut-être finir autrement, et c'est bon. Fais de ton mieux. Donc, il y a un tas de haricots. Maintenant, on va faire des haricots moyens. Donc, un peu plus sur la brosse, un peu plus de pression. J' aime vraiment cette couleur de bleu que j'ai mélangée. Encore une fois, ce sont les couleurs indigo et turquoise des Nuits Blanches de Saint-Pétersbourg. Donc, belles formes reproductibles. On y va, quelques médiums. Maintenant, nous allons essayer les grands. Donc, essayer de les garder une taille similaire est difficile si vous voulez laisser un peu blanc au milieu, mais faites de votre mieux. Alors, jolis haricots épais. Super. Maintenant, on passe à Vs. Donc, encore une fois, de belles marques minces. Donc, on tire vers le bas et on pousse vers le haut comme une seule marque. Maintenant, ceux-ci sont un peu plus proches d'être comme les trappes et que vous pouvez avoir des rangées assez uniformes. Il est beaucoup plus facile de créer un carré assez uniforme. On y va. Donc, voilà notre mince. Encore une fois, c'est une brosse de taille huit que j'utilise. C' est un soies synthétique. C' est un peu plus épais pour nos médiums. Mets plus là-bas. J' ai une mangeoire à oiseaux devant ma fenêtre. Vous pouvez entendre ou non des oiseaux sur l'enregistrement. Ils sont si mignons. On y va. Enfin, un joli Vs. Être capable de changer de direction avec la même pression est une compétence importante dans la manipulation des pinceaux, alors pratiquez-vous. On y va. Enfin, les impulsions. Donc, le pouls est là où vous avez une certaine pression. Donc, je vais aller dur à doux. Ils sont vraiment délicats. Donc, alors, doux à dur, dur à doux. Je suis juste en alternant le mien. Vraiment, vraiment bonne compétence. Donc, en fait, je soulève physiquement ma brosse quand je deviens plus mince. Je presse plus fort pour faire les morceaux plus gros. Je peux aussi essayer un pouls de cette façon. Donc, pouls, soulevez, pouls, soulevez, pouls. Un peu différent genre de marque. Quoi que vous décidiez de pratiquer sera bénéfique. On y va. Ce sont un peu plus difficiles à faire les différentes tailles, mais nous allons lui donner un tourbillon. Alors, on y va. J' ai ajouté beaucoup de peinture, et c'est beaucoup trop de peinture là-dessus, mais c'est bon. Un peu plus gros que mes petits coups. Je ne pourrai probablement pas obtenir beaucoup plus large avec cette brosse particulière parce qu'il y a une limite à la largeur de la brosse, en général. Si je passais à une taille plus grande comme 12, ou quelque chose comme ça, vous verriez un grand changement dans les grandes marques. Mais je vais juste expérimenter et voir ce que je peux faire. Alors, peut-être essaye-le. Ce n'est pas si bon. Expérimenter est bien, car sinon, comment savez-vous ce que vous pouvez faire ? C' est une marque intéressante. Je suis sûr que ça pourrait être utile pour quelque chose. Maintenant, si je tourne la main, comment puis-je obtenir ? C' est intéressant. Mais fondamentalement, je suis limité à la largeur de ce pinceau. Donc, petit ou moyen pour ma taille huit. Si je voulais faire un pouls plus grand, je devais monter en taille dans mon pinceau. Mais fondamentalement, ce sont vos coups de pratique. Donc, vous avez fait des écoutilles, verticales et horizontales, des haricots, Vs et des impulsions. Donc, pratiquez-les comme un échauffement, et puis, je vous verrai dans la vidéo suivante. 4. Exercice : Marquage intentionnel: Maintenant que vous vous êtes réchauffé avec une certaine pratique de marque de pinceau, allons aller plus loin en faisant des marques avec des intentions plus précises. Nous examinerons les termes suivants et explorerons comment les transmettre en marques. Que vous travailliez petit ou grand, la fabrication de marques attentive ajoutera à l'intérêt visuel de votre art. Sur du papier lourd, des cartouches ou des carnets de croquis, nous utiliserons nos restes de peinture d'exercice et explorerons ces termes. Lorsque nous regardons le flux, nous pensons à la façon dont les choses circulent sur la page, juste un sentiment général. Donc, couler si vous pouvez imaginer presque dans un sens avec de l'eau, donc l'aquarelle est parfaite pour cela évidemment, mais, comment est-ce que quelque chose coule juste ? Donc, je veux que vous preniez ce terme à l'esprit et que vous pensiez aux différentes façons qui peuvent être réalisées. Donc, évidemment, de grandes zones de peinture en commun peuvent aider à décrire l'écoulement. Mais, que se passe-t-il si vous voulez utiliser des marques plus petites pour penser à l'écoulement ? Et si on faisait des petites marques ? Certains d'entre eux sont joints, certains d'entre eux apparaissent sur la frange, sur le côté extérieur de la majeure partie de cette marque, mais il y a encore un flux vers cela. Ainsi, le flux peut être décrit de plusieurs manières différentes. Le flux peut être avec la ligne, donc si vous voulez penser à juste des marques douces. Donc, c'est un exemple de la façon dont vous pouvez explorer le flux. Donc, parlons de déséquilibre, qui peut aussi être des nombres impairs. Donc, déséquilibre. Maintenant, beaucoup de principes de conception dépendent de nombres impairs et aussi vous avez des choses comme la séquence de fibonacci et il y a toutes sortes de choses mathématiques numériques impliquées dans le design et l'art. Donc, un moyen facile de se souvenir de cela, est de penser à trois et cinq. Donc, si vous deviez créer quelque chose avec disons trois points, cela fournit un certain déséquilibre. Si vous deviez créer trois repères en taille décroissante, cela crée également un déséquilibre. Penser aux formes. Rappelez-vous que nous faisions des haricots dans