Création de portraits vivants avec des crayons de couleur !

1. Bienvenue dans ce cours !: Salut Skillshare. Je m'appelle Chris Hong et je suis tellement heureux de dire que je suis de retour avec une toute nouvelle classe, Steps to Creating Vivid Portraits With Color Crayons. En tant qu'artiste, l'une de mes choses préférées à faire sont les portraits. Mais je n'ai découvert que récemment faire des portraits à l'aide de crayons de couleur cette année. Je suis tombé amoureux. crayons de couleur offrent beaucoup de contrôle et à cause de ce niveau de contrôle, ils me permettent vraiment d'exprimer mes sensibilités aux couleurs au maximum sans être gêné par le médium de quelque façon que ce soit. Comme vous pouvez le voir, j'adore la couleur. Je veux vous montrer comment vous pouvez aussi injecter une tonne de couleur et de vie dans vos portraits. J' ai pris vos commentaires pour ma première classe, j'ai amélioré votre dessin portrait, et j'ai apporté des améliorations avec cette dernière classe. J' ai distillé mon processus en étapes simples que vous pouvez prendre pour construire votre portrait sur une base solide. Ensuite, à partir de là, je vous donne un aperçu de la façon dont vous pouvez prendre votre fondation et y injecter de la couleur et de l'art. La classe contient deux conférences de base sur l'importance des valeurs et la mise en place du portrait, y compris trois démonstrations narrées en temps réel qui vous emmènent à travers chaque partie du processus avec des tonnes de conseils en cours de route. Ce cours est adapté aux artistes intermédiaires qui entrent dans la classe avec les bases du dessin de la tête humaine car vous devrez dessiner la tête à partir de la référence photo comme première étape de notre processus. Il est parfait pour ceux qui aiment déjà dessiner et peindre des portraits et qui veulent se défier en couleur à l'aide de crayons de couleur. Si vous avez toujours été intimidé en utilisant beaucoup de couleurs et toujours évité d'utiliser des couleurs non conventionnelles dans un portrait, alors cette classe est pour vous. Prenez vos crayons et commençons. 2. Matériaux: Je suis vraiment excité que tu sois là et j'espère vraiment que tu retireras des informations précieuses de ce cours. Mais avant de plonger dans les leçons, parlons rapidement du matériel dont vous aurez besoin. Vous aurez besoin d'un crayon de dessin d'une sorte que vous serez bloqué dans votre portrait avant d'utiliser des crayons de couleur. Je recommande un crayon en graphite régulier car il est facilement disponible pour la plupart des gens. La plupart du temps, j'aime utiliser mon crayon mécanique de plomb de 0,5 millimètre parce que je sens que j'ai le plus de contrôle avec lui et qu'il est facile à effacer lorsque je fais des erreurs. Parfois, j'aime utiliser un crayon Prismacolor Col-Erase, qui est comme un mélange entre un crayon et un crayon de couleur. Utiliser quelque chose qui vient dans une couleur comme celle-ci, peut incorporer plus facilement avec les crayons de couleur qu' un crayon de graphite ordinaire si vous êtes quelqu'un qui est dérangé en voyant le graphite en dessous. Ils sont faciles à dessiner avec un crayon, mais n'effacent pas aussi bien qu'un crayon. Il y a l'inconvénient là-bas. Je saute entre les deux, mais mon incontournable est certainement juste le crayon mécanique. Pour cette classe, allez avec l'un de vos crayons de dessin préférés qui est assez facile à effacer et vous serez probablement réglé. J' aime avoir à la fois le type régulier de gomme et une gomme pétrissable à portée de main lorsque vous travaillez avec des crayons de couleur, principalement pour une utilisation pendant la partie de dessin avant d'apporter les crayons de couleur. crayons de couleur en général ne s'effacent pas très bien. Donc, idéalement, vous voulez travailler d'une manière où vous pouvez éviter d'utiliser une gomme, car cela pourrait faire plus de mal que de bien. Mais nous faisons tous des erreurs et parfois il est nécessaire de revenir en arrière. Dans ces cas, j'aime utiliser la gomme pétrissable car elle est plus délicate que la gomme ordinaire. Selon la couleur et la marque du crayon, je trouve qu'il aide à soulever une partie de l'excès de pigment afin que le papier puisse être un peu plus pratique. Mais en général, essayez d'appliquer les crayons de couleur allant de la lumière à l'obscurité pour éviter d'aller trop vite dans l'obscurité, et de construire votre image plus progressivement, vous donnant plus de place pour corriger les erreurs sans l'utilisation d'un gomme. La grande chose à propos de l'utilisation de crayons de couleur est qu'ils ne sont pas super difficiles et fonctionnent bien avec la plupart des types de papiers à dessin. Jusqu' à présent, j'ai utilisé des crayons de couleur sur mon carnet de croquis de dessin ordinaire sans marque, que je décrirais comme juste votre vieux papier de carnet de croquis ordinaire. C' est peut-être un peu délicat pour toute utilisation intensive des crayons de couleur, mais ils les prennent toujours très bien et c'est parfait pour faire des croquis plus rapides et des travaux préliminaires. J' ai également utilisé le carnet de croquis Strathmore 500 Series. Il est certainement plus robuste que mon papier de carnet de croquis régulier, et j'ai aimé l'utiliser jusqu'à présent et j'ai obtenu de bons résultats. J' ai également utilisé le papier Canson mix media sketchbook, qui se sent assez proche du papier croquis standard, peut-être un peu plus robuste que ça. Il prend également des crayons de couleur assez bien. Pour plus d'illustrations finies, je recommande d'utiliser des papiers à aquarelle à chaud. J' ai utilisé Arches, Fabriano et la marque Fluid. Les papiers de finition à chaud sont plus lisses que les papiers carnets de croquis, et donc il prend les crayons de couleur vraiment bien. En ce qui concerne les papiers que je n'ai pas personnellement utilisés moi-même, j'entends des tableaux d'illustration et du papier Bristol prendre très bien les crayons de couleur. Je les regarderais certainement comme une option aussi. Idéalement, vous voulez du papier dont la texture n'est pas trop rugueuse comme le papier aquarelle presse à froid. Le papier aquarelle presse à froid a une texture plus dentée et il est donc assez difficile de poser des couches lisses et uniformes de crayons de couleur. La superposition est une technique cruciale dans cette classe, donc l'utilisation de papiers avec une texture plus lourde peut ajouter des défis inutiles et n'est donc pas recommandée. Mais faites des expériences avec les types de papiers que vous avez à votre disposition pour trouver celui qui fonctionne le mieux pour vous, car il peut simplement se résumer à des goûts personnels et des styles d'application. Pour rester simple pour cette classe, prenez simplement votre carnet de croquis le plus proche, et je suis assez confiant que vos crayons de couleur y prendront assez bien. Enfin, parlons de la star du spectacle, des crayons de couleur. Permettez-moi d'abord de dire que je ne fais pas de recommandations fermes sur crayons de couleur à utiliser puisque je n' ai personnellement pas utilisé tout ce qui est disponible sur le marché là-bas. Si vous n'avez pas déjà de crayons de couleur prêts à aller pour ce cours, je vous encourage certainement à faire des recherches en dehors de la classe pour trouver les crayons qui conviennent le mieux à vos besoins. Jusqu' à présent, je n'ai expérimenté que l'utilisation des crayons de couleur polychromos préférés Castell et des crayons de couleur érudit Prismacolor, qui sont en fait des crayons de couleur de qualité étudiante. J' ai le jeu de 60 couleurs. La qualité entre les crayons varie d'une couleur à l'autre, mais je trouve que la plupart d'entre eux fonctionnent assez bien compte tenu d'une qualité d'étudiant. Je trouve que je peux toujours obtenir de beaux résultats à partir de ceux-ci, donc si vous essayez juste des crayons de couleur et si vous ne voulez pas investir des centaines de dollars dans cela juste pour l'instant, je recommande de vérifier un ensemble de ceux-ci car ils sont assez facilement accessible, moins en Amérique du Nord et je crois en l'Europe. Depuis quelques mois, je travaille avec le jeu polychromos de 120 crayons de qualité artistique. Ils sont rapidement devenus mon principal incontournable à ce stade. La plus grande chose que j'aime chez eux est la dureté du plomb, ce qui me permet de faire des marques très contrôlées et précises. Mais en même temps, les couleurs sont vraiment beurrées et pigmentées. Bien que certaines des couleurs ne sont pas aussi pigmentées que les autres. Il y aura toujours des avantages et des inconvénients avec chaque produit d'art que vous devez considérer. Il s'agit moins de trouver les crayons de couleur parfaits, mais plus de trouver ceux qui conviennent le mieux vos besoins spécifiques et qui correspondent également à votre budget. Si vous n'avez pas déjà quelques crayons de couleur et que vous êtes à la recherche d'en acheter, je vous recommande certainement de rechercher sur YouTube des commentaires où vous pouvez trouver une tonne d'autres artistes partageant leur expérience en utilisant toutes sortes de différentes marques de crayons de couleur. Si vous venez dans la classe et que vous avez déjà des crayons de couleur prêts à partir, alors c'est génial. Vous n'avez absolument pas besoin de sortir et d'acheter les mêmes crayons de couleur que j'utilise. Ma classe n'est pas conçue d'une manière où vous aurez besoin de marques ou de couleurs spécifiques, car les couleurs sont tout au sujet du contexte de toute façon. Je ne travaille pas d'une manière où j'ai besoin de regarder les noms des couleurs, mais plutôt de définir les couleurs elles-mêmes dans le contexte dans lequel je travaille. plaît, ne vous sentez pas comme si vous deviez sortir et acheter plus de fournitures d'art pour ce cours. La seule chose que je suggère est d'avoir assez de couleurs disponibles pour que vous ne vous sentez pas gêné ou coincé de quelque façon que ce soit. Peut-être un ensemble de 24 couleurs pour commencer. Vous pouvez toujours construire à partir de là comme votre budget le permet. Un taille-crayon n'est pas seulement strictement nécessaire pour vous d'avoir si vous n'en avez pas déjà un à portée de main, mais il sauve certainement quelques maux de tête lorsque vos crayons vous cassent. J' utilise ce taille-crayon manuel de marque coréenne que j'ai emprunté à mes parents, mais vraiment n'importe quel taille-crayon devrait faire le travail. Personnellement, je préfère ceux-ci par rapport aux petits portables où vous devez tordre le crayon pour l' aiguiser car je trouve qu'ils sont plus rapides à affûtage et qu'ils ont tendance à causer moins de casse. Je trouve qu'ils produisent aussi un point plus net, qui dure plus longtemps. Last but not least, vous aurez besoin de quelques références photo à partir de quand vous suivez dans cette classe. Dans mon cours précédent, Level Up Your Portrait Drawing, j'ai fait une leçon sur la façon de choisir les bonnes références photo pour dessiner des portraits. Les principes qui y sont exposés s'appliquent très largement à la recherche de références pour cette classe. Pour faciliter les choses pour les étudiants, j'ai préparé un tableau Pinterest spécialement pour cette classe avec des photos que je pensais être parfaites pour travailler. Vous n'avez pas à sortir à la recherche de vos propres références. En regardant les projets d'étudiants passés de la classe précédente, j'ai remarqué que certains étudiants utilisaient des photos dont je considérerais personnellement assez difficiles à travailler, et donc probablement que cela était inutilement difficile pour eux. Ce tableau Pinterest est un endroit où je peux diriger les étudiants qui sont à la recherche de documents de référence plus faciles à pratiquer. Mais bien sûr, si vous voulez trouver vos propres références, vous êtes également les bienvenus. Dans ce cas, je recommande certainement de vérifier cette leçon de ma classe précédente si vous voulez des conseils sur la façon de trouver de bonnes références photo. Une fois que vous aurez rassemblé tous ces documents, vous serez prêt à commencer ce cours. Je te verrai dans notre première leçon. 3. L'importance des valeurs: Vous êtes probablement ici dans cette classe parce que vous avez un amour profond des couleurs, et vous êtes au bon endroit. Avant de jouer avec les couleurs, nous devons d'abord passer un peu de temps à parler des valeurs. Les valeurs, comme vous le savez probablement déjà, décrivent la lumière ou l'obscurité de la couleur. Si nous supprimons les informations de couleur de l'image, ce qui reste est la relation de valeur, ce qui rend toujours une image lisible. Mais pourquoi un tel accent sur les valeurs dans une classe de couleurs ? Il y a une compréhension commune dans l'art que si vous avez de bonnes valeurs, vous pouvez compter sur vos couleurs aussi bonnes, ou au moins vous en sortir avec presque toutes les combinaisons de couleurs puisque les valeurs vont contenir le dessin ensemble. Ici, je prends le portrait de John Singer Sargent dont j'ai pris toutes les informations de couleur existantes. Ce qui reste est l'instruction de valeur sous-jacente et je peins au hasard des couleurs au-dessus d'un calque différent dans Photoshop, en mode couleur, qui ne donne qu'à la teinte et à la saturation des couleurs sur le valeurs existantes en dessous. Vraiment ce que je fais est juste de prendre une image en niveaux de gris et de la tendre avec quelques couleurs. Les couleurs sont assez sauvages, mais voyez comment le dessin résiste toujours aux couleurs et il ne semble pas complètement faux ou mauvais. C' est à cause des valeurs solides que le sergent avait déjà établies. C' est une base sur laquelle je travaille. Je sais que tant que mes valeurs seront correctes, alors les couleurs tomberont en place. Penser surtout en termes de valeurs aide à simplifier mon processus. Au lieu d'avoir à penser à tous les autres aspects de la couleur comme la teinte, et la saturation, et la température de couleur, et plus encore qui peuvent tous entrer en jeu lors de la prise d'images. concentrant sur les valeurs, En meconcentrant sur les valeurs, je peux planifier mon image de manière à faciliter l'organisation des couleurs, car je sais où les valeurs plus claires devront aller et où les valeurs plus sombres devront aller. Avec les couleurs, il y a tout simplement trop de variables. Mais avec les valeurs, il est beaucoup plus facile de mesurer et de quantifier. Regardez cette tache de cheveux, par exemple, et combien de couleurs semblent y avoir. Cela semble plus compliqué qu'il ne l'est vraiment, car en niveaux de gris, il se lit plus simplement comme le patch léger de la valeur. C' est un pouvoir d'apprentissage pour contrôler vos valeurs. Qu' est-ce que je veux dire par bonnes valeurs ? Par de bonnes valeurs, je fais référence à une bonne organisation de valeur ou à un regroupement de valeur. C' est là que les formes entrent en jeu. Pour tous ceux qui ont déjà suivi mon cours de dessin portrait, le concept de formes devrait vous être familier. Mais comme c'est un aspect si important de la prise de photos, ça ne fait pas de mal d'avoir un rafraîchissement. utilisation de valeurs pour faciliter le processus de sélection des couleurs commence par organiser d'abord la vaste gamme de valeurs que nous voyons vers le bas dans les formes les plus simples. Pour nos besoins, nous allons avoir affaire à seulement deux formes, la forme de lumière et la forme d'ombre. Si vous deviez regrouper toutes ces valeurs en deux groupes distincts, comment allez-vous le faire ? Pour rendre cela plus facile, sortons les informations de couleur de la photo et regardons simplement les valeurs seules. Voir la photo en niveaux de gris aide certainement, mais il y a encore tellement de valeurs présentes. Comment diviser ces valeurs en deux groupes ? Je vais vous montrer comment Photoshop grouperait ces valeurs. Ici, je prends la version en niveaux de gris de cette image et utilise le calque de réglage des niveaux pour manipuler les valeurs de la photo, donc je peux pousser toutes les valeurs plus claires vers blanc et toutes les valeurs plus sombres vers le noir. À la fin, il nous reste deux groupes de valeurs très clairs. C' est essentiellement ce qu'est le regroupement de valeurs. Vous prenez un large éventail de valeurs et vous les triez dans sa déclaration la plus simple, la forme lumineuse composée des valeurs plus claires et la forme sombre composée des valeurs plus sombres. Les artistes ne sont pas des caméras et, par conséquent, nous ne pouvons pas enregistrer la quantité de valeurs que nous voyons pixel par pixel comme un appareil photo peut le faire. regroupement des valeurs est donc un moyen de distiller toutes les valeurs que nous voyons vers le bas en groupes de valeurs plus gérables. Afin de nous familiariser avec ce concept, jetons un coup d'œil à une variété de photos et analysons comment nous pourrions décomposer les valeurs présentes en deux formes simples. Voici un exemple de la façon dont je vais dessiner des formes en utilisant cette photo. Avant de commencer, je commence avec un dessin au trait de la tête aussi précis que possible avec les caractéristiques et les proportions, donc je sais que je vais placer ces formes d'ombre. Une fois que j'ai le dessin, j'essaie d'observer la photo et de comprendre où se trouvent ces ombres. Je cherche des bords durs comme ceux-ci étaient des valeurs plus sombres sont très étroitement contre des valeurs plus claires. Comme le long de la joue, sous le nez, et sous le cou, et les lèvres, et sous l'os du sourcil qui montrent la frontière claire entre l'endroit où la lumière se termine et ombre commence et je les indique dans mon dessin. Comme vous pouvez le voir, cette photo montre un sens très clair des ombres et donc le travail a été rendu assez facile pour moi ici. Ici, je suis juste en train de remplir les formes d'ombre que j'ai établies avec une valeur plus foncée. Vous pouvez voir clairement comment j'ai divisé les valeurs en seulement deux formes simples, la forme de la lumière et la forme de l'ombre. C' est ainsi que je décompose les valeurs de cette photo en une déclaration de valeur simple en utilisant seulement deux formes de valeur. Pour le plaisir, comparons-le à la façon dont Photoshop décompose les valeurs de cette photo. Encore une fois, ajustez les valeurs de sorte que toutes les valeurs plus claires de la photo soient poussées vers le blanc et que toutes les valeurs plus sombres soient poussées vers le noir. Je pense que je suis venu assez près et c'est un bon signe. Voici comment mon bloc se termine quand je suis prêt à commencer à utiliser des crayons de couleur. Ayant cette planification en place avant d'entrer dans la couleur, je sais où je dois aller avec ces couleurs plus sombres, ce qui est extrêmement utile. Jetons rapidement un coup d'oeil à d'autres exemples. Il y avait des zones plus difficiles sur cette photo où je ne pouvais pas vraiment voir la distinction claire entre la lumière et l'ombre, comme le long des cheveux et le front. Depuis la transition entre la lumière et l'obscurité est beaucoup plus progressive. Dans ces cas, il me suffit de prendre une décision et de concevoir la forme moi-même du mieux possible. Il est important de noter que ces formes n'ont pas besoin d'être parfaites ou super claires pour commencer, car elles peuvent être ajustées au fur et à mesure que je travaille, d'autres artistes peuvent choisir de dessiner ces formes différemment et de regrouper les valeurs différemment que je l'ai fait, poussant les zones plus vers la lumière que dans l'ombre et vice versa. Concevoir des formes dépend vraiment de l'artiste et de ce que l'artiste veut voir avec sa pièce. Dans cet exemple, la photo regroupe déjà magnifiquement sa joue qui est dans l'ombre avec le cou et l'oreille et la partie des cheveux ensemble pour créer une déclaration beaucoup plus simple. Mais il y a des problèmes ici, et donc je veux les signaler car c'est une erreur courante que je vois avec les débutants. Ce qu'un débutant pourrait faire est de se faire prendre dans toutes les petites taches plus légères où la lumière frappe chaque petite bosse dans la tresse et essayer de les sortir individuellement, puisque l'inclinaison naturelle est de mettre en évidence tout que nous observons. Mais cela peut conduire à exagérer considérablement le contraste et à créer trop de petites formes distrayantes. Il est souvent préférable de créer des formes plus grandes qui décrivent la valeur générale de la zone, car il ne s'agit pas de toutes les petites bosses et les cheveux, mais plutôt de son visage qui est dans la lumière et qui est encadré par la forme générale sombre de ses cheveux. Une autre zone de problème est les reflets lumineux sur la peau. Les gens ont tendance à exagérer considérablement la valeur des faits saillants et à essayer de dessiner autour d'eux en brisant les formes avec plus de valeurs, ce qui laisse un aspect déroutant et désordonné. Les points forts sont mieux représentés lorsque leur groupe fait partie de la forme de la lumière et plus simplement indiqué comme tel. Après tout, cette image n'est pas sur les reflets lumineux sur son front et son nez, et son épaule. Mais il s'agit plutôt de cette déclaration de valeur globale claire et simple. Lorsque vous voulez regrouper des valeurs en formes, je trouve qu'il est utile de demander d'abord, à quoi parle cette photo ? Cela semble être une question étrange, évidente, mais il faut souvent le répéter lorsqu'on essaie de comprendre comment simplifier l'image. Est-ce que cette image concerne la mise en évidence caractéristiques d' une personne ou est-ce plus sur un scénario d'éclairage intéressant ? C' est ainsi que je décompose l'éclairage dans cet exemple, semble presque trop simple. Eh bien, sur la base de cette information, je peux encore décomposer ces formes simples, pour montrer les nuances dans l'ombre et la lumière. Remarquez à quel point je garde les valeurs dans les formes de lumière et d'ombre, sorte que les instructions d'éclairage général passent