Concevoir des scènes extérieures pour les livres d'images

1. Introduction: Vous souhaitez illustrer des livres mais vous vous retrouvez à dessiner des environnements plus complexes ? De combien de manières pouvez-vous dessiner un arbre ? Peux-tu illustrer les différents moments de la journée ? Dessiner des paysages et des environnements complets est une compétence dont tout illustrateur de livres d'images à succès a besoin dans sa boîte à outils. J'ai créé ce cours de conception scènes extérieures pour des livres d' images afin vous enseigner les éléments du design et leur lien avec l' illustration de livres d'images Lorsque vous aurez terminé les leçons, vous saurez comment créer un point central dans votre illustration et comment équilibrer votre composition. Vous saurez quel point de vue illustrer et comment éclairer votre scène pour un effet émotionnel maximal. Vous allez apprendre à utiliser la couleur, la valeur et la saturation pour attirer l'attention sur une zone ou pour l'unifier Et comment et quand prendre licence artistique dans vos illustrations. À la fin du cours, vous aurez dessiné une série de vignettes pour créer une composition convaincante, puis vous l'aurez modifiée pour obtenir une superbe illustration complète de livre d'images que vous pourrez utiliser dans votre mannequin ou votre portfolio Bonjour, je m'appelle Mirka, je suis une auteure et illustratrice primée J'ai travaillé avec de grands et petits éditeurs pour créer une gamme de livres allant des romans graphiques aux livres illustrés, en passant non-fiction et la fiction Je suis passionnée par les livres pour enfants et j'adore partager ce que j'ai appris au fil des ans en tant qu'auteure et illustratrice. Ce cours est le premier d'une série de trois sur la façon de créer des environnements pour les livres d'images. Ce cours fait le gros du travail, parle de compositions et de principes de design, et nous nous concentrons sur le dessin de scènes extérieures. Les deux prochains cours expliqueront comment dessiner des scènes sous-marines et comment faire des scènes intérieures. Ce cours est idéal pour les débutants qui souhaitent se lancer dans l'illustration de livres d'images, et il fonctionne également pour les illustrateurs de niveau intermédiaire qui peuvent encore avoir un peu de mal à créer des environnements dans lesquels leurs personnages peuvent vivre Vous souhaitez donc illustrer des environnements incroyables ? Prends tes crayons et allons-y. 2. Projet de classe: Merci d'avoir participé à ce cours sur la conception d'espaces extérieurs pour les livres d'images. Dans ce cours, nous passerons un peu de temps au début à passer en revue les principes de conception de base, puis nous passerons à la partie pratique du cours où je vous donnerai les outils nécessaires commencer à créer l'environnement parfait pour commencer à créer l'environnement parfait dans lequel les personnages de vos livres pourront exister. Je pense que les principes de conception de base dont nous parlerons dans ce cours fonctionneront sur n'importe quel type d'environnement que vous allez concevoir. peut s'agir d'une scène urbaine, d'un paysage de collines, Il peut s'agir d'une scène urbaine, d'un paysage de collines, d'une scène sous-marine ou même de l'espace extra-atmosphérique. L'histoire que vous essayez de raconter sera le point de départ, puis vous commencerez à créer l'environnement petit à petit afin qu'il soutienne l'histoire dans l'interaction de vos personnages. Je vais utiliser l' histoire populaire de la petite poule rouge comme exemple pour ce cours pour tous les exercices que je vais faire. Le texte vous est fourni dans la section des ressources ci-dessous Si vous n'êtes pas familier avec l'histoire, vous pouvez le lire à partir de là et l'utiliser comme référence, ou si vous avez votre propre histoire, hésitez pas à vous en emparer. Peu importe l'histoire sur laquelle vous travaillez pour l'efficacité des exercices que nous allons faire. N'oubliez pas de publier les miniatures de vos exercices dans la galerie de cours ci-dessous au fur et à mesure que vous s'accumulent les uns sur les autres parcourez les exercices de ce cours. Ils sont tous assez courts et s'accumulent les uns sur Alors n'hésitez pas à publier, vous savez, celles du début ou de la fin, ou à en faire un collage pour montrer les progrès que vous avez réalisés. J'ai hâte de voir ce que tu trouveras. Passons donc à notre première vidéo et parlons de la création de points focaux et de contraste dans votre illustration. 3. Créer un point focal: Les principes de conception sont donc un peu comme les fondations et la charpente de la maison Ils sont donc comme la structure sous-jacente qui nous indique comment l'espace va être organisé, combien d'espace nous disposons, vous savez, où se trouvent les différentes pièces et comment tout fonctionne dans la maison. même manière, nous avons en quelque sorte un cadre pour un livre d' images où nous avons la taille du livre d'images, et nous avons le texte dedans. Le texte et la taille réelle du livre nous donneront un certain encadrement et c'est un cadre dans lequel travailler, mais les principes de conception seront également des éléments qui encadreront votre composition dans les limites du Et de la même manière que lorsque vous en avez fini avec la charpente d'une maison, elle est recouverte, vous savez, de couches de contreplaqué , de mouchetures, de peinture, papier peint, puis vous placez meubles et toutes vos affaires dans la Et puis vous ne remarquez plus la structure de la maison. Vous remarquez juste tout trouve à l'intérieur de la maison. Et donc, de la même manière lorsque vous concevez votre livre d'images, euh, lorsque vous concevez les pages de votre livre d'images , si vous avez un bon design de base , elles seront belles , équilibrées, elles seront agréables à lire. Ainsi, le design de vos pages passe inaperçu jusqu'à ce que vous ayez un mauvais design Et c'est, vous savez, dans une maison où vous allez vous cogner la tête contre un mur trop bas ou au mauvais endroit ou vous allez trébucher dans les escaliers De même, si vous avez une illustration de livre d'images mal conçue, elle attirera l' attention de quelqu'un et distraira le lecteur lorsqu'il essaiera distraira d'apprécier votre Bien que les principes de design soient universels et puissent être utilisés dans n'importe quel type d'art, je vais essayer de les expliquer en quoi ils s'appliquent spécifiquement à l'illustration de livres d' images. Ensuite, très rapidement, j' utiliserai beaucoup le mot composition. Ce que je veux dire par là, c'est la façon dont les éléments de votre photo sont disposés dans l'espace dont vous disposez. Parlons d'abord du contraste et de la création d'un point focal dans votre illustration. Les éléments en opposition les uns avec les autres créeront un contraste et guideront notre regard vers le point central de notre composition. Nous lisons donc de gauche à droite puis de haut en bas. Et pendant que vous étudiez les exemples présentés dans ce cours et que vous travaillez sur vos propres compositions et exercices, essayez de comprendre comment l'illustration est composée pour vous guider. Il existe donc de nombreuses manières différentes de guider votre Il existe donc de nombreuses manières différentes regard sur une composition. L'une des façons dont nous pouvons mener le I est donc le poids de ligne. Donc, si nous avions des éléments dans notre composition, et que nous avons donc une épaisseur de ligne légère, il n'est même pas nécessaire que nous ayons une taille différente, et alors nous avons une épaisseur de ligne foncée. La zone présentant le plus grand contraste avec une épaisseur de ligne différente est celle qui attirera votre attention. Une autre façon d' attirer l'attention est d'utiliser des formes Supposons donc que vous puissiez avoir tout un tas d' arbres ici, c'est pareil, lequel est le plus étrange. Donc, si vous avez toute une série de formes angulaires et que vous avez ensuite une forme carrée, même si la forme peut même se cacher, quelque part là-bas, cette différence d'angles et le fait d'avoir une forme ronde attireront votre attention sur la forme ronde, ou cela pourrait être exactement le contraire. Donc, tout ce qui est le contraire. Donc, le contraire serait que je pourrais avoir tout un tas de formes rondes circulaires, puis chaque fois qu'il y a une forme irrégulière qui ressortirait Imaginons donc que nous ayons l'herbe sur l'oreille et que nous puissions y ajouter de la texture. Viger. Maintenant, nous avons toute cette texture ici et partout où nous n'en avons pas, c'est là que notre œil va se tourner. Ou vous pouvez même le faire avec texture encore plus simple partout où il y a un espace libre. Maintenant, vous pouvez voir que j'ai en quelque sorte créé un chemin ici. C'est donc une autre façon de créer un point focal et de guider le regard à l'intérieur d'une composition. Ensuite, une autre façon d' ajouter un point focal est le contraste. Supposons donc que nous ayons un environnement sombre et que nous puissions ajouter un contraste plus élevé comme celui-ci. Et donc, évidemment, si nous avons une zone à contraste élevé, ce serait notre zone à contraste élevé. Ensuite, nous ajoutons quelque chose ici, qui attirera immédiatement notre attention, ou nous aurons une sorte de gris, et disons que nous avons des feuilles ici. Tout est donc une sorte de gamme de gris, mais tout d'un coup, nous avons un personnage debout ici au soleil qui va juste créer parce que c'est là que se trouve le contraste le plus élevé dans notre illustration, c'est là que notre œil va se tourner. Et il en va de même pour la saturation. Ainsi, la même illustration pourrait être réalisée en couleurs. Nous y voilà. Et puis le contraire du vert sera le rouge. Alors évidemment, notre article rouge va ressortir comme un pouce endolori. Disons que nous avons des feuilles ici. Ce n'est donc que de la saturation. C'est donc très peu saturé, puis notre personnage principal est une chenille très saturée, et elle a même des globes oculaires Nous avons donc maintenant un contraste élevé peu saturée et une zone très saturée. Et cela va donc attirer notre attention. Examinons donc d'abord notre exemple d'épaisseur de ligne. Ainsi, dans cette illustration, nous avons des lignes plus sombres et plus épaisses et des lignes plus saturées sur le devant, ici, sur tout ce qui se trouve ici. Et puis, si vous regardez ces arbres par ici, et même dans cette maison, il y a des lignes partout, mais ils sont juste beaucoup plus fins et beaucoup plus légers. Et cela crée une sensation de profondeur. C'est donc une sorte d'exemple d'épaisseur de ligne. Ensuite, j'ai voulu montrer un exemple de formes différentes, irrégulières ou lisses Nous avons donc tous ces arbres, comme vous pouvez le voir ici, puis nous avons une forme ronde. Et non seulement nous avons toutes les formes pointues puis une forme ronde, mais nous avons aussi d'autres choses qui aident notre œil. Nous avons donc parlé des lignes qui bougent notre œil. Vous pouvez donc voir que tout cela ressemble presque à des flèches. Il nous indique cette direction. Ensuite, nous avons eu la texture contre l'absence de texture. Nous avons donc tout cela en noir et blanc, tout ce qui se passe ici, puis nous avons un grand espace ouvert qui encadre en quelque sorte notre cercle ici. Il est donc très évident que, vous savez, c'est notre point central ici. Ensuite, nous avons parlé de texture ici, les maisons créent cette texture, puis nous n'avons aucune texture ici dans cette zone blanche et nous avons donc une zone à fort contraste ici qui attire notre attention. en rend compte naturellement Notre œil s'en rend compte naturellement, puis nous nous déplaçons ici avec nos animaux alors qu'ils emmènent leur arbre le bateau et quittent la ville surpeuplée Ensuite, j'ai voulu parler de la valeur le contraste le plus élevé est le point focal. C'est donc un peu similaire à la première illustration que nous avons regardée avec les arbres. Nous avons donc un contraste et une saturation élevés ici, au premier plan, qui sont notre point focal Et puis la ville qui apparaît en arrière-plan est de toutes sortes de couleurs pastel, toutes très claires. Ce ne sont donc pas des couleurs naturelles, et, vous savez, elles se fondent aussi en quelque sorte dans le vert d'ici Tout cela devient donc une sorte de zone qui s' estompe dans le dos Hum, et puis c'est parfait pour nous en haut. Ensuite, nous avons parlé de saturation Nous avons donc une saturation élevée, faible saturation, un jeu très évident, très évident avec cela pour créer un point focal. Et puis c'est un peu plus subtil, mais aussi très intéressant. Nous avons donc ici le personnage qui a peur des hauteurs. Tout ce qui se trouve en bas est une sorte d'échelle de gris, puis il y a tout ce qui est amusant, excitant, qui se passe au sommet. Vous pouvez donc voir, vous savez, quel point il est effrayé et déprimé, qu'il a peur du vide par rapport à ce qu'il était avant. C'est donc une illustration plutôt amusante. Ensuite, nous avons parlé de lignes et de convergence. C'était donc un exemple très évident de cela. Tout pointe vers notre personnage principal. Le texte se lit comme suit : « La pierre était un trône ». Nous avons donc ce lien assis sur la pierre comme s'il s'agissait d'un trône, et tout le reste pointe droit vers lui. C'est donc un peu plus subtil avec toutes les lignes. Nos personnages principaux sont donc ici. Nous avons des bruns plutôt sourds, mais ici, nous avons le rouge, le jaune, le bleu, le vert, une sorte de jolie éclaboussure jaune, le bleu, le vert, de couleur ici, puis toutes nos lignes convergent en quelque sorte là-bas Et nous avons aussi tous ces loups qui se déplacent de cette façon. Tout arrive à un point ici, qui est notre point central dans ce cas-ci. Nous voulons donc parfois que nos lecteurs fassent un petit voyage avant d' arriver à destination. Et cela pourrait être le cas avec des cartes. Ou lorsque nous parlons de voyages physiques ou émotionnels. Et donc, ici sur cette photo, vous pouvez voir que, vous savez, lorsque nous regardons cette illustration pour la première fois, nous le remarquons d'abord. Nous avons une zone à fort contraste ici, et nous suivons en quelque sorte la route, puis nous arrivons à la destination réelle où la personne a déménagé. Et puis, si nous regardons l' illustration suivante. Voici donc le livre. Donc, si nous regardons l'illustration suivante, ce que vous remarquerez probablement ou du moins ce que je remarque en premier, c'est en quelque sorte cette zone ici. Nous avons une zone à contraste élevé avec peu de texture, puis nous avons ce bâton blanc, et il y a en fait des gens vêtus de rouge ici. Vous pourriez donc remarquer tout cela d' abord et moi aussi, puis je reviens ici parce qu' il y a beaucoup de détails qui se passent ici. Mais au fur et à mesure que vous remarquez tout, vous remarquez enfin ce petit personnage qui est assis en haut et, euh c'est un peu le tournant du livre où le personnage principal est très en colère et très frustré Et maintenant, c'est en quelque sorte le tournant du livre où il commence à réfléchir à ce qu'il a fait. Cela reflète donc en quelque sorte que lorsque nous examinons cela, nous remarquons tout ce qu'il a collecté C'est donc un peu comme j'avais l'impression d'être le symbole de son parcours mental. Et c'est donc ce livre. Et puis un autre type de catégorie est celui des livres sikhs et fins de type Where's Waldo En voici un que nous avons examiné il y a tout juste une minute. Nous avons du caractère ici, mais en gros, l' idée est de semer la confusion, puis il faut regarder où se situent les personnages du livre. Et puis en voici un autre. Il s'agit d'un livre de poèmes sur chaque page. Et puis, mais c'est aussi Sk and Find. Donc, ici, il n'y a aucun point focal exprès, et ce que nous sommes censés faire, c'est nos yeux se demandent, vous savez, à travers l'image telle que nous sommes, vous savez, les enfants regarderont la photo pendant qu'on leur lit de la poésie, puis à la fin, ils pourront trouver toutes les choses différentes. Chacun a donc des objectifs différents et il suffit d'être conscient des différentes manières dont vous pouvez orienter votre attention et inciter les gens à voir les choses plus rapidement ou plus lentement. Hum, cela leur donnera plus d'intérêt à parcourir le livre. Vous avez donc peut-être un livre dans lequel vous voulez que les choses progressent plus rapidement et que les gens remarquent ou comprennent les choses plus rapidement. Et puis il peut arriver que vous souhaitiez que l'œil du lecteur parcourt une image et y consacre un peu plus de temps. Sachez donc que vous avez la capacité de faire les deux . C'est bon. Maintenant que nous avons examiné tous ces exemples vraiment intéressants, allons parler de l'équilibre entre les différents éléments dans la vidéo suivante. 