nos exercices. Si nous les titrons un peu comme des pierres empilées, encore un déséquilibre. Vous remarquez que tout ce que je fais jusqu'à présent est en trois, et vous n'avez pas à vous en tenir, mais si vous pensez aux règles des tiers quand vous faites de la composition et des choses comme ça, déséquilibre est vraiment facile à réaliser même si tout ce dont vous vous souvenez est des nombres impairs. Donc, nous avons regardé cet exemple avec la taille descendante et il y a aussi un déséquilibre. Donc, quelque chose à propos de chacun est juste ça, un petit peu gênant. Donc, presque un peu comme si quelque chose pouvait facilement tourner mal ou quelque chose était juste vacillant sur le bord de l'effondrement. Donc, déséquilibre. Regardons ensuite l'espace blanc et l' espace négatif. Ainsi, l'espace blanc est aussi un terme que vous entendrez en relation avec le design. Donc, si vous pensez à la mise en page d'un magazine ou d'un journal, l'espace blanc est la zone entre les zones de contenu. Aussi avec la peinture et le dessin, l'espace blanc est la zone entre vos formes et vos formes. Donc, je crée juste des zones d'espace blanc entre mes formes, et cela aide à donner un certain intérêt visuel à ce qui se passe. Ainsi, l'espace blanc entre les deux, ainsi que dans les formes. Un espace négatif est aussi essentiellement l'espace blanc entre les choses, mais souvent, l'espace négatif peut être utilisé pour obtenir des formes plus détaillées. Comme ici, je viens de faire une chaise abstraite, j'aurais dû laisser une autre jambe là-dedans, mais ce serait l'espace négatif. Donc, j'ai essentiellement peint tout le fond et laissé de côté la forme sur laquelle je veux que vous vous concanciez. Alors, maintenant regardons le rythme. Une façon facile de penser au rythme est si vous y pensez en termes de musique ou de son. Donc, un moyen facile de syntoniser à ce que le rythme peut ressembler visuellement est d'écouter quelque chose. Alors, à quoi ressemblerait peut-être le bruit de la pluie si vous aviez besoin de le dessiner ? Vous pourriez avoir des zones de marques clairsemées, clairsemées largement espacées et peut-être que si la pluie s'assouplit, peut-être qu'elles deviendront plus petites, plus éloignées. Donc, quelque chose à ce sujet est, est presque visuellement audible si cela a du sens. Peut-être qu'une chanson préférée de la vôtre a guitares croquantes au début et ensuite peut-être se ramollit en quelque chose avant d'avoir une autre explosion d'énergie. Donc, vous avez un rythme visuel là-bas. Le rythme est difficile à décrire. Mais quand vous le voyez, vous pouvez le reconnaître. Maintenant, ces formes bouclées sont presque une sorte de calligraphie. Quelqu' un qui fait très bien ce genre de marque est l'artiste Cy Twombly, beaucoup de rythme visuel dans son travail, donc, il est très bon à regarder. Parlons ensuite de la direction, que nous allons également inclure le voyage et le voyage. Donc, tous à peu près le même genre de terme, mais quand nous le faisons, nous avons une idée que nous pourrions aller quelque part. Donc, cette marque a commencé ici et peut-être va au loin. Donc, nous avons donné à l'œil quelque chose sur lequel se concentrer et quelque chose de couler au loin. Si je fais ça, c'est essentiellement un voyage horizontal, donc, on va juste aller et venir. Donc, une ligne d'horizon à moins que vous ne donniez quelque chose pour le pointer, vous prendriez juste dans la vue tout à la fois. Donc, regardez-le juste à la valeur faciale. Cependant, si vous aviez quelque chose comme faire semblant que c'est une route qui va au loin, tout d'un coup maintenant nous avons un peu de voyage. Donc, nous avons une direction dans laquelle je vous guide. Donc, je dis de commencer ici et de partir au loin, et vous pouvez prendre de côté à côté horizontal aussi, mais en fait, je vous ordonne d'aller quelque part. Je vais juste utiliser ce blob que je viens de mettre en place, vous pouvez le faire de manière plus abstraite. Donc, si j'ai une forme comme ça parce que j'ai presque une marque de style labyrinthe. Vous suivez les bobines, vous suivez ce voyage de la marque. Vous pouvez également avoir des regroupements de marques qui vous aident à vous conduire quelque part. Donc, voyage, direction, et voyage. Ensuite, parlons de convergence. La convergence est fondamentalement juste de se réunir, donc les choses se rassemblent. Ainsi, la convergence peut être des éléments qui vous amènent à une place centrale. De même que ce que nous avons fait avec la direction, bobine qui ressemblait presque à des pétales. Donc, nous avons rassemblé des formes bien enroulées ici, donc nous convergeons là-dessus. Vous pouvez le rendre plus distinct en ajoutant plus de formes. Donc, quand même nous avons notre convergence focale ici, il y a une convergence secondaire qui se passe ici juste par inadvertance à cause de la façon dont les choses s'imbriquent ensemble. Maintenant, vous remarquez quand je fais ce genre de marques tenant mon pinceau de différentes manières, chargeant avec de la peinture, juste en faisant quelques petites marques. Mais ici, nous avons une autre convergence, nous allons de lignes étranges à un gâchis vraiment brisé de petites marques. Enfin, parlons de tension et de conflit. Maintenant, attention vous pendant que je fais ces exemples, je n'ai pas pensé à toutes les façons possibles de transmettre ces termes visuellement. Donc, je suis vraiment excité de voir ce que vous venez avec et comment vous pourriez utiliser le rythme, ou l'espace blanc, ou la convergence. Troisièmement, les tensions et les conflits. Si on y pense, j'aime vraiment faire ce genre de formes. Si