toujours à travers. La forme plus claire ou lit clairement la lumière contre la forme d'ombre générale plus sombre, ce qui est la clé pour créer un sentiment de lumière convaincant. Comparez cela à ce que je considérerais comme un mauvais exemple. Ici, j'ai délibérément exagéré bas niveau de contraste des caractéristiques et de toutes les petites zones plus sombres dans les cheveux, et ce faisant, j'ai fini par créer trop de formes distrayantes. À mon avis, cette photo n'est pas de pouvoir voir clairement tous ces petits détails sur les cheveux et le visage. Mais il s'agit plus de la belle configuration de rétroéclairage et de la subtilité de ses caractéristiques qui jettent un coup d'œil dans l'ombre. Savoir ce que vous voulez que l'image soit clarifiera pour vous, comment vous pourriez vouloir concevoir vos formes. Par exemple, il ne fait aucun doute de ce que cette photo est à propos. Il s'agit de cette lumière triplée intéressante qui tombe sur son visage. C' est ainsi que j'ai grandi mes valeurs et dessiné mes formes, et voici l'énoncé de valeur le plus simple. Mais une fois que j'ai établi une déclaration, cela signifie que je peux développer cela et ajouter plus de complexités comme des ombres plus profondes dans la forme de l'ombre et de légères variations dans la forme de la lumière. Mais regardez comment j'ai toujours gardé les deux formes très différentes l'une de l'autre, donc je ne perds pas ce sens de la lumière puisque c'est ce qui est l'objet de cette image. Voici un exemple où le visage entier est en fait dans l'ombre. Alors de quoi parle cette photo ? Il s'agit de cette lumière intense qui frappe la tache de ses cheveux qui encadre son visage, et non pas de mettre en évidence ses traits. En tant que portraitiste, il pourrait être tentant d'accentuer les traits en tout temps, mais dans ce cas, cela interférerait avec le sens de la lumière sur nos cheveux. Encore une fois, une fois que j'ai établi cette déclaration simple d'abord, alors je peux commencer à faire ressortir les nuances de ces domaines avec beaucoup plus de contrôle et de direction. Est prendre la complexité de la photo, distiller jusqu'à sa déclaration la plus simple afin de pouvoir faire ressortir la richesse et la complexité de l'image, il n'est pas facile d'essayer de construire quelque chose de grand sans d' abord poser les fondations qui vous aident à y guider. Distiller les valeurs vers le bas dans cette déclaration simple avec des formes, c'est jeter cette base. Cela vous aidera énormément quand il s'agit d'utiliser les couleurs. Quelle photo devriez-vous chercher ? Certaines photos ont un sens très clair de la lumière et de l'ombre qui nous rend le travail de conception de formes beaucoup plus facile. Ils montrent souvent une nette distinction entre l'endroit où se termine la lumière et l'ombre commence. J' aime chercher une lumière directionnelle claire comme la lumière du soleil ou l'éclairage de studio qui jette une forte ombre coulée. Depuis ces hubs, les scénarios d'éclairage ont généralement un sens très clair de la lumière et des ombres. Je suis à la recherche de ces photos, chercher des ombres fortes et nettes sous la mâchoire ou sous le nez qui créent des transitions plus visibles de la lumière à l'obscurité. Cependant, toutes les photos ne sont pas créées égales, et il y a certainement quelques photos, je dirais sont plus difficiles à travailler, surtout à nos fins. Ce sont des photos. J' ai une configuration d'éclairage très uniforme qui ne montre pas un sens clair de la lumière et de l'ombre. Ce type même de scénario d'éclairage est le résultat soit d'avoir de nombreuses sources d'éclairage différentes ou d'une source de lumière plus diffuse comme dans la plupart des photos aussi amicales. Dans ces photos, les ombres sont beaucoup moins distinctes et les transitions de la lumière à l'ombre sont graduelles, parfois presque indiscernables. Personnellement, je n'aime pas travailler à partir de ces photos, de mes portraits, car sans un sens clair de la lumière et de l'ombre sur la forme, je trouve qu'il est facile pour le portrait de tomber à plat. Si vous venez de commencer, un endroit idéal pour pratiquer est d'utiliser des photos en noir et blanc, car il est beaucoup plus facile de voir les relations de valeur sans le filtre de couleurs. En fait, un très grand exercice à faire serait de prendre une photo en noir et blanc comme celle-ci et d'essayer de faire votre propre version, en utilisant des couleurs à la place et de voir ce que vous pouvez trouver lorsque vous essayez de suivre la structure de valeur du photo. Je soupçonne que si vous gardez vos valeurs et vérifiez, vous pouvez vous retrouver avec des combinaisons de couleurs que vous n'avez peut-être jamais essayé auparavant. Ça pourrait vous surprendre agréablement. En parlant de couleur, comment tout cela nous relie-t-il à nous aider à gérer les couleurs ? Après tout, c'est un cours de crayon de couleur, n'est-ce pas ? Je vous promets que la clé pour débloquer votre confiance et votre maîtrise couleurs est d'abord de vous familiariser avec le contrôle de vos valeurs, pour aider à renforcer votre compréhension de la façon d'utiliser les formes. La leçon suivante est une démonstration de deux portraits où je vous emmène à travers le processus de dessin des formes étape par étape. 4. Démo en temps réel : formes: Dans cette démonstration, je vais vous guider à travers les étapes et processus de réflexion derrière l'analyse d'une référence photo, et simplifier les valeurs en formes pour construire le portrait. Je suggère d'essayer de suivre ce que je fais pour renforcer votre compréhension. Je vais commencer par marcher en forme de tête. Fondamentalement, je commence par essayer d'obtenir l'essentiel de la tête vers le bas en premier et obtenir les caractéristiques du visage placées assez précisément avant d'aller dans la recherche des formes d'ombre. Sous le menton, vous pouvez voir qu'il y a une forme d'ombre qui traverse le cou comme ça, et dans l'oreille ici, vous pouvez voir qu'il y a une forme d'ombre qui ressemble à ça, causée par cette partie supérieure de l'oreille là-bas. Essayer grosso modo de trouver les caractéristiques, de sorte que vous pouvez voir une forme d'ombre sous la lèvre ici, c'est parce que les lèvres ont de la forme et qu'elles sortent du visage afin qu'elles vont jeter un peu d'ombre quand est frappé par la lumière. La partie la plus légère du visage, je pense, est ici. Une fois que le visage se détourne de la lumière le long de la joue ici, vous allez avoir cette ombre sombre en dessous. Ce que je vais faire, c'est que je vais remplir les formes d'ombre pour vous montrer l'effet qu'il a sur votre dessin, une fois que vous avez séparé ce qui est dans la lumière et ce qui est dans l'ombre. Je vais commencer par les formes très claires que j'ai qui sont quelques-unes de ces ombres coulées, qui étaient plus faciles à identifier sur la photo. Je m'inquiète juste des formes d'ombre, pas de ce qui est dans la lumière. Cette lèvre supérieure est ici dans l'ombre parce qu'elle est orientée vers le bas et qu'elle se détourne de la lumière. Vous remarquez comment cette ombre sous le nez, une partie de cela fait partie du nez, ce petit dessous du nez, mais je la regroupe avec l'ombre coulée en dessous. Je ne m'inquiète pas pour les narines là-bas, à ce stade, je suis juste en train de le regrouper en une simple forme d'ombre, comme avec les yeux ici. Maintenant, je vais m'occuper de cette ombre de joue. Je vais mettre toute cette zone dans l'ombre ici. Pour moi, cela se sent trop sombre, Il est en concurrence avec cette ombre, Je pense que cela me dit que je veux le garder dans la forme de la lumière. Je pense que ça se lit mieux. Maintenant, je veux que la joue fasse partie de la forme légère, ce qui veut dire que je ne veux pas qu'elle soit très sombre. Je veux qu'il soit juste assez sombre, donc il se lit comme faisant partie de la forme de la lumière au lieu de la forme de l'ombre. Ouais, je pense que pour moi, c'est mieux que ce que j'avais juste avant. C' est ce qui est délicat à essayer de décider où est cette ligne, voulez-vous que cela tombe dans la forme de lumière ? Comme comment j'ai maintenant où cette valeur est plus proche de la lumière qu'elle ne l'est de l'ombre, il soulève donc deux formes distinctes. Ou voulez-vous pousser cela vers le bas vers la valeur de l'ombre, sorte que toute cette chose se lit comme une grande forme. J' ai découvert qu'une fois que j'ai eu ça un peu plus sombre, je n'aimais pas vraiment à quoi ça ressemblait. Je ne sais pas toujours tout de suite comment regrouper ces valeurs. Il est beaucoup de fois d'essai et d'erreur, je suis toujours affiner et redessiner les formes comme je vais. Aussi les yeux que je vais mettre dans l'ombre. Sous les paupières inférieures aussi va être affectée par l'ombre. Maintenant, nous avons notre dégradation de base de la lumière et de l'ombre de ce visage, mais cela ne signifie pas que votre portrait doit s'arrêter ici. Par exemple, je ne veux pas juste laisser le nez comme ce dessin de trait ici. Je veux ajouter une indication de forme encore pour qu'il se lit, comme un nez. Mais regardez à quel point je suis très doux ici pour ne pas créer trop de valeur plus sombre là-bas, parce que je veux toujours lire, comme cela fait partie de cette forme de lumière ici. Comme avec ce front sous la crête du front là-bas, je veux montrer cette forme arrondie entre la crête du front, mais je ne veux pas qu'il soit si sombre qu'il se lit comme ça une grande forme. Le long du front ici, je veux montrer la courbure de sa tête. Remarquez comment ça ne va toujours pas aussi sombre que l'ombre parce que je ne veux pas qu'elle se lise comme dans l'ombre. Je veux lire comme s'il s'éloigne de la lumière mais pas aussi sombre que cette forme d'ombre, il lit toujours comme toute cette zone comme une seule forme. Il suffit d'ajouter un peu plus de nuance à ces fonctionnalités maintenant. Je pense que l'ombre est devenue un peu trop sombre, donc je vais soulever un peu ça parce que je ne veux pas trop de contraste le long de ce bord là-bas. Une fois que vous avez établi votre situation d'éclairage, avec des tons de peau plus foncés, c'est à ce moment que je vais donner une belle tonalité de base à leur peau. Je suggère d'abord d'établir le scénario d'éclairage avant d'établir la tonalité de base, car cela peut devenir un peu déroutant pour beaucoup de gens. J' aime d'abord établir ce cristal clair ce qui est dans la lumière, ce qui est dans l'ombre, puis je m'inquiète d'établir le ton de base de leur peau. Maintenant, je vais passer sur toute la peau et lui donner une tonalité de base, mais je vais toujours être très prudent pour ne pas devenir aussi sombre que ces valeurs d'ombre que j'ai établies, parce que je ne veux pas qu'elle lise comme si elle faisait partie de l'ombre forme. Je passe juste sur ces zones. Je ne m'inquiète pas beaucoup des zones mises en évidence. Eh bien, je serai un peu prudent autour de ça. Je suis juste en train d'établir un ton de base, sauf que je vais faire le tour du nez là-bas. Ensuite, nettoyez simplement le dessin. Ajustez certains détails. Cette forme d'ombre des lèvres s'est un peu perdue alors j'essaie de le ramener un peu. Je pense que c'est assez incroyable à quel point les formes d'ombre que j'ai établies très tôt font tant pour donner à ce dessin bidimensionnel plat un sens aussi fort de la forme. Quand il s'agit d'utiliser des crayons, c'est essentiellement ce que je fais aussi, sauf avec des crayons, il y a la difficulté supplémentaire d'utiliser la couleur. Là maintenant. Voyez comment une fois que nous avons établi ce qui est dans la lumière, ce qui est dans l'ombre, alors nous pouvons entrer et ajouter les petites nuances de cette puissante pommettes ici qui apparaît sombre sur la photo. Mais rappelez-vous quand je l'avais aussi groupé que la forme de l'ombre, et que je l'avais à une valeur aussi sombre, cela ne semblait pas correct. C' est pourquoi je l'ai repoussé dans la forme de lumière, mais maintenant je suis capable de mesurer l'obscurité et la lumière que je devrais aller avec. Nous avons un autre bon exemple ici parce que le visage de ce modèle est très structurel et je peux très clairement voir les formes de l'ombre à travers la forme de son visage. Je suis juste en train d'observer la photo et je vais grossièrement bloquer la forme de la tête et ensuite tracer les caractéristiques. Parfois, je saute dessiner l'entité et je dessine simplement la forme de l'ombre que je vois, et cela m'aide également à placer les entités après avoir établi où se trouvent les ombres. Parce que j'utilise juste les formes négatives que je vois autour de cette ombre. Voici la disposition générale juste de notre dessin. Maintenant, je vais entrer et trouver ces formes d'ombre. Les formes d'ombre peuvent être aussi peu que ce petit bloc sous l'oreille, montrant que cette oreille est une chose qui a un sens de la largeur, n'est pas un morceau de papier, il a un sens de la largeur ici, donc une fois que la lumière frappe alors cette partie de l'oreille est dans l'ombre. Gardez cela à l'esprit aussi lorsque vous cherchez les formes d'ombre. Fondamentalement n'importe quel type de forme, comme les lèvres, le nez, les yeux, rien n'est comme du papier, tout a de la largeur, alors gardez toujours cela à l'esprit. La plus grande ombre que je vois est le long de cette joue ici. Fais ça. Alors je vois ça se passer comme ça, le long de sa mâchoire. Bien sûr, comprendre et savoir comment fonctionne la structure faciale en termes d'anatomie vous aidera énormément quand il s'agit de dessiner ces formes d'ombre le long du visage. C' est quelque chose à garder à l'esprit si vous vouliez faire quelques études supplémentaires à ce sujet. Mais pas toujours clair où sont les ombres. Comme je l'ai dit, comme on l'a fait ici, je dois faire un essai et une erreur. Encore une fois comme mon commentaire sur les oreilles ayant une largeur sous les couvercles inférieurs, il y a aussi la largeur là qui va attraper l'ombre, donc certainement obtenir cela aussi. Aussi sous les paupières supérieures. Encore sous le menton. Parce que nos mentons ne sont pas seulement des morceaux de papier plat, à cet angle du visage, nous voyons encore un petit peu du plan inférieur du menton qui regarde à travers, donc nous allons voir juste un peu d'ombre là. Ensuite, prenons cette forme d'ombre sous le menton sur le cou, c'est-à-dire une ombre en argent jetée sur le cou par la tête. Quand je cherche les formes d'ombre à bloquer pendant mon bloc dans la scène, je cherche principalement seulement les plus grandes qui se démarquent. S' il ne se distingue pas vraiment, je ne le dessine pas, car il est probablement plus proche d'être en forme de lumière que dans l'ombre, et il est plus facile de passer de la lumière à l'obscurité qu'il ne l'est de l'obscurité et d'avoir à effacer quoi que ce soit. En cas de doute, je le laisse et je ne dessine que les grandes formes d'ombre que je vois. Mettons dans cette forme d'ombre de ce côté du nez ici, parce que nous savons que si vous pouvez identifier une forme d'ombre le long de ce menton ici ou le long de la joue ici, alors vous savez de ce côté du nez il y aura aussi une ombre aussi parce que c'est exactement comme ça que la lumière fonctionne, elle fonctionne très uniformément comme ça. Je pense que le problème que je pense que les gens pourraient avoir avec ce portrait particulier ou cette référence photo particulière est, regarder les cheveux et se perdre tous les détails des cheveux ici, et essayer de tirer tous les petits mèches de cheveux. Ce serait une erreur à faire à ce stade quand nous essayons de comprendre les formes de l'ombre. Nous voulons traiter ces cheveux comme une grande forme. Je ne m'inquiéterais pas de voir toutes ces petites crevasses entre les cheveux et d'essayer de les verrouiller, au lieu de cela je regardais n'importe quelle forme majeure et ensuite juste faire comme une forme globale. Comme la seule forme que je vois vraiment est cette forme ici. Je laisserais ça pour l'instant, peut-être ici aussi. Parce que ce côté de la tête est dans l'ombre. Je pense que ce côté des cheveux est aussi dans l'ombre et plus sombre, alors peut-être juste que c'est assez. Mais je ne m'inquiéterais pas d'essayer de dessiner toutes ces petites formes d'ombre. Je voudrais juste m'inquiéter d'obtenir de grandes formes globales que vous pouvez identifier et dessiner facilement et ensuite aller à partir de là. Encore une fois, c'est un bloc dans le dessin, il n'a pas besoin d'être parfait parce que vous avez une certaine flexibilité lorsque vous passez à l'utilisation de la couleur et vous pouvez ajuster le dessin au fur et à mesure. Mais avoir un excellent block-in à partir duquel travailler inculque une certaine confiance, donc quelque chose sur lequel travailler toujours, mais pas au point où vous ne donc quelque chose sur lequel travailler toujours, passez même pas à l'utilisation de la couleur, vous êtes juste coincé dans la partie dessin. Encore une fois le point sur les oreilles ayant la largeur et les paupières, aussi les cheveux. Le long de la racine des cheveux, les cheveux ont une certaine quantité de largeur. Ce n'est pas comme une feuille de soie ultra fine assise sur sa tête très serrée. Pensez-y comme un tapis de yoga à la place où il est un peu en peluche, il a un peu d'épaisseur. Par conséquent, vous allez observer un peu d' ombre le long de la racine des cheveux là-bas à cause de cela. Quoi qu'il en soit, je pense que c'est aussi loin que j'irais probablement. Donc c'est nos formes d'ombre et maintenant je vais les remplir comme nous l' avons fait plus tôt et voir à quoi ça ressemble. Donc je le remplis juste assez uniformément. Toute cette oreille que j'ai mise dans l'ombre. Voyez comment j'allais à travers les formes juste en traitant la forme de l'ombre comme une grande forme d'ombre. Ne vous inquiétez pas que cette partie de la forme de l'ombre soit dans la peau. Cette partie de la forme de l'ombre et donc dans les cheveux, je ne m'inquiète pas pour l'instant. Nous pouvons établir les nuances plus tard. Une fois que nous avons ce sens clair de ce qui est dans la lumière et de ce qui est dans l'ombre. N' oubliez pas les formes d'ombre sous les couvercles. une ombre sur les globes oculaires. Habituellement, j'aime rainer l'iris avec la forme de l'ombre aussi. Même s'ils ont des yeux de couleur très claire. Je peux ramener la lumière. Oui, je peux ramener un peu de cette lumière. Puis les sourcils. N' oublions pas les lèvres. Donc, je pense que dégage déjà un sens très clair de la forme et de la lumière, ce qui est grand. Mais nous ne voulons pas que nos dessins aient l'air aussi brutal. Nous ne voulons pas que tout cela soit une couleur singulière et traité de façon très uniforme comme ça. Nous voulons apporter certaines des nuances aux fonctionnalités. Nous voulons montrer qu'il y a un peu quelque chose ici qui séparera le nez du reste de cette joue. Nous voulons apporter un peu de détail dans les cheveux pour qu'ils ressemblent à des cheveux et nous voulons montrer que cette partie de la tête reçoit plus de lumière. C' est plus léger qu'ici, le long de la joue et le long du cou. Il semble être plus sombre en regardant la photo. Donc, à ce stade, nous sommes prêts à entrer et à montrer ces nuances afin qu' ne ressemblent pas à ce genre de mosaïque, à l'art. Mais je veux vraiment vous montrer à quel point il est facile de prendre cela à quelque chose qui se sent beaucoup plus réaliste et naturel. Mais la clé est de savoir comment le faire d'abord. Faire une distinction claire entre ce qui est dans la lumière et ce qui est dans l'ombre. Croyez-moi, cela entrera en jeu une fois que vous commencerez à appliquer la couleur, je vais entrer avec ma gomme pétrissable et je vais soulever une partie de la valeur ici dans cette forme d'ombre, parce que je veux que cette joue lise comme la partie la plus sombre de cette ombre forme. Je veux un fort contraste là-bas. Remarquez que je soulève la valeur ici, mais j'essaie de faire attention à ne pas la laisser aller trop vers la lumière parce que je ne veux pas confondre avec la forme de la lumière. Donc pour aider ça, je vais assombrir ce bord de la joue ici. Notez que je brise la ligne et apporte une certaine valeur à la partie plus légère pour créer une transition plus fluide. Ce n'est pas parce que j'insiste sur le dessin des formes d'ombre très proprement et clairement que cela ne signifie pas que nous devons garder ces bords aussi durs que nous les avions dessinés au départ. Nous pouvons en sortir une fois que nous les aurons établis pour créer des transitions plus fluides. Là encore, cette partie du nez que je veux ramener ça. Aussi en revanche, je veux assombrir ceci ici et remarquer comment j'ai deux bords forts ici, mais je veux maintenant mélanger ce bord sur le côté ici afin qu'il soit plus doux transition le long du pont du nez. C' est un sentiment beaucoup plus naturaliste. Je vais dessiner dans la paupière. Parfois, j'aime utiliser un timbre, parfois j'aime juste aller avec le crayon. Alors maintenant j'essaie d'apporter des nuances dans la lumière. La clé pour le faire à nouveau, est de le garder assez léger et pas aussi lourd que vous le feriez dans l'ombre parce que vous voulez toujours que ce soit lu dans le cadre de la lumière. Maintenant, cette photo peut être un peu délicate parce que je pense que le mannequin porte peut-être un peu d'ombre à paupières. Donc, je vais essayer de l'indiquer très attentivement cependant. Encore une fois, je veux qu'il se lise comme dans la lumière. Je ne veux pas confondre avec l'ombre. Donc, je le fais toujours aussi à la légère. Ici ça ne me dérange pas, parce que cette partie est en fait dans l'ombre ici. Je vais redessiner cette forme d'ombre parce que je me suis un peu perdu. Je les redessine constamment et pousse les choses à la lumière ou pousse les choses dans l'ombre, parce que je ne suis pas sûr à cent pour cent tout de suite. Je veux montrer qu'il y a un peu de narine là-bas, mais je veux la garder limpide dans cette forme d'ombre. C' est pour ça que je vais le revoir