4. Équilibre dans la composition: Dans la dernière vidéo, nous avons parlé de la création de contrastes et de points focaux. Dans cette vidéo, nous allons parler un peu de la façon de créer un équilibre dans votre illustration. Ainsi, lorsque nous parlons d'équilibre, nous parlons généralement de la façon dont nous plaçons les éléments sur la page d'une manière visuellement agréable. Donc, tout semble bien fonctionner ensemble. Et certaines personnes ont en quelque sorte un meilleur sens inné de faire cela, tandis que d'autres ont un peu plus de mal Et si vous n'en êtes qu' au début de votre apprentissage de l'illustration de livres illustrés, je vous recommande vivement vous trouver un groupe de critiques. Donc, faire partie d'un groupe de critiques est un peu une voie à double sens. Donc, d'un côté, vous décomposez le travail de quelqu'un d'autre vous déterminez ce qui ne fonctionne pas et vous donnez votre avis à ce sujet Et puis, de cette façon, vous affinez toutes vos propres sensibilités pour découvrir ce qui ne fonctionne pas dans le travail de quelqu'un d'autre, puis vous pouvez examiner votre propre travail un peu plus objectivement et avec un œil plus critique Ensuite, vous donnez des commentaires d'une part, puis vous recevez des commentaires d'une autre personne d'autre part. Ainsi, lorsque vous travaillez sur votre œuvre, se peut que vous ne remarquiez pas toujours que quelque chose ne va pas, il se peut que vous ne remarquiez pas toujours que quelque chose ne va pas, et le fait de demander à quelqu'un d'autre de l' examiner peut souvent identifier des choses , vous savez, choses qui ne sont pas équilibrées ou des choses qui ne fonctionnent pas De cette façon, vous obtenez bons commentaires et vous êtes en mesure d'améliorer votre travail. Je vous recommande donc d'entrer dans un groupe de critiques d'une manière ou d'une autre si vous n'en faites pas déjà partie. Si vous ne savez pas comment rejoindre un groupe de critiques, vous pouvez poster cette question dans la section de discussion ci-dessous, et je vais vous donner quelques conseils là-bas. C'est bon. Mais revenons à l'équilibre et à l' intérêt de ce cours. Vous créez ainsi un équilibre entre les différents éléments dont nous avons parlé dans la leçon précédente. Il peut donc s'agir de formes, de valeurs et de détails. Et en général, lorsque nous parlons de design, design peut être soit symétrique, soit, vous savez, un exemple classique, si vous avez un arbre ou un papillon design symétrique serait donc un design où les deux côtés sont à peu près égaux ou identiques. Et puis un design asymétrique serait celui où les deux côtés seraient différents Supposons que j'ai un arbre ici, et puis qu'il y ait des collines et tout le reste Donc la plupart du temps, je veux dire, vous savez, 95 ou plus, probablement 99 % du temps. Les dessins, les livres images ou les illustrations seront asymétriques, et nous obtiendrons un meilleur rythme visuel Tu sais, c'est plus intéressant. Avec un design symétrique, cela peut souvent être un peu ennuyeux Mais nous parlerons de composition symétrique dans une minute. J'ai donc très rapidement voulu parler des différents types d' éléments que vous pouvez utiliser pour équilibrer votre composition. Vous pouvez donc considérer cela comme une balançoire , vous savez Mais puisqu'il s'agit d'illustrations de livres illustrés, je dessinerai peu. Nous pouvons les considérer comme un carré, puis il y a deux côtés. Et d'ailleurs, les compositions symétriques peuvent être, vous savez, à droite ou à gauche. Cela peut être soit, vous savez, soit vers le haut, soit vers le bas, soit même en diagonale ou par radio. radio serait, vous savez, comme si vous pensiez à un flocon de neige et tout le monde serait symétrique sur tout le pourtour Et donc, revenons à notre équilibre. Donc, la première chose à faire entre l'équilibre c'est que nous pourrions créer un objet qui se situe, vous savez, entre le clair et l'obscurité. Donc, si nous avons un article très, très foncé, puis qu' un article clair semble avoir un peu la même taille, on aurait l' impression que ce côté n' est pas tout à fait équilibré avec l'autre côté. Donc, si nous créons un objet, quelque chose comme ça, on peut avoir l'impression qu' il serait un peu plus équilibré, et j'ai l'impression que visuellement quelque chose comme ça pourrait être quelque chose comme ça. Maintenant, les deux parties seraient équilibrées là-bas. Une autre façon d'équilibrer les choses pourrait être la saturation. Nous avons donc affaire à la couleur. Alors disons, si c'est le cas, optons simplement pour le vert puisque c'est ce que nous avons ici. Donc, si nous avons quelque chose de très saturé puis quelque chose de beaucoup moins saturé. En général, le côté le plus saturé peut même être un peu plus foncé. Cela va attirer davantage notre attention. Et donc, de la même manière, si vous avez quelque chose de plus ou moins saturé, vous voulez soit plus de ces éléments, soit vous voulez qu'il soit plus grand, comme dans ce cas, soit vous voulez que les choses soient plus compliquées. Quoi qu'il en soit, juste pour créer un équilibre visuel entre les deux. Alors peut-être qu'il y a quelque chose comme ça. Autre exemple, ce que nous pouvons faire, c'est de faire de la taille, et donc évidemment, cela va sembler beaucoup plus lourd que si on le compare à quelque chose de très petit. Mais si vous avez de nombreux objets petits, vous pouvez visuellement, vous savez, avoir le même poids que de l'autre côté. Et vous pouvez également le faire avec une variante. Supposons donc que j'ai une pièce ici, et qu'au lieu que ce soit la taille, il peut aussi s'agir simplement d' une variation de taille ou d'une variation de textures, d' une variation de formes ou d'une variation de saturation, peu importe. Je vais donc simplement faire des variations de tailles. Nous pourrions donc avoir quelque chose comme ça. Alors maintenant, j'en ai une sorte de gros, moyen ou grand, petit et moyen ici, et puis nous avons une grosse bosse là-bas. Cela pourrait donc être une autre façon créer un équilibre entre les différents côtés ou les différentes parties de votre illustration. Et puis nous pouvons également varier la complexité de vos formes. Ainsi, vous pourriez avoir une forme très simple, puis une forme très compliquée, et puis tout ce qui est plus compliqué, vous savez, a plus de poids visuel. Ainsi, cette zone peut être beaucoup plus petite. Avant de parler des dessins symétriques dans l'illustration de livres d'images, je voulais très rapidement parler des points focaux ou des bons endroits où placer votre objet de focalisation dans votre illustration. Ce serait évidemment au milieu ou l'un des endroits serait au milieu. Mais souvent, si vous placez votre point focal principal au milieu de la page, cela peut être un peu ennuyeux. Donc, la plupart du temps, il est préférable de le mettre sur un troisième. Vous avez donc probablement entendu parler de la règle des tiers ou du nombre d'or. Donc, le nombre d'or est que c'est ce genre de spirale, où elle va et où les éléments deviennent, vous savez, les éléments sont disséqués de plus en plus petits Mais ce à quoi je pense le plus facilement, c'est simplement diviser votre plan photo en trois. Et bien souvent, lorsque vous regardez une illustration, vous y trouverez les éléments les plus importants Elle peut donc être verticale ou horizontale. Et la plupart du temps, vous constaterez les éléments les plus importants cette illustration se trouvent dans l'un de ces points. Et le fait de le placer un peu au centre de l'un de ces coins rend en général une composition un peu plus intéressante et plus excitante. Ainsi, lorsque vous travaillez sur votre composition, je veux que vous réfléchissiez à différentes manières de créer une sorte d'équilibre et d'harmonie, non seulement dans la composition générale, mais aussi dans le cas des éléments qu'elle contient. Donc, juste un exemple que je pourrais vous donner très rapidement serait : disons que je travaille sur un petit paysage et que tout va bien, vous savez. Il y a des nuages dans le ciel et le soleil brille. Vous savez, ce sont donc tous des éléments différents là-dedans. Et puis, si c'est le cas, disons que je construis une maison ici, et qu'elle a une porte. Et puis, tout d'un coup, si je commence à faire une fenêtre, et qu'il y a un tout petit toit dedans ou disons que un des murs est tout bancal ou quelque chose comme ça, et, vous savez, et donc dans celui-ci, j'essaie de dessiner une maison, mais, vous savez, les choses ne sont tout à fait pas proportionnées Les choses n'y sont pas très bien organisées visuellement. a donc un déséquilibre entre le toit et le bâtiment lui-même. Pensez donc non seulement aux éléments la façon dont vous les organisez dans votre composition, mais pensez également aux éléments individuels votre composition s'ils sont un peu plus compliqués pour vous assurer qu' ils sont également équilibrés. Autre exemple, disons que si je dessinais un arbre ici, cela aurait l'air bizarre si j'avais un arbre énorme, puis disons qu' il n'y avait qu'un tout petit tronc d' arbre ou quelque chose comme ça, ou si vous aviez deux objets et qu'ils n' étaient pas très bien équilibrés l'un par rapport cela aurait l'air bizarre si j'avais un arbre énorme, puis disons qu' il n'y avait qu'un tout petit tronc d' arbre ou quelque chose comme ça, ou si vous aviez deux objets et qu'ils à l'autre Disons que j'avais une maison ici. Disons donc que c'est notre maison bien équilibrée, mais que mon personnage est un lapin Et puis mon lapin est si gros à côté de chez moi, alors ces deux objets ne sont pas vraiment très équilibrés car comment ce lapin va-t-il , tu sais, vivre dans cette Il suffit donc de penser, vous savez, l'équilibre et à la composition et à l' équilibre des différents éléments de votre composition. Ce sont donc en quelque sorte les principaux points dont je voulais parler en matière d'équilibre. Ensuite, j'ai voulu montrer quelques exemples de compositions symétriques. Comme je l'ai dit, nous obtenons de nombreuses compositions asymétriques presque toutes les illustrations que nous examinons dans ce cours seront asymétriques Mais j'ai une sélection de livres dont les compositions sont symétriques et je voudrais simplement vous dire quand les utiliser et quand elles seront efficaces dans la conception de votre livre d'images 5. Exemples d'équilibre: Donc, en général, lorsque nous pensons que quelque chose est symétrique, nous pouvons penser que c' est quelque chose d'ennuyeux. Il a un rythme régulier, et il est en quelque sorte utilisé pour montrer que quelque chose est très correct et ancré. Mais avec parcimonie, nous pouvons l'utiliser pour accentuer le drame émotionnel d'un livre Regardons donc quelques exemples ici. Donc, dans ce livre, The Little House. Oh, et au fait, la plupart du temps, les couvertures de livres peuvent être symétriques. plupart du temps, ils auront un personnage ou quelque chose comme ça. Cela exclut donc les couvertures de livres. Il y a beaucoup plus de couvertures de livres symétriques que d' illustrations intérieures. Il s'agit donc que de quelques illustrations. La couverture du livre est donc symétrique ici. Mais en regardant les illustrations de la plupart de ces pages, vous remarquerez que, vous savez, à partir de cette page, c'est un peu symétrique. Alors que les saisons changent, la composition est très similaire. Et avec celui-ci, on a le même compost ou c'est une composition symétrique. La composition est la même sur chaque page. Et lorsque nous avons ce genre de chose similaire qui passe par chaque page, nous remarquons ce qui change. Et donc, vous savez, ici, nous remarquons le changement de saison. H un. Et puis vous remarquerez que lorsqu' ils commenceront à construire la ville, même entre les deux, elle est toujours assez symétrique , même si, vous savez, le texte s' équilibre en quelque sorte là-haut, mais, vous savez, si vous les associez, ils sont toujours assez symétriques ici. C'est donc un bon exemple d'équilibrage, où il est presque symétrique. Nous avons donc, vous savez, cette partie qui correspond à cette partie, mais il est évident que cette partie doit être contrebalancée par quelque chose. Le texte s'équilibre donc en quelque sorte. Et c'est donc un exemple de cela. Et puis nous avons ce livre. C'est un livre un peu ancien, mais vous voyez que toute la page est symétrique. Beaucoup de pages sont, vous savez, très symétriques. Et il s'agit essentiellement d' un de ces livres de recherche et de recherche où il y a quelque chose de différent sur chaque page, il y a quelque chose que vous êtes censé trouver. C'est donc un exemple. Et donc, ici, nous avons les deux pages. C'est assez symétrique. Nous avons un grand personnage principal. Nous avons deux lampadaires, et ces personnes suivent cette voie. Ces gens suivent cette voie. Vous savez, nous avons des vélos et d'autres choses, puis nous avons le caractère orange, qui apparaît en quelque sorte. Et puis nous avons une composition très symétrique ici, une composition symétrique ici, vous savez, juste quelques petites choses avec les oiseaux, et puis le personnage principal est évidemment le point central ici. Et au fur et à mesure, voyons quand il partira. Vous verrez donc de nombreuses compositions, encore une fois, symétriques. Donc, quand nous arrivons au moment où il se libère enfin, vous remarquez, vous savez, la différence entre les deux de l'histoire où très symétrique, où tout est ennuyeux, puis il sort dans la nature où tout est, vous savez, beaucoup plus excitant. C'est vert et il y a des couleurs, vous savez, même le soleil est dessus côté de la page. Il y a donc une belle accumulation où tout était ennuyeux ce côté du livre à ce moment-là, où il se déchaîne et sort dans la nature C'est donc une façon d'utiliser des compositions symétriques. Et puis je voulais juste vous montrer très rapidement cette pâte à tartiner de Scarty Squirrel Je n'ai pas ce livre sur moi pour le moment, mais voici une photo de Scarty Squirrel, et vous pouvez voir que nous avons également une composition très symétrique ici, et c'est l'histoire d' un écureuil qui a très peur et qui veut que tout soit très structuré et très sûr La composition symétrique confirme donc cela La seule chose qui change en quelque sorte , c'est que ces deux éléments s' équilibrent. Celui-ci est donc plus grand et plus lumineux, mais celui-ci contient du texte et plus de détails. Ces deux choses s' équilibrent donc en quelque sorte ici, des deux côtés. Et cela nous emmène dans l'histoire de l'endroit où quelque chose commence à se produire à partir de là. Ensuite, nous pouvons avoir deux illustrations symétriques sur la page, et ici, nous remarquons que la seule chose qui a changé, c'est que les enfants font nous remarquons que la seule chose attention, et nous savons que quelque chose est sur le point de se passer sur cette page. Que peux-tu faire ? Il s'agit de Met the Dollards Sarah Pennypecker et Danielle Salmieri . Enfin, j'ai un livre de John Klassen et Mac Barnett, et John Lassen et John Lassen Et d'ailleurs, c'est un livre génial. Il s'agit de Met the Dollards Sarah Pennypecker et Danielle Salmieri . Enfin, j'ai un livre de John Klassen et Mac Barnett, et John Lassen fait beaucoup de ces illustrations symétriques. Ils sont plutôt impassibles. Et les illustrations peuvent être symétriques d'une page à l'autre, ou elles peuvent être très similaires d'une page à l'autre. Et puis, la seule chose qui change en quelque sorte, c'est la direction des yeux ou, vous savez, quelque chose qui change très peu, ce qui crée l' humour du livre. Donc, par exemple, ici, nous avons une composition très symétrique, mais, vous savez, nous remarquons sans cesse qu'ils oublient ces diamants qu' ils sont en train de déterrer Et puis il y a ce plat ici où ils se répandent. Et donc ici, vous savez, ils ont juste raté une grosse affaire. Ils ont juste raté ce diamant. Ils ont raté cet amen et ensuite, disons, séparons-nous pour améliorer nos chances. Ensuite, ils prennent des chemins différents, et maintenant ils ratent celui-ci. Et entre cette page et cette page, vous pouvez voir que ces deux planches sont également symétriques entre elles. Et puis l'humour est dans ce qui leur manque. J'espère que cela vous donnera des idées sur les domaines dans lesquels compositions symétriques pourraient être utiles dans votre livre Illustration journey ainsi que des idées sur la façon d'équilibrer votre composition. Et dans la vidéo suivante, nous parlerons création de mouvement dans vos illustrations. 6. Mouvement, variété et unité dans les compositions à: Dans cette vidéo, nous allons parler du mouvement et façon dont les lignes et les éléments de votre illustration font passer le regard à travers celle-ci. La première façon de déplacer l'œil dans une illustration consiste donc à utiliser des motifs et des répétitions. Ainsi, lorsque nous parlons de motifs, nous pouvons simplement parler de quelque chose qui est un objet répétitif. Et de la même manière que nous en avons parlé tout à l'heure, s'il y a une, elle est un peu différente de celle sur laquelle nos yeux se tournent immédiatement. Ou si nous répétons, vous savez, cela se répète également, mais dans ce cas, nous pouvons répéter un objet, lignes, et cela attirera notre attention et le fera suivre. Et de la même manière, des éléments répétés. Il est donc évident que des éléments répétés ici, mais des éléments répétés dans la façon dont vous les répétez, créent du rythme dans la pièce. Donc, si vous pensez à une forêt ou à autre chose, il se peut que vous ayez des éléments qui ressemblent tous à cela. Et vous pourriez penser que le rythme et la façon dont vous lisez ceci peuvent être, vous savez, très nul, dum, dum, dump. Mais si vous en avez, vous pourriez avoir des objets partout. Et maintenant, tout d'un coup, il y a encore des files d'attente. Mais maintenant, si vous pensez à ce que cela pourrait donner, c'est 22, deux, deux, deux, deux ou quelque chose comme ça. Nous avons donc un rythme beaucoup plus chaotique entre les deux, et vous pouvez même penser, vous savez, à tout moment, de la même manière qu'ici, alors que vous créez dum, dum, dum, d, dum dum, vous savez, et le simple fait de modifier un peu certaines choses peut changer votre façon de lire l'illustration. Parlons ensuite de la variété, la création de variété dans votre illustration. Ainsi, vous pouvez créer de la variété avec différentes couleurs. donc évident que le fait d'avoir des objets de couleurs différentes dans votre illustration va créer de la variété. Il peut s'agir des mêmes formes, mais le fait d'avoir différents types de couleurs dans votre illustration créera de la variété. Et puis dans le même ordre d'idées, évidemment, nous avons des couleurs, des formes différentes, mais qui ont des formes différentes. Vous pourriez donc avoir de petits rectangles, puis tout d'un coup vous avez un cercle et un ovale, puis peut-être un triangle Et maintenant, c'est créer de la ville dans notre œuvre. Nous pouvons également créer des briti avec des valeurs différentes. Les valeurs se situaient donc entre la lumière et l'obscurité. Maintenant que nous avons créé ity avec de la valeur, et de la même manière avec la texture, nous pouvons créer de la variété avec la texture. Disons que nous avons deux balles différentes ici. L'un peut avoir des rayures, l'autre des points. Et puis, disons, on peut y avoir un motif à carreaux. Et maintenant, nous avons de la variété dans les textures. Donc, vous savez, si vous illustrez, cela pourrait aussi être quelque chose où disons que nous avons de l'herbe, puis que nous avons un petit personnage ici Disons que c'est un lapin. Ensuite, nous pouvons créer une texture pour l'herbe avec un tas de lignes dessus, puis nous pouvons créer un motif de fourrure pour elle. C'est donc toujours une sorte de lignes, mais maintenant les lignes sont alignées différemment. Nous avons donc plutôt un motif de fourrure là-bas. C'est très petit, je sais. Et puis différentes manières de créer l'unité. Ainsi, de la même manière que nous pouvons créer de la variété avec toutes ces choses, nous pouvons également créer de l'unité avec la même chose. Donc, si nous avons plusieurs types d'objets différents, rendons-les encore plus grands. Nous avons donc des objets de différentes couleurs. Nous avons donc créé le regroupement. Donc, avec toutes ces autres couleurs différentes qui existent ici, avec tout ce qui est coloré, ces pièces appartiennent en quelque sorte à un seul groupe. Nous avons donc créé l'unité avec la couleur, puis nous pouvons créer l'unité avec le motif. C'est donc un peu similaire à ce que nous faisions ci-dessus. Nous pouvons donc créer. Voyons voir, nous allons faire du gazon. Nous avons donc maintenant une zone unifiée située à l' extérieur, puis un espace qui se détache au milieu de celle-ci. Ensuite, nous pouvons créer, vous savez, des répétitions et des motifs. Ensuite, nous pouvons créer une unité en regroupant des éléments. C'est donc très similaire à ce que nous avons fait ici. Et cela peut donc être de n'importe quelle couleur. Mais disons, euh, si nous les mettons simplement, rapprochons tous ces personnages ici. Maintenant, toutes ces choses semblent aller ensemble parce qu' elles sont toutes groupées. Nous avons donc créé une unité entre ces pièces ici en les regroupant étroitement, afin qu'elles soient très proches les unes des autres. Ces pièces semblent