nous pensons à quelque chose comme ça, quoi cela est-il en conflit avec un autre élément ? On a ce truc de blobby et on a une marque très pure, droite et nette. Donc, ce sont deux types de marques très différents, mais ils interagissent les uns avec les autres. Vous pourriez avoir des tensions texturales et des conflits. Donc, là où j'ai une brosse sèche dans une zone, j'ai maintenant une marque très humide, donc il y a des tensions et des conflits entre ces deux types de marques. Il peut bien sûr être dans la profondeur de couleur que vous utilisez, donc, pourrait avoir quelque chose de vraiment sombre et saturé à côté de quelque chose de beaucoup plus léger. Vous pouvez également utiliser certaines de vos marques, comme dans le rythme, vous pourriez mettre certaines de ces petites marques rayantes, mais leur faire jouer avec quelque chose de plus doux. Donc, il y a des tensions et des conflits à cause de ces différents éléments sur la page. Donc, en regardant en arrière, vous pouvez voir avec votre vocabulaire visuel qu'il y a tellement de types différents de marques que vous pouvez faire simplement en utilisant quelques mots clés pour déclencher des idées intéressantes. Être capable de créer un intérêt visuel avec vos marques peut prendre de la pratique, mais si vous gardez à l'esprit quelques-uns de ces termes et explorer comment les transmettre visuellement, vous améliorerez l'impact de votre travail même lors de la création à une échelle miniature. Je recommande de garder une petite feuille de triche de ces termes, J'en ai inclus un dans le téléchargeable. 5. Test des compatibilités des matériaux multimédias: Connaître la compatibilité et l'effet visuel de divers matériaux est crucial lorsque vous travaillez en milieu mixte. Ici, je vais parcourir une poignée des centaines de combinaisons possibles en utilisant diverses fournitures d' art à base d'eau et d'art sec. Pour ces tests, j'utilise un papier lourd de Clarefontaine, fini lisse. Ça s'appelle, Paint On. Je vais d'abord créer une page de test à trois colonnes en utilisant une formule standard non diluée, Winsor Newton Gouache, Golden Fluid Formule acrylique, et l'acrylique Heavy Body de Sennelier, appelé Abstract. Peu importe ce que vous avez sous la main, créez aussi vos propres colonnes. Laissez sécher ces échantillons et récoltez une poignée de matériaux de dessin. Je teste d'abord trois duretés très différentes de pastel doux. Le premier et le plus dur est par Jaxell, le second par Art Spectrum, et le troisième et le plus doux est par Unison. Les pastels semblent tous marquer bien sur toutes les colonnes, avec l'acrylique à corps lourd montrant la texture la plus sous-jacente. Ensuite, j'ai goûté au crayon pastel Derwent. Il a fait une marque très décevante sur la gouache, mais semblait mieux sur les deux échantillons acryliques. J' ai aussi une gouache de formule acrylique. Donc, je vais probablement faire un test pour ces crayons sur cette formule à l'avenir. J' ai continué à tester quelques stylos et de l'encre indienne pour savoir comment ils se comportent sur les colonnes d'échantillons. J' ai trouvé le Posca a réactivé la gouache, et j'ai dû nettoyer la plume. encre indienne semble avoir un peu de mal à coller à l'acrylique, mais pas tellement que je n'envisagerais pas de l'utiliser. Quels que soient les matériaux que vous essayez, prenez des notes sur vos feuilles de test et conservez-les à titre de référence si nécessaire. Ensuite, je veux vérifier l'intermixabilité et réactions de la gouache acrylique et de l'aquarelle. Un mot rapide sur l'utilisation de l'eau pour l'acrylique mince, peinture acrylique a besoin d'un liant polymère acrylique pour maintenir son pigment en place. Il fonctionne différemment à l'aquarelle. Donc, si vous voulez mincir l'acrylique par beaucoup, vous devrez ajouter du milieu acrylique pour garder la peinture stable et permanente. Mais pour ce que nous faisons ici, nous n'aurons pas besoin d'un médium parce que nous ne nous éclaircissons pas drastiquement. Cette première expérience sera acrylique sec. Donc, on va peindre des échantillons. Pleine force et également dilué. Donc, je viens juste de tremper mon pinceau dans l'eau en utilisant l'acrylique qui est encore dessus. Donc c'est l'acrylique Fluide Doré. Ensuite, pleine force Sennelier Abstract Heavy Body, et le corps lourd dilué. Peut-être un peu plus sur dilué. On y va. Maintenant, nous allons les laisser sécher. J' ai donc peint des échantillons de Golden Fluid Acrylic et Abstract Heavy Body acrylique Sennelier, et j'ai laissé sécher mes échantillons. Donc, nous avons les échantillons à pleine force et nous avons la peinture comme une version diluée de la leur. Maintenant, nous allons tester comment l'aquarelle se comporte sur des échantillons acryliques secs. Donc, j'ai une partie de la peinture des Nuits Blanches de Saint-Pétersbourg que nous avons utilisée dans les exercices. me reste encore une partie de ça. Donc, l'essayer sur l'acrylique Golden Fluid, et vous pouvez voir comment la surface plastifiée, ne permet pas à la peinture d'adhérer uniformément. Maintenant, pour l'essayer sur ces Sennelier, résultat très similaire, mais vous obtenez un peu de cette texture corporelle lourde montrant à travers, ce qui peut être assez agréable. Ainsi, l'aquarelle se trouve dans les rainures faites par les marques de pinceau. Voilà donc les différences sur l'acrylique pleine résistance sur papier. Encore une fois, c'est cette peinture mixte sur papier de Clairefontaine, donc elle a presque une surface de poils, mais pas tout à fait. Dilué, vous pouvez dire qu'il trempe dans beaucoup plus à la peinture diluée. Ainsi, l'aquarelle