avec un crayon sur toute la zone pour qu'elle tombe dans cette forme d'ombre. Je vais très soigneusement indiquer juste un peu d'un avion changeant là pour le nez, étendu jusqu'au pont, et un peu trop sombre là-bas. Donc, la clé est de ne pas se laisser distraire par chaque petite valeur sombre que vous pensez voir. Parce que remarquez à quel point je suis allé le long du nez là-bas, mais je pense que c'est assez pour montrer que c'est un nez. Je ne ressens pas le besoin d'y aller très sombre. Maintenant, je vais ramener une partie de cette valeur au menton. Si la lumière vient d'en haut, le menton va obtenir moins de lumière. Mais ici, je fais encore très attention, parce que je veux que cette partie du visage soit regroupée dans la forme de lumière. Je ne vais pas aussi sombre que je le ferais ici, parce que je ne veux pas qu'il lise comme si ça faisait partie de la même forme. Encore une fois, apportant un peu plus de valeur vers le bas vers le menton parce que cette zone va recevoir moins de lumière, à en juger par notre référence photo, et aussi ce côté du visage aussi. Puisque la lumière semble venir de cette direction et sur, et aussi le cou semble être plus sombre aussi. Mais remarquez qu'il est toujours dans la lumière, parce que nous avons la forme d'ombre forte qui est clairement séparée de cela. Je vais l'alléger juste un peu. Je vais nettoyer un peu le dessin. C' est essentiellement mon processus quand il s'agit de dessiner des portraits, ainsi que de peindre des portraits. Même si j'utilise la couleur, je pense toujours à cette relation de valeur. Si vous vouliez montrer la texture des cheveux, j'indiquerais seulement quelques grosses touffes que vous pourriez voir. Je n'irais pas essayer de les faire tous, parce que ça a tendance à être très distrayant. Habituellement, quand il s'agit de cheveux, je trouve que moins, c'est plus. J' aime l'aborder avec une approche impressionniste, à peine suggérant. Remarquez comment je vais revenir en arrière et effacer beaucoup de ces valeurs que je viens de créer, parce qu'il fait trop sombre. Je voulais le lire comme s'il faisait partie de la lumière parce que c'est comme ça que je l'ai regroupé. Donc, c'est la chose difficile à propos des cheveux, est d'essayer d'équilibrer comment montrer juste assez de texture pour que vous compreniez à quoi ressemble les cheveux. Mais vous ne voulez pas trop, car alors il semble un peu trop occupé dans la forme de dessin. Dans les photos, c'est parfaitement bien, mais sous forme de dessin et sous forme de peinture, il n'a tout simplement pas l'air correct. Quelque chose semble un peu trop alambiqué. On n'a pas besoin de le dire autant. Nous n'avons pas besoin de l'épeler essentiellement pour notre public, vous avez juste besoin de le suggérer. J' apporte quelques nuances en ajoutant les plus sombres, ancrant ces coins de la bouche, et en affinant la forme des lèvres. Aussi, je vais apporter un peu de valeur aux lèvres, la lèvre inférieure aussi, essayer de faire le tour de ce point culminant sur la lèvre inférieure là-bas. Maintenant j'ai ça, j'ai besoin de faire sombre dans l'ombre en dessous, parce qu'il n'a plus l'air aussi sombre. La gestion de ces valeurs est donc une question de contexte. Il n'a pas l'air sombre contre. Les valeurs sont [inaudibles] ou ne sont pas claires par rapport aux valeurs qui sont à côté de lui. Tu dois toujours t'ajuster. Si je voulais que cela lise comme une ombre, alors il doit lire plus sombre que les valeurs à côté, et vice versa. La dernière chose que je vais faire est que je vais essayer d' indiquer une légère courbure du crâne. Donc les lumières venant d'ici et ça va progressivement s'assombrir de ce côté. Mais rappelez-vous, c'est notre forme d'ombre et cela fait partie de la lumière. C' est pourquoi je le garde très, très, très doux, très léger, pour qu'il ne devienne pas si sombre. Il y a encore cette transition très douce. Vous obtenez la nuance de la caractéristique que la tête tourne, est incurvée, s'éloigne de la lumière, mais lit toujours dans le cadre de la forme de la lumière, et c'est ainsi que j'aime organiser mes valeurs. Voyons que l'organisation des valeurs [inaudible] est incroyablement utile pour transmettre un sens de la forme. Mais comment traduire cette compétence en couleur ? Regarder la photo pour l'inspiration peut aider, mais que faire si vous vouliez aller au-delà de ce qui a été suggéré dans la photo ? Dans la leçon suivante, je vais vous montrer comment vous pouvez définir votre portrait en couleur, afin que vous puissiez ouvrir un chemin plus clair vers une finition. 5. Partie 1 Formes et ombrages définitifs: La prochaine série de leçons sera une démonstration en temps réel d'un portrait basé sur cette photo. Je recommande tout en regardant que vous suivez avec moi en faisant le même portrait basé sur la même photo que j'utilise pour la démo, afin que vous puissiez vraiment absorber l'information et suivre le processus, ou si vous voulez plus d'un défi, choisissez une autre photo avec laquelle vous souhaitez travailler et voyez si vous pouvez interpréter mon processus dans votre propre portrait tout au long de la démo. Pour cette démonstration, j'ai choisi cette photo pour travailler et j'aime cette photo car il y a une distinction très nette entre ce qui est dans la lumière et ce qui est dans l'ombre. Comme vous pouvez le voir, les ombres sur son visage sont très clairement définies. Quel que soit le portrait que j'aime commencer par un dessin, donc je sais où je vais et je vais le bloquer avec mon crayon mécanique. Je vais aller avec le block-in, et je veux que le portrait soit aussi grand sur la page. J' aime commencer par avoir une idée de la taille que je veux sur la page. Parce que la silhouette de sa tête est si claire, c'est ce que je commence ici. En fait, peut-être vouloir aller un peu plus grand et l'avoir peut-être à propos de ça. J' aime utiliser le crayon parce qu'il est très flexible et je peux ajuster le dessin autant que je veux sans m'y engager. Quand je fais le block-in, d'abord, je veux juste savoir où est tout. Je ne pense pas vraiment aux ombres à ce stade, je cherche juste quelle est la forme de son visage ? Où sont ces oreilles ? Où sont ses yeux et son nez ? ce moment, je ne pense pas aux formes d'ombre en ce moment. Je veux juste tout faire tomber. C' est juste un dessin au trait propre pour commencer. Je vais dessiner des directives comme ça, pour que je puisse placer mes yeux sur le même plan, trouver mon nez et le placement général des lèvres. Le block-in n'a pas vraiment besoin d'être parfait, mais j'aime bien le dessin avant de commencer à le colorier parce que vous n'avez pas à vous soucier du dessin autant que vous travaillez avec des couleurs, parce que les couleurs est ajouté couche de difficulté au-dessus de tout ce que vous faites. Je ne lui ai pas donné assez d'espace entre le nez et la bouche. Je vais dessiner le point culminant de l'œil. Voici un dessin rapide de ce portrait et c'est au-dessus du point où je commence à prendre en considération les formes d'ombre. Encore une fois, je choisis cette photo parce que je vois une distinction si claire de ce à quoi ressemblent les formes d'ombre. Je vais commencer par bloquer les formes d'ombre que je vois. Je vais commencer par celui sur le nez parce que je le vois si clairement ici. Je vais juste simplifier et tracer une ligne droite là, mais je vais légèrement courber où je m'attends à ce qu'il y ait la boule de son nez ici. Puis il y a la garniture du nez, cette petite forme là-bas et je vois une ligne droite descendre vers les lèvres là-bas. Puis sur la lèvre inférieure je vois une ligne qui se courbe comme celle-ci, suivant le contour de la lèvre et sous la lèvre, je vois cette ligne très droite comme ça. Suivant le contour de son menton, il y a une ligne plus courbe comme celle-ci qui descend sur le menton. Je vais continuer à suivre ici, jusqu'au cou, puis une ligne moins claire quelque part le long du cou. Je vais simplement simplifier cette forme en ligne droite. Parce que j'ai étudié l'anatomie et je comprends qu'il y a ce muscle, pour le cou ici, qui est en forme de ça, je comprends pourquoi l'ombre est façonnée comme elle est. Si vous ne savez pas, alors c'est une raison de plus pour choisir une photo comme celle-ci parce qu' il est si clairement indiqué à quoi ressemble cette ombre. Tout ce que vous avez à faire est de simplement le copier du mieux que vous pouvez et aussi simplement que vous le pouvez, sans essayer de créer trop de formes, trop de divisions et de tours. Essayez juste de le garder aussi simple que possible. On va retourner au visage. Je vais indiquer l'anatomie de l'oreille ici et dessiner toutes ces formes à l'intérieur. Je vais maintenant y aller et dessiner ce petit morceau de lumière sur la partie ombre de son visage ici. Pensant dans des formes négatives maintenant, je vois une forme qui ressemble à ça. Ça n'a pas besoin d'être parfait. C' est aux artistes de le concevoir comme ils le jugent bon. La scène de dessin, il n'a vraiment pas besoin d'être parfait parce que je suis toujours d' ajuster le design de ces formes comme je vais avec les crayons de couleur. Parce que parfois je me rends compte que je n'aime pas la façon dont je l'ai dessiné. Le long du front ici, par rapport à cette ligne sur le nez, c'est une transition beaucoup plus progressive. Je ne sais pas exactement où placer la ligne. Je vais juste faire une supposition instruite. C' est vraiment le mieux que tu puisses faire parce qu'à la fin de ce portrait, je ne vais pas avoir une ligne brutale ici. Cette ligne est juste pour moi et pour vous quand vous faites cette partie du processus, savoir qu'au-delà de cette ligne ici, c'est là que le visage se détourne de la lumière et jette donc une ombre ici. Il fait partie de la forme qui est dans l'ombre. Vraiment, c'est juste un indicateur pour moi de savoir que pendant que j'ombrage, ce côté est l'endroit où je vais être sombre et ce côté est où je vais rester plus léger. C' est vraiment juste un outil pour vous aider, alors ne pensez pas que vous devez le faire si parfaitement ou à une sorte de règle, il n'y a vraiment pas de règle ici. C' est quelque chose qui devrait t'aider, pas te gêner. Maintenant, je regarde les formes d'ombre dans la partie lumière de son visage. Il y a un peu d'ombre que je vais dessiner le long de la paupière inférieure ici, et aussi de ce côté de l'œil ici. Ce n'est pas très clair pour moi, mais je vais juste le dessiner. Je fais juste de ma meilleure supposition parce qu'aucune de ces lignes n'est fixée dans la pierre. On peut toujours ajuster les choses au fur et à mesure. Le dessin semble être en train de se réunir. Au début, je n'aimais pas à quoi ressemblait le dessin. Mais avec les ombres en place, cela fait beaucoup pour donner à ce dessin un sens de la structure. C' est ce que je pense être si génial à propos de photos comme celles-ci, le sens clair des ombres. Il vous aide à voir la structure du visage beaucoup plus facile, et il rend également plus facile de dessiner un visage qui a ce sens de la structure. Je suis particulièrement attentif aux caractéristiques, assurant que les proportions sont correctes et j'obtiens les nuances de leurs caractéristiques parce que c'est ce qui fait qu'une personne se démarquer du reste de ses caractéristiques individuelles. Si quoi que ce soit d'autre, je veux m'assurer d'obtenir leurs fonctionnalités aussi près que possible de leur apparence. Avec cela, je pense que nous sommes prêts à procéder à notre portrait et à le mettre en place. Voici à quoi ressemble mon bloc et mes dessins quand je suis prêt à apporter mes crayons de couleur. 6. Partie 2 Nettoyage et lumière: Maintenant, ce que je vais faire est en fait prendre ma gomme pétrissable et effacer certaines lignes afin que je n'ai pas un dessin de ligne aussi clair. Je veux être en mesure de voir avec quoi je travaille, mais pas avoir un dessin très fort montrant à travers pendant que je travaille. Parce que pour moi personnellement, je trouve les lignes très distrayantes quand je travaille avec les couleurs. Je ne veux pas que les lignes restent à la fin, mais je veux quand même pouvoir voir ce que je fais. Je vais juste prendre ma gomme pétrissable et juste commencer à soulever certaines des lignes juste assez pour que je puisse encore voir ce que je fais et où je vais, mais assez léger pour qu'il finisse par ne pas apparaître quand on en aura fini avec. Voici comment le dessin ressemble après que j'ai soulevé une partie de l'excès de graphite. Il ne me reste qu'un fantôme de dessin. C' est le point où je me sens prêt à entrer avec mes crayons de couleur. Je regarde ma photo et je pense à la façon dont je vais aborder cela. Il est très important de passer ces étapes à travers votre tête avant d'aborder les portraits au crayon de couleur. Parce qu'avec les crayons de couleur, il y a certainement des façons de l'aborder qui seront un peu plus avantageuses. Par exemple, aller de la lumière à l'obscurité au lieu de l'obscurité à la lumière. Il est beaucoup plus difficile de passer de l'obscurité à la lumière avec des crayons de couleur comme vous le savez probablement par expérience. Vous devez y penser en termes d'étapes. Avec ce portrait, je regarde la photo et pense à ce qui est la meilleure étape que je peux commencer qui ne rendra pas cela difficile pour moi en bas de la ligne. Avec ce portrait, je vais commencer par faire juste un lavage rapide de couleur et le poser très légèrement pour commencer. Quand je vais de ce côté, quelle couleur je vais coucher comme le lavage. Je pense, est-ce une photo ton chaud ou est-ce une photo ton cool ? Si je devais choisir une couleur, quelle est la couleur que je ressens ? Quelle est la couleur que je vois ? Quelle est la couleur d'impression globale que je vois quand je regarde cette photo ? Pour moi, j'ai un ton orange beige très chaud. C' est ce vers quoi je me penche. Je pense que je vais commencer par poser une couleur jaune très clair pour le lavage. Je le garde très légèrement pour commencer, parce que le côté clair de son visage est déjà assez léger et je m'inquiète si je vais dans un peu trop sombre avec un lavage, alors il va être trop sombre pour revenir parce que je veulent préserver ce côté léger du visage. Je pense que je vais commencer avec peut-être une couleur comme celle-ci, est un jaune extrêmement clair. Je vais commencer par poser un lavage très léger. Il y a une couleur jaune clair sur tout le dessin, parce que je veux que ce jaune passe à travers les couches que je vais mettre plus tard et de cette façon il va se mêler, harmoniser toutes les couleurs ensemble. Je ne me soucie pas vraiment de rester à l'intérieur des lignes ou de colorer les cheveux d'abord ou la peau d'abord, je vais vraiment tout le dessin ici et mettre ce lavage de couleur vers le bas sur tous les aspects du dessin. Essayer de le faire aussi uniformément et aussi légèrement que possible pour que je reçoive toujours ce petit soupçon de couleur, mais il y a encore beaucoup de place pour aller plus sombre si je choisis. L' espoir est que ce lavage de couleur plus chaude influencera les autres couleurs que je vais mettre sur dessus et lui donner cette apparence chaude à la fin. Il y a notre première étape dans le processus de mise en place. Je pense que la prochaine étape que nous allons faire est de commencer à aborder les formes d'ombre. J' aime définir mes formes d'ombre tôt dans le dessin parce que je trouve que cela vous aide vraiment à comprendre le dessin beaucoup plus rapidement. Cela vous donne beaucoup de contextes parce que vous établissez les tons plus foncés de l'image et que vous pouvez vraiment voir la relation entre la lumière et les valeurs plus sombres. Parce qu'à l'heure actuelle toutes les valeurs sont les mêmes parce que tout ce que nous avons fait était juste de mettre un lavage léger d'une valeur très légère. Le travail acharné que nous avons fait dans la phase de blocage, c'est là que cela intervient, dans cette étape. Ce que je vais faire, c'est que je vais trouver une couleur plus foncée à utiliser pour les ombres. La couleur que j'aime utiliser pour ce travail est un penchant neutre vers la couleur chaude, comme un brun moyen ou un brun foncé, en fonction de leur teint de peau. C' est une couleur que je viens de saisir. Je vais juste l'analyser pour voir si ça va être la couleur que je veux. Je pense que cela peut être un peu trop sombre pour la couleur de l'ombre que je veux. Je vais essayer celui-là. Celui-ci semble un peu trop jaune pour moi, alors je vais essayer un autre. Cela pourrait marcher, mais ça n'a pas besoin d'être parfait. Nous cherchons juste une couleur plus foncée et qui se penche un peu vers le côté chaud. Parce que les couleurs sur nos visages ont tendance à être plus chaudes à cause de la façon dont la lumière fonctionne avec notre sang, notre peau, nos tissus et tout ça. Fondamentalement, je vais utiliser cette couleur pour ombrager légèrement et bloquer toutes les zones d'ombre que nous avons bloquées plus tôt dans la phase de dessin. Ce que cela va faire, c'est que cela va donner à ce dessin un sens très rapide de la tridimensionnalité et de la structure. Vous remarquerez avec quelle rapidité en remplissant ces formes d'ombre, la quantité du dessin prend vie si tôt en le faisant. Je vais commencer par être très léger. Vraiment, la couleur n'a pas besoin d'être parfaite. C' est peut-être un peu plus rouge que je ne le voudrais, mais vous pouvez ajuster ça au fur et à mesure que vous allez plus tard. C' est pourquoi je suis très léger pour qu'on ait de la place pour ajuster les choses. Même si je vois que c'est une oreille et que ce sont ses cheveux, c'est son visage, quand je pense à ce qui est dans la lumière et à ce qui est dans l'ombre, je vois que toute cette zone ici est dans l'ombre. Même si ses cheveux sont d'une couleur différente de sa peau et tout ça, je vais juste le traiter comme si ce dessin était un dessin à deux tons. C' est soit cette couleur ou cette autre couleur que nous avons commencé avec. Cela aide vraiment à y penser à cet égard, juste travailler avec deux tons ici pour l'instant. Je suis juste en train de remplir les zones d'ombre que nous avions établies dans la phase de blocage. Essayez de le faire aussi uniformément que possible. Même si vous pourriez voir un peu de variations comme une partie de cette joue est plus sombre et une partie de cette joue est plus légère, pour l'instant, essayez juste de la poser aussi uniformément que possible, errant sur le côté clair pour que vous ayez de la place pour aller plus sombre si que vous voulez. Se perdre dans les détails en ce moment n'est pas conseillé. Nous voulons vraiment garder cela aussi simple que possible pour commencer. Je remarque maintenant que j'ai oublié de dessiner la forme de la tache plus légère de ses cheveux ici, donc je vais juste le faire. Je vais juste dessiner autour ou de l'ombre autour de ça là et ici aussi. Ça n'a pas besoin d'être parfait. Remarquez comment cela fait qu'un dessin prend vie si rapidement. Cela lui donne cette tridimensionnalité et en fait je vais mettre son globe oculaire dans l'ombre aussi bien ici, parce qu'il se détourne de la lumière là aussi bien qu'ici. Lorsque vous faites cela, essayez vraiment de voir l'image d'ensemble et essayez de combiner ces formes en une seule. Essayez de ne pas tout voir comme des petits morceaux disjoints et essayez de les voir tous comme reliés dans une pièce plus grande. Chaque petite chose se connecte et à travers cette forme d'ombre globale. Remarquez comment sur la photo il y a un éclat de lumière rebondie sous son menton ici et le long de sa mâchoire. Mais je l'ai simplement regroupé dans une forme d' ombre ici et je n'ai pas fait de distinction ici, parce que ce que les débutants ont tendance à faire, c'est qu'ils exagèrent trop la lumière de la valeur de la lumière équilibrée. Ce qu'ils font habituellement, c'est qu'ils taillent cette forme et en font la forme légère. Ce que ça fait, c'est que vous dites que, cette lumière rebondissante dans l'ombre est aussi claire que la partie lumineuse de son visage. lumière rebondie peut être vraiment délicate même si elle peut sembler aussi brillante que dans la lumière, ce n'est tout simplement pas vrai parce que la lumière rebondie se produit dans l'ombre. Tout ce que nous avons fait jusqu'à présent dans ce dessin est fondamentalement établir ce dessin en termes de deux tons. Le ton plus sombre représentant les ombres et le ton plus clair représentant la lumière. A partir de là, nous allons construire au-dessus et établir les couleurs locales pour tous les différents éléments, ce qui va donner beaucoup plus de vie à ce dessin. 