donc former un groupe unifié. Et enfin, suite. C'est donc ce dont nous parlions également tout à l'heure, où il y aura deux éléments qui se poursuivront en quelque sorte. Supposons donc que nous ayons quelque chose en vol, et donc que nous ayons une balle ici. Maintenant, nous avons une suite ici, et nous imaginons la balle y aller Ou il peut s'agir d'autres éléments. Parfois, tu sais, tu peux avoir les mains d'un personnage. Donc, si je l'avais fait, disons que ce personnage bouge de cette façon, qu'il tient également sa robe et que sa robe et même ses jambes vont dans ce sens ou quelque chose comme ça. Ensuite, vous pouvez avoir des lignes de mouvement ou d'autres éléments dans l'illustration. Tout cela relie votre personnage pour qu'il ait l' air de créer un mouvement dans un sens. D'une façon ou d'une autre. Et puis, vous savez, il pourrait même y avoir une table ou autre chose ici ou un autre personnage, sorte que nous créions simplement visuellement une ligne allant dans ce sens pour notre personnage. Et nous allons regarder quelques exemples là-bas dans une minute. Enfin, je voudrais parler de l' ajout d'objets de différentes tailles dans vos illustrations. Je sais que j'en ai déjà parlé en faisant des mannequins de livres d'images Donc, avec celui-ci, je parle de créer des objets. Donc, s'il s'agit d'un paysage qui crée des objets qui sont, vous savez, grands, alors peut-être que nous avons des buissons à l'avant. Supposons qu'il y ait un paysage ici, puis des arbres ou quelque chose comme ça, des nuages dans le ciel. Et puis nous avons un cheval. Nous avons donc maintenant une sorte de petits, moyens et grands objets. Ici, il y a peut-être une clôture ou quelque chose comme ça. Il suffit donc de créer des endroits différents pour que vos yeux puissent regarder et d'avoir éléments de grande, petite et moyenne taille dans votre illustration pour les rendre plus intéressants à regarder au lieu que tout soit à peu près de la même taille. Ensuite, examinons des exemples de tout cela. D'accord, nous avons donc une énorme pile de livres ici. Examinons donc certains de ces éléments. Et donc, ici, ayez une unité qui a été créée par une sorte de modèle unifié. Nous avons des couleurs similaires sur toute la page. Même entre, vous savez, les deux moitiés de la page, c'est un peu jaunâtre, comme chez les lémuriens Et puis la seule chose que nous cherchons est quel lémurien regarde vers le bas. Et donc, modèle avec unité, et nous avons un modèle. Et comme il n'y a aucune sorte de point focal central, notre œil, c'est comme si vous pouviez trouver notre moi en train d'errer Il n'y a pas vraiment de point focal, alors notre œil se contente de sauter partout et parcourir les lieux pour essayer de trouver l'objet que nous essayons de rechercher. Et c'est donc ce livre. Et puis nous avons des sortes de lignes qui créent du mouvement pour l'œil. Donc, ici, nous avons ces cercles concentriques qui se déplacent tous en quelque sorte vers le milieu Cela crée donc une sorte de chaos ou, vous savez, comme le Oh, alors qu'il tombe et, vous savez, il est mentalement, vous savez, une sorte de spirale C'est donc un excellent exemple de cela. Et puis ici, si vous regardez ces lignes, elles créent, vous savez, cet effet de ding, vous savez, c'est vrai, lorsqu'il a cette idée. Nous avons donc une sorte de composition symétrique, en quelque sorte, entre les deux. Mais ce qui se passe autour du personnage est en quelque sorte ce qui est en train de vraiment changer ici. Et donc ce sont des carottes effrayantes. Et puis, ici, il y a la répétition. Nous voulons que les choses soient ennuyeuses, pour que tout soit gris, boum, boum, boum, boum, boum, c'est ce dont nous parlions. Et puis notre personnage principal a air très bouleversé ici. Mmm. Et puis quand nous arrivons dans la nature, où il devient fou, maintenant que tout est calme, vous pouvez voir qu' il utilise toutes sortes de formes géométriques ici. Donc les choses sont toujours là, il y a toujours un rythme. Mais maintenant, au lieu que tout soit clair, nous avons de grands éléments, vous savez, j'ai parlé de petits, moyens et grands éléments. Nous avons donc de grands éléments comme cette grosse herbe, un grand arbre. De grandes étendues d'eau, puis nous avons des éléments de taille moyenne. Et nous avons également parlé du regroupement par couleur. Même s'il y a beaucoup d'éléments ici, tout est plutôt vert, et il y a donc une sorte d'unité et harmonie dans les couleurs. Et puis la façon dont nous faisons ressortir notre personnage principal , c'est que nous avons déjà parlé de contraste élevé Le contraste est élevé ici. Il est dans une sorte de grande forme. Et regardez, la forme crée également des sortes de flèches pointant vers notre personnage principal. Il y a donc tous ces dispositifs visuels que l'illustrateur utilise dans cette illustration. Voici donc Mr. Tiger Goes Wild. Et puis en parlant des lignes. Et donc ici, cette illustration parle du texte qui dit : Ici, les voitures se précipitent, les foules se rassemblent. Etsy dit : « Ce n'est pas notre rythme. Et c'est donc ici qu'ils vivent dans la ville. Ils n'aiment pas ça. C'est chaotique. Ils n'ont pas l' impression d'être chez eux. Vous pouvez donc voir que cela se reflète ici dans cette illustration où nous avons de nombreux mouvements avec la population Vous savez, sur la photo précédente, les choses ne sont pas photo précédente, les nous avions une ville, mais tout était plein de hauts et de bas. Ici, tout est embrouillé. Nous avons, vous savez, une scène d'autoroute qui regarde droit vers le bas. Nous avons une scène dans un tunnel. Comme je l'ai dit, nous avons des voitures. est ainsi que nous avons cette idée de l'agitation de la ville dans celui-ci C'est donc un excellent moyen de créer ce genre de rythme chaotique avec toutes ces lignes différentes et tout le reste. Il n'y a rien de droit de haut en bas. Tout est très diagonal et bouge de toutes ces manières différentes. Nous pouvons donc en quelque sorte entendre la ville de là. 7. Exemples de mouvement, de variété et d'unité: Mais ça ne l'est pas. Ensuite, nous avons parlé de motifs et de textures. Il s'agit donc de Brendan Wenzel, et j'ai l'impression que ses illustrations sont toujours très stimulantes sont toujours très stimulantes dans la façon dont il crée beaucoup de textures avec ses marques, dont certaines sont des collages collages Et donc ici, nous avons toutes ces sortes de lignes irrégulières. Nous avons tous ces points. La pierre était donc rugueuse, et nous avons donc une sorte de limace glissante très lisse, et, vous savez, les lignes suivent des lignes très lisses, puis il y a des éclaboussures, de la texture et toutes ces arêtes puis il y a des éclaboussures, de la irrégulières Et puis nous l'avons. C'était donc difficile. Et puis la pierre est devenue lisse. Maintenant, nous contrastons la texture du porc-épic avec celle que nous avons zoomée sur la roche, et maintenant, pour un porc-épic, la C'est donc un contraste vraiment amusant entre ces deux pages et la création texture et de contraste entre le personnage et le personnage principal de ce livre, That's the Rock. Et puis j'ai eu envie d'en parler pour ce livre, I love this is sweep illustré par Yulia Et nous créons une sorte de visuel avec nos yeux. Nous dessinons d'abord les yeux en diagonale de cette façon. Vous savez, le texte y fait très bien écho. Nous avons cela presque comme un point, un point, un point. Nous suivons le regard de cette façon. Ensuite, l'œil suit cette direction, et nous suivons ces personnes ici, et l'œil suit cette direction et le texte va avec. C'est donc un excellent moyen visuel de déplacer notre œil sur les diagonales. Ensuite, dans celui-ci, vous pouvez également créer du rythme et du mouvement non seulement au sein d'une illustration de page en elle-même ou d'une page en elle-même, mais également entre les planches. Je voulais donc en montrer quelques exemples. Donc, ici, voici l'un de mes livres, Comment se sent la forêt. Et dans celui-ci, il y a un segment sur l'eau, et je voulais créer ce type de texture ondulée avec l'eau. Et donc, ici, le texte y contribue. Nous commençons donc par la section blanche entre les deux, avec les lignes allant dans ce sens et les lignes d' ici dans cette direction. Et puis, à la page suivante, vous savez, nous avons évidemment les vagues dans l'eau, puis le texte que nous suivons. Et puis sur la dernière page sur le dernier segment de celui-ci. Nous nous déplaçons donc, et maintenant nous nous déplaçons, vous savez, haut et ils grimpent sur un rocher sous un arbre. Et il y a un nuage de pluie. Ainsi, non seulement nous avons eu le schéma des vagues trois plages allant d' une étendue à l'autre, dans cette propagation, nous pouvons voir la façon dont la pluie est illustrée par les lignes en diagonale. Et les personnages courent dans cette direction, nous pouvons presque voir la pluie pousser nos personnages sous l'arbre où ils sont maintenant en quelque sorte à l'abri de la pluie où ils sont, vous savez, en train de remettre leurs chaussures. C'est donc une façon de passer d'un spread à l'autre. Et puis de la même manière dans ce livre, mon amie la Terre. De la même manière, il y a du vent ici. Et donc cette propagation, le vent souffle, et cela parle de vents automnaux violents qui balaient les branches des arbres Et puis il y a toujours le vent qui souffle et des objets qui flottent sur le sol, puis tout d'un coup, la neige arrive, et le silence se fait entendre Nous avons donc eu ces deux zones où le vent venait et où les choses bougeaient, et vous pouvez voir toutes ces lignes visuelles avec tout ce qui bouge ici. Jusqu'à présent, nous sommes très silencieux. Et il y a encore des éléments qui, vous savez, ressemblent presque à de petits points qui bougent, mais maintenant, tout d'un coup, tout est encore une sorte de grumeaux et cercles et des éléments plus calmes sur la page que ceux entourés de blanc C'est donc un peu une autre partie de la méthode utilisée par Illustrator , puis tout le monde ferme les yeux également. Mouvements et lignes utilisés en répétition et en rythme. Et puis, ici, je voulais simplement regarder quelques illustrations où nous avons ce genre de lignes implicites dans une illustration. Et donc, ici, nous avons quelque sorte des lignes visuelles qui arrivent. Et puis nous avons ces deux personnages qui regardent vers le haut. Nous avons donc presque un X, puis c'est parti. Ces éléments sont présentés ici. Et donc la destination est vraiment géniale . Et puis il y a, genre, cette explosion quand on voit le bus passer sur la page. Alors j'adore celui-ci. Oh, et avec celle-ci, nous avons déjà regardé cette illustration auparavant. Donc, pour créer une unité, nous avons créé une unité pour l'arrière-plan, ici, où il n'y a pas trop monde parce que tout est de couleurs similaires. Il y a moins de variété entre les valeurs ici. Tout est en quelque sorte très léger. Cela nous permet donc de faire apparaître les éléments d'arrière-plan et de faire en sorte qu'ils nous donnent, vous savez, un point central pour l'illustration. Et puis ici, un peu similaire, nous avons une sorte de composition triangulaire ici. Et il en va de même pour les grands, les petits et les grands éléments. Ce sont donc en quelque sorte nos personnages principaux, et vous pouvez voir que l'illustrateur a laissé un grand espace libre autour d'eux. Et puis, au fur et à mesure que notre œil bouge, vous pouvez voir que ces personnages regardent vers le haut. Sur cet écureuil, puis notre œil se déplace en quelque sorte vers le bas de l'arbre, et nous voyons cet écureuil qui regarde en arrière C'est donc assez agréable de déplacer notre œil entre l'arbre et fait d'avoir cet arbre ici nous empêche de nous déplacer de cette façon. Nous restons donc visuellement dans cette zone et nos yeux se baladent sur l'illustration Et puis ici, il allait y avoir une autre diffusion. Par exemple, ici, nous parlions de grands, petits, grands, moyens et petits. Nous avons donc de très grandes zones visuelles ouvertes ici avec le ciel et l'herbe. Et puis nous avons des zones plus fréquentées ici, et le fait d'avoir cette texture et cette couleur créent une sorte d' unité pour cette zone. Donc, au lieu d'être très occupés avec toutes ces feuilles séparées ici, nous avons en quelque sorte cette zone unifiée de cette herbe où nous avons ensuite nos personnages principaux là-bas. Et puis, de la même manière, nous avons cette ligne qui nous amène visuellement ici. Ensuite, cet arbre nous ramène ici, puis il nous renvoie à notre personnage principal. Nous créons donc un joli cercle visuel afin que nos yeux ne tombent pas de la page. Et puis nous avons parlé, vous savez, des lignes à points. C'est donc un exemple très, vous savez, évident de ce que nous voulons suivre de près. Et donc, ici, évidemment, notre œil va suivre, puis nous remarquerons tous ces petits détails au notre œil va suivre, puis nous remarquerons tous ces petits détails fur et à mesure que nous avançons ici. C'était Gingerbread Man Loose au zoo. Et puis, même chose avec Beco de Dan Santat. Il a également créé une ligne visuelle pour une ligne à points pour nos personnages principaux, et il a illustré notre personnage principal plusieurs reprises ici au fur et à mesure qu'il parcourt la scène. Puis j'ai voulu en parler. C'est dans cette histoire, ça parle de ce village, et tout va très bien là-bas. Chaque chose a sa place. Vous pouvez donc remarquer que tout est très vertical, très horizontal. Tout est très bien structuré là-bas. Ensuite, nous créons l'unité pour tous, de sorte qu'il y a beaucoup de choses à faire ici. Il y a beaucoup de motifs et d'objets différents, mais tout est bleu clair. Nous créons donc une belle unité pour les éléments d'arrière-plan, puis le château qui compte. Il y a plus de couleur, et puis le plus important, que nous suivons notre œil ici, est que nous suivons notre œil ici, puis tout nous indique notre personnage principal qui est ici. Et donc c'est plutôt amusant. Il y a donc beaucoup de modèles, beaucoup de modèles. Si vous regardez les arbres en arrière-plan. Ce ne sont peut-être pas des arbres aussi traditionnels, mais ils ont tous la même texture. De cette façon, ils sont en quelque sorte plus légers, et ils passent donc un peu plus au second plan. Donc c'est plutôt amusant. Et puis j'ai voulu regarder et voici Bear and Wolf de Danielle Salmi Et je voulais simplement regarder quelques illustrations de ce livre, juste pour voir les différentes manières dont il a choisi les différents types de scènes et les appareils qu' il utilise pour composer. Ici, nous avons des arbres très droits, mais si vous regardez la ligne tracée par ces arbres, cela forme une sorte de V ici. Et puis nous avons le personnage principal, et nous pouvons voir ses yeux regarder l'ours. Et nous avons également reculé, donc nous avons de grandes choses à l'avant, puis les choses deviennent plus petites en arrière-plan Ensuite, nous avons parlé des lignes visuelles. Toutes nos lignes pointent donc dans cette direction. Le hibou a beaucoup de texture, donc il ressort, et le hibou regarde également nos personnages principaux, et nous avons un bel espace ouvert autour des personnages principaux Ensuite, nous avons parlé de texture par rapport à l'absence de texture. Nous avons donc toute cette zone de texture ici, aucune texture dans le cercle au milieu. Également très symétrique. Ensuite, nous voyons nos personnages principaux ici. Ils ressortent donc comme un pouce endolori à travers tout ce qui a cette texture très uniforme, voire régulière, avec tous les arbres. Et cela nous donne une grande impression de profondeur et d'espace, la façon dont c'est illustré. Nous avons donc des choses plus importantes ici, et elles diminuent en quelque sorte au fur et à mesure que nous revenons à l'arrière Ensuite, nous avons une scène très animée où c'est un peu leur scène d'émerveillement. Et donc ici, si vous regardez, vous savez, toutes les autres pages de ce livre sont assez, vous savez, de couleurs modérées Mais ensuite, nous avons cette grande sorte de scène arc-en-ciel, c'est cette expérience qu' ils vivent ensemble, qui est plutôt amusante. Tout est donc tel qu'il y a un motif ici avec toutes ces couleurs différentes, car les poissons nagent en quelque sorte Et puis il y a la répétition. Nous avons du rythme. Nous pouvons voir comment, vous savez, nous avons des lignes visuelles, sorte que tout pointe nos yeux vers l' horizon ici. Le personnage principal est dessiné à de nombreuses reprises, ce qui nous donne cette idée du temps qui passe alors qu'il part à la recherche du caribou en hiver Hum, il y a donc beaucoup de designs vraiment amusants ici. Enfin, voici la reine dans la grotte de Yulia Sarda et vous pouvez voir que les illustrations ici sont un peu plus détaillées que dans les autres livres que nous avons examinés Et vous pouvez voir qu'il y a un peu plus de texte. Et si vous comparez ces illustrations à d'autres illustrations que nous avons examinées, vous pouvez constater que ce livre est peut-être illustré pour un public un peu plus âgé que certains des autres livres que nous avons examinés. Il s'agit d'un style d' illustration un peu plus sophistiqué que certains autres. Encore une fois, nous avons des sortes d'orties dressées, et vous pouvez voir ce genre de chemin qu'elles empruntent ici Il y a donc des designs vraiment amusants ici. Ici, ils marchent au rythme du tambour, et vous pouvez voir, avec les fleurs au sommet, la façon dont tout le monde bouge et la façon dont tout le monde monte et descend, vous pouvez presque les entendre, ainsi que tout le monde monte et descend, vous pouvez presque les entendre, ainsi vous pouvez presque les entendre le battement du tambour, alors qu'ils descendent la colline Et ils voyagent en quelque sorte dans ce genre de monde souterrain. Donc, là où nous avions de l'organisation et un battement de tambour très régulier, nous sommes maintenant plongés dans une sorte de chaos Et donc, ici, il est littéralement écrit : «  Mes sœurs battent fort à la batterie Et puis, ici, leur cœur bat à toute vitesse. Et maintenant, ils sont en quelque sorte en train de courir. Nous avons donc une scène beaucoup plus chaotique avec des couleurs et des textures et, vous savez, ces petites touches de jaune Et au lieu de faire une horizontale, nous passons maintenant à une diagonale. Nos personnages courent, et nous avons ce grand espace ouvert qui nous encourage à tourner la page et à voir où ils veulent aller. Non. Et puis je suis juste que c'est la dernière pièce que je montre ici. Nous avons également un design très symétrique ici. Ils arrivent enfin dans ce royaume souterrain, pourrait-on dire, et puis nous avons le personnage principal, puis, genre royaume souterrain, pourrait-on dire, et puis nous avons le personnage principal, puis, , son homologue clandestin, et ils se rencontrent, et vous pouvez voir, vous savez, elle et ses sœurs ici, et puis, vous savez, les personnages ici. Et vous pouvez voir les insectes sur le dessus, puis nous avons cet élément de trompette Vous savez, vous pouvez presque entendre la musique ici au son des trompettes, je suppose que l' on pourrait dire « insectes Nous avons donc cette belle tension entre les deux parties lorsqu'elles se rencontrent pour la première fois. J'espère que cela vous a donné quelques idées sur la façon dont vous pouvez utiliser des éléments de design pour vos illustrations. Dans la brève vidéo suivante, nous parlerons des formes et de la manière dont elles transmettent des sentiments. 