adhère de manière inégale à la surface des échantillons acryliques secs à pleine résistance, et il tache mieux sur les taches diluées. Alors, rappelez-vous que si vous peignez de l'aquarelle sur de l'acrylique, l'acrylique sera permanent mais l'aquarelle peut encore être manipulée ou emportée. Il ne se liera pas de façon permanente à la surface acrylique sèche. Ainsi, l'aquarelle va tremper dans le papier plus sur les patchs acryliques dilués car il trouve des lacunes dans le liant d'émulsion de polymère dilué. Il tache également la dent du papier. Donc, si vous deviez utiliser un milieu acrylique dans la dilution, le trempage de l'aquarelle ici dans les bits dilués, serait beaucoup moins efficace. Maintenant, regardons comment l'aquarelle réagit en acrylique humide. Donc, nous allons devoir travailler patch par patch dessus cette fois. Donc, voici plein de force Golden Fluid Acrylic, et entrer avec l'aquarelle. Vous pouvez voir qu'il commence immédiatement à se lier dans l'acrylique. Donc quand ça sèche, ça va être plus permanent parce qu'il est en fait mélangé avec l'émulsion de polymère ; une sorte d'aquarelle et l'acrylique deviennent un. Vous diluez essentiellement l'acrylique, l'acrylique humide avec de l'eau pigmentée. Vous voyez que l'aquarelle ne poussera toujours pas dans l'acrylique là-bas. Il n'est pas assez fort, donc il offre encore un peu de résistance. Alors que se passe-t-il avec dilué, beaucoup plus humide dans une réaction humide, presque aquarelle. C' est un peu plus de mélange, de saignement et de fond. Vous pouvez voir où il se colore un peu plus dans le papier. Alors maintenant, essayons le Sennelier, l'acrylique du corps lourd. Parce que c'est une peinture acrylique de style beaucoup plus solide, l'aquarelle est en quelque sorte assis au-dessus de lui sans se mélanger beaucoup ; alors que dans l'acrylique fluide, elle est devenue une sorte de couleur laiteuse alors qu'elle se mélangait avec les polymères acryliques . Il sera intéressant de voir comment cela sèche. Pour corps dilué et lourd. Donc encore une fois, différents types de peinture, corps lourd par opposition à fluide. Mais quand même obtenir un bord plus doux, parce que nous allons dans ce qui est essentiellement du papier mouillé. Vous pouvez voir ici de ce côté l'aquarelle diluée dans l'acrylique fluide lui a donné un aspect teinté très intéressant, et nous allons obtenir un effet similaire ici. Donc, ces échantillons avec l'aquarelle seront un peu plus permanents que sur l'acrylique sec parce qu'ils se fondent dans le polymère qui est dans la peinture acrylique. Nous reviendrons voir les échantillons une fois qu'ils seront secs. Enfin, voyons comment l'aquarelle gouache et l'acrylique se comportent ensemble. Ainsi, la gouache et l'aquarelle sont connues pour jouer bien ensemble. Ils vont se fondre, et les deux peuvent être éclaircis assez facilement. gouache est une peinture corporelle beaucoup plus lourde que l'aquarelle. Donc, si vous le laissez tomber dans l'aquarelle humide, il restera assez forte en forme et en couleur car il frappera juste son chemin à travers la fine peinture. Donc laisser tomber l'aquarelle dans l'aquarelle humide, nous le savons déjà, se répandre assez facilement et se fondre, mais en essayant de déposer l'aquarelle dans la gouache, elle restera assez isolée parce qu'elle n'a tout simplement pas la force pour pousser son chemin et qui est dilué. Donc, maintenant vous pouvez voir certains des effets possibles avec seulement la gouache et l'aquarelle. Les choses deviennent très excitantes si vous voulez ajouter des métaux. Parce que les Metallics poussent vraiment les choses à cause du mica dans la peinture. Mais encore une fois, si vous laissez tomber l'aquarelle métallique sur la gouache, en particulier la gouache qui sèche déjà, elle restera assez intentionnelle dans sa forme, tandis que la mettre dans les choses plus humides, vous pouvez la voir vraiment ramifications dehors. Maintenant, que se passe-t-il quand on ajoute de l'acrylique fluide au mélange ? Ajoutez un peu d'acrylique et essayez de l'aquarelle avec elle, un peu de ce mélange va mais vous pouvez voir les acryliques déjà commencé à obtenir un bord dur en dessous. Voilà, juste un peu de mélange et ajoutons de la gouache. Maintenant encore une fois, des résultats assez prévisibles mettant la gouache dans l'aquarelle humide, mais elle ne se propage pas trop parce que nous avons une partie du polymère acrylique dedans aussi. Donc, il est un peu plus fort, un peu plastifiant, et laissez-nous obtenir une petite aquarelle, vous pouvez voir où il a commencé à sécher ici aussi pour qu'il soit plus assis sur le dessus. Je peux encore le mélanger, mais c'est un peu plus résistant. Si nous avons essayé de déposer de l'acrylique, vous pouvez le voir si lourd que ça pousse tout de côté. Ça va un peu boueux aussi. Mais vous pouvez voir que je suis en train d'ajouter plus dans un seul endroit et c'est juste pousser, pousser, pousser et juste pour les funzies, allons entrer avec certains de nos métalliques. Métallique n'a pas la force de faire beaucoup. Il trouve le chemin de la moindre résistance et suinte juste dans cette zone. Donc, cela pourrait être vraiment utile si vous voulez une sorte d'effet de marbre. Ainsi, tous ces matériaux sont compatibles lorsqu'ils sont mouillés et peuvent être mélangés ensemble. Mais lorsque vous cherchez certains effets, gardez à l'esprit que l'aquarelle est la plus légère en poids, gouache est la deuxième, et l'acrylique est le plus lourd et le moins susceptible d'être déplacé par quelque chose de plus léger. Quels que soient les matériaux que vous avez sous la main, j'aimerais