7. Partie 3 Couleurs locales: La prochaine étape que nous allons appliquer ici est les couleurs locales. Maintenant, les couleurs locales ici, je pense, sont très simples. Quelle est sa couleur de peau ? Je dirais que c'est comme un teint clair, pêche, olive. Ses yeux sont de taille moyenne, brun ambré et ses cheveux sont un brun vert très foncé. Je ne suis pas sûr en fait. J' ai l'impression qu'il y a une teinte verdâtre, mais je n'en ai aucune idée. Mais j'ai l'impression que la couleur locale est moins à propos de quelque chose que vous devez savoir et obtenir le droit, il s'agit plus juste de prendre cette décision et de l'établir, et de suivre cela de sorte qu'à la fin, il semble qu'ils aient cette couleur pour leurs cheveux et ils ont cette couleur pour leur peau. On ne dirait pas qu'ils ont des cheveux arc-en-ciel et une peau arc-en-ciel. Ils ont une couleur de cheveux désignée, ou ils ont une couleur des yeux désignée. C' est vraiment ce qu'il s'agit d'établir des couleurs locales. C' est juste de prendre la décision de dire qu'ils vont avoir cette couleur pour leur peau, ils vont avoir cette couleur pour leurs cheveux et de suivre cela jusqu' à la fin, peu importe le type d'environnement dans lequel ils peuvent être. Ils peuvent être dans un environnement de couleur très rougeâtre. Vous pouvez toujours dire ce qu'est chaque élément. Avec tout ce qui dit, établissons les couleurs locales ici. Donc, pour sa peau, je cherche juste une couleur très légère et peachy. Je pense que je vais aller avec celui-ci ici, et je vais la poser sur toute sa peau, même dans la zone de l'ombre. Ça ne va pas paraître trop extrême pour commencer. Je pose juste une couche de lumière de cette couleur ici. Vraiment cette étape est peut-être la plus facile et la plus rapide. C' est vraiment comme remplir un livre de coloriage. Maintenant, je vais entrer avec sa couleur des yeux. Je ne sais pas quel brun utiliser. Je cherche juste une couleur qui, je pense, est la plus proche d'elle, la couleur locale de ses yeux, qui est comme cette couleur marron chaud et ambré. Quand tu fais ça, tu n'as pas besoin de le sortir de la batte, et tu ne veux pas le sortir de la batte. J' aime penser que ça va peut-être dans 70 pour cent, peut-être même moins. Je n'irai pas très fort ici. J' essaie juste d'établir que sa couleur de ses yeux est différente de notre couleur de peau, et je pense que ça fait le boulot là-bas. Je pense que je suis plutôt content de ça, et établissons sa couleur à lèvres. Je dirais, une couleur rosée et rosée comme ça fera l'affaire, et puis j'ai besoin d'établir la couleur locale de ses cheveux. Maintenant, ses cheveux semblent très foncés et avec des cheveux très foncés, je n'aime pas entrer avec une valeur très sombre dès la chauve-souris à 100 % de force et d'opacité. J' aime vraiment construire progressivement cette couleur de sorte qu'à la fin j'ai toutes ces couleurs qui se mélangent ensemble pour former cette couleur très sombre au lieu de simplement utiliser une seule couleur pour atteindre cette valeur. Comme je l'ai dit, j'ai l'impression de voir une teinte verdâtre sur ses cheveux, alors je vais chercher quelque chose comme ça. En fait, je pense que ça marchera parfaitement pour les cheveux ici. Encore une fois, j'y vais très légèrement même si je peux voir que ses cheveux sont très sombres. Avec l'art, vous constaterez que, souvent, vous n'avez pas à aller aussi sombre, aussi sombre que les photos, vous pouvez laisser certaines zones pour être beaucoup plus légères. Mais si vous comprenez vos valeurs et que vous comprenez la couleur, vous pouvez manipuler ces deux choses pour créer l'illusion que c'est des cheveux foncés. Mais en fait, si vous prenez l'outil compte-gouttes et que vous choisissez la couleur dans les cheveux, il n'est pas en fait noir, même si on dirait qu'il est très proche du noir dans nos yeux, et c'est ce qui est si magique dans l'art. Encore une fois, en fait, je devrais passer sur cette zone lumineuse aussi. Donc il suffit de passer en revue la totalité de ses cheveux et d'établir ce ton verdâtre pour qu'il semble séparé de sa peau. Je me rends compte que ça n'a pas l'air si chaud, mais croyez-moi, on va construire sur ça. Il est en fait assez facile de prendre cela et de le rendre vraiment bon. Quand on arrive à une étape comme celle-ci où les choses semblent un peu bizarres, ça a l'air un peu gênant. Si vous avez fait tout le travail dur de faire un bloc décent et de dessiner et comprendre vos ombres et d'établir les couleurs locales, si vous avez fait tout cela, alors le reste sera vraiment en place selon le plan que vous avez établi. Ne vous découragez pas quand les choses semblent un peu bizarres entre ces étapes. Crois-moi, on va travailler dessus. Avant d'aller plus loin, parce que nous avons superposé quelques couches supplémentaires, le dessin est un peu perdu. Je vais ramener ma couleur d'ombre. Vous n'avez pas nécessairement besoin d'utiliser la même couleur que vous l'avez fait dans l'ombre, mais j'aime l'utiliser juste parce que cela vous empêche d'introduire une toute nouvelle couleur qui peut compliquer les choses et parce que c'est déjà sur la page, c'est déjà très cohésif. Mais ce que je vais faire, c'est que je vais apporter cela et commencer à définir certaines zones du dessin et aussi à renforcer certaines des ombres les plus sombres. Par exemple, sous les yeux, ils ne sont pas tout à fait tels que définis ici, et c'est maintenant le bon moment pour commencer à s'engager un peu sur le dessin. Ce que ça veut dire, c'est que je vais aller chercher des ombres plus sombres. Par exemple, dans l'oreille ici, il y a cette petite forme qui est plus sombre comme ça, ainsi que cette petite forme de l'oreille et juste définir certaines lignes et s'engager dans le dessin, m'engageant à la conception que j'ai présentée comme ainsi ainsi ainsi que de choisir certains des détails que je vois dans cette ligne de la narine ici. Pas trop vite et partout parce qu'alors il va juste ressembler à un dessin de ligne à nouveau. Je veux le faire progressivement avec tout l'ombrage que je vais faire et la coloration. Je veux ramener ces lignes au fil du temps. J' ai vu ce qui est nécessaire et ce qui n'est pas nécessaire parce que les lignes sont difficiles à remonter une fois que vous les avez faites. Mais ces lignes plus sombres sous les yeux indiquant l'ombre de la paupière là-bas, j'ai eu l'impression que j'avais vraiment besoin de ça, et ça va faire éclater les yeux beaucoup plus. J' utilise ceci comme ma couleur d'ombre universelle. Même si ce n'est pas la couleur exacte de la photo, cela n'a pas vraiment d'importance. Je veux dire, je peux aller et ajuster la couleur plus tard pour correspondre à la photo, mais vous constaterez qu'une fois que vous commencerez à développer votre photo comme celle-ci, peu importe que vous obteniez la couleur exacte de la photo. Vous trouverez que tant que vous obtenez la bonne relation de valeur vers le bas, alors peu importe d'obtenir la teinte exacte de la couleur vers le bas. La majorité de l'impact que nous ressentons lorsque nous regardons une photo ou un dessin est dans la relation de valeur, pas dans les couleurs. C' est pourquoi mettre l'accent sur les valeurs est le moyen de commencer à être vraiment aventureux avec les couleurs. Parce que, tant que vous obtenez les bonnes relations de valeur, alors vous pouvez vraiment vous en sortir avec n'importe quel type de combinaisons de couleurs. Il suffit de renforcer une partie de l'anatomie comme les coins de la bouche. Il suffit de ramener des parties du dessin où vous voulez un peu du bord dur. J' appelle cette étape, la scène de dessin, donc je vais en avant et en arrière de l'ombrage et du dessin. Même si je vous présente toutes ces choses par étapes, vous n'avez vraiment pas à être si rigide à chaque étape. Essayez juste de comprendre pourquoi ces étapes existent, mais vous n'avez pas à les suivre si rigidement. Bien sûr, vous pouvez établir la couleur locale avec de nombreuses couleurs différentes. Si vous n'avez pas la couleur désirée dans une seule couleur pratique, alors bien sûr, vous pouvez utiliser beaucoup de couleurs différentes et les mélanger ensemble pour obtenir la couleur désirée que vous voulez. Encore une fois, vous ne voulez pas nécessairement obtenir la couleur désirée directement de la chauve-souris de toute façon. Parce que, construire tout très progressivement est comment vous obtenez cette riche profondeur de couleur à la fin. Ne vous sentez pas pressé d'obtenir tout à 100 pour cent de la batte. J' apporte cette couleur jaune clair que nous utilisons pour poser le lavage léger au début parce que j'ai l' impression que cette partie de la peau dans l'ombre est un peu plus fraîche que je voudrais, donc j'essaie d'apporter une partie de cette chaleur pour passer un peu en dessous. En fait, je pourrais aussi bien aller sur toute la zone pour renforcer ce lavage chaud. Chaque fois que vous passez à l'étape suivante, vous réaliserez que vous devez vraiment revenir en arrière et renforcer une étape précédente parce que lorsque vous commencez à travailler, vous réaliserez que vous n'êtes pas allé assez loin et c'est bien parce que, comme je l'ai dit, vous donne une meilleure idée de la façon de l'aborder. Tu veux toujours aller, pas tout le chemin pour quitter cette petite pièce pour que tu puisses y retourner et dire, oh, ok, maintenant je sais mieux jusqu'où je devrais aller. Vous pouvez prendre une décision plus éclairée lorsque vous êtes prêt. Je vais jeter cette couleur grise pour ses globes oculaires. Les globes oculaires laissés comme un blanc du papier ont souvent l'air un peu trop brutal. J' aime établir un peu plus sombre pour les globes oculaires. Maintenant que je l'ai fait, ses iris sont très pâles. Je vais juste entrer et définir son iris un peu avec une valeur plus sombre ici, et vous verrez que vous continuez à travailler, vous aurez plusieurs couleurs sur votre bureau. Je trouve que, au fil du temps, parfois je ne regarde même pas vraiment la couleur que je cherche. Je suis vraiment plus préoccupé par la valeur de la couleur que je cherche. Par exemple, cette couleur verte, je n'y pensais pas vraiment. Quand j'y arrive, tout ce que je pensais c'est qu'il s'agit d'une valeur plus sombre et que j'avais besoin d'une valeur plus sombre pour le travail. En utilisant toutes ces couleurs sur toute la pièce, répéter ces couleurs dans différentes zones de la pièce est un moyen vraiment facile de créer un look harmonieux en termes de couleurs. C' est quelque chose à garder à l'esprit. Au lieu de chercher une nouvelle couleur complètement nouvelle dans votre pièce, pensez à utiliser une couleur que vous avez déjà utilisée dans votre processus et voyez simplement à quoi cela ressemble. Vous pourriez être surpris que ça semble plutôt bien, même si vous pensez, oh, j'ai besoin d'un violet pour ça. Vous pourriez être une surprise que le vert fonctionne très bien. Parce que comme je l'ai dit, comme je veux vraiment rentrer à la maison avec tout le monde, la couleur que vous voyez sur la photo n'a pas besoin d'être la couleur que vous avez réellement posée. Tu réaliseras au fil du temps à quel point ça compte. 8. Partie 4 Animer la peau: Donc l'étape suivante consiste à établir la chaleur de sa peau pour que sa peau se sente un peu plus vivante. Même si sur la photo, je ne vois pas vraiment un très fort sentiment de chaleur, où on s'attendrait normalement à le voir, par exemple, le long des joues et le long du nez. Je peux le voir subtilement le long du nez et de l'ombre et le long de la joue ici, mais c'est un très subtil, probablement parce que la photo est très surexposée. La partie légère de son visage est juste très surexposée. Cela a pris beaucoup d'informations, donc nous ne voyons pas vraiment beaucoup de variation dans cela, mais nous pouvons toujours honorer cet éclairage, mais nous pouvons quand même prendre quelques libertés artistiques et apporter une partie de la chaleur que nous attendons à voir. Apportez une partie de cette chaleur le long des joues, du nez et des oreilles, et, aussi juste le long des ombres où vous pouvez vous attendre à voir une lumière rebondissante chaude. Ce que je vais faire, c'est, je vais apporter des couleurs chaudes orange-y, et aller sur les zones où je m'attendrais à voir un peu de chaleur se produire. Par exemple, l'intérieur de la narine ici vous vous attendez à voir une dispersion sous-surface de cette intense lumière rouge vif. Le long de l'ombre de nez ici je vois un peu de couleur orange plus intense le long de cette ombre. Et ici aussi. Vous remarquerez sur les ombres de la peau, la transition, ce sera en fait une couleur orangée plus intense et chaude au rouge, et c'est ce que j'essaie d'imiter ici, allant entre ces zones de transition et en appliquant ce peu de chaleur. Je trouve que ça aide vraiment à égayer un peu la peau. C' est un moyen si facile de rendre la peau plus vivante. De plus, très sombre, comme les crevasses comme les plis des paupières, les zones comme celle sur la peau où vous avez ces valeurs plus sombres, les valeurs très sombres sur la peau ont tendance à être plus chaudes plutôt que plus fraîches. C' est pourquoi j'aime aussi passer sur ces zones avec une couleur plus chaude. Je trouve que cela lui donne juste une qualité beaucoup plus naturaliste. Le long de la racine des cheveux où les cheveux rencontrent le crâne, je trouve que lorsque j'observe ces zones, elles ont tendance à être plus chaudes aussi. Je donne aussi un peu de chaleur dans ce domaine. Il devient une belle transition entre la couleur des cheveux et la couleur de la peau. Même si l'image est très soufflée, je vais toujours indiquer une rosace très subtile autour du nez. Comme ça. Je vais apporter un peu de rosace autour des joues. J' ai attrapé un rose plus frais ici de sorte que j'espère qu'il se démarque un peu de toutes ces couleurs chaudes que j'ai jusqu'à présent. En fait, j'ai peut-être été un peu trop lourd là-bas, mais c'est bon. Nous allons aller dur sur autre chose, donc j'espère que cela réduira la force de cela. Mais je ne pense pas que ça ait l'air si mal en fait. Pour équilibrer de l'autre côté, je vais aller avec un rose très clair ici, et essayer d'égaliser ça ou d'équilibrer ça, mais pas trop. Je ne vais pas dans presque aussi sombre et rose que l'autre côté parce que je veux toujours que cette zone se lise comme une seule forme de lumière. Peut-être un peu de ton orangé ici, en fait je vais aller un peu plus dur sur les lèvres. Alors apportez un rose plus fort là pour renforcer cette couleur locale. Quelque chose que j'essaie toujours de renforcer tout le temps est les rasages de l'ombre, parce que lorsque vous travaillez et que vous commencez à appliquer des valeurs plus sombres à d'autres zones de la peinture, vos ombres ne vont pas paraître aussi sombres que vous l'aviez perçue avant. Donc, avec le nouveau contexte, vous devez constamment revenir en arrière et renforcer ces rasages d'ombre. Vous pouvez maintenant commencer à définir certaines nuances et les ombres. Par exemple, ce genre de crête du sourcil ici, je vois qu'il est un peu plus sombre que le reste de l'ombre ici. Donc, faire cette distinction est parfaitement acceptable à ce stade. Il est beaucoup plus facile de le faire après avoir établi un sens clair de la lumière et de l'ombre. Donc tu sais à quel point tu peux aller sombre. De plus, ce côté du nez semble être un peu plus sombre. Donc assombrissement qui aidera. Je vais renforcer ce bord ici, que la forme légère apparaisse vraiment. Mais je vais garder ce côté beaucoup plus doux, en partie, comme ça. Je pense que ça renforce vraiment le sens de ce petit patch léger là-bas. J' adore essayer d'accentuer des choses comme ça. Pour moi, c'est ce qui rend une image vraiment intéressante, comme de petites taches de lumière ici et là. Apportez un peu de chaleur le long du menton ici. Je pense que j'ai fait ça un peu trop fort et maintenant son menton est un peu trop pointu, alors je vais essayer de tonifier ça. Chaque fois que je peux, j'essaie de ne pas aller dans l'obscurité. J' essaie toujours d'aller de la lumière à l'obscurité quand je peux, je trouve que le résultat est meilleur de cette façon. Si vous voulez lisser une partie de la texture et donc vous voulez aller sombre à la lumière, c'est parfaitement acceptable, c'est juste essayer de le faire intentionnellement et pas parce que vous devez le faire parce que vous avez fait une erreur. Une fois que vous allez plus léger, je trouve est juste devient beaucoup plus difficile de poser plus de couleurs au-dessus de lui. Si vous continuez à aller de la lumière à l'obscurité, alors je trouve juste que cela vous donne juste un peu plus de flexibilité et plus de place pour vous déplacer que d'aller dans l'obscurité à la lumière. Je vais apporter une couleur brun foncé parce que j'ai l'impression que c'est maintenant le moment d'apporter une valeur beaucoup plus foncée pour certaines des valeurs très sombres de l'image. Je vais en fait aiguiser celui-ci, sorte que j'ai un point beaucoup plus fin à travailler. Je vais apporter certaines des valeurs les plus sombres dans les yeux. Je trouve que les yeux ont juste besoin d'un peu plus de, mais je veux le faire avec parcimonie. Avec cette valeur plus sombre, je vais entrer et entrer dans ces valeurs très sombres comme les narines par exemple, ou tout simplement obscurcir l'ombre en général. Définir ce qui se passe avec sa bouche là, une légère position entrouverte de sa bouche. C' est beaucoup plus facile de le faire avec une valeur plus foncée comme celle-ci et avec un point pointu d'un crayon. J' aime faire ces étapes plus détaillées vers la fin, parce qu'une fois que vous allez assez lourd avec ces marques, il est difficile de revenir en arrière, et donc vous vous engagez à respecter ces lignes. Vous voulez vous assurer que vous êtes très satisfait de l'endroit où vous les positionnez. J' apporte aussi cette valeur dans ses cheveux parce que ses cheveux sont une valeur très sombre et nous n'avons pas encore été assez loin pour transmettre la valeur ici. J' espère que cela apportera une partie de cela et fera le travail. Il y a ces crevasses profondes de l'anatomie de l'oreille. C' est tellement plus facile avec un point très fin comme celui-ci et une valeur plus sombre, mais vous voudriez certainement être épargnant avec elle. Je suis toujours en train de regarder autour du dessin et voir ce qui a changé et ce qui a maintenant besoin de mon attention. Vous changez toujours le contexte. C' est vraiment jongler après, vous jonglez 20 balles dans l'air, probablement plus. Maintenant, je sais que les couleurs de cette pièce ne sont pas exactement très excitantes, et c'est exprès parce que la leçon de couleur est à venir et où je vais vous apprendre les gars à incorporer toutes sortes de couleurs différentes dans votre portrait. C' est là que je vais vous montrer les décisions que je prends, quand je commencerai à apporter toutes sortes de couleurs différentes, parce que j'ai l'impression que si je l'ai fait dans cette démonstration, alors que nous nous familiarisons avec la configuration, cela pourrait être un peu déroutant parce que je ne peux pas expliquer toutes les raisons pour lesquelles je cherche une certaine couleur jusqu'à ce que je vous montre pourquoi je prends ces décisions. Ne vous inquiétez pas, nous allons y arriver, mais nous avons dû savoir comment poser cette base solide d'abord avant d'entrer dans le minutieux de la couleur. Dans la prochaine leçon, je vais vous montrer comment vous pouvez prendre quelque chose comme ça, qui a une base très solide et trouver des moyens et des opportunités d'y injecter plus de couleur afin que vous puissiez avoir beaucoup plus déclaration intéressante avec les couleurs. Si vous vous sentez prêt à passer à l'étape suivante et à me joindre à la leçon suivante, je vous y verrai. 9. Partie 5 Température des couleurs: Dans la première partie de la démo, nous avons fait le travail acharné de trouver notre déclaration de valeur et de jeter les bases des couleurs locales. Dans cette seconde moitié de la démonstration, nous allons nous concentrer sur le plaisir avec nos couleurs et apporter plus d'art dans le portrait. Dans la première moitié de la démonstration, lorsque nous avons mis en place notre portrait ici, nous avons utilisé beaucoup de couleurs qui appartiennent à la même famille de couleurs chaudes et ce se passe lorsque vous avez tendance à utiliser des couleurs d'un seul côté de la famille de couleurs. Au mieux, vous finissez avec des couleurs qui fonctionnent ensemble, qui travaillent très facilement ensemble mais sont ternes et au pire, vous pourriez finir par faire des couleurs très boueuses. La première chose que nous allons aborder dans cette seconde moitié de la démonstration est la température de couleur du portrait, et plus particulièrement la chaleur contre la fraîcheur. Ce que nous avons ici, c'est un portrait penché très chaleureux. J' utilise beaucoup de bruns, beaucoup d'oranges, beaucoup de rouges et donc pour moi le portrait est un peu trop chaud, un peu trop chaud. Commençons donc à introduire quelques rafraîchissement dans ce portrait. Quand je dis cool, je ne veux pas nécessairement dire un bleu très saturé comme celui-ci ici. C' est un bleu assez sombre et saturé et je pense que pour moi, c'est un peu trop sombre et trop saturé et trop cool d'un bleu pour ajouter un peu plus de refroidissements dans cette pièce juste pour l'instant parce que maintenant notre pièce est tellement chaud, si chaud que je pense que ça va un peu trop loin, trop vite. Je vais atteindre plus d'un bleu comme celui-ci, qui est légèrement moins saturé que ce bleu sarcelle et aussi un peu plus léger et ensuite j'ai aussi tendu la main pour celui-ci, bleu ciel qui est encore plus clair que celui-là, et je pense que c'est aussi un peu moins saturé. Ça pourrait être une bonne option pour nous là-bas et il y a aussi celui-là. C' est un bleu saturé, mais il se penche vers un vert plus vert. Quand je choisis une couleur opposée, comme celle-ci opposée aux couleurs avec lesquelles je travaille ici. Je voudrais généralement opter pour une couleur plus claire parce que les couleurs plus foncées sont plus difficiles à corriger. Si je vais dans un peu trop lourd pour commencer, une couleur claire qui a un bon gain de couleur comme celui-ci est généralement ce que je ferais sauf que je ne sais pas si celui-ci va fonctionner pour moi. Je ne sais pas si ça me plaira de l'imaginer ici, je ne sais pas si j'aime bien ça. Je pourrais regarder des verts maintenant et voir si je vais les aimer mieux. Voici un vert turquoise, voici une autre couleur pervenche grisâtre ici. Je pense que je vais commencer par quelque chose comme celui-ci, c'est plus la couleur pervenche. Quand on regarde notre photo, je ne pense pas que je vois du blues, je ne vois pas vraiment les verts, je ne vois aucune de ces couleurs, mais l'art c' est que nous n'avons pas à faire ce que nous pensons voir sur les photos. Sinon, ce serait une œuvre d'art très ennuyeuse. Si nous avons essayé de copier exactement pixel par pixel ce que nous voyons dans les photos, cela irait à l'encontre du but de faire un portrait comme celui-ci en premier lieu, du moins à mon avis parce que nous ne pouvons jamais rivaliser avec la précision de l'appareil photo. Pour les artistes, nous devons oublier que nous essayons de viser la précision, nous devons nous sentir libres d'aller au-delà de la photo et d'explorer et de s'amuser. Certes, nous pouvons glaner à partir de la photo et prendre ce que