8. Formes = sentiments: Les formes transmettent des sentiments. Nous avons abordé cette question de manière assez approfondie dans le cours de design de personnages. Donc, si vous voulez approfondir ce sujet, participez à ce cours et regardez ce segment vidéo. Donc, ici, nous allons passer cela un peu plus vite en revue. Et lorsque nous parlons de formes dans le design, en général, lorsque nous avons des formes rondes ou ovales circulaires, elles expriment une sorte de douceur, de facilité, de bonheur, de sécurité, vous savez, comme chez les mamans Et donc, vous savez, cela pourrait être le cas si notre arbre est très rond. Ensuite, si nous avons des formes carrées et rectangulaires, c'est quelque chose de très rigide ancré et organisé. Ainsi, pour celui-ci, non seulement la canopée peut être rectangulaire, mais les branches des arbres peuvent également être rectangulaires. Enfin, nous avons des formes triangulaires ou un peu irrégulières, et celles-ci peuvent véhiculer quelque chose d'effrayant , de dangereux ou de décalé J'ai donc dessiné une sorte de petit arbre noir en dents de scie là-bas Et bien que les formes présentes dans la nature soient généralement telles qu'elles sont, comme les arbres, les maisons ou les rochers, vous pouvez toujours penser à des éléments contenus dans ces formes ou dans ces objets que vous pourriez peut-être modifier un peu Comme peut-être dit, les branches pourraient être un peu plus carrées ou inclinées Peut-être que cela peut être un peu plus pointu ou pointu ? Il est donc toujours possible de concevoir des éléments ou de combiner des éléments pour créer n'importe laquelle de ces formes générales dans votre composition. Donc, dans l'histoire dont nous allons parler dans le contexte de ce cours, à savoir la petite poule rousse, réfléchissez à la façon dont la maison dans laquelle vit cette petite poule rousse serait différente, par exemple, comme la maison d'une méchante sorcière Par exemple, en quoi le langage des formes serait-il différent entre ces deux maisons différentes ? Et puis, à titre d'exemples très évidents d'arbres, puisque c'est ce dont nous parlons ici, je voulais simplement vous montrer trois exemples d'arbres. Nous avons donc des arbres aux formes très arrondies, et ce livre parle de la Terre nourricière, et tout cela est positif, joyeux et dégage une sorte de sensation chaleureuse et floue Nous avons donc ces formes d'arbres très arrondies dans celui-ci. Et puis, encore une fois, Mr. Tiger Goes Wild. Nous avons ici des arbres très anguleux et très rectangulaires. Et il en va de même les maisons qui se trouvent dans la ville, même s'il est dans la nature. Mais, vous savez, surtout dans cette illustration, maintenant il est un peu bouleversé. Il est malheureux et, tu sais, il pleut. Donc, avec ce genre d' aplatissement de son humeur, je pense que c'est génial d' avoir ce genre d' arbres plats et angulaires avec ça Et dans ce monde, tout ce que crée Peter Brown ici est très orienté vers la forme, comme vous pouvez le constater. Enfin, nous avons cette illustration tirée d'Ulasarda de la reine dans la grotte Et nous avons cette illustration où ils envisagent entrer dans une grotte . C'est un peu dangereux, mais ils n'en sont pas tout à fait sûrs. Vous pouvez donc voir le langage des formes ici. Nous avons des formes très irrégulières de toutes les fleurs. Nous avons les formes irrégulières des feuilles. Tu sais, c'est presque comme petites dents sur les bords là-bas. Il y a des objets qui s'infiltrent, puis il y a un gros élément noir au milieu Nous sommes donc en mesure de créer ce type de circulaire, c'est un dessin circulaire, mais tous ces éléments laissent entrevoir un danger qui pourrait se profiler à l'horizon. Donc, pour résumer rapidement, réfléchissez à la façon dont vous pouvez modifier de petits détails votre composition pour faire allusion à différents sentiments qui s'y trouvent également. Et je voulais inclure ce livre dans cette section parce que je pense qu'il fait vraiment un excellent travail transmettre ce danger Dans ce livre, nous avons donc un petit fantôme qui a un peu peur de tout. Et au début, le fantôme est très, très effrayé. Nous avons donc tout cela. Nous avons beaucoup de choses pointues. Tout est très pointu. Et puis nous avons ce petit trou, il est donc très inquiet de ce qui va en sortir, et nous pouvons y voir un petit indice selon lequel la chose qui vit dans ce trou n'est peut-être pas aussi effrayante que ce que pense le petit fantôme. Donc, non seulement nous avons tous ces objets pointus pointent vers cet endroit, mais ils nous pointent également vers l'intérieur lorsque nous lisons de haut en bas et de gauche à droite, ils nous pointent également vers le bas pour que nous mais ils nous pointent également vers l'intérieur lorsque nous lisons de haut en bas et de gauche à droite, ils nous pointent également vers le bas pour que nous tournions la page Et puis, au fur et à mesure que nous tournons la page, nous avons maintenant ce personnage qui apparaît. Donc, comme dans la section suivante où il se demande ce qui se passe, nous avons toujours ces arbres triangulaires, mais maintenant ils ne sont plus aussi effrayants. Ils sont beaucoup plus petits. Et maintenant, cet élément de ce voyage se déroule ici. Nous avons maintenant des formes beaucoup plus arrondies entre les deux. Ainsi, les cercles, les formes rondes sont devenus beaucoup plus grands, et les formes triangulaires, les formes effrayantes, sont devenues beaucoup plus petites. Nous nous intéressons également à la couleur. Et donc ici, le rouge, le rose, vous savez, les couleurs du danger, le jaune, et maintenant, tout d'un coup, couleurs bien plus joyeuses. Et puis, alors que nous arriverons à la fin, voyons voir. Nous arrivons maintenant à la fin. Vous pouvez donc également voir que c'étaient les flèches pointant dans cette direction. Formes, et maintenant nous nous ouvrons en quelque sorte à ce domaine. Maintenant, les formes triangulaires dangereuses disparaissent, et maintenant nous avons cette fête qui a lieu, et maintenant le fantôme n' aura plus peur. Le fantôme n'a plus aucune raison d'avoir peur. Vous pouvez donc voir ce genre de situation passer de un, deux ou trois, car le danger diminue de moins en moins dans chaque illustration. Et nous passons d'un tas de choses pointues, de choses pointues et de couleurs dangereuses à tout ce bonheur ici Je pense donc que c'est également une excellente leçon sur le design. Euh, de la part de Bob Shea. Et dans la vidéo suivante, nous parlerons création d'une perception de profondeur dans vos illustrations. 9. Création de la profondeur: Dans cette vidéo, nous allons passer en revue la perception de la profondeur. Nous avons abordé cette question un peu en détail dans le cours de mise en page de livres d'images , mais je voulais également en parler dans ce cours, car nous utiliserons les mêmes principes une fois que nous aurons commencé nos exercices un peu plus tard. Nous avons donc des dispositifs visuels qui donnent l'impression que quelque chose est proche ou lointain. Donc, pour donner l' impression que c'est proche, j'ai fait une liste ici. Il est généralement plus foncé, le contraste est plus élevé. Il y a plus de détails à ce sujet. Imaginez que vous regardiez quelqu'un de près, que vous puissiez voir ses lunettes, ses yeux dans sa bouche Des petits pois sur leurs vêtements, mais s'ils sont à 100 mètres de vous, vous savez, plus ils s'éloignent, moins vous pourrez voir de détails sur cette personne Ils vont être plus saturés. Et celui-ci, si vous le faites parfois, vous le voyez sur des faites parfois, vous le voyez illustrations et parfois non quand nous regardons la nature, si nous regardons des montagnes éloignées, même si tout ce qui est très éloigné, nous obtenons l'effet atmosphérique où les choses vont se transformer, les couleurs paraîtront moins saturées et elles seront plus claires parce qu'il y a des molécules dans l'air qui sont imminentes et que nous ne pouvons pas voir de si loin. Parfois, vous le remarquez et parfois peu d' illustrateurs l'utilisent, même dans des illustrations qui ne sont pas très approfondies. Je voulais juste comparer et contraster ces deux illustrations. Donc, ici, nous avons un paysage, et dans cette illustration, nous avons, vous savez, il y a un ciel, il y a des montagnes et ces choses sont, vous savez, si nous pensons à la physicalité, ces choses sont assez éloignées, vous savez, à des centaines de mètres, puis nous avons des choses qui sont rapprochées Mais il n'y a pas grand-chose ni même ces arbres par ici. Et, vous savez, la saturation, la luminosité par rapport aux arbres, vous savez, entre les deux, y a pas une énorme différence. Les choses sont toujours à peu près les mêmes. Vous savez, peut-être que certaines lignes sont un peu plus légères par rapport à ce que nous avons ici. y a donc pas de grande différence de luminosité ou de saturation. Mais quand on le compare à cette illustration des lapins dans le bus, distance est assez courte Vous savez, ce n'est probablement même pas à 100 mètres ou peut-être juste à côté, là où se trouvent les bâtiments les plus éloignés, mais il y a une grande différence entre ce qui est à l'arrière et ce qui se trouve à l'avant Je voulais donc juste que vous sachiez que même s'il s' agit d'appareils que vous pouvez utiliser pour créer une perception de mort dans votre illustration, ne sont pas nécessairement des règles strictes auxquelles vous devez vous conformer. Ce ne sont que des appareils et des outils que vous pouvez utiliser. D'accord. Et donc, la saturation des détails. Et puis quand quelque chose se trouve plus bas sur le plan de l'image, cela le rapproche. Et puis évidemment, si c'est plus proche, c'est plus grand. Elle paraît plus grande à nos yeux. Dans le même ordre d'idées, pour donner l' impression que quelque chose est loin, il faut que la couleur soit plus claire, que le contraste soit plus faible, qu'il y ait moins de détails, moins de saturation, qu'il soit plus haut sur le plan de l' image, par exemple en comparant les deux, et il sera plus petit, bien sûr. Ce sont donc en quelque sorte nos outils de base. Et puis en plus de cela, nous avons également la superposition. Et ce que je veux dire par superposition c'est si vous avez votre plan photo ici, et disons que nous avons une personne, juste ici Considérez cela comme une scène comme dans une pièce de théâtre ou quelque chose comme ça. Nous avons donc la superposition. D'accord, il y a donc un arbre par ici, et peut-être qu'il y en a un autre par ici, mais je superpose des objets et les objets sont en quelque sorte l'un en face de l'autre Mais maintenant que je superpose les choses, cela permet également d' aller plus loin. Et cela peut être très, très simple. Je n'ai donc même pas besoin d'utiliser un autre appareil que celui-ci. Ils sont donc tous à peu près de la même hauteur. Ils sont dans le même avion photo. Il n'y a aucune différence de saturation ou de couleur. Ainsi, le simple fait d'ajouter couches créera une illusion de profondeur Je voulais donc simplement utiliser cette illustration comme exemple afin que nous puissions voir deux arbres dans cette illustration. Nous avons donc cet arbre à l'avant. Il y a un arbre à l'arrière. Nous pouvons donc voir l' effet de superposition. Nous avons un arbre. Nous avons une maison, puis il y a un arbre derrière. C'est plus sombre. C'est plus saturé. Il y a plus de détails. Ensuite, nous avons cet arbre derrière, qui est beaucoup plus léger. C'est très vaporeux et c'est à l'origine de tout. Il est plus bas sur le plan photo, plus haut sur le plan photo. Ce sont donc tous les différents appareils grâce auxquels je crée une perception de profondeur dans cette partie de l'illustration. J'espère que cela expliquera la plupart des différents outils que vous pouvez utiliser pour créer une perception de profondeur dans votre illustration. Et dans la vidéo suivante, nous aborderons en fait notre premier exercice. Je t'y verrai. 10. Exercice 1 : 5 vignettes: Nous avons maintenant parlé et passé en revue de nombreux principes et éléments de conception que vous utilisez pour créer ordre et de la concentration dans votre pièce. là des conseils très généraux, s'appliquent à presque toutes les illustrations sur lesquelles vous travailliez. Mettons donc la pédale sur le métal et concevons réellement quelque chose. Bien que cela puisse sembler un peu ou un peu accablant avec tout ce dont nous venons de parler, tous les principes et toutes les options, je tiens à vous assurer que cela devient de plus en plus facile et qu'au fur et à mesure que vous illustrez davantage, vous commencez à développer une langue la même manière que lorsque vous écrivez avec votre main, vous avez un script distinct. Votre écriture ressemble à celle que vous écrivez. De la même manière, lorsque vous illustrez, vos illustrations finiront par vous ressembler au fur et à mesure que vous le ferez Vous pouvez donc regarder n'importe quel illustrateur établi, bons exemples, des illustrateurs actuels comme Dan Santa, Lewin Si vous regardez leur illustration. Ils ont une façon très spécifique de dessiner les gens, dessiner des paysages, vous savez, de tout dessiner. Et vous pouvez aller dans une librairie et scanner une étagère de livres, et vous serez capable de choisir, oh, cet artiste l'a fait, cet illustrateur l'a fait parce qu'ils ont une façon spécifique d'illustrer Ils utilisent un langage de forme spécifique. Dans ce sens, au début, vous devez prendre de nombreuses décisions, mais une fois ces décisions prises, vous pouvez vous appuyer sur celles-ci, de la même manière que l'écriture devient automatique au bout d'un moment Vous n'avez pas à vous demander s'il y a une courbe au bout du H ou quoi que ce soit d'autre. Cela deviendra plus facile, cela deviendra plus automatique, et vous n'aurez plus à prendre autant de décisions. Passons donc à notre premier exercice. Nous allons donc, comme je l'ai dit tout à l'heure, utiliser l' histoire de la petite poule rousse. Donc, dans l'histoire de la petite poule rousse, il y a des personnages secondaires, et il s'agit généralement, vous savez, d'un chat, d'un chien , d'un cochon ou d'une souris. Mais en gros, vous pouvez tous en faire des animaux ou même des personnes si vous le souhaitez. Et l'essentiel, c' est que tous ces animaux sont très paresseux Alors la petite rousse veut planter le blé, puis elle demande, tu sais, quelqu'un veut le faire ou m'aider Tous ceux chez qui elle va disent : «   Non, je ne veux pas le faire ». Je fais autre chose. elle dit : « Eh bien, je vais le faire alors. Et puis elle dit : quelqu'un veut-il récolter le blé dans le champ ? Et puis tout le monde dit : Non, puis elle finit par récolter le blé. Elle finit donc par faire elle-même toutes les différentes étapes en collectant le blé le transformant en farine, puis en faisant cuire le pain. Et puis, quand vient le temps de manger le pain, tout d'un coup, tous ces autres personnages paresseux veulent le manger. Mais ensuite, la petite poule rousse a le meilleur dernier mot, et elle finit par manger le pain elle-même. Dans certaines histoires, elle le partage. Elle veut faire du pain pour ses filles, puis elle le partage avec ses filles, mais pas avec tous les autres personnages qui n' arrêtaient pas de la faire suivre à travers l'histoire J'ai donc choisi un passage très simple de ce livre ou de l'histoire. Le passage indique que, portant le sac de blé, la petite poule rousse s'est dirigée vers le moulin éloigné À ce stade, la petite poule rousse a récolté tout le blé, elle l'a mis dans un petit sac et elle le porte au moulin Donc, pour cet exercice, nous allons commencer par créer cinq miniatures différentes, et elles seront, vous savez, assez petites. Si vous dessinez sur du papier réel, faites-les assez petits, peut-être environ un pouce. Au pouce ou quelque chose comme ça. Ils peuvent être horizontaux. Elles peuvent être verticales. Si je pense à ce passage, je pense qu'il ne s'agit probablement pas d'une illustration complète, mais si vous avez à cœur d'en faire une illustration horizontale, n' hésitez pas à le faire également à l'horizontale. Ensuite, dessinez simplement cinq carrés ou rectangles dans lesquels vous souhaitez travailler Ensuite, je veux que vous réfléchissiez à une sorte de fouille intérieure, à une sorte de fouille, à cette scène et à ce que pourrait être l'organisation de l'espace Pensez-y comme à une scène de théâtre. Alors, aurez-vous quelque chose au premier plan ? Auriez-vous quelque chose au milieu, quelque chose en arrière-plan ? Vous y trouverez peut-être de petits, moyens et grands objets. Mais je ne veux pas que tu y passes trop de temps. Nous ne nous occupons d'aucun détail. Ce seront juste des croquis très, très lâches. Donc, ce que je veux que vous fassiez à ce stade, c'est que juste après cette vidéo, je veux que vous fassiez une pause dans le cours et que vous fassiez vos cinq croquis miniatures Passez peut-être dix ou 15 minutes dessus, pas plus, puis passez à la vidéo suivante. 