que vous essayiez quelques échantillons et que vous voyez comment vos peintures se comportent. N' oubliez pas de les télécharger dans la section Projets. Maintenant, jetons un coup d'oeil à la façon dont nos échantillons précédents sont en train de sécher. Donc, ici, nous avons notre acrylique sec avec aquarelle sur le dessus. Maintenant, j'ai dit que ça ne deviendrait pas particulièrement permanent parce que vous mettez de l'aquarelle au-dessus d'une surface très plastifiante. Ainsi, vous pouvez voir que vous pouvez toujours perturber l'aquarelle sur le dessus de l'acrylique sec. Cependant, dans les échantillons dilués, beaucoup plus difficile de perturber l'aquarelle, et c'est parce qu'il est vraiment trempé dans le papier beaucoup plus que quand il est assis sur le dessus. Donc, résultat beaucoup plus permanent en mettant l'aquarelle sur les acryliques dilués. Cet échantillon n'est pas encore assez sec, mais il y arrive. Mais c'était notre acrylique humide et notre aquarelle humide dedans. Donc, en regardant l'acrylique fluide pleine force avec de l'aquarelle. Parce que nous avons mis mouillé dans mouillé, il s'est collé un peu plus. Donc, contrairement à nos échantillons acryliques secs, il s'est collé un peu et un peu plus permanent même si c'est sur une surface plastifiante. Cette partie n'est pas sèche, donc je peux toujours pousser ça. Sur le corps lourd pleine force, peut vraiment voir ce motif intéressant qui est développé lorsque l'aquarelle commence à s'asseoir à l'intérieur et trouver son chemin parmi les particules de la peinture acrylique pleine force. Encore une fois, ce sera, ce n'est pas encore tout à fait sec mais ce sera un peu plus permanent de cette façon que de mettre mouillé sur sec. Bien sûr, avec les échantillons dilués, vous pouvez voir comment ils se sont vraiment mélangés dans le papier et dans la peinture ci-dessous. C' est beaucoup plus un rassemblement de ces deux médiums. 6. Choix du sujet et de la composition: Parlons du sujet. Simplistiquement, objectif et représentatif de l' art fait référence à la présence de personnes, d' animaux, de paysages ou d'objets reconnaissables en eux. non objectifs et abstraits font référence à des sujets beaucoup moins reconnaissables, utilisant des formes, des couleurs, des formes et des marques gestuelles. Quel que soit votre sujet, figuratif ou abstrait, considérez ce qui est engageant ; Pourquoi est-ce que quelqu'un devrait regarder votre mini chef-d'œuvre ? Tu racontes une histoire avec ton sujet ? Présenter un truc décoratif ? Engagez-vous avec un motif, ou une couleur, ou une combinaison, un rythme, une humeur de flux, une émotion ? Vous n'avez pas besoin de répondre à toutes ces questions avant de commencer. Mais commencez à cultiver l'instinct d'examiner votre travail à travers ces questions. J' ai toute une classe sur les éléments constitutifs de la composition. Mais pour cette classe, va juste couvrir quelques conseils rapides pour vous faire rouler. Laisse vite suivre ici. paysage ou portrait ? Bord à bord, ou vignette flottante ? Je t'ai demandé il y a quelques instants, pourquoi on s'attend à ce que quelqu'un regarde ton mini chef-d'œuvre ? Quel est l'élément focal ? Si vous savez ce que c'est, alors regardons quelques lignes directrices faciles à retenir pour le placement de la composition. Ici et dans le PDF téléchargeable, Est une référence de nombreuses façons différentes de placer des éléments sur votre page, grand ou petit. Il y a aussi l'ami du photographe, la règle des tiers. Ce qui se trouve généralement sous forme de grille dans les visionneuses de caméra. Une façon peut-être plus instinctive et fluide de déterminer la composition est de décider comment vous aimeriez que l'œil du spectateur voyage autour de votre création. Voici quelques exemples figuratifs de planification de composition utilisant la règle des tiers. Essayez de créer des croquis miniatures de votre sujet avec de légères variations, pour trouver le bon équilibre pour votre mini chef-d'œuvre. Pour en savoir plus sur la composition, consultez ma classe, Règles de composition : L'art et la science de meilleurs visuels. 7. Réflexions sur les couleurs: Lorsque vous travaillez petit, tout devient énorme. Qu' est-ce que je veux dire par là ? Eh bien, lors de la création de petites œuvres d'art, changements subtils et la couleur deviennent plus difficiles à réaliser parce qu'il n'y a tout simplement pas de place pour cela. Choisir une palette limitée n'est pas seulement utile pour la discipline, mais plutôt une nécessité pour travailler en miniature. Vous pouvez trouver que la planification préalable d'une palette de couleurs à l'aide de nuanciers sur du papier rebut utile. Mais le plus souvent, j'ai tendance à garder à l'esprit que si je peins petit, je pourrais être capable de m'en sortir avec une ou deux variations de chaque couleur au plus. Pour cette raison, garder un œil sur l'utilisation de couleurs qui jouent les unes des autres tonalement, qui est la valeur d'une couleur si elle est traduite en niveaux de gris, ou choisir des triades de roue de couleur ou des teintes complémentaires est un excellent point de départ. Si vous cherchez un look plus doux, jetez quelques teintes analogues de la roue de couleur, qui sont des couleurs qui apparaissent les unes à côté des autres. Vous ne savez pas à quoi ressemblent vos couleurs préférées en niveaux de gris ? J' ai un court cours de Studio Fu à ce sujet. Mais en un mot, essayez de prendre une photo à la lumière neutre de vos choix d'art ou de couleur. Dans votre smartphone, iPad ou ordinateur, changez la photo en mono ou quel que soit votre paramètre le plus neutre, noir et blanc est appelé. Vous verrez immédiatement ce qui apparaît en valeur et où vous pourriez avoir besoin d'un petit coup de poing. Les mini chefs-d'œuvre ont besoin de contraste. N' essayez pas d'entasser plus de couleurs à la place des ombres et des reflets, car cela va vous mordre dans les fesses. Surtout, si vous faites une pièce figurative. Tout cela dit, enfreignez mes règles quand ça se sent bien. Mais si quelque chose ne fonctionne pas bien, réexaminez ces suggestions lors du dépannage. Donc, en résumé, choisissez une palette limitée, choisissez des couleurs qui offrent une gamme de tons, et n'oubliez pas vos ombres et vos reflets. Dis-le avec moi. Léger, moyen et sombre. Léger, moyen et sombre. Je jure que ça va être sur ma pierre tombale. 