nous pouvons voir sur la photo et l'utiliser comme un point de saut et c'est exactement ce que nous faisons dans notre démonstration mais nous n'avons pas à nous sentir liés par la photo du tout. Comme je l'ai dit, je ne vois pas nécessairement de refroidissements là-dedans, je ne vois pas de bleus, je ne vois pas de violets, je ne vois pas de verts mais je veux intégrer ces couleurs dans ma pièce afin que nous ayons une plus large gamme de couleurs ici. Cela peut être un truc vraiment effrayant pour beaucoup de gens, apportant une couleur comme celle-ci que vous ne voyez pas nécessairement sur la photo, donc vous ne savez pas exactement où la placer, mais vous pouvez regarder la photo pour vous donner un peu de conseils quant à l'endroit où appliquer ces couleurs. Quand je regarde la photo, je peux voir que le long de son visage, sur le côté de son cou ici, la valeur semble un peu plus légère et il n'a pas besoin d'être un peu vers le côté gris alors ici où toute cette chaleur est. Je vais entrer avec cette couleur très légèrement et voir si je peux ajouter un peu de fraîcheur ici le long des bords du visage et du cou. Cela donne un peu plus de sens à certaines de ces couleurs chaudes. Je vais y aller et ajouter un peu de cool et voir ce qui se passe et observer comment cela fait que toute cette pièce se sent dans l'ensemble. Je vais très légèrement ici, je pourrais devoir changer de couleur si je vois qu'il ne donne pas l'effet que je veux et je vais dans les cheveux ici en fait aussi, parce que ces cheveux ont réellement besoin d'être refroidis aussi bien. Je ne sais pas comment j'aime ça, mais nous allons le suivre et continuer jusqu'au cou ici. Je pense que c'est certainement ajouter un autre sens de la dimension en introduisant les refroidissements là-bas. Je vais aussi entrer dans l'oreille ici, l'oreille se sent un peu trop chaude. Peut-être y aller avec un violet au-dessus de cette zone. Eh bien, nous allons laisser mariner un peu, et aussi aller avec un cool ici. Refroidir un peu ce nez. Parce que je suis allé de ce côté du visage ainsi que du côté du cou, je suis en train de traiter n'importe quel côté du visage qui fait face à la même direction, j'essaie d'affecter avec la même couleur ainsi pour qu'il semble cohérent, sorte qu'il semble que chaque élément impression d'être affecté par le même scénario d'éclairage. C' est pourquoi je suis aussi allé dans les cheveux ici puisque ce côté des cheveux serait affecté par cette lumière fraîche ainsi si ce côté du visage est affecté par la lumière fraîche. Je vais entrer avec une couleur fraîche pour affecter ce côté du visage, le côté du visage qui s'éloigne de nous. Ce n'est pas une règle en soi, mais c'est quelque chose que j'aime suivre. Tout ce qui est en retrait dans l'espace et qui se détourne de vous, j'aime traiter ce côté avec une couleur plus fraîche parce qu'il est plus loin de vous, et il est plus loin dans l'espace et être affecté par la lumière de l'atmosphère. Rappelez-vous que nous devons encore penser à notre dessin comme un objet tridimensionnel. La tête humaine est un objet tridimensionnel. Il a des plans avant, et des plans latéraux, et des plans supérieurs, et des plans inférieurs. Quand je regarde ce dessin, j'imagine des lignes qui divisent ces plans. Un moyen vraiment génial et un moyen vraiment facile de montrer la structure dans votre dessin en indiquant ces plans est par votre utilisation des couleurs, particulier par la température de couleur. Voici comment j'ai ajouté les refroidissements de ce côté, il sépare vraiment qu'un plan latéral du plan avant de la face. Maintenant ce que je veux faire est de faire la même chose, mais de ce côté du visage, les plans en retrait du visage, donc le long du nez ici, le long du visage ici. Imaginez juste un mince ruban où vous pouvez voir juste un peu de cet avion se retirer dans l'espace. Ce que cela va faire, c'est aussi donner à ce côté du visage beaucoup plus de dimension avec très, très peu de travail. Je choisis ce genre de couleur verte mentholée parce que ce côté du visage est si jaune et chaud. Je pensais que cette couleur mentholée serait un contraste très subtil qui ne crée pas trop d'attention de ce côté parce que je pense que je veux garder l'attention et le drame de ce côté du visage. On verra comment ça se passe. Tous ces mouvements que je fais, je ne sais pas à 100% s'ils vont être le bon geste. Si, pour une raison quelconque, ça n'a pas l'air génial, alors il y a toujours quelque chose que nous pouvons faire pour le réparer. Je vais entrer avec ce vert ici, et je vais apporter très légèrement ce vert de ce côté du visage. Je me demande si c'est même sur la caméra. Oui, je crois que c'est le cas. Je pense que c'est un contraste très agréable mais subtil. Bien sûr, faire des choses comme ça aide vraiment si vous comprenez l'anatomie faciale qui y pénètre. Je vous recommande vraiment de brosser vos connaissances à ce sujet. Sinon, essayez vraiment de choisir une photo qui montre un sens très clair de la structure du visage afin que vous puissiez vraiment voir clairement où ces avions tournent. Ici, j'imagine ce front ici, et ce côté du front se détourne de nous. Il se détourne dans l'espace, et donc, j'apporte cette couleur verte mentholée pour qu'elle reste cohérente, donc on dirait qu'il y a cet éclairage atmosphérique de couleur mentholée ce côté affectant ces avions face à cette direction. Encore une fois, dans l'œil ici aussi, un peu de la paupière inférieure. J' aime vraiment comment ce vert tonifie les couleurs chaudes jusqu'à présent. Ce côté de la bouche se détourne de nous, et ce côté du menton ici aussi, et aussi le cou. Je pense que cela aide déjà à ajouter beaucoup plus d'intérêt à cette pièce jusqu'à présent. Maintenant que nous avons établi des couleurs cool, j'ai l'impression que nous pouvons aller encore un peu plus audacieux avec les réchauffeurs. Je vais essayer de renforcer certains des réchauffements ici. Tu ne peux pas oublier cette partie des cheveux ici. Ce serait aussi avoir cette lumière mentholée, ainsi qu'ici, n'importe quel avion qui se détourne de nous. Tu ne peux pas oublier les globes oculaires aussi. Les globes oculaires ont aussi des avions, et ils sont également affectés par la lumière. Je dois apporter ces refroidissements dans les globes oculaires aussi. La clé est vraiment de rester cohérent autant que possible. Il peut sembler que vous faites quelque chose de mal, mais je pense que tant que vous serez cohérent, ça aura l'air bien, tant que vous serez cohérent, tant que vous suivrez. Il peut ne pas paraître juste en ce sens qu'il est scientifiquement correct, mais il semble juste en ce sens qu'il semble très intentionnel. 10. Partie 6 Ajout de couleurs supplémentaires: La prochaine chose que nous allons faire pour injecter plus de couleur dans cette pièce est, de chercher un grand, des taches de couleur solides. De grandes taches de couleur unie, comme fondamentalement toute cette zone de ses cheveux ici, ils sont vraiment de grandes occasions d'injecter beaucoup de couleur dans eux. Lorsque nous regardons notre photo, nous pouvons voir clairement que ses cheveux sont brun foncé, mais cela ne signifie pas que nous devons prendre la couleur marron foncé comme ça et simplement remplir tout de manière uniforme et solide comme nous pouvons le voir sur la photo. Sur la photo, comme je l'ai dit, elle ne montre pas la brillance des couleurs, elle ne montre pas vraiment de variété en termes de couleurs, à nos yeux, c'est juste un brun foncé massif, mais ça n'a pas besoin de l'être dans notre portrait nous pouvons y ajouter toutes les couleurs que nous voulons et nous en sortir. Tant que nous obtenons la bonne valeur, tant que nous gardons ceci comme un patch ou une valeur plus sombre que cela, et tant que nous obtenons la couleur globale pour ressembler à elle est brune, si nous voulons les cheveux bruns, alors nous pouvons vraiment cramper dans tous les types de couleur dans des domaines comme celui-ci. On peut jeter des violets, on peut jeter du vert, des bleus, des jaunes, des roses, n'importe quelle couleur on veut, on peut jeter ici. Il en va de même pour les sourcils. Les sourcils n'ont pas à être tous uniformément colorés comme ça. Pour moi en fait, les sourcils sont un endroit où j'aime vraiment m'amuser avec les couleurs. Comme je l'ai dit, nous pouvons à peu près apporter n'importe quelle couleur dans les cheveux que nous voulons. Ramassons quelques couleurs et amusez-vous. Voici un peu de turquoise. Tant que l'impression générale que nous avons quand nous le regardons est brun foncé, nous pouvons vraiment nous en sortir avec beaucoup. Amener des roses ici. Tu sais quoi ? Je vais en dehors de la ligne pour ainsi dire, parce qu'on n'a pas besoin de rester dans les limites, on peut faire un gâchis et s'amuser ici. Je viens de réaliser que sur la caméra , la variation de couleur que j'essaie d'atteindre ici ne va pas apparaître très bien parce que la valeur est déjà assez sombre, et l'appareil photo pousse un peu le contraste, donc apparaît encore plus sombre. Ce que je vais faire, c'est, je vais prendre une gomme à aiguille et je vais soulever un peu de la vallée ici parce qu'il est un peu plus sombre que je voudrais pour avoir ce jeu avec les couleurs dont je parlais plus tôt. Je vais augmenter une partie de cette valeur. Ne paniquez pas. Tout ira bien. Une fois que je le ferai, il sera beaucoup plus facile de mettre certaines de ces couleurs vers le bas. Parce que comme vous le savez, plus vous posez de crayons de couleur sur le dessus, plus il est difficile de poser plus de couleurs. C' est juste la façon dont il semble fonctionner avec des crayons de couleur. C' est pourquoi, d'une certaine façon, vous devez penser à vos prochaines étapes et réfléchir avant d'aller un peu trop loin en valeur. Vous devez tenir compte des couleurs en même temps. C' est pourquoi je continue de souligner ce processus étape par étape, est plus dans le but d'enseigner, et une fois que vous vous familiariserez avec l'utilisation de crayons de couleur, alors vous développerez un processus plus naturel où vous combinez toutes ces étapes dans un ou deux et vous n'aurez pas à faire autant de recul que je suis ici. J' ai soulevé certaines des valeurs là-bas. Les cheveux devraient être maintenant plus faciles à travailler lorsque nous essayons d'apporter certaines couleurs. Je pense que je vais continuer et ajouter des violets ici. Parce que pourquoi pas, et continuer sur une partie de cette couleur bleue pervenche que nous utilisons sur la peau plus tôt. Vraiment, j'essaie juste de me mélanger à une couleur marron foncé. Sur la caméra, il peut ne pas être le ramasser super clairement malheureusement, mais croyez-moi, superposant vos couleurs comme ceci et vos valeurs comme ceci, il donne un look beaucoup plus stratifié et plus dimensionnel en termes de couleurs. Ce n'est plus une couleur brun uniforme, mais il a de la profondeur à elle, il y a de petites variations qui sont subtiles, mais quand vous regardez de près, vous pouvez faire de petites couleurs individuelles, et pour moi, c'est très excitant. J' aime intégrer autant que possible des domaines de ce genre dans mon travail. n'y a pas de règle qui dit que les cheveux doivent être tous uniformément et solidement bruns. n'est pas parce que c'est comme ça qu'il apparaît sur la photo que nous devons le faire aussi. J' utilise vraiment des couleurs assez aléatoires ici. Je m'assure juste que je deviens assez sombre pour que ça ressemble toujours à ses cheveux. Ce côté est orienté dans la même direction que ce côté du visage et du cou où j'applique le bleu similaire. Cela reste cohérent avec ce scénario d'éclairage imaginaire que j'ai mis en place. L' une des questions les plus fréquentes que je reçois en ce qui concerne la couleur est, comment puis-je mettre du bleu dans les cheveux ou des verts dans les cheveux quand il n'y a pas de bleus et de verts dans les cheveux ? Il est juste de croire au fait que les valeurs portent le dessin, et si vous avez des valeurs solides, alors vous pouvez vraiment vous en sortir avec l'ajout de la couleur que vous voulez. Si vous restez cohérent dans l'application cette couleur dans les zones où elle a le même plan directionnel, alors vous convainquez également le spectateur qu'il y a un sentiment de structure là-bas. Vous le faites avec ces subtiles variations de couleurs. Je donne un peu plus de force aux cheveux dans certaines zones où ces cheveux se rencontrent à l'oreille, apportant un peu plus dur là-bas et une valeur plus foncée. Allons avec les sourcils. Je vais utiliser la même couleur verte mentholée que j'ai utilisée plus tôt, et je vais juste la jeter ici et voir comment j'aime ça, et ici. La chose à propos des sourcils est quand le sourcil est si uniformément coloré et dans la même valeur, il l'aplatit vraiment sur le visage. Le sourcil suit le contour de l'os du sourcil, et votre os du sourcil, comme ce côté du sourcil, le côté aile des sourcils ici, ils font face à une direction différente de celle du plan avant des sourcils, et j'aime donc séparer les deux avec des couleurs. Ici, par exemple, parce que nous sommes allés avec une couleur plus fraîche de ce côté, je vais faire la même chose avec les sourcils. Malheureusement, ce n'est pas très bien parce que le papier est déjà assez saturé là-bas. Je vais juste faire le tour pour donner aux sourcils un effet de couleur. Je vais renforcer un peu la couleur locale du cou ici. Il devient un peu trop proche du blanc. Retournez toujours et renforcez tout, car au fur et à mesure que vous travaillez, le contexte change toujours, et cela vous fait réaliser que vous êtes allé un peu trop loin ou que vous n'êtes pas allé assez loin dans les étapes précédentes. Je suis juste en train de renforcer cette couleur locale de sa peau, et aussi en passant par la petite zone mentholée , les petites zones vertes, ça les relie un peu mieux aussi. J' aime juste scanner le dessin et voir si quelque chose a besoin d'être ajusté. Notez que j'utilise juste une couleur brune singulière pour assombrir les valeurs à nouveau. C' est juste pour garder les choses simples, juste pour que je n'ai pas à aller chercher toutes ces couleurs différentes pendant que j'essaie de me concentrer sur les valeurs. Choisir une couleur neutre comme celle-ci, cela vous aide juste à rester simple. Remarquez comment maintenant je m'engage à certaines des lignes un peu plus. Maintenant que nous avons un peu plus de finition sur la photo, je me sens un peu plus confiant d'aller dans un peu plus dur. 11. Partie 7 Délimitations et transitions: J' aime vraiment où cela va jusqu'ici, et maintenant je pense que nous sommes prêts à commencer à regarder un peu plus critique à nos bords et à nos transitions. Dans notre image, nous avons beaucoup de bords, nous avons des bords durs comme celui sur le nez ici, et le long du cou ici et l'ombre ainsi que des bords perdus. Des bords perdus comme ce petit morceau vert ici avec le côté de la joue, il est à peine là, vous pouvez juste le faire sortir. Presque un bord perdu ici où les cheveux rencontrent la peau ici. raison pour laquelle nous voulons regarder les bords est une, maintenant que nous voulons vraiment nous engager dans notre dessin ici. Nous voulons des bords durs là où nous voulons qu'il y ait cette force. Un bon portrait a un très bel équilibre de bords durs et souples. C' est le moment où je me sens un peu prêt à engager sur certains de ces bords et à rendre certains d'entre eux plus difficiles, ou à rendre certains d'entre eux plus doux. Mais deux, les bords sont un endroit vraiment génial où vous pouvez également trouver des opportunités pour injecter des jeux de couleurs intéressants. Une arête est créée lorsque vous avez une couleur croisée contre une autre couleur. Ici, par exemple, vous avez cette couleur rougeâtre fraîche se heurtant à cette couleur jaune pâle très clair. C' est ce que j'appellerais un avantage dur. J' ai laissé ça un bord dur exprès, parce que j'ai vraiment aimé ce contraste frappant sur cet œil. Je veux que cet œil soit au centre de ce portrait. Mais il y a des zones où je ne veux pas que ce bord soit si dur. De retour à l'étape où nous apportons un peu de vie dans la peau, nous avons déjà fait un peu de cela où nous avons ajouté une partie de cet orange vraiment chaud dans les bords le long de l'ombre. C' est la même idée avec cela aussi, sauf que je trouve vraiment une excuse pour jeter des couleurs entre ces bords ici afin de créer une transition plus intéressante et transparente. Comment trouver ces opportunités pour plus de couleurs, suffit de scanner autour de votre dessin et de voir où il y a un bord. Comme celui-ci, par exemple, le long de ce côté de la joue ici et cette partie des cheveux dans le dos. Maintenant, personnellement, je ne pense pas que je veux faire quoi que ce soit avec ce bord, mais c'est un bord, par exemple, où vous pouvez ajouter une couleur entre les deux ici pour créer une transition plus transparente, ainsi que d'introduire une autre couleur entre cette couleur brune et cette couleur violette fraîche. Mais ici, par exemple, où les cheveux rencontrent la peau, il y a un bord ici et je veux certainement jeter une troisième couleur là-dedans pour le rendre un peu plus intéressant, et je vais utiliser une couleur orange chaude ici. Missonner les couleurs de près comme ça, il donne le contexte à ces couleurs, il les rend maintenant pas aussi chaudes que cette couleur et rend ce look pas tout à fait aussi chaud que cette couleur, il la rend plus sombre. Non seulement il adoucit ce bord, il crée une autre dimension à ces couleurs tout en lui donnant un peu de contexte. Je vais le répéter de ce côté-ci aussi. Où d'autre ? Ici encore, juste sous ce sourcil, il y a un bord assez brutal ici. En termes de couleurs, c'est ennuyeux, vous avez ce violet ici et vous avez cette couleur beige rose clair là-bas. Je vais jeter cette orange entre les deux pour la diviser un peu. Même cela comme juste un autre élément là-dedans qui donne toutes ces couleurs sens. Il donne toutes ces couleurs autour de lui sens parce qu'il lui donne le contexte. Je vais faire la même chose de ce côté du sourcil. Je vais aller renforcer les cheveux ici un peu plus fort pour que les cheveux semblent vraiment levés de la tête au lieu de regarder si plat sur la tête. Les faits saillants ici dans les cheveux est une opportunité très réellement mûre pour ce scénario, où il y a une transition de la partie sombre des cheveux au point culminant. En ce moment, c'est ambigu, il y a des petits morceaux de couleur qui se répandent, mais en ce moment il semble que ça passe du blanc du papier à la couleur très sombre. Je suis toujours à la recherche de zones comme celle-ci où je peux créer une transition plus lisse et être capable de jeter un peu de couleur supplémentaire là-dedans aussi. Pour moi, avec les cheveux ici je pense que je veux entrer avec une couleur jaune chaude comme celle-ci. Je vais avec une couleur chaude parce que nous utilisons une couleur comme celle-ci initialement quand nous avons commencé à mettre un lavage. Je veux continuer avec ça, et le point culminant va prendre la couleur de la lumière. Parce que nous établissons la lumière comme une couleur jaune chaude, nous allons la garder constante et voir qu'elle est jaune aussi. Je vais appliquer le jaune ici le long de la transition, entre la valeur plus foncée et la valeur plus claire, et y jeter ce petit bord jaune. De ce côté aussi, et ce ne sera pas parfait, mais je pense que le jaune vient encore très bien. Prendre cette couleur crémeuse et passer un peu sur les zones sombres. Je ne me suis pas donné assez de place pour le point culminant, donc je suis un peu en arrière. Maintenant, nous allons regarder les ombres le long du cou ici. Ça se sent un peu trop pareil, je veux qu'il y ait un équilibre entre les bords durs et les bords souples. Si je fais tous ces bords ici très durs et durs, toute cette ombre va ressembler à une découpe. C' est comme ce morceau de papier qui a été découpé et collé sur le cou. On ne veut pas ça. Nous voulons un beau jeu de bords durs et souples. Vous n'avez pas à inventer ça, vous pouvez regarder la photo pour notre aide. Je regarde la photo en ce moment et je peux voir clairement où certains de ces bords sont plus durs et certains d'entre eux sont très doux donc je vais honorer ça. Je vais entrer avec une couleur orange ici. Voyez cette petite bande de couleur là-bas, ça ajoute vraiment un coup de poing à ces couleurs. Pour garder un cohérent, parce que je suis allé avec cette couleur orange chaude ici pour ce bord dur, je vais faire la même chose avec le bord dur ici. Ici aussi. Ici aussi. Le reste des bords là-bas, je veux le faire avec une couleur différente. Peut-être un jaune, peut-être que c'est ce jaune ici. Juste pour briser un peu les choses. Ce n'est pas totalement uniforme. Nos yeux sont vraiment envie de variété même dans un simple portrait comme celui-ci. Aussi, ce bord dur sous le menton ici et puis une transition plus douce ici. Jusqu' à présent, nous regardions ces bords internes dans le portrait. Mais maintenant, je vais me concentrer sur les bords extérieurs, essentiellement, lasilhouette du dessin, silhouette du dessin, parce que je sais que c'est un endroit vraiment génial pour ajouter des variations de couleurs vraiment intéressantes. Remarquez comment j'ai gardé mes bords très doux et c'est parce que je voulais cette place pour la flexibilité. Ma règle de base pour ces bords extérieurs est vraiment juste de ne pas utiliser une couleur singulière pour contourner tout le bord parce que cela va aplatir l'image. Nous devons nous rappeler à nouveau que chaque bord ici, tout fait face à une certaine direction, la tête est un objet en trois dimensions dans l'espace, et donc tous ces bords ici. Si je faisais une ligne colorée singulière ici tout autour de ce bord, ça aplatirait vraiment l'image et mettrait tout sur un plan bidimensionnel singulier. Personnellement, je ne veux pas ça. Si vous voulez cet effet, alors c'est tout à fait bien, et c'est vous qui prenez les libertés artistiques avec lui. Pour cela, je vais