11. Le point de vue: Très bien, alors j'espère que vous avez terminé vos cinq vignettes. Dans cette vidéo, nous allons parler angle de caméra et du choix de votre point de vue. Certains des points de vue évidents seront donc ceux où la caméra regarde d'en haut, de bas en bas, et ce genre de scènes est idéal pour une histoire dans laquelle vous montrez l'environnement dans lequel vit le personnage montrez le passage du temps ou vous montrez une sensation d'émotion. Je voulais donc en montrer quelques exemples. Donc, ici, nous avons la photo du bonhomme en pain d'épice, dans ce genre de photos où vous montrez le passage du temps. Souvent, le personnage apparaît plusieurs fois sur l'illustration, et c'est comme si vous regardiez le zoo vers le bas Ensuite, nous avons cette œuvre de l'ours et du loup. Par Danielle Calmi et dans celui-ci, nous avons également une vision un peu coûteuse, et nous parlons Et puis ça vient de Good night Good night Construction Site. Et ici, nous n'en sommes qu'au tout début du livre, et nous avons une idée de ce que nous sommes au fond du livre . Nous avons donc tous les personnages de ce livre, et on nous montre une grande scène du chantier de construction. Et puis ça vient de Up high with Matt Hunt. Et celui-ci se trouve un peu au milieu du livre. Ils vont dans un parc. Ils se déplacent d' un endroit à un autre. Cela nous donne donc une idée de la direction dans laquelle évoluent nos personnages. Alors le point de vue le plus courant est probablement le juste milieu. Et c'est un peu ce que je pense vue du théâtre, où nous sommes un peu à la hauteur des yeux. Nous sommes au même niveau ou presque au même niveau que nos personnages. Et cela nous donne l'impression de faire partie de l'action. Nous évoluons avec notre personnage. Nous ne faisons qu'un avec notre personnage et nous participons à ce qui se passe. Donc, si nous prenons à peu près n'importe lequel de ces autres livres, voyons si nous ne retournons qu'une page, en arrière ou en avant Et beaucoup d'entre eux, nous le remarquerons, vous savez, même s'il s'agit d' une sorte de photo de là-haut, mais nous sommes toujours au même niveau avec le personnage. Allons par ici et par ici, pareil. Nous sommes maintenant au niveau de notre personnage, et nous examinons en quelque sorte tout ce qui se passe là-bas. fur et à mesure que nous partons d'ici, nous sommes maintenant au niveau de nos camions, et nous regardons nos véhicules de chantier, et nous les regardons à la même hauteur d'œil qu'eux, et nous sommes en action avec eux. Et voyons ce qui se passe ici. Donc, ici, nous avons en fait une scène qui regarde vers le bas. Voyons ce qui se passe ici . Cela regarde également vers le bas. C'est donc un peu moins conventionnel ici. Nous sommes donc ici un peu rapprochés , mais nous regardons nos personnages. Il y a donc beaucoup de points de vue intéressants ici. Nous avons la même chose, une configuration de type théâtre. Nous sommes au même niveau avec nos personnages. Lorsque nous regardons un gros plan , les illustrateurs utilisent souvent des gros plans pour nous faire entrer dans l'esprit du personnage Nous sommes très proches du personnage et nous pouvons avoir l'impression ressentir les mêmes choses avec lui. Ensuite, nous devons également regarder quelque chose qui se trouve en quelque sorte vers le bas, et donc le regarder d'en bas et le regarder directement vers le haut. Et pour que l'on puisse en quelque sorte nous donner un sentiment d'émerveillement ou le sentiment d'être petits. Il y a un bel exemple dans ce livre. Lorsque nous voyons ce personnage, nous sommes très près de lui, nous regardons vers le haut, et nous pouvons voir qu'il n'est pas content et qu'il se sent tout petit. Il le dit même dans le texte alors qu'il regarde son père dans ce grand bâtiment très fréquenté. Et puis dans celui-ci, celui-ci est un peu pour cette sensation effrayante que nous nous sentons tout petits. Nous sommes à la hauteur de ce minou, puis nous regardons cette grande maison qui a l'air un peu effrayante, et, vous savez, le texte indique clairement hanté de l'autre côté Donc, vous savez, cela nous a donné une ambiance un peu effrayante alors que le dernier point de vue est celui des points de vue extrêmes en va de même pour celui-ci, par exemple, s'il vient directement d'en haut ou directement d'en bas ou agit d'objets très déformés. Donc, un peu comme ce que nous recherchions ici, les choses sont assez déformées. Ce genre de point de vue ajoute donc souvent du drame. Ils ajoutent de la variété à notre illustration, et ils peuvent également mettre en évidence un moment si vous pensez que nous nous rapprochons de quelque chose qui ressemble à une bosse, une bosse, une bombe, puis que vous montrez quelque chose de vraiment gros à la fin Ils peuvent donc être utilisés presque comme des signes de ponctuation dans votre illustration Je veux donc que vous sachiez qu'au lieu de toujours dessiner quelque chose du point de vue du théâtre avec tout à la même distance de vous même distance de vous, pensez que vous pourriez peut-être déplacer la caméra plus loin. Tu peux le déplacer vers le haut ? Peux-tu le déplacer ou le rapprocher ? Peux-tu le déplacer vers le haut ou vers le bas ? Et comment pouvez-vous le modifier pour ne pas nous montrer le même point de vue sur toutes les pages que nous examinons dans votre livre ? Ensuite, j'ai voulu simplement prendre un livre comme exemple. J'ai donc voulu prendre Beakle comme exemple. Et quand nous regardons Beakle, la façon dont nous commençons est que la plupart des points de vue exprimés dans ce livre seront assez rétrogradés Nous allons voir beaucoup de contexte, et nous ne sommes pas vraiment proches de notre personnage. Certains d'entre eux viennent plutôt d'en haut. Certains d'entre eux peuvent être à peu près du même niveau, mais tout est en quelque sorte reculé. Comme vous le remarquez au début. Et donc tout va pour le mieux. Donc dans le livre, vous savez, tout arrive à notre personnage ou autour de notre personnage, mais, vous savez, notre personnage n' a pas encore trouvé sa personne. Ils n'ont pas trouvé leur place. Et donc nous sommes vraiment, vous savez, ici, nous sommes sous l' eau à regarder vers le haut, mais nous sommes encore un peu reculés, même, vous savez, jusqu' au bout dans celui-ci. Des aigles par ici. Et puis on se rapproche un peu, mais toujours pas très près. Nous montrons toujours beaucoup d'environnement, beaucoup de choses qui circulent. Et puis, quand le genre de changement se produit dans le livre, tout est encore loin. Mais maintenant, il rencontre cette fille qui sera sa personne. C'est le personnage imaginaire de cette fille. Et maintenant, tout d'un coup, nous sommes proches et nous sommes personnels, et ces deux personnages vont construire leur relation. Alors tout d'un coup, ils sont gros. Ils sont au cœur de tout. Tu sais, tout tourne autour de ces deux personnages. Nous n'avons pas beaucoup d'antécédents. Et donc ces deux-là, vous savez, ces deux personnages construisent leur relation. Et maintenant ils ont leur relation, ils ont appris à se connaître, et maintenant ils se préparent à ajouter d'autres personnes, vous savez, en quelque sorte, dans leur réseau. Et maintenant, nous retirons la caméra. Je pense donc que c'est une très bonne leçon sur le point de vue et l' angle de prise de vue. Comment savez-vous, c'est un appareil que Dance ATAT utilise pour nous raconter, vous savez, nous montrer l'histoire émouvante que vit ce personnage Et je ne dis pas que c'est la seule façon dont il aurait pu illustrer ou dessiner cette histoire, mais, vous savez, cela ajoute simplement une grande efficacité à sa narration Ainsi, chaque fois que vous regardez des livres, que vous étudiez des livres et que vous regardez des illustrations, ne vous contentez pas d'étudier une illustration car lorsque nous illustrons des livres, nous illustrons une histoire complète Nous illustrons, vous savez, plusieurs planches et pages à la fois Regardez comment l'histoire se déroule dans son ensemble. La plupart du temps, je prends photos de chaque page, puis je les écrase, je les réduis et je les mets sur une page, vous savez, comme un document Ainsi, je pourrai tout regarder ensemble. Je peux en quelque sorte le regarder et voir, par exemple, comment les choses se déplacent d'une page à l'autre ? Comment s'agit-il, vous savez, d'une planche, puis de quelques illustrations ponctuelles, puis peut-être d'une demi-page ou quelque chose comme ça ? Comment sont réparties les illustrations ? Des sortes de points de vue ? Quel type de langage colorimétrique utilise l'illustrateur ? Quels types de designs ? Par exemple, où est le point central de chaque illustration ? Vous savez, y a-t-il une sorte de flux d' un spread à l'autre ? Il y a donc tellement de choses que vous pouvez distinguer et tant de choses que vous pouvez apprendre en faisant des recherches sur d' autres illustrateurs et sur la façon dont ils ont illustré des livres Donc, vous savez, j'ai parlé tout à l'heure du fait de participer à une critique Une autre excellente façon d'apprendre est d' étudier ce que d'autres illustrateurs à succès ont fait Essayez de consulter des illustrateurs récents, puis utilisez les idées de leurs livres et leurs illustrations pour les appliquer aux vôtres. Ensuite, en parlant de ces points de vue extrêmes et réguliers, je voulais simplement prendre l'histoire folklorique de Jack and the Beanstock illustrer très rapidement comment le point de vue change l' Donc, si nous parlons de notre juste milieu habituel, vous savez, se peut que Jack soit ici, puis il vient de planter. C'est le sol, et il vient de planter un haricot. Waouh, c'est vraiment gros. Peut-être qu'il est en train de le regarder, tu sais ? Et sa bouche est ouverte ou quoi que ce soit d'autre, et nous avons des feuilles qui traînent ici. Mais ce n'est pas vraiment excitant, n'est-ce pas ? Peut-être qu'il a une maison ici ou quelque chose comme ça. Et oui, c'est ainsi que nous pourrions illustrer une scène de Jack and the Beanstalck Mais ensuite, vous pouvez vous demander si nous adoptons, vous savez, l'un de ces points de vue extrêmes. Peut-être pourrions-nous penser, oh mon Dieu, à quel point ce haricot est incroyable. Il peut donc être très épais, puis devenir progressivement petit jusqu'à ce qu'il se réduise presque à néant. Et nous avons de grandes feuilles ici. Voyons voir, ils vont devenir de plus en plus petits. Et puis il y a le petit Jack ici, tout petit qui regarde le haricot. Et puis nous sommes en quelque sorte dans la peau du géant, et nous regardons vers le bas. Et c'est, tu sais, c'est cette toute petite fourmi qui est en dessous Ou alors pourrions-nous être à la place de Jack alors que Jack est ici, peut-être qu'il regarde en l'air et qu'il est étonné. Ensuite, nous mangerons du haricot ici. Et puis c'est un peu la même chose, mais maintenant nous sommes à la place de Jack. Et maintenant c'est vraiment grand ici, mais maintenant il regarde vers le haut, et peut-être que ça disparaît complètement ici Maintenant, nous examinons, vous savez, le point de vue de Jack, et nous regardons l'arbre, et comment cela change-t-il notre émotion lorsque nous changeons de point de vue sur ces trois photos imaginez être le spectateur et être à la place de Jack. Donc, ici, là où Jack et tout le reste sont magnifiques, Jack a l'air chétif, et ici, nous avons juste un aperçu de ce que vous pensez de tous les jours Ce n'est pas le cas, tu sais, ce n'est pas vraiment, tu sais, ceci ou cela. Réfléchissez donc à la façon dont l'angle de prise de vue peut modifier vos sentiments à l'égard de l'illustration. Maintenant, pour ce qui est de l'exercice, je veux que vous dessiniez cinq autres vignettes 12. Exercice 2 : 5 vignettes supplémentaires: Maintenant, pour ce qui est de l'exercice, ce que je veux que vous fassiez, c'est que vous dessiniez cinq autres miniatures Nous avons donc déjà cinq miniatures. Nous allons maintenant ajouter cinq vignettes supplémentaires, et maintenant réfléchissez au point de vue et demandez-vous s'il existe un moyen modifier le point de vue juste pour le Essayez simplement un point de vue haut, point de vue bas, vous savez, un point de vue rapproché, et voyez s'il y a quelque chose que vous pouvez faire ou peut-être en faire une carte sur laquelle passe une petite poule rousse. Au mâle éloigné et voyez s'il y a autre chose que vous pouvez apporter à cette illustration en modifiant le point de vue en essayant un point de vue différent dans cinq vignettes supplémentaires Vous pouvez donc suspendre le cours ici, créer vos cinq vignettes Encore une fois, ne passez pas trop de temps là-dessus. Ils seront très petits, environ un pouce par pouce ou quelque chose comme ça. Peut-être dix ou 15 minutes, puis passer à la vidéo suivante où nous allons parler de l'éclairage. 13. Éclairer votre scène: D'accord, parlons donc de l'éclairage. L'éclairage peut donc apporter beaucoup à votre pièce. Certains manuscrits indiqueront très précisément à quelle heure de la journée ou à quelle période de l'année ils peuvent être, et certains manuscrits peuvent le laisser complètement ouvert. Ensuite, en tant qu' illustrateur, c'est à vous de décider à quel moment de la journée quelle période de l'année se déroulent les événements décrits dans le livre. Et lorsque vous songez apporter des modifications à une illustration, les différents moments de la journée modifient l'apparence de l' éclairage. J'ai donc pris quelques notes générales sur le fonctionnement de l'éclairage. Ainsi, lorsque quelque chose se passe le matin ou qu'un événement se produit le matin, l'éclairage est généralement plutôt cool. Tu sais, tu penses en quelque sorte à des bleus froids, brumeux, clairs, à des ombres froides Et comme le soleil est encore assez bas, soit si le soleil est toujours derrière, vous savez, la ligne d'horizon, vous n'avez aucune ombre, soit s'il se lève, il y aura de longues ombres. Ensuite, si nous pensons soleil juste pendant la journée, le soleil est haut, généralement au-dessus de nous. Nous obtenons donc des ombres courtes, donc les ombres ne sont pas longues. Ils sont un peu juste en dessous de nous ou ils sont plutôt petits. Ils ne s'éloignent pas du corps principal. Et puis d'habitude, j'ai la lumière qui descend en jaune ou parfois en bleu aussi, et d'habitude les ombres sont bleues. Et puis, les jours de pluie, souvent parce que le soleil est derrière les nuages, nous n'avons pas vraiment de lumière directe du soleil, donc les ombres sont un peu plus floues ou il n'y en a peut-être pas Les couleurs sont beaucoup plus douces et les tons seront plus froids que ceux que vous obtenez Et la raison pour laquelle nous obtenons des tons froids et plus sourds est que partout où il y a du soleil, nous voyons un spectre complet de lumière, mais là où il n'y a pas de lumière, nous voyons moins de couleurs et moins de contraste Ainsi, tout sera atténué et moins saturé, moins nous aurons de soleil Ainsi, lorsque le soleil se couche, le soleil est bas, nous avons de longues ombres. Nous avons eu plus de lumière violette, puis des ombres chaudes. Et puis, lorsque nous faisons toute la nuit et que le soleil se couche, nous avons généralement une sorte de violet et de bleu, et nous avons une très faible saturation, presque aucune Vous verrez que beaucoup d' illustrateurs n'utilisent que des nuances de bleu et de violet Et puis il n'y a pas d'ombre, sauf si vous avez une lune ou une sorte de source de lumière, et puis vous avez l'ombre projetée par n'importe quel objet, ou vous pouvez avoir plusieurs sources de lumière, puis vous devrez trouver comment créer plusieurs ombres. Ces règles sont donc un peu comme les bases que j'utilise pour créer différents moments de la journée. Ensuite, vous devez non seulement créer l'heure de la journée, puis l' éclairage et les ombres qui l'accompagnent, mais aussi penser à vous souvenir que nous avons parlé du premier plan au milieu de l'arrière-plan, de la façon dont il mais aussi penser souvenir que nous avons parlé du premier plan au milieu de l' arrière-plan, de la est également logique de créer des lumières et des ténèbres dans cet espace au plus profond de votre espace J'ai donc créé juste trois petites vignettes ici avec un paysage très simple Et donc ici, vous savez, le premier plan est le plus clair, le plan intermédiaire est en quelque sorte la partie moyennement éclairée, puis l'arrière-plan est le plus sombre Ici, le premier plan est le plus sombre, le plan intermédiaire est le Et puis ici, l' arrière-plan est le plus clair, et il devient progressivement plus sombre au fur arrière-plan est le plus clair, et à mesure que vous vous présentez. Vous pouvez donc réfléchir à la manière dont chacun de ces scénarios d'éclairage peut affecter la scène sur laquelle vous travaillez. D'habitude, nous voyons quelque chose comme ce que nous avons ici, où nous avons des objets plus ou moins sombres, puis il devient plus clair au fur et à mesure que vous vous éloignez les objets les plus éclairés se trouvant au milieu, là où se trouvent nos personnages. Mais parfois, il peut être intéressant d' avoir quelque chose en arrière-plan qui est bon et mauvais ou mauvais et bon. Alors peut-être, tu sais, si tu es dans le noir, tu pourrais être triste ou il se pourrait que quelque chose de mal se passe. Et puis là où se trouve la lumière , c'est là que se trouve l'espoir. Il y a donc un symbolisme entre la lumière et l'obscurité. Ainsi, lorsque vous éclairez, vous êtes une scène, simplement attention à l'endroit où se trouvent les lumières et les ténèbres Et puis, euh, avant de regarder ces exemples, j'ai juste fait une petite illustration de poulet que je voulais regarder avec vous. Donc, avec celui-ci, nous avons juste un poulet, et il marche. Nous avons un fond blanc, et ce sont juste des couleurs unies. Modifions-le donc en fonction des différents moments de la journée. Le premier scénario que j'ai créé était donc le suivant si nous avons une belle journée ensoleillée. Donc, si nous avons une belle journée ensoleillée, nous parlions d'avoir des zones plus chaudes où le soleil brille, puis des ombres plus froides Et je l'ai fait très simplement avec deux, euh, deux couches différentes ici. J'ai donc la lumière du soleil, que j'ai dessinée avec la couleur bleue, mais j'ai utilisé le séparateur, ce qui rend la couleur plus claire sur mon illustration. Et puis pour l'ombre, j'ai aussi utilisé un peu la même couleur bleue, et ça ajoute juste quelques ombres. Et j'ai ajouté des ombres plus spécifiques qui sont un peu plus foncées aux endroits où je reçois des ombres projetées. Et cela nous donnerait une agréable sensation d'une journée ensoleillée, non ? Ensuite, nous avons parlé de la pluie. J'ai donc créé une sorte de ciel pluvieux en arrière-plan ici. Et puis nous avons ce dont nous avons parlé. J'ai donc des gouttes de pluie ici. J'ai du bleu. Donc, ce bleu, voyez à quel point tout est saturé, surtout ici. Oups. Et quand il est activé, il est désormais moins saturé. Je réduis donc la saturation. Nous avons moins de soleil, puis j' ajoute une couche de bleu multiple. Et ceux-ci, vous pourriez savoir, si vous vouliez une journée vraiment sombre, ou si c'est peut-être vers la fin de la journée, il fait plus sombre Peut-être que c'est plutôt sous le soleil. Vous savez, en fonction du soleil, vous pouvez ajuster ces différentes couches. Et puis j'ai juste un peu plus d'ombres supplémentaires. Rappelez-vous que nous avons parlé d'ombres floues ou plus douces J'ai ajouté des ombres plus douces ici pour les jours de pluie. Et puis il y a notre coucher de soleil. Nous avons donc un beau soleil qui se couche ici, illumine le coucher du soleil ici. J'ai donc ici quelques couches différentes. J'ai juste une superposition générale d'un rose. Cela crée simplement une sorte de ton à toutes les couleurs de mes couches pour qu'elles soient plutôt roses. Ensuite, voici tous mes points forts. C'est juste une couche normale. Et puis j'ai un peu plus de points forts supplémentaires. Par ici. Et puis j'ai deux couches d'ombre différentes, ajoutent juste un peu plus de mort. C'est donc la première couche d' ombres que j'ai créée, des couleurs orange-orange, couleurs chaudes, et c'est un peu désordonné, mais vous obtenez des points, donc nous obtenons des ombres plus longues Ensuite, j' ai ajouté ces ombres encore plus hautes pour le rendre un peu plus silhouetté au fur et à mesure que nous le regardions Voici donc notre coucher de soleil. Enfin, il y a une scène nocturne. J'ai donc créé un joli petit ciel étoilé ici. Et puis, pour notre personnage, voici à quoi cela pourrait ressembler. J'ai donc deux couches bleues différentes. L'une est une couche bleue qui ne fait que tonifier. Il s'agit essentiellement de tout transformer en une nuance de bleu. Vous pouvez donc le retourner jusqu'ici, et il peut être bleu ou violet, mais, vous savez, il tonifiera toutes vos couleurs en bleu. Nous allons donc le