8. Mise en place totale - Réaliser des mini chefs-d'œuvre: Maintenant, il est temps de tout mettre ensemble. Donc, je veux que vous vous coupiez une pile généreuse de importe quel stock que vous avez en main ou peut-être même essayer deux ou plusieurs autres. Donc, deux pouces et demi sur trois pouces et demi est la taille standard de la carte à collectionner artiste. Donc, c'est ce que j'utilise comme modèle pour les mini chefs-d'œuvre. En métrique, il est de 6,35 sur 8,89 centimètres, ce qui est un peu bizarre à essayer de couper. Donc, si vous avez quelque chose qui a des centimètres dessus, ce sera probablement le plus facile. Les cartes à collectionner d'artistes mesurent deux pouces et demi par trois pouces et demi en taille standard, et c'est ce que nous allons avec, avec tous nos mini chefs-d'œuvre. Cependant, cela ne vous laisse pas beaucoup de place pour enregistrer quelque chose. Donc, si vous deviez enregistrer quelque chose en utilisant cette taille, vous auriez cette bordure là-dessus. Et si tu veux faire jusqu'à la fin ? Je vais vous montrer une petite façon de tricher que vous pouvez le faire avec quelque chose déjà coupé à la taille. Prends ton ruban adhésif, et on va le mettre au dos de notre carte, sur les quatre côtés. Donc maintenant, vous avez votre carte sur le dos et cette bordure collante. L' étape suivante consiste à prendre plus de bande et maintenant à la coller vers le bas. Donc maintenant votre carte est coincée en place. Lorsque vous avez terminé, il suffit de le décoller et de décoller soigneusement le ruban de masquage. Voici un mini chef-d'œuvre que j'ai en cours. Maintenant déjà, juste avec ces marques et ces choix de couleurs, nous avons déjà parlé de choses dans notre couleur et aussi dans notre fabrication de marques intentionnelles, et aussi avec la composition. Laissez-moi vous parler un peu de cette pièce jusqu'à présent. Donc, nous avons déjà des tensions et des conflits entre ces deux types de marques. Donc nous avons cette marque très tourbillonnante et nous avons une barre oblique. Ce qui se passe aussi, c'est que l'œil de cette marque, le bit vert est sur un tiers, le bit vert est sur un tiers, et c'est aussi sur un tiers ici aussi, et la barre oblique violette va essentiellement d'un tiers de ce côté à un tiers de ce côté. Donc, cela nous donne aussi le voyage. Donc, avec ces deux éléments seulement dans cette position, juste à ce stade, nous avons déjà des tensions, des conflits, des directions et des tiers. Donc, même si cela ressemble à quelques marques aléatoires, elles sont en fait très bien pensées et exécutées. Voici quelque chose d'autre qui parle de la couleur, en ce moment, le vert et le violet, si vous regardez une roue de couleur en ce moment, ils sont deux parties d'un split gratuit. Donc, nous avons du vert et si vous regardez ce triangle blanc ici sur la roue de couleur, alors nous avons du vert, parler de rouge violet. Maintenant, si je voulais choisir la couleur suivante à utiliser dans cette pièce, un choix sage et logique pourrait être d'aller avec quelque chose de rouge orange. Maintenant, je vais ajouter une autre marque, mais j'ai déjà décidé que ce serait le cas, regardons ça. Donc, c'est un crayon aquarelle. Donc, il va déjà être un orange rouge pour aller avec ceux-ci dans la roue de couleur. Donc, si je veux faire quelque chose d'intéressant se produire, peut-être que j'ajouterai une marque qui est en conflit avec ce qui se passe déjà sur la page. Donc, je fais juste ce désordre rassemblement de petites marques. J' aime ça. Donc, je vais régler ça un instant et juste expérimenter puisque c'est en fait un crayon aquarelle, il ne veut pas y renoncer. C' est le crayon aquarelle. droite. Donc ça ne bouge pas beaucoup. Donc, c'est bon. Je vais aller dans ma palette et je vais juste ramasser un petit peu de lac écarlate et rouge cadmium pâle, juste pour me donner cette très belle couleur rouge orange. Puisque j'ai mouillé certaines de mes marques là-bas, je vais juste pointer des trucs dedans, et j'aime que la concentration de ça soit hors centre. Donc encore une fois, provoquant un déséquilibre. J'aime ça. J' aime ces trois couleurs ensemble et la roue de couleur le soutient pour pourquoi j'aime ces trois couleurs ensemble parce qu'ils sont les couleurs complémentaires divisées du vert et du rouge violet et du rouge orange. Maintenant, je vais laisser ça sécher et peut-être aller avec d'autres marques, peut-être avec un crayon ou j'aime vraiment les pigments aussi. Je sais que j'ai dit que j'allais attendre et laisser sécher, mais j'ai décidé que l'intensité de l'orange rouge ne me suffisait pas. Donc, j'ai trouvé une encre qui est aussi une très fantastique couleur rouge-orange. Je vais juste déposer de l'encre, juste pour un coup de poing. Faisons des bulles avec les compte-gouttes. En fait, je pense que c'est mieux comme ça, c'est bon. Suce ces ces bulles. On y va. C'est de