expliquer si je fais ce bord un bord dur ou si je fais un bord doux, et pourquoi j'utilise la couleur que je vais utiliser. Je pense que la première chose que je vais aborder est le bord des cheveux. Je vais utiliser cette couleur pourpre pour tracer ce bord de l'arrière des cheveux là-bas. En fait, en faisant ça, je pense que je veux utiliser ce bleu à la place. Quand on monte au sommet, je ne veux pas continuer avec la même couleur. Je veux utiliser une couleur différente parce que ce sera une plaine différente. Je vais continuer avec cette couleur mentholée ici pour changer. En fait, je vais utiliser cette couleur à nouveau ici parce qu'ils ont l'air de faire face à la même direction. Alors ici, je veux que cette couleur jaune saigne de là. Je vais le faire. Je pense que ces petits morceaux de couleur regardant à travers elle ajoute beaucoup aux couleurs à côté de lui. En fait, cette zone pour moi est un peu trop rouge, orange, chaude, donc je vais jeter au hasard ce bleu ici le long de ce bord parce que pourquoi pas ? Juste là. C'est différent, n'a pas à avoir de sens. Tu sais quoi, peut-être que je le regrette, mais c'est bon. C' est comme ça que l'art se fait. Parfois, tu peux regretter des choses. Ce bord du visage ici, je veux ajouter cette couleur lavande, mais je ne veux pas aller trop fort parce que je ne veux pas que ce bord aplatir ce côté du visage parce que je veux qu'il recule doucement dans l'espace. Je vais le répéter avec l'oreille, où serait le même avion. Aussi le cou ici. Mais remarquez que je ne vais pas jusqu'ici parce que je veux que ce côté lise différemment de cette partie du cou. Je ne veux jamais vraiment tout connecter d'une manière uniforme, ce qui aplatirait les choses. Je pense que je vais apporter cette couleur bleue de ce côté du cou ici, mais je ne vais pas monter tout le chemin parce que, encore une fois, je veux que le contraste entre les bords durs et plus définis comme celui-ci et c'est juste des bords plus doux comme ça. Juste ajouter un peu plus de rose à ses joues ici, renforçant un peu le teint de sa peau. Je ramène juste un peu la partie claire de sa peau en valeur. Maintenant, je me sens un peu plus confiant que c'est ce que je veux. Plus tôt, je dois laisser beaucoup de place juste au cas où. Mais maintenant, avec tout ce qui est en place, je peux voir que je peux devenir plus sombre. Vous devez toujours vérifier en permanence quel est le nouveau contexte. Je sentais qu'il y avait un peu trop de contraste entre la lumière et l'obscurité des valeurs sombres. C' est pourquoi je fais baisser les valeurs de lumière juste un peu pour qu'ils fonctionnent mieux ensemble. Sinon, ils auront l'air un peu trop brutal, trop de contraste. Encore une fois, il suffit de balayer les bords qui nécessitent peu d'attention. En fait, ce bord juste ici, je veux ajouter un peu de bleu ou de violet ou quelque chose juste pour contraster cette orange intense ici et tous ces tons chauds ici. Maintenant, je dois être prudent avec ça parce que je ne peux pas revenir en arrière. Mais je pense que je pourrais en faire cette couleur pourpre. On verra ce que ça ressent. Je crois que ça me plaît. C' est vraiment plus un choix artistique ici pour dessiner un avantage comme ça parce que ce n'est pas quelque chose que vous voyez sur la photo, mais c'est quelque chose que je me sentais enclin à le faire. C' est drôle de voir comment cela m'a donné envie d'aller ici avec une orange, encore une fois, pour accentuer ça un peu plus pour équilibrer ça. Je suppose que nous sommes à ce stade où nous arrivons à une arrivée ici, et nous faisons nos notes finales sur la pièce. Je vais aller dans les cheveux ici à nouveau et ajouter quelques couleurs fraîches dans cette transition. Je ne vais même pas justifier pourquoi je mets certaines couleurs là où parce que je ne pense pas qu'on ait besoin d'une raison pour tout. Je suppose que je prends un violet à cause des jaunes là-bas et je voulais qu'il y ait ce contraste. Ces zones de transition sont vraiment des endroits parfaits pour des couleurs inattendues. Pourtant, les cheveux entiers sont bruns. Tant que les cheveux entiers lisent brun à la fin, vous pouvez vraiment sortir avec beaucoup.. 12. Partie 8 Niveaux de contraste et touches finales: La prochaine chose très artistique que nous allons traiter avec notre portrait est des zones de contraste bas et élevé. Si tout dans l'image a un haut niveau de contraste, alors c'est un peu trop fort pour nos yeux et nous ne savons pas vraiment quoi regarder parce que tout crie d'attention. C' est pourquoi j'aime équilibrer ces zones avec des zones faible contraste et j'aime appeler ces zones, zones de repos. À un certain moment, j'aime vraiment jeter un oeil à l'image et regarder façon critique le niveau de contraste qu'elle contient. Je scanne l'image et je vois où sont mes valeurs sombres les plus sombres et je vois beaucoup de ces valeurs sombres le long des cheveux ici, ainsi que les yeux et les sourcils. Une excellente façon d'ajouter beaucoup plus de profondeur dans un portrait est de varier ces niveaux de contraste. Par exemple, ce côté du visage ici, ce côté des cheveux est plus proche de nous et par conséquent, ce fort contraste est justifié. Mais de ce côté, parce que ce côté est le côté qui recule dans l'espace si nous diminuons le contraste de ce côté, ça va vraiment faire éclater cette zone et ça va vraiment faire ce côté comme si c'était reculant dans l'espace. En ce moment, j'ai l'impression que les niveaux d'obscurité sont assez semblables d'un côté à l'autre. Je pense que ça vaut la peine de jouer avec. Si vous êtes quelqu'un qui veut vraiment injecter beaucoup de profondeur dans votre pièce, alors regardez certainement de façon critique vos niveaux de contraste. Non seulement c'est un outil pour créer beaucoup de profondeur parce que vous modifiez les valeurs, vous changez aussi les couleurs en éclaircissant certaines de ces zones là où il y a ces valeurs plus sombres, vous introduisez en fait plus de couleurs dans la pièce parce que changer les valeurs des couleurs, cela change la façon dont la couleur apparaît. Je vais juste essayer de trouver une couleur qui est assez légère en valeur, mais a aussi une saturation assez forte en termes de couleur. Je vais aller avec ce bleu clair pour les yeux. Tout ce que je fais, c'est que j'apporte une couleur plus claire que la couleur que je vais passer comme la partie sombre de l'œil ici, dans l'espoir que cela allégera la valeur et donnera une partie de cette couleur là-bas. Cela peut sembler un peu mystérieux au début, mais croyez-moi, je pense qu'à la fin, quand vous avez regardé l'image globale, cela commencera à avoir du sens. Surtout, une fois que je renforce certains des contrastes plus durs de ce côté. Je suis vraiment juste juste la foudre tant que peut-être donner une partie de la couleur aussi bien. Heureusement, encore une fois, je ne sais pas à quel point cet effet apparaît sur la caméra. Maintenant, je vais entrer avec le sourcil ici. Essayons quelque chose de très différent là-bas et allons avec la couleur jaune fluo pour vraiment éclaircir ce sourcil. C' est différent du côté ici. On dirait que tu retournes en arrière et tu ruines tout ce travail dur que tu as fait, mais crois-moi, c'est vraiment une façon amusante d'ajouter beaucoup plus d'intérêt à ta pièce. Il est très tentant de vouloir faire ressortir chaque aspect de la pièce et nous avons tendance à nous tromper du côté de créer plus de contraste que moins. Mais ce que nous voulons, c'est un bon équilibre entre les deux. Je vais aller dans les cheveux ici. Je vais utiliser du blanc. Je fais juste baisser la valeur. Ce faisant, même avec un blanc, il change la couleur. Maintenant, il a l'air plus violet que marron. Nous arrivons à une fin et j'évalue ce qu'il faut faire d'autre. Je pense que ce qui nous manque avec ce portrait est un peu de texture et l'endroit où vous pouvez certainement ajouter un peu de texture est dans les cheveux parce que c'est une texture différente de la peau et des sourcils. Je vais juste aller dans les cheveux et indiquer un peu de la texture dans les cheveux. Principalement le long des zones de transition autour de la mise en évidence, car c'est là que vous voyez généralement un peu d'indication de texture. Je crée juste un peu de texture le long des cheveux. Essayer de ne pas aller trop lourd. Indiquez un peu dans les sourcils ici. Il n'a pas l'air si uniformément dessiné. Honnêtement, à ce stade, je ne pense même pas à des règles. Je ne m'impose même pas. Je laisse vraiment l'esprit aller où il veut aller et laisser ma main aller là où il veut aller. Parce que je pense vraiment plus à l'ensemble du tableau plutôt qu'à des petites parties individuelles. Je regarde comment tout est par rapport à un autre et regarde vraiment du point de vue du design. Je vais presque revenir en mode dessin ici et lancer les dernières petites touches de finition. Je pense que la dernière chose que je vais faire sur ce portrait est de travailler sur son oeil ici. Je veux ajouter un peu plus de contrastes. Je veux assombrir un peu son élève. J' ai l'impression qu'il n'est pas aussi sombre que je le voudrais. J' apporte cette couleur bleue très saturée dans l'espoir que passer sur le brun fera de cela une couleur très agréable et profonde ainsi que de la valeur. Espérons que cela rend cet œil encore plus pop et rend aussi ce blanc de l'œil pop. Je pense que ça marche. C' est un très bon conseil au fait. Si vous voulez une très belle couleur foncée, mélangez deux couleurs complémentaires saturées ensemble et vous obtiendrez un noir plus profond que même le noir lui-même. C' est ce que j'aime faire au lieu d'utiliser du noir réel, je vais mélanger deux couleurs sombres très saturées ensemble. Il n'a même pas besoin d'être aussi sombre, mais ils se mélangent, ils sembleront assez sombres, je crois que ça a vraiment fait éclater l'œil un peu. En fait, je pourrais le faire sur cette paupière. Séparer un peu du globe oculaire ou de l'iris. Quelques détails de dernière minute avec les cils. J' aime vraiment être assez clairsemé avec ce détail donc il ne semble pas que c'est trop. Juste donner à l'image un joli petit balayage sur tout une dernière fois. J' aime cette petite touche de couleur là-bas. J' accentue un peu plus. En regardant chacune des fonctionnalités une dernière fois, en vous assurant qu'elles sont aussi définies qu'elles devraient l'être. Couper quelques couleurs intéressantes dans ces bords comme j'aime toujours le faire. Chaque fois que je crée un nouveau bord, j'aime jeter une autre couleur, puis une autre, juste une petite variation. Je veux alléger un peu cette partie des cheveux pour qu'elle sépare cette oreille, espérant que cette oreille éclate un peu plus en avant. Aussi, je veux rendre cette zone un peu plus forte. En allégeant cette zone, je l'espère, cela permettra d'atteindre cet objectif. Aussi, je vais peut-être alléger le bas des cheveux ici afin qu'il reçoive un peu plus dans l'arrière-plan. Parce que ça n'a pas besoin d'être tout ça en avant. Encore une fois, je vérifie constamment mes niveaux de contraste sur toute l'image en tout temps, vraiment. Pas seulement vers la fin, mais vers la fin, il est plus facile de comparer. Mais voilà. À ce stade, je suis prêt à dire que celui-ci est fini. J' ai l'impression d'avoir fait à peu près tout ce que je voulais faire. J' aime comment les couleurs fonctionnent ensemble et j' aime les petits morceaux de bords durs que j'ai jetés là comme un élément de design, je pense qu'il garde mes yeux rebondir autour de la composition. En fin de compte, ça me ramène à ce point focal de son œil ici. Je pense que par rapport à ce que nous avons fini dans la première moitié de notre manifestation. Il semble beaucoup plus intéressant, du moins pour moi, en termes de couleurs. J' espère vraiment que cette moitié de la démonstration vous a donné quelques idées sur la façon dont vous pouvez prendre votre portrait et trouver des moyens de jeter dans quelques couleurs non conventionnelles dans leur. Des couleurs que vous ne voyez même pas dans la référence photo et comment vous pouvez toujours faire en sorte que tout soit cohérent si vous savez comment le faire. 13. Projet de cours et conclusion: J' espère maintenant que si vous ne l'avez pas déjà fait, soyez excité de sortir ces crayons de couleur et de dessiner des portraits parce que nous avons atteint la fin de notre classe. Maintenant, il est temps pour vous d'aller travailler sur votre projet de classe. Mais avant de commencer votre portrait, je veux que vous pratiquiez vos valeurs et vos formes d'ombre. Rappelez-vous à quel point les formes sont cruciales pour ce processus. Pratiquez votre compréhension des formes en faisant des exercices simples et crayon et en décomposant les valeurs d'une photo en seulement deux valeurs. Ensuite, une fois que vous vous sentez réchauffé, choisissez une photo à partir du tableau Pinterest de la classe ou de l'un de vos choix, et suivez les étapes décrites dans la classe pour créer un portrait du début à la fin. Faites un bloc solide dans le dessin et indiquez les formes d'ombre indiquant où vos valeurs sombres sont séparées de vos valeurs plus claires. Établissez votre déclaration d'éclairage en remplissant ces formes d'ombre. Établissez vos couleurs locales. Rappelez-vous, ils n'ont pas besoin d'être fidèles à la photo, vous pouvez choisir n'importe quelle couleur que vous voulez ici. Apportez une qualité de vie à la peau en prêtant attention à des choses comme la translucidité, la diffusion sous la surface et la lumière rebondissante. Si vous vous sentez audacieux, essayez d'apporter un lavage de couleur à l'ensemble de l'image pour établir un jeu de couleurs. Équilibre la température de couleur. Il fait trop chaud ou il est trop froid ? Faites attention aux bords et aux transitions. Y a-t-il un bel équilibre harmonieux entre les bords durs et souples ? Enfin, faites une impression durable avec vos marques de finition. Soyez audacieux et amusez-vous. Si vous êtes arrivé jusqu'ici, j'apprécie vraiment que vous soyez ici et j'espère vraiment que vous avez beaucoup de cours que vous pouvez ramener chez vous et appliquer dans votre propre travail. J' ai été humilié par le travail incroyable que j'ai vu de mes élèves en première classe, donc je suis impatient de voir ce que vous allez accomplir ici. Pour ceux qui ont encore faim d'apprendre plus, je vais laisser avec vous une démonstration en temps réel bonus de ce portrait. Dans cette démo, j'étais moins concentré sur essayer de montrer une progression rationnelle à travers n'importe quel type d'étapes, mais plutôt sur le suivi de mon propre rythme naturel de travail. Je trouve cette façon de travailler moins résultat beaucoup plus spontané et ludique pour moi. Je pense que cela pourrait être vraiment perspicace, surtout pour ceux qui sont un peu plus avancés et peuvent suivre pendant que je saute autour du portrait. Merci encore une fois, et j'ai hâte de voir ce que vous pouvez faire. Jusque-là, prenez soin et amusez-vous. 14. BONUS : démonstration en temps réel 1: L' étape suivante à ce stade, j'aime regarder la photo et évaluer quelles couleurs je pourrais utiliser pendant mon processus afin que je n'ai pas à constamment atteindre mon tas de crayons de crayons. Cela ne signifie pas que je pourrais seulement utiliser les photos que j'ai présélectionnées, mais cela aide vraiment à réduire le temps que je passe à fouiller travers les crayons de crayon et à essayer d'en trouver une qui fonctionne. Ce que je fais c'est que je regarde juste la photo et d'abord je décide, est-ce que je veux rester assez fidèle à la photo. Quand j'utilise la référence photo pour mes portraits, je n'ai pas l'intention de m'éloigner trop loin, mais je trouve que dans le processus, je finis par trouver ma propre palette de couleurs à partir de ce que je vois sur la photo. Ne vous inquiétez pas d'essayer d'inventer le schéma de couleurs parfait et unique tout de suite. Je suggère juste d'utiliser ce que vous voyez sur la photo, puis naturellement, à travers le processus d'application des couches de couleur, vous constaterez que vous augmentez les niveaux d'intérêt à travers couleur et vous commencerez à s'éloigner du sentiment lié par la photo de quelque façon que ce soit. J' ai l'impression que je vais avoir besoin de certains de ces roses très clairs, roses pêche pour sa peau, un ton de pêche légèrement plus foncé. En gros, je vois beaucoup de roses, rouges et d'oranges pour ses cheveux. J' ai l'impression de prendre un peu de violet, surtout sur le dessus de son front, donc il y a un violet là-bas et je ramasse un peu de teintes jaunâtres autour du nez et de la bouche. Vous voulez toujours choisir des couleurs complémentaires et des couleurs neutres pour tonifier certains des tons les plus saturés. Je vais choisir un gris là, un gris plus clair et le vert, des bruns plus profonds, des bruns rougeâtres, j'ai besoin d'un rose vif pour ses lèvres, peut-être que cela fonctionnera, et blanc. Bien sûr, le blanc est toujours pratique pour éclaircir toutes les zones. Je pense que ça pourrait suffire pour commencer. C' est déjà un grand choix de couleurs. Je ne sais pas si je vais tout utiliser, mais ça me donne un bon point de départ. Je vais certainement atteindre plus de couleurs à mesure que je vais le long. J' essaie de décider si je veux mettre un lavage léger avoir une belle base à partir de laquelle travailler. Cela va influencer mes couches ultérieures de crayon [inaudible]. Quand je regarde la photo, je vois ce dégradé presque là où il y a une concentration de lumière en haut, et pas autant de lumière ici. Je tiens à souligner ce mouvement tout au long de l'image. En outre, il suit aussi la direction de ses yeux, donc j'ai l'impression que c'est un mouvement général que je veux souligner avec mes décisions de couleur afin qu'il corresponde à la direction de ses yeux, et je pense que ce sera intéressant. Quand je regarde la photo, je vois qu'il y a plus de lumière fraîche en haut et une chaleur en bas. Je pense qu'un refroidisseur général en haut et plus chaud à l'organisation de la couleur inférieure sera intéressant. C' est comme ça que je veux mettre en place mon dessin ici pour commencer. Commençons par poser un ton chaud pour le lavage. Je vais prendre un morceau de papier et je vais le tester d' abord pour voir que c'est ce que je veux. Cela pourrait marcher, c'est un peu plus sombre que je le voudrais, c'est un peu plus sombre en valeur que je voudrais. Peut-être celui-là. Oui, en fait, c'est un orange de ton moyen. Je sais sur la photo que cette grande ombre sous son menton est très sombre, mais je veux injecter beaucoup de vie et de couleur dans cette zone. Je ne vais pas simplement entrer directement avec une couleur sombre ici parce que je vais progressivement construire jusqu'à cette valeur similaire, donc ça va lire comme une ombre là-bas. Mais si ça va avoir beaucoup plus de variété de couleurs que d'aller directement avec une couleur foncée et de bloquer ça. Encore une fois, je vais entrer avec une couleur orangée chaude et je vais créer ce dégradé de sorte que toute couleur que je mets ici par la suite sera influencée par cette couleur. Ensuite, après que je vais apporter une couleur plus fraîche et le classer à partir du haut ici, sorte qu'il y ait une belle transition uniforme entre eux. On y va. J'essaie juste de le garder aussi léger que possible. Je ne veux pas faire de marques dures quand j'applique cette couche de lavage. Je ne suis pas vraiment inquiet de rester dans les lignes ou quoi que ce soit comme ça, surtout ici où je n'avais pas vraiment tracé un plan clair. Parce que je vais traiter les cheveux un peu plus impressionniste et m'accumuler au fur et à mesure que j'y vais. J' essaie d'être aussi uniforme que possible. Comme vous pouvez le voir, je vais passer en revue les lignes. Je n'essaie pas de rester confiné à n'importe quel endroit. Je dois être un peu prudent autour du visage parce que le visage est très pâle et je ne veux pas aller trop sombre avec cela parce que c'est une valeur légèrement plus profonde. Quand je me rapproche du sommet, je vais aller beaucoup plus léger pour que ce soit un dégradé uniforme une fois que j'apporte l'autre couleur. Il est temps d'apporter l'autre couleur. J' ai l'impression de voir un ton minuscule, ou peut-être qu'on va entrer avec le violet. C' est trop fou ? Je ne pense pas. Je vais entrer avec ce violet ici. C' est peut-être un peu fou. Peut-être qu'il fait un peu trop sombre. J' essaie de voir si c'est vraiment ce que je veux faire. Peut-être que je devrais jouer un peu plus sûr et aller avec ce ton de pêche. Je vais aller un peu plus sûr et appliquer ce ton de pêche. Ensuite, je vais évaluer à partir de là. Dans tous les cas, cela aide juste à garder les choses en mouvement, parce que vous n'allez pas savoir tout de suite si c'était la bonne décision ou pas beaucoup de fois, parce que je mélange tellement mes couleurs et je garde une main si légère. Il ne sera pas toujours évident si c'était la bonne décision jusqu'à ce que les couches commencent vraiment à travailler ensemble. Je reviens avec cette couleur orangée. Je fais attention aux formes d'ombre, et j'y apporte cette valeur plus sombre afin que je commence à voir la relation de valeur qui traverse. Je passe sous son nez parce que c'est la valeur la plus sombre là-bas. Sous ses sourcils, juste légèrement, assez pour que je puisse voir lentement que ces zones sont dans l'ombre ici, et cela donne beaucoup de structure au visage et sous ses cheveux ici. Cette étape est vraiment exactement comment je traiterais mes dessins de portrait au crayon, où je viens d'ombrage dans les formes d'ombre. Remarquez comment je ne prends pas vraiment en considération de quelle couleur chaque chose est, je ne regarde pas les lèvres et je pense, eh bien, les lèvres sont d'une couleur différente là-bas, comme une couleur rosâtre, puis aller pour un plus sombre rose. Parce que je peux le faire après avoir fait ça, et il sera toujours lu comme rose. Mais je veux que toutes les zones d'ombre soient influencées par les mêmes couleurs. Je veux