garder quelque part là-bas. Et puis j'ai une couche bleue qui se multiplie, tu sais, je ne veux pas qu'il fasse trop sombre. Vous voulez également qu'il y ait du contraste dans votre scène nocturne Vous voulez donc que le lecteur puisse lire votre scène nocturne Et puis j'ai eu impression que ce tablier blanc était encore un peu trop contrasté, alors j'ai créé une couche de contraste pour réduire un peu le contraste Ce n'est peut-être pas nécessaire, donc A. Et puis, souvent lorsque nous pensons à Night Time Sky, vous voulez simplement vous assurer qu'il a du contraste dans votre pièce Je l'ai donc également créé pour créer davantage une silhouette. Maintenant, les objets qui sont au premier plan sont sombres, ils se profilent le ciel nocturne et, vous savez, techniquement, je suppose que la lune peut briller ou quelque chose Ce ne sont donc que quelques options différentes avec lesquelles vous pouvez jouer lorsque vous créez des scènes qui se déroulent à différents moments de la journée. Ensuite, nous allons examiner quelques exemples très rapidement. Regardons donc quelques exemples en matière d'éclairage. Donc, pour ce livre, ce que j'ai dû faire, c'est que le texte de ce livre couvre tout le long du soleil de l'aube au coucher du soleil le soir. Et donc sur la première photo, nous avons le soleil qui se lève et nous avons des couleurs très froides. À partir de là, j'ai décidé de passer à des couleurs chaudes, des couleurs diurnes, plus saturées. Et puis, lorsqu' une tempête se prépare, les couleurs commencent à se désaturer Nous avons une scène très sombre avec la tempête, puis la tempête passe, puis nous arrivons au coucher du soleil, les couleurs estompant jusqu'à ce que nous descendions jusqu'à la fin de la nuit Et si vous comparez le coucher du soleil, où nous avons des couleurs chaudes, alors nous avons des couleurs plus froides pour le lever du soleil. Donc je voulais juste qu'il y ait une différence entre les deux. Ensuite, dans le prochain livre, je voulais simplement montrer une scène diurne, afin que vous puissiez voir ici à quel point ces belles couleurs saturées existent. Tout est très chaleureux. Nous avons des ombres et tout est, vous savez, très lumineux et coloré ici. Et puis nous arrivons à la scène où c'est l' hiver et où les choses sont beaucoup plus belles, elles sont toujours colorées, mais tout est un peu plus cool et bleu Et puis, si nous comparons même ce bâtiment avec lui-même ici, vous pouvez voir à quel point il fait plus chaud et plus jaune ici qu'ici. Et puis ce n'est qu' un autre exemple de coucher de soleil. Nous avons des ombres violettes chaudes qui descendent dans cette direction longues ombres sont projetées de cette façon et depuis tous les arbres. Oh. Et j'allais aussi montrer que nous avons une œuvre où il pleut beaucoup et où les gens fuient à cause de la pluie Vous pouvez donc voir beaucoup de couleurs très foncées ici, puis un peu plus là où nous arrivons, vous savez, quand il pleut, tout semble un peu plus éclatant Les jaunes sont donc assez vifs, mais partout où nous voyons du ciel ou des couleurs atténuées ou bleues, ils sont toujours un peu atténués et encore plus Ensuite, nous avons Bonne nuit, bonne nuit, chantier de construction. Et pour celui-ci, nous avons cette scène de coucher de soleil toute en violet et en rose Ensuite, comparez cela à une scène nocturne, qui est entièrement bleue, avec une scène nocturne, qui est entièrement bleue, des jaunes plus saturés, mais, vous savez, c'est assez peu et tout le reste est plutôt de couleurs froides Dans celui-ci, et puis la même chose qui se passe ici, nous avons une nuit presque entièrement bleue, et nous nous réchauffons un peu pour trouver l'endroit où se trouve le feu, puis nous avons une ombre projetée par la lune avec le dragon Et puis ce livre, en général, a des couleurs assez sourdes, de toute façon Mais si vous comparez cette scène diurne, elle est principalement composée de jaunes, de rouges et de bruns, puis nous avons la scène nocturne où il y a plus de bleu Et il y a un contraste amusant entre ce livre 10 minutes to Bed Little Unicorns Christmas et les illustrations de Chris Chatterton Les pages d'accueil sont donc toutes, vous savez, dans des couleurs chaudes, puis nous avons la scène nocturne, qui est composée de violets et Il y a donc un contraste amusant entre les deux dans la façon dont ils sont illustrés. Enfin, ce livre se déroule de nuit. Bokha te dirige. Et avec celui-ci, vous avez tous ces bleus et ces couleurs froides en arrière-plan. Nous avons des couleurs chaudes, pas très saturées, mais suffisamment saturées pour que nous ayons vraiment cette touche de premier plan puis la graine d'arrière-plan Il s'agit donc d'une scène nocturne, mais par rapport à certaines des autres scènes que nous avons regardées, nous avons toujours de belles couleurs Et tout ce livre se passe la nuit. Donc, si vous rédigez un livre entier pendant la nuit, c'est bien d'y ajouter des couleurs supplémentaires et de faire des tas de choses différentes, sinon, je ne sais pas combien d' enfants voudraient simplement lire un livre tout bleu et violet, et il n'y a rien de passionnant à regarder Donc, avec celui-ci, Sir Shu a fait un excellent travail en ajoutant ces touches de couleur amusantes et en faisant que même si tout se passe la nuit, c'est un livre vraiment agréable à regarder en ce qui concerne la palette de couleurs Et nous passerons au troisième exercice dans la vidéo suivante. 14. Exercice 3 : 5 vignettes supplémentaires: Donc, pour le prochain exercice de notre classe, je veux que vous ayez dix miniatures que vous avez créées jusqu' à présent Je voulais que vous choisissiez votre miniature préférée sur laquelle vous avez travaillé, puis je veux que vous fassiez cinq variantes de cette Et vous pouvez commencer, ils peuvent toujours être petits et simplement utiliser des taches de couleur et commencer à déterminer où se trouvent votre premier plan, votre arrière-plan, votre plan intermédiaire, ce qui va être clair, ce qui va être sombre, puis réfléchir à puis réfléchir Je veux donc que vous en créiez une autre. Vous pouvez prendre votre œuvre préférée et la copier cinq fois si vous travaillez numériquement ou si vous travaillez simplement avec un crayon et du papier, nous travaillons très, très petit. Vous pouvez donc simplement redessiner la même composition cinq fois, puis penser à colorier, à ombrer, à éclairer ces cinq vignettes et à créer prendre votre œuvre préférée et la copier cinq fois si vous travaillez numériquement ou si vous travaillez simplement avec un crayon et du papier, nous travaillons très, très petit. Vous pouvez donc simplement redessiner la même composition cinq fois, Vous pouvez donc simplement redessiner puis penser colorier, à ombrer, à éclairer ces cinq vignettes et éclairer ces cinq cinq variantes de celui-ci. Bien, ici, j'ai adopté mes différentes valeurs, et j'ai essayé de les modifier, de mettre les éléments qui se trouvent au premier plan, de les assombrir, d'assombrir le recto, d'assombrir le milieu, de clarifier le recto, assombrir le milieu, le devant, en essayant simplement différentes méthodes d'éclairage, et aussi en pensant dans ma tête à l'heure de la journée, aux saisons et à d'autres choses de ce genre heure de la journée, aux saisons et à d'autres choses de ce genre Donc, en gros, cela se produit un peu vers la fin de l'été, mais pas encore tout à fait comme à l'automne. C'est une sorte de période de récolte où le petit poulet rouge obtient le blé. Alors je me suis dit que maintenant elle avait le blé et qu'elle partait au moulin. J'ai donc pensé que ce n' était pas le bon moment pour en faire une scène nocturne ou quelque chose comme ça J'ai donc pensé que ce serait une scène diurne pour elle d' aller à l'usine puis de revenir. J'ai donc beaucoup aimé ces deux croquis ici. J'ai aimé que cette zone lumineuse encadre en quelque sorte les chats. Et puis j'ai eu le choix, vous savez, d' un côté où il fait plus sombre pour le lac et d'un où il fait un peu plus clair. J'ai donc pensé jouer un peu avec ça et ajouter un peu de couleur. Et ils sont donc vraiment désordonnés. Ils ne m'ont pas pris très longtemps. J'étais juste en train d'essayer différentes choses avec les couleurs, et c'est en fait plus agréable de regarder ces petites couleurs pour ensuite regarder les couleurs Et il y en a donc un. J'ai donc l'impression qu'avec celle du milieu, l'eau est un peu trop saturée. Ça ressort trop fort. J'aime bien celui-ci où nous avons un peu la même couleur, mais après avoir fait celui-ci, je me disais encore à quel point j'aimais cette zone claire derrière le personnage du chat ici. J'en ai donc fait une autre, vous savez, en gros, sorte de copie de celui-ci où j'ai allégé l'eau puis herbe derrière le poulet et je me suis dit, vous savez, que l'un des deux sur les bords pourrait être celui que j'ai choisi pour l' illustration finale Vous pouvez donc voir ici un petit aperçu du processus qui consiste à trouver différentes idées, à en choisir une qui vous plaît, puis à tester quelques idées d'éclairage. Et vous ne savez jamais où vous allez aller tant que vous n'avez pas commencé à tester ces choses. Si j'avais choisi ma première ou ma deuxième idée, cette illustration se serait terminée très différemment. Vous pouvez donc mettre la vidéo en pause et travailler sur vos exercices, puis nous reviendrons en classe, puis nous parlerons des niveaux d' abstraction et de la prise libertés artistiques dans la prochaine vidéo. 15. Libertés artistiques : Niveau d'abstraction action: J'ai donc ce genre de section dans le cours qui s'intitule Libertés artistiques. Dans cette section, je voulais parler de la façon dont nous prenons les références qui nous entourent. Nous examinons peut-être des références pour les arbres, la nature ou les bâtiments, peu importe ce que vous dessinez dans vos illustrations, et comment vous prenez cette référence et comment la traduisez-vous en illustration. J'ai donc deux exemples ici. J'ai une photo que j'ai prise ce matin lors d'une promenade dans les bois. Et si vous regardez attentivement, vous remarquerez peut-être qu'il y a un petit chemin, et si vous continuez, le chemin passe en quelque sorte par ici, puis il y a une clairière et, vous savez, des arbres tout autour. Ici, il y a une petite montée. Mais quand je marche sur le chemin, il m'est facile de juger de la distance. Il m'est facile de voir où se trouve le chemin. Mais souvent, lorsque je regarde une photo, tout est vraiment embrouillé parce que nous ne regardons qu' un objet en deux dimensions Même chose ici. Ce n'est qu'une capture d'écran d'Helsinki, et vous pouvez voir que, vous savez, quand vous le regardez, il y a toutes les briques de la rue. Il y a toutes les briques sur les bâtiments. Il y a tous ces détails dans les bâtiments. Les photos des deux endroits sont donc vraiment très fréquentées. C'est donc une excellente compétence apprendre à simplifier ces choses, en particulier lorsque nous travaillons pour jeunes enfants qui apprennent encore à déchiffrer visuellement des images Nous voulons donc pouvoir simplifier les éléments de nos illustrations afin que plus jeunes puissent comprendre qu'ils regardent un arbre herbe ou, vous savez, une montagne. Mettons-les donc de côté pendant une minute. Et il suffit de regarder quelques exemples. Nous avons donc également parlé des niveaux d' abstraction dans notre cours de design de personnages, et nous avons parlé de ce que nous pouvons, dans ce cas, regarder des arbres. Vous pouvez avoir le plus simple, vous savez, étant simplement un bâton dans un cercle sur le dessus, une personne, c'est peut-être un personnage en forme de bâton. Et puis, à l'autre extrémité de ce spectre, nous avons la photographie d'une personne ou la photographie d'un arbre, puis c'est une représentation très, très spécifique d'un arbre ou d'une personne. Donc, une extrémité est très abstraite. C'est presque comme le concept d'une personne et d'un arbre, puis la photographie d'une personne ou d'un arbre. Et puis, dans l' illustration, tout se situe quelque part entre les deux. y a donc pas vraiment de règle qui dit que vous devez dessiner des arbres comme celui-ci dans une illustration de livre pour enfants ou des personnages comme celui-ci dans une illustration de livre pour enfants. Ce ne sont donc que quelques exemples que je voulais vous montrer sur la réalisation de différents types d'éléments. Donc, en regardant les choses les plus abstraites, nous en avons certaines très simplifiées Ce ne sont même pas des couleurs naturelles. Ces arbres d'ici ne sont en fait que des formes. Même chose ici. Cela ressemble presque à une feuille pour moi. Il y a plusieurs arbres différents. De plus, les couleurs ne sont pas réalistes. Et puis nous avons ces arbres abstraits ici. Certains ressemblent un peu plus à des arbres que d'autres. Il s'agit en fait d'un morceau tissu ou de papier à motifs qui a été découpé en forme d' arbre pour fabriquer cet arbre Et puis sur celui-ci, il y a un peu d'ombrage dessus, mais il s'agit essentiellement d'une couleur plate, puis il y a juste quelques points dedans Et tant de manières différentes d'abstraire un arbre. Et puis quand nous commençons à partir de là et à devenir un peu plus réalistes, nous avons quelques arbres ici qui ont des contours vraiment épais, et donc cet arbre a des lignes frisées, vous savez, ou ces lignes pourraient tout aussi bien être dans l'eau, mais elles sont dans un arbre, et nous avons un sapin à l'arrière avec quelques points dedans, et pareil pour l'aboiement. Et puis nous avons un arbre ici, et ici, toutes les feuilles sont en fait un peu dessinées. Et il est un peu aplati et a un look très design Mais si vous examinez également la façon dont les personnages sont dessinés la façon dont les arbres sont dessinés, , assurez-vous que les personnages correspondent à l'environnement dans lequel vous les dessinez. Vous ne jouez donc pas personnages à l'apparence réaliste ou réaliste, mais vous devez ensuite, vous savez , leur planter des arbres, à moins que vous n' essayiez de faire valoir un point ou que ce ne soit quelque chose de très précis où cela doit ressembler à ça. Hum, assurez-vous toujours que les environnements et les personnages que vous créez vont bien ensemble, qu'ils ont à peu près le même niveau d'abstraction. Ensuite, celui-ci venait de Mr. Tiger avec Peter Brown, et nous avons une sorte d'arbre très abstrait qui n'a pas de contours, mais qui a aussi des formes très régulières Vous pouvez voir d'autres palmiers en arrière-plan, et ils ressemblent tous à de petits flocons de neige, mais ils sont dans la nature mais ils sont dans la Donc je suppose que vous pourriez penser qu' il y a peut-être des buissons ou quelque chose comme ça. C'est donc très abstrait. Et puis la couche inférieure, ici ou en bas de page, est peut-être un peu plus constituée d' arbres d'apparence naturaliste Mais celui-ci reste très design. Tout, tu sais, a un aspect spécifique. Vous pouvez voir que toutes les feuilles ne sont pas dessinées. Certains d'entre eux sont dessinés, et ils ont ce genre de font ressembler à ces formes arrondies. Ensuite, nous avons celui-ci. Ceci est tiré du livre d'Era Brosko, et celui-ci prend un aspect un peu plus naturel Vous pouvez voir que ce ne sont que des traits de peinture et quelques lignes, mais nous commençons à avoir des formes plus naturelles. Et puis celui-ci est peint de manière très lâche, mais il nous donne une certaine énergie, il est très lâche, et il a été numérisé pour en faire une illustration de livre Ces deux-là sont donc définitivement peints à la main, probablement ceux-ci, puis peints à la main, et certains autres sont peut-être un peu plus numériques. Enfin, nous avons cet arbre ici. C'est encore beaucoup plus réaliste, n' est pas une photographie d'arbre, mais c'est possible, toutes les feuilles ont été dessinées dessus. Il y a beaucoup de détails sur le coffre. vous donne donc que quelques idées sur la façon dont vous pourriez dessiner des arbres. Alors voyons, j'ai eu quelques pierres comme idées pour toi. Donc, dans sa forme la plus générale, nous avons une forme plate et simple. Il n'a même pas besoin d' un contour, mais celui-ci a un contour noir, puis il y a de petites lignes supplémentaires à l'intérieur et quelques points. Ensuite, nous avons ces montagnes qui sont illustrées par presque ce genre de losanges, et vous pouvez voir que les couleurs deviennent peu plus foncées et qu'elles deviennent plus claires vers le sommet où se trouvent ces montagnes enneigées. Il y a donc des montagnes très abstraites ici. Et puis nous avons ceci tiré de la même illustration où se trouvait cet arbre. Nous avons des rochers dans le type d'eau ici, et vous pouvez voir que, vous savez, c'est juste une courbe avec quelques lignes courbes à l'intérieur là-bas. Et puis tout ce qui se trouve en bas, la plupart sont d' une couleur plate des éclaboussures à l'intérieur Sur chacun d'entre eux, c'est de Mr. Tiger Goes Wild. Ils sont donc assez similaires. Certains d'entre eux ont plus d'ombres ou des ombres d'apparence différente des autres. Et celui-ci a des éclaboussures un peu plus complexes, puis il y a la petite ligne à partir de laquelle l'escargot est partir de laquelle l'escargot Donc, juste quelques idées pour les roches, elles peuvent littéralement être une zone de couleur plate ou elles peuvent avoir une certaine texture dessus. Enfin, j'ai juste mis quelques photos de bâtiments. Et si vous faites des bâtiments, comme nous l'avons vu sur cette photo il y a tout juste une minute, il y a beaucoup de détails sur cette photo. Il y a chaque brique dans chaque détail. Ici, toutes ces corniches sortent , elles ont une structure et une dimensionnalité Ainsi, lorsque vous dessinez vos illustrations de maisons, vous devez décider si vous allez ajouter tous ces détails ou si vous allez les simplifier. Voici donc quelques exemples. Elles sont toutes assez abstraites. Et ce que j' essayais de dire à propos briques, c'est qu'il n'est pas nécessaire de dessiner chaque opération, chaque brique. Comme ici, vous pouvez nous montrer qu'il s'agit d' un mur de briques en dessinant certaines briques et en faisant des variations de couleur, puis en laissant une partie de l'arrière-plan vide. Mais beaucoup de ces exemples dépendent en quelque sorte de votre style. Ce style est un peu plus tridimensionnel et un peu plus réaliste, alors que dans certains autres styles, il alors que dans certains est un peu plus plat Et donc le dessin est aussi un peu plus plat Donc, ici, il y a au moins un peu de variété dans les briques, et il y a des points dedans Ces lignes sont très floues ici, et celles-ci ne sont même pas uniformes Et puis cette partie est simplement collée sur le dessus. C'est une photographie d'un mur de briques qui a été découpée et collée ici Et puis voici une illustration tirée du livre de Christian Robinson, Leo. Et vous pouvez voir que ce sont des formes très simplifiées. Tout est collé, découpé, puis il a un petit dessin avec une seule couleur sur le dessus Et puis nous avons ceux-ci. Ainsi, selon votre style d' illustration, les bâtiments n' ont même pas besoin d'être alignés. Vous pouvez donc voir qu' ils sont un peu bancaux et que les choses ne correspondent pas tout à fait dans leur petit vacillement. Certains détails sont là et d'autres ne le sont exemple Ces deux bâtiments apparaissent donc sur la même page dans l'illustration, et vous pouvez voir qu' ici, nous avons un peu d'ombrage pour le bâtiment Mais alors, si vous ou les côtés des fenêtres, mais ici, les côtés des fenêtres viennent littéralement être tracés avec une sorte de ligne rouge. Hum, cela vous donne juste quelques idées selon lesquelles, chaque fois que vous dessinez un bâtiment, vous n'avez pas à, vous savez, faire une crise de panique en pensant que vous devez dessiner exactement ce que vous voyez. Vous pouvez prendre quelques libertés artistiques et simplifier les choses. J'ai divisé cette vidéo en deux, et dans la vidéo suivante, nous examinerons quelques exemples supplémentaires avant de passer au prochain exercice. 