ça que je parle. C' est vraiment un bon coup de couleur. Donc, c'est l'encre indienne Bombay du Dr. Ph. Martin en rouge vif, qui est une très bonne sorte de rouge orange. Je ne suis pas sûr de pouvoir partir assez bien seul. J' ai de la gouache sur le côté et du jaune. Je sais que j'ai dit que je n'allais pas ajouter plus de couleurs, mais pour une raison quelconque, je pense que ce besoin de jaune. Donc, ça ressemble à un endroit idéal pour ajouter jaune et peut-être juste un peu là-haut dans ce blanc, et je vais me mêler à mon rouge-orange. C' est juste ce petit feu supplémentaire, n'est-ce pas ? Je ne suis pas à 100% sur ce que je viens de faire, mais c'est bon parce que c'est un mini chef-d'œuvre. Je peux en faire des tas et ceux-ci sont pour expérimenter et vous pouvez essayer toutes vos idées sauvages et ne pas vous inquiéter d'avoir trop d' investissement soit dans le temps, les matériaux ou autre. Alors, on y va. Maintenant, je vais laisser essayer, et maintenant pour un mini chef-d'œuvre non abstrait. En raison de la nature de cela, n'étant pas abstrait, il doit avoir un certain niveau de détail. J' ai utilisé ce truc enrobé où on l' enfonce de l'arrière et ensuite on l'enfonce sur le tableau, cette façon, il ne bouge pas sur moi. Maintenant, c'est censé finir par être un type autoportrait de peinture. Ça pourrait bien se passer, ça pourrait mal se passer, je ne sais pas. Je n'ai jamais essayé de me peindre aussi petit, mais je vais juste mélanger quelques couleurs. J' utilise l'ocre jaune et l'alizarine pourpre pour obtenir une couleur vague et charnue. Je vais le tester ici. Mon teint est un peu jaune, donc je vais y ajouter un peu plus d'ocre jaune. D' accord, et je vais juste m'accumuler là où je sais que les ombres sont les premières. Donc, je sais d'où vient la lumière sur cette photo que je passe et c'est bon si je la mets dans les cheveux parce que ça va aider à unifier l'apparence de la peinture. Je pourrais ajouter un peu de bleu. Je crois que c'est du cobalt que j'ai là-dedans. Juste pour être un peu plus sombre. Donc, il s'agit de construire en étapes et en couches en ce moment. On y va. Donc, je mélange mes couleurs avec les couleurs que j'ai déjà dans ma palette parce que je veux que les choses soient cohésives et comme si elles appartenaient à la même famille. Alors maintenant je vais prendre ce genre de couleur que j'ai fait. Je vais ajouter un peu de peinture juste pour obtenir une couleur d'ombre. Neutralisez un peu cette chaleur. Je vais juste en pointiller un peu. Mais rappelez-vous, avec ce qui est un mini chef-d'œuvre, ne vous enlisez pas trop en essayant d'inclure tous les détails. L' implication est suffisante, et aussi quelque chose à considérer lorsque vous travaillez sur un mini chef-d'œuvre est noir sera très dur. Donc, votre meilleure option est de faire quelque chose qui se rapproche d'un noir. ce moment, je prends un peu d'indigo et un peu de brun et une partie de cette autre couleur que j'ai sur ma petite palette. Je fais juste quelque chose d'un peu sombre. Ce n'est pas un vrai noir, si je le peins ici, c'est un peu un noir bleu. Mais bon noir-noir, comme Mars black ou quelque chose, serait beaucoup trop drastique. Alors, je vais juste entrer. Je mélange juste de nouvelles couleurs dans les couleurs que j'ai déjà. Juste laisser tout se mêler parce que tout sera beau et hors de la même famille. Il aura une belle apparence cohésive à elle. Je vais juste continuer à construire et voir ce qui se passe. Donc, ma première tentative de faire un mini chef-d'œuvre autoportrait était surchargée et je n'ai pas vraiment eu la bonne image. Donc, j'ai beaucoup appris de celui-là. Parce qu'ils sont mini, je suis d'accord avec juste recommencer et je suis déjà un million de fois plus heureux de la façon dont celui-ci se passe. Donc, pratique et répétition. Aucun d'entre nous n'est génial la première fois qu'on fait quelque chose. Alors, laissez-vous explorer, offrez-vous une pause et continuez à pratiquer. J' ai aussi déménagé dans ma taille de pinceau. Je travaillais avec des pinceaux vraiment minuscules et j'ai trouvé que cela a contribué à mon désir de surmenage, et maintenant je suis en fait beaucoup plus heureux avec la pièce que je fais maintenant. Oui. Je vais continuer et voir comment ça finit. C'est un peu amusant. droite. Je le laisse comme ça. Je suis tellement plus heureux avec celui-là. Donc, c'était ma première tentative et maintenant c'est là que je suis, et c'est une ressemblance beaucoup plus proche. Donc, voici ma référence. Beaucoup mieux comme un petit chef-d'œuvre rapide auto-portrait croquis. Alors, continuez à pratiquer. Une des grandes choses à propos de faire mini chefs-d'œuvre est que vous pouvez toujours en commencer un autre pendant que l'autre sèche. Donc, je vais juste avoir une pièce avec quelques formes. C' est juste de la gouache blanche sur l'aquarelle. Pourquoi pas un peu métallique ? Je vais couvrir tout ce coin. Parfois, c'est juste amusant de s'amuser, voir ce que vous pouvez faire, c'est exactement pourquoi nous testons nos matériaux. Ça va boueux. Pas assez de profondeur pour moi. est temps de jeter un peu d'indigo juste pour obtenir ce contraste un gros coup de poing. Donc, je n'ai plus beaucoup d'espace blanc dans ce cas mais l'espace blanc que j'ai est vraiment important parce que cela aide à briser les formes donc ce n'est pas juste une grande sorte de truc teintée par liens. Donc, c'est un peu de flux. Encore un petit exemple de petit chef-d'œuvre. Il suffit de faire un paysage rapide. Donc, je vais juste aller ici et mélanger un peu bleu sur ma palette sale parce que j' aime avoir une palette sale parce que