qu'il soit lu de façon très cohérente. Je vois un peu de chaleur autour de sa racine des cheveux, donc c'est pour ça que je vais apporter un peu de cette orange. En fait, je vais aller avec une orange plus jaune ou tonique ici. Mon inclinaison naturelle est vraiment de sauter beaucoup, mais j'essaie de le faire d'une manière plus systématique pour vous les gars afin que vous puissiez plus facilement suivre et comprendre ce que je fais. Maintenant, je vais essayer de tailler cette plus grande forme d'ombre sous le menton ici, autour de la joue un peu, puis cette partie de ses cheveux, sorte que ça donne vraiment beaucoup plus de structure autour du visage. Je n'irai pas trop dans l'obscurité pour le faire. Peut-être juste modèle vert, je ne veux pas introduire trop de couleur pour commencer. Je ne veux pas vous confondre. Je vais juste garder tout dans la même famille de couleurs et utiliser cette couleur orange plus foncée pour faire le travail pour l'instant. J' essaie de retrouver ces formes d'ombre que nous avons bloquées plus tôt dans le bloc et de passer légèrement pour assombrir ces zones. Normalement, je regardais ça et je me disais, « C'est trop orange, je veux apporter un cool déjà. » Mais j'essaie vraiment de le garder très simple à ce stade, parce que je sais que nous pouvons apporter une couleur fraîche pour tempérer une partie de cette couleur orange plus tard. Parce que le crayon est si polyvalent de cette façon, car il peut être superposé ensemble. Encore une fois, en soulignant vraiment le fait qu'au moins dans ces premiers stades, vous voulez vraiment garder une main légère, sorte que vous restez aussi flexible que possible. Apportez cette obscurité ici, j'ai l'impression que ça pousse vraiment ce côté de sa tête dans l'espace. Cela fait ressortir cette joue plus. Je peux lentement commencer à jeter des petits morceaux de bords durs. Je ne veux pas perdre tous les bords durs. Avant de faire cela, avant de jeter des bords durs, assurez-vous certainement que c'est ce que vous voulez, car il est plus difficile si vous allez plus difficile de réparer quoi que ce soit. Mais une fois que vous commencez vraiment à voir la relation de valeur à travers, alors sentez-vous certainement libre de verrouiller certains des éléments de dessin au fur et à mesure que vous allez. En général, une couleur chaude pour commencer à construire les valeurs est un pari sûr en raison de la façon dont la peau fonctionne, en ce que les couleurs ont juste tendance à être plus chaud autour du visage et de la peau en général, en particulier autour des ombres. Au lieu d'entrer avec une couleur très cool, une couleur chaude comme celle-ci est généralement un pari sûr. Encore une fois, s'il commence à paraître trop chaud, alors vous avez le choix de le tempérer avec une couleur plus fraîche comme un gris ou un vert ou un bleu, ou tout ce que vous choisissez. J' y vais avec une orange jaune ici juste pour ajouter un peu plus de variété de teinte. Maintenant, je pense que je vais me concentrer sur les couleurs locales des différents éléments comme sa peau, ses lèvres, ses cheveux, et c'est une étape très facile à faire. Cela va faire beaucoup de travail pour rendre le portrait beaucoup plus fini. Il vous donnera plus à jouer avec en termes de couleur, car il va commencer à introduire beaucoup plus de couleurs dans la pièce que ce que j'ai actuellement. Je vais commencer par appliquer un peu de chaleur autour de son visage ici, et je vais entrer avec un jaune très pâle pour que cela n'affecte pas trop la valeur. J' affecte surtout la teinte. Quand je fais cela, je passe aussi sur les zones d'ombre, parce que je veux qu'elle influence toutes les parties de la peau, pas seulement la zone dans la lumière, sinon, tous ces éléments séparés vont sembler assez disjoints. Là, je vois un peu de ce jaune arriver. Je pense que c'est probablement aussi jaune que je voulais, parce que je ne veux pas qu'il devienne plus jaune que ça. Peut-être autour de son front un peu aussi, et je vais le ramener ici aussi. Maintenant, je vais apporter de la couleur à ses lèvres. J' ai l'impression de voir un peu de pourpre, et la lèvre supérieure ici, peut-être certains de ces coloris néon lumineux. Essayez de bloquer ce surlignement sur la lèvre inférieure. Je n'essaie pas de finaliser quoi que ce soit pour l'instant. Toujours en gardant assez léger parce que je veux toujours une certaine flexibilité. Je ne sais pas comment je veux traiter toutes les couleurs pour l'instant. Construire lentement les valeurs. Établissons une couleur de ses yeux. Je continue avec ce vert même si je sais que ça va être un peu trop contrasté, mais je vais probablement le tonifier plus tard. En fait, beaucoup. Je vais essayer de tonifier cette couleur verte avec ce jaune ici. Au début, tout va paraître un peu trop déplacé parce qu'il n'y a tout simplement pas assez de couleurs pour donner un contexte à chaque couleur. Je ne m'inquiète pas trop pour l'instant. Je vais aller avec les cheveux. En fait, avant d'entrer avec les cheveux, je pense que je vais travailler sur son visage, construire les valeurs dans son visage, commencer à établir les couleurs que je vois autour des joues sont un peu plus chaudes, autour du nez, un peu plus chaud aussi. Je vais construire sur mes valeurs et affiner un peu plus le dessin afin que je me sens un peu plus confiant d'y aller. J' ai juste un peu plus à travailler avec une fois que j'ai un peu plus de contexte. Tu vas juste me voir essayer de construire ce dessin. Vraiment à ce stade, je ne pense pas vraiment à la couleur. Je pense surtout aux valeurs parce que c'est ce qui me préoccupe, je suis préoccupé par l'aspect dessin. Fondamentalement, trouver à nouveau le dessin, et trouver juste un peu de nuances des formes. Ancrer les choses comme les coins de la bouche ici une fois que j'ai l'impression qu'elles sont au bon endroit. Une excellente façon d'assombrir une zone sans simplement chercher la version sombre de celle-ci, est d'apporter une couleur complémentaire et de la superposer sur le dessus. Comme ça, comment j'apporte le vert ici. Ouais, je crois que je vois un peu de pourpre de ce côté. Je pense que je vais, encore une fois, renforcer ce que j'essayais de me coucher plus tôt, ce côté étant plus cool et plus chaud. Je pense que lentement je vais essayer de le renforcer. Essayez de ne pas vous perdre dans les nuances des cheveux, juste le traiter comme une grande forme d'abord et puis je peux courber les formes plus petites plus tard une fois que j'ai établi les valeurs et la couleur générale. Remarquez comment maintenant il y a beaucoup plus de variété de couleurs et les choses commencent à se réunir un peu. Je vais apporter cette couleur néon très brillante pour sa joue. néons sont vraiment parfaits pour teinter la couleur très fortement, rendre plus saturée, sans affecter trop de la valeur en dessous. J' essaie d'assombrir tout ce côté du visage. C' est peut-être un peu trop sombre. Je dois entrer avec un blanc ici. Beaucoup de fois où je saisis ces couleurs, je ne regarde pas vraiment quelle couleur il est spécifiquement, mais je pense à la relation chaleureuse et cool. Est-ce que je veux rendre cette couleur plus chaude ou est-ce que je veux rendre cette couleur plus fraîche ? Je pense que je mélange beaucoup de couleurs différentes ici parce que c'est une couleur plus neutre dans l'ombre là-bas par opposition aux cheveux qui est une couleur rougeâtre clair orange. Je vais aussi l'évoquer ici aussi. Ouais, j'essaie de ne pas être trop lourd avec des valeurs vraiment sombres. J' essaie d'obtenir l'apparence de valeurs plus sombres mélangeant des couleurs chaudes et fraîches ensemble et en créant un ton plus neutre. C' est parce que je veux juste le garder aussi léger que possible pour rester flexible, mais aussi parce que beaucoup d'informations de couleur se trouvent dans cette gamme de tons moyens. Si je vais dans l'obscurité, je vais commencer à perdre beaucoup de la variété de couleurs. J' aime comment les couleurs tournent jusqu'à présent et il me donne quelques idées sur la façon aller plus loin parce que j'aime vraiment cette couleur pourpre ici. Il n'y a pas de règle qui dit que je dois rendre ces cheveux aussi chauds ou rouges que sur la photo. Si je le voulais, je pourrais juste prendre ça et courir avec, et le rendre plus rose violet comme ça. Mais on verra. Je travaille toujours à travers et je saurai mieux une fois qu'il y aura plus d'informations sur la page. Ouais, j'aime vraiment comment ce violet fonctionne avec le vert de ses yeux. Ça me donne une ambiance extraterrestre, que je creuse. Je vais définir un peu le côté de son nez. Les côtés de son nez ici. J' ai l'impression de voir un peu de jaune verdâtre, c'est pourquoi j'apporte ce vert, et aussi, ça aide à trouver des façons d'utiliser la couleur partout dans la pièce. Je veux vraiment être très doux dans ce domaine, mais je vais y aller avec ce rose fluo et teinter un peu la boule du nez. Retour à une couleur jaunie. Mélangez le tout dans. J' essaie de protéger ce point culminant du nez ici parce que j'ai l'impression que c'est vraiment vendre l'angle du nez qui se trouve. Juste un peu de rose ici. Lentement et lentement, en jetant des bords plus durs au moment où je me sens plus confiant dans les formes que je reçois, avec la construction lente des crayons de crayon. J' utilise une certaine liberté artistique autour des yeux ici parce que ce que je vois n'est pas vraiment ce rose sous le couvercle de son œil, mais en étudiant seulement l'anatomie humaine, cette zone a tendance à être plus rougeâtre parce que c'est le zone de nos paupières. J' aime vraiment apporter un peu de chaleur chaque fois que possible, alors j'ai tendance à y aller un peu plus chaud que ce que je vois réellement sur la photo. C' est une grande couleur neutre pour notre palette en ce moment avec son teint de peau, donc je l'utilise pour construire les valeurs. Je ne pense pas vraiment aux couleurs parce que c'est si neutre. La couleur ne va pas vraiment causer des problèmes majeurs, si je vais dans un peu trop lourd avec elle. Je ne veux pas faire trop sombre avec ça parce que c'est plus difficile à réparer. Ça apporte juste une définition à son oculaire ici. ramasse sur les valeurs sombres que je vois dans ses sourcils. J' aime vraiment traiter les sourcils d'une manière très stratifiée. J' ai l'impression que si j'essaie de tout faire d'un seul coup, alors il a tendance à ressembler à un sourcil tatoué sur le visage. Sourcil a en fait beaucoup de variété, je trouve, parce qu'il y a de petits poils et ils passent beaucoup de lumière. J' aime vraiment injecter beaucoup de couleur dans mes sourcils. Honnêtement, je ne pense pas que ça ait beaucoup de sens. J' essaie vraiment de ramasser toutes les subtilités que je vois dedans et juste de courir avec elle. C' est la couleur la plus sombre que j'apporte en moment parce que je veux vraiment jeter dans un bord dur juste là, parce que je veux faire éclater cette oreille, ce haut de l'oreille là-bas. Je n'apporterai pas cette valeur sombre à tout moment bientôt, parce que je veux vraiment me concentrer dans la construction couleurs sans l'aide de valeurs très sombres pour l'instant, parce que vous pouvez vraiment obtenir l'apparence de valeurs plus sombres avec votre utilisation des couleurs. valeurs plus sombres encore. Ouais, ça craint vraiment beaucoup d'informations sur les couleurs. Beaucoup de valeurs vraiment sombres, j'aime apporter à la toute fin si je sens qu'une zone a besoin de ce niveau de contraste, disons autour des yeux ou juste autour des caractéristiques. Chaque fois que je me sens un peu perdue sur ce qu'il faut faire, je reviens toujours à mes formes d'ombre. À quoi ressemblent mes formes d'ombre ? Sont-ils aussi définis que je le voudrais ? Sinon, revenons et ramenons-les dehors, comme je le fais ici. Encore une fois, pour revenir à notre cartographie des couleurs, je veux concentrer la chaleur ici autant que possible si je veux ce mouvement que je veux faire avec les couleurs, cool en haut et plus chaud en bas. Je veux que ça reste cohérent. Mais on verra. On verra si je m'en tiens vraiment à ça. Parfois, tout au long de la pièce, je finis par ne pas rester complètement fidèle à ce que j'avais prévu et c'est bon. Je n'essaie pas de rester très rigide à n'importe quel plan que j'avais au départ parce que j'ai l' impression que des problèmes se présentent et que vous allez devoir trouver des solutions à la volée. Parfois, ça veut juste dire revenir sur le plan. Ne ressentez pas le besoin de vous sentir gêné par la planification que vous faites. Tu fais les règles. C' est ton dessin, ta peinture. Ça doit marcher pour toi. J' aime vraiment cette couleur orange fluo. Avec les néons, essayez vraiment de le garder dans une zone isolée comme celle-ci. Si j'essaie de tout faire, alors ça va perdre l'impact de cette couleur néon là-bas. Je veux que cette zone se sente spéciale et c'est la façon de la garder spéciale. Je peux l'apporter dans de petits endroits isolés, mais pas dans toute la pièce. J' essaie de construire la valeur de cette oreille ici. Encore une fois, en utilisant cette couleur neutre parce que c'est facile. Oui, au fur et à mesure que vous progressez dans votre pièce, vous commencerez à découvrir quelle est votre couleur neutre pour votre palette et c'est vraiment pratique et non seulement votre couleur neutre, mais vous avez tendance à graviter vers certaines couleurs que vous avez déjà utilisées pour vos zones d'ombre. Vous réaliserez que vous êtes vraiment en train d'atteindre un certain nombre de couleurs. Je n'ai pas l'impression d'utiliser autant de couleurs dans celui-ci, par exemple, mais j'ai l'impression d'en tirer beaucoup de variété déjà, ce qui est génial. J' aime vraiment ce schéma de couleurs jusqu'à présent. Je vais apporter un peu de chaleur ici. Remarquez que je ne m'inquiète pas vraiment de l'endroit où sont tous ces faits saillants autour des poils. Je suis juste en train de le traiter comme une grande forme au départ. Ensuite, ce que je peux faire est d'entrer avec les valeurs plus sombres et ensuite dessiner autour des points forts pour que cette zone devienne ensuite les points forts là-bas. Parce que les faits saillants les gens vont souvent penser qu'ils sont beaucoup plus légers qu'ils ne le sont, donc ils vont essayer de le contourner, et je le fais aussi. Je fais l'erreur de penser que les faits saillants sur les cheveux sont en fait assez légers, alors qu'en fait, par rapport au point culminant, disons sur ses yeux, ils sont beaucoup plus sombres en valeur. Nous pouvons commencer par une valeur beaucoup plus foncée pour les cheveux que nous ne le pensons parfois. Cela rend la tâche beaucoup plus facile pour nos yeux car alors nous n' avons pas de valeurs blanches distrayantes dans les cheveux pour rivaliser avec le reste du visage. Je compte sur cette connaissance et je ne pense pas toutes les petites vagues que je vois dans les cheveux, j'essaie de ne pas quand même, parfois je suis un peu distrait et je veux souligner trop de choses, mais vraiment j'ai trouvé que traiter les cheveux comme une forme simple est la voie à suivre. Je vais prendre cette couleur gris bleuâtre clair et ensuite je vais assombrir ce blanc de son oeil ici. Parce que je pense que je veux en faire le point central, parce que cela renforce cette direction que j'essaie d'atteindre. Mais je vais y aller très légèrement parce que je ne veux pas qu'il soit trop sombre. Là, je pense que ça suffit. J' essaie juste de diminuer le contraste dans cet œil en faveur de cet œil. À l'avenir, lorsque je fais ressortir ces yeux, en définition, je vais l'appliquer aussi, faisant ressortir cet œil plus en définition. Si vous pouvez le voir, pendant que je travaille, je pense à toutes les couches en même temps. Je trouve que c'est la meilleure façon de préserver la brillance de la couleur, parce que si je l'aborde dans une approche très stratifiée, juste une étape par une étape, cela en théorie est génial, mais en pratique, cela pourrait conduire à des situations où je ne peux pas obtenir une certaine couleur à nouveau parce que j'étais devenu un peu trop sombre en termes de ce qui est sur le papier. C' est pourquoi, quand je travaille, je rebondis d'un point à l'autre. Je pense aux niveaux de contraste, je pense à la cartographie des couleurs globale, et je pense à la couleur générale, comme les couleurs locales. C' est juste beaucoup à penser à la fois et donc je ne veux pas que vous vous sentiez dépassés et que vous essayez de faire tout ça à la fois comme j'ai tendance à le faire. Si c'est très nouveau pour vous, alors il suffit de l'aborder une étape à la fois, mais gardez à l'esprit que vous n'avez pas à le faire de cette façon non plus. Finalement, vous trouverez un moyen qui vous semble le plus organique et comment vous aimez travailler. Pour moi, j'ai tendance à passer beaucoup de temps sur ces portraits parce que je change constamment la couleur que j'utilise, et vous n'avez certainement pas à travailler comme ça. Je reconnais que cela prend beaucoup de temps, mais parce que je me soucie tellement de la façon dont les couleurs tournent, je trouve que j'accorde beaucoup d'importance à la couleur, même si je sais que la valeur est vraiment ce qui porte la couleur. C' est pourquoi j'ai tendance à passer un peu plus de temps que peut-être d'autres le font généralement sur ces portraits avec des couronnes de crayon, mais j'aime vraiment le look que j'obtiens à la fin parce qu'il semble tellement superposé avec tant de couleurs différentes. En regardant ce que j'ai maintenant, j'aime vraiment la variété de couleurs que je réalise et le schéma de couleurs qui est là. Je ne veux pas vraiment déranger ça en y introduisant tout un tas d'autres couleurs pour l'instant, je pense que je vais juste me concentrer sur apporter tout à une finition, puis peut-être jouer avec un peu peu plus de couleurs à partir de ce point. Mais pour le moment, je pense que je vais juste me concentrer plus sur apporter toutes les fonctionnalités un peu plus à une fin, mais j'aime vraiment ce que j'ai fait jusqu'à présent. A cause de ses yeux verts très brillants et juste cette couleur de cheveux violacés, je reçois un peu d'ambiance extraterrestre avec lequel je suis totalement à bord. Ce n'est pas ce que je m'attendais à y entrer, mais c'est juste ce qui est sorti par le processus de juste mettre les couleurs, et donc cela va juste montrer que je ne sais pas toujours ce que je vais finir jusqu'à ce que j'entre dans le le dessin lui-même. J' aime vraiment laisser le dessin me dire ce qu'il veut plutôt que d' essayer d'obtenir la couleur exacte de la peau que je vois sur la photo et la couleur exacte des cheveux. Pendant que j'essayais d'aller dans cette direction, j'ai réalisé que je n'en avais pas besoin, parce que j'aime vraiment ce que je vois en ce moment. Ça m'a ouvert une nouvelle porte dont je ne savais même pas qu'elle était là. Je suppose que mon point est, certainement utiliser la référence photo pour vous aider à vous donner un tremplin pour travailler à partir de mais ne vous sentez pas lié par elle du tout, laissez les choses progresser comme elles le font et arrêtez une fois que vous arrivez à un que vous aimez et voyez où vous voulez aller à partir de là. J' ai l'impression que si j'essayais de rendre ces cheveux aussi chaud, rouge brunâtre comme je le vois dans la référence photo, ça va ruiner ce look spatial que je reçois en ce moment, et ce serait dommage parce que j'aime vraiment ces déclarations donc loin. plupart du temps, c'est ainsi que je finis avec les décisions de couleur que je finis par prendre. Parce qu'on me demande souvent, est-ce que je sais quelles couleurs je vais utiliser avant d'y entrer, et la réponse est non, vraiment pas. C' est le processus qui m'informe. C' est l'acte d'essayer de rassembler cette chose, c'est ce qui m'informe et me conduit dans une direction que je ne savais même pas que je pouvais prendre. C' est pourquoi l'art est amusant de cette façon. Je pourrais le faire ressembler exactement à ce que je vois sur la photo, mais où serait le plaisir en cela, part la satisfaction de l'obtenir exactement photo-réaliste ou très fidèle à la photo. Quoi qu'il en soit, juste vous faire savoir que je vais courir avec ces cheveux violets , oeil vert, type espacé de thème qui se passe, et juste essayer de définir les caractéristiques et jeter un peu plus de bords et nettoyer le design un peu un peu plus. Ensuite, nous allons aller voir quelles autres couleurs que nous pouvons injecter pour vraiment faire éclater cette chose. Je pense que mon plus grand secret pour injecter beaucoup de couleur est que je pense juste aux valeurs ici. Pour ce petit œil de chat de l'eye-liner, je pensais juste, « Eh bien, j'ai besoin d'une valeur plus foncée pour ça », alors j'ai juste atteint pour que ce vert contraste un peu de rose là-bas. Je pense que c'est cool. Au lieu de simplement atteindre automatiquement ce qui ressemble au noir, il suffit de penser en termes d'obtenir une valeur plus foncée et de voir quelle couleur vous pouvez obtenir de cela. J' ai l'impression de voir une couleur très brillante ici. Je l'aime, et je veux l'accentuer parce que j'ai l'impression ça attire vraiment l'attention sur les yeux. À ce stade, j'accorde plus d'attention à mes bords. Vous pouvez voir que je me suis débarrassé de ce bord parce que je n'aimais pas comment j'avais ce bord dur ici et un autre bord dur là-bas. Parce que toute cette zone est en forme d'ombre, je viens de fusionner ces formes ensemble. Je suis toujours à la recherche de domaines où je peux faire cela pour faire une déclaration plus simple parce que je pense que cela rend plus attrayante parce que cela relégue l'accent sur des domaines plus importants. Je veux mettre l'accent sur son menton, il a été un peu négligé. Peut-être que je vais en elle pour faire écho à d'autres verts ici. Chaque fois que je me sens perdu, je reviens toujours aux formes. Concentrez-vous simplement sur la mise en valeur des formes, puis tout tombera en place car il est difficile de jongler avec tous ces différents éléments : couleur, le design et les valeurs. Difficile de gérer toutes ces couleurs et de les rendre attrayants. C' est pourquoi chaque fois que je me sens un peu coincé quant à ce qu'il faut faire, je reviens à me concentrer sur la lecture des valeurs. C' est pourquoi je dois m'abstenir d'ajouter trop de variété de couleurs parce que cela devient plus difficile à essayer de gérer complètement. J' ai l'impression de voir un peu de rose sur ce bout de l'oreille. J' apporte ce rose fluo que j'ai utilisé pour les lèvres parce que je pense que ça le lie joliment ensemble. Maintenant, les cheveux vont certainement être un peu difficiles et quelque chose que j'espère finira par se réunir vers la fin. Mais je dois faire attention un peu avant que ça ne m'échappe. J' ai l'impression allé dans un peu trop sombre ici, alors j'allège ça. Tu dois être prudent avec les ombres aussi. Je trouve que vous ne pouvez pas tout à fait aller aussi sombre que vous le voyez sur la photo, sinon il aura cet effet atténuant vraiment. Vous devez vraiment faire attention et il suffit de le regarder dans le contexte de l'image globale au lieu d'essayer de l'obtenir exactement aussi sombre que vous le voyez sur la photo. Voyez comment avec toutes ces couches de leering over top avec les crayons de crayon, c'est comme une collection de tant de couleurs différentes ensemble qui crée la même couleur neutre. Mais c'est plus intéressant à regarder que si je venais d' entrer avec un noir foncé ou un brun foncé ici. Ceci est beaucoup plus intéressant pour nos yeux à regarder parce qu'il a beaucoup plus de variété. Vous pouvez en fait voir des petits morceaux de couleurs qui regardent à travers. 