16. Niveaux d'abstraction : exemples: Très bien, je voulais juste regarder quelques exemples différents d' éléments architecturaux Dans celui-ci, nous avons donc quelques scènes extérieures, et vous pouvez voir ici que de nombreux détails ont été dessinés. Cette illustration est donc un peu chargée quand on la regarde, mais l'illustrateur crée un joli contraste avec le fait d' avoir ce gros chat, qui sera notre personnage principal. Donc, dans cette illustration, nous mettons contraste le fait qu'il s' agit du chat et que le chat a une vie très chargée. Nous donnons donc l'idée d'une entreprise avec les textures et tous les détails qui apparaissent en arrière-plan. Et puis pour ce livre, je voulais juste parler de ce style d'illustration plate. Donc, ici, tout est très plat. Cela n'a pas l'air super tridimensionnel. Il s'agit donc simplement d'un choix que vous pouvez faire à l' aide d'une illustration. Les choses ne se passent donc pas beaucoup vous remarquerez qu'il n'y a pas beaucoup d'ombrage Tout est une sorte d'appartement. Il a des contours assez épais. Donc, tout y a juste beaucoup de texture et tout est un peu aussi bancal ou, vous savez, les choses sont inclinées et pas tout à fait mises en perspective ici Et puis nous avons ce livre. Et je voulais juste montrer à l'extérieur à quel point cette illustration est amusante. Nous avons donc tout ici. Il n'y a pas de contours ici, mais tout a été dessiné numériquement, il est donc assez facile de mettre les choses assez droites et droites Et puis nous avons ce superbe bâtiment avec toutes ces couleurs différentes dessus. Et une autre chose que je voulais souligner en prenant ces libertés artistiques, c'est avec ce livre, si vous pensez fenêtres des bâtiments et chaque fenêtre, puis il y a, vous savez, un peu d'espace au-dessus, vous savez, jusqu'au plafond et en dessous qui descend jusqu'au sol où vous êtes censé vous tenir debout. Donc, si vous pensez à ce bâtiment juste là où se trouve le plafond, si vous pensez simplement à regarder cette fenêtre, du genre : « OK, le sol où se trouve cette personne se trouve probablement par ici. Le plafond se trouverait probablement quelque part ici, mais Lewin a ajouté que les fenêtres étaient vraiment grandes. Nous avons donc un caractère amusant dans ce bâtiment plutôt que d'avoir un grand bâtiment avec beaucoup d'espace vide dessus mais Lewin a ajouté que les fenêtres étaient vraiment grandes se trouverait probablement quelque part ici, mais Lewin a ajouté que les fenêtres étaient vraiment grandes. Nous avons donc un caractère amusant dans ce bâtiment plutôt que d'avoir , puis de petites fenêtres, comme d'habitude dans les bâtiments, elle est capable d'ajouter beaucoup plus d'intérêt et de détails aux illustrations Donc, cette page ressemble un peu à la même chose. Donc, si vous vous demandez où elle se trouverait ou où il serait debout, ses pieds seraient ici. Ensuite, nous pouvons aussi regarder le plan de la ville ici, et nous avons cette courbe amusante de la route, et elle passe en dessous, mais c'est un livre de bibliothèque, donc je l'ai complètement ouvert. Mais vous pouvez voir que tout est un peu bizarre. Ce n'est pas très simple, et nous avons ces jolis gros détails sur les maisons. Et évidemment, la palette de couleurs est très modérée et en quelque sorte une palette de couleurs simplifiée Ainsi, nous remarquons tous les personnages et tous les petits détails amusants qui apparaissent dans cette illustration. Et vous pouvez regarder les différents appareils que l'illustrateur a utilisés pour créer cette scène et la rendre intéressante à regarder. Et puis il n'y en a que quelques-uns. Je voulais juste montrer deux sortes de livres sur le paysage. Elles sont à l'aquarelle. Je pense que cela pourrait aussi avoir quelques inconvénients. Nous avons donc aussi un bâtiment ici plein de bêtises, de coups pinceau, de blagues simplifiées, surtout avec tout ce qui l'entoure L'arbre ici en arrière-plan n'est que taches, des bâtons ou des lignes Et puis, par exemple, nous avons cette illustration ici où ils sont dans le jardin, et il ne s'agit en fait que de couches de peinture verte ou de taches de peinture verte, et il n'y a rien de très détaillé là-dedans et il ne s'agit en fait que de couches de peinture verte ou de taches de peinture verte, et il n'y a rien de très . Nous cela aux illustrations de Jason Chin où elles sont extrêmement détaillées et ont un aspect très réaliste Donc, lorsque je parlais des photos, elles sont très spécifiques au lieu. Et il y a des endroits intéressants où il y a tellement de détails ici, c'est toujours agréable d'avoir un endroit où l'œil peut se reposer dans ces deux illustrations. Nous avons donc beaucoup de détails en cours ici. donc de quelques manières très différentes d'illustrer, et il n' y a pas de bonne ou de mauvaise façon de procéder Lorsque vous travaillez sur scènes extérieures très profondes, vous pouvez consolider les détails du vous pouvez consolider les détails paysage pour obtenir des formes plus grandes en termes de tonalité et de valeur, afin de faciliter la lecture de l' image de loin. Et donc, dans cette image, nous avons beaucoup de détails. Nous avons, vous savez, tous les petits détails de la voiture. Nous avons tous les petits détails ici. Mais au fur et à mesure que nous avançons, les choses se consolident en quelque sorte. Et au lieu de dessiner chaque feuille du début à la fin, Jason a regroupé toute cette zone en une seule bande unifiée qui ressemble à la création de la marque. Donc, si nous regardons ce qui se passe avec la fille, nous avons un contraste élevé. Nous avons les couleurs, nous avons de vraies lettres, et nos yeux sont donc attirés ici. Et malgré tout, il se passe beaucoup de choses ici aussi. Mais si vous regardez le type de marquage, vous pourriez dire que c'est plus ennuyeux que répétitif. Il y a donc un rythme plus uniforme, et cela n'attire pas autant votre attention parce que nous avons en quelque sorte vu une partie, nous avons tout vu, alors qu'ici, il y a beaucoup de différences, de couleurs contrastées. Cela oblige donc nos yeux à errer et à regarder autour de nous bien plus longtemps que ce dont nos yeux ont besoin ici Cela peut donc s'appliquer si vous dessinez des bâtiments, si vous dessinez un arbre, quel qu'il soit, vous pouvez toujours avoir des détails en arrière-plan tant qu'ils sont un peu répétitifs et qu'ils se situent tous dans la même plage de tons et de valeurs Et puis, de cette façon, ils ne détournent pas notre attention de l'essentiel. Notre illustration sera au centre de nos préoccupations. Dans la vidéo suivante, nous poursuivrons nos exercices et nous commencerons à ajouter un peu plus de couleur et de détails à l'esquisse sur laquelle nous travaillions dans le dernier exercice. 17. Exercice 4 : Croquis en taille réelle: OK, pour le prochain exercice, je veux que vous travailliez dessus Si vous n'avez pas encore fait de croquis en couleur , ne vous inquiétez pas. Choisissez l'un de ces modèles en noir et blanc ou un type de ceux en niveaux de gris. Et pour ma part, je suis un peu tiraillé entre les deux. Je pense que je vais commencer par celui-ci. Je vais donc copier celui-ci. Et mettez-le sur sa propre petite toile ici. Et je vais le faire exploser. Alors, prenez votre petit croquis et agrandissez-le un peu plus. Et dans mon cas, je vais maintenant dessiner dessus. Donc, pour cet exercice, je veux que vous preniez votre croquis préféré de l'exercice précédent et que vous preniez votre croquis préféré de le placiez sur une autre toile ou que vous commenciez une nouvelle feuille de papier et que vous l'agrandissiez qu'elle soit plus proche de l'illustration au format final que vous souhaitez créer. Ensuite, je veux que vous travailliez sur ajout de quelques détails et de couleurs. Il n'est pas nécessaire que ce soit votre œuvre finale, mais je veux que vous commenciez à la rapprocher de la finale, à peaufiner certains détails et à vous rapprocher de l'esquisse finale. OK. 18. Libertés artistiques : organisation: Lorsque nous nous déplaçons dans des espaces, que ce soit à l'intérieur ou à l'extérieur, nous y percevons une organisation. Même lorsque les choses sont un peu chaotiques ou lorsqu'il y a beaucoup de monde, comme lorsque vous êtes dans la forêt et qu'il y a beaucoup de feuilles ou que vous êtes dans un garage très fréquenté , vous n'y pensez peut-être pas, mais vous ne percevez pas toutes les feuilles d'un arbre ou chaque brique d'une maison en même temps Ainsi, nos yeux et notre esprit peuvent se concentrer sur ce que nous regardons, puis sur tout ce qui est en quelque sorte, vous savez, en dehors de notre objectif principal de vision, nous pouvons voir qu' il y a des choses là, mais nous ne nous concentrons pas sur tout en même temps. Maintenant, lorsque vous comparez cela à une photo, la photo capturera tout ce qui devant nos yeux exactement tel qu'il est. Ainsi, la photographie montrera chaque feuille, chaque brique, chaque élément que vous connaissez, peu importe ce qui se trouve dans votre espace. Prendre une photo ou regarder des photos de référence peut également changer notre expérience si vous êtes déjà allé à l'extérieur et que vous avez regardé cette magnifique lune géante nuit ou un avion dans le ciel, notre expérience si vous êtes déjà allé à l'extérieur et que vous avez regardé cette magnifique lune géante la nuit ou un avion dans le ciel, puis vous prenez une photo, et sur la photo, la lune a, vous savez, la taille d'une piqûre d'épingle C'est si petit, minuscule, et ce n'est pas du tout votre expérience Dans ce segment, nous en avons déjà parlé un peu plus tôt, mais je voulais en quelque sorte expliquer comment vous pouvez modifier des éléments dans vos photos de référence ou par rapport à ce qui se passe réellement à l' extérieur pour que cela fonctionne pour votre illustration et une sensation, y ajouter une sensation, y ajouter un point focal et permettre à quelqu'un de pour y ajouter une sensation, y ajouter un point focal et permettre à quelqu'un de lire l'illustration plus facilement. Ainsi, l'une des différentes manières de le faire est de modifier la taille de prise de vue des objets. Donc, comme je viens de le dire, vous savez, si vous prenez une photo de la lune, elle est toujours toute petite Mais si vous regardez les illustrations, la plupart du temps, la lune est assez grosse dans le ciel là-bas. Nous pouvons donc modifier la taille de l'objet. Souvent, je modifie la taille des arbres ou il peut même s'agir d' éléments individuels contenus dans des objets comme nous avons parlé de la taille des fenêtres d' un côté d'un bâtiment tout à l'heure. Vous vous sentez donc libre de prendre des libertés tant que tout fonctionne et semble réaliste. N'hésitez pas à prendre des libertés avec ça. Vous pouvez également modifier les détails. Comme nous l'avons dit plus tôt, lorsque vous prenez une photo ou que vous vous concentrez dessus Comme nous l'avons dit plus tôt, , il y a des feuilles individuelles sur un arbre, mais lorsque nous faisons une illustration, nous n'avons pas besoin de dessiner chaque brin d'herbe et chaque feuille de l'arbre. Vous pouvez donc soit ajouter des détails à la liste, soit en supprimer pour rendre les choses plus lisibles. Et de même, quand on parle de silhouette, si vous pensez à la façon dont est un arbre, vous savez, c'est très compliqué. Il y a tous les bords et les feuilles, il y a des trous dedans et, vous savez, des choses qui se trouvent devant et derrière. De la même manière, vous pouvez simplifier les silhouettes d'objets si les choses sont trop compliquées et qu'elles prennent trop d'attention dans votre illustration N'hésitez pas à simplifier les silhouettes. Et en parlant de regroupement, vous pouvez en quelque sorte regrouper les choses. Ainsi, au lieu de dessiner des arbres individuels dans la forêt, vous pouvez tout fusionner Et faites-en une seule zone cohérente dans votre illustration au lieu de n'utiliser que des arbres individuels Ensuite, vous pouvez également créer des éléments dans votre illustration. Donc, si vous regardez une photo d' une forêt, de la plage ou de la maison de quelqu'un, il se peut que la façon dont les choses sont organisées soit totalement chaotique . Donc, une fois que vous avez déterminé où se trouve votre point focal dans cette illustration, vous pouvez faire en sorte que tout fonctionne en fonction de ce point focal. Ainsi, vous pouvez créer des lignes visuelles. Vous pouvez déplacer des objets pour les faire pointer du doigt ou les faire disparaître. Vous pouvez utiliser les couleurs, les textures, tout ce dont nous avons parlé au début du cours pour simplifier et créer une organisation visuelle dans cet espace afin de le rendre plus lisible et plus agréable à regarder J'ai donc cette photo que nous avons regardée un peu plus tôt, et c'est donc cette photo d'un chemin dans la forêt qui retourne dans une clairière. Je sais que c'est un peu difficile à voir, mais il y a en fait une sorte de petit arbre ici. Il y a un autre petit arbre, ils créent donc cette arche presque que vous pouvez traverser si vous regardez la façon dont ils sont alignés Ils ne sont pas parfaitement alignés. Ce côté est donc un peu plus proche de nous, et celui-ci est un peu plus éloigné. Et puis il y a d'autres arbres là-bas. Ensuite, lorsque nous créerons notre propre illustration, nous chercherons différentes manières de la simplifier et de la rendre plus lisible afin qu'elle ne soit pas si chaotique Et d'abord, si vous pouvez soit travailler avec un crayon, soit travailler avec des lignes et dessiner des objets soit si vous vous sentez plus aise en commençant par les couleurs, vous pouvez également commencer à bloquer les couleurs et à comprendre les choses de cette façon. Et nous pouvons faire un peu des deux. Ici, je viens de vous poser quelques questions. Réfléchissez donc à votre point de focalisation, puis réfléchissez à la manière dont vous pouvez faire en sorte que tous les éléments de votre illustration correspondent à cet objectif. Comment créer un premier plan intermédiaire et un arrière-plan ? Existe-t-il un moyen de simplifier les formes, de simplifier les couleurs ? Avez-vous peut-être besoin de changer les couleurs de vos illustrations ? Nous en parlerons dans la vidéo suivante, puis vous pouvez également modifier la taille des objets et déplacer des objets, comme des arbres ou autres. Nous n'avons donc pas à rester fidèles à cette illustration. Alors voyons voir. Nous en avons un petit peu, ça se passe comme ça, puis ça passe un petit peu comme ça. Nous allons donc faire quelque chose comme ça. Et puis ça disparaît en quelque sorte, quelque chose comme ça. Et puis je sais qu'il y a une sorte de clairière que je veux créer ici, et c'est donc en quelque sorte là que notre route va aller. Ensuite, je peux créer des buissons. Je suis donc toujours en train de concevoir. Je sais que je veux qu'il y ait des arbres, alors je pourrais créer une sorte de limite d'arbres en général ici, peut-être qu'il y ait des ouvertures. Et puis je sais qu'il y aura aussi des arbres. Je suis donc en train d'ajouter mes propres arbres. Je fais référence ici, mais je fais aussi en quelque sorte mon propre dessin ici Mes troncs d'arbres vont donc être un peu plus épais et je ne veux pas le faire, je ne veux pas les faire trop symétriques Et ensuite, si je veux ce genre d'arche et la créer, je ne sais pas si cela va ajouter ou diminuer, mais peut-être que l'arche se trouve au-dessus d'ici, alors peut-être que je vais en ajouter un Donc je suis en quelque sorte en train de me frayer un chemin ici. Et mes premiers croquis sont toujours un peu compliqués. Je sais que cela ne semble pas encore grand-chose parce que tout est encore un peu chaotique, mais j'essaie juste de commencer à travailler sur la création de quelques détails. Je vois une certaine superposition là-dedans. Et puis quand je commence, en fait, si nous commençons à ajouter des couleurs, c'est en quelque sorte la façon dont je veux que les choses se sentent. Ensuite, je peux commencer à ajouter des couleurs ici, prendre un pinceau plus gros, une sorte de plus gros pinceau. C'est bien de commencer avec un gros pinceau et de commencer à bloquer les couleurs. Je pourrais même en ajouter un peu plus s'il y a des taches de soleil là-dedans Je ne veux pas trop me compliquer les choses. Ensuite, nous allons commencer à ajouter du pinceau. Maintenant, c'est à moi de décider si je veux que mon premier plan soit plus clair ou mon arrière-plan plus clair Je sais qu'il y a des trucs vraiment légers dans le dos. Alors peut-être que je veux que ce soit le point le plus lumineux. Ensuite, je vais l'assombrir progressivement au fur et à mesure que j'arrive. Il fera plus sombre sur les côtés ici, là où il n'y aura aucune feuille. Si mon processus vous intéresse, j'ai conservé ici cette vidéo où je travaille sur cette pièce. Il y a peut-être des choses que vous aimeriez en tirer, et si vous ne voulez pas voir le processus, vous pouvez passer à la toute fin pour voir à quoi ressemble la pièce finale. Dans la vidéo suivante, nous passerons à notre dernier exercice pour le cours. 