ça donne juste un peu d'intérêt aux couleurs. Fais juste un peu de ciel rugueux. On y va. Apdoutissez une partie de ça, et nous avons un paysage hivernal au loin. Donc, je fais juste ce genre de gris vert. C' est en fait une photo que j'ai prise à l'extérieur ou par la fenêtre de mon studio qui en ce moment il pleut. Donc, vous pouvez entendre ou non de la pluie. On a cette jolie grange. Donc je fais juste l'idée de fentes de planche et il a un toit gris. Ça va un peu de noir et un peu de trucs bouffants sur ma palette, juste n'importe quel vieux truc pour qu'il devienne cette couleur vraiment boueuse parce que personne ne nettoie le toit. Maintenant, il y a un jet qui passe maintenant, il fait de la pluie et un jet. Habituellement, il fait beaucoup plus calme la nuit quand je filme que dans la journée, mais pas en ce moment. Donc, je fais tout ça avec ce pinceau numéro 8 que j'aime beaucoup. juste besoin de mouiller un peu ma palette. Il est devenu un peu sec. Donc, il est difficile de ramasser de la peinture. Mais si vous le vaporisez simplement avec un peu d'eau, cela rend tout beaucoup plus facile. Donc, ici, un peu d'arbustes. Juste mettre dans une forme très lâche. Ça n'a pas besoin d'être précis. Je vais entrer et laisser tout saigner un peu plus. Un joli contraste lourd, un peu de bleu indigo ombragé étant ajouté. En gardant ça très vite. La raison de l'image est la mangeoire à oiseaux, qui est maintenant saignée dans mon ciel, donc je vais juste effacer ça parce que c'est bon. Ça n'a pas d'importance. Un peu de jaune juste pour ajouter un peu d'intérêt aux plantes. Je pense que peut-être plus de Posca fera mieux pour ça. Ça peut être assez brutal parce qu'il est noir, mais je vais lui donner un coup de feu parce que, en fait, le poste sur lequel se trouve ma mangeoire est revêtu de poudre. Donc, c'est noir. Je pense que j'aime plutôt ça comme ça. Oui. Peut-être un peu plus juste sur la grange. Peut-être mettre quelques feuilles dedans. Nous y allons et voici ma référence. 9. Conseils pour la préservation des mini chefs-d'œuvre: Les milieux mixtes peuvent être difficiles à préserver. Normalement, vous ne vernissiez pas ou peinture à l'aquarelle, bien qu'il y ait quelques sprays spécialisés pour cela. Mais que faire si votre mini chef-d'œuvre utilise des aquarelles, du pastel et du charbon de bois ? Vous aurez besoin de préserver tout le travail. Souvent, l'utilisation d'un fixateur de pulvérisation de qualité suffit. Quelques couches légères d'environ 30 centimètres de distance est mieux qu'un seul revêtement lourd. Laisser sécher le spray entre les couches. Utilisez des aérosols dans les zones ventilées et essayez d'utiliser un masque facial lors de la pulvérisation. Tu ne veux pas de ça dans tes poumons. Il y a aussi des fixateurs non aérosols disponibles, et ils s'appuient sur une fine brume. Vérifiez toujours les buses pour le colmatage et l'accumulation avant de pulvériser votre travail final. J' ai été impatient plusieurs fois auparavant seulement de regarder de lourdes gouttes une éclaboussure fixative sur mon travail, et cela peut se produire avec aérosol ou non aérosol. En règle générale, tout travail sur papier devra être encadré derrière du verre ou du plastique pour éviter les dommages. Pour le stockage temporaire, si je ne suis pas encadré immédiatement, j'utilise des sacs en cellophane destinés à des choses plates comme des impressions et des photographies. Ils sont très bon marché et viennent dans une variété de tailles. J' achète la plupart de mes sacs de violoncelle chez des vendeurs sur eBay. vernis en spray est le cousin le plus dur du fixatif et est très utile pour protéger l'art des médias mixtes. Utilisez la même manière que le fixateur, nettoyez la buse, maintenez-la à distance, utilisez une protection contre les fumées et la brume, et appliquez en plusieurs couches lumineuses. Encadrement. Les travaux sur papier ne doivent pas être autorisés à toucher le verre ou le plastique en raison du risque de s'y coller. Au lieu de cela, le moyen le plus simple d'éviter tout contact est d'utiliser un support, également appelé tapis, pour créer un espacement entre l'art et le vitrage. D' autres façons d'encadrer le papier sont un peu plus compliquées, mais comprennent le montage à flotteur qui implique des charnières de ruban caché sous l'art et des entretoises discrètes sous le bord intérieur du cadre. Dans cet exemple, j'ai en fait construit des risers en panneau de mousse sous l'art et encadré dans un cadre profond. Cependant, vous choisissez de présenter votre travail, assurez-vous de laisser sécher complètement le fixateur et le vernis. 10. Réflexions finales: Merci d'avoir pris ma classe ; créer de petits chefs-d'œuvre avec un grand impact. Nous avons couvert beaucoup de choses en peu de temps. Je sais que tout, des techniques d'exercice à la réflexion sur les matériaux et la composition vous aidera à créer un art satisfaisant qui montre une réelle croissance de vos compétences. Je suis un grand fan de la pratique et de la répétition. Alors, continuez les exercices chaque fois que vous avez un peu de peinture restante. Essayez de faire de l'art tous les jours. mini chefs-d'œuvre sont un excellent format pour vous mettre au défi d' une semaine, d'un mois ou même d'une année de créativité quotidienne. Cependant, vous utilisez vos compétences et informations, j'aimerais voir ce que vous faites. Alors, téléchargez dans la section projets, et connectez-vous avec moi sur Instagram @gendicsinarts. Si vous avez apprécié ce cours, n'oubliez pas de laisser un avis positif et j'espère que vous allez apprendre avec moi bientôt. Merci, et passez une belle journée.