15. BONUS : démonstration en temps réel 2: Je travaille juste à apporter une définition à la zone buccale. Il se sent un peu plat. Le visage est un peu à uniformément léger. Je veux m'assurer que je transmets ça en bas, ça devient moins de lumière, donc ça va être un peu plus sombre. Je finis avec trop de contrastes autour de la ligne du menton, ce qui n'est pas ce que je veux. Je veux que tout le contraste soit ici. C' est donc une façon de penser aux valeurs. Il suffit de chercher toujours où vous obtenez le contraste, où vous ne voulez pas obtenir de contraste pour entrer avec les narines probablement. Les narines sont un peu délicates parce qu'elles semblent assez sombres, mais je trouve que si je les traite assez sombres, elles ne finissent pas par être très belles. Donc j'essaie toujours d'avoir une main très légère quand j'entre avec les narines, juste à peine suggérer parfois. J' aime vraiment faire beaucoup de pas en arrière à chaque coup pour voir si c'est suffisant. Pour l'instant, j'y reviendrai probablement plus tard. Je commence à être un peu plus courageux avec appliquer des valeurs plus sombres maintenant. À ce stade, je devrais vraiment prendre des décisions plus courageuses et plus audacieuses juste pour faire bouger les choses. Je vais indiquer cette zone de cheveux qui retourne dans l'espace. J' aime la forme qu'elle crée. Il a ce mouvement vers le haut et puis choisir quelques mèches de cheveux. J' essaie aussi de choisir cette boucle ici. J' aime ça parce que ça ramène ses yeux vers les yeux à nouveau. Quoi d'autre ? Que pouvons-nous faire ici ? J' aime cette grosse boucle générale que je vois parce qu'elle équilibre cette boucle. Je pense vraiment en termes de formes négatives avec les cheveux ici, parce que je veux que ce brin sorte donc je suis juste assombrir les zones autour d'elle. Rappelez-vous comment nous avons dit que cette zone allait être plus chaude et ensuite vers le haut il allait être plus cool. J' essaie toujours d'honorer ça, mais évidemment pas très strictement. Le blanc est génial parce qu'il aide vraiment à lisser l'apparence des marques parce qu'il se remplit, il mélange juste tout le pigment de sorte qu'il finit par remplir le blanc du papier. J' essaie de ne pas le faire partout parce qu'il est difficile de poser plus de couleurs sur le dessus. Mais une fois que je suis sûr que c'est ce que je veux et que je veux assouplir cette zone, alors j'aime aller avec le blanc. Maintenant, je veux me concentrer sur le dessin dans certains des bords les plus durs pour nettoyer un peu le design. J' ai l'impression que le design s'éloigne un peu sur moi, et ça va se produire au fur et à mesure que vous construisez votre dessin. Une fois que vous vous sentez plus confiant sur tout, allez certainement dans et jetez certains de ces bords durs pour aider le sol que vous êtes en train de tirer vers le bas. Sinon, il commence à se sentir un peu pâteux. C' est là que j'aime vraiment m'amuser avec un peu de couleur. Je regarde moins la référence réelle à ce stade et juste de voir ce que j'ai sur la page et d'accentuer certaines couleurs que j'ai déjà vers le bas. Parce que pourquoi gâcher quelque chose qui fonctionne déjà en y introduisant différentes couleurs quand vous pouvez simplement prendre ce que vous avez déjà vers le bas et juste le pousser un peu parce que vous savez déjà que cela fonctionne. Je suis très prudent avec la zone du menton à cause du raccourcissement de l'angle de la tête. Si je dessine une ligne forte reliant ces deux-là, ça va faire ressembler le visage un masque assis sur le dessus au lieu de laisser cette zone être un bord perdu. Soyez vraiment sensible aux contours car les contours peuvent vraiment aplatir les zones. Par exemple, encore une fois, juste tout autour de la ligne de cheveux ici, remarquez comment ce bord est perdu, donc ce bord est également perdu. Si j'avais une ligne forte sur les cheveux, là où les cheveux rencontrent le visage, ça va faire sentir le visage comme un masque. J' aime briser ces lignes autant que possible. Nettoyer le bord des cheveux ici. J' aime vraiment avoir beaucoup de plaisir avec les cheveux, et de les traiter plus dans un sens du design plutôt que d'essayer de les obtenir précis à ce que je vois parce que cheveux sont difficiles et que je trouve quand j'essaie de les obtenir précis, il ne s'avère pas aussi bien. Il finit par enlever trop d'attention du visage. Les cheveux sont en fait là où j'aime beaucoup m'amuser avec la marque. Parce que je peux m'en sortir avec le laisser plus lâche et avoir juste sur la conception des lignes, et les couleurs comme ça. En outre, la photo pourrait ne pas être idéale dans la façon dont elle est conçue, donc c'est vraiment à nous de créer un design plus attrayant à partir de ce que nous voyons. Par exemple, je répète ces formes ici d'une manière que je trouve est de renforcer cette mèche de cheveux et cela me plaît. Ce n'est pas nécessairement ce que je vois sur la photo, mais c'est juste une façon de résoudre les problèmes. Vous pourriez résoudre le problème d'une manière différente que moi, et c'est ce qui rend l'art amusant. Comme une référence photo peut produire juste une quantité infinie d'interprétations différentes. ce moment, je ne regarde même pas vraiment la photo, je regarde juste ce que j'ai fait sur la page et résoudre des problèmes ce que j'ai. Le blanc, c'est parce que je me sentais comme si cette zone était un peu trop saturée alors je la tonifie. Je veux que ce soit comme cette zone de passage, je veux que ce soit un domaine d'intérêt, mais ceci au milieu, je n'ai pas vraiment besoin qu'il prenne trop d'attention parce qu'il y a déjà des domaines plus intéressants à avoir ici. Entre ces zones d'intérêt, je veux une zone passive où les yeux peuvent se reposer. Je ne veux pas que chaque domaine soit très saturé et intéressant à regarder, et c'est très bien. Il agit comme un caractère de soutien pour les domaines les plus importants. Chaque fois que je ne sais pas vraiment quelle couleur atteindre, je cherche juste une couleur neutre comme un gris, puis je vais de là. Est généralement un pari sûr. En sortant un peu plus cette joue, je pense que je veux commencer à être un peu plus audacieux avec mes lignes. Vraiment commencer à s'engager cette conception et permettre à certaines des marques d'être un peu épaisses, au lieu de, je ressens le besoin de tout mélanger. Je vois beaucoup de concentration de saturation autour des cheveux ici donc, je vais peut-être essayer d'imiter ça. Peut-être comme ça. Il y a un certain point avec des crayons de crayon, si vous commencez à superposer trop, il devient plus difficile d'appliquer quoi que ce soit au-dessus de lui à nouveau. Dans ce cas, aide généralement à aller un peu plus sombre, comme ça. Oui. Commençons à être plus audacieux, je veux voir un peu de concentration verte ce côté pour équilibrer tout le violet là-haut. Allégez ça un peu, c'est un peu trop lourd sentiment. Je vais essayer de trouver un moyen de détourner beaucoup d'attention ici. Je pense que je vais assombrir légèrement le côté du visage, sorte que le côté recevant le plus de lumière soit de ce côté. Je veux faire de cette zone, plus la taille contraste, j'essaie de juste diminuer la quantité de contraste de ce côté maintenant. Ce qui est un peu plus difficile à faire parce que cette zone est très appliquée. Il y a beaucoup de couches de cire. J' essaie de diminuer le niveau de saturation ici, puisque je veux le plus de contraste ici, je veux que cette zone se sente la plus saturée. Remarquez comment je traite tout ça comme une seule forme. C' est exactement comme ça que je le traiterais si c'était juste au crayon aussi bien. Juste un peu d'une valeur plus sombre là-bas l'a fait apparaître beaucoup plus. Je vais assombrir cette tache de cheveux. Il attire vraiment beaucoup d'attention sur ce côté du visage. Je pense que ce dont j'ai besoin, c'est de vraiment renforcer ce côté de la tête. Maintenant, les lignes que je jette pour les cheveux ici ce n'est pas nécessairement parce qu'il est basé dans la réalité, mais c'est plus d'un élément de design pour aider à renforcer ce côté du visage. Un peu cette couleur orange ici au nez. Un peu plus, je pense aux joues. Peut-être montrer un peu de la texture des cheveux. J' essaie de trouver, encore une fois, les formes d'ombre pour indiquer les petites touffes de cheveux. J' ai toujours atteint une étape où je me sens un peu perdue quant à la façon d'aller de l'avant, et j'ai l'impression d'être à ce stade maintenant. Dans ce cas, je dois me forcer à vraiment me concentrer sur le dessin et moins sur les couleurs. Les cheveux, encore une fois, je vais être assez impressionniste avec ça. Je n'essaie pas d'indiquer chaque mèche de cheveux, mais je suggère juste quelques boucles qui regardent à travers. Si vous voulez passer plus de temps dans les cheveux que moi, alors par tous les moyens amusez-vous. Mais j'ai trouvé avec mes portraits, ce n'est pas vraiment là où je veux me concentrer souvent. J' aime le suggérer beaucoup plus lâchement comme ça. J' ai presque envie de renverser tout cet œil parce que je me sens comme, je ne sais pas. Je veux faire quelque chose avec ce domaine. Peut-être que je ne suis pas assez courageux pour le faire, mais je veux tout gâcher un peu. J' ai l'impression que ce vert aide à refroidir un peu le violet, et le violet se sent un peu trop saturé pour moi. Je préfère ça. Les cheveux ici deviennent juste un peu trop lisses. Donc, je vais jeter quelques bords durs pour suggérer une partie de cette texture de cheveux. Je fais varier les couleurs que je vais juste pour le garder un peu plus intéressant. Nettoyons un peu les bords ici. C' est devenu un peu trop trafiquant. J' aime plus le haut de la tête maintenant que j'ai jeté un peu de texture là-dedans. Mais je pense que je vais aller nettoyer un peu la forme. C' est un peu trop bouleversée en regardant. Quelle couleur dois-je faire pour le surlignement ? Peut-être quelque chose comme ça, ce qui signifie que je dois probablement le répliquer ici de ce côté de la mise en évidence des cheveux. Maintenant, je pense que je veux nettoyer un peu cette zone. Je jette ce bord très dur pour le menton ou la mâchoire. Je fais toujours beaucoup d'attention à la racine des cheveux parce que je ne veux pas que les cheveux se sentent comme une perruque, donc il doit y avoir une transition très progressive des cheveux et de la peau. Bords très doux et typiquement rougeâtre autour de la racine des cheveux. Être un peu plus audacieux, en jetant dans ces bords durs, en allant plus sombre que je ne l'avais avant. Puis entrer avec ce vert pour tempérer cette luminosité du violet parce que je n'aime pas vraiment ce brillant d'un violet, parce qu'il y a assez de chaleur qui se passe que si je vais un peu trop violet, je pense que ça finira par être trop contrasté. Je suis surpris de voir à quel point la gomme à boule d'aiguille fonctionne pour effacer ces zones claires, les premières couches que nous avons faites . Étonnamment, l'exercice assez bien. Un peu lourd sur l'oranger mais je l'aime donc je vais courir avec. Tant que je ne vais pas avec de l'orange lourd partout, je pense que cela aura l'air intentionnel que c'était un but de conception pour être là. Tu vois comment ce petit morceau de violet contraste vraiment avec ce vert ? J'aime ça. Je sais que tu pourrais laisser ça là. Je vais mettre un peu plus de définition sur les lèvres. Je renforcerai encore les coups. Maintenant qu'il y a des valeurs plus sombres dans l'image, ce qui semblait sombre avant, n'a pas l'air aussi sombre maintenant dans le contexte. J' ai toujours besoin de retourner assombrir certaines zones. Comme avec le nez, j'ai l'impression que maintenant, le nez n'a pas vraiment beaucoup de définition comme avant. Je vais revenir avec ces valeurs violettes plus foncées et juste commencer à apporter une définition aux narines à nouveau. vais lentement et je vérifie si je peux m'arrêter là. Je veux rendre cette zone un peu plus léger, si je ne peux pas plus léger, mais juste diminuer la quantité d'informations ici pour que cette zone bouffe vraiment. Je vais essayer d'alléger cette zone ici. Je fais ces marques exprès, ces stries vraiment verticales ici. J' ai l'impression que ça imite mon style de dessin comme si je faisais ça avec un crayon. En revanche, je vais aller un peu plus dur dans ces domaines. Espérons que le résultat est que votre attention est portée ici et moins ici. Je vais essayer intentionnellement de choisir ces marques verticales. Je jette des petits morceaux de jaune, peut-être un peu de cette couleur rose. À ce stade du processus, je pense que c'est quand j'aime vraiment apporter beaucoup de couleurs. Je pense qu'il a déjà beaucoup de couleurs pour commencer, mais c'est un point dans le processus de dessin où j'aime vraiment m'amuser avec ma marque. Apportons cette oreille un peu plus en avant. Jetez des valeurs violettes là-dedans. Alors que je dessine un outil à proximité avec ce portrait, j'aime faire le tour et m'assurer que toutes les fonctionnalités se sentent suffisamment définies. Non pas qu'ils doivent être super définis, mais cela donne un niveau de finition. Si l'un d'eux n'est pas aussi bien développé, il fait un peu hors, donc je dois faire les rondes, faire le tour, et m'assurer qu'ils sont développés au point où je sens qu'ils ont l'air fini. Cela signifie souvent soit construire les valeurs assez sombres, soit nettoyer le dessin, nettoyer le design, toutes ces choses contribuent à l'aspect fini. Par exemple, je vais très délicatement suggérer une dent ici dans sa bouche pour rendre ce look plus fini, peut-être tourner légèrement ses coins de la bouche vers le haut pour le rendre un peu plus comme si elle souriait plutôt que de ne pas sourire. Il donne juste plus d'expression par opposition à quelque chose d'obscur ou d'ambigu. Donnez-moi un peu plus de définition aux yeux en assombrissant l'ombre de la paupière. Puis le nez, je veux son nez de sentir un peu plus ciselé que je l'ai en ce moment. Je pense que je veux apporter un avantage dur comme ça. Je pense que ça pourrait faire une grande différence. Je tiens à souligner cette ligne ici. Je devrais peut-être aller avec une couleur différente. Ça ne prend pas très bien. Là. Alors retournez en arrière et regardez celui-ci. J' aime juste quelques lignes sombres là-bas, donner au nez un peu plus de structure. Je veux définir les lèvres un peu mieux aussi. J' ai vraiment l'impression que je n'ai pas fait le meilleur boulot sur les lèvres. Il a l'air un peu plat. Je pense que je veux diminuer une partie du contraste de ce côté des cheveux, est devenu un peu trop saturé. Je pense que je suis prêt à entrer, donc je finis les notes ici. C' est là que j'aime vraiment m'amuser avec la couleur. Laissez juste certaines des couleurs se tenir seules et apparaître, comme ça. Ils sont vraiment comme mettre des couleurs les unes à côté des autres dans des blocs au lieu d'essayer de les mélanger. Commençons par ça. Combinaison de jeter dans certains bords durs, ainsi, mettre en gros morceaux de couleur. C' est comme une déclaration, je me sens comme. Je fais une déclaration avec. Quand une zone se sent trop saturée dans une direction, comme vous le savez, j'aime apporter une sorte de couleur opposée. Pas à l'opposé, mais assez à l'opposé pour qu'il refroidisse un peu. À ce stade, je veux juste renforcer mon design et être juste apologétique avec lui. Ce que j'ai fait, c'est ce que j'ai fait. Je scanne toujours l'image pour m'assurer qu' il n'y a pas de valeurs de lumière super distrayantes, surtout dans l'ombre. Mais je vais utiliser, par exemple, une zone comme celle-ci comme une occasion d'apporter une touche de couleur. Voyons quelle couleur devrions-nous utiliser ? En fait vert fonctionnerait très bien parce qu'il va contraster, cela aidera à équilibrer certains de ces violets un peu. J' essaie toujours d'équilibrer les couleurs. Rendez-les uniques d'une certaine manière, mais aussi équilibrés, afin qu'ils ne se sentent pas trop déplacé. Juste renforcer ma déclaration de valeur à nouveau. Vous pouvez toujours le renforcer de plus en plus. J' aime vraiment ça. J' ai l'impression qu'il y a ce sens du mouvement ici, il y a ce sens du mouvement ici. Je vérifie toujours mes relations de valeur. Regardez toujours ce qui est à côté de lui, par exemple, cette oreille est dans la lumière et ce côté de la joue est dans l'ombre, alors assurez-vous qu'elle est plus légère que la zone qui est dans l'ombre. Toujours des références croisées pour vérifier que vos relations de valeur sont correctes. moment, j'essaie de faire éclater cette oreille un peu plus en mettant des valeurs sombres autour d'elle. Vraiment comme cette rafale de vert là-bas aussi bien que de ce côté. J' ai l'impression qu'il complimente vraiment la quantité de violets et de roses vraiment brillants là-bas. À ce stade, je pense que je suis prêt à faire mes dernières notes ici. Je fais juste un scan de dernière minute de tout, pour m'assurer que j'ai tout ici. Donc quand je regarde ça, je veux faire quelque chose en haut de la tête. Fondamentalement, je veux dessiner des morceaux de couleur et juste les laisser donc je reçois une belle variété de toutes ces applications plus douces de couleur, puis les gros morceaux de couleurs autonomes. Je vais dessiner à partir des couleurs que j'ai déjà vers le bas, sauf peut-être essayer de le pousser un peu, soit le rendre vraiment saturé ou juste ajuster la teinte un peu juste pour qu' il se démarque et rend cette zone vraiment intéressant en termes de couleurs. C' est ce que j'aime faire comme dernière étape. C' est assez brillant. C' est plus brillant que je ne l'attendais. Peut-être que je peux le tonifier avec cette couleur orangée ici et peut-être que je veux apporter cette couleur. Je ne sais pas si c'est le bon geste, mais essayons. Juste autour du bord, peut-être que ça va faire. J'aime ça. Je pense que ça fait vraiment éclater cette zone. Juste il y a beaucoup de force ici, mais je n'aime pas comment cette zone contraste tellement avec ce violet très contrasté ici, donc je vais tonifier ça. J' essaie vraiment de ne pas trop m'inquiéter du mélange à ce stade. Je pense que la déclaration générale est déjà là et qu'elle a l'air bien, donc quelle que soit la marque que je fais, je vais juste le laisser être. Je veux briser une partie de la propreté et juste faire quelques notes amusantes qui n'ont pas vraiment de sens, mais ça le rend un peu plus sommaire parce que je pense que ça le rend un peu plus amusant. Juste des marques amusantes pour le rendre plus esquissé. C' est juste de sortir un peu de ce moule. C' est fou, mais peut-être que ça marche. J' aime ça en fait. On dirait qu'elle est enlevée par des extraterrestres. Je pense que nous sommes en train de clore ici. Laisse-moi m'assurer que l'œil est en train de lire. J' aime ça. Je pense que j'aime les pop de cette orange néon dans ces parties. Peut-être pousser ma chance là-bas. C' est quelque chose que je ferais avec un crayon, mais je ne veux pas aller trop par-dessus bord. Je ne veux pas trop pousser ma chance. Là, je pense que c'est suffisant. J' ai vraiment aimé comment cette couleur dans l'œil fait ressembler à cette lumière de couleur qui vient à travers ici. Je pense que c'est aussi bon que ça va avoir, les gars. Je pense que c'est aussi bon que ça va arriver. Scanner les zones qui ressemblent à ça pourrait utiliser une touche de couleur comme ça. Quand je n'y pense pas trop, j'ai l'impression d'être un peu plus audacieux. quoi ressemble cette zone si vous l'imaginez comme un jeu numérique et vous avez du mal à le rendre ou quelque chose et qu'il est pixélisé presque, mais cette zone est plus focalisée. J' ai l'impression que ça n'aurait pas le même effet si je reproduisais ce look partout ici. Je pense que je suis prêt à dire que celui-là est fini. Ça m'a pris du temps, mais je crois que j'y suis arrivé. Qu' est-ce que vous en pensez les gars ? Je pense que ça a pris du temps, mais j'ai fini par y arriver et j'aime vraiment le résultat et quand même je ne peux pas poser mon crayon, n'est-ce pas ? Mais oui, je ne m'attendais vraiment pas à finir avec une palette de couleurs comme celle-ci, ce qui est vraiment intéressant. C' est exactement comme ça que mon processus finit habituellement par être. Je découvre les opportunités de couleur que je vais. Je laisse juste la photo me conduire dans directions que je n'aurais jamais envisagées auparavant.