19. Libertés artistiques : couleurs: Les couleurs sont des choses auxquelles nous réagissons sur le plan émotionnel. Et lorsque vous travaillez sur une illustration, il n'est pas toujours nécessaire que les couleurs des éléments ou objets de l'illustration exactement telles qu'elles sont dans la nature. Parfois, le fait de modifier les couleurs ou utiliser des couleurs non naturelles dans votre illustration peut être un excellent moyen de simplifier votre illustration ou de relier différents objets de votre illustration Il peut également s' agir d'un choix de design qui contribue ensuite à influencer l'émotion, soit pour rendre les choses plus ternes, soit pour renforcer les émotions à certains moments Regardons donc quelques exemples de ceux-ci. Donc, dans ce livre, mon amie la Terre, nous avons la plupart des illustrations, elles n'ont pas de couleurs naturelles, mais elles ont des couleurs qui évoquent la nature. Ainsi, par exemple, sur cette couverture, il est écrit qu'il s' agit de Dame Nature, qu'elle est toujours assez grande, et puis nous avons ce genre de vastes paysages dans ce livre. Nous parlons donc de remplir des ruisseaux, couler des montagnes, des champs et des rivières, puis de nous diriger vers la mer. Nous avons donc des montagnes dessinées ici, et vous pouvez voir juste le dessin en ce qui concerne le design, les montagnes sont juste ce genre de bosses d'apparence très uniforme Nous savons que les montagnes ne ressemblent pas à cela dans le monde naturel. Et puis il y a tous ces éléments de design, tous ces éléments de design comme des points ou différents types de lignes. Et, vous savez, ce n'est évidemment pas dans la nature, mais l'illustrateur les utilise comme éléments de design tout au long du livre. Et puis les couleurs ne sont pas surnaturelles. Mais si vous regardez cette illustration dans son ensemble, vous remarquerez que tout s'intègre les couleurs très bien dans les couleurs, et il est alors facile de repérer notre personnage principal ici. Et vous remarquerez que sur chaque page du livre, les couleurs ne sont peut-être pas surnaturelles. C'est de la neige, mais elle est un peu rosée. Et puis nous avons presque une couleur orangée, rougeâtre ou une montagne là-bas Elle utilise une large palette de couleurs, mais tout est fait de tons sourds, et il y a beaucoup de couleurs non naturelles entre les Vous remarquerez donc que même si les couleurs ne sont pas toutes surnaturelles, elles ressemblent à ce qu'elles sont dans la nature, mais la palette de couleurs est un peu limitée, et elle utilise les mêmes couleurs à plusieurs reprises dans le livre. Cela crée donc une sorte de sentiment et d'unité au sein des différentes pages du livre. Ensuite, nous avons ce livre que nous avons déjà lu plusieurs fois. Nous avons donc une scène diurne où tout est plus clair. Et puis il y a cette scène nocturne amusante. Et tout au long de ce livre, l'illustrateur utilise principalement bleu et des couleurs primaires. Vous remarquerez que beaucoup de ces livres utilisent beaucoup de couleurs primaires. Nous utilisons donc le rouge, le jaune et le bleu. Il y a un peu de violet et un peu de vert en arrière-plan, mais ce sont surtout ces couleurs principales, et cela crée un joli fond pour ensuite, lorsque le dragon principal arrive, qui est grand et rouge, il ressort vraiment avec toutes les autres couleurs, nous pouvons le voir Et d'autres tartinades. Et il y a du rouge ailleurs dans le livre, mais vous remarquerez qu'il n'y en a pas vraiment, il n'y a pratiquement aucune trace de vert ou de violet ou quelque chose comme ça. C'est donc vraiment sympa, une palette de couleurs un peu limitée que nous voyons dans ce livre. Et puis nous avons des carottes effrayantes. Et puis avec celui-ci, nous utilisons simplement des tons de gris , puis des oranges et un peu de jaune pour les yeux. Et il y a une super ambiance de film noir avec toutes ces illustrations. Il y a des vieux films d'horreur granuleux, et puis il y a juste une petite couleur pop up pour les carottes Cela permet donc une narration vraiment efficace dans celui-ci Et puis nous avons ce livre, Good night Everyone de Chris Cotton. Il a donc toute une série de ces livres, et ils ont tous des palettes de couleurs très limitées et très peu naturelles Et donc, ici, on dit que le soleil se couche et que tout le monde est endormi, et nous avons des tons bleus et violets, mais tout est très clair au néon Et nous les avons partout dans le livre, nous avons cette pâte à tartiner où nous avons des légumes verts et des oranges. Mais la plupart des planches de ce livre sont extrêmement vives et de couleurs plus foncées, et tout est ce genre de collage, de papier découpé, de formes très simplifiées. Et je pense que lorsque vous utilisez ce langage de formes très simplifié, les couleurs vives fonctionnent très bien avec cela. C'est donc un choix de design pour lui. Et puis nous avons ce livre. Il s'appelle Last stop on Reindeer Express Carl James Et avec celui-ci, nous avons également des couleurs très peu naturelles. Cela passe donc par toutes ces différentes phases, et nous avons donc beaucoup de rouge et de vert. Ensuite, nous passons par le portail, puis nous avons toutes ces sortes de verts, de jaunes et de verts chauds Et puis nous arrivons en ville, et il y a à nouveau ces rouges fous et très vifs. Ensuite, nous arrivons chez son père, puis nous obtenons à nouveau une palette de couleurs différente. Vous pouvez donc voir que, vous savez, non seulement les couleurs ne sont pas assez naturelles, mais il y a aussi un langage de design très distinctif ici Beaucoup de designs, de formes et de motifs très angulaires. Par exemple, ici, au lieu de créer des contours noirs et des fenêtres noires, nous avons utilisé des couleurs claires pour les détails du bâtiment. Et les bâtiments ne sont en fait qu'une boîte de couleurs, une section de bâtiments. Nous avons du rouge, puis derrière, nous avons une section verte de bâtiments légèrement texturés. Donc, des choix de design vraiment intéressants dans celui-ci, puis nous en examinerons quelques autres. Hum, nous avons Hagasaurus avec Chris Chatterton, et ici, nous utilisons la couleur pour Hagiaurs est donc très bouleversé . Il est très triste. Nous avons donc ce fond bleu ici, et l'illustrateur n'a fait que nous suggérer un arrière-plan , sinon, il est tout simplement propre. Et puis quand il se fait un câlin, tout va tout à coup mieux, et vous pouvez voir la différence de couleurs ici. Et pareil, il n'y a aucun arrière-plan, sauf une petite suggestion selon laquelle ils ont des arbres autour eux avec les feuilles sur le dessus, mais tout le fond est jaune sur celui-ci. Vous pouvez donc utiliser les couleurs pour les émotions. Et puis avec celui-ci, nous avons une créature habituée qui est une sorte de créature imaginaire. Et là, nous avons beaucoup de choix de design surprenants, je suppose. Tout va en quelque sorte ensemble. Il existe de nombreuses textures différentes. Vous pouvez voir que le ciel est rose au lieu de bleu. Il y a juste un motif sur les ananas. Nous avons des feuilles roses et rouge foncé ici. Et puis il y a eu cette autre scène où nous avons un ciel blanc, des nuages roses. Et encore une fois, nous avons toutes sortes de plantes de couleurs différentes . Et puis il y a une scène qui se passe dans l'eau, avec des textures dans l'eau , où on parle de choix de design intéressants et où l'on réfléchit à des points de vue originaux Donc le texte dit qu'au lieu de dire bonjour aux poissons, il est allé nager avec eux. Et à chaque page, le personnage principal est un peu horrifié par ce que fait ce visiteur Donc, mais quelle façon amusante de voir le reflet, les pieds, rien que les pieds, puis nous voyons le reflet du personnage principal : les petits gars se baignent et les poissons sont simplement indiqués par des formes très simplifiées ici. Et puis, si nous examinons le livre de John Klausin, la plupart de ses livres ont une palette de couleurs très, très limitée Donc, si nous feuilletons celui-ci, c'est surtout que tout est très discret. Tout est très brun si on le feuillette très vite. Les diamants sont de toutes sortes de couleurs, marron et rose, puis ils s' assombrissent à chaque fois qu'ils s'endorment. Et puis quand on passe de l'autre côté, tu sais, tout redevient brun. Nous avons dit plus tôt qu' il avait ce genre d'humour impassible. Tout est très symétrique, et la palette de couleurs limitée fonctionne très bien avec son style artistique simplifié. Nous avons également examiné le noctambule plus tôt, et de nombreux illustrateurs font du bleu et jaune les couleurs principales de ce livre Et comme vous le verrez sur cette couverture, presque tout est un peu jaune. Et nous parlions, vous savez, de concevoir un espace. Nous avons donc un premier plan avec notre petit personnage principal, le hibou, et nous voyons comment il a créé un nuage pour contourner le hibou afin de vraiment le mettre en lumière là-bas. Ensuite, nous avons cette zone sombre avec les chevaliers, où le contraste est très faible. Je ne sais pas de quelle couleur sont les chevaux. Ils sont juste d'une couleur sombre, presque noire ou grise. Et puis nous avons notre arrière-plan très, très clair. Là-bas. Et puis, comme nous l'avons vu plus tôt, lorsque nous arrivons aux scènes nocturnes, tout n'est que des nuances de bleu là-bas, à l'exception de quelques touches de jaune Et d'une manière très similaire, nous avons le chantier Good night Good night avec Tom Lichtenheld, et toutes ces illustrations sont principalement en rouge, jaune et bleu Il y a donc un très bon contraste sur la plupart des pages entre le jaune pour le jour et le bleu pour la nuit Il contient donc une section pour chaque camion et, vous savez, ce qu'ils font pendant la journée. Puis ils s'endorment, puis le bloc-notes suivant est jaune, puis le suivant est bleu. Et au lieu d'avoir une couleur blanche pour les pages, toutes les pages ont ce genre de ton jaune. C'est donc une sorte de livre bicolore, pourrait-on dire, ici. C'est donc une autre façon de concevoir un livre. Et puis nous avons examiné celui-ci plus tôt le Bo Crew Needs you de Surchalu Et sur celui-ci, toutes les couleurs étaient un peu ces verts et bleus et quelques violets, et puis la plupart des pages ont des touches d'orange et de rose dessus C'est une palette de couleurs un peu limitée, mais elle est quand même agréable et colorée avec juste les touches lumineuses qui sont placées sur les couleurs les plus froides Il y a donc de bons choix de design ici. Ensuite, nous allons regarder deux autres livres, et nous avons Being Home de Mikaela God, illustré Donc, dans celui-ci, vous verrez que la couverture est déjà très rose, et qu'il y a ces silhouettes de certains personnages dessus Et vous remarquerez que le rose est quelque sorte une couleur unificatrice à travers les différentes couleurs. Il est donc utilisé presque comme si vous pouviez indiquer une couleur d'accent sur chaque page. Certaines pages en contiennent plus, d'autres moins, et nous allons simplement sauter un peu pour regarder quelques planches. Sur cette page, nous avons ces éclairs de couleur, puis le texte est rose, puis les personnages sont tous silhouettés en rose ici, et nous voyons leur voyage en rentrant chez eux Et puis il s'agit d'une scène intérieure, mais encore une fois, vous pouvez voir des touches de rose au fur et à mesure que tout se passe ici Et vous remarquerez que dans cette couverture, il s'agit d'une scène en plein air. Nous avons des arbres. Il y a de l'herbe, mais vous remarquerez qu' peu près tout dans la nature, a des troncs d'arbres ici, mais tout est fait de différentes nuances de vert Et puis nous avons ce genre de table très fréquentée à l'avant, puis les touches de rose contenant toutes les personnes présentes ici Il est donc amusant de mettre ces roses et ces verts vraiment vifs l' un à côté de l'autre C'est donc un choix amusant que l'illustrateur a fait pour ce livre. Et puis celui-ci est le City Tree de Lorena Alvarez, et celui-ci est peut-être un peu plus sophistiqué avec les Ce n'est pas aussi visible que dans les précédents. Et dans ce livre, nous trouvons beaucoup de nuances de violet et de rose, puis nous avons examiné plus tôt les Au fur et à mesure que nous arrivons, nous avons le même arrière-plan, mais à chaque saison, elle change un peu les tons pour changer au fil des saisons. Donc, au printemps, les couleurs sont un peu plus vives et il couleurs sont un peu plus vives y a beaucoup de roses ici Nous recevons également beaucoup de détails partout. L'arrière-plan est très simple et les bâtiments sont dessinés, mais ils ne sont pas très détaillés. Mais ensuite, nous avons l' arbre, et, vous savez, ces plantes, tous ces autres détails sont vraiment la force vitale de ce livre. Elle a donc déployé beaucoup d'efforts pour dessiner un grand nombre de feuilles et toutes les illustrations. Donc, en été, c'est toujours pareil, mais nous obtenons des tons beaucoup plus chauds, des sortes d'oranges Puis nous arrivons à l'automne, et vous pouvez voir qu'il fait beaucoup plus frais. Même ce bâtiment juste ici, si nous regardons ces trois pages différentes, nous avons une sorte de rose pâle pour le printemps. Nous avons une couleur jaunâtre et orangée pour l'été, et maintenant c'est l'automne, et il fait froid, frais, rose et violet Et puis nous arrivons à l' hiver, et puis, encore une fois, vous remarquerez qu'il fait beaucoup plus frais et un peu plus gris. Nous avons donc le même arbre, mais seuls les tons changent selon les années. C'est donc un peu plus subtil, mais cela fait un excellent effet lorsque nous lisons le livre. Passons donc à la vidéo suivante, qui sera une autre vidéo d'exercices, et ce sera le dernier exercice avant la fin de ce cours. 20. Exercice 5 : illustration finale: OK, alors passons à notre dernier exercice pour le cours. Vous auriez donc dû travailler sur cette illustration jusqu'à présent, et j'espère que vous y avez ajouté un peu de couleur. Vous avez déterminé où se trouvent les différents éléments et à quoi vous souhaitez donner l' illustration finale. Et nous venons de parler différentes libertés que vous pouvez prendre en tant qu'illustrateur, en ajustant la taille des objets, en ajustant les que vous pouvez prendre en tant qu'illustrateur, en ajustant la taille des objets, couleurs, en vous déplaçant Je veux donc que vous jetiez un coup d'œil et que vous fassiez les ajustements nécessaires. Voulez-vous changer de couleur ? Une couleur différente pourrait-elle ajouter plus d'intensité émotionnelle ? Et si ce n'est pas le cas, vous pouvez continuer et commencer à travailler sur votre illustration finale. Ajoutez donc quelques ombres, si vous voulez ajouter des ombres, simplement finaliser et rendre tout beau Et puis pour la galerie de projets de classe, cette phase avant de commencer à travailler dessus, est également une excellente étape à publier dans la galerie pour demander tout type de feedback. Demandez-lui une critique. Tu peux me le demander. Vous pouvez demander, vous savez, à d'autres étudiants de le critiquer. Ainsi, comme je l'ai dit plus tôt, lorsque d'autres personnes regarderont votre illustration, elles trouveront peut-être des endroits où il pourrait être judicieux de la modifier De cette façon, vous pourriez obtenir des commentaires amusants qui pourraient vous être utiles avant passer à l'illustration finale. Pour ma part, j'essaie généralement d'être sur Skillshare au moins une fois tous les deux ou trois jours, peut-être un peu moins en été, mais je réponds généralement aux publications de tout le monde en quelques Vous serez donc en mesure d' obtenir des commentaires assez rapidement, du moins de ma part en classe. Merci de m'avoir suivi. J'ai hâte de voir les illustrations que vous allez créer. N'oubliez pas de les publier dans la galerie ci-dessous Je vous verrai dans la prochaine vidéo Nous résumerons ce dont nous avons parlé dans ce cours et parlerons des prochaines étapes. Je t'y verrai. 21. Encouragement et réflexions finales: Cela peut sembler beaucoup de travail à consacrer à une seule illustration. À certains égards, vous avez raison, créer superbes illustrations demande beaucoup de travail. Mais d'un autre côté, une grande partie de la prise de décision sera rationalisée au fur et à mesure que vous travaillerez. Donc, si vous envisagez d'illustrer des livres dans leur ensemble, il vous faudra beaucoup d' illustrations et beaucoup de travail Mais en même temps, vous essayez d'être cohérent dans le livre. Ainsi, la façon dont vous dessinez l'herbe ou les arbres, la plupart des décisions individuelles que nous avons prises pour cette illustration, vous ne prenez cette décision qu'une seule fois, puis elle continuera et sera la même pour tout le livre. Vous ne réaliserez pas non plus d'illustrations en pleine page ou en pleine page pour l'ensemble du livre. Vous allez avoir des illustrations ponctuelles et des vignettes, lesquelles vous allez mettre dans lesquelles vous allez mettre beaucoup moins de fond Ainsi, lorsque vous y réfléchissez ainsi, cela va beaucoup plus vite lorsque vous travaillez sur plusieurs illustrations qui font toutes partie d'un plus grand groupe. Pour moi, la phase de création de vignettes est la partie la plus longue et la plus difficile de la création d'un livre d' images. C'est le moment où je passe le plus de temps à réfléchir et à essayer de trouver les différentes planches et la façon dont illustrations vont passer d'une page à l' la partie la plus longue et la plus difficile de la création d'un livre d' images. C'est le moment où je passe le plus de temps à réfléchir et à essayer de trouver les différentes planches et la façon dont les illustrations vont passer d'une page à l'autre. Je pense aux compositions. Je commence à penser à la palette de couleurs. C'est donc en quelque sorte là situera l'essentiel de la prise de décision. Et une fois que j'ai enfin travailler sur l'illustration finale, commencé à travailler sur l'illustration finale, toutes les décisions ont déjà été prises, donc tout est vraiment amusant et ça va beaucoup plus vite que dans ont déjà été prises, donc tout est vraiment amusant et ça va beaucoup plus vite que dans les phases initiales où je prends toutes les décisions. J' espère donc que vous avez apprécié ce cours, que vous vous sentez inspiré et que vous vous sentez habilité à utiliser de nombreux nouveaux outils dans votre boîte à outils pour commencer à créer superbes illustrations pour des livres d'images Si vous aimez le cours, il est très rapide de laisser des avis sur Skillshare Vous pouvez simplement descendre en bas, et il suffit d'un clic sur les étoiles. Vous pouvez écrire quelques mots si vous en avez envie, mais le simple fait de leur donner des étoiles peut vous aider. Je vous encourage vivement à publier certains de vos travaux dans la section des projets ci-dessous. C'est un excellent moyen de demander des commentaires, non seulement à moi, mais aussi aux autres étudiants de la classe, et c'est un endroit où vous pourriez même demander à des personnes de faire partie d'un groupe de critiques. C'est un encouragement pour tous les membres de la classe lorsque des projets de classe sont téléchargés pour voir ce que les autres ont fait. Je suis généralement sur Skillshare, si ce n'est tous les jours, tous les deux jours, et je reviens toujours pour commenter et regarder ce que les étudiants ont publié, et j'adore vous voir travailler Si vous publiez vos articles sur les réseaux sociaux, n'hésitez pas à me taguer Mica Hookin ou sur Mica Draws sur Instagram, et j'adore venir commenter et aimer Organisez toute une série de cours liés aux livres d' images, et celui-ci n'est que l'un d'entre eux. Celui-ci sera suivi d'un autre qui parlera de la création de scènes d'intérieur. Mais il existe des cours sur la création de personnages, façon de dessiner régulièrement, création de mannequins pour les livres d'images et sur les recherches pour les livres d'images Et tout cela est très utile si vous débutez dans l'illustration de livres d'images et que vous essayez de comprendre comment mettre le pied dans la porte. Vous pouvez voir mon travail sur mon site Internet à l'adresse merca.com, et j'ai hâte de vous voir dans les prochains cours Merci beaucoup, je vous verrai dans le prochain. Au revoir.